Movimientos Artisticos by easdmurcia trabajos

MOVIMIENTOS ARTISTICOS

Movimientos Artisticos Arts & Craft / Modernismo / Deutscher Werkbund / Constructivismo / De Stijl / Bauhaus / Estilo Internacional / Art Decó / Diseño Orgánico / Aerodinamismo / Pop / Postmodernismo /

“La arquitectura se esta convirtiendo de nuevo en parte integral de nuestra existencia en algo dinámico y no estático. Vive, cambia, expresa lo intangible a través de lo tangible. Da vida a materiales inertes al relacionarlos con el ser humano. Concebida así, su creación es un acto de amor” Walter Gropius

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INDICE Arts & Craft 2 / Modernismo ( Jugendstil & Art Nouveau) 4 / Deutscher Werkbund 8/ Constructivismo 10/ De Stijl 14 / Bauhaus 16 / Estilo Internacional 20 / Art Decó 22 / Diseño Orgánico 24 / Aerodinamismo 28 / Pop 30 / Postmodernismo 32 /

Arts & Craft 1855-1900

El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas del siglo XIX como reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra a lo largo de esa centuria. El llamado estilo victoriano.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa.

primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.

El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las

Casa en Yateley Road, Herbert Tudor Buckland

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Golden Lily, William Morris

ARTS AND CRAFT 2/3

artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX. Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo. Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Casa de William Morris, Philip Webb

William Morris Escritor, pintor, diseñador y reformador social británico. Fue un socialista convencido, que intentó contribuir a la mejora de la situación de la clase obrera con distintas iniciativas y con su pertenencia a diversas asociaciones. Como escritor se le deben obras de carácter teórico y propagandístico y también poesías impregnadas de simbolismo. Su obra pictórica se reduce a un único cuadro, La reina Ginebra, que responde a la perfección a los ideales del grupo prerrafaelista al que pertenecía. En 1861, con un grupo de amigos, entre ellos Rossetti y Burne-Jones, fundó la empresa de decoración Morris, Marshall, Faulkner & Co., que se dedicó a la producción de vidrieras, tapices, alfombras y artículos de artesanía en general, diseñados por los propios artistas y confeccionados manualmente. Fue esta la actividad de Morris que tuvo una mayor proyección, puesto que recogieron su herencia instituciones del nivel de la Arts and Crafts, entre otras. Se conservan buenos ejemplos de las numerosas piezas que diseñó.

Interior vivienda estilo Arts & Craft

Modernismo 1890-1910

El Art Nouveau en Francia, el “Estilo joven” (jugendstil) en Alemania, la Secesión en Austria, el Modernismo en España, el Moderm Style en los países anglosajones y el Liberty en Italia, ilustran la necesidad de cambio y la necesidad de libertad.

El modernismo fue un movimiento artístio con el reto de renovar, esa renovación en la forma de hacer arte buscaba en la naturaleza su inspiración, usando elementos naturales, dando énfasis a los vegetales y formas arredondeadas que se mezclaban con el protagonista de las obras. Podemos ver también el uso de líneas y asimetría, una derivación que hace el modernismo ser frecuentemente confundido con el art decó.

Asociado al progreso tecnológico y un desarrollo económico-social que inducía a renovar todos los ambientes de las casas, se preferían conceptos como “verdad” y “juventud” para lograrlo anclaron en la naturaleza, indagada y amorosamente estudiada, cobraba vida tanto en los muebles como en los bibelots, se exhibía en la arquitectura, en los carteles de anuncios.

Diseño Revolver, Colt

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Maquina de escribir, Remington

MODERNISMO 4/5

Por lo tanto: ramas, flores, nervaduras… formaron parte de movimientos sinuosos, envolventes, serpentinos. La línea, que puede considerarse omo el símbolo peculiar de los muebles y objetos del modernismo, podía asumir cualquier trayectoria. Por esta razón se hace necesario dividir el estudio del modernimo según las áreas y los contextos culturales. La revolución industrial también dejó sus marcas en el modernismo, ya que esta provocó no solamente una transformación en la tecnología y expansión de centros urbanos, contribuyó también para que los artistas en medio a tendencias racionalistas e individualistas, mantuvieran esas nuevas ideas rompiendo tabús. Jugendstil Casa Batlló, Gaudí

La generación de creadores del Jugendstil fue considerada una reacción a la asombrosa industrialización iniciada en Inglaterra, la cual provocó en el mercado una intensa producción en serie que echaba a un lado el trabajo artesanal. En efecto, la máquina sustituía a las creaciones únicas que salían de las manos del artesano. Debido a esta situación, decoradores, constructores, artesanos y artistas, unen por primera vez su creatividad para lograr una unidad en el arte, sin tener que hacer diferencias tajantes de oficios, técnicas o tendencias. La arquitectura y el diseño del Jugendstil a menudo aunaban la innovación estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual. La escuela de Scotland Street, Charles Rennie Mackintosh

Art Nouveau Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía. Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico. Thonet

Cadena de montaje de Ford

Su invención técnica consiste en humedecer la madera para poder curvarla. Esencialmente la idea del inventor alemán fue restituir a la madera su elasticidad inicial utilizando vapor, perfilando las piezas a partir de moldes mecánicos y dejándolas secar para fijar definitivamente su forma. Las características del lenguaje de Thonet son las siguientes: - La descomposición lineal - La resistencia gracias a la forma - La variación de las secciones resistentes - Las ensambladuras (por tangencia, machiembrado o entrelazado) - Las juntas torneadas - El espacio diferenciado y la transparencia de las estructuras

Sillas nº 19 y nº 14, Thonet

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MODERNISMO 6/7

Coca-Cola Se baso en la forma de la hoja del cacao ( confundiéndola con la hoja de coca), retomo el diseño y estilizo su nuez, añadiendo una base de apoyo y unas rayas verticales con las que pretendía evocar la silueta del cuerpo de una mujer con un vestido vaporoso. Para elaborar este diseño del envase se tuvieron en cuenta las premisas: Formalidad, evocando la forma de la silueta de una mujer y sus curvas y porque su forma se adapta perfectamente a la forma de la mano, además de que las rayas verticales que evocan a un vestido de mujer la diferencian de las demás) y estilo, la estética de este diseño alcanzó tanto éxito que ha generado un estilo propio, debido al gran valor semántico del que se ha dotado al diseño , su textura, color, forma, etc. Anuncio Coca-Cola, final siglo XIX

Henry Ford Al nombre de Henry Ford y a su primer modelo de automóvil -el Fort T- siempre se le asocia el concepto de cadena de montaje. Ford se enfrenta al mercado con la simple estrategia del modelo único: un producto de base esencial y eficiente. A fin de producir algo que todo el mundo pueda comprar, incluidos quienes trabajan en sus fábricas. Los objetivos generales del proyecto eran rebajar los costes y mejorar los salarios para crear un automóvil al alcance de todos y capaz de satisfacer las necesidades de cada uno. En 1913, se abogó por reorganizar el trabajo en secuencias simples mediante la asistencia de maquinarias especializadas y monofuncionales. Ford-T, Henry Ford

Deutscher Werkbund 1907-1935

La Liga de Talleres Alemanes pretendió reconciliar la actividad artística con la producción industrial, por lo cual, entre sus miembros fundadores hay diseñadores, una serie de fabricantes reconocidos y algunos talleres de diseño con sede en Munich.

La Deutscher Werkbund era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus. El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas

industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses. Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente

Diseño mono vaquero

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Sello por el centenario de la Werkbund

DEUTSCHER WERKBUND 8/9

importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento. Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar edificios en serie. Peter Behrens Six Bloemenwerf Dining Chairs, Henry Van De Velde

Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como grafista, dentro de la corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial. En 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-Gesellschaft), empresa para la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores. Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales y técnicas constructivas. Entre sus obras fundamentales destaca la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín, construida en hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano, sin ninguna referencia historicista. En la Höchster Farbwerke (1920-1924), cercana a Frankfurt, construida en ladrillo, se acercó a la corriente expresionista, aunque fue menos radical en el uso de los materiales. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier.

Ventilador para AEG, Peter Behrens

Constructivismo 1917-1935

La Revolución Soviética buscó nuevas formas de expresión rel cionadas con la aspiración de suplantar el sistema capitalista por esquemas más democráticos de producción y distribución de bienes.

El constructivismo tiene sus raíces en los ‘Vkhutemas’, o “Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado” y se desarrolló principalmente en el arte, diseño y arquitectura rusos. La Revolución Soviética buscó nuevas formas de expresión relacionadas con la aspiración de suplantar el sistema capitalista por esquemas más democráticos de producción y distribución

de bienes. Con esta finalidad, artistas como Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky, Naum Gabo y El Lissitzky promovieron una estética y una aproximación al diseño que, entre otras cosas, se asociaba a la producción industrial y decía adiós al ornamento complaciente. Entre las características de estilo está el uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro

Chaise Lounge, Le Corbusier

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Jarrón Savoy, Alvar Alto

CONSTRUCTIVISMO 10/11

y blanco (generalmente siempre en los mismos tonos, tanto en afiches como en objetos), la constante alusión a elementos modernos que simbolizan el progreso, las estructuras geométricas y las formas pesadas. Por ejemplo, la cerámica constructivista solía estar decorada con motivos suprematistas (formas geométricas sobre un fondo blanco y plano), lo que producía una fuerte impresión de dinamismo y modernidad. Pero a causa de la inestabilidad propia del tiempo que sigue a una revolución, se llevaron a cabo muy pocos proyectos a gran escala, por lo cual el Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones, cerámicas y grafismos. La palabra “constructivismo” parece que se empieza a utilizar por vez primera cuando Gabo y Pevsner publican el Manifiesto realista (1920), que inicia la separación del movimiento en dos tendencias. Una de carácter utilitario, liderada por Tatlin, que entiende la labor del artista al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño, y otra de naturaleza estética que defiende la libertad de creación y llega a Europa en 1921 y 1922, cuando los dos autores del manifiesto se instalan en Berlín y París, respectivamente. Al mismo tiempo se celebra en la mencionada ciudad alemana la “Primera Exposición” (1922), una muestra de origen ruso en la Galería Van Diemen y diversas revistas europeas difunden los principios del constructivismo ruso. Moholy-Nagy los introduce en la Bauhaus y los plasma en su obra teórica y práctica de los años treinta. Durante esta década se percibe la influencia del movimiento en “Cercle et Carré” -fundado por quien es hoy la figura más importante del constructivismo en América Latina: Joaquín Torres-García- y en “Abstraction-Création”, y al final de ella muchos artistas marchan a Inglaterra. Para entonces las ideas del constructivismo son muy cercanas a las del suprematismo y la abstracción espiritual.

Sillón Wassily, Marcel Breuer

Taburete E60, Alvar Alto

Le Corbusier Para Le Corbusier el panorama de la arquitectura en aquellos momentos era decadente por haber perdido el contacto verdadero con sus valores eternos. Sin embargo, estaba apareciendo una nueva cultura de la máquina. Así pues, el trabajo del arquitecto sería combinar las imágenes de la máquina con las obras de la arquitectura del pasado. En 1925 exhibe para la exposición de Arte Decorativas de París el primer proyecto del Plan Voisin para París. En los años posteriores, se dedica a la proyección de numerosas obras arquitectónicas como el concurso para el Palacio de la Sociedad de las Naciones en Ginebra, la Cité de Refuge del Ejército de Salvación de París, el pabellón suizo en la Ciudad Universitaria en París, etc.En 1935 publica un libro sobre teorías urbanísticas, “La ville radieuse” y se traslada a Estados Unidos y a Brasil.

Sillón Grand Confort, Le Corbusier

Mies van der Rohe Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países Bajos en 1912 le llevó a cambiar sus intereses, a raíz del descubrimiento de la obra de H. P. Berlage. Tras el paréntesis de la Primera Guerra Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia (Novembergruppe, De Stijl) y empezó a realizar proyectos revolucionarios, como el destinado a un edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, constituido por dos torres de veinte pisos unidas por un núcleo central para escaleras y ascensores. Durante este período publicó la revista G, en colaboración con Hans Richter, y se relacionó con algunos de los artistas más avanzados del momento, como Tristán Tzara o el Lissitzki. A partir de 1926 llevó ya a cabo obras de cierta envergadura, como la casa Wold en Guben, toda de ladrillo, y la casa Hermann Lange MOVIMIENTOS ARTISTICOS

Sillón Barcelona, Van der Rohe

CONSTRUCTIVISMO 12/13

en Krefeld. Por las mismas fechas levantó el monumento a Karl Liebknecht y Rosa Luxemburg (destruido por los nazis), un simple muro de ladrillo con dos paneles en voladizo. La consagración de Mies van der Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas. Alvar Aalto Aprovecha la natural flexibilidad de la madera de abedul, cuya resistencia se aumenta mediante incrustaciones de madera laminada tratada con adhesivos especiales.

Cantilever Chair, Van der Rohe

Estos tratamientos en la madera permitían curvaturas en las láminas de madera de hasta 90º. Aalto adoptó un curvado en frío, aprovechando la humedad natural del abedul. Las obras de Aalto se integran con armonía en el paisaje, formando con éste un conjunto arquitectónico. La madera y el ladrillo fueron sus materiales preferidos. Seguidor convencido del funcionalismo y de la arquitectura orgánica, fue uno de los primeros y más influyentes arquitectos del Movimiento Moderno escandinavo. A lo largo de su carrera, Aalto diseñó 200 proyectos, de los que se realizaron la mitad. Además de arquitecto, Aalto fue también diseñador y creó los muebles para la mayoría de sus edificios. En 1935 fue, junto con su esposa, cofundador de la empresa de muebles Artek. Allí diseñó la primera silla apoyada en una estructura de madera autoportante, que fue patentada. Una de sus piezas clásicas es el jarrón Aalto, también llamado Savoy. Sillón Sanatorio Paimio, Alvar Alto

De Stijl 1917-1931

Un grupo de arquitectos, diseñadores y artistas holandeses, donde participaba Piet Mondrian, creó en 1917 una revista de arte llamada De Stijil , que se convirtió en un foro de debate artístico y de diseño.

El De Stijl es un movimiento holandés influido por el cubismo, en el que el arte puro emprende el camino hacia una nueva expresión universal. El arte está más allá del individuo, y debe nacer del espíritu colectivo. El movimiento De Stijl preconiza el estructuralismo, un neoplasticismo en el que sólo se reconocen los cubos y los paralelípedos. Los tres colores fundamentales, los únicos

Composición A, Piet Mondrian

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usados en pintura por Mondrian y en los muebles de Rietveld, son el azul, el amarillo y el rojo, junto con tres no-colores, el blanco, el gris y el negro. Se busca una disposición equilibrada entre los planos interiores y exteriores, entre la horizontalidad y la verticalidad. Esta voluntad de creación geométrica influirá directamente en los alumnos de la Bauhaus y de la arquitectura contemporánea. Más allá

Tree, Thorunn Arna

DE STIJL 14/15

del formalismo que propone, De Stijl pone en tela de juicio la disposición tradicional del epacio al buscar un equilibrio tridimensional entre vacíos, superficies y colores. Las caracteristicas De Stijl son: búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos, planteamiento totalmente racionalista, estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos, creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores (nunca se recurre a la simetría), colores planos, de carácter saturado (primarios) o tonal (blanco, negro y grises) y empleo de fondos claros.

Side Table, Eileen Gray

Rietveld En 1918 diseñó la Silla Roja y Azul, influenciado por el movimiento De Stijl. La silla Roja y Azul, construida mediante planchas de madera pintadas en estos dos colores y montadas sobre un bastidor de listones negros de extremos amarillos. La estructura de este sillón es el equivalente tridimensional de las composiciones pictóricas de Piet Mondrian. Busca la expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. No se trata de una silla confortable, lo que la hace más pieza decorativa que funcional. Silla Roja y Azul, Rietveld

Bauhaus

1919-1933

“…sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidos dentro de esta escuela.”

Por La Bauhaus se conoce a la Escuela de diseño, arquitectura e industria, fundada en 1919 por Walter Gropius, en Weimar (Alemania). En 1925 se trasladó a Dessau y fue disuelta en 1933 en Berlin.

de la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas, ambas en Sajonia, propuso al Gran Duque como su sucesor, a Walter Gropius, el cual, tras una entrevista con aquel, consiguiendo plenos poderes para reorganizar las dos escuelas.

Su orígenes tendríamos que buscarlo años antes de la Primera Guerra Mundial, cuando desempeñando Henry Van de Velde el cargo de director de la Escuela Ducal de Artesanía y

En 1919, cuando asumió el cargo de director, fundió ambas escuelas en una sola tomando el nombre de Das Staatliche Bauhaus Weimar (Escuela estatal de Arquitectura de Weimar).

Escuela de la Bauhaus

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Cartel Escuela de la Bauhaus

BAUHAUS 16/17

Este hecho dio gran preponderancia y relevancia a las enseñanzas impartidas por esta Escuela. Hasta este momento, artistas y artesanos vivian, trabajaban y tenían una concepción del trabajo aislada, separando a artistas, arquitectos y artesanos, por lo que Gropius, con el fin de eliminar estas barreras, empezó a trabajar basándose en que el artista y el arquitecto deben ser también artesanos, para lo cual, todos ellos deberán: - Conocer experimentalmente los distintos materiales con los que van a trabajar. - Conocer y dominar la teoía de las formas y el modelado. - Propugnaba el empleo de las máquinas por los artistas si con ello se podían conseguir objetos de arte, por lo que supedita dicho empleo a la acción creadora, dando, de esta forma, cabida a la formación industrial. El espiritu y las enseñanzas de esta institucion puede decirse se extendieron por todo el mundo. Ejercieron como profesores de esta escuela, muchos de los pintores abstractos, como Kandinsky o Klee, convirtiéndose, de esta manera, en centro de experimentación sobre el objeto y la abstracción dentro del ámbito de la vida moderna.

Cartel Escuela de la Bauhaus

Se interesaron profundamente en la racionalización de los objetos para que su uso llegara a todas las clases sociales. Los elementos planos y geométricos, en los diseños, difundieron toda una estética que se aplicó a todas las artes, desde las gráficas hasta la pintura y el cine. A consecuencia del auge del nacional socialismo y la subida al poder de Hitler, la Escuela fue cerrada en 1933 Sofá D51, Walter Gropius

La Bauhaus influyó poderosamente en la Arquitectura Moderna, a tal grado de marcar la pauta. Simultáneamente, se creó una nueva estética. Personalidades como Charles Édouard JeanneretGris (conocido como Le Corbusier) y Frank Lloyd Wright fueron inspirados por este movimiento y plasmaron sus obras en Europa y EEUU. Estas dos personas, junto con Gropius y Miës van der Rohe son considerados como padres de la Arquitectura Moderna y sus hermosas edificaciones siguen asombrando al mundo entero hasta la fecha. Este movimiento estaba influenciado por diferentes corrientes como el Constructivismo ruso, Suprematismo, Expresionismo y Neoplasticismo. Rubio , en documento en línea, describe las características de este movimiento: "El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración."

Letra Universal, Herbert Bayer

En 1925 se alzó una serie de edificaciones de forma rectangular, con base en hormigón y cristal -la cual fue diseñada por el primer director de la Escuela. Ya para aquel entonces, se inclinó más hacia el funcionalismo. La expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin adorno se volvieron cada vez más frecuentes en el estilo de este movimiento. En cuanto a la tipografía, es funcional-constructiva y la gran mayoría de las veces se aplicó la sans serif. Se manejó el círculo, el cuadrado y el triángulo y se utilizaron los 3 colores primarios como base. Las direcciones horizontales y verticales surgen con mucha frecuencia. Los textos se diferencian de forma tipográfica. Se resaltan palabras con colores de fondo o una fotografía impresa en un color no realista. Se colocan textos breves en un ángulo de 90º, algo totalmente nuevo. Mesas Nesting, Josef Albers

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BAUHAUS 18/19

Walter Gropius Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928. Walter Gropius, funda en 1919 una escuela de diseño, arte y arquitectura. Walter Gropius llamó a la nueva escuela “Das Staatliches Bauhaus”. Antes de la primera guerra mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño industrial. Sillóm F51, Walter Gropius

Al finalizar la guerra, Gropius en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura. El mismo edificio construido para la escuela manifiesta, los valores mas representativos de La Bauhaus. Uno de los principios establecidos por La Bauhaus desde su fundación: " La forma sigue a la función" La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano enaltecido. Silla D51, Walter Gropius

Estilo Internacional 1919-1980

Se conoce como Estilo Internacional a la corriente arquitectónica, enclavada dentro de la arquitectura moderna, que velaba por una forma de proyectación universalizante y desprovista de rasgos regionales.

El Estilo Internacional se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad (ángulo recto), el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de toda aplicación ornamental, y el efecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, para entonces novedosa. El Estilo Internacional fue el resultado de la evolución de la industrialización, la mecánica,

la ingeniería y la ciencia de los materiales. El empleo de las nuevas técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la amplitud espacial que caracterizó a los interiores de los edificios de este movimiento. La industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos,

Pirámide del Louvre, Ieoh Ming Pei

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Edificio Seagram, Van der Rohe

ESTILO INTERNACIONAL 20/21

el edificio de oficinas, el bloque de departamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros. La invención del hormigón armado y el mejoramiento de las aleaciones de acero, como parte del estudio evolutivo de la ciencia de los materiales, sumado al desarrollo de la ingeniería y la mecánica, como vimos, todo eso conllevaría nuevas posibilidades estructurales que harían realidad edificios más altos, más resistentes, más espaciosos y más funcionales.

Rudolf Schindler Los edificios tempranos de Schindler se caracterizan generalmente por la construcción en hormigón. Sus proyectos más importantes de esta etapa son la casa King's Road, la casa P. Lovell en la playa y la casa Wolfe. La casa King's Road era una vivienda y estudio para Schindler, su esposa y sus amigos Clyde y Marian DaCamara Chace. La planta se distribuye en varios espacios en forma de L. La consrucción es de paneles de hormigón in situ, que contrasta con los paños abiertos de vidrio y madera. Esta casa es la obra más conocida y representativa de su obra. En la búsqueda para abaratar costes, Schindler abandonó la construcción en hormigón, y comenzó a diseñar con paneles de yeso. Este tipo de construcción caracterízó su obra de los años 30 y 40, aunque lo que no cambió fue su interés en la forma y el espacio. En 1945 desarrolló su propio sistema de construcción modular, cococido como Schindler frame. En su obra posterior lo utilizó de forma extensiva como base de experimentación.

Schindler-Chase House, Rudolf Schindler

Lovell Beach House, Rudolf Schindler

Art Decó 1919-1939

Como con muchos otros movimientos del arte, incluso el trabajo de hoy todavía está siendo influenciado por el pasado. Tiene dos caras: la opulenta de los años 20 y la depresiva de los 30, del expresionismo y el funcionalismo, de las guerras mundiales y la paz. El Art Decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1919 hasta 1939 , afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes. Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.

El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzag.

Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.

Chyler Building, Van Allen

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ART DECO 22/23

Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios. En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo. Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el “look” de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la “garzón” que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación. Meridienne “Elegant”, Emile-Jacques Ruhlmann

Adolphe Jean-Marie Mouron “Cassandre” Sirviendo a una gran variedad de clientela durante los años 30, sus creaciones para la compañía de vinos Dubonnet estuvieron entre los primeros carteles que podían ser vistos por los ocupantes de vehículos en movimiento. Sus carteles son importantes por sus innovaciones gráficas y sus frecuentes denotaciones a pintores como Max Ernst y Pablo Picasso. Además enseño diseño gráfico en la escuela de Artes decorativas y en la escuela de Arte Gráfico. Su compañía creó varios nuevos estilos tipográficos, parte importante del diseño de carteles. En 1919 desarrolló Bifur, La tipografía de palo seco Acier Noir en 1935, y en 1937 una fuente multiuso llamada Peignot. En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias artísticas de la época de entreguerras del siglo XX, como el cubismo, el purismo de Le Corbusier, e incluso el futurismo con los recursos gráficos líneas cinéticas y sensación de velocidad.

Cartel Vinos Dubonnet, Cassandre

Diseño Orgánico 1931-1960

Su método de trabajo consistía en el desarrollo de soluciones integradas, de modo que la totalidad de un esquema arquitectónico se unificaba, generando un efecto general mayor que la suma de las partes. El Diseño Orgánico es un movimiento del diseño que en su primera fase se desarrolló entre 1931 y 1960, y luego desde los años ‘90 al presente. El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. En ese enfoque orgánico fue crucial la manera en que los elementos individuales, como objetos o muebles, conectaban visual y funcionalmente

Sillón Round Egg, Jacobsen

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con el contexto de su emplazamiento interior y el conjunto del edificio. También era importante cómo los interiores se integraban con la totalidad del esquema y cómo el propio edificio lo hacía con su entorno, mediante la armonía de sus proporciones, los materiales y el color. Pero si bien la interconexión y el espíritu de la naturaleza eran la base de la arquitectura

Uphilstered long chair and ottoman, Eames

DISEÑO ORGANICO 24/25

orgánica, no solían emplearse formas orgánicas; eso hasta que a principios de los años treinta, Alvar Aalto, uno de los mayores defensores del diseño orgánico, lideró un vocabulario humanizador y moderno de la forma, donde las curvas suaves y sinuosas se opusieron al rígido formalismo geométrico del estilo internacional. La principal preocupación de Aalto eran las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de sus muebles con los usuarios individuales. Sus ideas tuvieron un alto impacto, sobre todo en los EE.UU, cambiando el rumbo del diseño hacia el movimiento orgánico moderno: de este modo, diseñadores como Eero Saarinen y Charles Eames crearon sillas, muebles realmente revolucionarios, no sólo por la tecnología de punta que utilizaron en la estructura, sino también por el concepto de contacto y soportes continuos, promovido mediante las formas orgánicas ergonómicas y refinadas del asiento.

Chaise Longue, Eames

La aplicación práctica del diseño orgánico Saarinen la llevó a su arquitectura: su obra maestra es la terminal orgánica de la TWA en el aeropuerto Kennedy, uno de los edificios más extraordinarios del siglo XX. A principios de los años noventa, impulsado por un mejor conocimiento de la ergonomía, la antropometría, los avances en el diseño y la creación por computación, el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca. Independientemente del material empleado, ya sea natural o plástico, el diseño orgánico expresa toda su potencia cuando su sensual y emocional vocabulario formal conecta con el usuario de manera subliminal, apelando directamente a su sentido innato de la belleza natural. Silla Swan, Jacobsen

Charles y Ray Eames A partir de 1946 Eames diseñará para Miller sillas caracterizadas por la discontinuidad y la clara separación entre las partes. Eames, a diferencia de los diseñadores racionalistas que acentuaban el contraste, trata de introducir un equilibrio entre las partes. La silla Eames consta de asiento y respaldo de contrachapado curvado y soporte debdos barras metálicas de acero curvado que forman las cuatro patas, unidas por unabtercera barra que une asiento y respaldo. La parte de madera es de un grosor fino, igual de delicada que la estructura que lo soporta. Upholstered long chair and ottoman, la estructura y el revestimiento del asiento se adaptan el uno al otro de forma natural.El sillón se compone de un armazón de aluminio y un sillón de tres piezas de contrachapado curvado, tapizadas con cojines de piel.

Silla Zenith, Eames

Butaca en fibra de vidrio Zenith. Con estos asientos onsiguieron por primera vez obtener muebles de forma compleja a un coste moderado, al alcance de la mayoría de los estadounidenses. Estaban fabricados con una estructura de platico que quedaba a la vista, con armazón de refuerzo de fibra de vidrio. Eero Saarinen Saarinen, enfatizando la plasticidad de este modelo, diseñará para Knöll una serie caracterizada por la continuidad y el monolitismo. Sarinen diseña para Knöll la serie Tulip, donde la unidad y la continuidad serán la pieza angular del proyecto. La butaca Tulip se caracteriza por las líneas sinuosas que acogen y contienen el cuerpo. Estas líneas recorren sin interrupción la estructura de resina y fibra de vidrio hasta el suelo a través de un único pie de aluminio, ensanchado en la base para distribuir el peso. MOVIMIENTOS ARTISTICOS

Womb Chair, Saarinen

DISEÑO ORGANICO 26/27

La Womb chair es uno de los primeros ejemplos de aplicación de la vitrorresina en el diseño de muebles. Su forma acogedora y el material innovador responden a los presupuestos de Saarinen para un diseño confortable, tecnologiacamente desarrollado y preparado para distintos usos. Alejada de las ideologías europeas, la tecnología pierde la rigidez de la teoría para conquistar innovadoras cotas de libertad. Jacobsen Los asientos de Jacobsen se caracterizan por ser envolventes y anatómicos. El enfoque ergonómico contrasta con los rigores abstractos y formales del diseño racionalista. Los objetos de Jacobsen, que no buscan la comodidad, persiguen una funcionalidad ambiental y no física. La idea de Jacobsen no es sólo diseñar objetos para sentarse, sino crear correspondencias entre estar sentados y el espacio donde nos encontramos.

Silla Tulip, Saarinen

Ant Chair, Jacobsen

El sillón The Egg condensa en una sola forma el asiento, respaldo y brazos.La alternancia de formas cóncavas y convexas requiere un proceso de tapizado minucioso y caro. Hoy se imprime en poliuretano. La Ant Chair es silla apilable compuesta por dos únicas piezas: asiento y respaldo de contrachapado curvado y un armazón metálico de tres patas. Ant (hormiga) por la forma del respaldo.

Sillón Egg, Jacobsen

Aerodinamismo

1940-1964

Al igual que el Art Decó, el aerodinamismo tampoco tuvo el padrinazgo de grandes artistas y teóricos, sino que fue más bien un fenómeno popular, un capricho decorativo, y por esa falta de base teórica no se pueden decir cosas muy firmes sobre él.

Con el advenimiento del nazismo desaparece La Bauhaus, trasladándose muchos de sus componentes a otros países como Estados Unidos, y exportando a la vez sus ideas sobre el diseño industrial. En este momento aparecen en Estados Unidos dos corrientes totalmente contrapuestas: una influida por La Bauhaus, de corte racionalista y otra que propugna que el diseño del producto debe ser estético, olvidándose de la funcionalidad.

VW Beetle

MOVIMIENTOS ARTISTICOS

Esta segunda corriente, denominada Styling o streamline modern, desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente que desencadenan un consumo acelerado a causa del envejecimiento psicológico determinado por la ley del último modelo. Cabe destacar que ésta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz. Es considerada por

Vespa

AERODINAMISMO 28/29

muchos autores como el auténtico antidiseño, pues enmascara el producto debajo de un excesivo número de adornos con la única intención de mejorar su aceptación por parte del consumidor y a la vez su venta. La primera época de esplendor del diseño industrial en Estados Unidos se inició en plena gran depresión económica en 1929 y el periodo de posguerra trae como consecuencia una respuesta económica de acelerada producción de electrodomésticos, automóviles y en general, bienes de consumo. La explicación que se le ha dado a este fenómeno es que en esa época de crisis en la que las personas se rehusaban a gastar dinero, aparecieron productos irresistibles y llamativos que impulsaban la actitud a favor de la compra. La forma, color, acabado, materiales, toman especial importancia en este momento. Esto lleva a las empresas a contratar diseñadores industriales para asegurar el éxito de sus productos. Desde este momento el diseño industrial queda unido a la producción en serie y al consumo masivo.

Citroën 2CV

Airstream Clipper En Estados Unidos el viaje se convierte en una dimensión natural dentro de la gran extensión de los territorios. Wallace Byam fue el inventor de la casa móvil en 1936. Las dos ideas de Byam son sencillas: crear un vehículo habitable rebajando el suelo y elevando el techo y aplicar criterios aerodinámicos a la carrocería. El Airstream Clipper es un remolque de aluminio pulido, tan ligero y aerodinámico que puede ser transportado por una bicicleta. Se fabrica con la misma tecnología de los aviones, paneles de aluminio y remaches. Por esta razón su fabricación quedó interrumpida durante la 2ª guerra mundial.

Airstream Clipper

Pop

1965-1984 El Arte Pop surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955, pero su auge se da en la década de los sesenta. Su denominación procede de la abreviación de “popular art”, que hace referencia al arte popular que se utilizaba en publicidad, diseño, cartelería y revistas ilustradas.

Es una vanguardia artística que se inspira en la sociedad de consumo, creando una temática directa, realista, accesible al público en general, todo lo contrario al expresionismo abstracto. El arte pop es el arte del concepto, de la investigación plástica, de la representación de elementos poco tradicionales por entonces: latas de sopa, Dólares, Elvis, automóviles, fama, glamour… Los personajes artísticos dejan de ser

protagonistas únicos para producirse en serie, en un objeto más de consumo. Los inicios del pop, representados por Rauschenberg y Johns, también se denominan "neodadaísmo", por la influencia que reciben de artistas como Duchamp y Schwitters. En Europa también se da una tendencia relacionada con el pop norteamericano que responde al nombre de Nuevo Realismo.

Espacio Visiona, Joe Colombo

MOVIMIENTOS ARTISTICOS

Silla Cartón, O Gehrty

POP 30/31

El lenguaje del pop art es claramente un lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo. Su temática es extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: soportes como comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar. Hay una representación de carácter a priori inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva, que remite al trabajo en serie, a la producción en masa. Se apela a colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo. Si bien el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, el tratamiento pictórico no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

Silla Panton, Verter Panton

Verner Panton La predilección de Verner Panton por los colores intensos y las formas geométricas queda patente en su vasta obra como diseñador textil. Son legendarias las composiciones espaciales de Panton, cuyo objetivo consiste en fusionar suelos, paredes y techos, así como muebles, lámparas, tejidos y paneles de esmalte o plástico para formar una unidad espacial tan perfecta como indivisible. Las naves “Visiona” de la Feria del Mueble de Colonia (1968 y 1970), las oficinas de la editorial Spiegel (1969) y el restaurante “Varna” de Aarhus (1970) son sólo algunos de los ejemplos más famosos. La colaboración entre Panton y Vitra comienza a principios de los años sesenta: con Vitra desarrolla su diseño más conocido, la silla Panton, presentada en 1967. Asimismo, éste es el primer producto de creación propia de Vitra.

Espacio Visona II, Verter Panton

Postmodernismo 1984-2005

La posmodernidad se inicia con un desencanto y desconfianza en la razón ilustrada y la metafísica tradicional, lo que conduce a una debilidad de pensamiento. Esta “posmodernidad débil” ha sido propiciada por un conjunto de pensadores que ponen en tela de juicio los axiomas filosóficos que caracterizaban épocas anteriores. El postmodernismo tratase de una serie de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX que pretenden oponerse o superar el modernismo – corriente de renovación artística. Aunque el término englobe los diversos campos citados arriba, todos ellos compartían la misma idea: los intentos modernistas habían fracasado y se necesitaba una renovación radical en las formas tan tradicionales de pensamiento y sociedad.

En el arte obviamente el movimiento deseaba oponerse al arte moderno; sin embargo no podemos decir que este realmente fue superado o si aun existe, ya que no tenemos pruebas históricas que nos apuntan el rompimiento del mismo y la iniciación de una nueva era como pretendía el postmodernismo. De entre las características principales del postmodernismo podemos encontrar la

Mesa Nomos, Norman Foster

MOVIMIENTOS ARTISTICOS

Sillón Big Easy, Ron Arad

POST MODERNISMO 32/33

exaltación de la cultura popular, eclecticismo, buscar inspiración en elementos estilísticos del pasado, volviendo a métodos clásicos, cambiar de un estilo a otro con total libertad, repitiendo y reinterpretándo lo que había sido creado anteriormente. Mezclaban arte clásico con comics, por ejemplo. Las obras son figurativas y también abstractas, utilizaban diversas técnicas artísticas, antiguas y nuevas, expresando en cada trabajo su opinión de forma subjetiva, urreflexiva. Philippe Stark Estudió en la escuela de Nissim di Camondo en París. En 1968 funda su primera empresa, que produce objetos hinchables. En 1969 se convierte en director artístico de Cardin. En 1974 se establece en los Estados Unidos y dos años más tarde vuelve a París, donde proyecta su primer night club: "La main bleu" y proyecta el local nocturno "Les Bains-Douches". En 1979 funda la empresa "Starck Product". Durante los 80s renueva los apartamentos privados del Presidente francés François Mitterand en el Palais de l'Elysée, realiza la decoración de los interiores del Café Costes en París y se encarga de los interiores del caffé Manin en Tokio. También fue el responsable de la decoración de los interiores del Hotel Royalton de Nueva York y proyectó los planos para los locales de la cuchillería francesa Lagouiole. A fines de los 80s construye el barco "La Fiamma" para la empresa Asahi y construye el inmueble Nani Nani para Rikugo en Tokio. Además se ocupó del diseño de interiores del Teatriz, en Madrid y fue el responsable de la decoración de interiores del Hotel Paramont. En 1991 participa en la construcción del Groningen Museum, construye el edificio de oficinas Le Baron Vert en Osaka para Meisei y se ocupó de una serie de residencias particulares, como Lemoult (París), L'Angle (Amberes), 18 maisons de rapport en Los Ángeles y una residencia particular en Madrid. A fines de los 90s crea el catálogo de Good Goods con La Redoute.

Sofá Tatlin, Edra

Juicy Salif, Philippe Stark

W.W. Stool, Philippe Stark

1850

1860

1870

1880

1890

1900

1910

1920

1930

1940

1950

1960

1970

1980

1990

Hoy

Arts & Craft 1855 - 1900 Modernismo 1890 - 1910 Deutscher Werkbund 1907 - 1935 Constructivismo 1917 - 1935 De Stijl 1917 - 1931 Bauhaus 1919 - 1933 Estilo Internacional 1919 - 1980 Art Decó 1919 - 1939 Diseño Orgánico 1931 - 1960

1990 - Presente

Aerodinamismo 1940 - 1964 Pop 1965 - 1984 Postmodernismo 1984 - Presente