Marta Alburquerque by easdmurcia trabajos

dise単o del s.XX

dise単o del

S.XX

Marta Alburquerque Moreno 1ยบ Grรกfico A Easd Murcia

Introducción

El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia del diseño de finales del siglo XIX. El interés por la ornamentación, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo XIX, como con el Arts and craft. Tras esto el Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual. Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostraron sus opiniones. Durante la tercera década del siglo XX se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, el De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del siglo XX. Finalmente los movimientos postmodernista y pop se impusieron en relación a la práctica profesional introduciendo como elemento importante, el creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional.

Arts & crafts

Arts

and

Crafts

Arts & crafts “La calidad nunca es un accidente; siempre es el resultado de un esfuerzo de la inteligencia” “Cada vez que las facultades humanas alcanzan su plenitud, se expresan mediante el arte” “El mayor artista es aquel que en la suma de sus obras ha incorporado el mayor número de sus mejores ideas” John Ruskin

Silla ornamental Morris al igual que Ruskin no estaba de acuerdo con las modernas formas de producción en masa, pero no eliminaba a la máquina de manera tan radical; ya que necesitaba ir a la par con la evolución y hacia uso de ellas para mayor productividad sin abandonar los valores estéticos y significativos del producto.

Arts and Crafts significa literalmente, Artes y oficios, fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910. El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita. El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo. En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (Modernismo) y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende que cada objeto deberia tener o retomar algo del pasado pero dandole un sentido elegante.

Arts & crafts William Morris Es considerado el primer diseñador de la historia, pero además de eso era artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y fundador del movimiento arts & crafts.

Principios del Arts & Crafts Se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes: Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX. Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo. Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente

Modernismo

Con el modernismo se despierta un espíritu optimista y con anhelos de cambio, es por eso un movimiento nuevo, joven y floral, además se integran las artes como el diseño con la decoración.

Obras arquitectonicas Victor Horta

Modernismo

El modernismo se dio en distintos países y con distintos nombres fue reconocido, a pesar de ello todos tenían las mismas características pero influenciadas con su cultura respectiva. En Alemania fue reconocido como el Jugendstil, en Italia como Liberty Style, en Bélgica y Austria como “Sezession”, en España como Modernismo Rubendariano, y finalmente en Francia se dio el nombre más reconocido a este movimiento; fue llamado Art Nouveau. Así como Morris fue vital pieza para el surgimiento del modernismo por su elaboración de espacios interiores, utensilios cotidianos, muebles, etc. acentuando cierto ornamento decorativo pero no tan excesivo, existen otros representantes de gran importancia que se dieron después de ya posicionadas las primeras manifestaciones del movimiento; entre ellos: Mackmurdo, Emile Gallé, Louis Tiffany, René Lalique. El diseño toma gran importancia en esta época ya que revela un significado, un mensaje y una función; se considera entonces como un lenguaje y una forma de comunicación.

Victor Horta: Unifica el diseño con la decoración, usa lineas curvas, ondulaciones asimétricas, ritmos, lenguajes dinámicos de módulos en distintas dimensiones, superficies curvas, colores, transparencias y distintos planos. La decoración es plasmada por él en el espacio exterior e interior fusionando elementos dinámicos por tamaño, ubicación, forma, material, etc. que se configuran para adoptar un lenguaje totalizado del espacio. Henry Van de Velde: Logra un perfeccionamiento del espacio gracias a un dinamismo continuo de formas geométricas y ortogonales y no usa la decoración de manera sobrepuesta o descontextualizada, sino que más bien la usa con sobriedad y en relación con el entorno total del espacio. Antoni Gaudí: Usa formas geométricas y orgánicas bajo una estructuración jerárquica y funcional, tiene un estilo naturalista y no maneja simetría en sus diseños, pues está mas preocupado por factores ergonómicos y por crear piezas únicas que no son idénticas a las demás. 11

Arts & crafts

Deutscher Werkbund

Deutscher Werkbund En la escuela se integraban los oficios tradicionales con las técnicas industriales de la producción en masa que en la época se usaban para poner a Alemanía a un nivel competitivo con otras potencias del mundo.

Lampara de mesa Peter Behrens

La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus. El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses. Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento. Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henry van de Velde. El Werkbund comisionó a van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alemania por ser ciudadano de un país enemigo. Hay que destacar que, durante la exhibición de 1914 en Colonia, se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por van de Velde) y el sector más funcionalista (encabezado por Muthesius).

Deutscher Werkbund

Hermann Muthesius (1861 - 1967) Es un arquitécto alemán racionalista que se oponía por completo al Art Nouveau, oponiéndose a lo artesanal y apoyando la tipificación de los productos. Fue inspector de la Junta Superior Prusiana para las escuelas de artes y oficios; mejor conocido como un espía del gusto que hoy en dia son conocidos como cool hunters. Henry Van de Velde (1863 - 1957) Van de Velde estudió pintura, pero influenciado por Ruskin, Morris y Voysey dirigió todos sus esfuerzos al diseño. Perteneció al movimiento Art Nouveau por eso llegó a la Deutscher como mediador por decirlo de alguna manera, entre el pensamiento de Muthesius de apoyar totalmente la producción industrial y la intención de recuperar valores estéticos de los productos que la artes y oficios otorgaban. Peter Behrens (1868 - 1940) Es claramente una de las figuras del diseño más reconocidas, no solo por sus diseños, sino por la multiplicidad de cargos que desempeñó. Behrens fue miembro fundador de la Secesión de Munich, trabajó para AEG en Berlín como asesor artístico, fue director de arquitectura de la Academía de Arte de Viena y profesor de la escuela Bauhaus. Entre sus principios más destacados están; la modulación como concepto para aprovechamiento del espacio, las formas ortogonales y la implantación del concepto arquitectónico de Urbanismo. 14

Taburete Hermann Mathesius racionalista y diseñador

constructivismo

El término Construction Art fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación del gobierno bolchevique

Constructivismo

Carteles publicitatios Alexander Rodchenko

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro” del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. Constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística. Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los Constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios.

Algunos representantes:

Alexander Rodchenko.

Lyubov Popova

Carlos Catasse

Stijl

Stijl The white stripes El grupo cogi贸 la tem谩tica de stijl para una de sus caraulas.

Obras de Rietvel Ambas obras presentan todas las caracter铆sticas del movimiento. aplicaci贸n arquitectonica y de interiorismo del que fue mayor exponen Rietvel

Stijl Para Mondrían la superposición de planos, ortogonales, y los colores primarios: amarillo, azul y rojo con los colores neutros: blanco y negro forman la estructura básica para realizar una obra de arte. “Solo cuando estemos en lo real absoluto, el arte no será ya más necesario”

Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban “expresar la consciencia general de su época”. De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. En el año 1924, Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido con una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte “desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio”. La tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes. Se sabe claramente que De Stijl o el estilo inició como una revista de diseño en la que se hacían publicaciones respecto a la búsqueda de leyes universales que se presentan en la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. Su fundador fue Theo Van Doesburg, que trabajó en compañía con Piet Mondrián, el pintor más representativo del movimiento; digo movimiento ya que más que ser una revista, propuso nuevas tendencias y parámetros al diseño en general y marcó un cambio importante y un paso a los movimientos vanguardistas que se dieron en el arte.

Stijl Cartel del movimiento Junto con lel tipo de arte de Mondrian

El conflicto con Theo Van Doesburg, como ambos fueron los fundadores del neoplasticismo, compartían los mismos criterios de composición, tenían la intención de despojar al arte de todo elemento accesorio para llegar a la esencia de este a partir de un lenguaje plástico, objetivo y universal; así fue como se plateó la ortogonalidad y el uso de colores primarios y neutros exclusivamente. Doesburg, quien publica la revista al inicio de su etapa de abstracción, fue profesor de la Bauhaus en Weimar y es allí donde se ve influenciado por Mondrián; pero cuando propone incluir en sus obras diagonales, surge un conflicto con su colega por que según el la diagonalidad daña por completo esa esencia universal que tanto buscaba y creía haber encontrado. Tras su ruptura con Mondrián, Doesburg publica su manifiesto sobre el arte elementarista en 1926 y da origen a un nuevo movimiento, el Elementarismo; entre sus características formales está la diagonalidad, el ritmo, la secuencia, lo positivos y negativos, entre otros similares a los del Neoplasticismo. En lo abstracto, cabe decir que tanto el Neoplasticismo como el Elementarismo son corrientes artísticas que se dan en el arte abstracto; éste es un estilo de 1910 que sustituye la representación figurativa con un lenguaje visual autónomo y con significaciones propias. Su lenguaje se desarrolla gracias a los movimientos vanguardistas, especialmente el fauvismo y el expresionismo.

Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte “desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio”. 20

Bauhaus

La Bauhaus fue la responsable de establecer las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos cono diseño industrial y gráfico; antes de que la Bauhaus existiera, se hablaba de una fusión de algunas artes aplicadas pero no del nombre en concreto de cada una de las profesiones. ”La forma sigue a la función”

Bauhaus

Universidad Bauhaus Una obra muy reciente la bauhaus, en weimar.

Bauhaus

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “de la construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. Primera época (1919-1923) En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público” ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional. Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.

Bahuhaus Fiestas Bauhaus La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia.

Segunda época (1923-1925) En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creo en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos» (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus Tercera época (1925-1933) En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos. Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

Art

dec贸

Art dec贸

Escalera del City hall Escaleras en rotonda en estilo art dec贸 del Burkbank City Hall

Edificio Chrysler El edificio Chrysler es un rascacielos art dec贸 situado en el lado este de Manhattan

Art decó El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial.

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones. Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó. Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building. El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la ‘edad del jazz’. El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dadas las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

Arts & crafts

dise単o organico

Diseño organico El organicismo abandona uno de los postulados del racionalismo, creando en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los grandes arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de imitar

Muebleria organica Diseño escandinavo en madera de haya

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. El movimiento o. acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la libertad de planta, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, etc., pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura. Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Alvar Aalto en Finlandia como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguiente: Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al hombre, al que ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del arquitecto no debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del hombre. Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la arquitectura racionalista propugna una adaptación de los volúmenes a las necesidades de planta, esos volúmenes están dominados por un estilo cubista, de formas tetraédricas, en- las que se encajan las necesidades, buscando además con ello una simplificación estructural y constructiva. Asplund, Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio de los ambientes, de los recorridos, de los movimientos del hombre y llegan a la creación de los espacios que consideran más indicados, a los que se les proporciona una envolvente apropiada. Las soluciones técnicas y estructurales deben ceñirse a esos espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industrializar.

Lampara flor Claro ejemplo de como integrar el organicismo a la iluminación, con un efecto sorprendente.

En 1940 Alvar Aalto expresó la necesidad de que la arquitectura se centre en aspectos psicológicos, y no sólo en requisitos funcionales o técnicos: La arquitectura es un fenómeno sintético que incluye prácticamente todos los campos de la actividad humana.En el último decenio, la arquitectura moderna ha sido funcional principalmente bajo el aspecto técnico, subrayando sobre todo el punto de vista económico de la actividad constructiva. Esto ha sido indudablemente útil para la producción de alojamientos para el hombre, pero ha constituido un proceso demasiado costoso, si se considera la necesidad de satisfacer otras exigencias humanas. El funcionalismo técnico no puede pretender ser toda la arquitectura. Si se pudiera desarrollar la arquitectura paso a paso, comenzando por el aspecto económico y técnico, y continuando después con las funciones humanas más complejas, entonces el planteamiento del funcionalismo técnico sería aceptable. Pero esto es imposible. La arquitectura no sólo cubre todos los campos de la actividad humana, sino que debe ser también desarrollada simultáneamente en todos esos campos. Si no, tendremos sólo resultados unilaterales y superficiales. En lugar de combatir la mentalidad racionalista, la nueva fase de la arquitectura moderna trata de proyectar los métodos racionales desde el plano técnico al campo humano... La presente fase de la arquitectura es, sin duda, nueva y tiene la precisa finalidad de resolver problemas en el campo psicológico.

Aerodinamismo

Aerodinamismo implica: Producto superficialmente atractivo, comenta la obsolescencia artificial y esprecio por las formas racionalistas, en nuestro caso es la aplicaci贸n de formas redondeadasa menudo en forma de lagrima, y acabados suaves

Aerodinamismo Aparece el concepto de diseñador industrial , los mas importantes de estos profesionales; Dorwin Teague Raymon Loewy Henry Dreyffus Norman Bel Geddes

Studebaker El diseño innovador de Loewy en este coche, sigue teniendo a fanaticos y coleccionistas en el punto de mira

El objeto aerodinámico es: Industrial, basado en la fabricación en serie, materiales: cromo, acero, aleacionesmetálicas de níquel y cobre, plásticos por inyección, prometen: lujo y eficacia, acepta la primacía de la máquina como generadora de la forma estética. Uno de sus principales representantes es Raimon Loewy: Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Contrajo matrimonio con Jean Thomson en 1931; dicho matrimonio duró hasta 1945. Su segundo matrimonio fue con Viola Erickson en 1948. Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la empresa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1, el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike, los frigoríficos Coldspot o el Studebaker Avanti. Pero unos de los diseños más importantes de Loewy fue el del paquete de la marca de cigarrillos “Lucky Strike”, Todo comenzó en 1940 cuando Loewy dijo que él haría que la marca duplicara sus ventas con un simple rediseño del paquete, ante esta argumentación, el dueño de “Lucky strike”, invitó al diseñador a realizar el rediseño, es cuando Loewy pone el logo de la marca en las dos partes del paquete de manera que se deje con forme el paquete se viera la marca, además de otras remodelaciones como quitar el verde que se apoderaba de todo el paquete. Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Studebaker Corporation de South Bend, Indiana, en la década de 1930. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930. Studebaker también adoptó su nuevo y sencillo logotipo, reemplazando el que había usado desde principios de siglo.

Arts & crafts

POP

Andy Warhol es considerado el fundador del Pop Art, sus inicios en el arte popular se dan con las pinturas que realizaba basรกndose en comics como los de superman. 33

Pop

Estatuas y carteles La juventud también se oponía a esta sociedad de consumo por lo tanto se genera el movimiento Hippie que tenía como lema principal “haz el amor, no la guerra”

El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Postmodernismo

Probablemente el primer desarrollo artĂstico deliberadamente postmoderno tuvo lugar en la arquitectura. Los arquitectos vanguardistas de la primera mitad del siglo XX

Postmodernismo Opera de Sidney Uno de los edificios mas representativos de la arquitectura postmodernista

Ron Arad Diseño e innovación en todo tipo de diseños,

Postmodernismo

El término postmodernismo o postmodernidad designa generalmente un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su oposición o superación del moderno. En sociología en cambio, los términos postmoderno y postmodernización se refieren al proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la palabra se explica bajo el término postmaterialismo. Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron durante la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas, todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la vida social. El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitectura— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano. Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debilitamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de manifestar las características de este arte. Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell. Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania. Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.

Bibliografia

Wikipedia Apuntes de clase www.Historialdeldise単o.com www.fashion-era.com