TĂtulo de ejemplo
El Arte Heleno.
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La cultura griega ha sido siempre un referente indispensable en la historia del arte. El periodo griego o helénico se comprende del año 1000 a. C. Al 30 d. C.
Características generales que permanecen durante todos los periodos del arte griego: • Búsqueda y libertad de movimientos para escoger los temas a representar en la escultura, por lo que dejan de ajustarse a reglas y convicciones políticas o religiosas. • El tema principal de todas sus representaciones artísticas es “el hombre”. • No el hombre rey, noble, sacerdote o soldado sino simplemente el hombre como tal. Por lo tanto eliminan todo tipo de insignias, cetros, adornos simbólicos y/o vestimentas solemnes para representar a los personajes “retratados”.
El arte heleno (etapas)….
Período Arcaico o Antiguo (700-480 a. C.), va desde el medioevo helénico hasta las guerras médicas. Periodo clásico (480-323 a. C.) que va de las guerras médicas hasta la muerte de Alejandro Magno. Periodo Helenístico (323-30 d. C.) comprende desde al muerte de Alejandro Magno hasta la conquista de Egipto y la progresiva fusión con Roma.
• Los griegos buscan representar lo cercano, lo familiar, lo humano por lo que sus modelos son cualquier humano no importando su rango o situación. • En cuanto a las construcciones, éstas dejaran de estar rodeadas de símbolos misteriosos (como las pirámides de Egipto) y se hacen más armoniosas, simples y tratan de completarse con el paisaje circundante.
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Escultura en el período Arcaico.
Características de los kuroi
Se va a dar a lo largo del s.VI hasta principios del S.V.
• Figuras desnudas en paradas con actitud de marcha, adelantando un pie
Tipos escultóricos representados
• Brazos pegados al cuerpo, dando sensación de bloque (rigidez/ hieratismo)
Los Kuroi
• Sin rasgos personales.
• Kuros (plural kuroi del griego) es una estatua de un varón joven, fechada a partir del período arcaico del arte griego (sobre 650 al 500 a. C.) • Esculturas de carácter votivo de atletas triunfadores. • Jóvenes atletas desnudos de influencia cretense y egipcia en cuanto a la posición del cuerpo, el largo cabello trenzado y las duras expresiones.
• Marcan la frontalidad
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Anatomía
Ojos prominentes, grandes y salientes / orejas muy grandes.
Pelo largo y que cae por la espalda y a veces también por delante del pecho formando tirabuzones también muy geometrizados.
Boca lineal ligeramente curvada hacia arriba intentando una sonrisa, es la llamada sonrisa arcaica.
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Las Korai (koré en singular) Al igual que los que los kuros las korai son figuras que responden a los mismos convencionalismos del período arcaico: la rigidez; la frontalidad; el hieratismo y la sonrisa arcaica. Pero a diferencia de los hombres están vestidas, pues la mujer en este período nunca se representa desnuda, como se hará después en el clásico. Cabe mencionar que los griegos no estaban muy interesados en el cuerpo femenino. A diferencia de nuestra era el ideal de belleza que resumía la belleza absoluta y los ideales de orden perfección y armonía era el cuerpo masculino. Encontradas en tumbas y santuarios, las korai representan sacerdotisas y en ellas se pueden observar de manera clara la moda de la época y la pérdida gradual de la simetría y rigidez.
Aparecen vestidas, envueltas en una larga y ceñida túnica (chiton), encima de la cual hay un ancho manto (himation) o un corto chal (peplos).
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Estas prendas forman infinidad de pliegues, dispuestos en paralelo, en zigzag o en abanico y más adelante el tejido de sus ropas se irá ajustando con mayor naturalidad al cuerpo. Suelen tener una mano libre y la otra la llevan a la cadera, con la que se levantan coquetamente el vestido.
Algunas portan en la cabeza un cesto. En el rostro prende la misma sonrisa arcaica y ojos almendrados que en los kuroi y el pelo cae en largas trenzas dispuestas en zigzag, y al igual que su paralelo masculino el kuros. manifiesta una gran influencia de la escultura egipcia.
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Dama de Auxerre (una de las primeras) Manifiesta una gran influencia de la escultura egipcia.
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Arte Griego Período Clásico. Se conoce como periodo clásico al que se desarrollo al finalizar las guerras médicas en el año 480 a. C. hasta el año 323 a.C. con la muerte de Alejandro Magno. (Siglos V y IV) En el periodo tanto la vida política como el arte llegan a su máximo desarrollo, los monumentos y templos que habían sido destruidos por las guerras, ahora serán reconstruidos bajo la dirección de Pericles de forma más majestuosa y con gran nobleza.
Escultura Clásica. Las esculturas de esa época que actualmente conocemos y que se guardan como grandes tesoros en los mejores Museos del mundo son reproducciones hechas tiempo después por los romanos, pero gracias a estas copias de segunda mano nos podemos dar idea de las más famosas obras maestras del arte griego. Los artistas buscan dar mayor movimiento a las figuras así como que disminuye la importancia del lineamiento, de esta forma buscan renovar el estilo arcaico.
“El Discóbolo” realizada por Mirón. La importancia de esta escultura radica en la forma tan real de representar el movimiento, el gran historiador del arte E. H. Gombrich lo describe así:
Gracias a su representación de la divinidad, el pueblo griego vio renovada su relación con ésta.
“ El joven atleta está representado en le momento en que se dispone a lanzar el pesado disco, Se ha inclinado y balancea el brazo hacia atrás para poder arrojar aquél con la mayor violencia. En el instante siguiente dará un paso hacia delante y lo dejará ir, impulsando le lanzamiento con un giro del cuerpo. La actitud parece tan natural que los deportistas modernos la han tomado como modelo y han tratado de aprender de ella el estilo griego de lanzar el disco con exactitud, Pero esto resultó se menos fácil de lo que esperaban. Olvidaron que la estatua de Mirón no es un fotograma de un documental deportivo, sino una obra de arte.”
Además de dioses se conoce que los artistas de esta época incursionan en el trabajo del cuerpo humano mostrando los músculos, huesos y sobre todo un gran movimiento en toda la figura.
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Escultores Famosos del período clásico. Fidias (Atenas, h. 490 a.C.-, 431 a.C.) Escultor griego. Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. Vivió en la época de Pericles, estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad, que se convirtió en el principal protector de Fidias, quien básicamente trabajó en y para Atenas. Fidias sobresalió tanto en la escultura exenta como en el relieve. Además de la Atenea para el Partenón, Fidias realizó otra estatua criselefantina, ésta para el santuario de Olimpia: la efigie de Zeus, incluida por los antiguos entre las siete maravillas del mundo. Era una estatua sedente del dios, 12 metros de altura, con grandeza y majestuosidad; conocida a través de reproducciones en monedas y joyas. Pero lo que engrandeció su nombre y ha mantenido inalterada su fama a través de los siglos son las esculturas del Partenón. Fidias y su taller se ocuparon de la decoración escultórica, que incluía un friso en bajorrelieve de unos ciento sesenta metros de longitud, dos frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en altorrelieve. “Atenea Lemnia”, escultura de bronce, nos ha llegado la copia romana en mármol. Fue encargada a Fidias por los habitantes de la Isla de Lemnos.
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En el 438 a.C. se consagró la Atenea Partenos, la obra que le significó la fama. La patrona de Atenas está representada en esta estatua de nueve metros de altura como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad. La obra, perdida, se conoce a través de copias de tamaño mucho menor.
Frontón Este del Partenón: "Nacimiento de Atenea", que surge de la cabeza de su padre, Zeus. Aparecen las Parcas.
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Metopas en altorrelieve. Partenón . Fidias (Centauromaquía)
Según la mitología griega, los centauros fueron convidados a la boda de su primo Piritoo, rey de los lapitas. Hasta ese momento, los centauros jamás habían consumido vino, de forma que durante el banquete nupcial acabaron borrachos. La ebriedad terminó por desatar en ellos las más bajas pasiones. Trataron de violar y raptar a la propia novia, Hipodamia y a algunas de las mujeres que asistían al banquete. Se desencadenó así una cruenta lucha entre los lapitas que acabaron triunfantes, y los centauros, muchos de los cuales perdieron la vida en el combate. Este tema mitológico, que viene a querer representar la existencia en el espíritu humano de una doble naturaleza (la del instinto y las pasiones brutales de los centauros y la de la razón y los valores más humanos, de los lapitas) es el tema que se representaba en las 32 metopas del lado sur del Partenón, en las que se narra el cruel enfrentamiento entre los dos grupos. Metopa sur Partenón. Lucha centauros y lapitas.
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Técnica de los paños mojados. Parcas. Frontón este Partenón. Representa a las Parcas asistiendo el nacimiento de Atenea.
Obra realizada en mármol entre el 447 y el 432 a.C
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Policleto. (Argos o Sición, actual Grecia, h. 480 a. C.-?) Escultor griego. Se formó en la tradición de los broncistas de Argos y realizó casi todas sus obras en este mismo material. Policleto fue, un gran especialista en la plasmación escultórica de la belleza del cuerpo humano. Fue, junto con Fidias, la gran figura de la escultura griega del siglo V a.C. Denominada “el canon”, el autor aplicó en ella el sistema de proporciones de la figura humana que consideraba ideal; conforme a ello, la cabeza equivale a la séptima parte de la altura del cuerpo (el cuerpo es 7 veces la cabeza). La posición corresponde al llamado contraposto: el peso se apoya en la pierna derecha y el brazo izquierdo sostiene la lanza, mientras los miembros opuestos permanecen relajados.
El Doríforo (El que porta la lanza).
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Diadumenus Representa a un atleta que, tras la competición, se ciñe la cinta de la victoria en la cabeza. Esculpida probablemente hacia el 420 a.C., la composición de la figura, también con proporciones conforme al canon y en contraposto, presenta un equilibrio de movimiento y quietud y produce, con la elevación de los brazos, una notable sensación de ingravidez.
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Escultores del siglo IV. Praxíteles (Atenas, siglo IV a. C.) • Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a. C. en Atenas y se sitúa casi al mismo nivel de fama y prestigio que la de Fidias en el siglo anterior. • Sentó las bases para el posterior desarrollo de la escultura helenística. • Prefirió como material el mármol, más que el bronce.
Hermes con el niño Dioniso (encontrado en 1877 en Olimpia) En esta escultura el tema está tratado de manera anecdótica y es una representación fugaz de un momento con un contenido humano y afectuoso. Se localizó en el templo de Era en Olimpia.
• Se mantuvo en la línea de sus antecesores por su elección como modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada.
• Expresión naturalista y figurativa
• Evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los sentimientos.
• Dulcificación de la musculatura
• Gozó de un gran prestigio desde sus primeras realizaciones, en particular por la suavidad del modelado y la postura indolente de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje, descansando sobre un punto de apoyo. (Curva Praxitélica)
• Interés por la belleza formal • Grupo escultórico de bulto, representado de pie. • Escultura hecha en mármol. • Talla en cincel, modelado suave con superficies delicadamente pulidas que evitan las líneas rectas. Representa el momento en que Hermes lleva a su hermanastro Dionisio a quelo cuiden las ninfas, en un alto en el camino, Hermes le ofrece un racimo de uva.
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Afrodita de Cnido Estatua de tamaño natural de la diosa en la que por primera vez se la representa desnuda. 360 a.C. Mármol. Primer desnudo femenino integral en la historia del prolífico arte griego, en contraposición al elevado número de desnudos masculinos. El asombro que su belleza causó fue tal que, pese a su condición de imagen de culto, se pensó enseguida en su contemplación estética. El primer ideal de un cuerpo femenino basado precisamente en una anatomía femenina, y no, como en la época de Pericles, en una estructura corpórea de varón. Afrodita muestra una expresión equívoca, ausente e indolente, parece haber sido cogida “in fraganti” y se cubre el pubis con una mano.
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Apolo Sauróctono
El Sátiro en reposo
Representa al joven Apolo inclinado y contemplando el tronco del árbol, más bien el lagarto que sube por él.
Aparece ante el espectador como un efebo inmaduro (sin vello púbico)
Lo que pretende Apolo no es sólo contemplar al lagarto sino acabar cazándolo. Esta idea es motivo suficiente para que Praxíteles coloqué al protagonista con su habitual inclinación, la conocida como curva praxiteliana.
Postura campechana Una corona de ramas de pino evoca las fiestas dionisíacas que se celebraban fuera de la polis, al aire libre Composición en forma de S
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Escopas (Escopas o Scopas; Paros, actual Grecia, s. IV a. C.) . Junto con Prexísteles y Lisipo, se le considera la tercera gran figura de la escultura griega del siglo IV a.C.). • Más interesado por mostrar el estado anímico que el físico. • Creó figuras agitadas, movimiento convulso. • Puso en los rostros una expresión de patetismo acentuada por los ojos profundamente hundidos y la boca entreabierta y una considerable intensidad dramática. • Anticipa la carga emocional propia de la escultura helenística. • Escultura de bulto redondo, exenta, realizada en mármol. • Figura femenina semidesnuda, de pie y cuerpo entero, mutilada. • Llevaba al hombro un cabrito muerto. • Representa a un tipo de “bacantes” o mujeres adeptas a los ritos dionisíacos enloquecidas por el vino y el baile en un frenesí que la contorsiona. • La exaltación de la pasión y el sentimiento. • La torsión del cuerpo, la profundidad de los pliegues y las ondas del cabello contrastan con una piel lisa y pulida. • Ruptura de los ejes armónicos de la composición, la figura se concibe para ser vista de lado. • La estructura compositiva es abierta, la curva que marca el cuerpo, aumenta el intenso movimiento que agita la figura trasmitiendo un mayor grado de sensualidad. • Movimiento se acentúa gracias al trabajo profundo de los pliegues que crean violentos contrastes de luz y sombra. • Destaca por un perfecto estudio anatómico. • No busca la belleza arquetípica.
• La ruptura de principios como el equilibrio o la armonía. • Nueva concepción expresiva: exalta el sentimiento y abandona el idealismo clásico.
Ménade furiosa o Ménade danzante Un baile enloquecido por el vino, un cuerpo contorsionado, delirante, irracional. Escultura de bulto redondo, exenta, realizada en mármol, figura femenina semidesnuda, de pie y cuerpo entero, mutilada, llevaba al hombro un cabrito muerto. Representa a un tipo de “bacantes” o mujeres adeptas a los ritos dionisíacos, enloquecidas por el vino y el baile en un frenesí que la contorsiona, la exaltación de la pasión y el sentimiento. La torsión del cuerpo, la profundidad de los pliegues y las ondas del cabello contrastan con una piel lisa y pulida.
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Ruptura de los ejes armónicos de la composición, la figura se concibe para ser vista de lado. La estructura compositiva es abierta, la curva que marca el cuerpo, aumenta el intenso movimiento que agita la figura trasmitiendo un mayor grado de sensualidad. Movimiento se acentúa gracias al trabajo profundo de los pliegues que crean violentos contrastes de luz y sombra. Destaca por un perfecto estudio anatómico. No busca la belleza arquetípica. La ruptura de principios como el equilibrio o la armonía. Nueva concepción expresiva: exalta el sentimiento y abandona el idealismo clásico. La obra simboliza la temática dionisíaca, representa los estados del alma relacionados con la pasión, el interior atormentado del hombre. Meleagro y el jabalí de Calidón.
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Lisipo (S. IV a.C.) Escultor griego, documentado de h. 360 a.C. a h. 305 a.C. Fue uno de los escultores más famosos de la Grecia clásica y precursor del estilo helenístico. De las 1 500 esculturas de bronce que realizó, según Plinio, no se ha conservado ninguna, pero se conocen algunas de sus creaciones a través de copias helenísticas y romanas. Entre las múltiples novedades escultóricas que incorpora la obra, destaca sobremanera su peculiar tratamiento del canon, todavía más estilizado que en Policleto, al reducir ligeramente el volumen de la cabeza, lo que genera una mayor esbeltez de conjunto.
Alejandro Magno por Lisipo (copia romana)
Apoxiómeno es la estatua de un atleta, representada en un momento nada heroico, no es la representación de un atleta victorioso. El joven atleta aparece en actitud de limpiarse con un estrígil el polvo que cubre su piel.
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Cánon
Eros tensando el arco
Afrodita de Capua
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Hermes de Atalante.
Hércules Farnesio
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ARTE HELENÍSTICO (Barroquismo vs simplicidad formal) Se denomina período helenístico (también llamado Alejandrino por Alejandro Magno). Se trata de una cultura de transición entre la griega clásica y la romana plena. La conquista de Oriente por Alejandro Magno, dio posibilidad a los artistas de ampliar su panorama en cuanto a temas y personajes étnicos diferentes a los acostumbrados en la Grecia clásica. A lo largo de estos siglos asistimos a una nueva civilización en la que se mezclan los estilos griegos y orientales.
Características del arte en este período. • Desaparecen las grandes individualidades artísticas. • Florecen talleres (o escuelas). Realizan abundantes obras de artistas generalmente desconocidos, se copian con profusión las obras la época clásica. • Afán realista que anima la escultura. • Amplia el campo temático (religioso cada vez se abandona más y abundan las representaciones de ancianos, niños, y mitología). • Representa la vejez, lo infantil, personajes exóticos. • Expresa sentimiento de angustia y dolor (expresión dramática). • Interesa el retrato (posibilidades para estudiar el carácter y la psicología individuales). • Gusto por todo lo anecdótico y alegórico. • Surgen grupos complejos integrados por varios personajes.
• El repertorio iconográfico se amplía y combina la temática de dioses y atletas con individuos de diversas condiciones sociales, en escenas dinámicas y muchas veces cargadas de gran patetismo. • El dramatismo de las escenas representa una gama muy amplia de emociones. • Se cultivan las tres edades de la vida (infancia, madurez, ancianidad), en situaciones corrientes.
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LAOCOONTE Y SUS HIJOS (Siglos II –I a.c) Patetismo, Phatos , Realismo , No belleza clásica
Toro Farnesio (II-I a.c)
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Fauno durmiendo La composición destaca la torsión del cuerpo, con figuras girando en movimiento espiral. S. II a.c. Lo que más llama la atención del fauno es su postura, como si estuviera durmiendo, pero en una posición forzada y en tensión.
Venus-Afrodita arrodillada. S. II a.c.
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Galo Moribundo La pasión y el patetismo (Escuela de pérgamo)
Victoria alada de Samotracia
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Doble suicidio de jefe galo y su esposa
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El niño de la espina (El Espinario)
Séneca, Retrato helenístico (150 a.c.)
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Alegoría al Nilo Motivos alegóricos
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Escuelas
Manifestaciones de la arquitectura griega
• Pérgamo (Galo Moribundo)
(Las principales son los Templos)
• Rodas (Victoria Alada; Grupo de Laocoonte)
ACROPOLIS o ciudadelas y recintos sagrados. En griego: ” ciudad situado en lo alto”.
• Alejandría (Alegoría al Nilo)
Arquitectura Griega Los edificios griegos eran construidos a la medida del hombre. Concebidos para ser admirados desde el exterior, dándole mayor importancia a los exteriores que a los interiores. Los griegos siempre se esmeraron en los edificios públicos, dándole poca importancia al hogar, siendo los templos y santuarios los edificios más construidos. • Material preferido el mármol. • Fachadas carecen de aberturas o ventanas. • No emplearon ni el arco ni la bóveda. • Las columnas son el elemento esencial de la arquitectura griega.
Característica de la arquitectura Griega. Generalmente, en los templos, usan plantas rectangulares. Los teatros al aire libre la tienen circular. Los muros son de sillares de piedra o mármol; no llevan argamasa en las juntas; de ahí, la precisión de su labrado. A veces, la superficie rugosa de las piedras calizas, la revestían con una fina capa de estuco.
PROPILEOS o entradas monumentales. El más importante por su magnificencia fue el de la Acrópolis de Atenas.
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ESTADIOS e HIPODROMOS. En los estadios se practicaban las carreras a pie y las luchas; en los hipódromos, las carreras de cuadrigas. Ejemplo: El Estadio de Olimpia.
TEATROS donde se hacían las representaciones teatrales seguidas por todo el pueblo. Eran al aire libre de forma semicircular y aprovechaban los flancos de las colinas para tener graderías naturales.
AGORAS o plazas públicas, rodeadas de pórticos y obras artísticas.
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Elementos de ornamentación
primer
orden
en
la
Columnas
hojas de acanto
las volutas
Una cariátide es una figura femenina esculpida, con función de columna o pilastra, con un entablamento que descansa sobre su cabeza.
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Atlantes
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Bibliografía. Gombrich, E.H. (2011). “El gran despertar. Grecia del siglo VII al V a.C” en La Historia del Arte (16 ed.), pp: 75-94. London-New York: Phaidon Press Limited.
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