6 Diseñadores más importantes de todos los tiempos
Ilustrando a Café Tacvba
by McCarthy Piñatarama
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onóceme
Directorio
Sumario Herb Lubalin / 4
Director general Mónica Ábrego Diseño gráfico Mónica Ábrego Fotografía Google Columnistas a! Diseño Imprenta Mónica Ábrego
Henry Wolf / 5 David Carson/ 7 Zuzana Licko / 9 Adrian Frituger/ 10 André Gürtler/ 12 Piñatarama/ 13 ADIDAS by McCarthy/ 14 Ilustrando a Café Tacvba/ 15 La UNAM en “Time to care”/ 16 SWATCH & art/ 17 El mago de Oz/ 18 3
Herb Lubalin dores de ITC, International Typeface Corporation de cuya revista Upper and Lower Case, U&lc, fue director artístico. Lubalin, uno de los innovado res tipógrafos americanos, rechazó la filosofía funcionalista de los europeos en favor de un estilo ecléctico y exuberante. Su manipulación del tipo reflejaba un deseo de romper con la tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos sistemas de fotocomposición. Sus trabajos comprenden packaging, diseño editorial, creación de alfabetos y publicidad. Como diseñador editorial fue responsable del Saturday Evening Post, Eros, Avant Garde y la citada U&lc. Para Avant Garde, Lubalin creó su conocida tipografía del mismo nombre comercializada por ITC desde 1970 para la que Herb Lubalin, diseñador gráfico y tipó- también creó con Toni DiSpigna la grafo norteamericano. Nació en Nueva Serif Gothic. York en 1918 y falleció en 1981. ITC fue fundada por Lubalin, WHerb Lubalin estudió en la Aaron Burns y Edward Rondthaler Cooper Union School y muy pronto co- con el objetivo de rediseñar tipos clámenzó a trabajar como director creativo sicos para fotocomposición y crear e diversas agencias para crear en 1964 su otros nuevos que tuvieran en cuenta propio estudio. Fue uno de los fundalas formidables posibilidades del nuevo
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medio. La influencia de ITC en el diseño gráfico mundial se vio favorecida por la extraordinaria difusión de su boletín U&lc notablemente influido por las ideas tipográficas de Lubalin y otros creadores como Ed Benguiat. Lubalin se había iniciado en la publicidad lo que explica su capacidad para conectar con gustos mayoritarios y a la moda. De los años sesenta es su conocida propuesta para Mother & Child, en la que era patente su habitual utilización de juegos formales de naturaleza trivial y, en ocasiones, escasamente original, pero que, gracias a su enorme dominio de las formas escritas, adquiría una exuberancia y vitalidad enormes. Lubalin es, en este sentido, el más decidido representante de una corriente en favor de los retruécanos visuales y la ironía visual.
Henry Wolf Henry Wolf fue un gran fotógrafo, diseñador gráfico y magnífico director de arte de tres grandes revistas: Esquire, Harper’s Bazaar y Show en las décadas de 1950 y 1960. Considerado una figura clave dentro del diseño gráfico del siglo XX, fue un referente del diseño de revistas y de empresas editoriales de Estados Unidos. Fue reconocido por su trabajo elegante y sofisticado, de claras formas y contenidos literarios, e integrando valores del pasado con la búsqueda de lo nuevo. Además, desarrolló una carrera exitosa como fotógrafo al crear imágenes que han perdurado a través del tiempo hasta nuestros días. Su obra se caracteriza por su simplicidad y el uso de tipografia expresiva, fotografías surrealistas e ilutraciones conceptuales. En vez de ocuparse exclusivamente del diseño y la maquetación existente, colaboró con editores para definir la personalidad de la publicación. Henry Wolf seleccionó tipografias, comisionó a fotógrafos e ilustradores, reconocidos, o no y decidió qué representar en las portadas. La entrada de Henry Wolf en el mundo del diseño editorial fue muy precoz. En
1951 empezó trabajando para el Departamento de Estado, diseñando publicaciones y posters gubernamentales para su distribución en el extranjero. Su carrera profesional propiamente dicha comenzó en 1952 cuando entró como diseñador en
la revista Esquire. A pesar de pequeñas disputas con Arnold Gingrich, editor de Esquire, por el contenido editorial, consiguió darle un estilo renovado, sofisticado e innovador a la revista en un ambiente creativo con fotógrafos e ilustradores.
Desarrolló una narrativa con un diseño conceptual que se utilizaba el collage, la ilustración y los titulares. Wolf tuvo como maestro en el diseño y la fotografía al ruso Alexey Brodovich, otra leyenda de las revistas y uno de los pioneros en introducir el modernismo europeo en Estados Unidos. Con este destacado mentor, ya en 1953, a los 26 años es nombrado director de arte y se convierte en uno de los más jovénes directores de arte de grandes revistas nacionales. Rediseñó el formato de Esquire con gran énfasis en el uso del espacio en blanco y grandes y sofisticadas fotografías. Desarrolló diversos elementos de su sensibilidad pictórica, en la que influyeron también las clases recibidas por el cubista norteamericano Stuart Davis, llevando a las portadas una lúdica mezcla de surrealismo, irreverencia y elegancia. Seis años después, cuando su maestro Brodovich se retiró en 1958, Wolf lo sustituyó como director artístico de la revista Harper’s Bazaar, la célebre publicación de moda. Trabajó junto con los fotógrafos Richard Avedon, Man Ray, Art Kane y Saul Leitner.
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Dio a conocer a fotógrafos de moda como el jovencísimo, Melvin Sokolsky, que sólo tenía 21 años entonces. Creó el diseño y ayudó a desarrollar el concepto de una nueva revista de artes como icono de estilo del diseño editorial. Su objetivo era hacer hermosas visualmente las revistas que diseñaba, experimentando con la tipografía y utilizando imágenes simples pero exquisitas, incluso sofisticadas, en las numerosas portadas, que hoy son verdaderas obras de arte. La visión de Wolf de la portada de la revista fue una imagen simple que comunicaba la idea
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visual. En sus portadas es posible reconocer citas a Magritte y Dali, entre otros. La sofisticación y creatividad de la fotografía de Harper’s Bazaar durante su dirección fueron extraordinarias y significó un cambio definitivo con respecto al modo en que las publicaciones presentaban un objeto, ropa, o una modelo. En 1961 Wolf dejó Harper’s Bazaar para diseñar la nueva revista de espectáculos Show para A&P Heir Huntington Hartford. Fue una publicación de corta duración, que exploró durante tres años un nuevo
territorio de diseño innovador, como resultado de la creativa dirección artística de Wolf. Henry Wolf decidió dejar la profesión de director de revistas editoriales porque la impresión se desvalorizó frente a la televisión y los editores se centraron más en ganar dinero con la publicidad que en la comunicación visual. Él mismo llegó a afirmar que dejó Harper’s Bazaar cuando no pudo conseguir, como director de arte, treinta páginas consecutivas de la revista para diseñar libremente.
David Carson
David Carson (nacido el 08 de septiembre 1954) es un americano diseñador gráfico . Él es mejor conocido por su innovador diseño de la revista, y el uso de experimental tipografía . Él era
el director de arte para la revista Ray Gun . Carson fue quizás el diseñador gráfico más influyente de la década de 1990. En particular, su estética ampliamente imitado define el llamado “tipografía grunge” era. Durante el período de 1982-1987, Carson trabajó como profesor en Torrey Pines High School en San Diego , California. En 1983, Carson comenzó a experimentar con el diseño gráfico y se vio inmerso en la cultura artística y bohemia de California del Sur. A fines de 1980 había desarrollado su propio estilo, el uso de “sucia” de
tipo y no convencionales técnicas fotográficas. Carson se convirtió en el director de arte de Transworld Skateboarding revista. Entre otras cosas, también era un surfista profesional, y en 1989, Carson fue calificado como el noveno mejor surfista del mundo y Steve Pezman Debbee, los editores de la revista Surfer (y más tarde en Surfers Journal) Carson aprovechado para diseñar Cultura Playa , que evolucionó a partir de un a-el comercio-suplemento anual, Cultura Playa de la nueva publicación trimestral llamada. Aunque sólo seis ediciones trimestrales fueron producidas, el tamaño tabloide local, editado por el autor Neil Fineman-Carson permitió hacer su primera impacto significativo en el mundo del diseño gráfico y la tipografía,
con ideas innovadoras que fueron llamados, incluso por aquellos que no les gustaba de su trabajo, en el que la legibilidad a menudo basado en la atención del lector estricto (por una función en un surfista ciego, Carson abrió con una extensión de dos páginas cubiertas de negro). Una temporada en Cómo revista (una revista especializada dirigida a los diseñadores), Carson fue contratado por el edito Marvin Scott Jarrett para el diseño Ray Gun, una revista de las normas internacionales que había música y estilo de vida como su sujeto. No tiene miedo de romper las convenciones, en un tema que utiliza Dingbat como la fuente de lo que él consideraba una entrevista bastante aburrido con Bryan Ferry de Raygun.
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Ray Gun Carson hizo muy conocido y ha atraído nuevos admiradores de su trabajo. En este período, publicaciones como el New York Times (mayo 1994) y Newsweek (1996) aparece Carson y el aumento de la publicidad en gran medida. En 1995, Carson fundó su propio estudio, David Carson Design, en Nueva York, y comenzó a atraer a los principales clientes de todo Estados Unidos. Durante los próximos tres años (1995-1998), Carson estaba haciendo un trabajo para Pepsi Cola , Ray Ban (orbes del proyecto), Nike , Microsoft , Budweiser , Giorgio Armani , NBC , American Airlines y Levi Strauss Jeans, y más tarde trabajó para una gran variedad de nuevos clientes, incluyendo AT & T , British Airways , Kodak , Lycra , Packard Bell
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, Sony , Suzuki , Toyota , Warner Bros. , CNN , Oro Cuervo, Johnson Fundación contra el SIDA , MTV Global, Princo , Lotus Software , Fox TV , Nissan , quiksilver , Intel , MercedesBenz , MGM Studios y Nine Inch Nails . Él, junto con Tina Meyers, diseñó el “crowfiti” tipo de letra utilizado en la película The Crow: City of Angels . El nombre y diseñó el primer número de la revista Azul aventura estilo de vida, en 1997. David diseñó el primer número y las cubiertas de los tres primeros, después de que su asistente Christa Smith dirección de arte y diseño de la
revista hasta su desaparición. Diseño de Carson, la cobertura de la primera edición fue seleccionado como uno de los “cubre la parte superior revista 40 de todos los tiempos” En 2000, Carson cerró estudio de Nueva York y siguió a sus hijos, Lucas y luci, de Charleston, Carolina del Sur, donde su madre les había trasladado. En 2004, Carson se convirtió en el director creativo de Gibbes Museum of Art de Charleston, ha diseñado el especial de “Exploración” edición de la revista Surfing, y dirigió un comercial de televisión para Umpqua Bank
en Seattle, Washington. Carson afirma que su trabajo es “subjetivo, personal y auto muy indulgente”. Los trabajos de Carson es conocido entre la generación que creció con la revista Ray Gun, y, en general, la comprensión visual de la generación MTV . Él tomó la fotografía y el tipo y manipulados y retorcidos juntos y en algún nivel confuso el mensaje, pero en realidad era la elaboración de los ojos del espectador más profundo dentro de la propia composición. Steven Heller, de la revisión el New York Times y numerosos libros de diseño, dijo: “Él influyó significativamente en la generación de abrazar la tipografía como un medio de expresión”. conferencias extensivamente en todo el mundo, incluso en 2010/11 “.
Zuzana Licko
Zuzana Licko (1961, en Bratislava, República Eslovaca) es una diseñadora gráfica. Se trasladó a los Estados Unidos a los siete años. Su padre, un biomatemático, le da acceso a las computadoras y la oportunidad diseñar su primera tipografía, un alfabeto griego, para su uso personal. Entró an la Universidad de California en
Berkeley en 1981 como estudiante. Originalmente había planeado estudiar arquitectura, pero cambió a los estudios de diseño y representación visual. Siendo zurda, odiaba su clase de caligrafía, donde la forzaron a escribir con su mano derecha. Se casó con el diseñador gráfico y editor Rudy VanderLans, de origen holandés, en 1983.
En 1984 fundan Emigre, desde donde publican una revista homónima y diseñan tipografías. Vanderlans fue editor de la revista, mientras Licko se encargaba de la tipografía, la cual llegó a ser muy aclamada. A mediados de la década de 1990, Licko trabajó en dos diseños notables: Mrs Eaves , basado en Baskerville y Filosofía , basada en Bodoni . Ambas eran interpretaciones personales de los modelos anteriores. Ambos viven en California, en Estados Unidos. En una entrevista publicada en la revista Eye, Licko describió su relación creativa con su esposo: “Nos conocimos en la Universidad de California en Berkley, donde yo era estudiante en el College of Environmental Design y
Rudy era estudiante de fotografía. Esto fue en 1982-83. Después de la universidad, ambos hicimos todo tipo de trabajos relacionados al diseño. No teníamos una orientación específica. Después, cuando en 1984 fue lanzada Macintosh, compramos una y todo empezó a caer en su lugar. Ambos, cada uno en su estilo, realmente disfrutamos eso. Nos forzó a cuestionar todo lo que habíamos aprendido acerca del diseño. También disfrutamos el proceso de exploración, de ver hasta donde podíamos rebasar los límites. Rudy es más intuitivo, yo soy más metódica. Es como el Ying-Yang. Aparentemente funcionó, y sigue funcionando.
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Adrian Frutiger
Adrian Frutiger es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la
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imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados de siglo XX. Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen. En su juventud se sentía atraído
por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo expresó en los diseños de sus tipos. Entra a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acude a la Escuela de Artes y Oficios de Zurcí. En ésta última se enfoca en el estudio y diseño de la caligrafía. En 1951 realiza un estudio sobre la escritura occidental que merece un premio del Ministerio del Interior. Su trabajo llega a oídos de Charles Peignot, presidente de la fundición francesa Deberny & Peignot, quien sorprendido por su trabajo preciso y detallista ofrece a Frutiger un puesto en su empresa. Frutiger trabaja en esta fundición du-
rante nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President. Durante los años 50 Frutiger supervisa la adaptación de muchos de los tipos clásicos de Deberny & Peignot (Garamond, Baskerville, Bodoni, etc) para el sistema de fotocomposición Lumitype (conocido como “Photon” en USA) y en el año 1955 diseña el tipo Meridien para este sistema. Abandona Deberny & Peignot en 1960 para abrir su propio estudio cerca de París. El mayor logro de Frutiger en el campo del diseño tipográfico fue la creación del tipo Univers. Este tipo fue introducido en el año 1957 para fotocomposición y composición en metal. Frutiger anunció que este tipo se transformaría en el modelo para todas las siguientes creaciones de los tipos sin serifa.
Luego en los 70s se le pide a Frutiger que diseñara las señalizaciones del Metro de París, para el cual utiliza una variación de la Univers especializada para utilizarse en blanco sobre fondos oscuros en condiciones de poca luz. Frutiger también diseña un ingenioso sistema de numeración para poder diferenciar sus 21 pesos y anchuras de la Univers, que significó un hito para la denominación y catalogación de tipos. Luego este sistema se utilizó para la Frutiger, Avenir, Helvetica Neue y otras más. En 1976 Adrian Frutiger recibe un encargo para diseñar un sistema de señalización acorde con la arquitectura del nuevo aeropuerto de Charles de Gaulles en las afueras de París. Aunque todo el mundo pensaba que utilizaría su famosa letra
Univers, Frutiger decidió crear un nuevo tipo sin serif, que cumpliera los requisitos de legibilidad de un aeropuerto, como su fácil y rápido reconocimiento a grandes
objetivo y que como nombre adquiere el mismo que el de su creador, Frutiger. Esta tipografía no es estrictamente geométrica ni humanista, sus formas están diseñadas para
distancias, tanto vista de frente como en ángulo. El resultado fue una tipografía simple, clara y robusta, que cumplía perfectamente su
que cada carácter individual sea reconocido fácilmente. Su uso es casi universal, funcionando perfectamente tanto en titulares y
carteles como en grandes bloques de texto. Frutiger volvió a Suiza en 1994 y estableció su estudio en Bremgarten (Berna), desde donde rediseñó la imagen corporativa del correo suizo (Swiss Post) así como otros trabajos para la compañía del gas francesa (Gaz de France) y de electricidad (Electricité de France), trabajos en donde se reveló como un gran creador de signos. El 6 de mayo de 1997 y dentro del evento Typomedia 97, Adrian Frutiger presentó su nuevo diseño de la familia Linotype Univers con 59 pesos diferentes. Adrian Frutiger no solo diseñó uno de los tipos más famosos de todos los tiempos, Univers, sino que creó un estándar y un nivel de excelencia en el diseño de tipos que quedará para generaciones posteriores.
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André Gürtler André Gürtler nació en Basilea, Suiza, en 1936, donde estudió diseño tipográfico desde 1952 hasta 1957 con Emil Ruder en la Escuela de Diseño de Basilea. Fue en Monotype Corporation en Salfords, Inglaterra, donde trabajó como diseñador de tipos. Allí se reunió con Adrian Frutiger quien lo invitó a París para colaborar con él en la oficina de diseño de la fundición Deberny Tipo y Peignot. Desde 1965 desarrolló una exhaustiva actividad docente a través de la enseñanza de la historia, la caligrafía, los fundamentos básicos de la letra y el diseño de tipos en la Escuela de Diseño de Basilea. Fue parte del equipo que desarrolló, bajo las órdenes de Adrian Frutiger, los dibujos para la tipografía Univers.. Ha sido profesor invitado en muchos países, principalmente en México, EE.UU. y América del Sur Ha diseñado las tipografías Egyptian 505 y Lino Letter, y ha participado en el diseño de la Haas Unica.W
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Piñatarama Piñatarama es un proyecto albergado por el Museo de Arte Moderno, coordinado por Cecilia Meade, David Gámez, Clarisa Moura y Dr. Alderete, en el que se ponen en tensión las posibilidades interpretativas de un sector creativo de la cultura popular a partir del lenguaje de la ilustración. Esta propuesta se inserta en la programación de la sala de proyectos del MAM respondiendo al interés del museo por reconocer y dar cabida a las prácticas culturales que reformulan relaciones cotidianas entre estéticas diversas. Piñatarama permite la inclusión de una estética contemporánea nutrida de múltiples diálogos con las culturas populares desde una perspectiva lúdica, divertida y fresca. Este proyecto busca sorprendernos con los inesperados resultados que surgen de la interpretación que un grupo de artesanos mexicanos realizaron de los personajes creados por artistas, ilustradores y diseñadores de
México y el mundo. La exposición ofrece al espectador un recorrido por una particular instalación, donde 40 piñatas
reflejan la apropiación de un objeto culturalmente arraigado en México para devolverlo reinterpretado en un pieza contemporánea. Algunos de los ilustradores participantes son: Alberto Cerriteño (México/Canadá), Allan Sieber (Brasil),
Buque (México), Cecilia Meade (México), Daniel Berman (México), David Gámez (México), Dhear (México), Diego Bianki (Argentina/Uruguay), Dr. Alderete (Argentina/México), Ed Carosia (Argentina/España), Federico Jordán (México), Gastón Caba (Argentina), Griselda Ojeda (México), Guillaumit (Francia), Juan Carlos Arenas (México), Junko Mizuno (Japón/Estados Unidos), Lady Love (México), Lou Lou and Tummie (Holanda), Malota (España), Manuel Monroy (México), Mr. Kone (México), Maxi Luchini (Argentina/España), Motomichi Nakamura (Japón), News (México), Pachiclón (México), Sandra Equihua (México/EEUU), Saner (México), Sergio Mora (España), Smithe (México), Super Macho (México/EEUU), Roxy Love (México) y 1000Changos (México). Y los piñateros son Ricardo Linares, Lorenzo García y Marcial García.
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Adidas by McCartney Una vez más, la diseñadora Stella McCartney, quien ha ganado reconocimiento internacional gracias a sus colaboraciones para marcas como Chloé, Gucci y H&M, ahora vuelve a hacer mancuerna con Adidas, marca con la que ha trabajado desde 2004. Para esta nueva temporada Otoño/Invierno 2011, la diseñadora vuelve a unir moda y deporte, manteniendo el equilibrio entre un diseño atractivo y una prenda que cumpla con su función. La colección destaca por su sofisticada mezcla de tonos azules que le da un aspecto nuevo cuando se mezcla con la paleta de color azul, verde y gris. La gama deportiva, de estilo moderno y con diseño futurista, consiste en diversas prendas para yoga, natación, golf y ciclismo. Otra característica importante de la colección, es que forma parte del programa Better Place de Adidas, iniciativa que tiene como objetivo promover el uso de materiales reciclados, algodón orgánico y tintes naturales. “Creo que era muy importante mostrar mujeres reales ejercitando y sus figuras, y unir dos mundos: la moda y el deporte. De eso se trata la colaboración. Logramos un equilibrio en el que ni el diseño ni el desempeño se ven comprometidos. Quería hacer ropa deportiva para mujeres que no se viera como diseños improvisados. La clave es que esta ropa mejora tu desempeño, es decir, no sólo se ve bien sino que también cumple con una función”, apunta la diseñadora. “Realmente quería cambiar lo que veía en la calle. La ropa deportiva para mujeres era un tema muy mal abordado. Los colores eran muy básicos y casi no habían variaciones en el diseño, era tan malo, que era casi frío. Vi que había una verdadera oportunidad para corregir esta situación, al ofrecerle a las mujeres algo con lo que podían ejercitarse y a la vez sentirse bien con su aspecto”.
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Ilustrando a Café Tacvba Seguiremos Siendo: Ilustrando para Café Tacvba” , es un homenaje que busca resaltar los 21 años de carrera artística de esta banda de rock mexicano a través de 48 piezas de ilustración realizadas por profesionales de la ilustración en México con destacadas trayectorias así como principiantes y estudiantes de carreras afines a las artes gráficas. Entre los ilustradores participantes se encuentran y los temas que ilustran se encuentran: Mr. Kone - El baile y el salón, El Grand Chamaco - Chilanga banda, Xplaye - El ciclón, FolkFolkFolk - El metro, Jorge Díaz - Revés, Renato Guerra - Rarotonga, Tadeo Mendoza - Esa noche, Paulo Villagrán - Volver a comenzar, César Nández - Aviéntame, Daniel Avilés Rodríguez - Seguir Siendo, Cruz Martínez - La negrita y Paco Reyes - El Tlatoani del barrio. Además, el evento estará recaudando fondos para ayudar a niños que padecen espina bífida a través de la Asociación de Espina Bífida de Nuevo León. “Seguiremos Siendo: Ilustrando para Café Tacvba” se inaugura este 13 de julio del 2011 en el Antiguo Palacio Federal de CONARTE, ubicado en Washington 648, Colonia Centro, en la ciudad de Monterrey•
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La UNAM en “Time to care” Victorinox Swiss Army impulsa la innovación, el diseño y las prácticas sustentables a través de su campaña Time to Care e invita al público a que visite Plaza Metrópoli Patriotismo y Plaza Azcapotzalco del 1 al 31 de agosto de 2011, en donde presenta su exhibición fotográfica “Time to Care”. Con el apoyo de un jurado de primera, conformado por reconocidos arquitectos y diseñadores internacionales – entre los que destaca la participación del mexicano José Picciotto–, Victorinox Swiss Army promueve la participación de estudiantes de arquitectura y diseño de escuelas de todo el mundo, al invitarlos a presentar sus proyectos para ganar el Premio al Diseño Sustentable, así como el involucramiento del público a votar por uno de los siete proyectos finalistas, entre ellos el de dos jóvenes mexicanos del Centro de Investigaciones de Diseño Industrial (CIDI) de la Universidad Autónoma de México (UNAM): “Waterless Toilet”, un WC que no utiliza agua del cual se pueden conocer todos los detalles en el micro sitio de Time to Care. En esta etapa de la campaña se invita al público en general a votar por su proyecto favorito. Por cada voto del público, Victorinox Swiss Army donará 5 francos suizos que se suman al fondo destinado al proyecto que elijan. Cada persona puede votar una vez al día hasta el 31 de agosto. Los tres proyectos más votados recibirán – cada uno – los fondos acumulados por los votos del público para llevar a cabo su proyecto. Además de un premio de 15,000, 10,000 y 5,000 francos suizos para el primer, segundo y tercer lugar, respectivamente•
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SWATCH & art Desde su nacimiento, Swatch ha trabajado con importantes artistas internacionales; la marca suiza está también comprometido con el apoyo a nuevos artistas, a los que invita a explorar nuevos medios de creación. En esta ocasión, dos jóvenes artistas, Monika Jelinska y Ryan Grees, han desarrollado Gent Originals para la colección SWATCH & ART. Los dos son ganadores de una edición anterior del concurso SWATCH W MTV PLAYGROUND. Monika Jelinska es una fotógrafa de Lodz, la tercera ciudad más grande de Polonia, nació en el año 1984, asistió a la Escuela nacional de cine, televisión y teatro de su ciudad natal, de donde se graduó en 2008 con un título en fotografía; diseñó el modelo TRANSITION. Ryan Grees es estudiante de diseño de la Escuela de artes de Aquisgrán; nació en Filipinas y reside actualmente en Alemania, diseño el modelo I AM A CHILD OF THE NIGHT•
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El mago de Oz Colección de Capa de Ozono El legendario cuento “El Mago de Oz”, de Lyman Frank Baum, fue elegido como la inspiración de la nueva colección Otoño-Invierno 2011-2012 de la marca de calzado de moda Capa de Ozono, con diseños reinventados o totalmente innovadores que trasladan a lugares emblemáticos. Vannesa Pons, Fashion Buyer, de Capa de Ozono comentó que el 90 por ciento de los zapatos que integran la colecciones de la marca son creados por el equipo creativo de la marca con sede en León Guanajuato, donde se incorporan estilos y formas y materiales que pertenecen a las tendencias actuales de la moda en calzado. Dorothy, el espantapájaros, el león cobarde, el hombre de hojalata, el mono volador y el Mago de Oz representan las 5 directrices base de la inspiración que la marca mexicana presenta para un público que cada vez apuesta mas por la moda y calidad en los diseños de su calzado. Dorothy y el Mago de Oz son la imagen de la línea “Romantic”, una colección de modelos que combinan aplicaciones y texturas, encaje, flores y sutiles toques de felpa. El León Cobarde es representado con “Animalia”, una colección de botas y botines para él y ella. La colección “Expedición Alpina” representa la búsqueda de la inteligencia del simpá-
tico Espantapájaros. “El Menos es Mas” representa con esta tendencia simple pero vanguardista al Hombre de Hojalata. En busca siempre de estar un paso mas adelante, se propone una colección inspirada en los años 80, la línea más atrevida es “Neón”, representada los peculiares Monos Alados, criaturillas responsables de impedir la llegada de Dorita y sus amigos al reino de Oz•