Sandra Guerrero by easdmurcia trabajos

Movimientos del Dise単o del Siglo XIX y XX Sandra Guerrero Diaz

Movimien Arts & Crafts tos Modernismo 1815-1918

INDICE

Arts & Crafts..........................................6

Del Constructivis Siglo Deutscher XIX-XX Werkbund Modernismo..........................................8

Deutscher Werkbund............................10

Constructivismo...................................12 De Stijl...................................................16 Bauhaus.................................................18

Art Decó.................................................20 Diseño Orgánico...................................24 Aerodinamismo....................................26 Pop.........................................................28 Postmodernismo..................................30

1815-1918

Arts & Crafts Modernismo Constructivis Deutscher Werkbund Arts & Crafts Modernismo

Constructivismo

Deutscher Werkbund

Arts & Crafts El movimiento artistico Arts & Craft nació en Inglaterra, se dio de 1860 a 1900. Este movimiento se inspiró en la obra de John Ruskin. En este periodo de la historia las condiciones de trabajo de los obreros eran desastrosas. Contrastaban con el modo de vida de la burguesia en esta epoca victoriana.

cidad en el trabajo y por la belleza de los objetos cotidianos. Para Morris, la máquina es la responsable de las nuevas relaciones que tenemos con los objetos. La respuesta de Morris a la proliferación de objetos feos y pretenciosos fabricados por máquinas es el retorno incondicional a lo artesano.

influido por las teorias de Ruskin , William Morris predica un socialismo que permitiera a las clases bajas acceder a la feli-

El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo. A los fabricantes de la “era de las máquinas” les interesaba más la cantidad que la calidad y nutrieron a la industria no de artesanos, sino de técnicos del maquinismo, sin cultura estética.

William Morris

Fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts. Nació en Walthamsow, cerca de Londres. Perteneciente a una familia acomodada. Estudió arquitectura, arte y religión en la Universidad de Oxford. Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas. Tras culminar sus estudios, comenzó a trabajar en 1856 en la firma de arquitectura de G.E. Street. Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo de boda para Jane Burden.

Morris trató de infundir a la producción industrial unos valores estéticos hasta aquel momento ignorados, a partir de la experiencia prerrafaelita, en su empresa Morris & Co. El ideario de Morris tuvo muchos seguidores que, como él, preconizaban la idea de que antes de hacer cuadros bellos era indispensable hacer bellas las mesas, las sillas y los enseres y el entorno de la vida cotidiana. El Arte no era cosa de inspiración sino de oficio. La Bauhaus en sus orígenes estuvo basada en los principios de William Morris y en el movimiento Arts & Crafts.

Modernismo 1890-1910 En cada pais recibio un nombre distinto(Jugendstil, Art Noveau,…). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas.Se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres. El modernismo propuso durante 20 años respuestas totalmente nuevas y alejadas de los esquemas tradicionales del arte manierista y burgués. El movimiento, muy activo en Bélgica con Henry Van de Velde y Victor Horta, se extendió a toda Europa y Estados Unidos. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años. En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva.

El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana.A menudo los artistas modernistas son artistas “integrales”, pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener.

Austria

En Austria destacan las creaciones de Otto Wagner y Josef Hoffmann, geométricas y sin adornos.

Escocia

En Escocia se distinguen las creaciones rectilíneas y el rigor de C. R. Mackintosh.

En general el modernismo se caracteriza por un dominio esplendoroso del ornamento. La novedad de las formas, en general mediante las formas curvas y las referencias a la naturaleza fueron etiquetadas de estilísticas. Sin embargo, se trataba de una revolución total, un lenguaje formal perfectamente nuevo, y de una adecuación perfecta entre la forma y la función. El elemento decorativo (planta, follaje o flor), es en sí mismo el elemento funcional.

España

El modernismo en España se caracterizó por una capacidad creativa lírica, como producto de los modelos anteriores y por el deseo de extraer de la tecnología sus nuevas posibilidades.

Los elementos no están sobreañadidos: los botones de las flores en estaciones de metro tienen como función la iluminación. El modernismo, acusado de ornamental por los funcionalistas, es en realidad un intento de fomentar el empleo de la máquina en la producción industrial, sin por ello rechazar el arte y el individuo, sino tratando de unir arte y tecnología.

Deutscher Werkbund 1907-1934

El Werkbund es una asociación fundada en Munich, en 1907, por H. Muthesius y H. Van de Velde que agrupa a artistas y empresas de producción industrial y artesanal y favorecerá la fundación de talleres de carácter industrial. Para el Werkbund, el objetivo común consistía en la utilización de la máquina en la producción industrial. Muthesis defiende la necesidad de la estandarización. Van de Velde defiende la creación individual y el arte. Frente a una corriente orientada hacia el are decorativo y la artesanía, el Werkbund se mantiene como el defensor del

funcionalismo y la estandarización. Meter Behrens será el primer encargado de diseñar un programa completo para las producciones de la empresa AEG, sometiéndose a los imperativos de la fabricación y racionalizando la producción. Las actividades del Werkbund serían interrumpidas en 1934, por el auge del nazismo.

AEG Es una empresa alemana fundada en 1883 por Emil Rathenau. Ese año adquirió la licencia de las patentes de Edison en Alemania. La empresa, en principio, se llamó Asociación Edison de Alemania. Luego en 1887, ese nombre cambió a Asociación General de Electricidad (Allgemeine ElektrizitaetsGesellschaf ). En sus comienzos, AEG, se dedicó a la fabricación de calentadores eléctricos, planchas eléctricas, teteras eléctricas y otros aparatos. Pero a partir de 1907, comenzó a trabajar como asesor el diseñador Peter Behrens.

Peter Behrens Actuó como puente entre el art noveau y la consolidación de un enfoque racionalista. En 1907 se suma a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann Muthesius, comparte ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año es nombrado consejero artístico de la AEG y se muda a Berlín. Para la AEG realiza lo más reconocido de su trabajo.

Modernismo Constructivismo 1910-1950 El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro” del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. Constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta

por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.

Aalto conoce bien los primeros trabajos de contrachapado que se están fabricando en Suecia y Finlandia. El tubo metálico que se usaba en Alemania no tiene cabida en su idea de una arquitectura construida alrededor de las personas que la habitan. Aalto aprovecha la natural flexibilidad de la madera de abedul, cuya resistencia se aumenta mediante incrustaciones de madera laminada tratada con adhesivos especiales. Estos tratamientos en la madera permitían curvaturas en las láminas de madera de hasta 90º. En lugar del curvado a vapor patentado por Thonet, Aalto adoptó un curvado en frío, aprovechando la humedad natural del abedul. El armazón de la butaca para el sanatorio de Paimio se compone de dos simples anillos moldeados que sirven de soporte y brazos. La superficie del asiento se compone de una sola lámina de contrachapado curvada y lacada, higiénica y fácil de limpiar, y transmite sensación de calidez.

La compañía ARTEK (arte más técnica) comenzó a funcionar en 1935. Artek se convirtió en el mayor vehículo de propaganda de las tesis de Aalto a favor de un proyecto orgánico, sensible y respetuoso con el hombre y con la naturaleza que lo rodea. Artek nunca ha interrumpido la producción de los modelos de Aalto, impulsando una filosofía industrial de gran alcance. El jarrón savoy > Lo realizó en 1936. Alejado de la tendencia formalista, Aalto propone una serie de jarrones de formas libre y orgánicas, que parecen no tener ningún referente: No muestran ambiciones funcionalistas, ni espíritu geométrico o racionalista, ni persiguen una sugestión decorativa. La intuición originaria nace de la observación de las fisuras producidas por el tiempo en los troncos de los árboles. Estas heridas en los árboles poseen una belleza espontánea y natural, con una fuerza dramática propia. El vidrio es soplado en unos moldes de madera para plasmar las irregularidades, que son la esencia misma del jarrón.

1919-1939

De Stijl Bauhaus Art Dec贸 De Stijl

Bauhaus

Art Dec贸

De Stijl 1917-1931 Movimiento holandés influido por el cubismo, en el que el arte puro emprende el camino hacia una nueva expresión universal. El arte está más allá del individuo, y debe nacer del espíritu colectivo. El movimiento De Stijl preconiza el estructuralismo, un neoplasticismo en el que sólo se reconocen los cubos y los paralelípedos. Los tres colores fundamentales, los únicos usados en pintura por Mondrian y en los muebles de Rietveld, son el azul, el amarillo y el rojo, junto con tres no-colores, el blanco, el gris y el negro. Se busca una disposición equilibrada entre los planos interiores y exteriores, entre la horizontalidad y la verticalidad. Esta voluntad de creación geométrica influirá directamente en los alumnos de la Bauhaus y de la arquitectura contemporánea. Más allá del formalismo que propone, De Stijl pone en tela de juicio la disposición tradicional del espacio al buscar un equilibrio tridimensional entre vacíos, superficies y colores. Su objetivo era lograr un arte nuevo, basado en planteamientos estético de una extraordinaria pureza y comunes a las distintas manifestaciones artísticas. Decididamente abstracto, se caracteriza por formas extremadamente sencillas y colores primarios. Partiendo de las investigaciones previas, en especial el cubismo, plantean nuevas alternativas estéticas a la sociedad moderna. Junto a Van Doesburg(líder del grupo), pronto destacaron figuras como Rietveld y Mondrian. Este último se convirtió en la figura más reconocida del movimiento.

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Mondrian

Rietveld Desarrolló una interesante combinación de actividades artísticas. De su padre, que era carpintero, heredó su interés por la ebanistería; de ahí los hermosos diseños de mobiliario que llevó a cabo. Al mismo tiempo, ya con sus estudios de arquitecto concluidos, participó en el grupo De Stijl, al que perteneció hasta 1931. De esta extensa época son su famosísima silla roja y azul y la no menos conocida Casa Schröder, en Utrech, un edificio en el que el plano libre es su característica principal, junto con el empleo del color lineal y las formas cúbicas.

Fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl, que fue fundado por Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

1717

Bauhaus 1919-1933 Tras la I Guerra Mundial, H Van de Velde propone al duque de Weimar a un arquitecto de 31 años ayudante de Peter Behrens, para sucederle en los cargos de las dos escuelas que deja vacantes. Walter Gropius es nombrado director de las dos escuelas, que van a integrarse en una sola: La Staatliches Bauhaus. La idea básica de Gropius era recoger todas las disciplinas artísticas bajo el mando de la arquitectura, y desarrollar su relación con los procesos industriales. En principio suponía un rechazo del artesanado y sus modos de producción, si bien los problemas surgidos después redujeron el impacto que un fenómeno de este tipo debería tener. La Bauhaus pretendía establecer contacto con la producción industrial, y formar jóvenes en el trabajo manual y mecánico, así como en la elaboración de proyectos. Entre los artitas que inauguraron las aulas de Weimar, en marzo de 1919, estaban el suizo Johanes Itten, y Feininger, a los que se unieron Paul Klee, Vasily Kandinsky y Lászlo Moholi-Nagy entre 1921 y 1923. La Bauhaus nació inmersa en las convulsiones políticas de la república de Weimar después de la I Guerra Mundial. La suerte de la Bauhaus corrió pareja a la de la república, y en 1933, poco después de la llegada al poder de Hitler, la escuela fue cerrada, y muchos de sus profesores tuvieron que salir de Alemania.

Objetivos de la Bauhaus 1.Integrar todos los géneros artísticos bajo la arquitectura. 2.Integrar la producción estética hacia las necesidades de un amplio espectro de clases sociales.

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Fase de fundación

Fase de desintegración

1919-1923 Tras el curso preparatorio, los estudiantes podían elegir talleres específicos, al frente de los cuales estaban un maestro de la forma y un maestro del oficio (artista y artesano). Se realizaban prototipos únicos con técnicas artesanales.

1928-1933 Meyer fue nombrado director en 1928. Propugnaba una definición social de la arquitectura y el diseño. El creador debía satisfacer al pueblo, y se abandonó el concepto de Escuela de Arte, con lo que un importante número de artistas (Klee, Schlemmer, Nagy) abandonaron la escuela. El propio Meyer abandona la esuela en 1930 ante las presiones, y le sucedió el arquitecto Mies Van Der Rohe.

Fase de consolidación 1923-1928 En esta época, dos de los talleres que adquieren mayor relevancia son los de metal y mobiliario. Este último dirigido por Marcel Breuer, quien inspiró un tipo de trabajo con acero tubular, capaz de resolver los problemas funcionales y de ser fabricado en serie. En esta segunda etapa se estudió teórica y prácticamente el concepto de función, y se toman en consideración las necesidades de la población. El experimentalismo de la primera época quedó relegado a las necesidades industriales, y la Bauhaus se convirtió en una Escuela superior de Diseño, bajo la dirección de Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura desde 1927.

1919

Art Decó 1920-1939 El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

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Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó. Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se

caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

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1940-1985

Diseño Orgánico Aerodinamismo Diseño Orgánico

Pop Art Aerodinamismo Pop Art

Postmodernismo

Diseño Orgánico 1940-1980 Diseño de mobiliario que se dio en Estados Unidos. El diseño en Estados Unidos destaca por artículos como el automóvil, los electrodomésticos, los productos electrónicos. En el sector del mueble desde 1945 al 60, destacan las empresas Herman Miller y Knöll International. Herman Miller surge en 1905 en una pequeña ciudad de Michigan.

La escuela de Cranbrook

fue fundada y dirigida por Elien Sarinen, arquitecto finlandés, que emigró a Estados Unidos en 1923, tras hacerse con el 2º premio del concurso para el rascacielos del Chicago Tribune. El objetivo de la escuela era el de estrechar la relación entre las bellas artes y las artes aplicadas, a partir de las tesis de Morris y el Arts & Craft. Para ello se creó un espacio en el que artistas, artesanos y arquitectos pudieran trabajar libremente. Habilitaron el lugar con estudios, talleres y viviendas, dentro de un clima europeo

de experimentalismo artesa no. La escuela de Cranbrook constituyó un puente entre Europa y Estados Unidos que adoptaba como propio el diseño orgánico escandinavo y las teorías de la escuela de Glasgow. En 1940 el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) convoca un concurso de muebles, ganado por Eames y Eero Sarinen, integrantes de la escuela Cranbrook.

Charles Eames

Eero Saarinen

Diseñador y arquitecto, nació en Saint Louis, Missouri en el año 1907. Estudio arquitectura en la universidad de Washington en San Luis. En 1938 ingresó en la Cranbrook Academy of arts. Durante la Segunda Guerra Mundial diseña muebles para la marina americana. En Cranbrook conoce a el hijo de Eliel (director de la escuela) Eero Saarinen que es quién le hará conocer la arquitectura orgánica de Alvar Aalto y sus búsquedas con el contrachapado curvado. Desarrollo la técnica del chapeado y moldeado de la madera y el uso del plástico reforzado con fibra de vidrio, que permite la fabricación de asientos de una sola pieza.

nació el 1919 en Helsinki pero emigro a EE.UU. También fue diseñador y arquitecto. Fue profesor de arquitectura en Cranbrook. En 1937 comenzó a diseñar muebles junto con Eames y después diseño para Knoll.

Los muebles racionalistas y orgánicos se pueden reducir a dos tipologías morfológicas: los conceptos “discontinuo” y “continuo” . La primera tipología (discontinuo) puede dividirse a su vez en “discontinuo por elementos” y “discontinuo por partes”. “Discontinuo por elementos” indica un tipo de muebles cuyo volumen se descompone en planos o elementos lineales, cada uno conservando su propia individualidad, y unidos de manera clara evidente por el mismo material. Un ejemplo paradigmático de esta tipología podría ser el de las sillas neoplasticistas de Rietveld. La tipología “discontinuo por partes” es la de muebles (sobre todo sillas y butacas) en la que el soporte se diferencia del bastidor, compuesto de asiento-brazos-respaldo, como el Fauteil Grand Confort de Le Corbusier, o la silla Barcelona de Mies. Los muebles del tipo “continuo por partes” presentan partes portantes y sostenidas, pero tanto unas como otras están hechas del mismo material, El uso de un solo material confiere continuidad y homogeneidad entre las partes, como las sillas y mesas de Alvar Aalto. Finalmente, lo “continuo por uniformidad” comprende aquellos muebles en los que no se distinguen las partes a causa de la homogeneidad del material empleado.

Aerodinamismo 1930-1950

Con el advenimiento del nazismo desaparece La Bauhaus, trasladándose muchos de sus componentes a otros países como Estados Unidos, y exportando a la vez sus ideas sobre el diseño industrial. En este momento aparecen en Estados Unidos dos corrientes totalmente contrapuestas: •una influida por La Bauhaus, de corte racionalista otra que propugna que el diseño del producto debe ser estético, olvidándose de la funcionalidad. • Esta segunda corriente, denominada Styling o streamline modern, desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente que desencadenan un consumo acelerado a causa del envejecimiento psicológico determinado por la ley del último modelo.

• Cabe destacar que ésta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz. • Es considerada por muchos autores como el auténtico antidiseño, pues enmascara el producto debajo de un excesivo número de adornos con la única intención de mejorar su aceptación por parte del consumidor y a la vez su venta. • Paradójicamente, la primera época de esplendor del diseño industrial en Estados Unidos se inició en plena gran depresión económica en 1929 y el periodo de posguerra trae como consecuencia una respuesta económica de acelerada producción de electrodomésticos, automóviles y en general, bienes de consumo.

Airstream Clipper El Airstream Clipper es un remolque de aluminio pulido, tan ligero y aerodinámico que puede ser transportado por una bicicleta. Se fabrica con la misma tecnología de los aviones, paneles de aluminio y remaches. Por esta razón su fabricación quedó interrumpida durante la 2ª guerra mundial. Las dos ideas de Byam son sencillas: Crear un vehículo habitable rebajando el suelo y elevando el techo y aplicar criterios aerodinámicos a la carrocería. Es un diseño totalmente funcional, ya que al darle una forma aerodinámica se reduce la resistencia al viento y por tanto la eficiencia de combustible mejora. El remolque esta contruido en aluminio pulido, el cual lo hace muy ligero. Se fabrica con la misma tecnología de los aviones, paneles de aluminio y remaches. Por esta razón su fabricación quedó interrumpida durante la 2ª guerra mundial.

Pop 1950-1980 movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Verner Panton El diseñador danés Verter Panton trabaja en el estudio de Jacobsen, donde aprende a pensar en términos de entorno, de relaciones entre objetos y espacio. Si la mirada de Jacobsen busca un punto intermedio entre tradición y modernidad, Panton mira exclusivamente hacia el futuro. Panton deja de lado la madera y crea con plástico, metal y colores. Diseña a medida de cada ambiente y realiza interiores saturados de color y caracterizados por la repetición de formas geométricas elementales.

Eero Aarnio El finlandés Eero Aarnio se especializa en el diseño de objetos en materias plásticas. Fue de los primeros en experimentar con el uso de resinas sintéticas en el diseño de muebles para el hogar. Aprovechando las cualidades del material, crea volúmenes abultados y redondeados, sin recurrir a complejas tecnologías productivas.

Postmodernismo 1980-1990

El término postmodernismo o postmodernidad designa generalmente un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su oposición o superación del moderno.

Características histórico-sociales • En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Se renuncia a las utopías y a la idea de progreso. • Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de producción hacia una economía del consumo. • Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos que duran hasta que surge algo más novedoso y atractivo. • La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente se mezcla con la compulsión al consumo. • Los medios de masas y el mercadeo se convierten en centros de poder. • Deja de importar el contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de convicción que pueda producir. • Desaparece la ideología como forma de elección de los líderes siendo reemplazada por la imagen. • Los medios de masas se convierten en transmisoras de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad. • Aleja al receptor de la información recibida quitándole realidad y pertinencia, convirtiéndola en mero entretenimiento. • Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierte en un show. • Desacralización de la política. • Desmitificación de los líderes.

Phillip Starck Contexto: Se dio a conocer a principios de los 80. París (Francia). Capacidad para combinar con naturalidad ecos clasicistas y decó. Innovación y tradición, buen gusto e ironía. Apropiación de la tradición decorativa francesa, mezclada con la racionalidad de los maestros del movimiento moderno y el optimismo del diseño italiano. Diseña un sin fin de objetos: cepillos, lámparas, jarrones, radios, tiradores de puertas, televisiones, matamoscas, relojes, gafas, maletas, barcos, restaurantes...

Ikea

Juicy Salif Objeto más estético que práctico. Sus dimensiones son mayores que uno convencional ,su material es de aluminio pulido y su peso es mayor que el de cualquier exprimidor del mercado. Las premisas que se han tenido en cuenta son: Formalidad: Esta inspirado en la forma de los insectos Llama la atención su esbeltez y su cuidada forma. Estilística: Tiene una gran carga estética dejando a un lado la funcionalidad y la práctica .Este objeto debido a su gran éxito ha creado un estilo propio e innovador, por su color , su textura y su valor semántico.

Ingvar Kamprad, dueño de Ikea decidió fabricar sus propios muebles inspirados en los principios de un correcto funcionalismo, y venderlos a precios moderados. La verdadera innovación de Ikea fué: Crear con el conjunto de sus productos y sus catálogos, un mundo nuevo, sencillo, fácil de montar, sin pretensiones, bastante económico, coordinado, coherente y completo.

Editor: Sandra Guerrero Diaz Diseño de Cubierta: Sandra Guerrero Fotografías: Internet

Escuela superior de Arte y Diseño

â&#x20AC;&#x153;El amor al arte hace perder el amor verdaderâ&#x20AC;?

Vincent Van Gogh