ARQUITECTURA JAPONESA TYLER MITCHEL LOS FUTUROS ROSTROS DE LA LITERATURA ENTREVISTAS EXCLUSIVAS: ANNE-SHOPIE ROSENVINGE BEN JOHNSTON
THE URBAN STUFF ISSUE NO. 1 VOL. 3
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NEW YORK
https://www.nycgo.com
equipo creativo
María Cristina Barrera Ivanna López Ana Paula Cordero
colaboraciones Anne Sophie Rosenvinge Ben Johnston
locaciones
Tokio, Japón Nueva York, EUA Los Ángeles, California León, Guanajuato Florencia, Italia Universidad de las Américas Puebla
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Ben Johnson, Typography & Lettering
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Tyler Mitchell, el fotĂłgrafo que hizo historia junto a BeyoncĂŠ
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Los futuros rostros de la literatura
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Carta Editorial
Despedida
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Entrevista exclusiva Anne Sophie Rosenvnge
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Arquitectura Japonesa
APARIENCIA DESNUDA:
EL DESEO Y EL OBJETO EN LA OBRA DE MARCEL DUCHAMP Y JEFF KOONS Curador invitado: Massimiliano Gioni
VisÃtalo del 19 de mayo hasta el 29 de septiembre de 2019
MUSEO JUMEX
FESTIVAL INTERNACIONAL DEL GLOBO
UNKNOWN MAGAZINE THE CLEAN STUFF THE STYLISH STUFF THE URBAN
CARTA EDITORIAL En esta edición de Unknown quisimos darles un vistazo al mundo, a los logros de las mujeres creativas - tanto escritoras como fotógrafas - y a culturas distintas a la nuestra, como la Japonesa. Para la primera edición de The Urban Stuff nuestro equipo contactó a la fotógrafa Anne-Sophie Rosenvinge y al artista urbano Ben Johnston para entrevistarlos sobre su trayectoria y conocerlos un poco mejor -dentro, las entrevistas exclusivas-. Para nuestra sección sobre arquitectura Japonesa, nos informamos a fondo sobre la cultura, incluso uno de los miembros del equipo creativo visitó el país para poder transmitir aún mejor la cultura a través de las imágenes. Como a ti, nos interesa saber más sobre lo que sucede en el mundo del diseño y el arte al rededor del globo, pero sabemos que a veces la información es demasiada y puede ser confusa. En esta edición te presentamos un pequeño resumen de lo que consideremos que puede ser relevante para ti.
Unknown Team
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ELIZABETH UZIEBINENÉ & YOMI ADEGOKE Si hay una palabra para describir la energía que Yomi Adegoke y Elizabeth Uziebinené canalizan, no hay polución. “Estamos acostumbrados a navegar por espacios que no están necesariamente configurados para que sobresalgamos”, afirma Elizabeth sobre la decisión de hacer que la Biblia de la Chica Negra sea el subtítulo de su libro Slay In Your Lane. Yomi está de acuerdo, y si años de trabajar en los medios de comunicación le han enseñado algo sobre discutir la raza con franqueza, es “si vamos a hacer esto, tenemos que hacerlo correctamente”. Preocuparse sobre alienar a la gente es un fracaso dos-pronged, no sólo diluye su mensaje a la audiencia más amplia, sino que también tiende a socavar la demografía que estaba tratando de alcanzar en el primer lugar. Evitaron hacer ambas cosas con Slay In Your Lane. Juntas, forman el dúo de poder detrás de uno de los más zumbados sobre los lanzamientos de libros de 2018: una guía inspiradora para la vida y el éxito como mujeres negras británicas en 2018. Con clips y consejos de figuras de la industria-que abarcan tales como el autor Malorie Blackman a través del científico espacial Dr. Maggie Aderin Pocock y la presentadora Clara amfo, el libro es un centro de mujeres inspiradoras y sus historias, con el objetivo de proporcionar a la joven mujer negra las herramientas que necesitan para vivir sus mejores vidas. Ambas enfatizan su deseo de amplificar las voces de otras mujeres negras británicas. “Nos vemos a nosotros mismos como el vehículo para estas increíbles historias de mujeres.” En ese sentido, Slay In Your Lane es simplemente el primer paso para abrir un diálogo en el que la joven mujer negra no sólo se siente validada sino inspirada a persistir.
CHARLIE BRINKHURST-CUFF Es imposible que las cosas no se sientan oportunas, a raíz del Brexit, las políticas anti-inmigrantes de Trump, y por supuesto el escándalo Windrush, pero el libro de Charlie Brinkhurst-Cuff Mother Country no podría ser más necesario. Explorando tanto los efectos inmediatos como a largo plazo de una tormenta perfecta de deshonestidad política, xenofobia y amnesia selectiva, es un a-veces edificante, a menudo-desgarrador récord de multiculturalismo y maltrato de los niños de la generación de Windrush. Con 22 historias de personas como Lenny Henry, Corinne Bailey-Rae y David Lammy, las complejidades de la experiencia migrante británica se pintan vívidamente en todo el libro. “Me apasionaba mucho contar las historias de los migrantes caribeños que venían a este país, pero también perturbar y desafiar algunas de las narrativas dominantes alrededor de ese viaje en particular”. Dice Charlie sobre su propio papel en la recopilación y configuración de estas historias. Los temas centrales del libro de Charlie son intemporales y universales: plantear cuestiones de identidad y pertenencia, justicia y redención.
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CHARLIE BRINKHURST-CUFF La poeta y escritora Bridget Minamore del sur de Londres es una veterana de la escena literaria londinense. Su camino a través de la poesía – al igual que su voz escrita y hablada – siempre ha sido increíblemente natural. Desde la adolescencia, Bridget ha estado escribiendo como un hobby, participando en programas y participando en concursos, antes de recorrer y realizar su poesía en directo. Su colección de poemas, Titanic, es una colección profundamente íntima de poemas que exploran los altos y bajos de las relaciones, con toda su toxicidad moderno-día, vulnerabilidad y a menudo ambigüedad. Compuesto de 25 poemas de primera-persona cortos y titulado con referencias culturales pop agridulce, escritura de Minamore a veces se asemeja a un baño de hielo en su sorprendente pero refrescante honestidad. Los poemas de la colección fueron escritos inicialmente desde un lugar de catarsis personal, sin una audiencia en mente, y por lo que liberarlos en el mundo, sujeto a análisis y disección fue definitivamente un shock para el sistema para ella. Afortunadamente, ha hecho las paces con el hecho de que los poemas son lo que son como resultado de esto. Si hubiera sido más consciente de las cosas que la gente sacaría de ellas, quizás no habrían sido tan crudas y transparentes. Bridget reflexiona sobre la naturaleza caprichosa de usar letras de canciones como títulos y la capacidad de desprenderse de la voz en muchos de los poemas, “DWefinitivamente veo las mentiras en ellos ahora, y también la verdad. Para mí, fue el epítome de un narrador poco fiable”. Titanic es una captura en el tiempo y la fantasía.
ELIZABETH UZIEBINENÉ & YOMI ADEGOKE Llevar la cultura multi-guión a nuevos niveles, la autor, presentadora, académica, madre y ex-modelo cuenta con una impresionante formación académica en Estudios Africanos y utiliza rutinariamente su voz para basar las conversaciones de hoy sobre la raza y el género con el contexto socio-histórico. “Realmente no creo que la información y el conocimiento se deben mantener dentro de la Torre de Marfil de la academia,” Dabiri explica mientras discutimos la forma en que los debates políticos parecen desarrollarse en la era de las redes sociales en respuesta a los asuntos de actualidad y la cultura pop. Mantener nuestra historia accesible y actual es también la inspiración para su próximo libro Don’t Touch My Hair. Para las mujeres negras, el cabello ha sido fundamental no sólo para ver la belleza sino también para cuidarnos a nosotros mismos. Nacida de padre nigeriano y madre irlandesa, Dabiri creció como una joven negra en una sociedad claramente homogénenea en Dublín, donde ella dice casualmente, “si la gente trataba de ser cortés, sólo se refieren a mí como la oscura’”. Navegando por una serie de comunidades desde la infancia, Emma se fija singularmente en los matices de las relaciones de identidad dentro de una serie de espacios, y su viaje con la identidad y la belleza refleja eso. “El mundo comunica un mensaje que la belleza es de toda importancia”, la liberación de eso para Emma se ve como dos cosas: en primer lugar, como el rachazo a la obsesión natural con la belleza y las apariencias como totalmente insalubres, y en segundo lugar, la reprogramación exactamente a qué y, sobre todo, a quién se extiende esa definición.
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EL FOTÓGRAFO QUE HIZO HISTORIA JUNTO A BEYONCÉ Tiene 23 años y ha sido el primer artista afroamericano a cargo de la portada de Vogue. Su compromiso como artivista con la comunidad negra y sus fotos de las voces del movimiento anti armas #NeverAgain despertaron el interés de la cantante y la publicación.
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l número de septiembre de la edición estadounidense de Vogue, el más importante y esperado del año, no deja nada al azar. Quedó claro con The September Issue (2009), el documental protagonizado por su famosa editora jefa, Anna Wintour. En este 2018, con una larga lista de sucesos de corte racista y xenófobo que han tenido lugar en el país (la separación de las familias migrantes ejecutada por Trump, la matanza de supuesto trasfondo fascista en Parkland o la detención injustificada de dos ciudadanos negros en un Starbucks), el hecho de que la mítica publicación rompa sus propios cánones a favor de la diversidad es un hito. Con los rumores de una posible jubilación de Wintour en el aire y la previa filtración por parte de The Huffington Post afirmando que la propia Beyoncé Knowles habría tomado las riendas creativas de la elaboración del número, la pieza llega rodeada de expectación. “La voz de todo el mundo cuenta”, es el titular que deja la cantante.
Una declaración de intenciones En la que, además de hablar de su herencia cultural, sus ancestros, aceptación corporal o su embarazo, explica por qué eligió a Tyler Mitchell, de 23 años, para poner la mirada tras la cámara. “Hasta que haya un mosaico de perspectivas provenientes de diferentes etnias detrás del objetivo, seguiremos teniendo un enfoque y una visión estrechas de cómo es el mundo en realidad. Por eso quería trabajar con este brillante fotógrafo”, escribe. Aunque suene impensable y desfasado, en sus 126 años de historia, es la primera vez que la publicación deja la portada de su edición de cabecera a cargo de un fotógrafo afroamericano, como reconocen en el perfil publicado sobre Mitchell. Un hecho que resuena más al tratarse de un artista que, precisamente, trabaja en torno a la visibilidad de su comunidad.
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“Durante mucho tiempo, las personas negras han sido consideradas cosas. Hemos sido cosificados física, sexual y emocionalmente. Con mi trabajo estoy buscando revitalizar y elevar el cuerpo negro”, cuenta a Vogue.Su edad también es remarcable, con 23 años, Tyler es uno de los tres fotógrafos más jóvenes que han asumido esta responsabilidad. Irving Penn lo hizo a los 26 por primera vez en 1943, el inglés David Bailey lo hizo en los 60, también con 23. Sustituye así a fotógrafos habituales como Patrick Demarchelier y Mario Testino, ahora desterrados por la revista tras sendas acusaciones por acoso sexual. Fotografías en una casa de campo en ruinas a las afueras de Londres, con muchas flores y telas a modo de fondo, los elementos estéticos que han utilizado recuerdan a los de su posado anunciando que estaba embarazada de gemelos. En la primera portada, Beyoncé aparece con un vestido de novia de la colección Cruise de Gucci. En la alternativa repite alegato con un diseño de Alexander McQueen. Louis Vuitton y Valentino también le han prestado piezas y el diseñador masculino Wales Bonne ha creado en exclusiva para ella un traje color blanco con el que también posa. Sobre cómo ha sido trabajar con la celebridad, Tyler Mitchell confesaba a Vogue que “cuando ella se sentó delante de mí, inmediatamente, hubo el nivel de comodidad que tendrías con un amigo, lo cual fue bastante inesperado”. “Imaginarías a alguien tan famosa como Be-
yoncé como protectora de su imagen, pero en realidad era un libro abierto, y eso es exactamente lo que quieres como fotógrafo”, apuntaba a la revista. Fue su trabajo para Teen Vogue fotografiando a Emma González y a otros jóvenes activistas anti armas del movimiento #NeverAgain de todo el país, como Jazmine Wildcat, Clifton Kinnie o Nick Joseph (organizadores de la ‘March for our lives’), lo que suscitó el interés del equipo editorial. A eso se sumó su exposición en Red Hook Labs, una galería de Brooklyn que reúne cada año una selección de artistas emergentes (Dazed se hizo eco de su trabajo el pasado junio). A pesar de que The Huffington Post defendía en su artículo ya mencionado que la elección de Tyler fue a dedo e impuesta por Beyoncé, tanto ella como la propia Anna Wintour han desmontado la teoría. “El concepto y el fotógrafo eran completamente de Vogue, específicamente de Raúl (Raúl Martínez, director creativo de Condé Nast)”, dice la editora a Business of Fashion. Y la cantante reconocía haber elegido a Mitchell de entre varios artistas propuestos por su equipo. Centra su trabajo en la fotografía y el cine. Residente en Nueva York pero natural de un barrio de la periferia de Atlanta (Georgia), una ciudad con trascendencia histórica para la población negra estadounidense, Tyler contaba a Vogue que fue en su barrio donde comenzó a interesarse por capturar momentos. Comenzó con el skateboard y los videoclips, “(el skate) no es un deporte basado en la competencia, sino que prospera en la comunidad”. Después vino el compromiso retratando a la cultura joven negra de Altanta y, con su ingreso en la Tisch School of Arts de Nueva York, surgió el interés en su figura por parte de publicaciones como i-D Magazine, Office Magazine, The FADER, Teen Vogue o Vogue. En moda ya ha trabajado con firmas como Marc Jacobs, Givenchy, Converse, Nike o Ray-Ban. En uno de sus cortometrajes, American Eagle, que él mismo protagoniza contando su historia en tercera persona, Tyrel Mitchell dice: “Si pudiera hacer fotos y películas que significaran algo durante el resto de su vida, estaría feliz”. De momento debe estarlo.
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“YA NADA ES REAL. COMO SOCIEDAD, DEPENDEMOS MUCHO DE LAS FOTOS. NUESTRA ÚNICA REALIDAD ES A TRAVÉS DE IMÁGENES, ASÍ QUE VOY A CREAR LA MÍA”
“REPRESENTO PERSONAS NEGRAS Y PERSONAS DE COLOR DE UNA MANERA REAL Y PURA… HAY UNA MIRADA HONESTA EN MIS FOTOS”
Expected at Foam
Tyler Mitchell 19 April - 5 June 2019
I Can Make You Feel Good
Nacido en Canadá y criado en el sur de África, Ben presenta un sentido diverso de influencia en su trabajo: encuentra la inspiración de las pequeñas familias culturales en las diferencias sociales que se le presentan a través de sus viajes.
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ARTISTA Y DISEÑADOR MULTIDISCIPLINARIO, CREE EN UN ENFOQUE HECHO A MANO 28
1. ¿CUÁL ES TU ESPECIALIDAD? ¿POR QUÉ ELEGISTE ESO COMO TU MAYOR? ¿DÓNDE ESTUDIASTE? Estudié Diseño Industrial durante 2 años en Ciudad del Cabo, pero decidí abandonar y seguir una carrera en diseño gráfico. Después de dejar el collage, comencé a enseñarme los programas y empecé a trabajar de forma independiente. 2. ¿TE APOYÓ TU FAMILIA CUANDO LES DIJISTE QUE QUERÍAS SEGUIR UNA CARRERA EN ARTE? Mi familia siempre me ha apoyado a lo largo de mi carrera, solo querían que trabajara duro y persiguiera lo que realmente quiero hacer. 3. ¿CÓMO ENTRASTE EN LA INDUSTRIA? Cuando empecé a estudiar diseño gráfico, participé en unas cuantas exposiciones que creo que siempre es una buena manera de esforzarse para completar el trabajo y hacer que lo vean. Es importante ponerse ahí afuera y recibir comentarios cuando pueda. 4. ¿DÓNDE HAS TRABAJADO? ¿QUÉ CONSIDERAS TU “GRAN OPORTUNIDAD”? He trabajado en algunas agencias a lo largo de los años, pero ser independiente fue el mejor movimiento que he hecho. No siento que haya tenido grandes oportunidades, sino que busco proyectos que creo que ayudarán a que mi carrera avance estilísticamente. 5. ¿DÓNDE ENCUENTRAS INSPIRACIÓN PARA TUS PROYECTOS? ¿QUÉ ARTISTAS INVESTIGAS CUANDO TE SIENTES “BLOQUEADO”? Encontré inspiración fuera del estudio, así que normalmente daré un paseo o andaré en bicicleta por la ciudad. Me parece que mirar arquitectura, sombras o carteles antiguos es la mejor inspiración. 6. ¿CUÁLES SON ALGUNOS PROYECTOS ACTUALES EN LOS QUE ESTÁN TRABAJANDO? Estoy trabajando en una nueva exposición individual que tengo en mayo y también reservé algunos festivales de murales. Se perfila como un año ocupado y emocionante, por lo que espero ver cómo va todo. 7. ¿DÓNDE PODEMOS VER / COMPRAR ALGO DE SU TRABAJO? Espero publicar algunas impresiones y obras de arte este año en mi sitio web después de mi show, pero la mejor manera de mantenerse al día sobre mi trabajo o cualquier otro nuevo mural es seguir mi instagram para actualizaciones.
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arquitectura japonesa 35
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¿CUÁLES SON LAS VARIANTES DE LA ARQUITECTURA JAPONESA?
La arquitectura tradicional japonesa puede dividirse en tres categorías: santuarios, templos, y casas (aunque puede incluirse también castillos, teatros y escuelas). En cuanto a los santuarios, ha habido sitios sagrados desde tiempos inmemoriales. En Japón, así como en otras civilizaciones, el acto de adoración ha sido parte de la vida desde tiempos antiguos, y las primeras formas de arquitectura de santuario aparecieron al final del siglo VIII y principios del IX. Luego, cuando las influencias del budismo y el confucianismo empezaron a sentirse en Japón, los estilos arquitectónicos empezaron a cambiar. La segunda categoría son los templos. Junto con la introducción del budismo en Japón a mitad del siglo VI, las técnicas de arquitectura de los templos fueron importadas de Asia. Comenzando con Asukadera en Nara, los templos fueron construidos en diferentes partes del país. En los años que siguieron, las doctrinas y las creencias de prominentes sectas budistas influenciaron la construcción de sus templos, dando lugar a una más amplia variedad de estilos y formas estructurales. Dado que en más de un punto en la historia ambas religiones –sintoísmo y budismo- se relacionaron simbólicamente, compartiendo rituales, ubicaciones y estilos arquitectónicos, es frecuentemente difícil diferenciar uno de otro.
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¿SE PUEDE ENCONTRAR EL ORIGEN DE LOS SANTUARIOS JAPONESES EN LAS MONTAÑAS? A diferencia de las religiones monoteístas, como el Cristianismo o el Islamismo, en Japón existe la creencia que “yaoyorozu-no-kami” (ocho millones de dioses) habitan en la naturaleza. Por tanto, en tiempos antiguos, se creía que las montañas, los grandes árboles y rocas eran dioses, y la gente les rezaba y dedicaba ritos. Ese fue el origen de los santuarios. Los primeros santuarios fueron diseñados en un estilo único que no incluía un edificio principal (honden), aunque tenía un sitio para la adoración de la naturaleza (haiden). El santuario de Omiwa en Nara es un ejemplo de este tipo, y todo el monte Miwa ubicado en su detrás es venerado como una deidad. En las eras siguientes, se desarrolló una forma original de santuarios japoneses, en el cual se encontraba regularmente un santuario principal. Ejemplos representativos son el Gran Santuario de Sumiyoshi (prototipo del estilo sumiyoshi), son el Gran Santuario de Izumo (estilo taisha) y el Santuario de Ise (estilo shinmei).
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En el siglo VI el budismo llegó a Japón y se convirtió en una significativa religión nacional. Incluso ya desde tiempos antiguos, Japón manifestó una admiración por las cosas nuevas y la adopción de ideas foráneas. De acuerdo a las enseñanzas budistas en que las estatuas son deidades encarnadas, imágenes de Shinto fueron rápidamente producidas. También, las gráciles, onduladas curvas de los techos de los templos budistas fueron usadas para los santuarios. Es más, la doctrina del “honji suijaku”, que sugiere que los dioses japoneses son manifestaciones temporales de los budas en este mundo, igualó los dioses Shinto con las deidades budistas y ayudó a contener la oposición hacia la repentina popularidad del budismo.
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Por tanto, los santuarios sintoístas empezaron a tomar más características del budismo. Los santuarios incluyeron elementos como corredores conectando edificios, puertas de dos niveles y pagodas, así como adquirieron mayor tamaño. Sin embargo, hay todavía figuras únicas para el sintoísmo. Por ejemplo, los torii, o arcos que marcan la entrada a un lugar sagrado, o los caminos sando, que llevan en línea directa a los santuarios, los pares de komainu, los perros-leones que se apuestan como guardianes al ingreso del santuario, los grandes troncos llamados que se proyectan en forma de V, y los chigi, protuberancias en forma de cuerno ubicadas en el borde de los techos.
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¿CUÁLES SON ALGUNOS ELEMENTOS ESPECIALES EN LA ARQUITECTURA DE LOS TEMPLOS?
La historia de la arquitectura de templos japoneses comenzó con la expansión del budismo a inicios del siglo VII. Esta no tenía que ver sólo con aspectos de fe, sino también con influencias políticas, ya que el budismo favorecía una importante estructura jerárquica y centralizada, favorable a los intereses de los emperadores. Hasta el inicio del periodo Edo (1603-1867), los clavos fueron raramente usados en templos japoneses. Mientras se adoptaban patrones arquitectónicos asiáticos, los japoneses incluyeron elementos especiales en un país especialmente afectado por terremotos. Uno de ellos fue el kumimono, un soporte de vigas y pilares usado para soportar los aleros de los techos de las pagodas. Gracias a una compleja organización de gran bloque de soporte (daito) con un brazo de soporte (hijiki) insertado en él, el kumimono era capaz de soportar grandes techos, y ha soportado muy bien los embates del tiempo.
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También, los estilos Gran Buda (daibutsuyo) y Zen (zenshuyo) desarrollaron grandes techos de gráciles curvas que eran soportados por grandes vigas y pilares. Tampoco debe pasarse por alto la belleza de los tallados de todos estos elementos estructurales. Es más, la combinación de varios elementos arquitectónicos en un solo sitio es otra característica importante de los templos budistas, que también incluye pagodas, campanarios y grandes puertas de dos niveles.
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A R T I S TA M U LT I D I S C I P L I N A R I A FOTÓ G R A FA 53
ASRosenvinge
Trabajando en una amplia variedad de medios, Anne Sophie tiene una cartera diversa en fotografía, estilo, dirección creativa, ilustración, diseño gráfico, película e impresión. El denominador común para todas estas disciplinas es la narración visual. Trabaja en base a proyectos en diferentes tareas editoriales y de diseño, creando contenido auténtico con una alta integridad visual. Desde 2015, ha sido co-anfitriona de talleres con Marble Matter, un estudio de diseño dedicado a revivir la artesanía casi olvidada de mármol y tinte natural. Estos eventos creativos curados están cuidadosamente integrados para guiar e inspirar, y son tanto educativos como personalmente satisfactorios, y proporcionan información sobre el oficio y las técnicas de impresión. 54 44
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1. ¿CUÁL ES TU ESPECIALIDAD? ¿POR QUÉ ELEGISTE ESO COMO TU MAYOR? ¿DÓNDE ESTUDIASTE? Estudié Diseño Gráfico y de Medios en LCC (London College of Communication). Aquí trabajé con la comunicación visual, a través de una amplia gama de medios. Luego regresé a Copenhague, donde hice una licenciatura en Arquitectura del Paisaje en la Universidad de Copenhague. Descubrí que necesitaba un “significado” con mi línea, un propósito para mis imágenes. Durante mis años aquí trabajé mucho con la fotografía como parte de mi investigación y como parte de la documentación. Hice solo un semestre de mi Maestría en Arquitectura del Paisaje, luego me detuve. Sentí que había acumulado tantos conocimientos y habilidades después de mis 7 años en arte más universidad, que quería probarlo y usarlo, en la vida laboral real.
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2. ¿TU FAMILIA QUÉ OPINÓ SOBRE TU CARRERA? Mi familia se sorprendió de mi decisión de dejar mi maestría en Arquitectura del Paisaje en espera, pero al mismo tiempo que terminé mi licenciatura, empecé mi propia empresa. Por supuesto, vieron que mi interés y mi felicidad estaban en otra parte, pero nunca me animaron a tomar decisiones drásticas. Mi familia cree en mí, cuando están verdaderamente convencidos de que yo creo en mí.
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3. ¿CÓMO ENTRASTE EN LA INDUSTRIA? Instagram ha jugado un papel tan importante en mis encuentros con la fotografía como industria y como comunidad. Nunca me enseñaron fotografía, pero me involucré con fotógrafos talentosos a través de Instagram, observando lo que hicieron y usando mi propia plataforma para practicar. Me contactaron marcas que habían visto mis fotos en Instagram, y desde aquí, comencé a hacer pequeñas tareas. Sin saberlo, comencé a construir una cartera de trabajo y, sin ser plenamente consciente de ello, entré en la industria.
4. ¿DÓNDE HAS TRABAJADO? ¿QUÉ CONSIDERAS TU “GRAN OPORTUNIDAD”? Cuando estuve en Londres, trabajé para la directora de arte e ilustradora Carolina Melis. La quería mucho y me convertí en su asistente. Cuando volví a Copenhague, trabajé para diferentes empresas de arquitectura y también para la Asociación de Arquitectos de Paisajes Daneses. Mi gran oportunidad fue cuando Instagram me convirtió en “Usuario sugerido” y mi número de seguidores creció en miles en unas pocas semanas. Mi confianza y confianza en mí mismo crecieron igualmente.
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5. ¿DÓNDE ENCUENTRAS LA INSPIRACIÓN? ¿QUÉ HACES CUANDO TE SIENTES “BLOQUEADA”? Tiendo a comenzar con Pinterest, solo para arruinar mis ideas muy estrechas o para ver las cosas desde una perspectiva diferente. Dependiendo del resumen, también veré cortometrajes y clips en Vimeo, para establecer un tono o inspirarme en sus estados de ánimo. También sigo a muchos artistas y fotógrafos de arte en Instagram, por lo que a menudo miro su trabajo en línea, visito sus sitios web y escribo palabras clave o ideas para colores en un cuaderno al lado. Las ideas me vienen cuando estoy en el rodaje, pero me gusta tener el tono establecido de antemano. Como los colores, la historia y la sensación general. Si o cuando me siento bloqueado, salgo a caminar, mientras escucho música. La música realmente me ayuda a volver a encaminar mis pensamientos visuales.
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6. ¿CUÁLES SON ALGUNOS PROYECTOS ACTUALES EN LOS QUE ESTÁS TRABAJANDO? Actualmente estoy trabajando en la creación de una identidad visual para una empresa de arquitectura. Además, tengo algunos viajes de prensa por venir, lo que significa fotografía de viajes y aventuras al aire libre a nuevos destinos. Y luego estoy trabajando en dividir estratégicamente mi negocio en dos, de modo que ASRosenvinge solo haga fotografía, y el otro es más como una empresa gráfica / creativa.
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7. ¿DÓNDE PODEMOS VER / COMPRAR ALGO DE TU TRABAJO? Muestro gran parte de mi vida y trabajo en Instagram @asrosenvinge y, por supuesto, también tengo un sitio web donde se desarrollan algunos proyectos: www.asrosenvinge.com. Aquí también vendo una pequeña selección de impresiones de edición limitada.
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Visit Italy. http://www.italia.it
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goodbye.
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