Melania Bautista Ros by easdmurcia trabajos

ART DECÓ DE STIJL

DEUTSCHER WERKBUND

AERODINAMISMO

POP

CONSTRUCTIVISMO

ART NOVEAU

POSTMODERNISMO

ART DECÓ

JUEGENSTIL

ART DECÓ

POP

BAUHAUS

ARTS & CRAFTS

JUEGENSTIL

DISEÑO ORGÁNICO

POP

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ESTILO INTERNACIONAL

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Melania Bautista Ros

ART NOVEAU

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DISEÑO

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AERODINAMISMO

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ART DECÓ

DEUTSCHER WERKBUND

INDICE Siglo XIX – XX

Arts & Crafts

Jugendstil

Deutscher Werkbund

Art Noveau

Siglo XX

Constructivismo

De Stijl

Bauhaus

Estilo Internacional

Art Decó

Aerodinamismo

Siglo XX- XXI

Diseño Orgánico

Pop

Postmodernismo

Siglo XIX â&#x20AC;&#x201C; XX Arts & Crafts Jugendstil Deutscher Werkbund Art Noveau

Arts & Crafts El movimiento Arts and Crafts (artes y oficios) fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, alcanzó su mayor éxito entre 1880 y 1910. El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, diseñador y artesano entre otras cosas. Se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, entre otros, y los artistas del movimiento prerrafaelita. El movimiento, reivindicaba la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (Modernismo) y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende que cada objeto deberia tener o retomar algo del pasado pero dandole un sentido elegante.

Estampado de W. Morris Silla de comedor, C.R. Mackintosh

Jugendstil Art Nouveau alemán es conocido por su nombre Jugendstil. Dibujo de grabado tradicional alemana, el estilo de usos bordes, precisos y duros, un elemento que era bastante diferente del estilo naturalista de la época. El movimiento tuvo su epicentro en Munich y Darmstadt. En el campo del arte Jugendstil, hay una variedad de métodos diferentes, aplicadas por los diferentes artistas individuales. Sus métodos van desde el clásico al romántico. Una característica que define Jugendstil aparte es la tipografía utilizada, cuya combinación de letras y de la imagen es inconfundible. La combinación fue utilizada para las cubiertas de las novelas, anuncios, carteles y exposiciones. Los diseñadores a menudo utilizan tipos de letra de pantalla únicos que trabajaban en armonía con la imagen.

Henry van de Velde, que trabajó la mayor parte de su carrera en Alemania, fue un teórico de la belga, que influyó a muchos otros a seguir en este estilo de arte gráfico incluyendo a Peter Behrens, Hermann Obrist, y Richard Riemerschmid. August Endell es otro diseñador notables del Art Nouveau. Las revistas son importantes en la difusión del lenguaje visual del Jugendstil, sobre todo las cualidades gráficas. Además Jugend, otra de las más importantes fueron las satírica Simplicissimus y del PAN.

Escaleras de la casa Horta

Deutscher Werkbund La aparición de nuevas corrientes estéticas se cruzan con las complejas estrategias de política económica. Alemania despunto en el escenario de las grandes potencias europeas y aposto por un programa de fortalecimiento de las industrias nacionales. En un primera fase se privilegio el desarrollo de algunas academias para promover la modernización de algunas manufacturas del país. Para dirigir estas academias, solía recurrirse a artistas de fama internacional, como Henry Van de Velde. Lo que realmente contribuyo a concretar estas instituciones fue , sobre todo la obra de promocion realizada por Herman Muthesius. Convencido de las repercusiones económicas positivas que generaría una relación mas estructurada entre industria y artes aplicadas. Muthesius generó una red de relaciones entre el mundo empresarial, financiero, las escuelas y los proyectistas, Así pues en 1907 nació la Deutscher Werkbund, una asociación dedicada a la promoción de iniciativas culturales , proyectos concretos...

Entre sus promotores estaban Behrens, Hoffman, Olbrich, y muchos otros reconocidos industriales. Después de la derrota de la corriente a manos de Van de Velde – la absoluta libertad creativa- , el Werkbund se configura como una fuerza capaz de promover un cambio radical de las estructuras de la sociedad mediante el vinculo entre arquitectura e industria, gráfica y productos. Una trayectoria prefigurada por Behrens y AEG, cuyos programas culminaran en los programas de la Bauhaus, fundada en 1919. Agotada su tarea originaria, la Werkbund, se disolvió en 1934.

Silla para la sala de música, Riemerschmid. Cartel de la exposición en Colonia de la Werkbund.

Art Noveau Movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño. Es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina “La maison del Art Nouveau”, aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia. Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración. Por lo que se halló ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

También es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno. Utiliza técnicas que le son propias. Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial Las únicas influencias estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Arts & Crafts.

Siglo XX Constructivismo De Stijl Bauhaus Estilo Internacional Art Dec贸 Aerodinamismo

Constructivismo Movimiento artístico y arquitectónico que aparece en Rusia a partir de 1917. Las reivindicaciones socialistas dejan al descubierto el retraso estructural del país, por lo que los artistas y arquitectos de las vanguardias suprematistas y constructivistas se ponen en primera linea, como por ejemplo Tatlin o Malevich. Su acción es una acrobacia intelectual y creativa. Las vanguardias soviéticas experimentaron nuevos lenguajes y nuevas formas expresivas. Pero el vocabulario de formas y comportamientos prefigurados por el constructivismo sovietico ejercera una influencia indeleble en todas las vanguardias europeas. Sin embargo este movimiento tendría una vida intensa pero breve, ya que con la llegada al gobierno de Stalin en 1927, se acaba el empuje renovador de la revolución, y con él la experiencia de las vanguardias, derrotadas por el clasicismo.

De Stijl En Holanda, el verano de 1917 marcó la formación del movimiento y del periódico De Stijl. Los pintores Piet Mondrian, Bart van der Lek y el arquitecto J. J. P. Oud y otros se unieron a Théo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales De Stijl. En 1910 Mondrian evolucionó del paisaje tradicional hacia un estilo simbólico, influenciado por Van Gogh, y más tarde del cubismo a la abstraccion geometrica pura. Desarrolló la abstracción hacia su meta principal, la expresión de la realidad pura. En 1917 se redujo a la utilización de los colores rojo, azul, amarillo blanco y negro. Las figuras y las formas quedaron limitadas a líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Con esto logró composiciones con un balance asimétrico sublime, en las cuales la tensión y el balance de los elementos alcanzaron una absoluta armonía.

Los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza, comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban “expresar la conciencia general de su época”.Por lo que pensaban que la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra. De Stijl abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado. En 1921 Van Doesburg se trasladó a Weimar, donde vivió e impartió cursos de filosofía De Stijl a los estudiantes de la Bauhaus. En 1924 marcó la realización de la teoría De Stijl en la arquitectura, cuando Gerrit Rietveld diseñó la

renombrada casa de los Schroeder en Utrecht. Luego Oud diseñó un café en Rótterdam. El periódico De Stijl fue editado por Théo van Doesburg desde 1917 hasta su muerte en 1931, esta publicación difundió la teoría y la filosofía a un público más amplio. En 1924, Mondrian había dejado de contribuir con sus artículos después que Van Doesburg desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. Ya que Théo van Doesburg era De Stijl, a su muerte en 1831 el movimiento también finalizó.

Bauhaus En abril de 1919 la unión de la Kunstgerwerbeschule (fundada por Van de Velde) con la Hochschule für Bildende Kunst marcó el comienzo de la Bauhaus, dirigida por Walter Gropius en Weimar. La idea de reunir la enseñanza de las artes menores y de las artes visuales se fundamentaba en que era necesario superar toda distinción entre artista y artesano. El objetivo de esta escuela se fundamentaba en crear nuevos profesionales del diseño que aunaran libertad creativa y conocimientos técnicos, el sistema didáctico se basaba en la complementariedad entre teoría y practica en talleres de materiales a los que los estudiantes accedía después de un curso de introducción. Para dirigir esta primera etapa, Gropius escogió a Johannes Itten. El cual empezó una autentica clasificación de percepciones , estableciendo casi un esquema de correspondencias entre forma, color y emoción. Este enfoque se reflejo en el enfoque de los talleres.

Butaca Wassilly, Breuer.

Pronto los talleres de la Bauhaus se convierten en puntos de encuentro de la vanguardia europea del diseño, en centro de elaboración de nuevas síntesis de proyecto y figuración, percepción y representación, estética y producto. La escuela atrae a figuras como Mies Van der Rohe, Le Corbusier, o Mart Stam, algunos de ellos destinados a convertirse en directores o profesores de la misma. El encuentro en las aulas de la Bauhaus de Weimar de las vanguardias de múltiples disciplinas, produjo una magnifica concentración de experiencias experimentales. La Bauhaus realizó un sistemático trabajo de investigación con el objeto de desmontar y volver a combinar las estructuras de la materia y de las funciones. El resultado es un conjunto de modelos teóricos que

sintetizan el encuentro entre lo funcional, lo necesario y lo bello. Algunos de los proyectos fijaron auténtificos estándares para el diseño moderno. En su conjunto la experiencia de la Bauhaus representa un modelo de aproximación racional del diseño. La escuela atravesó varias crisis, también cambió de sede y de orientación con cada uno de los directores, hasta convertirse en una escuela de arquitectura con Meyes y Mies. Sus años mas interesantes corresponden al periodo de 1923-1928, cuando la elaboración teórica de la escuela se concreta en los diseños de los mejores alumnos de los primeros cursos, los cuales fueron responsables de algunos de los arquetipos del diseño moderno.

Estilo Internacional Estilo arquitectónico, encuadrable dentro de el funcionalismo arquitectónico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920, y se caracterizó, en lo formal, por la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza. El empleo de las nuevas técnicas y materiales, permitían la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios de dicho estilo. Fue el resultado de varios factores como, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos de finales del siglo XIX, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos, los avances técnicos en la ciencia de los materiales y la construcción.

Fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe o Le Corbusier. El Edificio Seagram, construido por Mies Van der Rohe, se convertiría en el arquetipo del Estilo Internacional, que será denostado por sus críticos, tildándolo como “una arquitectura de cajas de acero y vidrio”. En aquel momento, importantes arquitectos europeos que se establecieron en los EEUU huyendo

de la guerras mundiales que asolaban sus países, (entre ellos Mies van der Rohe y Walter Gropius) colaboraron con profesionales y técnicos norteamericanos mientras impulsaban los principios del Estilo Internacional. Principios que fueron aceptados dentro de la sociedad norteamericana, organizada y progresista, con tanto éxito que el modelo de edificio por ellos propuesto, sigue siendo el emblema del espíritu corporativo estadounidense.

Art Decó Pese a que contribuyo a sentar las bases del moderno pensamiento racional. Francia no optó por una modernización intensiva de su producción. En cambio experimento una evolución que se plasmaba sobretodo en los talleres de refinados artesanos. Lo moderno se insinua como modificación progresiva del gusto y elaboración del estilo. Jacques-Émile Ruhlmann representa un puente entre la tradición del gusto de Luis Felipe y las influencias del primer modernismo. Reaccionario para los modernos, revolucionario para los conservadores, Ruhlmann se limito a introducir un racional diseño de elemntos modulares repetidos. Puiforcat, escoge la linealidad geometrica e introduce en el mundo del lujo la fuerza de una estetica esencial. En este equielibrio entre lo excesos y simplicidad, entre formas lineales y detalles redundantes, es donde se forja el Art Decó.

Sillón Bibendum, Eileen Gray

Simplicidad y perfección también se convertirán en la sela de identidad de Jean-Michel Frank, el cual desarrolla un estilo personal en la que conviven reelaboraciones sintéticas de ecos neoclásicos y solidos volúmenes escuadrados, materiales sofisticados y colaboracioens con artistas . Un mundo de formas lineales y de refinada elegancia que fue reconocido oficialmente gracias a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels celebrada en París en 1925.

Aerodinamismo En Europa

La aerodinámica no solo es la disciplina que estudia el comportamiento y la eficiencia de un cuerpo en movimientos: en las primeras décadas del siglo xx, se realizaron experimentos de aerodinámica en Inglaterra, EEUU, e Italia, pero la escuela más importante se desarrolló en Alemania, alrededor de la figura de Ferdinard Graf von Zeppelin. El cual durante el servicio militar se ocupó de los problema direccionales de los globos aerostáticos. En 1908 fundó una sociedad de producción de dirigibles, y en 1909 la primera compañía civil de navegación aérea del mundo. La forma fusiforme de los dirigibles fue considerada el prototipo del cuerpo aerodinámico perfecto,

el cual también sirvió como modelo para las investigaciones más avanzadas en el campo automovilístico. Los progresos de la aerodinámica de los aeroplanos aportaron nuevas hipótesis formales. Hacia 1910, Paul Jaray comienza una investigación para integrar estas dos figuras en un único diseño; así patenta el primer modelo de automóvil aerodinámico. Su hipótesis es el primer prototipo de automóvil moderno. Le Corbusier contribuyó en este proyecto, trabajando la idea del volumen habitable y, en 1928, diseño un prototipo que ejercería una notable influencia en los años venideros.

Chrysler Airflow (izquierda) Dymaxion Car, R. Buckminster Fuller (centro) Zeppelin, Luftschiffbau Zeppelin (derecha)

En EEUU La ralentizacion de la economia europea como consecuencia de la 1º GM, fue una auténtica inyección de riqueza para EEUU. Con la intencion de aprovechar la coyuntura, las industrias rebajaron costes para aumentar las ventas. Asi, las estrategias de marketing y promoción fueron adquiriendo más importancia. Esta situación condujo a la aparición de una nueva figura profesional: se trataba de expertos en el estudio de la imagen, ilustradores y escenógrafos de cine y teatro. Norman Bel Geddes, quien de joven diseñador pasó a ser uno de los mas importantes asesores de la industria estadounidense, junto con Otto Koller, ingeniero aleman, hizo un proyecto para un avión

destinado a vuelvos de larga distancia. Pero más bien se trataba de un transatlántico volante, con salones de fiesta, gimnasios y piscinas que resulto un objeto irrealizable. Richard Buckminster Fuller, convencido de que la industria podia ser artifice de la difusion del diseño moderno, ideo casas prefabricadas, componetes para la construccion, estructuras ligeras y también un automóvil futurible, el Dymaxion Car. La gran industria podía garantizar un programa de investigaciones aerodinámicas: Chrysler lanzó el Airflow, el primer automóvil testado en tunel de viento. Con la crisis de 1929, la aerodinámica estaba lista para convertirse en la nueva forma del optimismo.

Siglo XXI Diseño Orgánico Diseño Pop Postmodernismo

Diseño Orgánico Movimiento del diseño que en su primera fase se desarrolló entre 1931 y 1960, y luego desde los años ‘90 al presente. El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Su método de trabajo consistía en el desarrollo de soluciones integradas, de modo que la totalidad de un esquema arquitectónico se unificaba, generando un efecto general mayor que la suma de las partes. En ese enfoque orgánico fue crucial la manera en que los elementos individuales, como objetos o muebles, conectaban visual y funcionalmente con el contexto de su emplazamiento interior y el conjunto del edificio.

Jarrón Aalto, Alvar Aalto Silla Eva, Bruno Mathsson

La interconexión y el espíritu de la naturaleza eran la base de la arquitectura orgánica, no solían emplearse formas orgánicas, hasta que a principios de los años treinta, Alvar Aalto, lideró un vocabulario humanizador y moderno de la forma, donde las curvas suaves y sinuosas se opusieron al rígido formalismo geométrico del estilo internacional. La principal preocupación de Aalto eran las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de sus muebles con los usuarios individuales. Sus ideas tuvieron un alto impacto, sobre todo en los EE.UU, cambiando el rumbo del diseño hacia el movimiento orgánico moderno. Diseñadores como Eero Saarinen y Charles Eames crearon sillas, muebles realmente revolucionarios, no sólo por la tecnología de punta que utilizaron en la estructura, sino también por el concepto de contacto y

soportes continuos, promovido mediante las formas orgánicas ergonómicas y refinadas del asiento. La aplicación práctica del diseño orgánico Saarinen también llevó a su arquitecturael diseño orgánico con el diseño de la terminal de la TWA en el aeropuerto Kennedy. A principios de los años noventa, impulsado por un mejor conocimiento de la ergonomía, la antropometría, los avances en el diseño y la creación por computación, el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca. Independientemente del material empleado, ya sea natural o plástico, el diseño orgánico expresa toda su potencia cuando su sensual y emocional vocabulario formal conecta con el usuario de manera subliminal, apelando directamente a su sentido innato de la belleza natural.

Diseño Pop El Diseño Pop en la historia del arte, esta ligado al movimiento artístico Popart. El Popart es el término acuñado para designar un movimiento que se desarrolló desde finales de la década de 1950 hasta comienzos de 1970, sobre todo en Gran Bretaña y los EEUU, y que se apoyaba en la imagenería del mundo del consumo y de la cultura popular. Historietas ilustradas, anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine forman parte de la iconografía de este movimiento, un rasgo distintivo del Popart fue el rechazo a cualquier diferenciación entre el buen gusto y el malo. Hubieron varios referentes históricos: la población de los cincuenta era una sociedad represiva de posguerra, que empezaba a transformarse en una sociedad de consumo.En estas condiciones nacen los movimientos pop. Era la época de Truman, Macarthy, de Marilyn Monroe, Kenedy, ,la llegada a la luna. En Europa los Beatles, del movimiento popular del “mayo del 68” francés. España vive sus primeras

Silla Bola, Eero Aarnio (izquierda) Silla Cinta, Pierre Paulin

revueltas universitarias y protestas, la llegada de turistas y de los hippies a Ibiza trae aires frescos a un pueblo triste y pobre. El Pop-art es el resultado de un estilo vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnologia, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Algunos ejemplos de esta corriente artística son: el sofa “Joe”, ejemplo de la cultura en el diseño de principios de los 70. Es un asiento muy confortable, divertido y en boga. El asiento para niños “Spotty” fue el primer modelo de papel que se

comercializó. Lo diseñó Peter Murduch en 1963. Al año siguiente se empezó a producir en número limitado. La silla se empaquetaba plegada y se vendia con instrucciones de montaje. La “Silla Bola” diseñada por Eero Aarnio. La silla ofrece el aspecto de un capullo que aisla del mundo exterior. Aunque posteriormente produjo una variante de la misma, que era colgante y transparente, la “ Silla Burbuja”. La “Silla Cinta”, diseñada por Pierre Paulin. Su embergadura y sus curvas proporcionan un amplio espacio para que quién se siente pueda adoptar una variedad de diferentes posturas.

Postmodernismo Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, sus impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección de Alessandro Mendini. El grupo de diseño Memphis es el más importante de los años 80, innovaron con nuevos materiales y gracias a Ettore Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass abrió su propio estudio de arquitectura en Milán y, en 1957 asesora al departamento de diseño de Olivetti. Expone sus obras con el grupo Studio Alchimia, que abandona para formar “Sottsass Associatti”. Un año mas tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que trabajaban en todos los campos del interiorismo. Habia nacido Memphis. Entre los diseñadores que componian el grupo estaban Peter Shire, Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal, Michele de Luchi y Mateo Thun.

Sillón de la coleccion Revival, A. Mendini. (arriba) Sillón de Javier Mariscal. (abajo)

Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán, cosechando un gran éxito. el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y estilos, pero su característica principal es el gran uso del color, todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se burlaba de lo correctamente establecido. Pero el grupo desapareció en 1988. Otro ejemplo del estilo es el trabajo realizado por el “estudio Alchimia”, dirigido por Alessandro Mendini. El estudio Alchimia era un grupo experimental que producia caras piezas. A favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia del diseño del pasado. Frecuentemente mostraban su oposicion al diseño racional tomando objetos cotidianos y aplicandolos a diversas formas de decoración, por ejemplo la silla Wassily de Marcer Breuer o la silla de Proust rediseñada por Alessandro Mendini.

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