Bellas Artes UMH

MONOGRÁFICO 2013/2014

BELLAS ARTES Procesos creativos y prácticas artísticas en el contexto de la cultura visual

REPORTAJES EXTRAÍDOS DE LA REVISTA DE DIVULGACIÓN CIENTÍFICA UMHSAPIENS

MONOGRﾃ：ICO DE BELLAS ARTES

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Exposici贸n de Pilar Viviente Entrevista a Antonio Barea De la Pluma al Pincel Fotorreportaje de Roc铆o Villalonga Patente en Bellas Artes

ManSun. Naturaleza, cultura y comunidad Las dos últimas exposiciones conjuntas de Pilar Viviente, tributo al filósofo del arte Arthur Danto

La profesora del Grado de Bellas Artes de la UMH es una artista multidisciplinar que pertenece a la conocida como generación reflexiva (final de los años 80, principio de los 90). Ha participado en más de cien exposiciones nacionales e internacionales. Su trabajo forma parte de colecciones y museos de todo el mundo.

Amy Shand © 2014

U

n hombre que se identifica con la ciudad y el universo es un Hombre Sol. Para explicar cómo se pueden crear comunidades a través del arte que además sean sostenibles, nada mejor que ilustrarlo con hechos. Man Sun es el tema que unifica mis dos últimas exposiciones conjuntas: en diciembre del 2013; con la artista nacida en San Petersburgo Irene Caesar, y en febrero del 2014; con el artista nacido en Nueva York Eugene Hyon. Dos exposiciones que vinculan las ciudades de Altea, Moscú y Nueva York, a través del concepto Man Sun, relacionadas con la Universidad Miguel Hernández (UMH) como universidad pública que enseña, genera y promueve el conocimiento artístico.

Seguridad de Moscú, en el que aparece el texto de su manifiesto "Hombre Sol". La exposición forma parte de las actividades educativas que he organizado en el Facultad de Bellas Artes de la UMH. Irene Caesar ha impartido en nuestra Universidad conferencias y talleres de fotografía, con juegos de roles como técnica de enseñanza innovadora, en los talleres de Imagen y de Dibujo Morfológico.

La exposición titulada “Man-sun: wave matrix in art”, patrocinada por la Galería Klaus Kramer de Londres, presenta fotografías de gran formato. Además de introducir la Sicotrónica por primera vez en la Historia del Arte. Con el autorretrato de Irene Caesar codificado vía láser, por el Instituto Nacional de

Por su parte, la muestra llamada “Urban landscapes and people: a symbiosis of nature and culture” que comparto con el artista Eugene Hyon, se puede visitar en la galería A gathering of tribes de Nueva York. Este trabajo habla de la necesidad de un equilibrio orgánico entre entorno urbano y humani-

dad. De proteger la naturaleza y la cultura.

De cómo éstas coexisten simbióticamente para cubrir la necesidad humana de crear un espacio urbano adecuado y saludable para vivir. Aunque con estilos contrastados en cada artista, las obras se unifican con temas comunes: paisajes urbanos, cómo la gente vive en y entre las estructuras físicas que definen espacios urbanos y la importancia de proteger la naturaleza, lo que en última instancia conduce a proteger la cultura. Se alude al Huracán Sandy y a sus efectos con respecto al calentamiento global en la vida de la gente; a la planificación urbana y su relevancia para la seguridad ambiental; a la viabilidad económica, la estabilidad política y el bienestar social de los residentes multiculturales de la ciudad.

DE IZDA A DCHA Y DE ARRIBA A ABAJO

/ Las ciudades sumergidas, 2008, técnica mixta-fotografía,133x100

PILAR VIVIENTE

PILAR VIVIENTE IRENE CAESAR IRENE CAESAR

/ Fotogramas-Vídeo

/ Arthur Danto Contributes to Damien Hirst

/ Arthur Danto with Wise Puffy Cheese Doodles EUGENE HYON

/ Cooling Off on Milton Street

EUGENE HYON EUGENE HYON

/ Sunken Taxis

/ Greenpoint Welcome

Antonio Barea: "Me nutro de todo lo que acontece a mi alrededor" El licenciado en Bellas Artes de la UMH ha expuesto una de sus obras en el Museo Guggenheim Bilbao

E

n mi trabajo existe un componente romántico que me lleva a cuestionar la experimentación del paisaje, para más tarde enfriarse y evidenciar la irrefutable relación de causalidad existente entre territorios, paisajes y quienes en ellos habitan. Los sistemas de representación gráfica del territorio, los posicionamientos del hombre frente a su entorno y las inevitables consecuencias son en gran parte el leitmotiv de mis proyectos plásticos. Mapas, cartografías, vistas aéreas, escalas, miniaturas, sistemas de geolocalización, aviones o infraestructuras aeronáuticas. Términos que de algún modo arquitraban un discurso que pretende diseccionar las dinámicas acontecidas entre el cielo y la tierra.

Licenciado en Bellas Artes y Máster de investigación en Territorio y Paisaje en la UMH, estudié un año en la Accademia di Belle Arti di Brera de Milán, gracias a una beca Erasmus. En la actualidad, realizo mi tesis doctoral “Comunicación y creación colectiva en la era 2.0. Análisis de proyectos colaborativos de visualización de datos”. A esta formación académica se añaden varias becas de producción, entre las que destacan la Beca de Producción de la Fundación Bilbao Arte Fundazioa y la Beca de Promoción de las Artes Plásticas del Gobierno de La Rioja.

Entre 2012 y 2013 he realizado varias exposiciones individuales: Mapas Invisibles, en el Instituto Juan Gil-Albert de Alicante; Landing, en la Fundación BilbaoArte Fundazioa; Acantilado, en el Puente de Deusto en Bilbao y, próximamente, Dinámicas de Vuelo, en la Galería Paula Alonso de Madrid. Mi trabajo ha podido verse en diferentes muestras colectivas en España, Colombia, Italia y Francia. Entre ellas destaca Pangea, en Palazzo Reale Giulianova de Teramo (Italia); Fata Morgana, en el Instituto Jorge Robledo de Medellín (Colombia); Little Big Crunch, en Plateforme en París (Francia) y Summa Fair, en Matadero Madrid. La más reciente, Horizonte, una reflexión sobre la relación entre el ser humano, el paisaje y la naturaleza, ha tenido lugar en el Museo Guggenheim Bilbao durante el pasado mes de septiembre.

¿Qué influencia tiene el paisaje de la costa de Alicante en su obra?

Quizá no exista una relación explícita entre el paisaje levantino y mi trabajo, pero sí es cierto que quedan, en mi inconsciente, reductos de esa placentera convivencia con el mar, el horizonte y la montaña. Del mismo modo que el protagonista de “En busca del tiempo perdido” de Proust recupera un recuerdo infantil al probar una magdalena mojada en té caliente, yo suelo experimentar sensaciones recordatorias al escuchar la marea que remueve los cantos rodados. O al observar, desde el avión, orografías que de algún modo se asemejan a la de Bernia, maravilloso sistema montañoso que preside uno de los horizontes de Altea. ¿Cómo llega hasta el Guggenheim de Bilbao?

En 2012 recibo una beca de producción de la Fundación BilbaoArte, a través de una convocatoria internacional, al mismo tiempo que disfruto de la Beca de Artes Plásticas del Gobierno de La Rioja. Ambas ayudas me permitieron dar forma a un proyecto plástico, denominado Mapas Invisibles, presentado en el Instituto Juan Gil-Albert de Alicante.

Además, expuse este trabajo en la Jornada anual de Puertas Abiertas de la Fundación BilbaoArte en la que un jurado selecciona a seis artistas de entre los 27 que han desarrollado su proyecto durante el año. Tuve la suerte de estar entre los seleccionados y, en 2013, inauguré la temporada con Landing, un proyecto expositivo que ha marcado ciertas directrices en las investigaciones que desarrollo.

Durante el transcurso de Landing, la comi-

saria de la exposición Horizonte, Alexandra Baurès, contactó conmigo para mostrarme el proyecto que había ideado para el Museo Guggenheim Bilbao, en el cual se incluía mi pieza Airport; un pequeño artefacto que cuestionaba las relaciones de escala vinculadas a la vista aérea. La obra ejecutaba un perfecto maridaje con la tónica conceptual del proyecto: una reflexión en torno al horizonte que partía de la obra Marina del artista alemán Gerhard Richter.

Habrá supuesto un empuje para su trayectoria profesional.

Horizonte supone una línea curricular de alta relevancia, pero sin ser determinante y, por supuesto, no me garantiza una progresión inminente. Lo más importante para mí es ser consecuente con las investigaciones que desarrollo y con el trabajo diario. Ser constante, pues una turbulencia te puede hacer reducir el ángulo de ataque y caer en picado o, por el contrario, advertir un futuro próximo, es decir, aprender. Permanezco alerta 24 horas al día, me nutro de todo lo que acontece a mi alrededor, consumo imágenes, teorías, actualidades y pasados que forman parte de los procesos plásticos y de mi investigación.

Por tanto, quedo satisfecho cuando este posicionamiento que mantengo ante el mundo se manifiesta a través de mi trabajo. ¿Por qué se interesa por la relación entre el ser humano y elementos como el paisaje o la cartografía?

Decía Borges que el cometido del hombre era simbolizar lo aprendido, es decir, codificar nuestra propia arqueología. Para ello, necesitaríamos una guía y una mesa. De mi trabajo

se desprenden aspiraciones por diseccionar, en esa mesa y de forma minuciosa. El territorio y el paisaje a través de la mirada de un ser que se enfrenta a estos acontecimientos desde la tierra y el cielo.

Los modos de observación del territorio están en continuo cambio; han sido un campo para investigar y experimentar durante toda la historia. En la actualidad, el acceso a la vista aérea, gracias a las aerolíneas de bajo coste, permite observar ese paisaje que los románticos creían postrado ante ellos. Esto genera múltiples conexiones que fundamentan mi investigación.

En mi trabajo está el hombre prehistórico que formuló nuevos enfrentamientos con la imagen, a través delas pinturas rupestres, con situaciones coetáneas a sus experimentaciones. Están los cartógrafos del imperio de "El rigor de la ciencia", de Borges, quienes corroboran la plusvalía del mapa frente al territorio con su error en la ejecución del mapa a escala 1:1. Está Bachelard, quien en "La poétique de l’espace" referencia al Diccionario de Botánica Cristiana de 1851 para establecer un sistema de escalas e identifica la miniatura. Se manifiesta el fotógrafo parisino Nadar, que miniaturiza el paisaje urbano de Petit-Bicêtre, con su fotografía aérea en 1858. También, las aplicaciones informáticas de geolocalización, que ofrecen representaciones del paisaje y el territorio al usuario, quien coquetea con el vuelo, el descenso y el ascenso cenital. O Félix Baumgartner y su salto desde la estratosfera del 14 de octubre de 2012. Y está el funambulista, están las líneas de Nazca, las intervenciones de land art, Ryanair, el vuelo, la maniobra aérea, los drones, la imagen satelital y un largo etcétera.

El paisaje se encuentra sometido a un cambio constante debido, sobre todo, a la influencia humana. La costa levantina es un ejemplo de cómo la actividad del hombre puede conllevar la degradación del territorio. ¿Cree que es importante dar visibilidad a estas cuestiones a través del arte?

Consumimos los recursos naturales de forma inconsciente y sometemos a los territorios a especulaciones económicas de durabilidad perecedera. No existe una conciencia ligada a optimizarlos y, sin embargo, sí una más cercana a la explotación. En cualquier caso, es un problema de raíz, no podemos pretender obtener posicionamientos sociales comprometidos con causas de esta naturaleza, cuando, día a día, observamos la decadencia del compromiso que se mantiene con la educación y la cultura. Tendremos que empezar a entender que la educación y la cultura son bienes necesarios para el funcionamiento correcto de cualquier sociedad que se preste.

Ni qué decir tiene que es importante dar visibilidad a este tipo de desafortunados acontecimientos, tanto desde el arte como desde cualquier disciplina, porque es nuestro entorno y el de futuros habitantes.

Pero déjame contestarte con dos imágenes que a mi parecer reproducen tu afirmación enmascarada de pregunta: Benidorm años 40, Benidorm hoy.

Beauvais · 155x120 cm · 468 Piezas de aluminio · 2013 Airport · 25x25x15 cm · Fotograbado sobre papel Hahnemüle 300 gr, tinta termocrómica, resitencia y madera. · 2013 Drone · 122x105x5 cm · 368 Piezas de cobre · 2012 737-300 · 2x (110x50 cm) · Madera y aluminio · 2013 Acantilado · 400 x 250 x 150 cm · 275 piezas de aluminio, hilo de nylon y cable acerado · 2013 Intervenciones Artísticas en el Puente de Deusto. Bilbao.

DE LA PLUMA AL PINCEL > Lorena Santos

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osé María Valverde y Jesús Úbeda son estudiantes de segundo curso de Bellas Artes de la UMH. Se conocieron en la prueba de acceso a la universidad y desde el principio conectaron profesionalmente. Por su amor a la poesía y ante la inquietud de hacer una exposición conjunta, decidieron rendir tributo al poeta Miguel Hernández en una exposición que mezcla la poesía con la pintura, donde esta última representa los sentimientos que transmiten los versos.

J. M. Valverde se identifica con la ternura y picardía del poeta, por su sensibilidad hacia las otras personas y por sus sentimientos cálidos y profundos. Su cuadro Pena refleja los lamentos y sufrimientos de alguien desesperado en su soledad.

Personas que por distintos motivos están donde no quieren estar, viven su día a día fatigados y bajo la sombra de un futuro igual o peor.

UMBRÍO POR LA PENA Sobre la pena duermo solo y uno, pena es mi paz y pena mi batalla”

En la pintura Amarillo sobre el suelo, Valverde saca su lado más tierno para plasmar los versos del poema “Me tiraste un limón”. Este tema alegre, vivo y gracioso casi puede leerse a través de las pinceladas del artista, quien refleja ese limón en el suelo, un suelo sencillo, con una luz pura y directa que representa la vivacidad de un amor joven.

ME TIRASTE UN LIMÓN Me tiraste un limón, y tan amargo, con una mano cálida, y tan pura, que no menoscabó su arquitectura y probé su amargura sin embargo.

Con el golpe amarillo, de un letargo dulce pasó a una ansiosa calentura mi sangre, que sintió la mordedura de una punta de seno duro y largo.

Pero al mirarte y verte la sonrisa que te produjo el limonado hecho, a mi voraz malicia tan ajena, se me durmió la sangre en la camisa, y se volvió el poroso y áureo pecho una picuda y deslumbrante pena.”

Jesús Úbeda se identifica con Miguel Hernández por tres motivos: su pasión por el trabajo; su amor y protección por sus seres queridos y por su sencillez. Su abuelo era pastor, lo que le hizo desde pequeño “un apasionado del campo”, tema habitual en sus poesías. El candor con el que trataba sus versos, unido a la complejidad, lo relacionan fuertemente con él, incitándole sin esfuerzo a la creación artística cada vez que lee su obra.

En El espejo me mira, observo Úbeda ha querido transmitir los versos del poema El sudor que expresa el entusiasmo por el trabajo, en su aspecto más positivo, íntimo y satisfactorio. Úbeda ha querido pintar su propio reflejo en el espejo, mientras que Miguel Hernández plasmaba su alma ante el papel.

EL SUDOR Vestidura de oro de los trabajadores, adorno de las manos como de las pupilas.

Por la atmósfera esparce sus fecundos olores una lluvia de axilas.”

En su pintura Rayuela, Úbeda pinta la inocencia de su hermana y su propia preocupación hacia ella. Es una persona frágil, inocente, que juega suspendida en la vida (entre dos números en este caso) sin saber lo que le acontecerá. Los colores representan la tierra y la pureza con la que el artista identifica al poeta. Al igual que el poeta hace con su hijo, Úbeda se preocupa de su hermana pequeña y desea que nunca deje la niñez para no perder su inocencia.

NANAS DE LA CEBOLLA “No te derrumbes, no sepas lo que pasa ni lo que ocurre.

Arte y denuncia en la fotografía de Rocío Villalonga

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ocío Villalonga (Valencia 1966) es profesora de Escuela Universitaria de la Facultad de Bellas Artes de Altea y artista de la Galería Punto.

Cinturones Verdes trata de ser una crítica a la manera en que las antiguas zonas rurales de las ciudades ocupadas por la agricultura han sido sustituidas por la industria o los grandes centros comerciales.

“Se apuesta por las obras de Picasso o Manolo Valdés, porque son valores seguros pero en la administración hay falta de criterio para valorar otras obras realmente buenas. Llevo 15 años en la Facultad de Bellas Artes de la UMH y he visto salir gente brillante en todas las promociones que cuando salen a la calle tienen muy difícil moverse.”

A pesar de belleza, Rocío Villalonga trata de denunciar este proceso de abandono en los Cinturones Verdes de las ciudades de Barcelona, la zona de la huerta de València y el puerto de Sagunt en Castelló.

“Hay que enseñar a amar el arte, a despertar la curiosidad por el arte. En la educación primaria llegan a anular la creatividad de los niños. El proceso de enseñanza artística que hay en los colegios indica que lo único que puedes hacer es copiar y de ahí pasar al dibujo técnico.”

Waiting/ in transit, es una serie que comenzó entre Beijing y Shanghai en 2005 y que durante los años 2006 y 2007 se extendió a Moscú. Tiene la intención de proyectar la colectividad de la semejanza humana actual y la capacidad de los medios visuales de expresar las interconexiones de la sociedad global.

Se trata de una serie de imágenes fotográficas en espacios de tránsito “no lugares” como son estaciones de trenes, metro y aeropuertos, en las que se reflejan los protocolos y los rituales sociales en los que todo el mundo participa. A medida que la serie se desarrolla en diversos países el discurso gana, ya que la globalización entre culturas muy contrastadas se evidencia con unas imágenes que animan a percibir cómo la humanidad se suscribe a los sistemas de orden y control.

La obra de Villalonga se ha expuesto en numerosas galerías nacionales e internacionales, así como en ferias de Arte contemporáneo de Europa y América y en Museos como el IVAM Centro del Carmen, IVAM Julio González, Palais Tokio de París; Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Centro de Arte Contemporáneo Hospicio Cabañas México; Museo de Bellas Artes de Florencia; Museo de Arte Contemporáneo de Miami; o el Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía.

El tonograbado: La copiadora de cuadros

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El profesor Antonio Navarro crea la primera patente en Bellas Artes de la UMH

Entrada de las Marías en la Basílica || A. Navarro

l profesor de la Universidad Miguel Hernández (UMH) y artista Antonio Navarro ha iniciado los trámites para patentar un sistema de reproducción de grabado. La iniciativa supone la primera patente en el ámbito de Bellas Artes para la UMH. Las pruebas efectuadas con este sistema han dado lugar a una colección de 13 obras relacionadas con el Misteri d’Elx. La idea surge cuando Antonio Navarro se plantea la posibilidad de pasar sus pinturas a grabado. Para ello, lleva a cabo distintas pruebas bajo la temática del Misteri. Según el profesor, esta elección responde, por una parte, al deseo de que el espectador reconozca las obras y, en segundo lugar, al afán de estrenar la patente con un homenaje al drama ilicitano. Así, el artista ha empleado materiales como la espátula, el pincel o las aguadas.

La técnica se denomina tonograbado porque permite obtener un amplio espectro de tonalidades. El proceso consiste en trabajar con óleo sobre un soporte flexible de pvc. De esta manera, utilizando una serie de polímeros, se crea una matriz estable con la que reproducir la imagen deseada hasta 120 veces, sin que pierda intensidad. Además, el sistema permite registrar un volumen de cuatro milímetros. A juicio de Navarro: “Se trata de un proceso sencillo pero muy útil, que demuestra que todavía se puede investigar e innovar sobre el grabado”.

Mediante el sistema de tonograbado, desarrollado junto a la Universidad de Salamanca, se puede obtener en la reproducción los restos del pincel, así como eliminar o sumar materia.

Además de su aplicación para reproducir obras de arte, el procedimiento puede emplearse de forma industrial para estampar papeles decorados. Actualmente, no existe en el mercado otra técnica con la que puedan lograrse estos resultados.

Mangrana del Misteri d’Elx || A. Navarro

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