Manual montaje e5 Sound And Vision by Veronica Santamaria

Juliana Galeano Garrido Ana María Gélvez Ramírez Daniel Felipe Rojas Silva Verónica Santamaría Querubín Sebastián Suárez Giraldo Estudio 5 Dirección Creativa Dirigido por Karen Aune y Luz Mariela Gómez 2018_01

ÍNDICE Introducción

Análisis de Referentes

Evolución del Concepto

Proceso

Aplicación del montaje

Photoshoot del montaje

Aprendizaje y conclusiones

Bibliografía

INTRODUCCIÓN El Documento presentado a continuación incluye el proceso de conceptualización, prototipado, desarrollo y aplicación que se llevó a cabo para la realización de un montaje inspirado en el video Sound And Vision an Homage to David Bowie, dirigido por el colectivo de directores español Canada. El videoclip de 7 minutos que se realizó en el año 2016 como parte de la exposición David Bowie Is en Barcelona, logra hacer un homenaje al camaleónico artista, a través de profundas y cuidadosas referencias que solo un verdadero conocedor del inglés logra captar. Adentrándonos en los intrincados y laberínticos pasillos de un bazar chino Barcelonés, el video narra el encuentro mágico y poético, en medio de una monótona tienda de misceláneas, de dos almas adolescentes: una traviesa niña llamada Mi, que resulta siendo la encarnación de Bowie, y Te un ingenuo y tímido niño que algo torpe y nervioso se dirige a ella. (Higgs, 2017). El trabajo del colectivo español explora cómo a partir de algo tan rutinario y aparentemente aburrido como un bazar de objetos puede, si lo miramos con la emoción de un adolescente enamorado, surgir un mundo mágico y fantástico en el que los objetos cobran vida. A partir de lo anterior, se desarrolló un montaje que, buscando al igual que el video rendir homenaje a un artista que con sus alteregos, su carácter performativo y su glitter dejó una huella en la historia, tenía el objetivo de representar cómo de lo cotidiano y monótono de una ferretería con esponjas, tarros de pintura o traperos puede surgir su alter ego: un universo lleno de magia, brillo y mucho Bowie. A continuación se presentará el proceso que llevó al desarrollo del montaje, desde la búsqueda y análisis de referentes, pasando por la realización de prototipos y maquetas hasta la aplicación del montaje final y los aprendizajes que se adquirieron en el proceso.

ANÁLISIS DE REFERENTES

Durante nuestro primer acercamiento al video seleccionamos una serie de referentes que se relacionaban con la narrativa y la estética del videoclip que nos ayudaron a dejar claro el universo estético que estábamos analizando. Cuando llegó la hora de aplicar el concepto a la realización del montaje los referentes evolucionaron, dejamos de lado algunos que ya no parecían guardar ninguna relación con el video e incluímos otros que fueron claves para llegar a la idea final.

DESFILE CHANEL OTOÑO/INVIERNO 2014/2015 “The labels of at least five hundred everyday products had been re-coded in Chanelspeak.”-(Blanks, 2014)

(Mahe, S. (2014). Chanel Fashion Show)

Referente estético El desfile Chanel de Otoño Invierno 2014/2015 que tomó lugar en el Gran Palais de París, bajo la dirección creativa de Karl Lagerfeld fue uno de los referentes principales que tomamos para la realización del montaje. Todo el desfile es un homenaje a la casa y a su creadora Gabrielle, Coco, Chanel, pero en vez de ser evidente se le rinde tributo a través de referencias sutiles pero poderosas que solo un verdadero conocedor de la marca logra captar. En este supermercado distinto y glamuroso, los objetos están perfectamente dispuestos en los estantes según su categoría y el color de su empaque y cada una de las etiquetas que los cubre guarda relación con Chanel como los COCo Flakes o Aceite de Oliva La Gabrielle. (Menkes, 2014) Retomamos esta idea y la introdujimos en nuestro montaje diseñando de manera cuidadosa las etiquetas de los productos que iban a estar dispuestos en él, asegurándonos que cada una de ellas guardara relación con Bowie, bien sea una frase dicha por él o una parte de sus canciones. Es así como, al igual que en el desfile de Chanel queríamos que nuestro montaje estuviera pensado de pies a cabeza y que nada estuviera puesto al azar, que cada uno de los objetos que pensábamos exhibir fuera coherente y que su disposición y su etiqueta estuvieran cuidadosamente pensados.

Saillant, O. (2014). Chanel Shopping Center.

(A.D, 2014. Huile D’Olive La Gabrielle)

(A. D. 2014. Coco Flakes)

PLASTIC TREE DE PASCALE MARTHINE TAYOU

Rosetti, A. (2015). Plastic Tree

Referente Conceptual La instalación Plastic Tree del artista camerunés Pascale Marthine Tayou realizada en 2015 y expuesta en la galería italiana Continua en San Gimignano, representa un bosque surreal cuyos tallos crecen de manera horizontal y cuyas ramas están cubiertas de bolsas de plástico coloridas. (Azzarello, 2015). La obra del artista fue un referente para nuestro montaje porque juega con la percepción del espectador: de lejos la obra se percibe como un bosque que parece lleno de vida y color, pero cuando el espectador se acerca a mirar se da cuenta que las ramas no son ramas comunes y corrientes, estas están cubiertas con bolsas de plástico de diferentes colores. Retomamos este referente porque nos dio ideas de cómo con algo tan cotidiano y que hasta podría ser poco atractivo y llamativo, como lo es una bolsa de plástico se podía jugar a crear algo nuevo y distinto, se podía re contextualizar y volverlo parte de algo más. Este era el efecto que queríamos lograr con los objetos de nuestro montaje, que de lejos parecieran algo mágico y fantástico y que cuando el espectador se acercara se diera cuenta que no eran nada distinto a una serie de objetos cotidianos y aparentemente aburridos que asociados y puestos de manera cuidadosa podían convertirse en algo más.

Mckeown, V. (S.f). Sponge Cake.

Vanessa Mckeown es una fotógrafa y diseñadora gráfica inglesa estudiante de la Universidad de Chelsea. (Fernandez, 2015). Desde hace un par de años se ha dedicado a crear una serie de fotografías en las que, utilizando colores brillantes y fuertes busca encontrar arte en lo que para muchos no son más que objetos cotidianos. (Fernandez, 2015). Esponjas, globos, cajas de cigarrillo y frutas son los protagonistas de sus fotografías, que fuertemente influenciadas por la cultura pop muestran un lado mágico y divertido de los objetos cotidianos que día a día pasan desapercibidos. La obra de la artista logra transformar los objetos, descontextualizándolos y combinándolos con otros, dándoles una vida y una identidad distinta. A simple vista los objetos parecen ser algo, como por ejemplo una torta, pero cuando el espectador mira con detenimiento se da cuenta que en realidad no son más que una serie de esponjas de aseo dispuestas una sobre la otra. Sus obras nos recuerdan que la diversión y la creatividad pueden encontrarse en cualquier rincón, que en los pequeños detalles que nos cruzamos a diario puede existir algo de magia y diversión, solo hay que saber apreciarla. (Domestika 2017)

Mckeown, V. (S.f). Addiction.

VANESSA MCKEOWN

La fotografía de Mckeown fue un referente tanto conceptual como estético que utilizamos para definir los objetos que iban a ser parte del mundo mágico de Ziggy Stardust. Debíamos ser muy cuidadosos con la elección de la estética, la etiqueta y la organización de los objetos que iban a ser parte del montaje pues de ellos dependía el éxito del espacio. Para ello nos inspiramos en los juegos que la fotógrafa inglesa realiza, esponjas de aseo que parecen tortas, atomizadores que lanzan plantas, cajas de cigarrillo con crayolas entre otros fueron elementos que retomamos con el objetivo de que nuestro montaje convirtiera las cosas cotidianas y aparentemente aburridas en objetos mágicos y divertidos llenos de magia y fantasía que sorprendían al espectador e invitaban a la reflexión de que también en los pequeños detalles que damos por alto puede haber brillo.

PANIC ROOM DEL GRUPO DE ARTISTAS TILT

Graffiti Hotel in France

Todos los años el hotel Au Vieux Panier Hotel en Marsella, Francia destina cinco habitaciones para que diversos artistas intervengan y renueven el espacio (Yoo, 2012). En el 2012 el artista encargado de darle vida a una de las habitaciones del hotel fue el francés especialista y apasionado en grafitis llamado Tilt. (Artistaday, 2012). El espacio, que correspondía a una habitación del hotel, estaba dividido por una raya perfectamente marcada, tanto en el piso como en las paredes, que separaba un lado totalmente blanco e impecable de un mundo de color y vida lleno de grafitis vibrantes y poderosos. El artista buscaba representar algo puro en el medio de algo destruido, (Tilt, 2012.), jugando con la connotación negativa que se suele tener de los graffitis que por lo general ubicados en las calles o en estaciones de metro, suelen dar la sensación de inseguridad o inclusive descuido. Según algunos espectadores que visitaron el espacio. El entrar en la habitación daba una sensación de estar en dos lugares distintos a la vez, puesto que se trataba de dos mundos opuestos conviviendo en un mismo espacio. (Twister, S. 2012).

Roudet, B. (2012). Graffiti Hotel Room

La habitación diseñada por Tilt fue un referente estético y conceptual que tuvimos muy en cuenta a la hora de realizar el montaje pues esta idea de dos mundos distintos que conviven en el mismo espacio fue un aspecto que decidimos retomar. El dualismo y la sensación de pertenecer a ambos espacios a la vez era un elemento que queríamos rescatar a la hora de representar un Bowie monocromático y aparentemente aburrido y un Ziggy Stardust galáctico y colorido. El poder de los colores de generar sensaciones es evidente, mientras que la parte blanca remite al espectador a un mundo impecable, un sentimiento de orden, limpieza, pureza y perfección, el lado de grafitis es un mundo distinto, divertido lleno de magia y colorido, lleno de vida, dicotomía que queríamos retomar en nuestro montaje.

EVOLUCIÃ&#x201C;N DEL CONCEPTO

CONCEPTO FINAL DEL MONTAJE El concepto inicial que surgió del análisis del video se planteaba la vida como un laberinto, en el que ensimismados en la rutina del día a día podíamos llegar a perdernos y a ver todo los pasillos igual de monótonos. Era la magia de un adolescente enamorado o de un personaje como Ziggy Stardust lo que nos llevaba a empezar a mirar de forma distinta el mundo, a mirar y apreciar la magia de los objetos cotidianos, aparentemente aburridos. El concepto, que en una primera instancia habíamos extraído del video, evolucionó para convertirse en un nuevo concepto que nos permitió materializar y desarrollar la idea del montaje final. Tal vez uno de los aspectos del concepto anterior que más nos dificultó el avanzar y llegar a la propuesta definitiva fue el planteamiento del laberinto. En un primer momento nos sentimos obligados a crear un espacio que tuviera un laberinto físico en el que el espectador tuviera que recorrer largos pasillos, perderse, para finalmente encontrar la salida, sin embargo, cuando nos dimos cuenta que tanto el video como el concepto planteaban más la idea de un laberinto metafórico, en el que quien se adentraba sufría un proceso de metamorfosis que lo llevaba a ver las cosas de una manera distinta, logramos aterrizar la idea del montaje final. Así, con el concepto más claro y concreto, el proceso de diseño y bocetación adquirió cada vez más dirección y sentido.

EL LADO MÁGICO DE LO COTIDIANO Ensimismados en las rutinas del día a día, estamos sumergidos en la monotonía de un mundo que nos ha diseñado para ser todos iguales, en el que poco a poco se han ido olvidando los espacios fantásticos y libres de reglas y en el que hemos olvidado lo que era imaginar. A medida que hemos ido creciendo hemos ido olvidando lo que era ser un adolescente enamorado, que nervioso, ingenuo y algo torpe descubría por primera vez lo que era sentir atracción por alguien más. Las mariposas en el estómago y los nudos en la garganta hacían que todo lo que nos rodeaba, a pesar de ser lo mismo de antes, adquiriera un sabor diferente, emanara un brillo distinto. Así como lo hacía el artista glam David Bowie que con cada uno de sus shows transportaba a todos sus espectadores a mundos lejanos, intergalácticos y mágicos que daban una mirada distinta a la realidad puritana de la época, podemos decidir si ver el mundo de otra manera, si empezar a ver la magia que puede surgir de la monotonía de los objetos cotidianos. La realidad es la misma, se trata de las dos caras de una misma moneda, somos nosotros quienes decidimos cual de las dos mirar, si queremos mirar con los ojos de un adolescente enamorado o de un Ziggy Stardust interplanetario, ese brillo cósmico, esa escarcha de vivir o si seguimos como un *White Duke hastiado y deprimido viendo el mundo en escala de grises.

*The Thin White Duke: Alter ego que adquirió Bowie a finales de los años setenta cuando, deprimido por el consumo excesivo de drogas, decide vestirse únicamente en tonos monocromáticos abandonando el Glitter y la exuberancia que lo caracterizó en años anteriores. (Khon, 2016)

Nuestro proceso para la realización del montaje empezó con una etapa de bocetación y moodboards, con estas herramientas queríamos empezar a definir las características del espacio que queríamos recrear.

PRIMEROS BOCETOS Desde los primeros bocetos teníamos la idea de crear un laberinto, que de lo monótono llegara a un espacio mágico y fantástico. Planteamos laberintos con paneles empotrados al piso y laberintos circulares, intentando encontrar la manera más adecuada para lograr la sensación de recorrer los pasillos.

MOODBOARDS Los moodboards fueron herramientas que nos permitieron aterrizar un concepto que en palabras seguía siendo un poco abstracto, darle un sentido y una unidad estética a la idea e imaginarnos en qué podía terminar el montaje final.

MAQUETAS Las primeras maquetas fueron herramientas que nos permitieron comprender a escala el espacio que queríamos crear, visualizar cómo podría llegar a verse el montaje y comprender qué tenía sentido con nuestro concepto y qué no.

PRIMERA VERSIÓN

En un primer acercamiento al montaje queríamos representar la idea de laberinto por medio de paneles colgados y dispuestos a diferentes alturas de tal forma que no se pudiera ver el centro o el fin, de esta manera el espectador tendría que adentrarse en este espacio y encontrar la salida. De esta forma, se pretendía demostrar cómo la vida es un recorrido aburrido y monótono, y en el momento que decides tomar otro camino y ver la magia de las cosas descubres un mundo distinto y mágico. Lo anterior lo representamos en un bosque, con elementos tanto cotidianos como naturales, que dieran la sensación de un espacio fantástico y surreal en el que no sabes de qué están hechos los elementos hasta que te acercas y los analizas. Gracias a este primer acercamiento nos dimos cuenta que al representar la salida del laberinto como un bosque nos estábamos alejando de nuestro concepto inicial: ver la magia en lo cotidiano. Teniendo en cuenta esto, un bosque no era una representación de lo cotidiano ni de cómo las cosas toman un sentido diferente cuando decido verlo. Sin embargo, continuamos la idea de crear un laberinto con los paneles, en el que el espectador tuviera la oportunidad de escoger que camino tomar para llegar al mundo mágico y fantástico de lo cotidiano.

A PRIMERA VERSIÓN

Santamaría, V. (2018). Maqueta Inicial.

Esta maqueta fue realizada a escala 1:12, con paneles a escala de tamaño 100x70 colgados desde el techo y con un material que reflejaba por un lado (como un espejo) para representar la forma del laberinto. Nos dimos cuenta que el tamaño de los paneles era muy pequeño y que se movían mucho, lo cual no podría pasar si queríamos el efecto de que no fuera posible ver a dónde llegaba el laberinto. Por otro lado, no era evidente lo que pretendíamos realizar con la parte final, sólo se veían ramas que no expresaban la idea y objetos colgantes que no representaban a escala lo que queríamos realizar en ese momento. Lo que queríamos con los objetos colgantes era transmitir una sensación de ingravidez similar a la del video cuando la lana y el chicle empezaban a flotar, sin embargo fallamos en la medida en la que dispusimos objetos colgados de manera arbitraria y aleatoria sin pensar bien su disposición. Además, no teníamos claros los objetos específicos que íbamos a introducir, en nuestra mente seguían siendo “objetos cotidianos” y ya. Por otro lado, tuvimos la idea de transformar objetos como una caja de huevo en guirnaldas de flores, pintándolas y colgándolas del techo, sin embargo nos alejamos de la idea principal ya que intentamos convertir el objeto cotidiano en algo mágico cuando lo mágico debía ser el objeto cotidiano per se. Además nuestro montaje se estaba convirtiendo en esculturas recicladas que no tenían cabida en nuestro concepto. Desde ese momento tuvimos más cuidado con escalas y con la representación real de lo que tendríamos en el montaje.

SEGUNDA VERSIÓN

Para esta idea continuamos con el planteamiento de un laberinto mediante los paneles, en esta ocasión re planteamos el lugar o espacio al que se llegaba después del laberinto. Para esto, quisimos partir desde la primicia del chicle del niño en el video, el cual lo analizamos como símbolo del aburrimiento y desde eso plantear otro símbolo de aburrimiento para nuestros espectadores. Tomamos la idea de un paradero de bus como el comienzo de la monotonía de la rutina estudiantil, el momento del día que podría convertirse en fantástico y mágico si así lo quisiera, podría tomar un bus a otro mundo, a otra vida, y salir del laberinto. Para ello, pretendíamos manejar la atmósfera desde mensajes ocultos en la publicidad de la parada de autobús además de representar objetos suspendidos en el aire y paredes que reflejaran la luz. Luego de prototipar y analizar este acercamiento definimos que todavía estaba alejado de nuestro concepto inicial, además de representar un espacio con mucho trabajo que podría no ser realista ni posible. La idea de relacionarlo con la cotidianidad de los estudiantes no era práctica ni se acercaba al video del que partimos.

SEGUNDA VERSIÓN

Santamaría, V. (2018). Segunda Maqueta.

Para esta maqueta usamos la escala 1:12. En esta ocasión solucionamos el tamaño y ubicación de los paneles, de manera que al ser más grandes se generaban espacios que simulaban los pasillos de un laberinto que el espectador debía atravesar y que le impedían ver el interior. Para el espacio central usamos elementos colgados del techo, y nuestra idea de paradero de bus, los cuales no representaban la escala real y daban la idea de otra cosa por los recursos que utilizamos (accesorios de muñecas, fomi, espejos). En esta maqueta tuvimos varios problemas al pensarla sólo como tal y no como un prototipo, no tuvimos en cuenta que no es posible cubrir las paredes con un papel porque no existe uno tan grande, además de que crear una estructura como un paradero era complicado para el espacio disponible en los salones.

TERCERA VERSIÓN

En esta ocasión eliminamos la estructura del laberinto físico, nos dimos cuenta que estábamos intentando mezclar dos ideas de montaje en una y que siendo realistas no era posible realizar lo que planeabamos. Por ello, volvimos a nuestro video, el exhaustivo análisis que realizamos de éste y nuestro concepto, para plantear un montaje en el que se presentara una pared que delimitara la esquina del salón. Dicha pared correspondía a una estantería de miscelánea en la que se encontraran todo tipo de productos típicos de estos lugares (lanas, cajas, cables), que a través del uso de colores monocromáticos y su exacta y cuidadosa disposición expresaran monotonía y orden perfecto. A medida que se avanzaba el espectador se encontraba con una puerta, la entrada a algo desconocido, que cuando se atravesaba conducía a un espacio en el que los mismos objetos del otro lado tomaban vida y se convertían en algo completamente distinto. Lo anterior a manera de espejo mostrando el alter ego de estas cosas y reafirmando la idea de un laberinto metafórico en el que a pesar de que cuando se sale se sigue siendo la misma persona en el camino ocurre un proceso de metamorfosis. Para retomar nuestro video y el análisis de la obra de David Bowie quisimos establecer referencias a él de forma sutil pero cuidadosa y bien pensada, que sólo un verdadero conocedor las encontraría todas. Por un lado, estas referencias se lograban a través de los nombres de la miscelánea, el lado gris y monótono decidimos ponerle el nombre de The White Duke, uno de los alteregos de Bowie en el que deja de lado los colores para mostrar una imagen sobria y elegante, lo que también queríamos que demostraran las etiquetas de este lado. Por el otro lado, el nombre es Stardust, haciendo referencia al alter ego Ziggy Stardust, el cual se caracterizaba por ser vibrante, colorido, inmerso en la época del glam rock y lleno de glitter.

TERCERA VERSIÓN

Gélvez, A. (2018). Tercera Maqueta.

Para esta maqueta usamos la escala 1:20, cambiamos la escala porque los cálculos eran más sencillos, sin embargo terminamos notando que hubiera sido más fácil para nosotros representar de manera precisa nuestro montaje si hubiéramos usado una escala mayor, ya que tuvimos que realizar objetos muy pequeños y difíciles de lograr en plastilina para poder representar el montaje. Ésta fue la primera maqueta que realizamos teniendo en cuenta todas las medidas exactas del salón que ya había sido asignado, que utilizando un metro y realizando un plano que lo representara pudimos replicar casi a la perfección. Para representar las estanterías de miscelánea planteamos la utilización de una lámina de 3 metros de largo por dos metros de alto, en la que se expusieran algunos de los productos y además hubiera un espacio libre en el que se colgaran los demás. Para la parte interior haríamos una puerta con papel celofán que reflejara luz y por dentro el piso estaría cubierto de color rosa con el símbolo del rayo de Bowie. Nuevamente, con esta maqueta prototipamos si era posible la existencia de una lámina de ese tamaño, que se dejara manipular para introducir los estantes, además fuera posible meterla al salón y se sostuviera parada, nos dimos cuenta que la lámina no funcionaba. Por otro lado, para realizar el espacio interior, cubrir todo el piso con un papel rosa era muy tedioso y las uniones podrían verse mal. En cuanto a los objetos, todos los teníamos pensados y prototipados, para cada uno realizamos un ejemplo en tamaño real y confirmamos que funcionaran para nuestro espacio y concepto.

A CUARTA VERSIÓN (FINAL)

En esta ocasión definimos los inconvenientes formales de nuestra idea anterior, eliminamos el espacio al que se adentraba el espectador que entorpecía e incomodaba la experiencia y convertimos la estantería en el único elemento. En un principio no nos sentíamos del todo satisfechos con la idea, sentíamos que no era lo suficientemente impactante y que podía llegar a ser muy simple, sin embargo cuando empezamos a realizarlo, nuestra perspectiva cambió. Decidimos entonces que el montaje estaría compuesto de 4 estanterías de metal de 2mx86cm, 2 a cada lado con una lámina de mdf separándolas para que no fuera posible ver el otro lado. Todos los objetos estarían dispuestos en estos estantes, por un lado sólo objetos de color blanco y negro y por el otro, los estantes estarían llenos de color, con objetos saliendo de estos y lana flotando por el techo. Con fines prácticos averiguamos la posibilidad de alquilar unas estanterías en una de las tiendas cerca a la universidad (El Mono) pero nos dimos cuenta que eran demasiado bajas y no nos iban a permitir lograr el efecto que queríamos con el montaje. Por fortuna conseguimos unas estanterías que nos fueron prestadas y tenían el tamaño ideal. Además, planeamos que los objetos fueran de uso en el hogar, de forma que fuera posible conseguirlos en nuestras casas y continuamos con la idea de que el espectador tuviera que realizar un recorrido hasta dar la vuelta y descubrir el mundo distinto a través de pistas que lo guiaran. En la maqueta ilustramos cada elemento teniendo inclusive en cuenta la disposición que ibamos a emplear de los objetos, sin embargo, la escala era tan pequeña que muchos productos no podían distinguirse. En cuanto al piso planteamos la posibilidad de usar un papel celofán traslúcido en tiras, y pensamos en usar las mismas luces del salón para iluminar el espacio. Siendo sinceros confiamos en que las luces prendidas del salón iban a ser suficiente, pero no nos ocupamos de diseñar del todo la iluminación. Teniendo en cuenta que queríamos que por el lado monocromático lo único que tuvera color fuera un bote de pintura que se estuviera regando y cuyas manchas guiaran a la parte mágica diseñamos el sonido: se trataba de un goteo lento que se iba intensificando hasta transformarse en una canción de Bowie. Elegimos el tema Changes ya que generaba una sensación de emoción que resultaba perfecta en nuestro montaje. Una vez lista nuestra maqueta y definidos los objetos que íbamos a representar procedimos a montar y conseguir todo los insumos necesarios.

Galeano, J. (2018). Maqueta.

Galeano, J. (2018). Maqueta 2.

CUARTA VERSIÃ&#x201C;N (FINAL)

Galeano, J. (2018). Maqueta.

APLICACIÃ&#x201C;N MONTAJE

Más que un laberinto literal llegamos a la idea de un laberinto metafórico en el que todo estaba acomodado en espejo, escogimos dos alter egos de Bowie, el lado monótono y aburrido llamado The White Duke, y el lado colorido y mágico llamado Stardust.

PROCESO Y DESARROLLO

Para comenzar con el montaje nos dividimos tareas, mientras unos pintaban los estantes, otros fueron a comprar la lámina de madera. Después de traer la lámina en carro a la casa en la que estábamos trabajando, otra persona siguió pintando los estantes, otras dos la lámina de madera, otro empezó a hacer la gráfica de las etiquetas que iban a llevar los objetos y la última empezó a hacer los objetos y comprar los que faltaban. En cuanto al contenido de las etiquetas se pensó todo de manera muy cuidadosa, para que cada objeto guardara relación con una referencia específica a Bowie, se utilizaron frases de canciones como “Ground Control to Major Tom” de la canción Space Oddity y “Blue Blue Electric Blue” de Sound and Vision. En cuanto a la etiqueta del único tarro de pintura de color que iba a estar en el lado monocromático se utilizó una parte de una frase de Bowie que parecía muy acertada y era un guiño al espectador que le prometía que había algo más del montaje que descubrir. “I don’t know where I’m coming from here, but I promise it won’t be boring.”- David Bowie

Galeano, J. (2018). Proceso. Suárez, S. (2018). Etiquetas.

En cuanto a la lámina de madera decidimos pintar solo de blanco el lado aburrido y el lado mágico de blanco con escarcha para que con la luz tuviera un efecto diferente. Los estantes del lado aburrido de color blanco y los del otro lado de color rosado neón con estrellas pegadas. En cuanto a los objetos decidimos escoger los mismos para cada lado, con la diferencia que en el lado mágico había unos transformados en otros objetos, objetos como: traperos, rodillos, atomizadores, cajas de cigarrillos, cajas de bombillos, tarros de pintura, esponjas, platos, cables y extintores. Antes de hacer cada objeto decidimos cuales queríamos, cuántos necesitábamos para cada estante y donde iban ubicados.

Después de reunirnos ese día todos e intentar avanzar lo máximo posible, decidimos dividirnos el resto de objetos que faltaban y terminarlos cada uno durante la semana. En lo posible tratamos de reutilizar objetos o sacarlos de nuestras casas, pero no fue posible en todos los casos, lo que nos llevó a ir a sitios como D1, San Victorino y chatarrerías a conseguir el resto de objetos.

Galeano, J. (2018). Pintar.

El miércoles antes a la entrega decidimos reunirnos para mirar la estabilidad de los estantes y si estos lograban sostener la lámina de madera, era necesario prototipar antes la estructura para no confiarnos en que todo iba a resultar sin problemas. Cuando armamos los estantes nos dimos cuenta que era necesario llevar destornilladores para apretar hasta el máximo los tornillos y darle mayor estabilidad a la estructura. Cuando fuimos a sostener la lámina de madera con los estantes vimos que solo poniendo uno a cada lado era muy difícil que se sostuviera. Como solución decidimos abrirle tres huecos a la lámina y pasar tres tornillos por esta y los estantes que iban a cada lado, uniendo las tres estructuras y dándoles estabilidad, lo que funcionó y permitió que la estructura no se cayera. Sin embargo, en retrospectiva nos damos cuenta que la lámina de mdf representó un problema que hubiéramos podido evitar, se trataba de una lámina muy alta y muy pesada que fue un problema transportar y además amenazaba con la estabilidad del montaje, el miedo a que alguien empujara la lámina y todo se viniera para un lado era constante.

Mayorga, S. (2018). I Promise It Won’t be Boring.

Galeano, J. (2018). Estantes.

También, decidimos que un lado todo fuera blanco, negro y gris, diferenciándose drásticamente con el lado mágico que estaba lleno de escarcha, colores neones y confeti en forma de estrellas. Para indicarle el camino a la audiencia y convertir el montaje en experiencia, escogimos poner un tarro de pintura en el lado aburrido con muchos colores y una linterna que alumbrara el papel celofán, el cual estaba haciendo de pintura regada por el piso, como símbolo del llamado a ese mundo mágico y extraordinario. Para acompañar estos objetos y pistas, decidimos diseñar un sonido de gotas de pintura que se mezclaba en la mitad del sonido y culminaba con un canción de David Bowie llamada Changes, lo que le daba ese paso a la audiencia de un mundo al otro.

COTIZACIÓN DEL MONTAJE

A la hora de conseguir los recursos para la realización del montaje fuimos recursivos en la medida que intentamos conseguir todo prestado. Los estantes fueron prestados, al igual que los cables, rulos y los palos de los traperos y algunos objetos como los tarros de pintura nos fueron regalados. Otros objetos como las esponjas, los traperos o los atomizadores que compramos fueron una inversión que al final se fue los hogares de cada uno, aprovechando al máximo el material. Sin embargo como tuvimos solo una semana para conseguir todo había momentos en los que por creer que no íbamos a tener el tiempo suficiente tomamos decisiones apresuradas en vez de buscar lugares o opciones donde fuera más económico conseguir el material.

4 Estantes 12 Tarros de Pintura Vacíos Cables Blancos y de Colores Rulos Extintores Pelucas Cajas de cigarrillos Lámina de Mdf de 9 mm (Material más corte) Impresión de todas las etiquetas, el foamboard y la impresión del nombre 5 latas de pintura fuscia en spray Madejas de Lanas, borradores y flores falsas. Escarcha Pintura Blanca para pintar la lámina de MDF 6 Rodillos 6 Atomizadores Esponjas Platos desechables

Total

0$ 0$ 0$ 0$ 0$ 0$ 0$ 50.000$ 129.000$ 50.000$ 60.000$ 20.000$ 18.000$ 18.000$ 12.000$ 20.000$ 15.000$ 392.000$

MONTAJE Y ENTREGA

Santamaría, V. (2018). Montando.

El día viernes se llevaron lo estantes a la universidad y se armaron en las horas de la mañana. En cuanto a los productos todos estaban listos, faltaba recortar y pegar las etiquetas. Cuando el salón ya estaba disponible se procedió a entrar los estantes ya armados y a disponer los objetos en las estanterías. Como todo ya estaba prácticamente listo y faltaba solo armarlo, logramos terminar ese mismo día y no tuvimos que pasar la noche en la universidad terminando.

Santamaría, V. (2018). Organizando.

Galeano, J. (2018). Extintor.

Santamaría,V. (2018). Esponjas.

Gélvez, A. (2018). Rodillo.

Tuvimos inconvenientes con el diseño de la luz, habíamos planeado usar las luces del salón y con un papel celofán de colores crear un filtro para que iluminara la escena de colores, sin embargo intentándolo nos dimos cuenta que la luz quemaba el papel. Además, con miedo de que la estructura de madera se cayera, optamos por colgar los rodillos al techo con Nylon en lugar de pegarlos a la lámina. Finalmente, al día siguiente llegamos en la mañana a ajustar los últimos detalles y nos preparábamos para presentar el montaje.

I PROMISE IT WON’T BE BORING

La instalación busca a través de tomar como protagonistas dos momentos opuestos de la trayectoria de Bowie representar el contraste entre un mundo monótono monocromático y aparentemente aburrido y cómo éste puede llegar a convertirse en un universo mágico y fantástico, en el que se ven los objetos con otros ojos y todo parece cobrar vida.

Como el día del montaje estábamos concentrados en resolver todo y un poco ansiosos de la entrega le pedimos a alguien externo que nos ayudara a tomar las fotos para no tener que ocuparnos de eso en ese momento.

Mayorga, S. (2018). David Jones.

Mayorga, S. (2018). Blue Blue Electric Blue.

Mayorga, S. (2018). Boring.

Mayorga, S. (2018). Spoonge.

Mayorga, S. (2018). Ground Control.

Mayorga, S. (2018). Stardust.

Mayorga, S. (2018). Something More Than Human.

Mayorga, S. (2018). Be a Hero Just for One Day.

APRENDIZAJES Y CONCLUSIONES

APRENDIZAJES MOODBOARD El haber hecho un moodboard nos ayudó a no salirnos de la estética, a ref lejar el concepto en lo que

queríamos y encaminar cada idea que teníamos. No solo encaminó, sino que también nos dio ideas y soluciones prácticas ya que incluía fotos de referentes de instalaciones.

MAQUETA Al hacer la maqueta nos dimos cuenta que es necesario y de mucha ayuda tener cada uno de los detalles

puestos en ella para empezar a resolver posibles inconvenientes con anterioridad y no enfrentarse a ellos cuando no hubiera tiempo de solucionarlos. En la maqueta pusimos luces pero no diseñamos la

luz y cómo iba a ir en la vida real. También en la primera maqueta no representamos a la perfección

la estructura, por ejemplo los estantes los pusimos pero no eran de la forma y color que iban a ser

en realidad, lo que sí hicimos en las maquetas siguientes y nos ayudó a distribuir los objetos que necesitábamos para el montaje.

Por último, en cuanto a los prototipos que hicimos antes del montaje, aunque sí los teníamos, a la hora

de presentar nos faltó llevarlos lo que causó que no se lograra entender muy bien lo que íbamos a hacer exactamente ni mostrar que ya teníamos casi todo resuelto desde antes.

En el proceso de llegar a la idea adecuada fue muy importante dejar ir la idea del laberinto que nos

estaba entorpeciendo y evitando avanzar, nos abrimos a nuevas posibilidades que hicieron de nuestro montaje una estructura mucho más fácil de montar a la inicial y aún más impactante y acertada ya que comunicaba perfectamente nuestro concepto.

MONTAJE El proceso de hacer un montaje nos dejó muchas enseñanzas, pero ejecutarlo nos permitió, además de

sentir la emoción de lo que es rendirle un tributo a un artista de la talla de Bowie, la importancia de una

buena planeación. Nos enseñó a no resolver algunas de las cosas a última hora así sean la más mínima, sino hacer todo a tiempo con la ayuda de un horario y una lista recordatoria. Por otra parte aprendimos la importancia de organizar el tiempo, ya que es muy necesario para cotizar, comprar, pedir prestado,

reutilizar en lo posible y así ajustarnos al presupuesto inicial o no gastar en cosas innecesarias. Al igual

que prototipar, ya que a pesar de tener ideas no es suficiente porque fácilmente pueden fracasar; si

hubiéramos prototipado la lámina de madera nos habríamos dado cuenta que era muy pesada, lo que nos hubiera evitado el constante sufrimiento de pensar que en cualquier momento la estructura se iba a

caer. Pasó igual con las luces, que queríamos ponerles filtros y cuando lo hicimos con papel celofán se

quemaron, llevándonos a poner una cartulina como foco para que la luz no quedara al ras del papel, pero las luces no eran lo suficientemente potentes como para dar el efecto de color.

Finalmente, aprendimos que era necesario pensar el montaje como una experiencia, tener pensado cada parte de esta. Que el exceso no iba a hacer de este un montaje mejor. Que antes de comprar debimos

pensar en el transporte y que fue una muy buena idea ir adelantando todo, ya que para que el día anterior a la entrega lograramos montar el proyecto, irnos a descansar y quedar tranquilos para la entrega.

CONCLUSIONES Una vez finalizado el montaje, además de los aprendizajes previamente mencionados, queda en

primera instancia un sentimiento de satisfacción por haberlo concluido de manera acertada. Fue un montaje del cual podemos decir que nos sentimos orgullosos y que representa un esfuerzo

de entender y materializar un concepto detrás de un video el cual fue todo un reto analizar. El ejercicio nos permitió descubrir y aprender una faceta del diseño que hasta ahora no había sido del todo explorada; fue importante porque comprendimos lo complejo que puede ser un universo estético detrás de lo que, uno creería, son unos cortos 7 minutos, y de lo complejo que puede

llegar a ser crear y representar una narrativa en la que todo se debe pensar y nada debe ser

puesto de manera arbitraria. Nos nutrimos de nuevos referentes que nos llevaron a enriquecernos

como diseñadores y que seguramente nos serán muy útiles en próximos ejercicios. Nos volvimos más críticos frente al contenido que nos cruzamos a diario ya que el ejercicio nos llevó a entender que en el universo de la dirección creativa todo tiene un porqué.

Vivimos y comprendimos lo que es pensar en un espacio de grandes dimensiones, trabajar con

materiales grandes y pesados y generar una experiencia a partir de una instalación. Comprendimos

la importancia de planificar y de pensar cada detalle en la maqueta y la importancia de diseñar la luz y el sonido en el momento de generar una experiencia en el espectador, ya que vincular los

diferentes sentidos es clave para lograr el objetivo final: hacer sentir algo a quien visita el espacio. Por otro lado, no solo aprendimos y entendimos a una leyenda de la música en la que nunca

antes habíamos tenido la oportunidad de ahondar, sino que tuvimos la experiencia de rendirle

homenaje y hacerle un importante tributo, lo que hizo que viéramos con otros ojos al artista y nos acercaremos a su música y a lo que representa y significa todavía para sus seguidores.

Tal vez uno de los aprendizajes claves que tuvimos en el proceso fue aprender a dejar ir algunas

ideas y saber abrirse a nuevas posibilidades. En un principio el hecho de estar tan cerrados a que

el montaje debía involucrar un laberinto no nos estaba permitiendo avanzar y llegar a una idea

concreta y correcta. Fue cuando nos abrimos a que podía no involucrarlo y tal vez comprendiendo que no era necesario atiborrar de elementos el montaje, que fuimos encontrando el rumbo hacia nuestra idea final.

Creemos que de alguna manera el ejercicio nos cambió y cambió la manera en la que percibimos

nuestro entorno. En una sociedad como la actual en la que pasamos más tiempo ocupados y

ensimismados en las rutinas del día a día hemos olvidado apreciar la magia de lo cotidiano y descubrir que en los pequeños detalles, en cada esquina, puede haber algo divertido y mágico que le de un toque de fantasía a nuestras rutinas.

Para próximos ejercicios tendremos en cuenta los aprendizajes del proceso para lograr un resultado mejor.

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