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Chico & Rita. Una película de Javier Mariscal y Fernando Trueba Javier Mariscal ha despedido el año 2010 con una magnífica exposición antológica sobre su poliédrica trayectoria –Mariscal en La Pedrera– y con un largometraje de animación que comienza su andadura comercial después de conseguir el elogio unánime del público y la crítica en pases de prensa, presentaciones, festivales y cines de países –como Reino Unido– donde ya ha sido estrenada. Chico & Rita es un bolero hecho cine destinado a ocupar no sólo un lugar muy especial en la carrera profesional de Mariscal, sino también en la pequeña historia del cine de animación español. Una película gestada desde el barrio de Poble Nou de Barcelona para el resto del mundo. Texto: Carlos Díaz
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Hace exactamente diez años, encabezábamos una extensa entrevista con Javier Mariscal con el título de La madurez de un equilibrista. Con sesenta años, Mariscal sigue haciendo equilibrios, caminando por esas líneas indefinidas que, como la que dibuja el mar sobre la arena, constantemente se mueven, cambian y se desdibujan para volver a definirse en otro lado. Con Chico & Rita, Mariscal retoma –en cierto modo– sus orígenes como creador de historias gráficas, después de haber sido diseñador, ilustrador, creador de objetos, interiorista, artista plástico o showman (si han ido a alguna de sus conferencias, entenderán de qué estamos hablando). Chico & Rita es un cómic en el que de pronto ha penetrado la luz, creando una atmósfera en la que los personajes han cobrado vida y la música no ha dejado de sonar.
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Estamos hablando de un largometraje de animación muy especial que va a sorprender a un público muy amplio. La habitual paleta cromática del estudio Mariscal se ha teñido de nuevos matices, mientras que su inconfundible manera de dibujar –gestual y desinhibida– se ha adaptado a un nuevo lenguaje capaz de dejar en suspenso las reticencias del espectador menos sugestionable. En colaboración con Fernando Trueba, ha creado una obra única que deja el nivel de la animación en nuestro país en un lugar muy destacado. Para hablar de la película y del cómic nos encontramos con Javier en su estudio de Palo Alto, Poble Nou. Llegamos un poco antes a la cita y lo encontramos todavía enfrascado en una reunión de trabajo, momentos que aprovechamos para conversar con Pedrín E. Mariscal, comisario de la expo-
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sición en La Pedrera. Con él comentamos el acierto de haber montado una muestra apta también para los que tenemos un sobrado conocimiento de la trayectoria del Estudio Mariscal, ya que la propuesta expositiva es lo suficientemente atractiva en sí misma y nos permite observar una obra que ya conocíamos desde una nueva perspectiva. Cuando finalmente Javier sale de su reunión, nos sentamos a conversar con el cómic de Chico & Rita acabado de desprecintar sobre la mesa. Recordando aquella primera entrevista que publicamos en Visual, los primeros minutos los dedicamos a hablar sobre la edad y de cómo aquél año 2000, que era un sinónimo recurrente del futuro en nuestra infancia, se nos ha convertido ya en una fecha del pasado. Volvemos sin embargo al presente para conocer cómo nace la idea de Chico & Rita.
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“Fue Fernando quien planteó hacer la película –nos explica Mariscal–. Había visto un videoclip que habíamos hecho para Compay Segundo con unas animaciones de La Habana que le había gustado mucho y me propuso que hiciéramos un largometraje de animación juntos. Así que cerramos el acuerdo con un apretón de manos. En este proyecto vi desde el principio que estaría muy bien estar pegadito a uno que sabe mucho, que es Fernando”. Este es un proyecto que se alimenta de la complicidad entre dos creadores de larga y exitosa trayectoria: “Fernando siempre dice que esto nace de una amistad. Nosotros somos muy amigos, así que por qué no hacer algo juntos: él hace cine, yo dibujo, a los dos nos gusta la música, estaba nuestro amigo Bebo Valdés con una edad muy avanzada. Así que nos propusimos hacer una historia sobre un chi-
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quito que toca el piano. Una historia de amor, como un bolero. Yo le propuse en un principio: ‘¿Por qué no hacemos una historia de un saxofonista que viene de Nueva York y se enamora de un pianista?’. Pero Fernando quería una cosa clásica, con mulatita. Algo ambientado en los años cuarenta. Porque ese es el momento de explosión de la música cubana, la edad de oro, cuando Bebo ya está de pianista en Tropicana. Es cuando nace el bebop. Queríamos dejar claro de una vez que, gracias a los ritmos afrocubanos, la música mundial cambia absolutamente: hay un antes y un después, como lo hubo con la explosión del jazz u otros momentos históricos de la música. Antes estaban prohibidos los tambores africanos. En Cuba no. En New Orleans estaban prohibidos los tambores, ya que a los blancos les daba yuyu. La primera vez que
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empieza a haber orquestas cubanas con percusiones en escenarios americanos es gracias a los músicos cubanos”. Le comentamos a Mariscal que, aunque es obvio que se trata de historias muy distintas, se ha comentado en prensa que el personaje de Chico tiene como referencia al propio Bebo: “Nos ha inspirado mucho Bebo, pero su vida no tiene nada que ver con la de Chico. Bebo salió de La Habana para poder tocar el piano y el jazz, mientras que Chico se queda en la isla. Es como un homenaje a los músicos cubanos, tanto a los que se han quedado como a los que se han ido. Está hablando de dos mundos: lo latino y lo anglo. Salen dos ciudades que son como dos caricaturas de ambos mundos: La Habana y Nueva York”. La época retratada –años cuarenta y cincuenta– está además muy cerca de las prefe-
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rencias estéticas de Mariscal, quien a menudo ha reivindicado el diseño de los años cincuenta como fuente de inspiración: “Es la época en que nace la televisión, la radio está en su gran apogeo, se desarrolla el brand, las marcas , el marketing, la publicidad, la rotulación, el nacimiento del neón. La calle se llena de rótulos”. En este punto, Mariscal empieza a recitar eslóganes publicitarios con acento cubano. Esa Habana precomunista que retrata la película nos resulta muy sorprendente y le preguntamos a Mariscal acerca del proceso de documentación: “Ha sido meterse a nivel de libros, muchas fotografías, películas, libros sobre moda, diseño, coches… Internet, que es una maravilla. Encontrar documentación visual de Nueva York, sea de la época que sea, es muy sencillo. De La Habana fue más difícil”.
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Para preparar las localizaciones de la película, Javier y Fernando recorrieron la ciudad palmo a palmo: “La Habana es un gran plató. Es como una bellísima mujer para hacerle miles de fotos. En La Habana, Fernando y yo discutíamos, por ejemplo, dónde tenía que vivir Chico, intentando adivinar cuál hubiera sido el lugar más adecuado para él”. Aunque a priori los campos de acción de uno y otro creador parecen estar muy bien delimitados, lo cierto es que en la práctica se dio una interesante “contaminación” mutua: “Todo el rato hemos opinado sobre el campo del otro. Fernando te da una tranquilidad absoluta. Conoce muy bien todo el proceso, desde la financiación a la distribución”. El resultado de esta colaboración ha dado como resultado una pieza única en su género:
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“Todos dicen que es una historia única, que refleja ese momento fantástico, la fusión entre los latinos de Cuba y los anglos de jazz y bebop”. En la película –que se ha nutrido del conocimiento enciclopédico de Fernando Trueba en este tipo de música– aparecen personajes reales de la historia del jazz, como Dizzy Gillespie, Charlie Parker o Nat King Cole, así como la cantaora Estrella Morente interpretándose a si misma. Músicos contemporáneos de primera línea han participado en la banda sonora imitando cada uno el estilo de algunos de los maestros desaparecidos, un esfuerzo de humildad realmente insólito, que convierte a la música de la película también en algo único: “Un esfuerzo de producción como el que se ha hecho no se había realizado nunca. La banda sonora entra en los genes de la pelícu-
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la. De hecho, una de las cosas importantes que están sucediendo es que mucha gente joven está descubriendo esta música gracias a la película. Por ejemplo, nadie conoce a Mario Bauzá, que es el gran cerebro y arreglista del momento. Si hubiera sido norteamericano, se habría hecho mundialmente famoso”. Curiosamente, los que normalmente han acusado siempre a Mariscal de repetirse, se sienten defraudados por encontrar un cambio de registro importante en Chico & Rita. Aunque el trazo sigue siendo suelto, hay un mayor apego a un cierto naturalismo: “Mi trabajo ha sido primero encontrar la solución gráfica para explicar esta historia. Cualquier bar, personaje, ambiente está tratando de ayudar para informar al espectador de los estados emocionales de los personajes y la trama. Todo el rato estás trabajando en función de la historia que hay que narrar, como
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art director y como ilustrador. Hay quien dice que es poco Mariscal. Pero por fuerza tiene que ser muy Mariscal, porque yo me he dejado las cejas. A lo largo de mi trayectoria he demostrado que los registros tienen que variar. Un buen grafista es alguien capaz de hacer una portada para un grupo punk y la señalización de un aeropuerto, sabiendo aplicar en cada caso las tipografías, iconos y paletas de color más apropiadas. Son códigos que un grafista debe conocer y aplicar con propiedad”. En este sentido, el establecimiento de un código visual ha permitido uno de los grandes logros de la película, que el trabajo de doscientas personas se perciba como si fuera la creación de una sola mano: “Mi trabajo ha sido conceptualizar como grafista e ilustrador. Mi misión era codificar un estilo para que un ejército de colaboradores
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pudieran reproducirlo de manera industrial y que parezca hecho por una sola persona. Ha sido un trabajo de estar muy encima y darte cuenta de que, si sabes codificarlo, hay muchos y muy buenos profesionales capaces de seguirlo. Los comienzos no fueron fáciles”. Comienzos que datan de bastante tiempo atrás: “La idea nace hace seis años, pero pasamos mucho tiempo –demasiado, en mi opinión– escribiendo el guión y buscando la financiación. La producción fueron tres años. Hubo muchos preparativos, rodar con actores, la banda sonora…”. La película transmite una sensación muy veraz de las ciudades y los diversos ambientes representados. Tanto es así, que uno de los elogios que con más placer ha recibido Mariscal en estos días es el de gente que, tras el visionado de la película, se le acer-
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ca y le dice “a mí me gustaría estar ahí, en ese bar, escuchando esa música”: “Hay cosas inventadas. Estoy especialmente orgulloso del bar El Faraón, que es el que abre la película. Es muy creíble. Es el solar de un almacén destruido donde se ha improvisado un garito. También hay localizaciones reales. En La Habana me vino un señor llorando diciendo que estaba muy agradecido, porque yo había dibujado la tienda que tenía su mamá. Todo el mundo reconoce los diversos escenarios de La Habana”. A este respecto, le preguntamos a Mariscal cómo fue la experiencia de presentarla en La Habana, sobretodo teniendo en cuenta que la película presenta ciertos aspectos del régimen castrista no muy favorecedores: “Ha sido muy emotivo. No hemos cargado las tintas en la crítica política, sino que
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hemos presentado hechos históricos. No hemos tenido ningún comentario y ninguna queja. Tampoco vino ningún comandante a felicitarnos, pero salimos en el Granma. En Cuba, a Bebo se le considera oficialmente un ‘gusano’, pero cuando en el pase dijimos que la película estaba dedicada a él, todo el cine se puso de pie y aplaudió durante diez minutos”. Dedicamos un rato a comentar el cómic, un producto paralelo y en cierta forma autónomo de la película. Nos preguntamos acerca de la pertinencia de crear un cómic, cuando ya existía la versión cinematográfica, sobre todo desde el punto de vista de los que opinan que un cómic es “el cine de los pobres”: “Yo hubiera querido hacerlo antes, pero es posterior. Hubo un proceso que quizá algún día lo publiquemos, que son mis dibujos pre-
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paratorios de la película. El cómic no es cine de los pobres en absoluto. Son medios de expresión distintos. Mira el caso maravilloso de Gallardo, de María y yo, una historia difícil de clasificar, pero que no deja de ser cómic. Con el cómic puedes hacer muchas cosas. Es un medio que tiene una necesidad de ser muy conciso, muy sintético gráficamente. Tiene una narración muy particular articulada en una doble página, cuya última viñeta te tiene que llevar a la siguiente. No funciona nunca una página entera sola. En este caso de la adaptación de Chico & Rita todo cambia. Lo he vuelto a dibujar todo absolutamente, hay viñetas que no aparecen en la película. Hay encuadres distintos con otros puntos de vista. Hay secuencias largas de la película que en el cómic sólo ocupan un par o tres de páginas”. Ante la posibilidad de entrar en la historia de Chico & Rita por dos medios distintos,
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le pedimos consejo a su autor acerca de qué ver primero, el cómic o la película: “Ni idea. Yo por mi experiencia con Persépolis he preferido leer antes el cómic. Pero en este caso igual te funciona como recordatorio”. Lo que sí le interesa dejar claro a Mariscal es que hay que ir acabando con los prejuicios contra el cine de animación, como si fuera un territorio exclusivo del público infantil y juvenil: “Una película de dibujos animados es un espectáculo. Es puro entertainment, ese concepto que cuando éramos pequeños estaba muy mal visto. Es evasión. El cine tiene ese punto de que te agarra y no te suelta. Estás secuestrado en una situación ideal. No es el 3D, pero sigue siendo espectáculo. La mayoría de gente que va a ver nuestra película sale diciendo: ‘a los cuatro
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minutos se me había olvidado que eran dibujos’. Hay unos códigos que debes aceptar para poder ser arrastrado por esa magia. No está machacado como una papilla. Hay que masticar. Estás trabajando como espectador y eso te produce una gran satisfacción”. Parte de esa magia es que espectadores de carne y hueso abandonen la sala perdidamente enamorados de Rita o de Chico: “Para los chicos del equipo ha sido una sorpresa descubrir que Chico es considerado muy guapo y elegante por el público femenino. Porque a quien hemos mimado especialmente es a Chica, la hemos vestido de Dior o con un vestido de Marilyn para una determinada actuación”. Mariscal recalca que Chico & Rita no puede ser considerada, ni de lejos, una gran producción, pero hay algo que la emparenta
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sutilmente con producciones de Disney, sobre todo por la manera en que se juega con la iluminación: “Disney para mí es un buen ejemplo de cómo dar lo máximo a la audiencia. A mí me hubiera gustado repetir el treinta y cinco por ciento de la película, pero no ha sido posible. Si hubiera tenido más presupuesto no lo hubiera invertido en efectos especiales: hubiera comprado tiempo”. Volviendo a la estética de las imágenes, aunque hay decisiones algo insólitas en el mundo de la animación, como la de dejar el dibujo en trazo negro, se han evitado soluciones más transgresoras para no perjudicar a la historia: “No quería que fuera demasiado ‘artístico’. Cuando ves la película tienes que estar más pendiente de la historia que del trazo. Hay una apuesta fuerte por el clasicismo. Hay
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gente que no lo entiende y considera que es una historia muy simplona. La emoción la estamos dando con la luz, con el color y con la música. En cualquier caso, esta es una película muy de Fernando. Él dice que ha estado trabajando para mí, pero es evidente que yo he estado trabajando para él. Un terreno en el que me siento muy a gusto es la escena del sueño. Es un estilo más suelto, más cubista. Pero la historia entera no se podía contar así”. Para finalizar la conversación, Javier no quiere dejar de mencionar a Tono Errando, una persona decisiva en la realización de Chico & Rita: “Tono ha sido fundamental en el día a día. Yo tenía que ocuparme también de otros proyectos y Tono ha tomado él solo miles de decisiones muy bien tomadas”. l