Bulldozer12

Nº 12 - Julio 2010 Edición Digital

Ronnie James Dio

Sumario II II II II II II II II II

Cannibal Corpse Insidious Disease Cerberus Kingdom Of Hate Nevermore Rhapsody Of Fire Polimetro fotoLUMIXreviews Manowar Stream Of Passion

Staff

Director y Editor: Jorge Ciudad Diseño: Claudio Torres Periodistas: Cristián Pavez Colaboradores: Sebastián Jiménez Fotos: Ignacio Orrego González www.revistabulldozer.cl www.myspace.com/revistabulldozer -Edición Digital Bimestral-

Director Editorial: Cote Hurtado Ventas: ventas@rockaxis.net www.editorialaxis.cl

Foto: Ignacio Orrego G.

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10 de julio de 1942 – 16 de mayo de 2010

Don’t care which god you follow Whose promises you swallow Time and again We must meet at the end It’s all right When the music is over Come on and dance For the lord of the last day

Alex Webster en entrevista especial

en Chile

L A T E M H T A E D NOCHES DE 06

Nadie en la escena extrema internacional conoce mejor al público chileno que Cannibal Corpse. Siete conciertos en el país lo avalan y esa fue la marca que dejó en febrero, cuando el grupo animó un sold out show en plena temporada veraniega en el Teatro Novedades. Sintiéndose a gusto con la espectacular racha de “Kill” y “Evisceration Plague”, producidos Erik Rutan (Hate Eternal), el bajista Alex Webster habló de recuerdos, motivos, anécdotas, éxitos, datos técnicos y hechos inexplicables de su música, en una conversación que honra las páginas de Revista Bulldozer.

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N

o sé si lo sabes Alex, pero ningún otro conjunto norteamericano de metal ha venido a Chile en tantas ocasiones como Cannibal Corpse. ¿Qué tiene de especial esta parte del mundo para ti? ¿Cómo describirías tu relación con los chilenos?

“Ha sido muy, muy buena, desde el primer show. Siempre hemos tenido shows grandiosos en Chile. Creo yo que hicimos de headline la primera vez que fuimos, un concierto realmente enorme, y la segunda fue abriendo a Death, recuerdo que en 1998, y después de eso tocamos dos shows en el mismo lugar (Teatro Providencia), dos en ese mismo viaje, ambos con Angor, y luego tocamos como un par de veces más y claro, hemos ido en varias oportunidades y siempre ha sido grandioso, ¿sabes?, siempre hemos tenido shows grandiosos.

Algunos de los conciertos más grandes que jamás hemos hecho como headliners han sido en Chile, por lo que siempre nos pone felices ir hasta allá, porque sabemos que será un gran show”.

Estoy seguro de que ese recital con

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Death e Incantation el ’98 es uno de los más grandes que Cannibal Corpse ha hecho en su carrera. Hace poco entrevistamos a Richard Christy, quien compartió un montón de anécdotas acerca de ese viaje. ¿Qué recuerdas tú?

hace bastante tiempo, a John McEntee y todos ellos. Fue una tremenda noche de Death Metal y me cuesta creer que hayan pasado 12 años ya (risas), ¿no?, ¡mucho tiempo! De verdad fue un concierto excelente, uno de nuestro favoritos, eso es seguro”.

“Oh, ¡que fue un gran, gran concierto!

Estuve recién de hecho hablando con Shannon Hamm (ex Death, Control Denied) el otro día. Lo vi en un club, en un acto a beneficio suyo, ya que atraviesa por una situación médica bastante complicada y necesita ayuda con eso... conversé con Shannon y justo hablamos de ese mismo concierto, pues Shannon tocaba la guitarra con ellos en ese tiempo, con la alineación de “The Sound Of Perseverance” (1998), ¡y fue un show tan grandioso! Ambos nos acordamos de un incidente en particular, de alguien lanzando una especie de “fuego” al escenario como al comienzo del performance de Death, una bengala de algún tipo, ¡y recuerdo que había humo por todos lados (risas)!”.

En los DVD “Centuries Of Torment: The First 20 Years” (2008) y del making of de “Evisceration Plague” (2009), podemos ver el afiche de ese festival pegado en la sala donde ustedes ensayan. ¿Qué prioridad tiene para Cannibal Corpse el público chileno y latinoamericano?

“Era una multitud simplemente asombrosa, ¿no?, haciendo tanto ruido, cantando las canciones de Death y todo.

Fue un show grandioso. Además tocamos con Incantation y fue fabuloso también, si conocemos a esos muchachos de

“Es muy importante, dado que en adición a Chile, hay varios otros países allá abajo con una gran escena Death Metal. Sólo hay unos pocos en los que no hemos tenido la oportunidad de tocar, pero creo que hemos actuado en más de la mitad, en Perú y Brasil, Argentina, Colombia, Venezuela. Hay tremendos fans del Heavy Metal allá abajo, escenas enormes en esa parte del mundo. Pienso que por el tamaño de algunas ciudades, la escena sudamericana es más grande que la de Estados Unidos o de ciertos lugares en Europa”.

“Por ejemplo, si bien tocamos en ciudades norteamericanas que son más

grandes que Santiago como tal vez Nueva York, igual logramos meter a más gente en un concierto de Santiago. Quizás juntamos 800 personas o algo por ahí en Nueva York, mientras que en Santiago siempre van más de mil, por lo que de verdad es un lugar magnífico no sólo para el Death Metal, sino también para cualquier tipo de banda metalera. Hay una muy buena escena allá abajo, así me parece”.

LA PLAGA QUE AÚN AZOTA: ¿“KILL PART 2”?

En 2007 dijiste que este segundo trabajo con Erik Rutan (Hate Eternal) como productor, “Evisceration Plague”, tenía el potencial de ser superior a “Kill” (2006), del mismo modo que “The Wretched Spawn” (2004) era mejor que “Gore Obsessed” (2002), los dos que ustedes hicieron con Neil Kernon (Queensrÿche, Nevermore, Deicide). ¿Qué avance o progreso ves ahora entre “Kill” y el último?

“Ahmmm... es difícil la cuestión en realidad. Sin duda que con “Kill” quedamos muy satisfechos, por lo que

hacerlo mejor en “Evisceration Plague” no era una tarea sencilla. Tratamos de hacer las cosas incluso más organizadas con la preproducción. En las prácticas por ejemplo tuvimos a nuestro batero Paul (Mazurkiewicz) con un metrónomo en cada canción, y también grabó con un metrónomo en cada canción, algo que jamás habíamos hecho. Eso ayudó entonces a que el performance en “Evisceration Plague” alcanzara un mejor feeling, un mejor “flujo” de principio a fin... los tempos son los mismos de principio a fin y ese tipo de consistencia lo hace ver como un esfuerzo técnicamente más “competente”. Quizás no sea el más técnico en cuanto a notas veloces o marcas extrañas, pero sí el de sonido más sólido que hayamos conseguido”. ““Evisceration Plague” suena muy sólido, tiene nuestros mejores performances como músicos, con todo sonando muy compacto y perfecto. Ahora, me es difícil asegurar que es mejor que “Kill”, nos sentimos bastante orgullosos de ambos y cuesta decir cuál es superior. Por supuesto que tratamos que “Evisceration Plague” fuera mejor (risas), aunque es difícil saber si lo logramos. Escucho “Kill”, escucho “Evisceration Plague”, y los dos

suenan muy bien. No sé cuál es mejor”.

Encuentro que “Evisceration Plague” no es tan oreja como “Kill”. El último que mencioné es más tradicional, directo y pegajoso, mientras que el nuevo es más épico, pesado, con secciones lentas, con elementos atípicos, con nuevos componentes. ¿Por que eligieron tal enfoque, considerando el enorme éxito de “Kill”?

“En cada producción tratamos de crear temas individuales que ojalá tengan su propio territorio y algo un poco diferente que ofrecer con respecto a lo entregado en el pasado. Pese a que no nos habría complicado sacar un álbum similar a “Kill”, hubiese sido aburrido repetir el mismo tipo de ideas, por eso intentamos cosas diferentes, que aún continuaran siendo 100% Death Metal”.

“Fue una experimentación musical, buscando otro tipo de escalas, quizás otros patrones de batería, sonidos como esos que ojalá abrieran los oídos de todos, si la única queja que siempre escuchamos es esa de ‘oh, el último de Cannibal Corpse suena demasiado parecido a los anteriores’,

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por lo que quisimos asegurarnos de que “Evisceration Plague” no sonara como al menos los cuatro pasados. Y en nuestra opinión el disco sí tiene sus propias características individuales por más que no todos lo crean así. Cuando oyes “Evisceration Plague”, puedes notar a mi juicio la diferencia con “Kill”, que no es un “Kill Part 2””.

Por supuesto, ya que cuenta con ‘Evisceration Plague’, que es más lento, y ‘A Cauldron Of Hate’, que es más arrastrado en algunas partes. A propósito, en el making of comentas que ‘A Cauldron Of Hate’ no se encontraba al mismo nivel del resto del material que habías ideado para “Evisceration Plague”, pero que terminó convirtiéndose en una de las pistas más pesadas. ¿Cuánto te costó hacer que sonara así de heavy en el estudio?

“Fue un reto antes que todo para los guitarristas porque la compuse con el bajo. Pese a que Pat (O’Brien) y Rob (Barrett) son capaces de tocar mucho más rápido, hacerlo de la manera en que un bajista escribe puede ser difícil.

El aspecto técnico de hecho fue harto desafiante para los muchachos. Cuando intentas algo diferente que no haces muy a menudo, en nuestro caso un track pesado y lento... el reto en lo personal fue lograr que se escuchara realmente pesado y lento en su mayor parte, que resultara heavy sin la velocidad que por lo general utilizamos, tratando de venir con algo interesante y lento, sin que fuera demasiado largo ni provocara aburrimiento al auditor (risas)”.

“Ese es el cuento, debido a que si tocas lento y sigues un patrón tradicional, ya sabes, verso-coro-verso-coro, haces que se alargue. Bueno, si los riff son más lentos, las canciones serán más largas, y si la canción es más larga, ¡existe la chance de que la persona se aburra antes que termine (risas)! Es fácil hacer una interesante si dura dos o tres minutos, pero cuando es de cuatro o cinco minutos como ‘A Cauldron Of Hate’ y ‘Evisceration Plague’, cuesta más mantener interesado al oyente por un mayor lapso de tiempo.

Ese fue el desafío y tuvimos éxito en ambas. Hemos recibido un montón de comentarios positivos gracias a las dos, entonces habrán más como esas en el futuro pienso yo”. ¿Y cómo has visto la respuesta del

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público ante esos números en vivo? “¿Sabes?, a todos les gustan al parecer. No hemos puesto ‘A Cauldron Of Hate’ en vivo aún. ‘Evisceration Plague’ sí, y a todos parece gustarle. Como cabeza de cartel, como acto principal en nuestra gira, necesitamos tocar cerca de una hora y quince minutos quizás para entregar un buen show, y si vas a mostrar puros cortes rápidos por una hora y quince minutos, de nuevo, puede que la audiencia se canse un poco (risas), ¡que sus oídos vayan a terminar machacados (risas) por todo el blasting, los beats acelerados y todo! Por eso, tener una o dos más lentas, mezclando un poquito las cosas en el set en vivo, creo que es una buena idea”.

EL EQUIPO WEBSTER/RUTAN: EN UN LADO Y OTRO Ahora Alex, ¿cómo compararías la experiencia de grabar en Cannibal Corpse con Erik como productor, y de grabar “Fury & Flames” (2008) con Hate Eternal, donde Erik las hace de productor, compositor, cantante y guitarrista?

“Son harto distintas la verdad. Somos grandes amigos así que la relación es buena en ambas situaciones. La música de Hate Eternal obviamente es mucho más rápida, otro tipo de Death Metal, con un montón de diferentes cuestiones que él hace con su guitarra, por lo que debo colocar partes de bajo que funcionen con eso, y que de hecho se alejan de Cannibal Corpse. Fue diferente en lo musical, al igual que en mi rol en el grupo. No tuve que escribir nada... claro, vine con ciertas ideas, aunque basadas en la música de Erik. Él es el compositor ahí y sólo coloco partes de bajo basadas en sus riff, a modo de complemento”.

“Fue un poco más fácil para mí en ese

sentido dado que en Cannibal Corpse yo escribo buena parte de la música y hartas letras también, así que debo pensar en varias otras cosas. Con Hate Eternal en cambio, en lo único que debo pensar es en el bajo. Erik sin duda es un líder de banda muy talentoso y capaz, es un tremendo productor y sabía que realizaría un excelente trabajo mezclando el álbum de Hate Eternal.

Sólo lo necesitaba a él entonces para grabar el bajo y después eso, quizás un par de días más tarde, fuimos a Sudamérica para la gira que realizamos el 2007. Me parece que grabamos el de Hate Eternal y de inmediato partimos.

Mientras tocábamos en esos show allá abajo, Erik se encontraba finalizando el resto del disco. De haber sido uno de Cannibal Corpse, yo habría estado ahí casi todos los días independiente de si hubiera tenido que ocuparme del bajo o no. Escribo tanto que prefiero estar presente cuando los guitarristas graban, cuando las baterías se graban, cuando el cantante graba. Yo sólo tengo que ser el bajista en Hate Eternal y ese cambio es

interesante”.

Una vez dijiste que la música de Hate Eternal era extremadamente desafiante debido a los tempos ultra rápidos. ¿Qué aprendiste como performer en “Fury & Flames”?

“Bueno, ciertas cosas como... no quiero que esto se ponga demasiado aburrido para los que están leyendo y no saben tocar (risas), pero algunas partes eran tan veloces que ni siquiera intenté equipararlas... para el picking de las guitarras buscaría mejor escribir líneas de bajo interesantes que fueran un poquito más lentas. En lugar de hacer lo mismo que las guitarras, decidí en el fondo escribir partes de bajo que funcionaran con las notas que se tocaban, sin importar que fueran iguales. Y resultó muy entretenido, me pude concentrar nada más que en ser bajista. Y también un desafío, porque algunas secciones las hice cuando las canciones eran más “lentas”, al principio. Al momento de entrar al estudio, ¡el material estaba mucho más rápido! ¡Algunas partes que yo mismo había escrito se hicieron más difíciles de lo presupuestado (risas)! Me tomó un poco más de tiempo grabarlas, no obstante fue divertido. Cada vez que trabajas con otros músicos vas a aprender nuevas lecciones. Son grandes intérpretes, Shaune (Kelly, guitarras), Erik y Jade (Simonetto, batería), por lo que sin duda aprendí harto de ellos”.

LA NUEVA GENERACIÓN DE FANS: LA DELGADA LÍNEA ENTRE EL ÉXITO Y EL OLVIDO Cannibal Corpse vive un momento increíble gracias a la aparición de sus dos últimas producciones en los charts de la Billboard. ¿Qué pasa hoy en la industria musical y en la escena metalera que hace posible que “Kill” y “Evisceration Plague” salgan en la lista de los más vendidos? ¿Por qué ahora y no con “Bloodthirst” (1999) o “Gore Obsessed”?

“Probablemente sea una combinación de cosas. Lo primero, “Bloodthrist” y “Gore Obsessed” salieron antes que Job For A Cowboy, Whitechapel, Trigger The Bloodshed, Annotations For An Autopsy, antes que todas estas agrupaciones

jóvenes que las llaman Deathcore o nuevo estilo del Death Metal. Son conjuntos que tocan una música similar al viejo estilo del Death Metal, pero que tienen su cuento bien propio y aparte.

Y están capturando un montón de jóvenes fans para la escena, chiquillos como de 15 años tal vez que conocen a Job For A Cowboy y vieron quizás una entrevista a ellos donde decían que

Para esas personas, Mariah Carey quizás sólo sea música de fondo, ¿no?, muchas veces buscan música para bailar nada más, por lo que no les interesan los discos de la misma manera que a un seguidor de Iron Maiden, que desea comprar uno de Iron Maiden y tener el paquete completo, el artwork y las fotos del grupo... otros tipos de música han

bajado sus ventas, no tanto así el metal”. escuchaban Morbid Angel o Cannibal Corpse, por lo empezaron a interesarse en nosotros. Ese podría ser un motivo, que ahora tengas la escena Deathcore y que algunos nuevos fans estén introduciéndose a los clásicos como Obituary, Deicide, Unleashed y así”.

“Lo segundo, es que creo que los actos metaleros parecieran ser más exitosos hoy en día aunque que no estén vendiendo mucho más que antes, pues en otros estilos musicales la gente está comprando menos, por lo que la competencia hoy en día es más baja.

Uno puede meterse en los Top 200 de la Billboard ahora con tres mil copias vendidas en la primera semana, siendo que hace cinco años necesitabas cinco mil. Las bandas de metal siguen vendiendo, ya sabes, tres mil la primera semana, o cuatro mil. Hace cinco o seis años atrás no habrían ingresado a los charts con esas cifras, pero en los demás estilos musicales, Pop común y cosas como esas, cada vez menos y menos fans compran álbumes, mientras que los metaleros continúan haciéndolo, porque quieren el artwork, quieren las letras.

Encuentro que los fans del metal son más dedicados que los del Pop o del Dance.

“Claro que hemos perdido un poco debido a la descarga ilegal, sin embargo, la escena metalera cuenta con una sólida fanaticada mucho más interesada en el producto físico. Como dije, es una combinación de cosas y estoy seguro de que pueden haber varios otros factores ayudándonos a tener un gran éxito estos años. Cual sea la razón, ¡estamos muy felices (risas)!, y tratamos de agradecerle a los fans del mejor modo posible”. ¿Y qué ocurrió con “Bloodthirst”?

Tengo entendido que es la producción que menos copias ha vendido en la historia de Cannibal Corpse, pese a ser una de las mejores a tu juicio...

“Es verdad. Y no lo sé. Lo que sí sé es que en ese tiempo estábamos haciendo muy buenas giras. Recuerdo que justo después que saliera “Bloodthirst” armamos una con Hate Eternal, God Dethroned y Diabolic por los Estados Unidos, ¡y fue grandiosa!, ¿sabes?, grandes audiencias, grandes shows, sin embargo el álbum no se vendía tanto... y no estoy seguro por qué. Ese fue el primero que sacamos luego de Napster y esos programas de file sharing con

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los que podías robarte el CD... ese fue el primero que sacamos luego que esas cosas se volvieran populares. “Gallery Of Suicide” (1998) golpeó mucho más en cuanto a ventas que “Bloodthirst”. Quizás sea una parte de las razones, no lo sé con certeza, sólo que fue el primero que sacamos cuando eso ocurría”.

“Encima de aquello, pudo haber sido que el Death Metal tampoco era tan masivo en ese entonces... ¡o también que a las personas no les haya gustado la placa (risas)!, ¿no?, quizás pensaron que no era un buen trabajo, aunque es extraño, ya que la mayoría de la gente con la que he conversado lo considera grandioso... claro, sólo si lo escucharon. Muchos no lo han hecho todavía, en especial algunos de nuestros seguidores más jóvenes que no lo conocen. En una de esas saben de los primeros con Chris Barnes, de “Kill” y “Evisceration Plague”, ¡pero ojo!, ¡que un par de lanzamientos hay ahí entremedio!, como “Gallery Of Suicide”, “Bloodthirst” en particular y “Gore Obsessed”, a los que no se les presta demasiada atención.

Desearía que los tomaran más en cuenta, ¡porque nos sacamos la mugre haciéndolos (risas)!, incluyendo los que te dije”.

unos años atrás, sólo ahí empecé a oír esa clase de música y traté de desarrollar ideas musicales un poco más sofisticadas. Creo que puedes sentir que eso comienza a pasar en “Tomb Of The Mutilated”. Es primitivo comparado con lo de ahora, aunque igual era un poco más sofisticado... no me refiero a sofisticado como Atomic Noise, ¡definitivamente somos más brutales (risas)!, eso sí, quisimos ser un poco más técnicos. Las cosas empezaron a irse por un rumbo más técnico en “Tomb...””.

“Y con respecto a ‘Hammer Smashed Face’, la

Y a Cannibal Corpse le agrada interpretar pistas de todos los discos en cada show. Por lo mismo, ¿cómo era para ustedes llegar a Alemania y que les prohibieran presentar material de las tres primeras placas? ebastián

FOTO: S

rio del a t n e m o Lee el c e febrero acá d concierto

INCLUSO EN ALEMANIA: ¡A APLASTAR LA CARA! El año pasado, los lectores de una revista germana escogieron a ‘Hammer Smashed Face’ como la mejor canción Death Metal de todos los tiempos.

Además, he escuchado a George Fisher comentando que ese es el único corte de Cannibal Corpse que no se puede sacar del setlist. ¿Qué salió tan bien en esa composición? ¿Qué pasaba por tu cabeza cuando hacían “Tomb Of The Mutilated” (1992)?

“Bueno, al menos en las pistas que yo estuve escribiendo y en un montón de esos riff, yo recién me estaba interesando en el metal más técnico tipo Atheist.

Escuchaba Watchtower, harto. Pese a que tales álbumes habían sido editados

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‘one, two, three, four!, one, two, three, four! (la partida del tema)’, te hacen pensar en golpes fuertes (pounding), ¿cierto? No es que pretendiéramos aplastarle la cara a alguien (risas), sólo buscábamos escribir algo acerca de eso, ¡no sé por qué! Era una especie de idea sencilla, basada en cuestiones bien simples, que además tenía melodías metidas, algo inédito para nosotros... te hablo de ese riff, algo con que las personas podían cantar de hecho.

Pudo haber sido en Argentina cuando tocamos allá la última vez, que cierta gente cantaba ese riff, y eso para mí dice mucho. Tú sabes, si las personas pueden cantar un riff, significa que es tan melódico como una línea vocal y que es algo que serán capaces de recordar.

De un modo u otro, pienso que conseguimos algo memorable. Me alegra que a la gente le guste”.

empezamos a escribir Paul y yo luego de... tuvimos una discusión con los demás muchachos del grupo, en particular con Chris, así que Paul y yo nos fuimos de la banda por una semana... un montón de personas no sabe esto (risas), nos quedamos como ‘¡a la cresta!, ¡no vamos a tocar más contigo!’, una de esas peleas estúpidas que tienes cuando eres joven. Éramos todos de 21, 22 años, así que después de una semana ya nos encontrábamos de vuelta. Fue una discusión pequeña, y en ese corto período Paul y yo comenzamos a armarla juntos”.

“No sé si estábamos enfadados o si queríamos componer una cosa brutal nomás, pero las ideas más simples como

“Era difícil sin duda, no era entretenido tener que saltárselo. En este momento la cosa está bastante OK acerca de tocar lo que queramos en Alemania. Sólo tenemos problemas en lugares como Bavaria.

La última vez en Munich por ejemplo de nuevo no nos dejaron tocar canciones de los tres primeros álbumes, por lo que el problema no se ha resuelto del todo, aunque por lo general ha mejorado un poco la situación allá. En la mayoría de los lugares de Alemania podemos tocar lo que se nos plazca, lo que es genial.

Era una mierda, porque los tres primeros tienen varios clásicos como ‘A Skull Full Of Maggots’ y por supuesto, ‘Hammer Smashed Face’. Si nos prohíben interpretarlos, se siente un poco como si el concierto estuviera incompleto, y eso fue lo que sentimos en Munich.

Terminamos la noche con ‘Stripped, Raped and Strangled’ y fue como ‘bueno, ¿se acabó? ¡Aún no hemos tocado ‘Hammer Smashed Face’ (risas)!, ¿¡cómo es posible que hayamos terminado (risas)!?’”.

Jiménez

Jorge Ciudad

SILENOZ, JARDAR, EMBURY, LAUREANO Y GREWE EN:

EL LADO DEATH METAL DEL

LÍDER DE DIMMU BORGIR:

“LA IDEA DETRÁS ES REUN I R A AMIGOS, TOCAR MÚSICA BRUTAL Y PA SARLO BIEN” 14

Meses luego de haber sacado el inconmensurablemente sinfónico “Death Cult Armageddon”, al guitarrista fundador de Dimmu Borgir le dio ganas de explorar un ángulo más brutal a LQZMK\W IT OZIVW MVZIQbILW MV [][ ^QMRI[ QVÆ]MVKQI[ Death Metal. Silenoz se reunió con su amigo Jardar, el ex Old Man´s Child con quien había tocado antes de fundar Dimmu Borgir, y llamó a Shane Embury (Napalm Death), Tony Laureano (ex Nile) y al mítico Marc Grewe de los extintos Morgoth, para echar mano al andamiaje de Insidious Disease. El debut de este súper grupo se llama “Shadowcast” y en plena producción del nuevo de Dimmu, “Abrahadabra”, Silenoz se escapa para hablar de este monstruo que tenía atrapado.

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A

rmaste Insidious Disease el 2004 tras la salida de “Death Cult Armageddon” (2003), el álbum quizás más grandilocuente de Dimmu Borgir hasta esa fecha, con la inclusión de la Filarmónica de Praga y un montón de arreglos sinfónicos.

“Shadowcast” en cambio es más directo, básico, crudo, brutal, old school. ¿En qué medida Insidious Disease es una reacción a Dimmu Borgir?

“Me parece que son dos modos 100% distintos de escribir música. Lo que hago para Dimmu es más analizado y pensado, ¿no?, y lo que hago para Insidious es justo lo que dijiste, de vuelta a lo más básico, directo al grano, más simple, sin analizar demasiado mientras componemos. La estructura de los temas es más sencilla, y es más fácil porque fluye con mayor desenvoltura, tal vez debido a que se trata del debut. Los conjuntos con un solo disco no tienen nada en el pasado con qué comparar, entonces… bueno, como lo señalaste, formamos el grupo en 2004 y casi todas las pistas son del 2004 y 2005 (risas).

Ya era hora que pudiéramos sacarlo de nuestro sistema, ¿no?, ¡si incluso he empezado a trabajar en el segundo de Insidious!”.

“En muchos sentidos es más fácil cuando hay menos gente metida en la composición, pero la idea detrás de Insidious era tener una banda propiamente tal, no un proyecto, quiero girar con esto, quiero tocar en vivo. Por más que Dimmu siga siendo la principal prioridad, sería entretenido concentrarme en Insidious cada vez que tenga tiempo”.

‘Rituals Of Bloodshed’ por ejemplo tiene un groove deathmetalero europeo muy de vieja escuela, lo que no quita que el CD tenga elementos más modernos y dark, como también un poco del estilo norteamericano de Death Metal con la batería de Tony Laureano. ¿Cuál es la mejor forma de describir a Insidious Disease?

“Ojalá que la gente vea esto como un

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group-monster, ¿sabes (risas)? No pensamos demasiado en ‘oh, incluyamos aquel o tal riff’, y lo mismo cuando escribimos algunas cuestiones en Dimmu: si cualquier cosa que se nos viene a la mente la consideramos entretenida y tiene una buena actitud, la dejamos, es una fórmula bien sencilla. Espero que las personas vean esto por lo que es, no tratamos de reinventar la rueda ni nada parecido. Siento que -como dijiste- hay sonidos modernos aunque igual se nota una vibra old school en varios cortes, y supongo que “Shadowcast” enseña con crudeza esa mezcla de la música que escuchamos. O sea, me gusta el Death Metal moderno tipo Necrophagist y The Faceless, sin embargo, cuando pienso en el Death Metal me remonto a los ochenta, a los primeros registros de Morbid Angel por ejemplo. Eso es Death Metal para mí, de ahí vengo”.

El sello señala que el foco de este conjunto ‘está en las canciones como un todo, un arte por lo general ignorado hoy en día’, y el proceso de grabación se hizo con técnicas análogas. ¿Qué declaración quieren dar a la escena metalera

con Insidious Disease?

“Sí, creo que actos más modernos sólo piensan en poner toda la complejidad posible en un tema, poner todos los riff posibles, poner todos los cambios de ritmo posibles, y nosotros no queremos eso, preferimos que los tracks fluyan, que tengan un groove, patrones interesantes, themes recurrentes a lo largo de la obra.

Por eso quizás que la mayoría de las pistas es de corta duración y muy directa al grano, manteniendo la intensidad, capturando tu interés. Deseamos demostrar que incluso con simplicidad y una composición directa, back to basics y regular, puedes crear algo atractivo y oreja, ¿no? Ese es el punto en realidad”.

Me imagino que abordaste este álbum desde la perspectiva de un fan del Death Metal, no de un músico de Black Metal. ¿Qué fue lo más entretenido de hacer un trabajo así, distinto a Dimmu Borgir?

“Bueno, de hecho solía tocar en una banda Death Metal antes de formar Dimmu con Shagrath, y antes también que se fundara Old Man’s Child, Jardar, el otro guitarrista de Insidious, tocaba

tape trading con todas partes del mundo, incluyendo Sudamérica. ¿Qué influencia tuvo la época del intercambio de cintas en Insidious?

Lee el comentario de “Shadowcast” acá conmigo en aquella misma banda de Death Metal. De ese tiempo que hablábamos de volver a hacer algo juntos, ¡pero nos tomó 12, 13 ó 14 años concretarlo y escribir alguna porquería (risas)! Fue muy refrescante, en el sentido de que no hay nada qué pensar acá, es el debut recién y no tengo demasiadas expectativas en torno a mí ni al resto de los miembros. La idea detrás es reunir a amigos, tocar música brutal y pasarlo bien. Esa es la esencia de Insidious Disease, y continuamos de ahí. El verdadero motivo es entretenerse, ejercitar tu creatividad, actuar en vivo y subirte a un escenario, eso lo es todo”.

“Ah, pienso que está en el fondo de tu mente, ¿no?, en tu subconsciente, porque entre Escandinavia y Sudamérica siempre existió un tape trading enorme. Las personas en Noruega conocieron a Sarcofago mucho antes que las de Alemania por ejemplo, ¿sabes a lo que me refiero?

Estoy seguro de que esos conjuntos sudamericanos brutales tuvieron un impacto, es algo que está en un rincón de tu cabeza cuando escribes un material brutal, no puedes hacerlo sin pensar en ello, ¿no? Sólo así podías descubrir metal extremo en ese entonces, mientras que hoy tenemos al tape trading moderno que es la Internet. Claro, era distinto con los correos, ¡se demoraban una eternidad en llegar! Eso sí, cuando recibías uno era seguro que habría algo muy bueno en la puerta de tu casa”.

Fundaste este grupo con Jardar de Old Man’s Child. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con él de nuevo en Insidious, siendo que ahora son músicos más maduros?

“Veamos qué sucede aunque claro, es un enfoque opuesto al de Dimmu, ya que Dimmu se ha convertido en una empresa en estos últimos diez años diría yo. Hay mucha más gente trabajando alrededor de Dimmu Borgir, involucrada en cuanto a sello discográfico, marketing, agentes y productores, asuntos por el estilo. Hay muchas más responsabilidades en los roles de Dimmu que en los de Insidious.

Y bueno, siempre he sido un tipo creativo, siempre he sido productivo, siempre me he sentido bien y mejor cuando me encuentro ocupado, así que para mí fue natural a estas alturas de mi carrera irme por un lado más brutal y primal.

Obviamente que el disco de Insidious no encaja mucho en el reportorio de Dimmu.

No se trata de forzar ideas musicales que en lo personal sabes que no van a funcionar, así que las sacas por otra válvula, y esa es Insidious Disease”.

“Sí, o sea, es el mismo muchacho de los comienzos, al igual que yo, y por eso sabía que funcionaría bien pues tenemos un background idéntico en cuanto a la música, ¡de hecho nos gusta el mismo tipo de música!, compartimos el mismo entusiasmo e interés por el metal extremo. Es un sujeto muy tranquilo y sencillo de llevar, lo que facilita la composición, que se la toma con relajo sin dejar de hacer bastante en poco tiempo, porque trabajamos con las ideas del otro. Fue muy entretenido”.

Comentaste que “Shadowcast” ‘tiene más de ese toque de finales de los ochenta’. Entiendo que en los primeros días de la escena extrema de Escandinavia, había harto

“No tuvo demasiado input en este álbum en cuanto a lo creativo pero vino con unas cuantas ideas. Como es un personaje que ha recorrido su buen tramo en el negocio, fue muy útil dándonos

Shane Embury es un sujeto muy ocupado (risas). No sólo está en Napalm Death, toca por si fuera poco en Lock Up, Brujeria y Absolute Power, y más encima tiene su propio sello. ¿En qué medida te costó convencerlo para que se uniera y cuál fue su aporte a las canciones?

consejos, para usar ciertas cosas de tal manera, ¿sabes a lo que me refiero?

Ojalá que para el próximo no lo pillemos tan atareado y pueda contribuir en los temas. Shane está muy ocupado con otros proyectos, sin embargo lo conozco de hace años y siempre hablamos de hacer algo juntos, así que apenas necesitamos un bajista, ¡lo propuse de la nada! Y se prendió de inmediato, así que no fue tan difícil. Lo único complicado fue tratar de encontrar el tiempo y modo para que grabara (risas), ¡aunque funcionó! Pese a que no tuvo una mayor participación en la composición, igual puedes sentir su pulso, puedes sentir lo que hace Shane en realidad”.

Varios del underground se regocijaron por el hecho de que hayas podido traer al cantante alemán Marc Grewe de vuelta al medio. ¿Cómo te pusiste en contacto con él después de todos estos años de la desaparición de Morgoth?

“Por amigos mutuos supe que estaba ocupado en Berlín con cuestiones hardcore. Como yo quería tener vocales más old school para Insidious, empecé a buscar a alguien que sonara más o menos a una mezcla entre Chuck de Death y Jeff de Possessed, con esa onda bien vieja escuela…”.

(Risas) o Martin Van Drunen de Pestilence, Asphyx…

“Sí, ¡exacto!, ¡ese es mi vocalista favorito de todos los tiempos (risas)!, tú sabes, tener una mezcla entre esos tres, y el único que se me ocurría era Grewe. Ahí, un amigo mío me dijo ‘bueno, ¿y por qué no le preguntas?’, y así salió todo.

Marc se entusiasmó harto y pienso que se debe sentir excelente de regreso en una banda de verdad brutal, ¿no? Su voz realmente encaja, no es el típico growl moderno que todos los conjuntos actuales usan y consigue que sonemos frescos y old school de cierta forma”.

Por supuesto, Insidious Disease cuenta con este enfoque Death Metal europeo tradicional gracias a Marc, no obstante, también enseña un approach Death Metal americano por medio de Tony Laureano en la batería, con sus elementos del metal extremo de Florida. ¿Qué importancia hay para ti esa diversidad en “Shadowcast”?

“Creo que todos los miembros vienen

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del mismo background. Compartimos los mismos intereses, lo que nos permite comunicarnos con facilidad. Tony había hecho un montón de live drumming para Dimmu el 2004, justo cuando necesitaba un batero para esto así que le pregunté si le interesaba, y es genial contar con su input. O sea, de hecho escribió un tema y nos ayudó con los arreglos, además de aportar con su sonido. Es entretenido tener esa diversidad y variedad entre todos los continentes (risas), aunque en todos hay algo en común: el amor por la música brutal”. ¿Y qué relevancia tiene para ti la dimensión “súper acto” de Insidious Disease? ¿Cómo se le debería recordar en el futuro?, ¿como un número con integrantes renombrados o una banda de actitud honesta hacia el metal más simple?

“No, ojalá que las personas lo vean por lo que verdaderamente es, un puñado de amigos que le encanta reunirse y tocar música brutal. Ese es el motivo de cualquier conjunto que parte, pasarlo bien, ver ideas de cada uno, combinarlas y tratar de hacer algo único, pero debe salir solo, sin forzarse. No estoy diciendo que Insidious suene único, no es nuestro propósito reinventar la rueda, sino mostrar que tenemos otras influencias.

Espero que la gente se sorprenda de un modo positivo (risas), no negativo. Hay tantas ideas erróneas acerca de muchos en el negocio y la escena y ojalá que este CD también ayude a aclarar algunos prejuicios musicales sobre Dimmu por ejemplo, ¿no?, que somos un montón de maracos que se acuestan con un teclado todas las noches (risas), ¡así ocurre! Tú

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sí puedes tocar en dos lugares distintos y hacer varios estilos musicales diversos”.

Y ahora que saciaste tu sed por un Death Metal más brutal, sencillo y directo con Insidious Disease, me imagino que eres capaz de dedicarte con mayor energía a un próximo esfuerzo de Dimmu Borgir, “Abrahadabra”, que de hecho tendrá a la Norwegian Radio Orchestra.

Han vuelto a trabajar incluso con el mismo que hizo la orquestación de “Death Cult Armageddon”. ¿Cómo se han sentido escribiendo sin Mustis y Vortex?

“Para ser honesto contigo, la diferencia de trabajar sin Mustis y Vortex no es tan grande como la mayoría piensa. A través de los años, casi todos los arreglos y la música han sido creados por Galder, yo y Shagrath, entonces no es que ahora haya una diferencia enorme, y si la hay es para mejor, debido a que armamos esta placa con mucha rapidez y salió con bastante facilidad. Ya terminamos las grabaciones y comenzaremos las mezclas en unos días más”.

“Lo que puedo decirte del nuevo de Dimmu es que los verdaderos fans, los que lo son por las razones correctas, no se verán decepcionados, creo que les va a encantar ya que es más grandilocuente que “Death Cult…” y el sonido será aun mejor. Obviamente, si bien es muy temprano todavía para asegurar si es lo mejor que hemos hecho o no, tenemos la sensación de que logramos algo inmenso y no podemos esperar más para

compartirlo”.

Dos veces has venido a Chile con Dimmu Borgir, el 2001 y el 2004. ¿Qué recuerdas de tus viajes hasta acá?

“Uf, hay un montón de buenos recuerdos de Chile, de ambas ocasiones en realidad. La primera quizás haya sido un poco más loca… por supuesto que nos acordamos del entusiasmo, la dedicación y la pasión que ustedes nos mostraron cuando tocamos allá. No hay nada mejor para una banda que viaja alrededor del globo llegar a un lugar con una multitud tan exaltada, ¿sabes?, ¡es el mejor feeling del mundo!, y ojalá podamos regresar con el próximo lanzamiento, de seguro será así. Siempre será un placer visitar Chile como también el resto de Sudamérica”.

Silenoz, sería fantástico que pudiéramos hacer otra entrevista una vez que aparezca el de Dimmu. Por ahora, todo el éxito con Insidious Disease. ¿Te gustaría comentar algo más a los seguidores de acá?

“Espero que estemos de vuelta el año siguiente. Ahora mismo nos encontramos tratando de armar un enorme, enorme tour, y es muy temprano todavía para confirmar cualquier noticia. En todo caso, me extrañaría muchísimo si no regresamos el 2011 ó 2012, porque el ciclo de gira será muy largo. Les pido paciencia y estoy convencido de que estarán felices apenas lo escuchen”.

Jorge Ciudad

Detector de Metales

: L A T E M H T A E D O T N E CIMI ¡SIN VUELTA ATRÁS! “Redemption Of Demigod” es el segundo largaduración de Cerberus y para algunos de sus integrantes, la experiencia fue casi como hacer un disco debut.

Ocho años han pasado desde “Ebola”, y en esta nueva grabación, el guitarrista Juan Pablo Donoso tuvo que cantar por primera vez en un estudio, pese a ser la voz del conjunto por más de siete años. Él es el motor creativo de los nacionales y en nota a Bulldozer, explica cómo ha mantenido su visión intacta sin importar el tiempo ni los cambios.

E

sta producción tras ocho años del debut debió ser un reto.

Si bien tomaste las riendas de las voces algunos meses después de la salida de “Ebola” (2002), recién ahora la gente sabrá cómo suena la banda en estudio contigo como frontman.

“Claro, fue más o menos así porque yo era sólo guitarrista en esa época. Igual compuse gran parte en “Ebola”, no las letras, sino lo musical, y para el nuevo vine además como vocalista. Fue bien fuerte el cambio, aunque los años me sirvieron de preparación para entrar al estudio. Grabar luego de ocho años vuelve a ser todo de cero, te pones nervioso otra vez. Llevamos 15 años tocando en vivo pero es un desafío brutal cantar en estudio después de haber sido siempre guitarrista, por lo que fue un reto. Por mucho que nos iba bien en las tocatas y a la gente le gustaba, para mí era muy fuerte saber cómo iríamos a sonar en estudio, así que no, súper bueno el resultado final, quedamos bastante satisfechos. Yo escucho a

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menudo el disco (risas), ¡seguido!”.

Como en Chile no hay una industria musical desarrollada, siempre costará sacar un segundo álbum, pasa muchísimo tiempo desde el primero y, en lugar de que las personas conozcan el material por el CD mismo, lo hacen en las tocatas, que son una especie de sala de ensayo donde puedes ver la reacción de la gente antes de grabar. ¿Cuánto evolucionaron las canciones de “Redemption Of Demigod” en cada presentación en vivo?

“Sí, el público es el que toma el pulso final de los temas, pero para que lleguen a ser tocados en vivo por nosotros deben estar finalizados en su 90 ó 95%. Tratamos de presentar siempre un producto acabado que provoque un golpe fuerte en vivo.

No nos gusta tirar maquetas a medio terminar, sino algo terminado, completo,

redondo. Obviamente, después vamos descubriendo que pueden modificarse en los ensayos. Lo que sí nos sirvió mucho de las tocatas fue ir tirando

a prueba lo que grabaríamos más tarde... en ocho años sin grabar, te darás cuenta de que harto del disco fue tocado en los setlist. Eso sí, nos reservamos una buena cantidad de temas para tener algo distinto que ofrecer en los shows. Combinábamos un repertorio con el trabajo que se venía y el anterior, y observábamos la reacción. Ahí fuimos notando que tenían pegada y punch, por lo que iban bien

encaminados, les que nos abríamos a escucharla, no fuimos tomando nos llenaba. El esqueleto musical el pulso y continuaba imponiéndose y los íbamos gracias a eso se pudo mantener arreglando. el equilibrio, la base inalterable El tiempo pese a que siempre debíamos nos sirvió cambiar de bajista y de otro para guitarrista”. afiatarlos y a la hora La gente sabe a qué atenerse Lee el comentario del de grabarlos, cuando ve a Cerberus, a un Death disco acá salieron súper Metal con harto estilo Tampa, bien rápido. Procuramos definido desde el principio, así que hacer presentaciones donde me imagino que los cambios han ido se distinga un fiato musical, sin baches”. más bien de mano de una evolución lógica. Por lo mismo, ¿que diferencias ¿Y cuánto cuesta mantener ese ves entre pistas del demo ’94 como mismo fiato con tantos cambios en ‘Immortal Hate’, donde no alcanzaste a la formación? Se entiende que tú participar, del debut como ‘Ebola’ y del eres el motor creativo de Cerberus, nuevo como ‘Ruins Of The Forgotten’? no obstante, ¿en qué medida se preserva la visión de la banda pese “Hay una evolución natural del grupo y a todos esos cambios? De hecho, sus integrantes, la oreja, la técnica, la ahora mismo están tocando con un música, adquiriendo otros perfiles. Lo que guitarrista que no está en las fotos se hizo en el demo “After A Useless Fight” del booklet, con Luis Mery, ex Death era un Death más a la antigua, con harto Incarnate, reemplazando a Gustavo riff largo parecido a lo que habrá hecho Ober.

Death en una época. Y cuando aparecí un poco en la composición, empecé a “Bueno, fue una situación que no la colocar mucho más riff cortado, más proyectamos mientras grabábamos. No seco, más rápido, con más quiebres, lo hubiésemos deseado pero hubo cosas y eso se nota en el EP “Repulsive Life que ameritaron la decisión, más que Forms” (1995) a diferencia del demo que requiriera un esfuerzo doble posterior. yo no grabé, que tenía canciones mucho Por fortuna, hay una base conformada más largas, de siete minutos... buenas, por Claudio (Astorga, batería) y yo. Él aunque siempre hubo un cambio hacia un fundó el grupo en el ’93 y yo llegué el ’94, riff más directo, más seco”. y siempre hemos llevado la batuta por un asunto de feeling musical, no porque “Con los años uno aprende a tocar nos hayamos acabronado (risas). Yo mejor la guitarra y el estilo comienza tenía mucha creatividad, él me compraba a depurarse por una cuestión de inmediato, le metía más cuento a la batería y entre los dos podíamos hacer muchas maquetas. Así fuimos creando la base para los demos, el EP, los promocionales y el “Ebola”, entonces sin quererlo con Claudio creamos ese cimiento sólido”.

natural. A medida que tu técnica de riff va creciendo, la vas incorporando a tu proceso creativo, se te llena la cabeza con ideas cada vez más sólidas, sin embargo creo que la esencia es la misma, sólo que hay una evolución en la ejecución. El estilo predomina en el tiempo”.

Lo que me gusta de “Redemption Of Demigod” es que se ve una relación entre los cortes, las letras y la portada. Debe ser por este personaje, el semidios que aparece en el arte y las líricas. ¿Qué es lo que quieres transmitir con las vivencias de esta entidad?

“La temática fue pensada en que se viera reflejada en la carátula, en las letras, en los títulos, etc., y a pesar de que hicimos en su momento letras vinculadas al abuso de poder y la esclavitud, con un mensaje mucho más explícito a la sociedad, no tenemos ahora una intención tan directa de incidir en alguien. En todo caso, el álbum sí trata de seres como nosotros que por sus actos reprochables pueden perder su humanidad y caer en una instancia oscura, de dolor, sin opción de arrepentirse por estar bajo la mirada de un nuevo dios. Si tuviese que declarar un mensaje las personas que lo escuchan sería que aprecien un poco la vida que tienen, de lo contrario caerán en una situación en la que ya no podrán dar vuelta atrás”.

Jorge Ciudad

“Cuando cambiábamos de guitarrista obviamente se perdía ese fiato en vivo, por lo que una de las exigencias a los integrantes nuevos era que ensayaran duro, duro, duro. Me ponía súper cabrón, súper pesado en el sentido de cualquier pifia, con la idea que en vivo pudieran cabecear y además tocar. Con eso, lográbamos que se mantuviera, y el estilo se conservaba puesto que Claudio y yo ya habíamos conformado el sonido del conjunto. No faltaba el miembro que llegaba con una propuesta Black Metal o quería meter teclados, y por más

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QUE SEAN CHANCHO CABRÍO: S O M E R E U Q Y …) ( IONES “SON NUESTRAS CANC IGINALES” R O ES R O IT S PO M CO GRABADAS POR LOS Miembros del Necrosis de los ochenta se bautizaron como Kingdom Of Hate y regrabaron el “The Search”, una encomienda anhelada por años que los motivó a reunirse. Con el propósito cumplido, los legendarios thrashers nacionales van ahora por la creación de una segunda placa, según lo supo Bulldozer tras hablar con el cantante Andrés Marchant.

K

ingdom Of Hate es un título con historia en el medio. La gente sabe exactamente de dónde proviene, del tema, del demo de Necrosis, de una banda que está en la memoria de la cultura rockera del país. Y ustedes tuvieron que partir de nuevo, alejados de Necrosis. ¿Cómo les sienta la etiqueta “Kingdom Of Hate”?

“Fue un buen nombre que escogimos. Es la segunda canción que hizo Necrosis, sobre el Chile de fines de los ochenta con la violencia política y la represión. Yo era uno de esos chascones parado en Paseo Las Palmas que veía las caravanas del Sí y del No cuando empezaban a pelear por nada. Se bajaban unos pelaos con cuchillos y ‘Kingdom Of Hate’ nació de ahí, para reflejar el Chile de ese momento. Ahora está un poco más encubierto, solapado, pero creo que

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hoy no es muy distinto, y que Kingdom Of Hate significa mucho para el metal chileno. Fue el primer demo que grabó Necrosis y en Morbid Magazine, la Metal Hammer u otra revista alemana salió en el lugar #16, con Testament en el #19.

Los resultados, considerando los medios que teníamos, fueron espectaculares.

Su sonido, para esos estándares, fue sorprendente”.

“Cuando el Nata (Infante) me llamó para formar Kingdom Of Hate, la intención era grabar el “The Search” de nuevo, con los mejores medios técnicos por un asunto casi personal. Los resultados del original no fueron tan buenos como los del demo y conversamos durante años el volver a hacer este disco. Después se incorporó César Añasco, uno de los guitarristas que pasó por Necrosis, y Rodrigo Cerda, un baterista increíble que ubicamos por Internet. Nos picó el bicho de tocar en vivo, estar en contacto con la gente… y algo muy especial: que el Mauro Peña esté como bajista. Una de las razones de la disolución de la formación original de

Necrosis fue la muerte de Alfredo Peña, y Mauro es el hermano. Es concuñado mío y jamás le pregunté ‘oye, ¿quieres estar con nosotros?’, me parecía demasiado delicado, pero él me dijo ‘puta Cabrío, quiero tocar con ustedes’”.

Siendo que los que participaron en el “The Search” original no quedaron contentos con el sonido incluso en ese entonces, y que hablaron durante años acerca de la posibilidad de revisarlo, ¿por qué no fue posible hacerlo con Necrosis y sólo recién con Kingdom Of Hate?

“El tema lo conversamos mucho por el ’97, ’98. Yo estaba afuera en EE.UU. y hablé con uno de los bateristas que pasó por Necrosis. Siempre pensé en hacerlo con pasión, con calma y sin grandes planes, desde una base más modesta, aunque no nos pusimos de acuerdo y no funcionó. Después pasaron miles de cosas más, dos discos de Necrosis entremedio y de la nada, hace un par de años, tuve un llamado telefónico del Nata, no sé cómo me ubicó, y todo partió de ahí. ‘Grabemos el “The Search” de nuevo, son nuestras canciones, nosotros las hicimos y queremos que sean grabadas por sus compositores originales’. Empezó de ahí, como un proyecto con un objetivo específico”.

“Lo importante es que Kingdom Of Hate regrabó el “The Search” con sus compositores originales y que el espíritu y el alma de ese disco están ahí. ¿Quién si no el Nafa Infante y Andrés Marchant tendrían el derecho de regrabar esas canciones, si fueron los creadores?”.

Ahora la tecnología se encuentra más al alcance y no hay que gastar una millonada para entrar a un estudio y

salir apenas con un demo como en los ochenta. Sin embargo, ¿en qué radica la calidad del sonido del “The Search” siglo XXI? “Hoy en día la tecnología permite obtener resultados bastante buenos casi de forma casera, lo único más complicado sería la batería. En el pasado, con

en el ambiente progresivo. El resto en todo caso lo trabajamos casi en nuestros hogares con equipos semi-caseros, pero cuidando cada detalle. La producción nos costó sin exagerar un año y medio, hay muchísimas tomas y experimentos detrás para lograr lo mejor en guitarras y voces. Nuestro objetivo fue que este álbum tan importante a nivel personal tuviera el mejor sonido posible, por lo que no escatimamos

está ahí. La música la hizo el Nata, las letras yo. Segundo, me considero un purista y la música, más allá de lo técnico o tecnológico, tiene mucho corazón, mucha alma, y ese sonido antiguo, las canciones grabadas de ese modo, significaron harto para muchos, sobre todo considerando que fue el primer disco de metal chileno que salió, así que lo entiendo. Tal vez algunos puristas dirán ‘¿“The Search” por Kingdom Of Hate?, ¡prefiero el original!’, y me parece respetable. El primer objetivo fue a un nivel personal y si otro quiere compartir esa alegría de oír sus temas bien grabados, ¡fantástico!, la raja. ¡Lo único que puedo decir es que canto menos mal en este que en el original (risas)!”.

Y ahora que concretaron ese anhelo, ¿en qué medida es un cierre que les sirve para plantearse un próximo CD?

esas cintas análogas de 24 pistas, era grabar casi en vivo sin oportunidad de ecualizar ni remezclar. Si alguien quería editar una parte, había que copiar y pegar manualmente en las cintas grandes. Y en el ’85, ’86, aquí nadie sabía grabar metal.

Hoy en día la tecnología permite grabar en muchas mejores condiciones”.

“La batería la registramos en el estudio móvil de Claudio Momberg, un ingeniero y músico muy reconocido

en tiempo ni recursos para lograrlo. Esas canciones merecían ser bien grabadas”. ¿Qué le dirías a los que se quedan con el espíritu del esfuerzo original? ¿Hasta qué punto se mantiene la esencia del “The Search” de Necrosis en Kingdom Of Hate?

“Mira, el espíritu original de los compositores

“Queríamos grabar buenas canciones en buenas condiciones y se logró. Por esa razón nació la banda, y una vez que se cumplió ese objetivo, el material comenzó a salir solo. César Añasco es un tremendo músico y gran compositor, el Nata sigue escribiendo y la química todavía se siente. A veces llegan con música y las letras me salen solas, ¡hasta me tengo que apurar en hacerlas porque si no se me va la idea!”.

“Tenemos cerca de siete cortes nuevos, de un estilo súper variado, respetando lo que era Necrosis. En “The Search” se prefería un poco la violencia y la pesadez de los riff a hacer algo tan Speed o Death Metal. Tiene muchos cambios, con pistas que son muy rápidas y otras que muestran partes doom ultra lentas, onda Candlemass, y de repente pasamos por el Heavy Metal clásico o Michael Schenker, llenos de sorpresas, de rítmicas, de cambios. Los coros marca registrada del “The Search” aún están, los gang screams, y estamos muy contentos por cómo están sonando.

Era el espíritu original del “The Search”.

El mercado del metal está muy saturado, repleto de grupos en todos los estilos, y sorprender al que escucha no es tarea fácil. No obstante, creo que lo que estamos haciendo sí lo consigue”.

Jorge Ciudad

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JEFF LOOMIS EN EXCLUSIVA

EL PLAN MAESTRO DE

Lee el comentario de “The Obsidian Conspiracy” acá

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Muchos nervios habrían terminado destrozados con tanta exigencia. El hito marcado con “This Godless Endeavor” y los cinco años desde su lanzamiento no hicieron más que prenderle llamas a las expectativas en torno a un más diverso “The Obsidian +WV[XQZIKaº [] ÆIUIV\M a M[XMZILW 48 Como si el escenario ya no fuera pavoroso, Nevermore decidió tomar riesgos y optó por un sonido orgánico, insólito para una banda de estilo tan preciso, compacto y mecánico, y grabar sin Andy Sneap (Testament, Exodus, Arch Enemy), quien fue reemplazado por MT O]Q\IZZQ[\I LM ;WQT_WZS 8M\MZ ?QKPMZ[ MT mismo que produjera el solitario del frontman ?IZZMT ,IVM ,MJIRW LM \IT XZM[Q~V 2MNN Loomis más encima tuvo que escribir solo este material, luego de fallar con llenar la partida de Chris Broderick a Megadeth.

En una entrevista de colección, este nuevo héroe de la guitarra -así reconocido por su QV[\Z]UMV\IT ¹BMZW 7ZLMZ 8PI[Mº ZM^MTI [] agenda. ¡Conspiración expuesta!

“

This Godless Endeavor” (2005) fue muy esperado en su tiempo puesto que los seguidores deseaban escuchar una producción óptima después de “Enemies Of Reality” (2003), cuyo sonido era derechamente malo, y “The Obsidian Conspiracy” ha sido más anticipado incluso por dos razones: porque han pasado cinco años sin trabajos de estudio y porque “This Godless Endeavor” fue redondo en todo sentido. ¿Cómo manejaron las expectativas de la prensa, de los aficionados y de ustedes mismos durante este período?

“Oh viejo, sí, fue un poquito complicado.

Número uno, sabíamos que no queríamos sacar un “This Godless Endeavor Part II”, lo que habría sido muy simple de hacer, ¿cierto?, escribiendo

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más música compleja y over the top. ¿Pero sabes?, giramos dos años en su promoción, y cuando llegó el 2007 todos estábamos un poco hartos el uno del otro, así que decidimos tomarnos un sano descanso. Warrel lanzó su disco solista, yo lancé mi disco solista, salió nuestro DVD en vivo (“The Year Of The Voyager”) y como por el 2009 empecé a pensar en componer de nuevo. En ese entonces, no me preocupaba mucho de lo que mencionas la verdad, sólo sabiendo que en lo más profundo anhelaba escribir algo mucho más estructurado, mucho más oreja, con coros que aparecieran más rápido en las canciones por ejemplo”.

“Desde el punto de vista de cualquier artista, siempre querrás probar algo distinto en cada pieza de trabajo que pongas por ahí, y esta es diferente creo ya que es más fácil de escuchar, con mucho más espacio y no sé, otro tipo de vibra para Nevermore, un esfuerzo

distinto al menos para nosotros, muy diverso”.

Hace dos años dijiste que tratarías de superar el antecesor por más duro que resultara. Y cierto, no todos esperarán una continuación de “This Godless Endeavor”, aunque sí un CD igual de potente que ese. ¿Cómo fue elaborar esta entrega luego de tamaño éxito?

“No sé. Nunca voy a querer que sea difícil escribir un álbum, ¿no?, dejo que la música fluya de mí, ¿entiendes lo que te digo?, pretendo que la música sea natural, una parte natural de la vida, así que no estuvo la idea de que fuera una cosa complicada, sino la de intentar sacar algo que sonara distinto, ¿entiendes lo que te digo? Viejo, si te esfuerzas más de la cuenta, se hace peor, para mí al menos como músico. ¿Sabes?, tiendo a bloquearme a veces mientras compongo y debo alejarme de mi instrumento… se trató simplemente de no llegar con ideas preconcebidas, viendo lo que se me ocurría de acuerdo a lo que sentía un día determinado, ¿no?, por lo que si me encontraba de mal genio haría algo de un sonido harto más agresivo en lugar de… ahmmm, no sé, me cuesta describirlo, me refiero a cómo me sentía en el momento y eso salía de mí, esa dirección musical”.

“This Godless Endeavor” terminó siendo grandioso debido a la colaboración de varios de ustedes como creadores, pues Jim (Sheppard, bajista) hizo un track y Steve (Smyth, guitarrista) tres, o cuatro. Ahora, tuviste que volver escribir solo para “The Obsidian Conspiracy”. ¿Cómo fue el proceso, considerando que no hubo otro guitarrista apoyándote?

“Fue raro, ¿sabes?, pese a que tiendo a creer que es un poquito más fácil cuando tú lo haces todo. Disfruto la colaboración de componer con otros guitarristas, ¡sólo que no había uno en la banda en ese instante! Steve está ocupado con lo suyo ahora en Forbidden… tenemos a uno nuevo sin embargo (el húngaro Attila Voros) y pienso que sería genial hacer música con él en un futuro cercano, pero Nevermore no contaba con un segundo guitarrista mientras escribía el nuevo disco, así que decidí hacerlo todo yo solo. Ya he trabajado álbumes así en el pasado, como “Enemies Of Reality” y “Dead Heart, In A Dead World” (2000), y son cosas que pasan, en fin. Me gusta escribir con otro guitarrista al lado por

el hecho de que pueden salir muchas más ideas, al juntar dos cabezas, ¿no?, aunque en esta ocasión preferí componer yo solo. “The Obsidian Conspiracy” es lo que es por eso mismo”.

“HAY CANCIONES AQUÍ PARA CADA FAN DE NEVERMORE” Si el punto más fuerte de “This Godless Endeavor” fue la colaboración que hablábamos recién, ¿cuál es el de “The Obsidian Conspiracy”?

prefirieron grabar con Peter Wichers de Soilwork y sólo después vino Andy, recién para la mezcla. Luego de la nefasta experiencia con el ingeniero Kelly Gray en “Enemies Of Reality”, ¿en qué medida fue un riesgo confiar en otro tipo que no fuera Sneap para la fase de registro?

El productor de “The Obsidian Conspiracy”, Peter Wichers (Soilwork), tuvo una participación muy grande en la composición del solista de Warrel, “Praises To The War Machine” (2008). ¿Cuánta ayuda recibiste por parte suya en la creación o los arreglos?

“Bueno, ¿sabes?, claro que fue una movida arriesgada y nunca habría dicho que sí si no hubiera estado feliz con lo de Peter antes, y me gusta el disco de Warrel, creo que suena bastante bien e hizo una labor fantástica produciéndolo, por lo que pensé que valía la pena darle una oportunidad en Nevermore. Ya hemos trabajado con Andy Sneap hartas veces, ¿sabes a lo que me refiero?, entonces fue agradable probar con alguien más, a ver cómo funcionaría. No hay nada de malo con querer grabar con otros productores, no puedes estar con el mismo todo el tiempo, así que fue algo más o menos refrescante para nosotros estar con una nueva persona”.

“Te diré lo siguiente: lo único que hizo en realidad para ayudarnos fue… varios de los demos eran muy largos, duraban como seis, siete minutos, así que en lugar de hacer algo que se fuera a repetir harto, entramos y cortamos un montón del material, para que así fuera una canción más “canción”. Allí Peter fue muy útil y eficiente ayudándonos con la estructura de las pistas, haciéndolas más “escuchables” al oído común, ¿sabes a lo que me refiero? De verdad nos ayudó con los arreglos y mis solos de guitarra además. En vez de ir tocando a mil kilómetros por hora, de hecho hay “guiones” involucrados con mis solos de guitarra. Sí, Peter colaboró en ambos aspectos, con los arreglos y los solos de guitarra”.

“¡Y Peter es asombroso viejo! He sido seguidor de Soilwork desde el 2001 así que… ufff, ¡y Dios!, de hace años que soy fan de su composición, de su estilo de tocar, y fue genial trabajar con él porque no sólo es un músico de metal, ¡tiene mucho talento! Sabe muy bien de lo que habla cuando se trata de ciertos sonidos, ciertos arreglos, y es muy inteligente cuando se trata del aspecto global de producir música, no es sólo un guitarrista talentoso compadre, es un muy buen productor. Es paciente, y sin duda me encantaría volver a trabajar con él en el futuro, fue muy entretenido”.

La gente estaba bien acostumbrada a la relación de Nevermore con Andy Sneap, quien produjo “Dead Heart, In A Dead World” y “This Godless Endeavor”, esta vez sin embargo

¿NEVERMORE AL NATURAL?

“El punto más fuerte es sin duda su diversidad. No suena igual todo el rato, hay música de distinto sonido en la placa entera, ¿sabes a lo que me refiero?

Puede pasar de algo completamente melódico y lento, a algo completamente veloz y brutal. Hay canciones aquí para cada fan de Nevermore, ¿no?, no es como un único tema a lo largo de todo el registro, hay un montón de emociones pasando ahí, con baladas lentas, cosas acústicas… ya sabes, hay un montón de diversidad pasando ahí y encuentro que ese es el elemento más importante, enserio que sí”.

A propósito, el sonido de “The Obsidian Conspiracy” es harto más orgánico en comparación a los

lanzamientos anteriores. No deja de ser curioso, si a Nevermore se le conoce por ser un grupo que siempre ha sonado moderno, preciso, mecánico y muy brillante. ¿Cómo fue el desafío de sonar compactos, apretados y claros pese al sonido más orgánico y “humano”?

“Partiendo por lo de lo orgánico, eso tiene que ver con que queríamos un sonido natural, ahora que la batería está demasiado sobreproducida en el medio, ¿no?, y buscamos en definitiva que sonara más natural, buscamos ese viejo feeling orgánico que escuchas. Nos propusimos aquello desde el comienzo, usando un montón de tomas originales que pudimos sacar de unas excelentes baterías”.

“Ufff, ¡y no sé!, siempre hemos tratado de sonar limpios, apretados y poderosos como banda, compactos al extremo, y no sé… (risas), así es como siempre

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hemos sido nomás, con ese toque mecánico. En lo concreto, Andy Sneap fue el primero que empezó a dar con ese tono en el metal, ¿sabes lo que te digo?, cuando sabía más o menos lo que nosotros queríamos en cuanto al nivel de precisión, lo que tiene que ver con ser un buen productor, en hacer que un conjunto suene supremamente apretado. Sí, ¡es una pregunta un poco difícil de responder (risas)!, me parece que siempre hemos tratado de ser así, es parte de nuestro sonido supongo”.

Por eso es que lograron que Nevermore se escuchara así a pesar del sonido más orgánico, no tan duro como el de “Dead Heart, In A Dead World”. “¡Oh, sí!, tienes razón en eso. Ahora estamos lidiando con otros sonidos y pasa lo siguiente: si es más orgánico, ¡debes tocar con mayor precisión aun!, porque no es como el sonido más punchy que obtienes si reemplazas la batería por otra cosa, por samples, ¿sabes lo que te digo?, entonces te ves obligado a ser más compacto y exacto como grupo”. ¿Y qué diferencias hay Jeff entre grabar con Andy Sneap y Peter Wichers?

hicimos en North Carolina fue arrendar una casa donde instalamos un ProTools, así que son dos set-ups bastante opuestos. Ahora, tengo que decir que prefiero estar donde Andy (risas) en un estudio real como el suyo, con ese set-up y ese ambiente, ¿sabes?, pero estuvo OK encuentro yo, lo pasé bien en North Carolina… sólo que nos aislamos demasiado, muy apartados de la gente, y como que se puso cuático después de un tiempo, ¿sabes a lo que me refiero?”.

“Al principio decidimos ir a North Carolina para alejarnos de Seattle, para alejarnos de personas que nos molestaran, ¡como nuestros amigos (risas)!, por lo que optamos por una experiencia más aislada, ¡aunque quizás haya sido muy intensa!, tan distantes de todo. La vibra era buena sin embargo, algo novedoso para la banda. Fue interesante”.

DANE & LOOMIS UNIDOS: “NOS NECESITAMOS PARA CREAR EL SONIDO DE NEVERMORE” Después de los esfuerzos solistas de cada uno, “Praises To The War Machine” y el tuyo, “Zero Order Phase” (2008), decidieron grabar el nuevo de Nevermore con Wichers,

“The Obsidian Conspiracy”? “¡DIOS!, no creo que tengan nada que ver con el resultado, para serte honesto.

Nevermore está completamente aparte de eso, si entiendes a lo que voy. Nevermore tiene su propia identidad, ¿sabes a lo que me refiero?, y las cuestiones solistas que hemos hecho… bueno, lo hice por una satisfacción personal nomás, siempre he sido un fan de la música instrumental y era mi oportunidad de salir con mi propio cuento al mundo de las guitarras.

No tuvo ningún efecto importante en la composición de Nevermore, ninguna influencia, fue completamente aparte para mí. Warrel podría diferir de eso, no estoy seguro si estará de acuerdo conmigo en este punto, ya sabes, pienso que él buscaba un sonido distinto “en todo” con su material solista, entonces… bueno, no sé, fue completamente aparte para mí. Nevermore es una cosa y el proyecto solista es otra”.

Ahora Jeff, que viviste la experiencia de hacer un disco sin Warrel, ¿qué “tono” adquiere tu música cuando él está presente? Esto te lo pregunto por los rumores que apuntaban al serio distanciamiento entre ambos durante el receso...

“Bueno, me parece que si no me tuvieras a mí en Nevermore, no sería Nevermore, y si no tuvieras a Warrel en Nevermore, tampoco sería Nevermore, porque buena parte de lo que escuchas viene de mí y de él, de los que escribimos la mayoría de la música, ¿no? Somos piezas fundamentales que deben estar sí o sí para obtener ese sonido. Es la mejor forma que tengo para responderte viejo, ¿te sirve (risas)? No seríamos capaces de sobrevivir el uno sin el otro, eso es lo que ocurre en el fondo, ¿sabes a lo que me refiero?, nos necesitamos para crear el sonido de Nevermore”.

“En cuanto a trabajar con Andy en su estudio en Gran Bretaña y con Peter en North Carolina -se instaló en los Estados Unidos-, ¡son dos vibras 100% distintas!

El lugar de Andy tiene una atmósfera más de estudio, ¡dado que es un estudio de verdad!, mientras que lo único que

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es decir, con el mismo que produjo el de Warrel.

Además, anunciaron a Attila Voros como segundo guitarrista, quien justo acompañara a Dane en la gira de su álbum. ¿Qué influencia tuvieron tanto la placa de Warrel como la tuya en

Supe que en esta ocasión le diste a Warrel un poco más de espacio en la música para que colocara sus pistas vocales, en lugar bases intrincadas solamente. ¿Cómo funcionó el equipo con este enfoque?

“Oh, ¡fue simpático!, ¿sabes? Como dije antes, armé las maquetas, escribí las canciones y no las hice tan complejas, ¿no?, ¡y listo! Yo quería ver a qué lugar llevaría Warrel algo como eso y terminó sonando cool, así que dejamos la mayoría de las ideas. ¡DIOS!, ¡esa es la única manera que tengo para describirlo!, es como una especie de nuevo sonido para nosotros. Ah, ¡no sé!, estoy esperando con muchas ganas lo que los fans vayan a decir al respecto, será muy interesante ver si les gusta o no, ¡ojalá que sí! El factor de la pesadez aún se encuentra ahí, la música todavía es bien, bien brutal y pesada, pero al mismo tiempo hay un poco más de espacio para que las cosas se muevan. Creo que los temas pegarán en vivo y sonarán grandiosos en los festivales por ejemplo.

Hay mucho más espacio en ellas, mucha más apertura”.

¡no sonábamos a Korn para nada!, ni a Meshuggah, no. Poseíamos nuestro propio sonido y ahí fue cuando el estilo de Nevermore se empezó a mostrar por primera vez para mí, con “Dead Heart, In A Dead World”. Ahí fue cuando empecé a usar siete cuerdas y cierto, recibimos un montón de malos comentarios por eso, sin embargo terminó siendo uno de nuestros trabajos más vendidos. La idea era dar con el sonido de la banda.

Y viejo, realísticamente, Nevermore siempre cambia de un álbum a otro, ya sabes, y esa es la manera más sana de avanzar me imagino yo. Un verdadero artista siempre trata de cambiar y a mi juicio ahora hemos cambiado en el buen sentido de la palabra… ¡ojalá que la gente lo entienda!”.

Y entre toda variedad de “The Obsidian Conspiracy”, la intensidad de ‘The Termination Proclamation’ o

lo letrístico y no sé cuán especial será para Warrel, ¡nunca me lo ha dicho!, aunque estoy bastante convencido de que debió ser muy emocional para él.

Puedes notar que es muy intensa, por las letras y por cómo canta. Es uno de los tracks más tristes del esfuerzo y pienso que este CD habla en cierto modo de nosotros mismos, de cómo volvimos a estar juntos como grupo, y puedo escuchar varias referencias de nosotros en cada letra, cuestiones que hemos pasado juntos como grupo”.

“En un mundo más realista, una vez que el auditor se concentre en las letras deberá figurarse por sí solo un montón de cosas, por los mensajes ocultos que hay. No se trata de un conceptual, no lo creo, y encuentro que es importante que las personas se dediquen a leer las líricas para obtener como sus propias ideas

“NEVERMORE SIEMPRE HA SIDO CONOCIDO POR SER UNA BANDA DE METAL BIEN UNDERGROUND Y SERÍA AGRADABLE (…) CAMBIAR ESO” Los seguidores en todo caso deberían estar acostumbrados a escuchar álbumes distintos por parte de Nevermore, así ha sido siempre. Recuerdo el enorme cambio entre el homónimo y “The Politics Of Ecstasy” (1996), que de pronto era más técnico y hasta sicodélico, ¡y también la reacción cuando anunciaste que irías a tocar con siete cuerdas en “Dead Heart, In A Dead World”! “(Risas)”.

En ese año, el 2000, el nü metal estaba muy fuerte y varios los acusaron de irse al bando de Korn y esos conjuntos por culpa de la famosa la séptima cuerda (risas), que desde esa época ha sido recurrente en tu música. ¿Qué memorias tienes de la respuesta de la gente antes de oír ese disco y después de oír el resultado, que no guardaba mucha relación con tales prejuicios?

“Correcto (risas). Fue chistoso, ¡yo igual me acuerdo de eso compadre!, y no teníamos ninguna intención de… o sea,

del corte final contrasta con ‘The Blue Marble And The New Soul’, una canción muy triste, sombría, con letras de Warrel que parecen ser muy íntimas…

“Sí, es una de mis favoritas pues trae consigo una nueva atmósfera, ¿sabes a lo que me refiero?, es muy, muy grande y épica y... es algo novedoso para Nevermore, eso es seguro, nunca había escrito una así, ¡y lo más probable que esté entre lo más triste que hayamos escrito jamás (risas)! Es muy intensa en

de lo que Warrel intenta decir, y eso es lo que él pretende cuando la gente revisa sus letras, ¿sabes?”.

Es uno de los principales atractivos de Nevermore de hecho. Como lo hemos discutido, tú siempre traes algo nuevo y ‘Emptiness Unobstructed’ es otro claro ejemplo, con su tinte medio mainstream. ¿Qué buscabas con esa?

“Bueno, ¡tampoco lo sé! Pienso que sin

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duda tiene las características adecuadas para que la toquen en la radio, para mí, es bien, bien catchy… no sé, la escribí originalmente sólo para ver si podía crear una pieza musical como esa, ¿sabes a lo que me refiero?, algo que fuera súper oreja, ¡y empieza con el coro!, cosa que nunca habíamos hecho antes… bueno, quizás en ‘Believe In Nothing’, pero ya me sigues.

Lo cierto es que me puse a experimentar en mi casa tratando de concentrarme y viendo si podía salir con una pieza musical que sonara distinta, en lugar de una composición metalera común.

Buscaba escribir algo que fuera más amigable y radial en cierto sentido. ¿Sabes?, Nevermore siempre ha sido conocido por ser una banda de metal bien underground y sería agradable tal vez cambiar eso y ampliar un poco más nuestro público, dar con nueva gente que nos escuche. Esa pudo ser una de las razones por la cual hice ‘Emptiness Unobstructed’”.

Y lo otro que es muy propio de ustedes es cómo rearreglan sus covers. Ahora, “The Obsidian Conspiracy” incluye ‘Temptation’ de The Tea Party y ‘Crystal Ship’ de The Doors. ¿Qué es lo más entretenido de casi reescribir por completo esos temas? “¡¡¡Oh, viejo (risas)!!!, ¡(silencio) esa sí que es una pregunta difícil!, no sé… somos fans de esos conjuntos nomás, ¿sabes?, nos gusta The Doors, nos gusta The Tea Party y bueno, en realidad no nos pusimos a reescribir dichas canciones en esta oportunidad.

Cuando hicimos el cover de Judas Priest, ‘Love Bites’, ¡lo desarmamos en su totalidad!, y lo mismo con el de Simon & Garfunkel (‘The Sound Of Silence’), NO OBSTANTE, con estas versiones le prestamos mayor atención al formato original. Simplemente se remite a ser

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fans de ambos grupos y decirles a las personas que nos agrada este tipo de música, ¿me entiendes? Me gusta The Tea Party por ese sonido medio-oriental tipo citara,

y me gusta The Doors por ser un clásico que conozco desde pequeño, entonces la elección de tocar esos covers se basó en que somos grandes seguidores de ellos”.

JEFF LOOMIS: LA GUITARRA CLAMA POR UN HÉROE Tienes un disco solista, DVD instructivos, asistes a un montón de clínicas de guitarra en Europa y EE.UU. “Zero Order Phase” incluso alcanzó el cuarto lugar en la categoría Best Shred Album Of The Year de la revista Guitar World. Eso fue notable, debido a que sólo te superaron Paul Gilbert, Yngwie Malmsteen y Joe Satriani. ¿Cuán cómodo te sientes cuando los aficionados y los medios

dicen que eres un nuevo héroe de la guitarra?

“Amigo, ¡VAYA!, ¡eso es tremendo!, ¿sabes? Nunca me propuse ser un guitar hero, buscaba ser conocido como un buen compositor nomás pero me imagino que las personas escuchan el estilo con que toco la guitarra y lo disfrutan, los inspira en cierto modo y… ¡oye!, parece que hace feliz a más de algún chico por ahí, lo que no es malo. No doy nada de eso por sentado tampoco, lo guardo en el corazón y me pone muy, muy contento.

Me siento cómodo cuando me llaman guitar hero en realidad, me hace sentir muy bien y me motiva a seguir trabajando todavía más duro para ser un mejor guitarrista.

Lo encuentro genial”. “¿Y sabes?, ser capaz de dar todas estas clínicas me ha abierto un montón de puertas, como la posibilidad de hablar directamente con mis fans, cara a cara, conversar con ellos sobre ejecución, guitarras y cosas como aquellas, lo que jamás podría hacer con Nevermore.

Participar en estas clínicas de guitarra es fantástico pues me da la chance de inspirar a guitarristas que van a patear traseros algún día. ¡Es increíble viejo!, lo estoy gozando”. ¡OK Jeff!, se me acabó el tiempo. Me gustaría agradecerte por esta gran entrevista. ¿Algún saludo para los vayan a leer tus palabras?

“Bueno, te digo lo siguiente: estamos ansiosos por volver a los escenarios y tocar de nuevo para todos nuestros seguidores, y muchas, muchas gracias a ti por la entrevista, ¡lo pasé bien conversando contigo! ¡GRACIAS!”.

Jorge Ciudad

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En Chile I L L I R U T A C U L –

Desde el 2007 que Rhapsody Of Fire se encuentra en una dura batalla legal con su antiguo management, Magic Circle Music de Joey DeMaio, un lío que forzó a los italianos a un ZMKM[W QVLMÅVQLW TMRW[ LM los medios, lanzamientos y escenarios. La incertidumbre sobre el presente y futuro era la tónica y por eso la edición -en plena disputa- del tercer capítulo de la saga The Dark Secret, “The Frozen Tears Of Angels”, tomó por sorpresa a muchos. El largo silencio fue una ‘tortura musical’ para Luca Turilli, quien se determinó a regresar KWV [] \ZIJIRW Un[ [MZQW a IOZM[Q^W IXIZ\nVLW[M LM grandes orquestaciones y vastas producciones. El guitarrista ve este renacer como un milagro y paga la manda anunciando un concierto en Chile para ÅVM[ LM I}W ¨-`KT][Q^I LM Bulldozer!

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L

uca, muchos tienen grandes recuerdos de la visita de Rhapsody a Chile el 2001. No por nada, han esperado por el retorno de ustedes luego de todo lo que debieron sortear en el último par de años. ¿Qué te gustaría decirles a esas personas que no perdieron su fe en un posible regreso?

“Después de tanto tiempo no sabíamos qué esperar de los fans, si se iban a acordar de nosotros, ¡y es realmente grandioso lo que me dices (risas)! Un montón de ellos eran jóvenes en ese entonces, quizás ahora están casados y no escuchan más Heavy Metal (risas), aunque es fabuloso saber que todavía están ahí esperándonos. Me gustaría decirles que fueron momentos difíciles para nosotros y que pronto estaremos de vuelta en Chile, tal vez en noviembre próximo, ¡más fuertes que nunca! Esa es mi promesa, que tendremos un gran show en tu hermoso país antes que termine el año”. ¡Excelente noticia Luca! Antes que todo, me gustaría hacerte algunas preguntas para entender lo especial que “The Frozen Tears Of Angels” es para ti, tras el receso por la disputa legal con el antiguo management.

Primero, me acuerdo que confirmaron un recital en Chile para diciembre del 2007, pero de repente se cancelaron todas las fechas sudamericanas. No se dieron los motivos en ese instante y recién en junio del 2008 se supo que se encontraban ‘al medio de una dura batalla judicial con MCM (Magic Circle Music de Joey DeMaio)’. ¿Cómo lidiaron con esa “postergación”?

“Eh, ¿sabes?, ya estábamos listos para ir y todo ocurrió a última hora. No fue agradable, en especial para la gente que ya había comprado los tickets, ¿no?, ¡y fue peor para nosotros pues no podíamos esperar más para viajar hasta allá luego del exitoso tour del 2001!, así que fue MÁS QUE FRUSTRANTE. O sea, la sola posibilidad de nunca más sacar nada es algo muy malo para cualquier artista, y el ni siquiera reunirnos con los fans en vivo es incluso peor. Al final, estamos disfrutando el momento porque el nuevo disco nos da la opción de ir a Sudamérica. Es fantástico, ¡UN MILAGRO! La situación actual la vemos

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como un milagro ya que hace un par de años no sabíamos en realidad si podríamos volver a realizar algo como esto, por lo que es una gran victoria”.

‘íntimo viaje de potentes y profundas emociones’. Con lo vivido el 2008 y 2009 y todo este hiato, ¿qué sentiste al escribirlo?

LANZAMIENTO EN PLENO JUICIO: “¡NO CUALQUIER SELLO HABRÍA ACEPTADO TRABAJAR CON NOSOTROS EN ESTAS CIRCUNSTANCIAS!”

“Bueno, digamos que fue algo muy particular. Casi para cualquier banda es así: cuando registras un álbum tienes como cuatro o cinco canciones que son left-overs que más tarde puedes tomar y arreglar para el siguiente. Hubo de esas siempre de un disco para otro, pero teníamos el feeling de que por estos inconvenientes, el próximo CD no podría ser editado sino hasta un buen rato después, y nos dijimos ‘¿saben qué?, ¡empecemos a componerlo de cero! Ni idea cuándo será lanzado’”.

En noviembre del 2009 anunciaron su regreso por medio de Nuclear Blast. ¿Por qué tardaron tanto en resolverse estos asuntos con Magic Circle?

“No... no. Los problemas aún no están resueltos (risas). Preferiría no hablar de esto. Cuando tienes asuntos legales así no puedes contar nada, cada palabra que ocupes puede ser usada en el juicio.

Y por supuesto, para nosotros ya es positivo este paso. De hecho, al medio de esta situación fuimos capaces de editar un material por Nuclear Blast, de salir ahora y girar allá, así que para el grupo ya es algo fantástico, independiente de que no esté todo solucionado”.

Hace años dijiste que considerabas a los miembros de Rhaspsody Of Fire como verdaderos hermanos. ¿Cómo enfrentaron el episodio?

“Nuestra relación es muy particular. No somos tipos que nos vemos todos los días y tomamos algo, a las personas las sueles llamar amigos cuando hacen eso, ¿cierto? Somos amigos de otra manera, mucho más conectados que de la típica forma, ¿no? Alex (Staropoli), Fabio (Lione) y yo somos de Italia, por lo que nos es más fácil juntarnos. No obstante, Fabio vive bien lejos de nosotros. Alex y yo estamos al norte de Italia, mientras que él casi al centro, entonces no hay tantas posibilidades de vernos, ¡y con el resto menos (risas)! Dos muchachos son franceses, otro es alemán, ¡así que ya podrás imaginarte lo difícil que es reunirnos a ensayar! Al final, lo concreto es que por más que hablemos por mail, teléfono o lo que sea, existe un lazo bastante fuerte, compartimos y basamos la amistad en ciertos valores comunes en cada uno de nosotros. No es algo que se base en tomar una cerveza o algo parecido, hay cosas más profundas y por eso me gusta repetir que somos más que una familia”.

Mencionaste que la composición de “The Frozen Tears Of Angels” fue un

“Recuerdo que botamos todos los temas antiguos de “Triumph Or Agony” (2006) y empezamos a componer de cero, ¿no? Muchas veces puedes hacer eso, mientras no tengas problemas de tiempo por supuesto, aunque lo positivo de esta mala situación fue que como debimos empezar a componer de cero, pudimos crear esta placa de una manera emocional, colocando los verdaderos sentimientos de ese momento. Fue una voluntad de resucitar diría yo, ¿no?, necesitamos esta especie de resurrección dado que no sabíamos si tras todos estos años alguien se iría a acordar de nosotros. Estaba la voluntad de difundir nuestro mensaje a una escala mayor y salió la tremenda oportunidad de hacerlo con un gran sello como Nuclear Blast, y siempre les agradeceremos por todo lo que confiaron en Rhapsody Of Fire durante el difícil período que atravesamos. ¡No cualquier sello habría aceptado trabajar con nosotros en estas circunstancias!, sin embargo, Nuclear Blast nos consideraba muy importantes y nos esperaron hasta que fuimos capaces de sacar este esfuerzo adelante”.

“En su interior hay diferentes y múltiples emociones, o sea, la rabia por haber aguantado todo este tiempo sin sacar nada, puesto que para un artista, no poder expresarse con la música es como una castración (risas), una tortura musical. Hay un poquito de eso por aquello y en especial por la intención de relacionarnos de nuevo con los fans. En cierta forma, el CD suena muy particular, agresivo e íntimo. Hay una pizca de todo, claro, y no podemos olvidarnos del capítulo de la saga, es el tercero del The Dark Secret Saga y así requería expresarse en lo musical. Partimos

con esta portada, el color azul y los paisajes congelados, por lo que la música debía reflejar un poco tal atmósfera, fría, romántica, oscura. Tratamos de representar sonoramente esa vibra”.

ESTO ES ENSERIO: “HICIMOS ALGO QUE LAS PERSONAS YA NO PUDIERAN DECIR QUE ES CHEESY” Desde “Dawn Of Victory” (2000) que no me entusiasmaba tanto por un lanzamiento de Rhapsody. “¡Grandioso (risas)!”.

energía al componerlo, y si le pones harta emoción, gratifica saber que se transmite al resto. Es fundamental para un artista”.

Asimismo, en la página oficial señalas que “The Frozen Tears Of Angels” es el disco favorito de tu banda…

portada, quien representó con seriedad y realismo lo que buscábamos. De nuevo contamos con Christopher Lee y sus narraciones, que son bastante serias.

Quisimos darle a la saga un toque bien serio, ¿no?, tratar de poner un mensaje serio en lo gráfico y en el relato”.

“Es fácil explicarte por qué yo, Fabio, Alex, Alex Holzwarth y Patrice (Guers) lo consideramos el mejor. Tú sabes, es muy difícil hablar acerca de una historia no real y traspasarla a la música como lo hemos hecho hasta ahora, ¿no? Por supuesto, las personas que nos critican

“En la música, logramos conectar las típicas melodías sing-along que tanto nos fascinan escribir. Venimos de bandas como Helloween, nos encanta eso, e hicimos algo que las personas ya no pudieran decir que es cheesy. La

debido a que nuestras letras son cuentos de fantasía, relatos para niños y cosas así, nunca han comprendido nada.

Me sorprende, los que no se interesan por el grupo siempre encuentran la manera para criticar a la ligera, mientras que los verdaderos seguidores son capaces de entender que detrás de cada lírica de Rhapsody hay un significado emocionalmente serio, basado en la vida real, así que toda la saga es una metáfora de la vida real, alrededor del misterio y sentido del ser humano, de todo eso. A algunos no les importa y no lo entienden”.

música también se volvió seria, muy oscura y romántica.

Y las decisiones que tomamos con la producción: que sonara con impacto, con agresividad, usando los teclados de otro modo y sonidos que jamás habíamos utilizado. Hubo harta “modernidad” digamos. Al final, todo aquello nos hace pensar que es nuestro trabajo favorito”.

¿Cómo viste la reacción por su salida? “¡No esperábamos nada en realidad y quedamos maravillados con la respuesta!

Después del éxito pasado en el negocio, luchamos contra las descargas ilegales, luchamos contra los problemas del mismo mercado, ¡estuvimos cuatro años sin hacer nada!, y la gente en este negocio se olvida de uno con facilidad, pero cuando regresamos y vimos que aparecíamos en los charts de algunos países en las posiciones más altas, como nunca antes, ¡no lo podíamos creer! La reacción ha sido fantástica y no somos capaces de explicarnos siquiera la entrada en las listas de Corea del Sur, ¡nunca lo habríamos esperado y todavía nos preguntamos cómo fue posible (risas)! Nos agrada pensar que fue porque la música tiene un valor particular, ¿no?, que le pusimos un montón de

“A lo que voy: creo que con este álbum al fin pudimos convencer a esa gente que nos criticaba. Tuvimos la chance de trabajar con este fantástico artista colombiano (Felipe Machado) para la

¿Y cuál es el verdadero espíritu del mensaje? ¿Qué quieres causar en los auditores con “The Frozen Tears Of Angels?

“Hay muchos mensajes ocultos, siempre me gusta escribir con un doble significado y todo lo que anoté en el book del CD es para dejar eso en claro. Cada detalle y conexión de palabras esconden algo basado en mis experiencias de vida.

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Lee el comentario de “The Frozen Tears Of Angels” acá Tengo 38 años y de niño que estoy metido en esto del viaje del ser humano desde el nacimiento hasta la muerte, en descubrir el porqué, adónde vamos, de adónde venimos, el Universo, el Sistema Solar, todo eso, ¿no?, nunca ha dejado de interesarme, la genética del bien y el mal, la moral, lo que sucede en el planeta”.

“Empecé a estudiar sicología pues me gustaría comprender más de mí mismo y de los demás alrededor mío, saber por qué hay personas que de inmediato no me agradan, por qué me conecto más con otras, por qué no me gusta esto, por qué no me gusta lo otro, cuestiones que encuentro muy importantes y que deberían enseñar en todas las escuelas del mundo. Hay un poco de antropología, sicología, filosofía, lo que me fascina estudiar y representar a través de la saga, usando metáforas. Hay muchos mensajes, pero el más básico al final es de respeto, paz y amor, justo lo que le falta a este mundo. Siento que mi responsabilidad como músico es transmitir ese mensaje”.

“Es probable que hayan varios otros artistas que prefieran hablar de Satanás y ese tipo de cosas, ¿no? Rhapsody es justo lo opuesto, si en ‘Reign Of Terror’ por ejemplo utilizamos esa música extrema con letras positivas. Queremos mostrar que no a causa de que hagas

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música extrema estás obligado a hablar de Satán sólo por moda. Puedes usar música más agresiva para gritar contra la violencia, los abusos y toda la mierda alrededor.

Ya me imagino en escenario tocando ‘Reign Of Terror’, con Fabio gritando las palabras que se crearon, positivas. ¡Será fantástico!”.

SIN ORQUESTA: “NO QUERÍAMOS COMPROMETERNOS EN LO ARTÍSTICO” Señalaste algo de la producción de “The Frozen Tears Of Angels”, que pienso que es muy distinta a las dos anteriores. De partida, prescinde de una filarmónica y confía sólo en los teclados de Staropoli para las atmósferas de película. ¿Por qué no trabajaron con una orquesta?, ¿se debió a las circunstancias legales que rodearon al proceso?

“No, no, no. Pese a que ahora es más difícil tener una orquesta y que los presupuestos no son los mismos, no fue por eso. No son los mismos como cuando el mercado estaba mejor y los sellos pagaban un montón, aunque esa sería una mera excusa dado que en realidad NO QUISIMOS TENER NINGUNA ORQUESTA EN ESTA OPORTUNIDAD. Apenas empezamos a escribir de cero, decidimos de inmediato que ‘no, no gastemos en una orquesta, pero no por el dinero’. Sinceramente sentíamos que este material debía ser más directo y, en el estudio, no queríamos comprometernos en lo artístico. En “Triumph Or Agony” y “Symphony Of Enchanted Lands II” (2004) hubo grandes orquestaciones y por más que tuviéramos a un tipo sensacional como Sascha Paeth (Kamelot, Avantasia, Edguy) mezclando, siempre surgían dificultades, cosas que

había que sacrificar, el volumen de las guitarras, etc., ¡y “The Frozen Tears Of Angels” cuenta con las guitarras más ruidosas y fuertes jamás!, gracias a la decisión de no llamar a una orquesta real”.

“Con los grandiosos samples que existen hoy en día es más fácil reproducir una orquesta. Te creo si tocas en vivo con una filarmónica, ¡es un tremendo evento!, sin embargo, preferimos no tener una en el estudio ya que así te evitas problemas en la grabación, avanzas más rápido, sabes lo que quieres en la mezcla y no cedes compromisos”.

Por esas decisiones suena más “serio”, como dices. Lo que me gusta mucho de ‘Sea Of Fate’ por ejemplo es que Lione canta una sola pista vocal a lo largo de todo el corte, sin segundas voces ni armonías, sin apoyo de coros, lo que me hace pensar que el disco es más directo, orientado a las guitarras, a la participación de Fabio...

“Absolutamente. Ya sabes, quisimos que ese track representara nuestro regreso después de tantos años, que fuera lo primero que la gente escuchara, y que por ello tuviera un efecto straight-forward al comienzo, como cuando oíamos los álbumes de Helloween, el “Keeper I”, el “Keeper II”, ese tipo de canciones que escuchas una vez y de inmediato queda pegado en tu cerebro, ¿no? Para nosotros era muy importante eso, y es muy especial también porque Fabio compuso el coro, y es la primera ocasión que escribimos los tres juntos: yo, Alex y Fabio. Es una gran manera de recibir de vuelta a las personas con la música de Rhapsody tras todos estos años de silencio”.

EN CHILE: “¡ESPERO VERLOS A TODOS AHÍ (…) PARA NUESTRA PRÓXIMA ACTUACIÓN!” Luca, me acuerdo cuando citabas a Blind Guardian entre tus influencias metaleras más importantes, hace varios años ya. El ’98, los bardos dejaron una enorme huella con “Nightfall In Middle Earth”, ¡y ustedes lo mismo con “Legendary Tales” (1997) y “Symphony Of Enchanted Lands” (1998)! O sea, a fines de los noventa se convirtieron en algo tan relevante para el Power Metal como aquel referente tuyo. ¿Cómo fueron esos días para ti?

“Bueno, era una situación extraña puesto que al principio creíamos que vender 100 mil, 200 mil copias, no era la gran cosa.

En ese tiempo, creíamos que Helloween había vendido como un millón de discos (risas) y recuerdo que en un comienzo no lo disfrutamos tanto, recién ahora podemos mirar hacia atrás y decir ‘¡vaya!, ¡fantástico!’. Me acuerdo sí que en esa época, el dueño de nuestro sello, Limb Schnoor, nos mostraba esos números, ‘ah, “Legendary Tales” vendió 70 mil la primera semana, y después de un mes subió a 150 mil’, y nosotros pensábamos ‘sí, bueno... pfff, ¡esperábamos un poquito más!’, ¡no nos sentíamos tan satisfechos (risas) y sólo después entendimos las cifras reales del mercado! Típico que las revistas les daban a los grupos números más grandes que los reales, ¿no?, entonces teníamos una visión distorsionada del negocio y sólo más tarde comprendimos el verdadero peso de las cifras, y pudimos apreciarlas”.

Después lanzaron “Dawn Of Victory”

y en julio del 2001, llegaron a Sudamérica. En esa visita a Chile, ¡hicieron tres shows en el Providencia en menos de 24 horas (risas)!, todo un récord. ¿Cuán importante fue esa experiencia para ti? “¡Dios mío!, ¡fue fantástica! Como dijiste, ¡ha sido la primera y única oportunidad que nos han pedido tocar más de una vez (risas)! Si mi memoria no falla hicimos un show el primer día, ¡y un show doble el siguiente!, ¡tres shows en dos días!, pero fue realmente asombroso, increíble.

Cuando el productor se acercó a nuestro crew preguntando si era posible hacer un segundo performance (risas), ¡no podíamos creerlo!, pensamos que era una broma y después nos dimos cuenta de que hablaba enserio (risas). El único problema era para Fabio, que debía cantar el set completo por segunda vez (risas). Aunque por supuesto, son anécdotas agradables que recuerdas por toda tu vida. ¡Sólo en Chile nos ha pasado eso (risas)!”.

Ahora que estarán de vuelta a fines de año, ¿qué mensaje dejarías a todos los chilenos seguidores de Rhapsody Of Fire?

“Les agradecemos mucho la verdad por recordar los conciertos que dimos, ¡es grandioso que se acuerden!, y espero verlos a todos ahí y a muchos más para nuestra próxima actuación, ya que ahora mismo estamos preparando el tramo sudamericano del “The Frozen Tour Of Angels”. Llevaremos un gran espectáculo, ¡así que queremos ver a muchos de ustedes para compartir un montón de emociones en el nombre de Power, Epic & Symphonic Metal! ¡Y fue un placer para mí hablar contigo! Esto es justo lo que necesitamos después de este silencio, ¡y es por revistas como la tuya que nos están ayudando un montón (risas)!

Gracias de nuevo amigo mío, ¡espero nos veamos pronto!”.

Jorge Ciudad

Colaboración: Cristián Pavez

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EL REGRESO Y LOS 10 AÑOS

DE “METROPOLIS”

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– Ricardo Susarte en entrevista

La huella que dejara Polimetro con un solo disco no va a borrarse, menos ahora que aquellos que la marcaron están de vuelta. El grupo de metal progresivo más importante de Chile, conocido en los noventa como Metropolis, llegó a su IJZ]X\W ÅV MT I KI][I LM una escalada de diferencias personales, apenas meses después que saliera su recordada placa. Una M[XWV\nVMI ZM]VQ~V MT ! entre los hermanos Esquivel y el vocal Ricardo Susarte sin embargo, dio el vamos a la reformación del conjunto que ya está tocando nuevas canciones en vivo con América Soto en el bajo y el tecladista Mauricio Eyzaguirre. No sólo de recuerdos se vive y Susarte así lo describe.

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C

uando Carlos Esquivel (guitarras) se fue de Polimetro y su hermano Patricio (batería) lo siguió, al año siguiente los dos ya tenían a Mythology andando. El bajista, Mauricio Espinoza, se fue rápido a Witchblabe, pero tú recién volviste a cantar el 2008 con Húsar y Tarja en el Caupolicán. ¿Por qué no quisiste regresar antes?

“Al disolverse Polimetro pasábamos por un momento súper fuerte, porque éramos muy amigos y en ese instante la amistad se encontraba muy crítica.

Yo había estado como diez años con Carlos y Pato hasta que al final logramos hacer Polimetro. Por el quiebre, que fue por varias razones, me sentía cansado, chato de seguir en ese ambiente y quería descansar, dejar a un lado la música y ser un tipo normal, trabajar como un tipo normal ya que ahí no podía. Esa fue la decisión drástica: ‘sin Polimetro, no canto. Si no existe, no voy a cantar’.

Entre esos años hubo muchos que me pidieron que fuera vocalista de banda, que me invitaron a proyectos y cosas así, pero yo estaba decidido a no hacerlo.

Así fue durante siete u ocho años... una determinación por cansancio, más que nada por un quiebre de amistad”.

El 2002 hablaba con Espinoza sobre cómo era el ambiente del conjunto una vez que salió Carlos y entró Hugo Martin, y decía que cuando uno traía una idea, el resto la despedazaba, que ese era el deporte de Polimetro. ¿Fueron las diferencias musicales las que empezaron a apartarlos o los mismos conflictos personales enviciaron el trabajo?

“Es que no fue una sola cosa, siempre se van juntando y hacen una grande.

Uno de los puntos importantes era ese, que de repente alguno llegaba con una idea y no se tomaba. Ahora, no estoy hablando mal de los demás integrantes ni tampoco quiero justificarlo, pero ese fue uno de los motivos. Y lo otro era que Carlos trabajaba en Antofagasta, y su empresa le exigía viajar toda la semana y volver a Santiago los sábado y domingo... teníamos ensayos o conciertos y había que reemplazarlo, no podía tocar, y eso se fue sumando para que Carlos se

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fuera del grupo. Diferencias de opinión con respecto a las platas se podría decir también, pese a que no hubo ganancias con Polimetro, aunque lo poco que se hizo siempre causó diferencias con otros integrantes no visibles”.

Como dijiste, nunca dejaron de llegarte invitaciones para cantar e Ives Gullé (Garden Bitch, Jesucristo Metalstar) por ejemplo siempre estuvo insistiendo, hasta que al final te convenció de participar en su proyecto Húsar. ¿Qué fue lo que se hizo aceptar esa oferta y en qué medida te sirvió eso para pensar en la reunión de Polimetro?

“Con respecto a lo de volver a cantar, no lo voy a negar, Ives estuvo todos los años ahí diciendo ‘hagamos esto, hagamos algo juntos’, e igual canté con él en shows, como en Colina con su banda que se llamaba Grial. Lo acompañaba, aunque nada serio para mí. Y bueno, el 2008... fue un año difícil en lo personal.

Falleció mi padre, y más o menos un mes antes de morir yo ya tenía en propuesta lo de Húsar y lo de Tarja, lo de cantar ‘El Fantasma De La Ópera’ con ella. Yo dudaba, que sí, que no, que no sé, la cosa, conversé con mi papá y me dijo ‘si te gusta cantar, hazlo’, y en ese momento tomé la decisión, cuando pensé: ‘si realmente me apasiona, lo voy a hacer’.

Fue mi padre quien me empujó y me dijo ‘hazlo’, y bueno, junto con otros amigos que tenía Ives”.

“Ahora, hubo varios factores que me enfocaban a la reunión de Polimetro.

Aquí mismo en mi trabajo mucha gente llegaba, me reconocía y me preguntaba ‘¿¡cuándo vuelves a cantar!?’, ‘¡vuelvan con Polimetro!’, y yo ‘ya, ya, bueno, no sé, no sé, no sé’, hasta que ocurrió lo de Húsar y otra vez sentí el gustito del escenario, de los aplausos, de ser un vocalista. Y gracias a otro amigo, Iván Rubio. A él le comenté que quería resucitar a Polimetro pero que me daba lata llamar al Carlos o al Pato para ver cuáles eran los ánimos para hacerlo, y él se encargó de buscar a Carlos. Almorzó con él y después citó a una reunión entre los tres el domingo siguiente de esa fecha. Fui a su casa, conversamos y decidimos retomar el grupo”. ¿Y qué se tuvo que resolver, plantear, conversar...?

“No, no es que hayan habido atados. Lo

que pasa es que siempre hay prejuicios ante situaciones así entonces yo me predisponía, que ‘no, no quiero hablarte más, no quiero verte’, PENSANDO que quizás después de cierto tiempo habría rencor, rabia, cuestiones por el estilo, aunque no, nada. Los años ayudaron a madurar y ver el asunto desde otro punto de vista. Nos reunimos, lo pasamos súper bien y hasta el momento todo OK”.

Sabiendo cómo terminó Polimetro y cómo volvió ahora, ¿qué me puedes decir de la atmósfera en los ensayos y las presentaciones?

“O sea, yo igual estaba muy nervioso el día del primer ensayo… hace mucho que no cantaba así que mi voz la sentía… no medio cansada, sin ejercicio mejor dicho, y con los nervios de ver cómo nos iríamos a llevar de nuevo. Y nada, en lo musical fue lo mismo, como volver al pasado, entendernos con miradas, darse cuenta de inmediato de lo que pasaba.

Ese era uno de los factores que me llevó a no formar otra banda luego del quiebre.

O sea, cuando quise continuar con Polimetro después sin Carlos ni Pato, me sentía muy inseguro en el escenario por la poca comunicación. En ese entonces tocamos con Shaman en el Víctor Jara el 2001 y salimos en la Futuro, pero me sentía demasiado inseguro porque al Carlos y al Pato los conocía muy bien, así que era como empezar de cero otra vez, y como estaba cansado ahí dije ‘no, no sigo más’”.

“Y bueno, el reencuentro en sí fue excelente. El ambiente en los ensayos es el mismo de antes, nos reímos mucho, nos ponemos serios cuando hay que ponernos serios, le damos full cuando hay que darle full, ¿me entiendes?, todo bien. No se perdió esa comunicación musical”.

Mencionaste la palabra full, lo que se percibe en los shows donde no sólo están seleccionando canciones del “Metropolis” (2000), sino además otras nuevas. ¿Cómo han trabajado esas composiciones?

“Polimetro por lo general trabaja de una forma muy particular. Se llegan con ideas, el Carlos con un riff, ‘mira, preparé esto, hice esto, quiero ver si puede salir algo’. Lo toca, lo enseña a los demás, las bases, y cada uno le pone de su cosecha.

Trae también melodías hechas, ‘mira, la melodía es así’, y yo después le cambio

algunas cosas si hay que cambiar, coloco voces y así van armándose.

Como tenemos estipulado que Carlos es el director de la banda y más encima sabemos cómo escribe, que su música es buena y audible, que gusta mucho, lo respetamos harto”.

“Lo principal en este momento es sacar un segundo disco lo antes posible.

Siempre seguimos creando, siempre hay ideas nuevas y es más, la letra del último corte que hicimos la terminé un día antes de la tocata en la SCD, el cinco de noviembre. Y las líricas siguen con el mismo patrón, con asuntos del diario vivir, que si tú las lees y las entiendes siempre te afectarán, siempre te harán sentir algo. Son cuestiones que le suceden a cada uno y hemos tratado de mantener la esencia de Polimetro, la verdad de sus letras y la calidad de su música”.

en los coros. Ahora en cambio, me doy cuenta de que sí están haciendo segundas voces en vivo no sólo en los cortes nuevos, sino también en los antiguos que originalmente no tenían…

“Quiero que en el nuevo Polimetro se trabajen mucho más las melodías vocales, que hayan muchas más armonías. Por fortuna llegó América que, aparte de ser una

En el primer y hasta ahora único esfuerzo, “Metropolis”, las vocales destacaban porque siempre había una sola melodía, sin armonías ni siquiera

¿Y los que prefieren los arreglos antiguos o las grabaciones originales?

El disco salió hace diez años y hay personas que se lo saben de memoria. ¿Cómo crees que se va a digerir este nuevo Polimetro, con otros teclados y otras voces?

“Tenía harto temor de que la gente no aceptara los cambios o la forma de tocar de la bajista, que a mí me agrada mucho, si le da otro matiz.

Afortunadamente, por los conciertos que hemos dado, he leído muy buenas críticas en Internet, nuestro único medio de comunicación.

América me lo comentó inclusive, que tenía un poco de temor porque Mauricio, que era un excelente bajista y músico, dejó la vara muy alta, entonces me dijo ‘no sé si el público vaya a ver si estoy a su nivel’, aunque vuelvo a decirlo, las críticas con respecto al bajo y a la forma de tocar de la América, señalan que Polimetro ganó”.

Sobre este núcleo de los hermanos Esquivel y tu voz, ¿qué influencia ejercen los nuevos integrantes de Polimetro?

“Con la bajista, América, agarró otra onda, con el mismo virtuosismo pero a la vez también con un poco del slap que le da otro sentido, otro sonido, otro sabor. Hay temas de antes que hoy se tocan con slap y se escuchan bastante buenos. Gente me ha dicho que así toman mucho más sabor y América es un gran factor en ese sentido. El tecladista Mauricio tiene muy buenas ideas, es muy versátil en la música, es rápido, y lo que aporta es muy rico.

Y América muestra otras tendencias en su ejecución, por lo que ambos le han dado otro sabor a lo que es Polimetro.

Lo que nos importa en sí de los nuevos miembros no es tanto su calidad musical, sino su calidad humana, y si afiatamos en eso también lo estaremos en lo demás”.

más las melodías y armonías en voces, y por lo visto, se escuchan bastante bien.

Han habido críticas bastante positivas con respecto a eso”.

excelente bajista, canta muy bien, con una voz muy linda, por lo que hay que sacar provecho de lo que tenemos, a la vez de alimentar el espectro de Polimetro, ampliarlo, mostrar más cosas que escondemos. En estudio, puede ser que América, como es un timbre femenino, destaque y se diferencie más. Mi misión ahora es trabajar mucho

Tras todos estos años de receso, ¿cuánto crees que ha crecido el “Metropolis” en la escena? Ha pasado una década desde que salió y la gente en las tocatas se canta los coros como si se tratara de un álbum de culto. ¿Cuánto cariño le tomaste a esas canciones y a ese sonido después de lo transcurrido?

“Es verdad que cuando uno está metido en algo no le toma el peso de lo que significa para los demás. Y justo, en todo el tiempo que el grupo estuvo disuelto, yo trabajando en tiendas se vendía, y hasta el día de hoy se sigue

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vendiendo. Es más, la primera venta que hice el 2009, la primera, el dos de enero, fue un CD de Polimetro, por lo eso fue como ‘sí, vamos en buen camino’”.

El primer show que dimos con el Polimetro renaciente fue en el Galpón Víctor Jara el diez de octubre, y yo no esperé lo que sucedió al final. O sea, subimos al escenario y las personas cantaron todo el primer tema, ‘Fábulas’.

Yo miraba al Carlos y decía: ‘¡¡¡qué increíble!!!, ¡cómo si el tiempo no hubiese pasado!’. La gente tenía hambre de Polimetro y viendo los comentarios en Internet ahora me doy cuenta de que el público tenía mucha hambre, que estaba como calladito.

No sé, fue sorprendente, no lo podía creer, incluso casi me emocioné al ver a personas cantar, vibrar y sentir. O sea, lo que ellos me entregaron fue mucho más de lo que yo les pude dar, me dejó muy prendido, muy arriba, pensando que debíamos continuar”.

Tocando el asunto de las letras, independiente de que sean en castellano, si sabes que hay una con el título ‘Sola’ (dedicada a Sola Sierra) por ejemplo, quizás vayas a creer que Polimetro se pondrá a hablar de política, pero después la escuchas y te das cuenta de que se trata de un mensaje muchísimo más universal, a la fibra, del que cada uno puede sacar su propia conclusión. ¿Hasta qué punto quieren ser reconocidos como un conjunto que canta un mensaje en castellano y universal, que no se cierra a lo explícito?

“A ver, si se estudia cada letra, si se lee, a todos les causará algo. Tal vez no guarde relación con el punto de vista desde el

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cual se originó, pero sí tomado desde otro que se amoldará a esa situación en especial, porque no van a una cuestión tan certera. Se pueden tomar como varias cosas. Ahora, los temas nuevos… yo he escrito casi todas las letras y están basadas principalmente en la experiencia con mi padre, de su muerte, de lo que dejó, los cambios que provocó su ida, el sufrimiento de mi madre… bueno, y eso se puede tomar como varias cosas, no sé, la misma depresión que puede provocar la partida de alguien muy

cercano, lo que es tan normal para todos, que si no le ha sucedido a uno, le sucederá. Vivencias así de próximas y palpables entrega Polimetro, hechos reales, situaciones que hemos experimentado o compartido. Por eso las líricas tienen harta importancia y por eso gustan al público”.

Era curiosa la cantidad de comparaciones con Dream Theater que hacía la gente antes que Metropolis se transformara en Polimetro y sacara su CD debut el 2000. En ese tiempo, todo lo progresivo se entendía como “Dream Theater” y punto, ya que no existían otras referencias al alcance de la mano. Cuando se lanzó el disco

sin embargo se pudieron ver otros matices. Antes del álbum, no se dejaba de comparar a Polimetro con Dream Theater. Después del álbum, se empezó a hablar más de la agrupación misma. ¿Cómo veían aquello?

“Exacto, cuando comenzó esta comparación con Dream Theater… no lo voy a negar, para mí era un honor, si era una GRAN

banda progresiva, una EXCELENTE banda progresiva, demasiado virtuosa.

Que nos compararan con ellos era como ‘oh, somos buenos en realidad, las personas ven que somos buenos’, pero con el transcurso del tiempo ya empezó a cansarnos. En el fondo, nuestra intención no era tomar la identidad de otro. Obvio, había influencias, no sé, escuchábamos harto a Rush igual. En esa época quizás Dream Theater haya sido lo más conocido o más accesible para todos, y el chileno siempre busca comparar, siempre, lo que escucha lo compara y así somos en cierta forma. El fin no era ese, sino hacer una música de Polimetro, y chilena, nada más”.

Jorge Ciudad

Viernes 14 de mayo, Teatro Caupolicรกn Fotos: Ignacio Orrego G.

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Revisa el comentario de este concierto haciendo click acรก.

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Muchos grupos metaleros en Chile empiezan como Marcela Bovio en México, editando CD de forma independiente y tratando de enviarlos a todas partes. Pues una de esas copias llegó al mastermind de Ayreon, quien se enamoró de su voz y la invitó a Holanda para que cantara en “The Human Equation”. Eso fue nada más que el comienzo, porque con la ayuda del mismo Arjen Lucassen fundaría Stream Of Passion, su banda en Europa que ya cuenta con dos álbumes, “Embrace The Storm” y “The Flame Within”, más un material en vivo. Conocida además por su colaboración con The Gathering en “The West Pole”, la vocal/violinista es una de las frontwomen en ascenso de la escena sinfónica mundial. De aquí también se puede...

E

n noviembre y diciembre, Stream Of Passion se subió al Beauty And The Beast Tour con Leave’s Eyes, Atrocity, Sirenia y Elis. ¿Cómo les fue en esa gira?

“Tuvimos conciertos seguidos sin días de descanso, entonces era llevarnos en el autobús, tocar, subirte al autobús, dormir en el autobús y llegar a otra ciudad.

Fue full, y yo estaba así como media nerviosa... que me tenía que ir la cama bien temprano para cuidar la voz, ¡y no mucha fiesta la verdad! Todos los chicos del grupo iban a las fiestas y yo muy bien portadita ahí en la cama (risas), pero fue una experiencia súper linda. Éramos el conjunto en cierta forma menos conocido de la gira y tuvimos la fortuna de recibir excelentes comentarios por parte de las otras bandas y del público. Mucha gente que no nos conocía se sorprendió con nosotros. Fue maravilloso porque llegamos a personas y lugares que nos hubiesen sido difíciles alcanzar solos”.

“La convivencia con las bandas fue genial. No sabía que Ailyn de Sirenia era de España, ¡y ella tampoco sabía que yo era de México (risas)!, y encantadas de la vida cuando nos conocimos y hablamos en español (risas), platicando de cualquier cosa”.

Aquí en Chile hicieron un grupo de Facebook para exigir que este festival

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llegue a Sudamérica. ¿Qué te gustaría decirles a esas personas? ¿Cuáles son tus deseos? “(Risas) ufff... deseos, ¡todos (risas)!

Tengo muchas ganas de llevar el show a Latinoamérica. Ahorita se resume a que Stream Of Passion es una banda europea con todos los costos y pormenores de llevar algo así hasta allá. Igual, yo espero que mientras más revuelo causemos por acá, más ruido se genere para que se animen los promotores, y si los chicos del grupo de Facebook tienen algún contacto (risas), ¡estaría muy bien! Muchas gracias por el apoyo, por creer en mí, en la banda, y por todos esos comentarios tan lindos. Espero de todo corazón tener la oportunidad de ir lo más pronto posible y compartir toda esa energía, esa vibra en el escenario que es lo que más nos gusta”.

El motivo de esta entrevista es saber tu historia, el modo en que conociste a Arjen Lucassen desde México, te abriste paso por el viejo continente y te dedicaste a Stream Of Passion.

Ahora, que entiendes cómo trabaja la escena profesional en Europa, ¿cuáles son tus recuerdos más lindos de tu ciclo con Elfonía en Monterrey?

“Fue una época bonita. Habían muchas ilusiones, pero efectivamente no sabíamos cómo funcionaba muy bien toda la industria, ¿no? Teníamos muchos sueños y ambiciones, echándole todas las ganas y esperando los mejores resultados. A lo mejor éramos

demasiados ingenuos al pensar que gastando hasta el último centavo en grabar tu propio disco y editar tu propio material, pasando días enteros tocando puertas en estaciones de radio para que lo toquen... pero aprendí muchísimo de todo el trabajo que hay detrás de montar un disco, de producir tu propio material, así como haciendo función de tu propia disquera. (Suspiro) y yo creo que la enseñanza más grande es que hay que trabajar bien duro”.

“En esos tiempos era todo chambear súper duro para llegar a algún lado y, tú sabes, a veces tocar para poca gente y tener que luchar para conseguir más conciertos y abrir más puertas, pero yo encuentro que eso sentó la base en mí de que ‘bueno, OK, ¿quieres hacer una carrera musical?, ¡pues es difícil!’, y me preparó para cualquier dificultad que pudiera venir después”.

Te abriste paso en Europa no tanto por conocer la “hoja de ruta” de la industria metalera, sino por el llamado de Arjen Lucassen para su proyecto en Ayreon, “The Human Equation” (2004). ¿Cuánto te marcó esa labor?

“Fue increíble. En el momento que leí su correo que decía ‘¡oye!, ¡recibí tu disco y me gustó mucho tu voz!, me encantó la música, me encantó todo’, yo quedé ‘¿¡QUEEEEÉ!? ¿¡ARJEN LUCASSEN ME ESTÁ ESCRIBIENDO!?’. Bueno, hubo una preselección entre varias chicas y grabamos varios temas, pero a la hora que me dijo ‘¿sabes?, vas a ser tú’, no

me la creía. Tengo amigos de toda la vida que son fans aguerridos de Ayreon y de todo lo que Arjen hace... les conté y quedaron ‘¿¡QUEEEEÉ!? ¡INCREÍBLE!’.

Era la primera vez que estaba en Europa y que viajaba en avión por más de tres horas, entonces fue toda una aventura desde subirte al avión y ver qué va a pasar, hasta practicar las cuestiones en México y llegar ahí sin saber qué esperar, yo pensando que Arjen era una persona muy seria, así como un genio musical”.

“La memoria más bonita que tengo es de llegar ahí y darme cuenta de que es una persona muy cálida. En el estudio te retroalimenta de una forma que simplemente hace que des lo mejor de ti. A todos los cantantes de Ayreon creo que nos ha pasado, que los escuchas en los discos de Arjen y suenan de lo mejor que han hecho, y yo así me sentí. Te dice justo lo que necesitas oír para dar lo mejor de ti. Experimentar eso fue bien padre”.

europeos de escuchar a alguien cantando en un idioma que quizás no entiendan? ¿En qué medida puede resultarles exótico, místico, no sé?

“Diste precisamente en el clavo. El aire exótico, el aire místico de escuchar música cuya letra no entiendas hace que te enfoques en la misma musicalidad y rítmica de las palabras en vez del significado. No sé si conozcas la música de Cirque Du Solei... no están diciendo nada, es un lenguaje inventado con puras palabras que no existen y la “letra” trata de la rítmica y la musicalidad de las sílabas que usan. Eso experimentas cuando no conoces el idioma que se canta, y a la gente aquí le gusta mucho aquello y en especial a los holandeses.

Y cuando se pusieron a trabajar de cara a cara en Stream Of Passion con los dos creando, ¿qué fue lo que más aprendiste de él? ¿Cuáles son tus recuerdos de la producción de “Embrace The Storm” (2005) con Lucassen en la formación?

“En estudio soy una persona muy obsesiva, entonces compongo algo y lo tengo que revisar mil veces, buscándole por aquí y por allá hasta que quede a la perfección, ¡lo que nunca llega!

Así soy yo (risas), y lo que aprendí a valorar de Arjen es que bueno, ¡se atreve!

Es un hombre que no lee música ni escribe acordes, que todo lo tiene en la cabeza y no le importan las reglas armónicas o lo que sea. Él nada más lo hace y me acuerdo que con Stream Of Passion fue la primera vez que él grababa un piano en su estudio, un mini piano de cola. O sea, nunca le había acomodado los micrófonos para sacarle el sonido... pero no importa, igual intenta, se alienta a experimentar. Me llamó mucho la atención y a lo mejor eso le aprendí a Arjen, ¡que todo se vale!”.

Y a propósito, fue él quien te propuso que hicieras algunas voces del “Embrace The Storm” en castellano. ¿Qué crees tú que le fascina a los

que en los países de Escandinavia además de Dinamarca y Holanda, el inglés es casi como una lengua común, a diferencia de Latinoamérica donde cuesta mucho aprenderla. En ese sentido, ¿cómo han aceptado los europeos el “color” de tu inglés, tu timbre y acento?

“Por ese lado tuve de suerte, los idiomas son algo que se me da. Hace dos años que vivo en Holanda y ya me comunico en holandés con la banda y la gente, casi sin problemas (risas). De repente ahí me trabo pero va muy bien. Y el inglés, pues fíjate que en Monterrey, de donde yo vengo, está bastante cerca de la frontera con Estados Unidos, así que es mucho más cotidiano que se hable inglés. Eso fue algo que yo aprendí de muy chica, lo asimilé de manera muy temprana.

Trabajé además para una compañía en Texas y estuve viajando bastante para allá por algún tiempo, y por ahí agarré mucho el acento ese sureño (risas), pero nunca he oído muchos comentarios de si mi acento es muy latino o algo así”.

En marzo de 2007, tanto Arjen como Lori Linstruth (guitarras) y Alejandro Millán (teclados, Elfonía) se fueron de Stream Of Passion. ¿Qué desafíos se te presentaron al producir un segundo material sin esos miembros tan importantes?

No me lo esperaba, pero les gusta mucho el idioma y disfrutan de harta música, no como en Estados Unidos donde todo tiene que ser en inglés, pues si no se entiende, no funciona. Es diferente aquí. A mí, nunca se me habría ocurrido incorporar español la verdad, pero cuando Arjen me dijo, yo ‘¿ah?, ¡qué padre!’, porque obviamente me puedo expresar a un nivel distinto”.

Y dando vuelta la pregunta, es sabido

“El más grande fue que estaba acostumbrada a co-escribir con alguien siempre. En Elfonía era con Alejandro y yo básicamente esperaba una idea suya para comenzar.

Y con Stream Of Passion igual, ¿no? Siempre esperaba una idea de Arjen para trabajar en ella, entonces en el momento que pasaron estos cambios fue como ‘bueno Marcelita, ahora tendrá que venir la idea inicial de ti también’, y ese fue el reto. No sabía cómo empezar, no sabía cómo escribir una canción desde cero, porque lo que me gusta son las melodías, y

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Eric Hazebroek y Stephan Schultz, han suplido lo que había antes?

expresarme con melodías no tengo ninguna dificultad”.

“Bueno, hacer la base de un tema fue por un instante como ‘no sé por dónde empezar, no sé cómo atacar el problema’, pero vaya, a costa sentarme con el piano allá en México y aquí con mi teclado, mi guitarra, y probar, traté de componer algunos riff o progresiones, acordes, y simplemente intentar... y como que se empezaron a dar las cosas y me comencé a sentir un poco más segura, ‘¡oye!, ¡yo igual puedo hacer esto!’. Así surgieron las primeras ideas y después, la retroalimentación del resto de la banda me abrió mucho la mente, ‘¡oye!, ¡podemos probar esto!, ¡todo se vale!’”.

“En retrospectiva, me siento muy orgullosa de haber podido superar ese reto y lo de ‘bueno, si quiero, ¡yo también puedo escribir música!’. O sea, no tengo que depender de alguien. Lo que más me alegró de “The Flame Within” (2009) fue el hecho de ver el resultado completo, el poder escuchar las canciones, porque para mí son como una serie de memorias, me pueden transportar fácilmente al momento que las componía.

En lo personal eso es muy valioso, el poder reflejar de una manera clara los sentimientos que trataba de expresar”.

También te encontraste con el tremendo desafío de reemplazar a alguien como Lori en las guitarras, que tiene un estilo de leads tan suyo. ¿Cómo crees que tus dos guitarristas,

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“Al principio siempre hay una temporada de ajuste y momentos que tenemos que pasar conociéndonos como personas y músicos, pero después de varios conciertos y aventuras juntos, hay una química genial entre los miembros. Parece cuento de hadas, y estoy tan contenta, porque son excelentes músicos y hacen un excelente trabajo en vivo. No hay equivocaciones y claro, tienen estilos muy diferentes a los de Arjen y Lori, aunque se suben al escenario y hacen lo que tienen que hacer de una forma excelente.

Es diferente además porque siento la energía que tenemos en escenario, donde nos comunicamos increíble. Nos emocionamos y nos ponemos a brincar, es bien bonito. Yo estoy muy contenta con la alineación de ahora y por ver esa pasión en la actitud y la ejecución”.

Lo que me fascinó de “The Flame Within” fue el hecho de que hayas decidido grabarlo en diferentes estudios y con diferentes productores, trabajando con Joost van den Broek (ex After Forever) y Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amon Amarth, Paradise Lost) por ejemplo. Eso logra que el disco alcance un sonido único, porque si un productor se encarga de todo el proceso, desde la grabación hasta la masterización, se obtiene el sonido del productor más que el de la banda. ¿Qué importancia tuvo para ti el dividir las sesiones?

“Sí, precisamente eso. Queríamos seguir la línea de “Embrace The Storm”, aunque también darle un giro un poco más heavy, en vivo, energético. Sabíamos que la parte sinfónica, la parte melódica iba a estar ahí todavía, y que también tendría que haber una base bien metalera.

Conocemos a mucha gente y tenemos la fortuna de contar con muchos amigos en el medio, y entre ellos estaban Joost van den Broek y Jochem Jacobs. Joost es buenísimo para lo sinfónico y los arreglos de cuerdas, y Jochem para grabar y mezclar baterías bien duras y

un sonido de guitarras más moderno, más in your face. Esas eran las cosas que buscábamos combinar. Y Jens es renombradísimo en el metal, y todos extra fans de los discos de Katatonia y su sonido, ¡pues vaya qué honor trabajar con él!”.

Por último, cuando varia gente acá te escuchó en ‘Pale Traces’, que sale en el último de The Gathering, “The West Pole” (2009), se dijo que tu voz era la sucesora natural de Anneke. ¿Cómo fue la experiencia de colaborar con René Rutten en ese álbum? Y lo otro, ¿cuánta presión hubo para que te convirtieras en la nueva cantante de la banda?

“Fue maravilloso porque los sigo desde años y años atrás, más de... ¡diez años Dios mío (risas)! Pero sí, el tener la oportunidad de formar parte de ese proceso y poder ver cómo trabajaban, experimentar su proceso creativo, fue muy lindo. Pude sentarme con ellos en el estudio mientras me enseñaban las canciones y escuchar a René decirme todas las cosas, ‘no, que aquí estaba buscando esto, y esta canción tiene que ser así, y chequea esta onda con la guitarra’, ¡fue fabuloso!, inolvidable”.

“Y bueno, vaya, la verdad es que nunca pasó por mi mente la idea de llenar ese puesto, de ser la cantante de The Gathering, más que nada porque yo tenía a Stream Of Passion, que ya me da la oportunidad de expresarme a mi modo, lo que no planeo dejar atrás.

The Gathering se venía bien fuerte, con hartos compromisos y mucho trabajo.

Aunque en algún momento se me pasó por la mente lo de ‘¿se podrá hacer todo (risas)?’, porque también me llegué a sentar con ellos algunas vez y me preguntaron ‘Marcela, ¿qué tan ocupada estás con Stream Of Passion (risas)?’.

Eso fue mucho antes que entraran en contacto con Silje, pero de un principio les dije: ‘me encantó la idea de colaborar con ustedes y vaya, ¡me encantaría todo!, pero no me es posible (risas), ya no me alcanza el tiempo’. En fin, me parece genial haber trabajado con ellos. Y lo que hizo Silje lo encuentro maravilloso.

Tiene una voz muy dulce y sus melodías son muy lindas... como misteriosas. No sé, me encantó. ¡Qué mejor que poder acompañarlos en un concierto un día (risas)!”.

Jorge Ciudad