MONOGRÁFICO 2018/2019
Bellas Artes La ubicuidad, la diversidad y la inspiración en el arte
REPORTAJES EXTRAÍDOS DE LA REVISTA DE DIVULGACIÓN CIENTÍFICA UMHSAPIENS
MONOGRร FICO 2018/2019
Monogrรกfico BELLAS ARTES
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Visualidades Diversales
Plan Z
Altea, la inspiraciรณn del arte
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Visualidades diversales. Maniobras ecológicas desde el Sur re-existente
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l proyecto cultural ‘Diversalitat’ pondrá en marcha acciones en materia de igualdad de la diversidad, por segundo año consecutivo. Impulsado por el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria y por la Unidad de Igualdad de la Universidad Miguel Hernández (UMH) de Elche, se trata de una iniciativa compuesta por varias líneas de actuación. La vicerrectora de Cultura de la
UMH, Tatiana Sentamans, explica que entre las actividades programadas en esta edición habrá una exposición de arte contemporáneo, talleres y un nuevo proyecto infográfico de producción propia. Sentamans asegura que se trata de un proyecto complejo, conectado con otro europeo, en el que el objetivo final es formar y sensibilizar a la comunidad universitaria y atender su diversidad.
En el marco de ‘Diversalitat’, Belén Romero comiPregunta: Cuando se reflexiona en torno a diversaría la exposición titulada sidad parece oportuno plantearse el interrogante ‘Visualidades diversales. ya formulado por la profesora de Estudios Culturales, Catherine Walsh: ¿Qué saber, qué hacer Maniobras ecológicas y cómo ver? Respuesta: Contestar a estos interrogantes significa involucrarnos. Tener en cuenta y desde el Sur re-existencontar con ciertas prácticas artísticas y culturales pensadas desde el Sur. Entendido en el sentido que te’. El proyecto transverle atribuye Santos, como metáfora del padecimiento sal aborda la diversidad, humano sistemático, injusto y continuado, ejercido por el capitalismo, el colonialismo y el patriarcado entendida como fuente en el que ambos se han sustentado. inagotable de saberes, ¿Qué sentido adquiere esta exposición en un contexto como el universitario? Pretendemos geexperiencias, formas de nerar una movida, un movimiento que traiga al intever, de ser y de estar en el rior de la Universidad un sentir con conocimientos, prácticas y vivencias que poseen las gentes en su mundo. La comisaria de hacer cotidiano, para posibilitar la vida en condiciones de igualdad y de dignidad. Maniobras políticas, la exposición subraya la éticas y estéticas de existencia, que no implican importancia relaciones de exclusión, ni marsino que visibilizan El proyecto cul- ginación, de abordar el formas de convivencia, divertural ‘Diversalitat’ sas, para crear, como propone concepto de una nueva familiaridad fomenta las ac- Santos, con la vida. la diversidad tividades en maen el ámbiteria de igualdad ¿Cómo se relacionan la natuy el género? Tratar las to académide la diversidad raleza relaciones entre naturaleza y género implica, necesariamenco, “espacio te, referirse a las relaciones entre naturaleza y cullegítimo de producción tura. Un tema de reflexión inagotable que ha dado lugar a infinidad de trabajos, teóricos y prácticos, de conocimiento”, y para desde múltiples perspectivas y áreas de conocimiento, contextualizados cultural e históricamente. contextualizar recurre a ¿Cómo fomenta el proyecto esa reflexión? la “ecología de saberes” Debatiendo en torno a la separación y oposición que propone el sociólogo entre las categorías de naturaleza y cultura, como paradigma epistemológico y ontológico de la moportugués Boaventura de dernidad occidental. Un paradigma que ha servido para producir como naturales marginaciones y Sousa Santos. Para la inopresiones continuadas sobre las mujeres, los povestigadora, crítica de arte bres, los no blancos o los disidentes sexuales, entre otros. Esta situación ha comportado la desvalorizay comisaria independiención e invisibilización de sus conocimientos, formas de ser y estar en el mundo. te, esta exposición supone La dicotomía asimétrica entre naturaleza y cultura. “un desafío que pretende Sitúo bajo el paraguas de la naturaleza a la mujer, el generar procesos pedaindígena, lo salvaje, lo subdesarrollado, las emociones, el cuerpo o la superstición, frente a lo ubicado gógicos y facilitar el aprenbajo el paraguas de la cultura: el hombre (blanco occidental Universal), lo civilizado, lo desarrollado, la dizaje de lo visual y de la razón, la mente, la ciencia. Las intrincadas relaciopráctica artística”. nes entre naturaleza y cultura constituyen
un territorio en disputa en el que se libran las batallas de las tecnologías del género y la sexualidad, la identidad y el saber, así como la mera consideración de otras políticas y prácticas culturales/sociales diversas, de la diferencia y el disentimiento. ¿Existen etiquetas de género en la propia naturaleza? Etiquetar o establecer taxonomías fijas pertenece al moderno arte de catalogar. En los siglos XVIII y XIX las Ciencias Naturales desarrollaron metodologías de trabajo, entre las que se encontraban la clasificación, la denominación y el archivo. En el colegio se nos iniciaba en El Sistema de la Naturaleza, de Carl Linneo, publicado en 1735, que logró popularizarse y sentó las bases de la taxonomía moderna. Teníamos como tarea confeccionar herbarios botánicos con especímenes de nuestro entorno más cercano, siguiendo el sistema binomial basado en el género y la especie. Se nos enseñaba la organización de los órganos sexuales de las plantas, establecidos de forma convencional, donde los estambres eran los órganos sexuales masculinos y, los pistilos, los femeninos. El nombre de la especie se adjudicaba a partir de las semejanzas entre diferentes sujetos y el del género, a partir de la semejanza entre diferentes especies.
sidad naturocultural, como la denomina la historiadora de la ciencia, Donna Haraway. De este modo, los territorios donde se establecen son fragmentados y desarticulados de las relaciones locales, para ser insertados en las cadenas globalizadas de las grandes corporaciones. Las consecuencias de esta fragmentación entre el Norte y el Sur global son muy evidentes. En la actualidad, las crecientes desigualdades han dado lugar a la ampliación de la esclavitud laboral y sexual. La crisis multidimensional en la que nos hallamos se caracteriza por un neoextractivismo que actúa a nivel de explotación de recursos naturales, pero también de recursos humanos, de trabajo, de salarios, de derechos sociales. En definitiva, de mercantilización de la vida, donde las mujeres, los niños, los inmigrantes y refugiados son los más desprotegidos y afectados. Desprotegidas y desprotegidos a pesar de jugar un papel fundamental en la sostenibilidad de la vida. Las mujeres han sido indispensables. Si desde los distintos procesos históricos de colonialismo y colonialidad fueron incorporadas a la matriz productiva para garantizar la explotación del trabajo y las riquezas de las colonias, en la actualidad, son motor multifunción como parche y mano de obra barata, y como cuidadoras y sostenedoras de la vida de toda la familia. En concreto, las tareas de cuidado son imprescindibles para vivir desde que nacemos hasta que morimos. Por ello, constituyen una de las dimensiones fundamentales de la sostenibilidad de la vida. De hecho, las mujeres son y han sido las que, en última instancia, han cubierto las necesidades básicas que el sistema económico capitalista heteropatriarcal es incapaz de satisfacer, convirtiéndose en pieza fundamental para su funcionamiento, a pesar de haber sido ignoradas y excluidas del propio sistema
En la exposición hay trabajos de videoinstalación, piezas sonoras, videoperfomance, muralismo, escultura, fotografía y fanzine
¿Este modo de conocer clasificatorio y excluyente, se ha cuestionado desde otros territorios o procesos de pensamiento? Estudiosas como Mary Louise Pratt han mostrado cómo, a partir de este sistema clasificatorio naturalista, patriarcal y heteronormativo, el sujeto singular dejó de tener identidad propia, para pasar a formar parte de un sistema clasificatorio homogeneizador. Esta operación se llevó a cabo también en el estudio de los minerales, los animales y los seres humanos. Hay un proyecto artístico llamado Flori. cultura subversiva, del colectivo O.R.G.I.A, que conceptualiza críticamente esta cuestión, mediante una maniobra lúdica de subversión del lenguaje enciclopédico, ilustraciones de flores plurisexuales fantásticas o la imagen de la “mujer-bicha”, deshumanizada y animalizada al mismo tiempo como cotorra, víbora, hurraca o arpía. Zoónimos vejatorios para identificar a la mujer metafóricamente con animales, que le atribuyen una característica negativa centrada en los defectos físicos, la capacidad mental o el comportamiento, para convertirla en un icono ruidoso, transgresor y molesto para el patriarcado. ¿Qué implicaciones tiene la explotación de los recursos naturales en la desigualdad? Ya en el año 2011, el Foro Económico Mundial de Davos señalaba que el principal factor de riesgo de la próxima década lo constituirían las inmensas desigualdades sociales. Sin embargo, su principal preocupación seguía centrada en conservar la lógica del desarrollo sostenible. Un modelo que alimenta la acumulación extractivista por desposesión, apuntalada en el abuso y las relaciones de poder asimétricas. Los países del Sur global son los más perjudicados debido a la instalación perpetua de megaproyectos extractivos por parte de países del Norte global, que someten las relaciones sociales, económicas, ecológicas y políticas, a la lógica del capitalismo más depredador. Esta situación implica la rasgadura de los lazos comunitarios, la pérdida de las economías regionales y la merma de la diver-
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En la exposición hay trabajos de videoinstalación, piezas sonoras, videoperfomance, muralismo, escultura, fotografía y fanzine, de artistas y colectivos procedentes de diferentes ámbitos geo-corpo-políticos del Sur global. Entendidos como prácticas culturales y, por lo tanto, como un medio de acción política, un lugar de activismo crítico y creativo, que permite visibilizar la pluralidad de existencias y participar en los debates que atañen a la exclusión social, la generización, la sexualización, la racialización, la violencia genocida o la consolidación de estereotipos. Belén Romero explica que se trata de un proyecto colectivo, en el que las producciones artísticas son sus compañeras de fatigas, culturalmente activas: “Queremos romper el aislamiento, un fenómeno político que sucede, como explicaba Hanna Arendt, cuando a un ser humano le es destruida la más elemental forma de creatividad humana, que es la capacidad de añadir algo propio al sentido común”.
ALGUNAS OBRAS DE VISUALIDADES DIVERSALES Nadie atraviesa la región sin ensuciarse. Regina José Galindo (2015). (Guatemala). ( 1 ) Pieza de videoperformance en la que se evidencia la tragedia social que vive la población migrante guatemalteca y de otros países de la región en su huida de la pobreza, el terror y la violencia feminicida y genocida. La situación de su cuerpo frágil y vulnerable en el centro de un lodazal, metáfora de una realidad deshumanizada, material y simbólica, habla de un cuerpo político colectivo, construido con las experiencias de otros y extrapolable a un horizonte global de violencia y sufrimiento. En palabras de la autora “En Centro América, la primavera es eterna, así como el conflicto y la lucha. Vivimos empantanados. Para cruzar Centro América hay que cruzar la muerte y entonces, se llega a la vida”.
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Xochiquetzal y Mictlancihuatl. Rurru Mipanochia (2016). (México). ( 2 ) La ilustradora y fanzinera representa a dos deidades prehispánicas. Explora las relaciones entre los cuerpos y las prácticas sexuales considerados socialmente como abyectos, y la mitología precolombina, con un rico imaginario lleno de fantasía y colorido. Trabaja desde las disidencias sexuales para poner en tela de juicio el estereotipo de belleza impuesto a través de los medios, así como, también, algunos ritos sexuales que se practicaban entre mexicas y mayas. Desafía a repensar el cuerpo, a reorientar la mirada mediante la exploración de lo propio, de lo individual y, a su vez, a través de lo ajeno, a reivindicar las identidades diversas. La amenaza. Elio Rodríguez (2016). (Cuba). ( 3 ) De la serie Con la guardia en alto, un conjunto de imágenes digitales, en las que tomando como base el lenguaje publicitario, introduce elementos perturbadores que desestabilizan el orden mediático y desafían la visualidad hegemónica que se constituye en prácticas regulatorias de producción de existencia. Se trata de una crítica encarnada que surge de la propia experiencia como sujeto “inmigrante y negro”. Subvierte los códigos con los que se enuncia el poder del Estado, adueñándose del lenguaje y de la imagen a través de la ironía y de la parodia. El potencial simbólico de la cita logra evidenciar el régimen de visibilidad e invisibilidad que este instituye. El mismo lenguaje que deshumaniza al sujeto y lo construye en la exclusión y en la marginalización es el que contiene el germen de nuevas posibilidades de enunciación: imágenes que articulan críticamente lo que significa “habitar el mundo” e “inhabitarlo”, desde su experiencia personal, debido al modo en que se construyen los cuerpos, se organiza el espacio, se promulgan las leyes y se estructuran las políticas del Estado. Ecosex Wedding (videoperformance). Annie Sprinkle y Elizabeth Stephens (2018). (EEUU). ( 4 ) A modo de collage, recrean sus performances de bodas ecosex en las que han implicado a miles de colaboradores y participantes en ocho países. Forma parte de un nuevo campo de investigación “Sexecology”, en el que exploran los lugares donde la sexología y la ecología intersectan en la cultura, en el arte, la teoría, la práctica y el activismo. La idea surgió cuando el Tribunal Supremo de California dictaminó que las parejas del mismo sexo no podían estar legalmente casadas. Entonces, como activistas “Occupied Weddings”, organizaron catorce bodas en el transcurso de varios años y países, a las que asistieron más de tres mil quinientas personas. Cada año han incorporado un tema y un color de los chakras. En sus invitaciones de boda no piden regalos materiales. En su lugar, invitan a la gente a colaborar con en la creación del evento. En la exposición participan, también, el colectivo INVASORIX (México) con la pieza sonora ¿Les duele la cara de ser tan güerix? (2018) y la ilustradora y fanzinera Gelen Jeleton (España) con “bellum Europa”, no era “la bella Europa”. Y me equivoqué dos veces. (2018).
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arte basado en proyectos y actos de exhibición
2016/2017 E La iniciativa tiene como objetivo mostrar la obra de artistas extranjeros que colaboran con la Facultad de Bellas Artes de la UMH
l Proyecto expositivo Plan Z, promovido por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Miguel Hernández (UMH) de Elche y en el que participa el Ayuntamiento de Altea, tiene como objetivo mostrar la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras con las que colabora la Facultad. Se trata de una iniciativa que forma parte del Plan de Internacionalización, promovido por el Vicerrectorado de Relaciones Internacionales de la UMH y se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas, en las que cobra protagonismo el concepto de proyecto, cuentan con un soporte replicable a partir de formatos digitales, de modo que las creaciones no se transportan y pueden montarse incluso sin la presencia del autor. El comisario de las exposiciones ha sido el también decano de la Facultad de Bellas Artes de la UMH, José Vicente Martín Martínez, y el profesor Miguel Lorente Boyer ha sido coordinador del proyecto. José Vicente Martín Martínez explica el cambio de paradigma que supone en las prácticas artísticas la transición del arte basado en el objeto al arte basado en proyectos y actos de exhibición. José Vicente Martín Martínez ha trabajado con la Galería Buades de Madrid (1992-1997), la Galería La Nave de Valencia (1997-1999) y la Galería Muelle 27 de Madrid (2003-2006) y es miembro del colectivo La Mutua Artística, en cuyo contexto desarrolla proyectos colaborativos e interdisciplinares. Como investigador, ha estudiado los antecedentes del arte moderno en el contexto de la relación entre romanticismo y vanguardia. En los últimos años, se ha dedicado al estudio de los dispositivos ópticos pre-fotográficos y de las relaciones entre la imagen analógica y digital, sobre los que se basa su trabajo artístico actual.
El proyecto Plan Z contempla obras que representan la transición del arte basado en el objeto al arte basado en el proyecto y actos de exhibición ¿Por qué esta transición supone un cambio de paradigma en las prácticas artísticas? La socióloga francesa especialista en arte Nathalie Heinich propone la transición del arte basado en el objeto al arte basado en el proyecto como un cambio de paradigma e incluso pone ejemplos de cómo ambas tendencias perviven. Desde los orígenes del arte moderno, con el inicio del romanticismo y el realismo (principios del siglo XIX), se empieza a otorgar protagonismo a los elementos que forman parte del proceso. Y esa dialéctica entre el proceso, proyecto y objeto se desarrolla a lo largo de toda la transición entre el arte moderno y el arte contemporáneo. Con la llegada del concepto de “serie” y la capacidad de reproducción de las obras, se ha ido abandonando el objeto y ahora predomina el concepto de proyecto. En este tipo de prácticas artísticas lo importante ya no es que el arte se materialice de una manera determinada, ya sea mediante fotografía, video, pintura... Sino que haya una idea o historia bien definida. Por ejemplo... Cuando explico el concepto de la teoría narrativa en el Máster Universitario en Proyecto e Investigación en Arte hago hincapié en la diferencia entre discurso e historia. La historia es el marco de todos los acontecimientos que pueden ocurrir y el discurso es su concreción. Por ejemplo, en la saga de La guerra de las galaxias, la historia es todo lo que ocurre en ese universo ficcional, mientras que el discurso puede ser un cómic, una película, el libro... Y esa relación entre historia y discurso es la que se da entre la historia y la materialización del proyecto. De hecho, el proyecto tiene que ser definido en términos de relato. Por ello, cada vez se exige más a los estudiantes y artistas que definan la obra en términos de su explicación conceptual o discursiva, que es lo que hace las veces de historia, de marco general, pero luego su concreción en un objeto artístico o en otro ya no es tan importante, sino que lo relevante es que la historia esté bien definida. El discurso puede ser uno u otro, pero el relato, el marco conceptual, es lo fundamental.
José Vicente Martín Martínez Comisario de las exposiciones del proyecto Decano de la Facultad de Bellas Artes UMH expositivos. De hecho, algunas de las obras expuestas fueron adaptaciones de obras anteriores de los autores, acondicionadas a un soporte u otro, a un entorno u otro. ¿Son las obras las que se adaptan al entorno? Antes, el concepto de diseño expositivo consistía en que el espacio se acondicionaba a los objetos, pero ahora es totalmente al contrario. Es el objeto el que se adapta al espacio expositivo. Y se aprecia un predominio de las instalaciones, que hasta el momento eran un subgénero de la escultura, pero han cobrado un gran peso en el panorama artístico contemporáneo. Todas estas características propias del arte basado en proyectos han confluido de una manera exitosa en el arte contemporáneo. Los instrumentos de legitimación del arte actual, es decir, las galerías, las bienales, los museos, premios, etc. están reconociendo obras que tienen esa idea de proyecto y exhibición.
Se invitó a los autores a generar sus exposiciones mediante archivos digitales e instrucciones remitidas por internet
¿Cambia este protagonismo de la historia el peso de la autoría, de la firma? Lo que ocurre es que se percibe el paso de la importancia de que el objeto esté hecho por la mano del artista, autógrafo, a que no necesite estar hecho por él. Y esto nos lleva a todas aquellas obras que están concebidas por un autor pero luego materializadas por artesanos o asistentes. Y eso no les quita valor, no es importante que la obra haya hecho físicamente el artista. Además, se aprecia la importancia del formato digital que precisamente lo que permite es la replicación y diluye el concepto de original. Y esta capacidad de diluir la obra y de convertirla en algo polimorfo necesita que se concrete, que se fragüe en un acto de exhibición. Porque la exhibición es aquello que, en cierta manera, le da existencia.
De ahí la suma importancia de la concreción de las instrucciones de creación de la obra en el catálogo. Sí, y esta idea está conectada con la reproducción digital y es algo que se percibe en todas las obras que se han exhibido dentro del Proyecto Plan Z. No ha sido necesario que la obra fuera transportada, por el contrario, lo que se envía son las instrucciones o una réplica en digital que permite reproducirla. De manera que ni siquiera es necesario contar con la presencia del autor. No obstante, en el caso de los artistas invitados bajo el paraguas del Plan Z, sí que pudimos contar con su presencia en la Facultad, en la que ofrecieron talleres y sesiones que enriquecieron a nuestros estudiantes. Esto fue gracias a las ayudas del Vicerrectorado, pero las exposiciones hubieran podido desarrollarse igualmente sin la presencia de los artistas, a partir de sus indicaciones, precisamente por tratarse de obras basadas en el proyecto y en las características propias de este tipo de trabajos
Se percibe también el predominio de diferentes técnicas y medios en la misma obra. Es otra de las características propias del devenir del arte contemporáneo y es un tipo de formación en la que hacemos mucho hincapié entre nuestros alumnos: que sean capaces de enunciar el mismo concepto con distintos recursos medios o técnicas. La formación ahora está dirigida, porque así lo demanda el contexto, a que el futuro artista tenga capacidad de formular el relato en discurso y medios distintos. El Proyecto Plan Z se plantea como un trabajo abierto. ¿Habrá por tanto un catálogo 2018/2019 que recoja de nuevo las obras de los artistas internacionales que colaboren con la Facultad? Esa es nuestra intención, darle continuidad a este proyecto, porque ha resultado muy enriquecedor para ambas partes, tanto para los propios artistas invitados como, sobre todo, para nuestros alumnos. Lo cierto es que el proyecto ha conllevado un gran esfuerzo y ahora nuestra intención es mantenerlo, incorporando a otros compañeros y dándole continuidad. Son muchas las acciones derivadas de la iniciativa, desde conferencias, que aparte se grabaron y están a disposición del alumnado, como talleres y exhibiciones. No hay duda de que por parte de la Facultad se ha obtenido un gran provecho de la iniciativa, una experiencia muy enriquecedora que ha recompensado el importante esfuerzo empleado.
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A través de la capacidad de réplica, proyección e interpretación del arte contemporáneo y de su simbiosis con las nuevas tecnologías, se invitó a los artistas a generar sus exposiciones mediante archivos digitales e instrucciones remitidas por internet. Las obras, con características distintas entre sí tanto formal como conceptualmente, fueron exhibidas en en la Sala EspaciØ del Palau Altea y han quedado recogidas en el catálogo del proyecto expositivo PLAN Z 2016/2017. Los artistas colaboradores fueron: Daniel Laskarin, Simon Lewandowski, Carl-Erik Engqvist, el grupo brook & black, Emily Hermant y Micael Norberg.
Enlace a la publicación del catálogo: http://campusaltea. edu.umh.es/wp-content/ uploads/sites/1104/ 2018/04/PLANZ_ digital-.pdf
EMILY HERMANT,
Emily Carr University of Art + Design (Canadá)
DANIEL LASKARIN,
Universidad de Victoria (Canadá)
Hermant es una artista interdisciplinar cuyas esculturas, dibujos e instalaciones a gran escala exploran temas relacionados con la comunicación, el género, el trabajo y las experiencias espaciales del cuerpo. Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en museos, galerías y festivales y ha aparecido en multitud de publicaciones. Actualmente, es profesora asistente en la Audain Faculty of Art de la Emily Carr University of Art + Design.
Laskarin investiga las formas en las que el arte puede proporcionar experiencia sensorial al pensamiento, creando un puente entre la sustancia y lo que no puede describirse con palabras. Entre los diversos medios que utiliza se encuentra la fotografía, el vídeo, la óptica, los sistemas robóticos, las instalaciones y el sonido. Ha trabajado en el diseño de escenografía, proyecciones en espacios públicos y encargos a gran escala.
www.laskarin.ca
9 de Noviembre de 2016 Canción para mi padre, 2016, dos proyecciones de video sincronizadas con una misma banda sonora, medidas variables.
www.emilyhermant.com
9 de Noviembre de 2017 Vacilaciones (Altea/Vancouver). Proyección de vídeo y audio.
BROOK & BLACK,
Oxford y Londres (Inglaterra)
SIMON LEWANDOWSKI, Universidad de Leeds (Reino Unido)
brook & black es un grupo de artistas cuyo trabajo se desarrolla mediante un proceso de investigación, diálogo y creación compartidos. Han realizado residencias y encargos para instituciones artísticas internacionales en los que el proceso y las obras resultantes responden a obras históricas específicas provenientes de las colecciones y el contexto de estos mismos museos. Trabajan también en asociación con comunidades vecinales, planificadores y arquitectos para realizar trabajos permanentes y temporales en el ámbito público.
Lewandowski es codirector de Wild Pansy Press, un grupo de artistas que trabaja de modo colaborativo con sedes en Leeds y Londres. Son comisarios, editores y creadores de obras experimentales que utilizan las prácticas de la lectura, escritura y publicación como su medio y/o contenido. Además, es profesor en la Escuela de Bellas Artes, Historia del Arte y Estudios Culturales de la Universidad de Leeds, donde también desempeña el cargo de coordinador de Movilidad.
www.lewandowski.lowtech.org
15 de Noviembre de 2016 Trabajo para lectores y escritores, performance / diversos medios.
22 de Noviembre de 2017 Ubicaciones en el tiempo. Videoinstalación doble canal.
MICAEL NORBERG, Universidad de Umeå (Suecia)
CARL-ERIK ENGQVIST,
HUMlab de la Universidad de Umeå (Suecia)
Norberg explora su entorno cercano y temas próximos a su persona. Su arte y métodos pueden ser vistos como documentales y a menudo están limitados dentro de un tiempo, espacio y lugar específicos. Su obra se basa en medios audiovisuales, texto y fotografía. Estudió a principios de los años 90 en la Academie of Fine Art de Trondheim, Noruega: en la Koninklijke Academie van Beeldende Kunst en La Haya, Holanda; y la Academy of Fine Arts en Umea, Suecia; y ha expuesto su trabajo desde entonces a nivel nacional e internacional. Como profesor, ha estado enseñando arte contemporáneo en el contexto académico desde 1996.
Engqvist es un artista contemporáneo y el director artístico de Humlab, un laboratorio interdisciplinar de humanidades digitales ubicado en Umeå, Suecia. Desde 2006, ha trabajado activamente con problemas, cuestiones y perspectivas relacionadas con la inteligencia artificial, la robótica, la nanotecnología, la biotecnología, los videojuegos y los mundos virtuales. Actualmente, se encuentra inmerso en múltiples proyectos para discernir el uso artístico y los riesgos que implica la inteligencia artificial y los algoritmos de aprendizaje profundo.
www.visionaryexistence.com
www.axisweb.org/p/brookandblack
22 de Noviembre de 2016 Fin del desarrollo, exposición de videojuego, 2016.
www.micaelnorberg.com
29 de Noviembre de 2017 En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivía directamente se ha reducido a una representación. Video monacal, 07.20 min. en bucle, alta definición, blanco y negro, sin sonido.
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ALTEA, LA INSPIRACIÓN DEL ARTE
Una calle, un acantilado o una ventana se convierten en algo inspirador en lugares con encanto, como es el caso de Altea. Con playa, edificios emblemáticos o el paseo marítimo, la población alicantina constituye un lugar idóneo para desarrollar proyectos artísticos. Así lo hacen cada año seis estudiantes de distintas Facultades de Bellas Artes de España, gracias a la Residencia Artística Altea, impulsada por la Universidad Miguel Hernández de Elche.
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l proyecto Residencia Artística Altea nació en 2014 cuando los profesores de la Facultad de Bellas Artes de la UMH Iván Albalate y José Antonio Hinojos pensaron en impulsar un proyecto que uniera arte y paisaje. Además, estimaron la importancia que tendría para la localidad y la Facultad. A partir de ahí, se suscitó la firma del convenio entre la Universidad Miguel Hernández de Elche, la Fundació Caixaltea y el Ayuntamiento de Altea para poner en marcha el proyecto. El programa Residencia Artística Altea incluye una beca de manutención y alojamiento para los estudiantes visitantes y es un proyecto en el que “prevalece la idea de convivencia y espacio compartido, también, de aprendizaje, colaboración y producción de un proyecto artístico durante un periodo y un espacio determinados”, explica el profesor José Antonio Hinojos, coordinador y director del evento. Además, esta iniciativa pone en valor los entornos paisajísticos de la zona, a través de su observación, estudio y reflexión por parte de los estudiantes seleccionados. De esta manera, la actividad artística generada funciona como bisagra que une y canaliza el paisaje como realidad viva y compleja, con unos valores simbólicos e identitarios. Con ello, se trasvasa su concienciación, apreciación y reconocimiento a la comunidad social que lo habita, contempla y transforma. La diferencia entre la Residencia Artística Altea y otras similares lanzadas por el resto de la península es que solamente seis estudiantes pueden disfrutar de ella. Durante 20 días, los alumnos becados pasean por las calles alteanas con el fin de plasmar la geografía, la cultura y la sociedad de esta villa marinera en dibujos, pinturas o esculturas. “Desde un principio nos planteamos la posibilidad de seguir la modalidad de otras becas de paisaje nacionales, donde se selecciona a un estudiante de cada facultad de Bellas Artes de España, pero decidimos por razones cualitativas y de gestión que fuera una selección de seis, quedando reservadas en cada edición una de las candidaturas para los estudiantes de nuestra Facultad de Altea”, afirma el profesor Hinojos. La duración del periodo de la beca ha sido otro punto importante que ha evolucionado a lo largo de las ediciones. En la actualidad, la beca se desarrolla durante 20 días. “Las tres primeras ediciones de la Residencia se desarrollaron en dos semanas, durante las cuales el ritmo de trabajo fue frenético e intenso. Tras una evaluación posterior pensamos en modificar el formato y ampliamos el periodo de estancia a tres semanas”, explica Hinojos. Además, añade: “Aún así resulta complicado no sentir una cierta presión para coordinar y supervisar los proyectos, fotografiar las obras, diseñar los catálogos y organizar la exposición final, tareas que realizamos de manera colaborativa y sinérgica con el grupo de seis artistas que acaba formándose en cada edición”.
José Antonio Hinojos e Iván Albalate Profesores de la Facultad de Bellas Artes de la UMH
les. Algunos becados trabajan la fisonomía del territorio, plasman el ambiente y la luminosidad propias de esa época, otros eligen aquellos elementos más simbólicos del entorno urbano, los espacios abiertos del litoral o los puntos más elevados como las siluetas de las montañas que rodean Altea. Incluso en algunos casos se entrelazan los mundos personales e interiores de cada estudiante con el paisaje como escenario y excusa para ser exteriorizados. El paisaje que presencian los estudiantes y la multitud de lugares por donde pasear, rebuscar y contemplar, mientras indagan en su arqueología, geografía, topografía, botánica, meteorología les orienta sobre qué camino podrán llevar sus proyectos artísticos. “Al fin y al cabo el paisaje se encuentra, se construye como vivencia en el diálogo entre el observador y lo observado, y para ello la memoria, las emociones y el conocimiento son nuestros mejores aliados” explica el profesor Hinojos. Además, los coordinadores ven en el paisaje de Altea una serie de cualidades que lo hacen idóneo para poder abordar este proyecto artístico. “El paisaje como concepto no solo aborda los aspectos naturales del espacio, sino también toda aquella acumulación de hitos, monumentos, arquitecturas o caminos, que como redes de significado configuran un palimpsesto que se ha ido acumulando y transformando por una cultura y un pueblo a lo largo de su historia”, afirma Hinojos.
El programa Residencia Artística Altea incluye una beca de manutención y alojamiento para los seis estudiantes seleccionados
Los estudiantes suelen llegar a Altea el mismo día de inicio de la Residencia, generalmente, a comienzos de septiembre. Tras su recibimiento por parte de los coordinadores, Hinojos y Albalate, se les acompaña y guía durante los primeros días para que conozcan los diferentes lugares más emblemáticos de la localidad y visitan además la corporación municipal del Ayuntamiento y a los responsables de la Fundació Caixaltea como partes integrantes del proyecto. Tras estas visitas protocolarias, los estudiantes comienzan a construir sus proyectos y establecen su lugar de trabajo en los espacios urbanos de la localidad, en entornos naturales cercanos, así como en los talleres y aulas del Campus de Altea. Sin embargo, aunque los seis estudiantes observan y tienen al alcance los mismos paisajes, cada uno trabaja su proyecto de forma diferente, a través de un lenguaje y metodología persona-
Tras haber pasado el periodo de convivencia, formación y ejecución de los proyectos, el evento se completa con la organización de una exposición colectiva, en un espacio ofrecido por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Altea. Además, los coordinadores y los estudiantes se encargan del diseño y maquetación de un catálogo en el que se registra una selección de los proyectos e imágenes de la estancia, el cual también se imprime y se publica digitalmente en cada edición. Para los estudiantes esta beca supone una experiencia emocional, formativa y profesional difícil de olvidar. Además, estos aspectos positivos recaen también sobre la localidad en muchos ámbitos. Por un lado, como actividad artístico-cultural, se
produce una interacción entre sus habitantes, el entorno y los becados, permitiendo la relación necesaria entre la comunidad universitaria y su realidad externa más cercana que, normalmente, cohabitan de manera separada. Por otro lado, está la importancia que tiene la promoción de la localidad, sus paisajes, patrimonio y cultura, al mismo tiempo que estudiantes de otras provincias descubren el campus de Altea. Hasta la fecha, 30 estudiantes han podido disfrutar de la experiencia. Se han llevado a cabo proyectos con diversas técnicas y metodologías. Se han trabajado el dibujo, la pintura, la instalación y la escultura. Tras este periodo, muchos de los estudiantes becados por la Residencia Artística Altea han obtenido importantes reconocimientos y premios a nivel nacional a lo largo de su carrera artística
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