Color es by arellano lucila

Noviembre 2011

La realidad de Ralph Goings

¡La tradición que no ha muerto!

Conoce a la familia de HENRY WOLF

Huicholes y el corazón Wirikuta

¡Y mucho más! Tipografos y diseñadores

CONTENIDO Cultura 9 Sur No. 5321 2do piso Col. Prados Agua Azul. Puebla, Puebla C.P 73500 Tel. 2221581231 Fax: 5340097

Una tradición que no ha muerto

Conociendo a los huicholes

E-MAIL color_es@diseno.com.mx

Directora editorial Brenda Ballesteros C. Coordinadora de fotografía Iván Ballesteros C. Diseño gráfico José Alberto Manzano Directora de arte Gerardo Camacho

Ventas de publicidad Vicepresidente comercial Eliel Torres Director de ventas de publicidad Uriel Briones Coordinadora de ventas Javier Lucero

Arte Fotorealismo

La realidad de Goings

Tipografía Herb Lubain

Zuzana Licko

Henry Wolf

André Gúlter

Adrián Frutiguer

David Carson

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CULTURA

Día de muertos: Una tradición más viva que nunca El Día de Muertos es una celebración mexicana de origen prehispánico que honra a los difuntos el 2 de noviembre, comienza el 1 de noviembre, y coincide con las celebraciones católicas de Día de los Fieles Difuntos y Todos los Santos. Es una festividad mexicana, que se celebra también en algunos países de América Central.

Los orígenes de la celebración del Día de Muertos en México son anteriores a la llegada de los españoles. Hay registro de celebraciones en las etnias mexica, maya, purépecha y totonaca. Los rituales que celebran la vida de los ancestros se realizan en estas civilizaciones por lo menos desde hace tres mil años

La representación de este ritual

Calaveras Las Calaveras típicas de estas fechas El Día de los Muertos es una repre- son figuras de sentación del patrimonio cultural cráneos hechas con indígena de México, que se conserva azúcar principaly difunde en el mundo entero a tra- mente, y a éstas se vés del arte y la tradición del pueblo, les ponen nombres, una extensión del individuo en la leyendas o mensajes sociedad que reafirma su identidad en la frente, pueden ser consumidas mediante el homenaje de sus muer- por amigos o familiares de la persotos, en una representación estética na a quien está dedicada. que tiene entre algunos componentes particulares como: Flores Durante esta semana y en especial Las ofrendas los días uno y dos de noviembre los Según la tradición se cree que las mexicanos acuden a los panteones almas de los niños visitan el mundo para limpiar y decorar las tumbas y el uno de noviembre, y las almas lapidas de sus familiares muertos, de los adultos el día dos. Las famipor lo general las flores tienen un lias que no tienen la posibilidad de connotado colorido que caracterivisitar las tumbas de sus ancestros, zan la fecha. Las flores de cempasúelaboran detalladas ofrendas en sus chil (Nombre nahuatl que significa casas donde incluyen la comida que las veinte flores) las que según la le gustaba al familiar del homenaje. tradición tienen el poder de atraer Pan de muerto, flores, vasos de agua, y guiar las almas de los muertos, fotos, calaveras de dulce y azúcar, además de darles paz y la bienvenida cigarros, e incluso detalles que le de su visita el 2 de Noviembre, el gustaban al homenajeado, hacen nombre común parte de la ofrenda.

Pan Es un tipo especial de pan que se prepara en México. No es un pan de consumo cotidiano (aunque se prepara desde julio), puesto que está asociado íntimamente a la celebración de la festividad conocida como Día de Muertos, festividad que puede durar desde un día hasta una semana durante el mes de noviembre, dependiendo de la región mexicana en cuestión. La difusión del pan de muerto está especialmente concentrada en el centro y sur de la República Mexicana, donde el Día de Muertos es celebrado con mayor intensidad. En algunas regiones, el pan de muerto es el mismo que se consume diariamente.

Altares Básicamente un altar es una mesa, tarima o incluso una habitación completa en la que se ubican flores, comida, fotografías, caña de azúcar, veladoras, papel picado, la cruz de sal y las infaltables calaveras de dulce, entre otras cosas. El altar de muertos es toda una composición estética en el que los elementos visuales juegan un papel importante, además de la intención, ya que es una de las tradiciones mexicanas en la que se honra de manera casera la memoria de los muertos. Dependiendo de la idiosincrasia, las costumbres y la ubicación geográfica, existen altares de diferentes niveles, por ejemplo el de dos niveles que representa el cielo y la Tierra, .

Entre altares y catrinas

La catrina Fue Diego Rivera quien la dibujó por primera vez vestida en su mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”, donde la calavera aparece como acompañante de su creador: José Guadalupe Posada. Asimismo fue el muralista quien la llamó “Catrina” nombre con el que se popularizó posteriormente, convirtiéndola así en un personaje popular mexicano, sin embargo La versión original es un grabado en metal autoría del caricaturista José Guadalupe Posada, el nombre original es “La Calavera Garbancera”. “Garbancera” es la palabra con que se conocía entonces a las personas que vendían Garbanza que teniendo sangre indígena pretendían ser europeos, ya fueran españoles o franceses (este último más común durante el porfiriato) y renegaban de su propia raza. Esto se hace notable por el hecho de que la calavera no tiene ropa sino únicamente el sombrero, desde el punto de vista de Posada, es una crítica a muchos mexicanos del pueblo que son pobres, pero que aun así quieren aparentar un estilo de vida europeo que no les corresponde. De acuerdo con la tradición mexicana, se cree que la muerte, pero más específicamente la memoria de nuestros fieles difuntos, nos da un sentido de identidad, ayudándonos a arraigarnos a nuestra cultura y a nuestra comunidad. Esta conspicua y perenne compañera la asociamos también, paradójicamente, con el placer de vivir ante la inminencia de la muerte. La Catrina, con su traviesa sonrisa nos invita a asir el momento, y a través de la música y la danza, encontrar el sentido de la vida. La doble identidad de La Catrina nos recuerda que la vida es aquí, ahora y eternamente, como la música y las artes.

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Conociendo a los Hucholes

Los wixárikas o wixáricas (pr. uixáricas), conocidos en español como huicholes, habitan el oeste central de México en la Sierra Madre Occidental, principalmente en los estados de Jalisco, Nayarit y partes de Durango y Zacatecas. Se autodenominan wixárica a la gente en su lengua, a la que llaman wixaritari o vaniuki y que en español se conoce como huichol o lengua huichola), que pertenece a la familia de lenguas uto-aztecas. El etnónimo huichol1 fue dado por los mexicas de forma despectiva a los wixárikas desde antes de la llegada de los españoles. Los wixáricas hablan una lengua del grupo cora-chol que está cercanamente emparentado con el grupo nahua o aztecoide. Además han recibido influencias mesoamericanas, lo cual se refleja en que el huichol tiene rasgos típicos del área lingüística mesoamericana.

Antecedentes históricos Los wixaritari (forma plural) llegaron a la región de la barranca de Bolaños después de que llegaran los tepehuanes. Los antropólogos e historiadores no están de acuerdo de cuando llegó esta etnia a la región, pero los mismos wixárika reconocen en sus leyendas que, cuando llegaron a sus tierras actuales, ya había otra etnia que las habitaba. La historia oral de los tepehuanes afirma que algunas poblaciones actualmente habitadas por wixárika, como por ejemplo Santa Catarina, fueron tepehuanas en el pasado.2 Además, no existen relatos en la historia oral ni de los tepehuanes ni de los wixárika de alguna conquista o dominación de los wixárika por parte de los tepehuanes. Central en la religión tradicional de los wixaritari es la recolección y consumo ritual del peyote (un cactus alucinógeno) en el lugar que ellos llaman wirikuta, que se ubica en la región de Real de Catorce en el estado de San Luis Potosí. El peyote no crece en la región de los wixaritari, pero es abundante en en San Luis Potosí, territorio que fue dominio central de los

guachichiles antes de la llegada de los españoles. A los guachichiles se les reconocía como una etnia fieramente defensiva de su territorio.3 Que los guachichiles hubieran dejado pasar por su territorio a guerreros a cazar sin perturbarlos indica que los reconocían como parte de su misma etnia. Esto lo confirma la historia oral de los wixárika,4 así como la similitud entre el idioma de los wixárika que tiene más similitud con la lengua de los guachichiles (ya extinta) que con la de los coras, sus vecinos actuales.5 Documentos históricos indican que para el siglo XVI, los wixárika ya habían llegado a la región del norte de Jalisco. En los relatos de Alonso Ponce, que datan del año 1587, indica que el la provincia de Tepeque, habitaba una etnia que solía unirse con los guachichiles para llevar a cabo incursiones a los asentamientos y caravanas españolas.Los españoles que exploraron la región que llegó a ser Jerez relatan que se encontraron con bandas de guachichiles en la región que habían desalojado a los zacatecas que habían vivido ahí.

Vestimenta La vestimenta tradicional varía de una región a otra y se caracteriza por su llamativa y elaborada confección, especialmente del traje masculino. Todos los diseños tienen una significación religiosa importante. La vestimenta de las mujeres consiste en una blusa corta en un solo color, naguas interiores y exteriores, con un manto floreado para cubrir la cabeza y collares de chaquira. Los hombres usan pantalones de manta blanca y camisas del mismo material que tienen abierta la parte inferior de las mangas; dichas prendas están bordadas con elaborados diseños simétricos de colores. Los huicholes usan sombreros de palma con adornos de chaquira o bolas de estambre, una capa cuadrangular doblada a la mitad que se coloca sobre los hombros y, eventualmente, aretes y pulseras de chaquira. Para amarrar los faldones de la camisa a la cintura se usan cintas de lana. Cada hombre lleva consigo varios morrales pequeños; y su calzado son los huaraches.

http://www.revistabuenviaje.com/conocemexico/saboramexico/calaveritas/calaveritas_01.jpg La religión wixárica y la religión cora son prácticamente las únicas en México que cuentan con una población importante (50 por ciento) de fuertes creencias nativistas como animistas es decir, con un arraigo religioso prehispánico y con menores influencias del catolicismo. El otro 50 por ciento 7de su población practica el catolicismo.[10] Su religión consiste en cuatro principales deidades: maíz, águilas, ciervos En del riezgo lasSustradiciones la cultura y peyote, todos ellos descendientes sol, “Tau”. actos religiosos sede llevan a cabo en unWixárica monte llamado Wirikuta o ‘Quemado’, en el estado de San Luis Potosí (México). Este monte se encuentra dividido en dos, un lado para las mujeres y otro para los Hace más de un año que la voz colectiva del pueblo wixárika se hombres. En sus actos religiosos suele hacerse uso del peyote alzó para exigir la cancelación de las concesiones mineras que la Secretaría de Economía entregó a la minera First Majestic en la Sierra de Catorce, en San Luis Potosí. Sin embargo, la respuesta de las autoridades fue entregar nuevas concesiones de oro en el ejido Las Margaritas, uno de los puntos más importantes en el territorio sagrado de Wirikuta por ser la casa del venado, de Kauyumari, donde se entregan ofrendas y cacería de peyote. Los wixáricas son notorios por lo vistoso de su indumentaria. La kamirra (< kamixa < camisa) o kutuni, es decir, ‘camisa larga’, abierta de los costados y sujeta a la cintura con el juayame, ‘faja ancha y gruesa’ hecha de lana o de estambre. Encima de la faja van varios morralitos bordados que llaman kuihuame o huaikuri, unidos con un cordón. En ellos no se guarda nada, sirven únicamente para completar el adorno.

Creencias religiosas

Empresa canadiense pone en peligro el lugar sagrado de los Wixiracas

La religión wixárica y la religión cora son prácticamente las únicas en México que cuentan con una población importante (50 por ciento) de fuertes creencias nativistas como animistas es decir, con un arraigo religioso prehispánico y con menores influencias del catolicismo. El otro 50 por ciento de su población practica el catolicismo.Su religión consiste en cuatro principales deidades: maíz, águilas, ciervos y peyote, todos ellos descendientes del sol, “Tau”. Sus actos religiosos se llevan a cabo en un monte llamado Wirikuta o ‘Quemado’, en el estado de San Luis Potosí (México). Este monte se encuentra dividido en dos, un lado para las mujeres y otro para los hombres. En sus actos religiosos suele hacerse uso del peyote la religión va implícita a través de la vida del wixárika, forma parte de su identidad y está presente a lo largo de su accionar, yde sus costumbres

integrantes del Consejo Regional Wixárika -el pueblo Huichol- , junto con diversas organizaciones sociales realizarán una marcha que partirá del Ángel de la Independencia hacia el Museo de Antropología e Historia, que pretende llegar a la residencia oficial de los Pinos, para exigir al gobierno federal que dé marcha atrás a las concesiones otorgadas a empresas canadienses, para explotar plata y oro en el desierto de Real de Catorce, un área protegida donde además se encuentran los suelos sagrados de esta etnia. Bajo el lema “Salvemos Wirikuta, Corazón Sagrado de México”, las autoridades tradicionales del pueblo Huichol de los estados de Jalisco, Nayarit y Durango, encabezarán la marcha para pedir que el gobierno federal cumpla con la ley e impida la actividad minera que amenaza la zona. Wirikuta es un territorio ubicado en el estado de San Luis Potosí en la sierra de Catorce y el bajío en los municipios de Charcas, Villa de la Paz, Villa de Ramos, Zacatón, Catorce, Matehuala y Villa de Guadalupe. Los organizadores del movimiento recordaron que por su valor ancestral y riqueza cultural Wirikuta fue declarada en 1994 Área Natural Protegida y Patrimonio Histórico y Cultural por el gobierno de San Luis Potosí y en 1999 fue sumada por la UNESCO a la red de los 14 sitios sagrados más importantes del mundo, siendo candidata también para obtener el nombramiento de patrimonio de la humanidad. Los huicholes han denunciado que en 2009 se otorgaron 22 concesiones a la trasnacional minera First Mejestic Silver de origen canadiense, para explotar plata a través de las compañías Minera Real Bonanza S.A. de C.V. y Minera Real de Catorce, S.A. de C.V, para operar en seis mil 326 hectáreas en el desierto de Real de Catorce, que abarcan los lugares sagrados del pueblo Huichol.

ARTE El fotorrealismo es un género dentro de la pintura que se basa en hacer un cuadro a partir de una fotografía, considerada una variante del hiperrealismo., este evolucionó a partir del Pop Art y como contrapeso al Expresionismo abstracto y al minimalismo, a finales de los años sesenta y principios de los setenta en los Estados Unidos. Es un género cultivado sobre todo por pintores. La palabra Photorealism (Fotorrealismo) fue acuñada por Louis K. Meisel en 1968 y apareció impresa por vez primera en 1970 en un catálogo del Museo Whitney para la exposición «Twenty-two Realists».

¡Que es la pintura fotorealista?

Hilo Chen evolucionando el mundo del fotorealismo Nace el año 1942 en Yilan, Taiwan. Y es considerado como un pintor Taiwanese-Americano. Lleva viviendo en Nueva York muchos años. Sus trabajos son reconocidísimos. Su técnica es el fotorealista. Centra su trabajo en la figura femenina. Estudió ingeniería y arquitectura pero es reconocido muncomo un artista y sus pinturas son subastadas mundialmente. Utiliza la técnica de oleo s o acrílicos y gracias a su perfeccionismo y su limpio trabajo, Hilo Chen se concidera uno de los máximos representantes en el mundo del fotorealismo

La realidad de Ralph Goings

Ralph Going nació el 9 de mayo de 1928 en Corning, California) es un pintor estadounidense estrechamente relacionado con el movimiento fotorrealismo de los años 1960 y 1970. Él es mejor conocido por sus pinturas muy detalladas de los puestos de hamburguesas, camionetas pick-up, y los bancos de California, representado de una manera deliberada objetivo. Se formo en el California College of Arts and Crafts, Oakland, y su forma de trabajar es proyectando una transparencia o diapositiva en un lienzo, pero prefiere utilizar los pinceles tradicionales a los aerografos que generalmente emplean los foto-realistas.

Estudios de Goins

Se formo en el California College of Arts and Crafts, Oakland, y su forma de trabajar es proyectando una transparencia o diapositiva en un lienzo, pero prefiere utilizar los pinceles tradicionales a los aerografos que generalmente emplean los foto-realistas. Se han celebrado exposiciones de la obra de Goings en la mayoria de las galerias y museos de arte importantes de Estados Unidos. “En 1963 yo quería empezar a pintar de nuevo, pero decidí que no iba a hacer cuadros abstractos. Se me ocurrió que yo debía ir en la medida de lo contrario lo que pude. ... Se me ocurrió que la proyección y el rastreo la fotografía en lugar de copiarlo a mano alzada sería aún más impactante. para copiar una fotografía, literalmente, se consideró una mala cosa que hacer. iba en contra de todo mi entrenamiento escuela de arte ... algunas personas se molestaron por lo que estaba haciendo y me dijo ‘no es arte, no puede ser arte “. Eso me dio ánimo de una manera perversa, porque yo estaba encantado de estar haciendo algo que realmente molesta la gente ... yo estaba teniendo un infierno de un montón de diversión .. . “

TIPOGRAFÍA

Herb Lubain Herb Lubalin estudió en la Cooper Union School y muy pronto comenzó a trabajar como director creativo e diversas agencias para crear en 1964 su propio estudio. Fue uno de los fundadores de ITC, International Typeface Corporation de cuya revista Upper and Lower Case, U&lc, fue director artístico. Lubalin, uno de los innovadores tipógrafos americanos, rechazó la filosofía funcionalista de los europeos en favor de un estilo ecléctico y exuberante. Su manipulación del tipo reflejaba un deseo de romper con la tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos sistemas de fotocomposición. Sus trabajos comprenden packaging, diseño editorial, creación de alfabetos y publicidad. Como diseñador editorial fue responsable del Saturday Evening Post, Eros, Avant Garde y la citada U&lc. Para Avant Garde, Lubalin creó su conocida tipografía del mismo nombre comercializada por ITC desde 1970 para la que también creó con Toni DiSpigna la Serif Gothic. ITC fue fundada por Lubalin, Aaron Burns y Edward Rondthaler con el objetivo de rediseñar tipos clásicos para fotocomposición y crear otros nuevos que tuvieran en cuenta las formidables posibilidades del nuevo medio. La influencia de ITC en el diseño gráfico mundial se vio favorecida por la extraordinaria difusión de su boletín U&lc notablemente influido por las ideas tipográficas de Lubalin y otros creadores como Ed Benguiat. Lubalin se había iniciado en la publicidad lo que explica su capacidad para conectar con gustos mayoritarios y a la moda. De los años sesenta es su conocida propuesta para Mother & Child, en la que era patente su habitual utilización de juegos formales de naturaleza trivial y, en ocasiones, escasamente original, pero que, gracias a su enorme dominio de las formas escritas, adquiría una exuberancia y vitalidad enormes. Lubalin es, en este sentido, el más decidido representante de una corriente en favor de los retruécanos visuales y la ironía visual.

Premios y medallas En homenaje, la revista de impresión lo incluyó en su especial de 1969 asunto “, los grandes diseñadores gráficos del siglo 20.”Numerosos premios Herb Lubalin incluyen siete medallas de oro del Art Directors Club, Director de Arte del Año de la Sociedad Nacional de Directores de Arte, Clio, dos honores de The Cooper Union, Augusto San Gaudens Medalla y el Premio por Logros Profesionales . Considera, sin embargo, sus mayores logros para ser sus hijos: Robert, un diseñador con talento y con la firma de arquitectos, Davis, Brody, y Pedro, que saltó a la fama con su publicidad Dannon Yogurt “rusa” comerciales. La grandeza, el bardo nos dice, se presenta como una herencia natural, como un manto que viene con el logro, o como un rayo que cae con toda la fuerza de un mandato divino. La suya es una dedicación completa impasible ante las exclamaciones elogiosas-una unidad que nunca para llegar a cualquier cosa por debajo de la excelencia, una preocupación incesante para encontrar nuevas maneras de decir algo más simple, más fuerte, mejor. El diseño puede comunicar mucho más a causa de su adición a nuestro lenguaje visual.

Zuzana Licko : Diseño y tipografía

Zuzana Licko (1961, en Bratislava, República Eslovaca) es una diseñadora gráfica. Se trasladó a los Estados Unidos a los siete años. Su padre, un biomatemático, le da acceso a las computadoras y la oportunidad diseñar su primera tipografía, un alfabeto griego, para su uso personal. Entró an la Universidad de California en Berkeley en 1981 como estudiante. Originalmente había planeado estudiar arquitectura, pero cambió a los estudios de diseño y representación visual. Siendo zurda, odiaba su clase de caligrafía, donde la forzaron a escribir con su mano derecha. Se casó con el diseñador gráfico y editor Rudy VanderLans, de origen holandés, en 1983. En 1984 fundan Emigre, desde donde publican una revista homónima y diseñan tipografías. Vanderlans fue editor de la revista, mientras Licko se encargaba de la tipografía, la cual llegó a ser muy aclamada. A mediados de la década de 1990, Licko trabajó en dos diseños notables: Mrs Eaves , basado en Baskerville y Filosofía , basada en Bodoni . Ambas eran interpretaciones personales de los modelos anteriores.

Mr. eaves Es una transición tipo de letra serif diseñada por Zuzana Licko en 1996, y autorizada por Emigre , una carrera de fundición tipográfica por Licko y su esposo VanderLans Rudy . Mrs Eaves is a revival of the types of English printer and punchcutter John Baskerville , and is related to contemporary Baskerville typefaces . Aleros la señora es un renacimiento de los tipos de impresora Inglés y punchcutter John Baskerville , y está relacionada con la actual tipografía Baskerville, Mr. Eaves tiene una tensión casi vertical, partiendo del modelo de estilo antiguo. serif.

Filosofía Su primera aparición fue en el cartel que Massimo Vignelli creó para la promoción de esta tipografía. En ese cartel aparecía en letras grandes la frase “It’s Their Bodoni” (Es su Bodoni). Su origen parte de la admiración que Zuzana Licko tenia a la tipografía Bodoni, con sus líneas limpias y formas geométricas. Aún así, a menudo no la podía utilizar, por razones prácticas, debido a su fuerte contraste que la hacía poco legible en tamaños pequeños. Muchas de las versiones de la Bodoni que sacaron las distintas fundiciones reflejan la gran variedad del trabajo de este tipógrafo, que empezó utilizando como modelos los tipos de Fournier desarrollando poco a poco un estilo personal que dio lugar a lo que hoy llamamos el estilo moderno.

Esta evolución que experimentaron los tipos de Bodoni hacia la simetría, simplicidad y geometría puede explicar el predominio de los revivals excesivamente geométricos que sufrió esta tipografía, que incluso pudieron ir más lejos de lo que llegó Bodoni. Estos rediseños poseían diversas variaciones optimizadas para diversos tamaños para mantener sus características y legibilidad tanto a tamaños grandes como pequeños.

Henry Wolf de revista en revista

Wolf

Primeros años

Henry Wolf nació en Viena en 1925, donde vivía gran parte de su familia, en una casa construida en la decada de 1860. Hasta que Henry tuvo Fue un gran fotógrafo, diseñador gráfico y magnífico director de arte 13 años su infancia fue normal y segura. Pero todo esto cambió en 1938, cuando la Alemania nazi se anexionó a Austria. Su familia era judía, por de tres grandes revistas: Esquire, Harper’s Bazaar y Show en las déca- lo que tuvo que emigrar. Pasaron tres años de odisea por Francia, donde él pudo asistir a algunas clases de arte ,y luego tuvieron que marchar al das de 1950 y 1960. Norte de África. Esto hizo que Henry tuviera que cambiar a menudo de Considerado una figura clave escuela. Después de ser arrestados por los alemanes y vivir en dos campos dentro del diseño gráfico del siglo XX, fue un referente del diseño de de internamiento en Marruecos, consiguieron evadir a los nazis gracias a la intervención de un tío suyo en Nueva York. revistas y de empresas editoriales de Estados Unidos. Fue reconocido por su trabajo elegante y sofisticado, de claras formas y contenidos literarios, e integrando valores del La entrada de Henry Wolf en el mundo del diseño editorial fue muy pasado con la búsqueda de lo nue- precoz. En 1951 empezó trabajando para el Departamento de Estado, divo. Además, desarrolló una carrera señando publicaciones y posters gubernamentales para su distribución en exitosa como fotógrafo al crear imá- el extranjero. Su carrera profesional propiamente dicha comenzó en 1952 genes que han perdurado a través cuando entró como diseñador en la revista Esquire. A pesar de pequeñas del tiempo hasta nuestros días. disputas con Arnold Gingrich, editor de Esquire, por el contenido editoSu obra se caracteriza por su rial, consiguió darle un estilo renovado, sofisticado e innovador a la revissimplicidad y el uso de tipografia ta en un ambiente creativo con fotógrafos e ilustradores. Desarrolló una expresiva, fotografías surrealistas narrativa con un diseño conceptual que se utilizaba el collage, la ilustrae ilutraciones conceptuales. En vez ción y los titulares. Wolf tuvo como maestro en el diseño y la fotografía al de ocuparse exclusivamente del ruso Alexey Brodovich, otra leyenda de las revistas y uno de los pioneros diseño y la maquetación existente, en introducir el modernismo europeo en Estados Unidos. Con este destacolaboró con editores para definir cado mentor, ya en 1953, a los 26 años es nombrado director de arte y se la personalidad de la publicación. convierte en uno de los más jovénes directores de arte de grandes revistas Henry Wolf seleccionó tipografias, nacionales. Rediseñó el formato de Esquire con gran énfasis en el uso del comisionó a fotógrafos e ilustrado- espacio en blanco y grandes y sofisticadas fotografías. Desarrolló diversos res, reconocidos, o no y decidió qué elementos de su sensibilidad pictórica, en la que influyeron también las representar en las portadas. clases recibidas por el cubista norteamericano Stuart Davis.

Vida profesional

André Gürtler André Gürtler André Gürtler - nacido el 5. 9. 1936 en Basilea, Suiza diseñador gráfico, tipógrafo, diseñador de tipos, el maestro. 1952-1956: los trenes como tipógrafo. Primeros ejercicios de caligrafía. 1957: formación como diseñador tipográfico con Emil Ruder. Primeros ejercicios en el diseño de tipo. 1958-1959: rotulista para la Monotype Corporation en Salfords, Inglaterra. 1959-1965: diseñador de tipos y tipógrafo con Adrian Frutiger en París. Trabaja para Sofratype SA por dos años. Enseña las letras durante un año en la Academia de las Artes Plásticas Populaire. A partir de 1965: profesor de diseño de tipo en la Schule für Gestaltung en Basilea, i. e. diseño de caligrafía, diseño de tipo, marca y logotipo, la historia y la teoría de tipo tipográfico.

Un ícono en la tipografía

Diseñó anteriormente la tipografía oficial del idioma maya en México, trabajará con profesionales chilenos en un proyecto que busca resolver los problemas fonéticos con signos lingüísticos apropiados para esa lengua. Diseñador y tipógrafo de la Universidad de Diseño y Arte de Basilea, Trabaja para la industria de tipo Suiza, una de las escuelas más importantes en el desarrollo del diseño de fabricación y produce diseños moderno durante el siglo XX, André Gürtler, considera que este proyecto de libros y trabajos tipográficos y es el segundo más importante de su carrera. Anteriormente trabajó con la gráficos. A partir de 1969: profesor Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM, para el desarrollo de invitado en la Universidad de Yale la tipografía de texto que unificara todas las lenguas mayas. El resultado y la Rhode Island School of Design. de ese trabajo en el que participaron lingüistas, sociólogos, diseñadores 1972: Fundador del comité ATypI gráficos y tipógrafos fue la tipografía mayatán, "que resolvió los para la investigación y la educación. En la redacción de “Typografische Monatsblätter” de la revista durante más de 20 años. Varias publicaciones en “Visible Language” (EE.UU.) y “Tipográfica” revistas (Argentina). A partir de 1982: Profesor invitado en varias universidades de México. 1990-1994: las obras en la CE COMETT II programm Didot, un programa de intercambio educativo para las escuelas de Europa. Fuentes: ITC Avant Garde gótico ® (con Christian Mengelt y Erich Gschwind, de 1977, se creó el peso de la fuente oblicua), Egipto 505 (1966), los medios de comunicación (con Christian Mengelt y Erich Gschwind, 1976), Basilia ® (1978), Signa (1978), Haas Unica (1980).

Adrián Frutiguer

Adrian Frutiger (n. Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados de siglo XX. Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo expresó en los diseños de sus tipos.

Diseño tipográfico

Durante los años 50 Frutiger supervisa la adaptación de muchos de los tipos clásicos de Deberny & Peignot (Garamond, Baskerville, Bodoni, etc) para el sistema de fotocomposición Lumitype (conocido como “Photon” en USA) y en el año 1955 diseña el tipo Meridien para este sistema. Abandona Deberny & Peignot en 1960 para abrir su propio estudio cerca de París (este estudio todavía existe y está ocupado por su socio Bruno Pfäffli). En 1976 Adrian Frutiger recibe un encargo para diseñar un sistema de señalización acorde con la arquitectura del nuevo aeropuerto de Charles de Gaulles en las afueras de París. Aunque todo el mundo pensaba que utilizaría su famosa letra Univers, Frutiger decidió crear un nuevo tipo sin serif, que cumpliera los requisitos de legibilidad de un aeropuerto, como su fácil y rápido reconocimiento a grandes distancias, tanto vista de frente como en ángulo. El resultado fue una tipografía simple, clara y robusta, que cumplía perfectamente su objetivo y que como nombre adquiere el mismo que el de su creador, Frutiger.

Esta tipografía no es estrictamente geométrica ni humanista, sus formas están diseñadas para que cada carácter individual sea reconocido fácilmente. Aunque en un principio fuese pensada para su uso a gran escala en aeropuertos, su enorme calidad hizo que muchas marcas se apropiaran de ella y hoy en día es una de las tipografías preferidas en las agencias de publicidad y estudios de diseño. Su uso es casi universal, funcionando perfectamente tanto en titulares y carteles como en grandes bloques de texto. Frutiger volvió a Suiza en 1994 y estableció su estudio en Bremgarten (Berna), desde donde rediseñó la imagen corporativa del correo suizo (Swiss Post) así como otros trabajos para la compañía del gas francesa (Gaz de France) y de electricidad (Electricité de France), trabajos en donde se reveló como un gran creador de signos. El 6 de mayo de 1997 y dentro del evento Typomedia 97, Adrian Frutiger presentó su nuevo diseño de la familia Linotype Univers con 59 pesos diferentes.

David Carson: Una gran aportación para el mundo del diseño Nació El 8 de septiembre de 1954 en Corpus Christi, Texas. Desde entonces, ha vivido y viajado extensamente por todo los EE.UU. y Europa y ha dado conferencias frecuentemente en todo el mundo. DESDE entonces, ha viajado extensamente y Vivido Por Todo los EE.UU. y Europa y ha zócalo Conferencias frecuentemente en Todo el Mundo. El primer contacto real de Carson con el diseño gráfico fue realizado en 1980 en la Universidad de Arizona en un curso de dos semanas de gráficos, impartido por Boelts Jackson. El Primer Contacto reales de Carson Con El diseño gráfico FUE Realizado en 1980 en la Universidad de Arizona en la ONU Curso de dos semanas de Gráficos, impartido Por Boelts Jackson. Asistió a San Diego State University, así como Oregon College of Art de Comercio. Asistió una. San Diego State University, ASI COMO Oregon College of Art de Comercio Más tarde, en 1983, Carson fue la enseñanza de sociología en la escuela secundaria del mar de California, cuando fue a Suiza, donde asistió a un taller de tres semanas en el diseño gráfico como parte de su carrera. Más Tarde, en 1983, Carson FUE la Enseñanza de sociología en la Escuela Secundaria del mar de California,

Trabajos En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft. David Carson ha sido considerado como un Dios del diseño por los jóvenes y las nuevas generaciones, pero también es visto como un traidor al diseño por los diseñadores mas conservadores, en cualquiera de los dos casos, Carson genera tensión, se podría decir que Carson es la izquierda del diseño, siempre polémico y alocado, divirtiendose siempre con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”, sin embargo, el sentido de las letras, el posicionamiento y la estructura de estas es también un arma retórica con la cual, el sentido del texto no lo lleva la lectura solamente, sino el diseño en sí también...y Carson lo sabe. En noviembre de 1995, Carson publicó su primer libro de la final de la impresión. Se vendieron más de 200.000 ejemplares en cinco idiomas diferentes y pronto se convirtió en el best-seller en todo el mundo del diseño gráfico. Su segundo libro, Vista segundo, seguido en 1997. Se dice que este libro simplemente cambió el rostro público de diseño gráfico (Newsweek). En 1998, Carson trabajó con el profesor John Kao de la Escuela de Negocios de Harvard en un documental titulado “El arte y la disciplina de la creatividad”. El tercer libro que Carson fue publicado