Palazzi A Venezia Avril 2020 by vittorio e. pisu

Phot venessia.com

Google Art Project Musées Virtuels Caroline Secq Eileen Grey Yvon Taillandier Ma Madesheng Filip Mirazovic L’autre Salon du Livre Paloma Kuns Mode et Architecture Isa Sator Arts for Offices Rosy Lamb Ut pictura poesis Raffaello Sanzio Un amour pour l’éternité Betty Hanns / Eric Hermann Sept Femmes diversifient l’Art Ernest Pignon Ernest Anne Van der Linden Vittorio Gregotti 8 Tableaux volés jamais retrouvés Paolo Conte Yvana Spinelli Anne & Patrick Poirier

PALAZZI A VENEZIA Publication périodique d’Arts et de culture urbaine de l’association homonyme régie par la Loi de1901 ISSN/Commission Paritaire : en cours Distribution postale/digitale Président Directeur de la Publication Vittorio E. Pisu Correspondance palazziavenezia@gmail.com https://www.facebook.com/ Palazzi-A-Venezia https://www.vimeo.com/ channels/palazziavenezia

Trenteunième Année / numéro 04 Avril 2020 Prix au numéro 5 euros Abonnement annuel 50 euros Abonnement de soutien 500 euros

La culture à Venise Pinacoteca di Brera - Milano ne s’arrête pas. https://pinacotecabrera.org Donc, si, au moins jusqu’au 3 avril 2020, les musées ne Galleria degli Uffizi - Firenze peuvent pas être visités sur la https://www.uffizi.it/mobase du dernier décret du goustre-virtuali vernement pour la prévention du risque de coronavirus, ce Musei Vaticani - Roma sont eux qui entrent dans nos http://www.museivaticani. maisons de toute façon. va/content/museivaticani/ Prenant au pied de la lettre l’apport des campagnes it/collezioni/catalogo-onlisociales du ministère ne.html de la culture avec les hasta Museo Archeologico - Atene #iorestoacasa et #larteresiste, ils poursuivent leur mission de https://www.namuseum. diffusion de la culture. gr/en/collections/ Grâce à la collaboration avec Prado - Madrid l’Institut culturel Google, les musées civiques de Venise https://www.museopeuvent être visités virtuelle- delprado.es/en/the-colment. Tranquillement, chez soi lection/art-works devant un ordinateur ou avec un smartphone, on peut aller à Louvre - Parigi la découverte des sites, suivre https://www.louvre.fr/en/ des chemins de visite, admirer visites-en-ligne les collections qui y sont conservées. British Museum - Londra Le Google Art Project est une https://www.britishmuplateforme en ligne grâce à seum.org/collection laquelle le public du monde entier peut accéder à des Metropolitan Museum - New York images haute résolution des https://artsandculture.gooœuvres d’art des musées qui gle.com/explore font partie de l’initiative, visiter l’intérieur des salles Hermitage - San Pietroburgo grâce à Street View et https://bit.ly/3cJHdnj s’attarder sur les détails de National Gallery of art certains chefs-d’œuvre. Il y a aussi la possibilité de se Washington plonger dans le passé de la vil- https://www.nga.gov/inle grâce au rappel de certains dex.html lieux symboliques. “C’est une façon alternative de visiter les musées - explique la présidente du MUVE Mariacristina Gribaudi - et pour que la beauté soit toujours à nos côtés même dans les moments difficiles. https://www.google.com/ culturalinstitute/ about/artproject/

vec ce numéro nous nous trouvons à vous proposer des événements qui ont été pour la plus part, sinon tous, supprimés et renvoyés à un temps plus clément. Cette épidémie de corona virus qui s’est déclaré et diffusée un peu partout en Europe et dans le reste du monde, avec des conséquences et des situations bien différentes, est en train de changer profondément nos habitudes mais aussi notre manière de voir les choses. Peut-être même que par la suite nous serons capables de nous interroger sérieusement sur notre manière de vivre et sur le bien fondé de certains choix qui nous sont imposés tant bien que mal par un néolibéralisme intéressé uniquement par le profit immédiat et d’un égoïsme aveugle et sommes toutes particulièrement stupide. Le virus ne faisant pas de distinction ni de couleur de peau, ni de nationalité, ni d’âge, ni de fortune, il y aurait peut-être à méditer là-dessus. Sans compter le nombre d’élus (sic) qui se sont révélés particulièrement incapable de comprendre le phénomène, de prendre des décisions efficaces, lorsqu’ils n’ont tout simplement aggravé la situation avec leur stupidité congéniale. Pour ma part, me trouvant en Italie, où la quarantaine a été instituée très rapidement, cela n’a pas changé grand chose à mon quotidien et à ma façon de vous proposer chaque mois une série de visite d’expositions ou de manifestations artistiques et culturelles. Cette clausure forcée me pousse aussi à travailler et à dessiner et graver à partir de thèmes que j’avais déjà imaginés. Pour le reste, à part la stupéfaction liée au spectacle des différentes manières de réagir de mes connationaux, j’espère tout simplement que nous arrivions, tous ensemble et sans trop de casse à dépasser cette épreuve un peu spéciale. Je pense aussi à beaucoup de mes amis qui, en France, mais aussi en Angleterre mais surtout aux États Unis, sont confrontés à des manières très différentes, de la part des autorités, de réagir et prendre des dispositions pour endiguer les effets de cette désormais considérée comme une pandémie. Il nous reste toujours l’Art et les moyens technologiques dont nous disposons nous permettent de visiter musées et galeries d’art malgré la quarantaine qui nous est imposée. A condition bien entendu d’avoir une bonne connexion Internet et un computeur en mesure de nous diffuser ces images photographiées ou filmées. En vous souhaitant de rester en bonne santé en suivant les indications médicales et sanitaires, je vous donne rendez vous à très bientôt. Vittorio E. Pisu

Photo Musée Soulages

CAROLINE SECQ

aroline Secq est née en 1956 à Lille. Elle fréquente Hyppokhâgnes, étudie les arts plastiques et les lettres modernes. Elle obtient également un Master en psychologie spirituelle à l’Université de Santa Monica (Etats-Unis). Conceptrice en agence de publicité, elle devient ensuite thérapeute du langage, responsable de presse pour Musicora et Consultante internationale en communication. Elle commence à dessiner au pastel à l’huile et à façonner des compositions qui se transformeront en entrée libre de 13h à 19h familles de fétiches et en « Marées basses », constituées de matériaux ballottés par les eaux. Après son séjour aux Etats-Unis, elle poursuit sa création qui, après les fétiches et les gris-gris, s’oriente vers les « Echeveaux Sauvages », un travail d’assemblage textile « qui vient caresser l’œil autant que la main », précise-t-elle. Ses œuvres ont été exposées à la galerie de la Halle Saint Pierre, à Paris, elle a aussi été exposé au Musée Georges de Sonneville de Gradignan. “Sixième continent” en référence à la masse de déchets plastiques rejetée à la mer. Caroline Secq présente ses œuvres composées à partir de ces déchets collectés depuis des années sur les plages du littoral atlantique. 119 avenue Maurice Martin Des œuvres colorées, presque joyeuses et qui pourtant 40150 Hossegor sont révélatrices de la pollution. Tél. : 05 58 41 99 99 Dans “Place des Grands Hommes”, Caroline Secq raconte son parcours et explique sa démarche d’artiste casinohossegor@wanadoo.fr avec une grande sincérité. www.casino-hossegor.com PALAZZI 3 VENEZIA

du 18 avril 2020 au 10 mai 2020

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Photo Christophe Dellière

Eileen Gray,

née Kathleen Eileen Moray Smith le 9 août 1878 à Enniscorthy dans le sud de l’Irlande (qui était alors rattachée au Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d’Irlande), et morte le 31 octobre 1976 (à l’ancien hôpital Broussais, dans le 14e arrondissement de Paris1) est une designer et architecte irlandaise. Elle est surtout connue pour avoir incorporé de luxueuses finitions laquées sur des meubles d’esthétique Art déco puis évolué vers le mobilier à structure en acier tubulaire de Style international dans les années 1920. Dans le domaine architectural, elle est célèbre pour avoir créé la Villa E-1027 avec Jean Badovici, interprétation libre de l’architecture moderniste. Après avoir été largement négligée par le corps architectural de longues années durant, elle a connu un regain de popularité à la fin de sa vie. Aujourd’hui, elle fait partie du « Panthéon » des architectes et designers qui ont marqué cette discipline de leur empreinte. En témoignent les expositions posthumes et les classements au titre de monuments historiques de certaines de ses œuvres.

Eileen Gray jusque au 12 juillet 2020

Bard Graduate Center 38 W 86th Street New York, NY 10024 +1 212-501-3019 www.bgc.bard.edu/

’énigmatique architecte et designer d’origine irlandaise Eileen Gray trace sur la pointe des pieds une curieuse ligne historique entre l’obscurité et la légende culte, tout dépend de qui vous demandez. D’une part, elle a été appelée la “Mère de la modernité”, un nom qui lui a été donné par Cloé Pitiot, une éminente spécialiste de la vie et de l’œuvre de Gray et la conservatrice de “Eileen Gray” qui a récemment ouvert à la galerie du Bard Graduate Center. Gray est à la hauteur du noble sobriquet comme peu d’autres le pourraient. Faisant partie de la poignée de femmes qui ont exercé la profession d’architecte avant la Seconde Guerre mondiale et du mouvement architectural moderniste, elle a côtoyé des personnalités comme Le Corbusier, Mies van der Rohe et Walter Gropius. Et bien qu’elle soit souvent comparée aux designers Charlotte Perriand et Ray Eames, leur carrière a pris son envol des décennies après celle de Gray, comme Nina Stritzler-Levine, directrice de la galerie du Bard Graduate Center, s’empresse de le souligner. Pourtant, malgré son héritage singulier, Gray est restée étonnamment inconnue en dehors des cercles d’architecture et de design de niche. L’exposition Bard est donc un regard sur l’un des grands talents du modernisme, qui aurait dû être présenté depuis longtemps. Il s’agit de la première exposition consacrée à Gray aux États-Unis depuis l’exposition “Eileen Gray, Designer” du Musée d’art moderne, qui s’est tenue il y a 40 ans, en 1980. L’exposition actuelle présente l’étonnante diversité de ses capacités à travers 200 pièces de mobilier, dessins et maquettes d’architecture et textiles, dont certains n’ont jamais été montrés auparavant.

Photo Berenice Abbott

Pitiot, commissaire de l’exposition “Eileen Gray” au Centre Pompidou en 2013 (elle a été présentée au Musée irlandais d’art moderne à Dublin en 2014), présente sept années de nouvelles recherches dans cette nouvelle exposition. Et ces recherches, rassemblées avec l’aide de la conservatrice Jennifer Goff du National Museum of Ireland et de Stritzler-Levine, ont été rassemblées grâce à un effort herculéen. C’est parce que Gray ne croyait pas à la préservation de ses papiers ; en fait, elle a détruit une grande partie de sa propre correspondance et de ses documents parce qu’elle “voulait que sa vie privée reste privée”, a déclaré M. Pitiot. Nombre des nouvelles découvertes du spectacle sont le fruit d’heures passées à fouiller dans les archives de ses amis et contemporains, dont Auguste Rodin, le créateur de mode Jacques Doucet, la danseuse Loïe Fuller et l’occultiste Aleister Crowley. Il en ressort l’image d’un talent multiple et audacieux, et d’une femme intentionnellement insaisissable et intrépide, mais néanmoins soumise aux préjugés de son époque. Née en 1878 dans une famille de la haute société, Gray étudie à la Slade School of Design de Londres avant de s’installer à Paris pour étudier à l’Académie Julian. Un des premiers et rares dessins d’une femme nue dans le spectacle témoigne de sa formation artistique et du fait que sa compréhension de la structure PALAZZI 5 VENEZIA

du corps a inspiré son approche très spécifique du mobilier. Elle rencontre bientôt l’artiste Seizo Sugawara, avec qui elle étudie l’art de la laque japonaise traditionnelle. Plus tard, après avoir créé, avec son amie Evelyn Wyld, un atelier de tissage qui emploie jusqu’à huit femmes à la fois, elle dirige la Galerie Jean Désert, un fournisseur parisien de décoration intérieure moderniste, de 1921 à 1930. Elle y expose également des exemples d’art moderne, ce qui fait d’elle une des premières femmes galeristes. Gray a souvent inclus des énigmes dans ses dessins et ses titres, et le nom de son magasin en est la preuve : Jean Désert est en partie un hommage à son amant, l’architecte romain Jean Badovici, ainsi qu’aux espaces d’Afrique du Nord qu’elle adorait. Mais le nom est aussi un pseudonyme masculin bien employé qui a permis à Gray de naviguer dans son domaine avec une facilité déguisée, un détail qui révèle comment Gray opérait. “Quand les gens venaient dans le magasin pour demander Jean Désert, elle disait qu’il n’était pas là ce jour là”, a remarqué Pitiot. Lorsqu’elle s’est tournée vers l’architecture avec les encouragements de Badovici, elle y a apporté (suit à la page 6)

Courtesy of the Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky and FondE.Gray.

(suit de la page 5) sa sensualité unique, qui valorisait l’individu. “Elle a créé une architecture très humaine”, a déclaré Mme Pitiot. “Même si le design est le même, il y a des différences.” Pitiot montre deux chaises apparemment identiques avec une légère différence : l’une a des pieds carrés et l’autre est arrondie. Parmi ses autres créations, on peut citer sa chaise Fauteuil non conforme, avec un bras surélevé, pour fumer, et un bras incliné pour pouvoir tourner facilement en discutant. Ses créations se définissent par leur spécificité, mais aussi par leur multifonctionnalité et la conscience de Gray de la préciosité de l’espace. L’une de ses œuvres est un meuble de service arrondi (mieux vaut se heurter à un bord rond qu’à un bord pointu) avec un ensemble de tiroirs déguisés à l’arrière, pour conserver les objets de valeur ; une autre est une tente de camping avec un lit et une table à manger intégrés. Ce lyrisme lui a valu l’enthousiasme - elle a dessiné pour le maharaja d’Indore, le célèbre courtisan Jacques Doucet et la célèbre modiste Juliette Lévy - mais elle a aussi inspiré la jalousie. Son premier chef-d’œuvre architectural, E1027 (1926-29), une villa blanche immaculée sur la

côte sud de la France conçue comme une résidence de bord de mer pour un couple, a tellement obsédé Le Corbusier qu’il s’est littéralement installé dessus, occupant le terrain qui l’entoure avec ses propres édifices aux couleurs vives. Lorsque Gray s’est éloigné de la villa après une séparation d’avec Badovici, Le Corbusier a infâmemment peint les murs nus du bâtiment avec des fresques aux couleurs vives, bien que Gray les ait explicitement conçues pour être nues. “Au moment où l’intérêt pour l’architecture est apparu dans l’E1027, Badovici et Corbusier avaient apparemment écrit [Gray] sur son propre projet”, a déclaré Goff, le conservateur du Musée national d’Irlande. Pourtant, malgré l’insulte, Gray a continué, apparemment sans se laisser décourager, et a conçu Tempe à Pailla (la deuxième de ses trois maisons), une retraite dans les collines françaises dans laquelle elle a synthétisé ses espaces de vie et de travail en une harmonie complète. Elle a alors 54 ans. (Elle vivra jusqu’en 1976, date à laquelle elle mourra à 98 ans). “Ce qui est remarquable chez Gray, c’est qu’elle a été sous-estimée, mais qu’elle n’a jamais regardé en arrière”, a déclaré Mme Strizler-Levine. “Elle a simplement continué d’avancer. A ses 80 ans, elle envisageait de se procurer une moto”, a déclaré Mme Strizler-Levine. “Elle avait tellement d’esprit, et aucune peur.” Katie White news.artnet.com/exhibitions/eileen-gray-crossing-borders-bard-graduate-center

Photo galerie GNG

von Taillandier est un peintre, sculpteur et écrivain français, né le 28 mars 1926 à Paris et mort le 3 mars 2018 à Avignon. Il présente sa première exposition personnelle à la galerie L’Art français à Lyon en 1942. Dans les années 1950, il abandonne la peinture au profit de la littérature (critique d’art, histoire de l’art). Il collabore pendant quatorze ans à la revue “Connaissance des arts” et à la revue “xxe siècle”. Il fut secrétaire du comité du Salon de mai pendant 44 ans. La peinture d’Yvon Taillandier est figurative, constamment narrative et crée un monde imaginaire avec ses personnages, ses événements. Yvon Taillandier a oc-

présentent

YVON TAILLANDIER

Retrospective du 24 mars au 25 avril 2020 25, rue Yves Toudic 75010 Paris 3, rue Visconti 75006 Paris 00 33 (0)6 10 26 90 05 00 33 (0)1 43 26 64 71 info@galeriegng.com http://www.galeriegng.com

cupé, chose assez rare, deux postes d’observation dans l’art : écrivain sur l’art et artiste. C’est dire la validité et la richesse de son regard sur l’art de son époque. Il voyage beaucoup (Japon, Hong Kong, Bangkok, Yougoslavie, Mexique, Népal). A Calcutta et à Cuba, Taillandier donne des conférences et des cours au titre de consultant de l’Unesco. Puis, dans les années soixante dix, le désir de peindre reprend le dessus. On sait bien que chaque artiste construit son propre monde. Chez Yvon Taillandier, il faut prendre cette qualité au premier degré. « Le Taillandier – Land » existe, je l’ai rencontré. Ses habitants n’ont pas vraiment le même nombre de bras, de jambes ou de têtes que les humains ; leur comportement, leur langage réservent des surprises. Heureusement le peintre a rédigé le dictionnaire du Taillandier-Land pour que l’on s’y retrouve. Yvon Taillandier occupa, de 1970 à 2010, un atelier au numéro 8 de la rue de l’Agent Bailly. à Paris. Les volets de son atelier offraient des fresques entières dédiées au monde dont il a été le créateur sans que, pendant trente ans, selon les témoignages des habitants du quartier, aucun tag ne vienne brouiller ces images d’auteur. Celui qui fut présenté, malgré la différence de génération, comme un des précurseurs de la Figuration libre, préfère donner à son travail l’appellation de « Figuration libératrice ». http://imagoart.e-monsite.com/taillandier-yves.html

PALAZZI 7 VENEZIA

Photo South China Morning Post

a Desheng, 68 ans, cheveux longs et gris, chaise roulante, à le rencontrer et le voir, rien ne laisserait supposer la force et le courage de cet homme et grand artiste que la vie n’a pas épargné. Tour à tour poête, graveur, calligraphe, peintre ou performer, Ma Desheng incarne pour tous un modèle de combativité et de créativité. Né à Pékin en 1952, Ma Desheng fait partie des premiers artistes contemporains chinois à avoir libéré l’Art chinois de la propagande maoïste. Après avoir été arrêté pour son rôle dans l’organisation de la première exposition du groupe et les répressions contre les “penseurs libéraux”, l’artiste s’installe à Paris en 1986. Ma s’est formé à l’artisanat du bois, ses œuvres sont conservées dans diverses collections publiques et privées importantes, dont l’Ashmolean Museum et le British Museum

“ La nouvelle voie à suivre ne s’accompagne cependant pas nécessairement de la négation de l’histoire millénaire dont ils sont les héritiers - la tradition d’une peinture de paysage construite autour des “quatre joyaux du peintre” (le pinceau, le papier, la pierre et l’encre) -, mais le temps est venu de la bousculer et de la projeter dans la modernité.” Souffrant très jeune d’une grave maladie le contraignant à se déplacer en béquilles, l’artiste ne restreint ni sa productivité ni sa créativité. Il dédie sa vie à l’Art en formant le groupe “Les Etoiles “ (Xing Xing) dont il sera avec Wang Keping, Huang Rui, Li Shuang, Zhong Acheng, Ai Weiwei. l’un des piliers majeurs de cette intelligentsia. C’est tout d’abord en autodidacte qu’il commence sa carrière comme dessinateur puis comme graveur. Suite aux rencontres avec d’autres artistes chinois aujourd’hui internationalement reconnus, le travail de Ma Desheng a été présenté lors d’expositions personnelles et collectives, de foires internationales et d’entrées en collections dans les plus grands musées du monde. En 1985 s’établis en Suisse, puis deux ans plus tard à Paris, en 1992 à la suite d’un accident d’automobile cessera son activitè pendant dix ans pour la reprendre en 2002, . Il a publié de nombreux recueils de poésie: Ma Desheng participe régulièrement à diverses manifestations internationales de poésie. Il est l’une des figures marquantes de la poésie sonore, de la poésie action et de la lecture performée. Il est notamment représenté par la galerie Kwai Fung Hin à Hong Kong et A2Z Art Gallery à Paris et Hongkong. www.a2z-art.com/artists/artists/description/artistid

Photo Sortir a Paris

MA DESHENG epuis les années 1970, Ma Desheng peint, dessine et sculpte des formes minérales. Les pierres sont, selon lui, dotées d’une âme. Il est donc guidé par le “souffle vital” - le soi-disant qi - que Ma Desheng exprime lui-même. Cette relation physique et sensible est porteuse d’un espoir universel, l’Harmonie. Toute la réflexion de Ma Desheng s’appuie sur la philosophie taoïste : l’homme n’est pas au centre de l’univers mais est un élément parmi d’autres. L’être humain n’a aucun droit sur la nature, il doit la respecter. L’œuvre de Ma Desheng a très vite pris pour objet le corps humain, d’abord absent de son travail, ou du moins marginal dans ses paysages de dimensions cosmiques. Le corps n’a jamais cessé d’être le fil conducteur de ses expériences avec l’encre de Chine et la lithographie. La stabilité des paysages a été suivie par le mouvement du corps. La pierre était, pour lui, le moyen d’obtenir la meilleure synthèse entre mouvement et stabilité. Il l’a d’abord peint sur toile, avec une série intitulée “les êtres de pierre”. Puis, il a pris possession du matériel lui-même. Ses assemblages imitent le corps, grâce à un matériau qui vient du sol. Perdant la mobilité de son corps, l’artiste interroge toutes les formes d’équilibre. Les pierres s’accumulent encore et encore, jouant sur

PALAZZI 9 VENEZIA

le paradoxe de leur poids et de leur fragilité. Les sculptures monumentales en bronze de Ma Desheng montrent des figures dépersonnalisées qui transcendent la condition humaine. Ils créent des liens entre les éléments palpables (la terre), sur lesquels l’homme se tient, et les éléments immatériels (le ciel) vers lesquels l’homme s’élève et rêve. Mais la photo, prise en 2007 dans un café parisien, montre les liens qui unissent toujours les pionniers : Huang Rui, qui vit toujours à Pékin, Ma Desheng, et Wang Keping, près de trois décennies après leur coup d’éclat de 1979. Peintre, mais aussi poète, Ma Desheng explique, dans un entretien qui accompagne l’expo : « Je pense que les pierres sont très vivantes. Si la planète explose, tous les êtres vivants disparaîtront mais pas les pierres. » Pour Ma Desheng, la pierre est l’élément catalytique de tout être animé par une énergie, le support témoin de l’éternité. Domaine Régionale de Chaumont-sur-Loire 41150 Chaumoun sur Loire T. : +33 (0) 254 209 922 F:+33 (0) 2 54 20 99 24 w w w. d o m a i n e - c h a u mont.fr/ .nouvelobs.com/rue89/ rue89-chine/20150130. RUE7650/hommage-francais-a-ma-desheng

FILIP MIRAZOVIC

« Grandir » La galerie Mariska Hammoudi a le plaisir d’annoncer “Grandir”, une exposition de Filip Mirazovic présentée à la Galerie Municipale Julio Gonzalez (Arcueil) Dans cette exposition, Filip Mirazovic étend sa peinture au sujet de l’intime, avec une grande place accordée à la figure humaine, sa famille en premier lieu puis des proches. Tout est placé dans un espace allégorique, constituant un rébus mystérieux sur la voie du « grandir ». Reconduisant certains éléments, motifs présents depuis le début (intérieur, lustre, sources de lumière …), un nouvel élément marquant prend toute sa place : celui de la couleur pure saturée, impressionniste.

Mariska Hammoudi

Galerie Municipale Julio Gonzalez 21 avenue Paul DOUMER, 94110 Arcueil

+33 1 46 15 09 75

https://www.arcueil.fr/category/ culture-loisirs/ galerie-julio-gonzalez/

Photo filipmirazovic

du 28 février 2020 au 28 mars 2020

FILIP MIR

é en 1977 en Serbie, ex-Yougoslavie, Filip arrive en France en 1992 . Il est diplômé d’un Bac de graphiste maquettiste au Lycée Auguste Renoir en 1996. il intègre les Beaux-arts de Paris en 1997.(dans l’atelier de Vladimir Velickovic puis dans celui de Christian Boltanski et Dominique Gauthier ). Il en sort diplômé en 2003. Il est marié à l’artiste française Charlotte Salvanès – Mirazovic. Filip situe son travail dans la continuité des peintres classiques. Il développe depuis 2009 un travail de grand et moyen format représentant des scènes de paysages ou d’intérieurs. Possédant des éléments reconnaissables de la culture occidentale, mais mis en doute et en crise. La galeriste Mariska Hammoudi le représente en France. Il a travaille aussi régulièrement avec le galeriste et collectionneur Jean-Michel Marchais. Filip a exposé récemment son travail au sein du centre culturel serbe de Paris.. au Domaine de Chamarande (FDAC Essone).. avec la galerie Mariska Hammoudi, la galerie quai Est ainsi que la galerie Guillaume.. Et lors de foires d’art contemporain telles que Chic Art Fair et Art International Zurich. Le centre culturel de Serbie à Paris lui consacre une grande exposition personnelle en 2014. Plusieurs revues spécialisées ont parlé de sa peinture dont AZART ou Connaissance des Arts.. et tout récemment il a été présenté dans l’article “qui sont

Photo filipmirazovic

AZOVIC

les peintres expressionnistes aujourd’hui” par l’historienne de l’art Amélie Adamo dans le L’Oeil Magasine, qui a écrit le texte critique pour son catalogue de l’exposition “Grandir”, dans le centre Julio Gonzales ou encore le journal télévisé de France 3 (pour sa commande publique de fresque “Opus G. Brassens”). Il a étudié la critique d’art avec Marcelin Pleynet, Paul Ardenne, Alain Bonfand mais encore Jean-François Chevrier. Aussi la morphologie par Philippe Comar;; la fresque, le modelage ainsi que l l’histoire de l’art classique, moderne et contemporain. Il enseigne la peinture et le dessin au sein du collectif ”D’un atelier à l’autre “, qu’il a co-fondé avec Charlotte Salvanès et Michel Perot. “Filip Mirazovic est avant tout un « visuel ». Puisant dans la réalité et dans « l’actualité » de la nature, il tend à cultiver une démarche empirique, basée sur l’expérimentation inlassable de la forme. Sa démarche témoigne d’une volonté de voir la peinture réintégrer toute sa place dans l’art contemporain, et d’une foi toujours intacte dans le pouvoir de l’art en général.” Marc-Olivier Wahler Filip Mirazovic Tél. +33 (0)6 17 41 62 75 atelier 1 ter 1 ter rue P. et M. Curie – 94200 Ivry sur Seine. voir la vidéo contact@dunatelieralautre.org https://vimeo.com/254153635 www.galeriemariskahammoudi.com PALAZZI 11VENEZIA

ilip Mirazovic s’inscrit dans la lignée des maîtres anciens par l’usage de la figuration et de la narration. Il se réfère à l’imagerie du passé (paysage allégorique, scène de genre) à laquelle il associe des éléments du présent (transports, cinéma, industrie, énergie). Il réalise des tableaux représentant des paysages et des scènes d’intérieur. Ses compositions aux sujets plutôt sombres traduisent le regard acerbe qu’il porte sur les civilisations occidentales. Il s’agit ici d’allégories composites et personnelles. Avec des bouts de histoire de l’art, d’histoire personnelle et d’histoire politique et sociale de son pays de naissance - la Yougoslavie ; avec des bouts de comptes de fées et de cartes postales. Dans cet espace reconstruit, l’irréalisme des échelles souligne la nature éminemment symbolique des objets ; en référence aux productions du Moyen Âge, leur taille se révèle proportionnelle à leur importance. La démarche engagée de Filip Mirazovic vise à apostropher le conservatisme occidental (notamment dans les sphères du pouvoir économique et politique) et à l’interroger sur l’avenir de notre société. L’homme et son confort dominent ici clairement la nature qui, néanmoins, commence à se rebeller. En laissant s’immiscer les catastrophes écologiques dans les appartements du pouvoir, l’artiste pointe les fragilités récurrentes de notre système menacé par la persistance de son modèle et de ses élites. Lauranne Germond

asard du calendrier, la toute première édition de ce nouveau salon se déroulait aux mêmes dates que Livre Paris (pas même référencé par Aldus, le réseau des salons du livre européens !), nous positionnant en « off Versailles », le salon gratuit. Plus de 6 000 visiteurs ne s’y sont pas trompés, délaissant l’habituel cirque médiatique et tape-à-l’œil de Livre Paris — fallait-il abattre autant d’arbres pour cela ? —, pour satisfaire leur curiosité d’une édition alternative, plurielle et créative : l’édition indépendante. Si cette année l’autre SALON se tient deux semaines plus tard, la qualité sera là encore au rendez-vous. L’impertinence, également, et la saine colère qu’attisent les fractures traversant notre société — maintenant plus que jamais. LE LIEU LE PALAIS DE LA FEMME est doté d’une magnifique salle se prêtant aux

3, 4 et 5 avril 2020 Vendredi 03 avril 14 h – 20 h Samedi 04 avril 11 h – 20 h Dimanche 05 avril 11 h – 19 h

Palais de la Femme 94, rue de Charonne 75011 Paris Métro Charonne

Photo loeildelafemmeabarbe

L’autre SALON

événements d’exception, telle la première édition de l’autre SALON, en mars 2018, et telle cette troisième édition, qui ne sera pas la dernière, loin s’en faut ! LE FREE L’entrée à l’autre SALON est GRATUITE, les frais de location de salle et la publicité sont couverts par les participations des éditeurs exposants, qui ne paieront que l’espace qui leur est alloué, selon un tarif dix fois inférieur à ceux pratiqués par Reed Expo. Aucune commission sur les ventes n’est réclamée par la suite. Sur les stands régionaux (comme par exemple celui de l’Île-de-France), le libraire et ses petites mains paraissent assez superfétatoires : les livres qui partent bien sont vendus par les éditeurs eux-mêmes — qui, faisant le travail, n’éprouvent pas vraiment le besoin de reverser 40 % du montant des ventes au dit libraire bien installé derrière son tiroir-caisse. Rien n’égalera jamais les échanges directs, de visu, avec les éditeurs et leurs auteurs invités. LE “OFF” Pourquoi choisir le « off » ? L’autre SALON se distingue de manière évidente de « l’autre salon », celui de la Porte de Versailles : son entrée est LIBRE ! L’autre SALON Face à la machine à sous versaillaise, l’autre LIVRE, depuis 18 ans, résiste. Car le livre n’est pas un produit qui n’aurait de valeur que marchande. À quelques jours et à quelques stations de métro de cette “exhibition” littéraire en plein déclin (Porte de Versailles, on a longtemps fait la part belle au stand Amazon, remplacé aujourd’hui par celui de Mc Donald’s, si bien que petits et gros éditeurs échaudés par les tarifs ont de plus en plus tendance à se faire la valise), l’autre LIVRE, en 2020, riposte. Car un salon du livre n’est pas seulement une foire aux best-sellers où se bousculer pour obtenir un autographe

du Prix Machin Chose bien médiatisé — l’un de ces Prix qu’entre Vrais Pros de l’édition on se repasse d’année en année, en bons copains qui savent se partager le gâteau. EN RÉSUMÉ, L’AUTRE SALON, C’EST : Un salon du livre où il fait bon se trouver, et non une scène littéraire où s’exhiber. Un salon où les exposants n’ont pas besoin de stands régionaux sur lesquels on les soumet à triple peine : payer un droit d’inscription non négligeable ; travailler pour vendre leurs livres ; reverser 40 % au libraire ayant remporté l’appel d’offres, qui ne connaît pas les livres qu’il encaisse et dont la plupart sont donc vendus par leurs propres éditeurs ponctionnés. Un salon où chaque éditeur dispose d’un espace de présentation en fonction du nombre de ses titres et de la visibilité qu’il désire leur donner. Un salon où les visiteurs peuvent acheter des livres, sans devoir au préalable engraisser Reed Expo (et les fonds de pension américains tapis derrière cette société écran) en payant un droit d’entrée prohibitif. Un salon revenant beaucoup, beaucoup moins cher aux Régions qui soutiennent financièrement leurs éditeurs en supportant une grande part du coût des stands régionaux... Un salon où il fait bon flâner entre les stands pour retrouver ou découvrir la trop discrète et pourtant riche diversité éditoriale — celle qu’on ne fait qu’entrevoir au salon de la Porte de Versailles — dont l’autre SALON se veut, désormais, l’antidote ! https://www.lautrelivre.fr/evenement/l-autre-salon-2020 PALAZZI 13VENEZIA

arce qu’éditer des livres “grand public” avec des artistes contemporains vivants, c’est toujours promouvoir leur travail et faire découvrir leurs œuvres, L’œil de la femme à barbe s’est lancé dans cette aventure en juin 2016 et a donc fondé sa maison d’édition. 14 ouvrages ont déja vu le jour, dont les deux derniers à peine sortis des presses et disponibles à partir du 16 mars prochain. Vendus sur commande dans toute bonne librairie, en ligne sur la boutique du site internet (port offert) et à l’occasion de chacune des expositions de la galerie nomade, ces livres méritaient bien une présentation au salon du livre. Vous pourrez feuilleter, par ordre de venue au monde : - Variations sur Hieronymus B. de Sophie Sainrapt, avec des textes d’Emmanuel Daydé, Pascal Aubier, Marc Desmazières - Partir... un transsibérien de Thérèse Gutmann - Les Insolites de Marie Delarue, avec un texte de Jean-Claude Lauret - Les quatre petites filles de Sophie Sainrapt avec des textes de Pascal Aubier - Les grandes Cocottes d’Isa Sator, préface de Mylène Vignon - Rêve de Beluga de Laurence Dugas-Fermon - Nue face au monde, textes de Laurence Dugas-Fermon et œuvres de Sophie Sainrapt - Trognes & Créatures de Rebecca Campeau - Corps à corps d’Hashpa et Sophie Sainrapt, préface de Christian Noorbergen - Fabuleuses chimères d’Eva Chettle, textes en collaboration avec Marie Delarue - Animaux mythos de Sophie Sainrapt, textes de Christian Noorbergen - Moi et ma vie de peintre de Guillaine Querrien - Morceaux qui tombent & Instants choisis de Claire Zuber - Présences de pierre de Raâk, textes de Marie Gatard. Ghislaine Verdier

Photo @cafelomi

ée dans un quartier populaire de la vallée de Caracas, Paloma Kuns s’intéresse très tôt aux arts; elle a suivi des cours dans un atelier dédié aux enfants au musée des Beaux-Arts. Son enfance est consacrée à la peinture et à l’écriture. Adolescente, elle se découvre une véritable passion pour la musique et apprend à jouer de la mandoline et du hautbois. Sa formation universitaire et le début de sa carrière d’ingénieur chimiste la détournent d’une voie artistique. En 2001, elle quitte sa maison natale pour suivre une formation complémentaire en sciences et en gestion en France. En 2012, un grand changement s’opère dans sa vie, elle déménage avec sa famille au Gabon et décide de renouer avec sa première passion : la peinture. Son travail à plein temps

Coffeexhibits présente Paloma Kuns du 4 mars au 4 Mai 2020 @cafelomi 3, ter rue Marcadet Paris 75018 entrée libre 9h 18h cofeexhibits@gmail.com Laura Vasquesz +33 (0)6 58 12 41 97

est consacré à des activités artistiques, en autodidacte; elle a créé une école publique de peinture pour les enfants défavorisés et un atelier de peintre pour faire ses premières expositions. Son retour à Paris en 2014 et son retour au travail en tant que chef de projet ne l’empêcheront pas de renouer avec ses passions et ses aspirations d’enfance comme devenir violoncelliste, un rêve enfoui depuis longtemps. Son travail actuel d’artiste est en constante évolution, il véhicule une féminité inquiète, un rappel de ses origines lointaines. La peinture, la musique, photo, performance, l’écriture, sont une partie importante de son univers. Dans l’espace du Café Lomi, elle a desiré nous inviter dans un espace intime jamais exposée, une série des rêves traduits avec l’éncre. Des expériences oniriques puissantes que, non seulement ont permis à l’artiste de créer ces magnifiques dessins «cathartiques» mais aussi ouvrir une porte vers nouveux projets créatifs. C’est d’ailleurs ses poémes dans son livre «Gouttes de sein» nous ont inspiré pour nomer chaque un de dessins de la série «Quand il viendra j’accueillerai le vide de quelque chose d’avide Au coeur de cette chose je nichais mon âme Murmures où l’avide se fait corps.

paloma.kuns@gmail.com https://www.facebook.com/ PalomaKunsArtist https://livre.fnac.com/a13889273/Paloma-Kunshttps://vimeo.com/palomakuns Gouttes-de-sein

Photo palomakuns.com

aloma Kuns est apparue pour la première fois sur les écrans de “Notes et Pense Bête” (une des émissions qu’UNISVERS produit avec Palazzi A Venezia) à l’occasion de l’exposition “Toujours des nanas” une carte blanche consentie à Sophie Sainrapt du 23 au 28 Février 2016 avec Elisabeth Baillon, Rébecca Campeau, Danielle-Marie Chanut, Isa Sator et Catherine Ursin avec la complicité de « L’œil de la femme à barbe » dans laquelle sa participation était nommée “coup de pouce”. Cela devait correspondre peut-être à une de ses premières expositions vraiment importantes et en présence d’un choix d’artistes déjà reconnues. Nous la retrouverons d’ailleurs un peu plus tard dans “Sous le signe du Singulier Pluriel” exposition collective organisé du 9 au 30 juin 2016, toujours par l’infatigable Ghislaine Verdier de “L’œil de la femme à barbe”, galerie nomade et itinérante et maison d’édition d’Art qui participait pour la quatrième fois et avec une trentaine de galeries parisiennes à la célébration des petits formats. Par la suite revoilà notre artiste vénézuélienne. déjà avec Coffeexhibits et Café Chilango, du 1er Décembre 2016 au 1er Février 2017 avec ses peintures et ses écrits dans “Dialogos con Frida” une exposition personnelle au n.82 de la rue de la Folie Méricourt 75011 Paris, à laquelle suivra un peu plus tard et toujours par les soins de Coffeexhibits et Café Chilango et avec Christine Chirouze Motenegro, “Chrysalides” PALAZZI 15 VENEZIA

exposition personnelle se déroulant du 8 Octobre au 25 Novembre 2017, toujours à Paris. A ce moment là on peut constater que effectivement la larve c’est transformée en papillon, éclairant des lumières brillantes de ses ailes et brulant de mille feux. Suivront bien d’autres occasions d’être confronté au travail de Paloma Kuns, dont les talents, non contents de se déployer dans la musique (elle joue de plusieurs instruments en véritable virtuose, ainsi que toute sa famille d’ailleurs) s’expriment aussi au travers de la poésie et la publication d’un ouvrage «Gouttes de sein». Depuis les expositions se suivent mais ne se ressemblent pas, Chez ta sœur à Tournus, encore à Chalons sur Marne, puis encore à Paris, aux Trois Frères, sans oublier la signature de son livre à la Galerie Grès et maintenant au Café Lomi, toujours avec des nouvelles œuvres. Talentueuse et infatigable Paloma Kuns n’est pas très difficile à suivre, tant les manifestations de son talent son multiples et cela en vaut bien évidement la peine. Vittorio E. Pisu Vous pouvez aussi consulter les vidéos suivantes: vimeo.com/156673880 vimeo.com/170411797 vimeo.com/193972430 vimeo.com/236852585 vimeo.com/316902750

Photo Tony Vaccaro

e chapeau Sally Victor nous montre comment le design du musée a inspiré non seulement les photographes de mode qui l’ont utilisé comme toile de fond pour les prises de vue, mais aussi les créateurs de vêtements qui ont confectionné des robes de haute couture inspirées du bâtiment. Victor était un modiste bien connu au milieu du XXe siècle et il a travaillé pour plusieurs premières femmes, dont Jackie Kennedy. Victor était particulièrement intéressé par les chapeaux pliants, qu’une dame pouvait emballer et porter. Le designer en a ensuite fait don au Metropolitan Museum of Art en 1960. Dans certains cas, la mode s’est appuyée sur l’héritage des peuples

anciens et de leurs bâtiments, présentant des défilés de mode inspirés par l’architecture, comme les dessins de Phillip Lim et Chloé, qui ont admis avoir été influencés par l’héritage architectural islamique et les infinis motifs communs du Moyen-Orient. “Dans sa collection de l’été 2016, j’ai créé une série de pièces composées d’éléments de détail inspirés de l’architecture arabe”, explique Chloé Phillip. Au contraire, à travers un autre exemple célèbre, on peut voir comment un projet architectural a été inspiré par un dessin de mode, le bâtiment ThyssenKrupp, conçu par Zaha Hadid, s’est inspiré de la robe en maille fluide qu’elle avait dessinée plus tôt dans son livre de mode intitulé “frozen aura”. Le processus de conception dans le domaine de la mode et de l’architecture implique une série d’activités créatives telles que la recherche, l’analyse et la prise de décision. Le devoir du designer est de concevoir des designs attrayants et fonctionnels pour les besoins de l’homme. Un bon designer est celui qui accomplit diverses tâches. Il est capable d’observer constamment le milieu environnant de manière critique, il est à l’écoute, ouvert d’esprit et créatif, mais surtout un artisan habile. En plus d’être un technicien, il comprend le style, la composition, l’équilibre, l’esthétique et les émotions humaines et a également une vision psychologique de la vie. Grâce à ces outils, le créateur pense, ressent et crée avec son cœur. geniuslociarchitettura.it/

Photo JeanLuc Drion

Sator, j’adore !

ISA SATOR ‘anne dernière à l’occasion de sa participation à une exposition, avec trois autres artistes françaises aux États Unis, je lui avait concocté, en aiguisant ma plus belle plume, un texte pour décrire sa peinture, son parcours et aussi sa personne. Cette année encore, Isa Sator repart pour les États Unis, ou elle va exposer à New York City dans la galerie South Art Dealer du 20 au 26 avril 2020. Mais sa trajectoire ne s’arrête pas là puisqu’elle a déjà été pressentie pour une autre exposition en mai avec la prestigieuse galerie Ludwig Trossaert d’Anvers. Je me souviens l’avoir rencontré pour la première fois à une exposition collective, organisée par Sophie Sainrapt, peintre, graveur et céramiste que j’ai connu à l’Orangerie du Senat il y à déjà vingt ans. Dans cette exposition nommée “Toujours des nanas” une carte blanche consentie du 23 au 28 Février 2016 avec Élisabeth Baillon, Rébecca Campeau, Danielle-Marie du 20 au 26 avril 2020 Chanut, Paloma Kuns et Catherine Ursin, avec la complicité de « L’œil de la femme à barbe », je me souviens qu’elle se plaignait par la suite d’avoir été filmée et interNew York TriBeCa viewée à la fin du parcours expositif puisqu’elle se trouMiami vait dans les dernières salles de l’Espace Beaurepaire. Je lui fis gentilement remarqué que “dulcis in fundo” et USA par la suite nous avons eu des nombreuses occasions de PO Box 454121 nous revoir et surtout moi de la filmer et de l’interviewer en solo. Visiblement Isa Sator a assurément conquis la Miami, FL, 33245 première place et je ne peut mieux faire que reporter ici +1-786-303-1957 le texte que je lui avait consacré l’année dernière, doutant de pouvoir mieux dire. ( suite à la page 18) www.southartdealer.com/ PALAZZI 17 VENEZIA

Linked INNYC Women Of The World

u barreau aux pinceaux, Isa l’avocate a su trouver le chemin. Un sentier qui mène tout droit à la spiritualité, car elle invente son nom d’artiste en découvrant la pierre carrée gravée, retrouvée après le drame de Pompéi. C’est décidé, elle s’appellera désormais Sator. Une artiste est née, qui nous irradie de ses couleurs à l’intensité presque aveuglante et nous comble par sa générosité. La forme graphique de ses grands tableaux qui lui ressemblent, interpelle le tréfonds de nos âmes en les perturbant de mille manières…et c’est beau ! Elle parle de l’autre face de l’art avec ses mots qui percutent : « Accepter d’être soi, c’est se sentir suffisamment forte pour oser dire : je viens d’Andromède, je ne suis pas d’ici. Mon art touche les personnes qui aiment la fantaisie, celles qui apportent de la lumière et qui vivent avec intensité et éclat. Voir, c’est être émerveillé et être émerveillé et c’est à la fois comprendre que le monde et la nature émettent des signes et comprendre que vivre, c’est aussi les décrypter. Le mouvement ne s’arrête pas là. Il s’agit ensuite par le médium que l’on se choisit, d’émettre à son tour des ondes et des signes à envoyer à ses contemporains ». Avec ses outils tant matériels qu’intellectuels, Isa Sator nous emmène à la découverte de ses phantasmes les plus audacieux. La femme en elle se dévoile avec une maestria sans égale, car la couleur qui l’habille et la révèle est le meilleur bouclier contre la bêtise humaine. Mylène Vignon

Photo Anna Marchevka

u cours de nos 24 ans d’histoire dans le domaine des arts, les femmes ont été un peu présentes sur le marché de l’art, non pas parce qu’il n’y a pas suffisamment de femmes artistes remarquables, mais parce qu’elles ne sont pas prises au sérieux ou qu’on ne leur accorde pas l’importance nécessaire. C’est la principale raison pour laquelle nous faisons un pas en avant en 2020, en élevant la voix en offrant une opportunité grâce à une exposition d’art intitulée “Linked INNYC-Women Of The World”, une exposition montrant exclusivement des femmes artistes dans la catégorie de la peinture. Linked INNYC-Women Of The World est né du fait que des artistes entièrement féminines demandent continuellement à être représentées dans les médias sociaux. C’est pourquoi nous avons ouvert une fenêtre d’art pour vous, où les spectateurs de New York City remarqueront votre nom et votre œuvre. Si vous êtes une artiste autodidacte, passionnée ou instruite, il est temps pour vous d’être une protagoniste féminine dans les arts. southartdealer.com

arler de la peinture d’Isa Sator, comme de sa personne, pourrait paraitre facile aux chroniqueurs superficiels, mais il n’en est rien. Comment, en fait, arriver à décrire une peinture cosmogonique, pétaradante de couleurs comme un feu d’artifice, montrant une réalité qui nous avait échappée et, par dessus tout, s’attaquant aux mythes féminins les plus denses et les moins explorés, si non très superficiellement, par des machos distraits. D’une beauté explosive, occupant tout l’espace visuel et sonore, avec son rire en cascade et ses roucoulades qui ne vous laissent absolument pas indifférent, malgré vos vœux de chasteté à peine affirmé, Isa Sator ne peut absolument pas vous laisser de marbre. Ses formes généreuses, son sourire enjôleur, ses yeux brillants de malice qui vous toisent, vous pèsent et vous classifient rapidement, ne passent pas inaperçus. Il aurait été incroyable que sa peinture puisse ne pas lui ressembler (quoi que cela puisse arriver un jour ou l’autre). Picasso du XXIème siècle, come on pouurait sans crainte la définir, et peut être en passe de le dévenir, notre peintre coloriste n’arrête pas de nous montrer son talent explosif au travers des très nombreuses expositions auxquelles elle participe, ou celles auxquelles elle est invitée. Mais essayons de décrire sa peinture qui de premier abord nous montre un aspect de la réalité que nous, commun mortels et de sexe masculin pour ne rien arranger, avons du mal à saisir immédiatement.

Photo alain bacouel

En effet il faudrait vivre avec les peintures d’Isa Sator, pour s’en imprégner même pendant que l’on dort. L’explosion de couleur et les mélanges improbables qu’elle nous propose, sont à même de saturer notre pupille et nos cônes et bâtonnets sont mis à rude épreuve. De plus elle nous représente là des femmes, et pas n’importe lesquelles, qu’ils s’agisse des Grandes Cocottes, ou des figures rendues célèbres par le recueil Elf Lilla Ulilla (Les Mille et Une Nuits) importé en Europe par Mabrouk et Galland dans deux versions séparées, dont l’anglaise partiellement expurgée. Flamboyance, telle est ton nom. Dans cette galerie affolantes où les portraits se suivent et ne se ressemblent pas, les expressions particulièrement réussies, nous décrivent le caractère de ces donzelles, en fait, des fortes amazones, dominatrice et maitresse de leurs destin, même tragique le cas échéant. Il ne s’agit pas là d’un piètre féminisme de salon, mais bel et bien d’une affirmation de la primauté du sexe féminin, comme si elle était entrain de nous dire “La femme n’est plus l’avenir de l’homme, Messieurs, démerdez vous” Il y a de quoi, en effet, être saisis par ces toiles, jamais chichiteuse, mais vastes, débordantes de vitalité, capable d’occuper l’espace qu’il s’agisse d’un salon privé ou d’une galerie d’exposition. L’Orangerie du Sénat avait l’air de mal les accueillir ses Grandes Cocottes, et que dire de Shéhérazade PALAZZI 19 VENEZIA

et ses copines Berbères, chevauchant dans le désert ? Souvent présentées sans cadre, qui aurait d’ailleurs du mal à les contenir, les peintures de Isa Sator s’apparentent aux grand portraits de cour de la Renaissance, qui nous décrivent et nous font connaitre, non seulement l’aspect et la personnalité des grands de cette époque, mais aussi des détails de la vie quotidienne et souvent les tableaux s’apparentent plus à des rebus qu’ a des simples illustrations d’un moment historique. “L’Oeil de la femme à barbe” la décrit si bien : “Isa Sator est peintre depuis qu’elle est tombée du berceau ; elle a su peindre avant de savoir lire et écrire! Devenue avocate pour “enterrer sa folie sous l’habit de la femme irréprochable”, elle va laisser cette dernière exploser en vol ! Partie découvrir d’autres espace-temps de l’autre côté du Pacifique pendant près de 10 ans, elle revient de Nouvelle Calédonie en tant que peintre, entièrement autodidacte.” En 2015 Jean-Louis Poitevin écrit à propos d’elle: “Les couleurs sont en chacun de nous comme des continents inaccédés. La puissance d’Isa Sator est de nous transmettre dans ce jeu entre fond coloré et lignes ardentes plus colorées encore, un peu de cet ADN d’extraterrestre (suite page 20)

Photo archide

Photo brunocalvo

(suite de la page 19) qui coule dans ses veines.” Si on a eu la chance de suivre le travail de Isa, depuis la Nouvelle Calédonie, où elle s’établit pour un temps, oubliant que sa peinture allait la reconduire en Métropole, en lui faisant gagner un prix, on aura pu constater qu’avec le temps sa flamboyance particulièrement pyrotechnique, commence à trouver un système non moins coloré et explosif, mais plus dense et presque plus mystérieux. Ses thèmes de prédilection sont naturellement toujours les femmes, surtout celles en première ligne, comme elle d’ailleurs, et cette nouvelle aventure qui la mène au devant de la scène, le démontre à souhait. Les fonds de ses peintures situent ses personnages dans un espace temps qui n’est pas toute à fait le notre, mais avec un peu d’imagination, pourrait le devenir, en fait Isa nous invite à la suivre, à sortir de notre cadre pour rentrer dans le sien. Celui dans lesquels bien d’audaces sont possibles et en premier celles de la peinture. Parfois Isa subvertis les lois de la perspective occidentale pour se rapprocher de la manière chinoise de disposer les personnages, justement dans un espace indifférencié, comme un limbe, où les pensées et les désirs peuvent être possibles.

Les femmes qu’elle nous propose de connaitre, de comprendre, d’admirer et d’aimer, évoluent effectivement dans un monde parallèle, là où les règles désuètes qui nous gouvernent n’ont pas cours, et d’autres régissent les actions et les sentiments de ces Héroïnes, auxquelles elle ressemble tant. Il ne lui manque presque que le casque de Minerve, avec sa chouette sur l’épaule et la lance à la main, ou celui d’une Walkyrie chevauchant les nuages, aux sons d’une musique wagnérienne. Il va falloir suivre Isa Sator, elle n’a pas terminé de nous surprendre et, si je peux vous donner un conseil, contact@galerieludwigtrossaert.com précipitez vous à acquérir une ou même plusieurs de www.galerieludwigtrossaert.com ses œuvres; non seulement elles vont ensoleiller vohttps://fr.artprice.com/ tre vie et la teinter d’optimisme et de positivité, mais bien tôt elles seront inaccessible aux communs des mortels que nous sommes, et vous porries aussi rencontrer cette peintresse qui nous enchante tant. A bon entendeur...c’était ma conclusion et elle reste toujours valable, d’autant plus que les galeries qui la présentent en Europe et aux États Unis sont parmi les plus prestigieuses de la place et elles occupent une voir aussi rang particulièr dans le marché international. vimeo.com/156673880 Vous trouverez ici à coté les liens ver les vidéos dans vimeo.com/168433823 www.vimeo.com/unisvers, qui vous permettrons de visionner les interviews filmés réalisés à l’occasion vimeo.com/168038370 de ses expositions et aussi à son domicile et dans un vimeo.com/191741876 de ses ateliers et qui ne serons assurément pas les dernières. vimeo.com/230489357 Bonne consultation. Vittorio E. Pisu

GALERIE LUDWIG TROSSAERT INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART Anvers

Photo rdnarts.com

ART FOR OFFICES orsqu’il s’agit de choisir des œuvres d’art pour les bureaux, il est important de trouver des pièces capables de créer une déclaration visuelle qui inspire la main-d’œuvre et offre la meilleure atmosphère possible. Pourquoi l’art pour les bureaux est important De nombreuses études ont déjà prouvé les avantages incroyables que la collection d’œuvres d’art représente pour une entreprise. En particulier, l’art pour le bureau présente un intérêt particulier non seulement pour les parties prenantes d’une entreprise. Les avantages d’avoir à disposition une œuvre d’art originale impliquent une communauté plus large ; les fournisseurs, les clients, le personnel... Par-dessus tout, l’impact émotionnel et inspirant d’une œuvre d’art peut améliorer la réputation d’une entreprise. Tant aux yeux du personnel que des clients. L’une des caractéristiques essentielles que l’art des bureaux devrait garantir est de transmettre un sentiment d’équilibre à l’environnement. Au fil du temps, les chercheurs ont mené diverses expériences psychologiques pour montrer l’impact de l’art sur nos émotions. Nombre d’entre elles portent en particulier sur la palette chromatique. Les couleurs sombres, comme le bleu ou le noir, semblent induire une humeur sereine. De l’autre côté, les couleurs plus claires, comme le rouPALAZZI 21 VENEZIA

ge, semblent stimuler les processus créatifs. Cependant, l’un des résultats les plus importants qui a été prouvé est la capacité de l’art pour les bureaux à réduire le niveau de stress. Le British Council for Offices a mené une enquête auprès d’un large échantillon de travailleurs, qui a révélé que plus de 90 % des employés pensent que l’art sur le lieu de travail augmente la productivité. Une œuvre d’art destinée à ce type d’environnement devrait toujours être stimulante, voire inspirante. Il est en fait important de choisir une pièce qui reflète les principales caractéristiques de l’entreprise. Par exemple, le Pop Art se caractérise par des couleurs vives, une imagerie reconnaissable, des médias mixtes et des collages. Ce genre d’art transmet un enthousiasme qui convient parfaitement aux jeunes entreprises et aux industries créatives. Comme les agences de publicité. D’un autre côté, les entreprises plus conservatrices devraient opter pour quelque chose de différent. Les studios financiers, par exemple, devraient pouvoir faire preuve de stabilité et de professionnalisme sur le lieu de travail. Les classiques de bon goût et l’art du paysage sont les plus appropriés pour ces lieux de travail. rdnarts.com/articles/ art-for-offices/

Photo ikoness

osy Lamb (née en 1973 à Tamworth, New Hampshire) est une sculptrice, peintre et auteur américaine expatriée, vivant à Paris, en France. Elle est diplômée de l’Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie et est devenue l’assistante d’atelier du sculpteur Jean Cardot, avant que son travail ne soit remarqué à part entière. Lamb a été scolarisée à domicile par ses parents, tous deux artistes, avec ses quatre frères et sœurs dans le New Hampshire. Elle entre à l’Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie, d’où elle sort diplômée avec des concentrations en sculpture et en peinture. Pendant ses études de premier cycle, elle a également fréquenté par intermittence la Harvard Extension School [citation nécessaire] Elle quitte Philadelphie pour la France en 2001, où elle travaille pour le sculpteur Jean Cardot[1], ce qui lui sert de tremplin pour son propre travail et sa carrière internationale.

Exposition

“Revision” consacrée à

Rosy Lamb Exposition

du 19 mars au 11 avril 2020

du mardi au samedi de 11h à 19h 37 rue Chapon, 75003 Paris Guido Romero Pierini galerieguidoromeropierini.com

L’art de Lamb trace trois axes - le dessin, la peinture et la sculpture - qui se croisent inévitablement. Elle dessine au conté, au fusain et en techniques mixtes ; elle peint sur du lin ou du carton, en techniques mixtes sur du plâtre ou à l’aquarelle ; elle sculpte en plâtre, ou en bronze, ou en résine et en techniques mixtes sur du plâtre. En Europe, elle a exposé dans le Jardin du Luxembourg, parrainé par le Sénat, ou le Sénat français. Elle a exposé un tableau lors de l’exposition du BP Portrait Award 2010 à la National Portrait Gallery de Londres[2]. Aux États-Unis, elle a eu des expositions personnelles à Philadelphie, Boston et dans le New Jersey. Elle a reçu le prix George Coulin de sculpture de l’Institut de France en 2002, [citation nécessaire] et a bénéficié d’une bourse d’artiste en résidence à la Cité internationale des arts de Paris de 2001 à 2003. En décembre 2013, elle a publié un livre d’images, Paul Meets Bernadette, une histoire simple sur deux poissons. Ce livre a été réalisé avec l’aide de son père, Albert Lamb, également auteur de livres d’images. Kirkus Reviews a décrit le livre comme une “charmante ode romantique à l’huile, discutable”. Horizontale, “In the family of things” de Rosy Lamb est accrochée dans l’atelier, la toile enchâssée sur un large cadre de bois, peinte à l’huile. Au premier plan, un corps de femme est allongé. Le regard pénètre presque instantanément dans ses cuisses. Happé par une touche orange vif. Puis, l’œil circule le long d’une surface penchée, une table peut-être. Des formes humaines mêlées d’objets font face au corps quand elles ne l’incarnent pas. Le tout semble nappé d’une brume pastel. Les gris omniprésents teintés de bleus, de blancs aux

Photo guidoromeropierini.com

nuances violacées se fondent dans les éléments en présence. Leur matérialité importe autant que celles des corps, celle du gris clair turquoise visible en traversant les jambes, tout particulièrement. Lumineux, palpable, tangible, il a la consistance d’une crème épaisse, de celle qui nimbe les gâteaux. Comme si pour voir clair, il fallait regarder au-delà des formes, à travers les formes. Des verts, des noirs, des jaunes émergent alors. Touches franches, issues d’une autre temporalité, elles contrastent avec cette sensation silencieuse dégagée par le calme des nuances. Profonde, l’œuvre de Rosy Lamb se révèle à la fois intense et intime. Difficile à appréhender, à pénétrer, sa figuration alimente un mystère latent, dont l’incandescence se situerait en dessous de la surface, hors d’atteinte. À l’intérieur. Ses œuvres naissent dans son atelier clos, ouvert à la lumière. Son corps face au chevalet, sa palette à ses côtés, qui contient ses nuances de couleurs souvent préparées le matin. L’œil acéré et cristallin, Rosy Lamb regarde. Elle pose une touche, l’étale, essuie son pinceau et regarde à nouveau. « Et encore un temps pour cent indécisions,Et pour cent visions et cent révisions,Avant d’aller prendre un toast et le thé » chante Alfred Prufrock (1). PALAZZI 23 VENEZIA

Cette phrase ne pourrait mieux illustrer ce à quoi l’artiste s’attèle sans relâche, sa tasse fumante et ses œufs brouillés non loin de là. Devant elle, étendue sur une table, un corps nu se mélange aux sculptures, à des objets divers, du pot de confiture vide à la coupelle de fruit, aux bronzes sortis de la fonderie. « J’ai mis du temps à être transparente pour elle et elle à être transparente pour moi » me confie-t-elle, en évoquant le modèle. Sa recherche du visible contourne la question du sujet. Les formes qu’elle regarde lui permettent de sculpter la peinture, comme s’il s’agissait d’un morceau entier de glaise qu’elle malaxait. Les mots de Maurice Merleau Ponty dans son essai L’Œil et l’Esprit ne pourraient mieux résumer notre regard face aux œuvres de Rosy Lamb : « Je serais bien en peine de dire où est le tableau que je regarde. Car je ne le regarde pas comme on regarde une chose, je ne le fixe pas en son lieu, mon regard erre en lui comme dans les nimbes de l’être, je vois selon ou avec lui plutôt que je ne le vois. » (2). (1) T.S. Eliot, « La Chanson de J. Alfred Prufrock, le mal-aimé », 1911 Alain Liepietz, « Traduire Prufrock selon Eco », Acta fabula, vol. 9, n°1, 2008 (2) Maurice Merleau-Ponty, L’Œil et l’Esprit, 1964 Juliette Bonhoure

Photo marion bataillard rester vivante

hez Marion Bataillard, les compositions acidulées confrontent des éléments connus, humains, voire étrangement familiers, à des situations des plus étranges. Ici, les échos d’une Renaissance perspectiviste pleine de muses aux chairs blêmes fricotent avec l’insensé d’une époque contemporaine à la sauce aigre-douce. Mais le classique et moderne ne se rejettent pas; les aplats léchés et les transparences en frottis cohabitent en toute sérénité. Raison pour laquelle on ne s’étonnera pas de trouver une mater dolorosa revisitée dans un espace métaphysique hyperréaliste. Les corps des protagonistes ont cette ambivalence de paraître à la fois morts et vivants, chauds et froids, sensuels et hiératiques. L’étrangeté des postures, auréolées parfois d’une fluorescence un peu corrosive, appellent l’étonnement, ou le rire. Face aux oeuvres de Marion Bataillard, le regardeur

Ut Pictura Poesis

Marion Bataillard Maximilien Pellet Marius Pons de Vincent

du 19 mars au 11 avril 2020

du mardi au samedi de 11h à 19h

37 rue Chapon, 75003 Paris Guido Romero Pierini Michael Timsit galerieguidoromeropierini.com

retrouve d’abord le leitmotiv familier de l’artiste moderne dans son atelier, sorte de thébaïde donnant sur cour d’immeuble qui forme la matière première du cadre peint. Dans cette approche de la peinture, on se rend compte que la contemplation est d’abord celle de ce qui se passe sous les yeux: au paysage sublime est préféré le préau légèrement aseptisé, que l’artiste a quotidiennement en vue. C’est que l’œuvre ne commence pas là où l’artiste s’arrête. Au contraire: Marion Bataillard peint à partir de ce qu’il y a autour d’elle: le registre intérieur, intime, est le principal moteur de sa machine créatrice. Elle-même se prend à se portraiturer régulièrement et se fait peu de cadeau dans les reflets au teint verdâtre qu’elle dresse. S’il y a du réalisme parfois, de la figure souvent, les bizarreries de beaucoup d’œuvres rappellent que la vérité n’est pas reine en ces mondes-là, détrônée par une recherche picturale permanente. Espace de la liberté intégrale, l’atelier ouvre sur un champ des possibles des plus vastes. Marion Bataillard le signifie elle-même: « Le plus dur, ce n’est pas le modelé, c’est le langage, l’amplitude grande, passer des aigus aux graves ». En effet, on ne sait parfois plus si l’artiste dramatise sa peinture ou la prend à la rigolade. Sorte de fée verte de la peinture à l’huile, Marion Bataillard s’est donnée pour but d’enchanter des formes et des contreformes dans un atelier servant tantôt d’espace métaphysique, tantôt de terrain de jeu. Objets, accessoires, perruque bleue, miroir, servent et resservent à la mise en scène picturale, toujours d’après modèle. Ce qui est important, c’est de sentir l’époque, la contemporanéité des corps, par les vêtements et les postures. Le désir de l’artiste, précise-t-elle, est en effet d’ « intégrer le réel, le côté rugueux du réel» pour pouvoir, absolument, « rester vivant à l’intérieur du processus créatif ». Elora Weill-Engerer https://www.boumbang.com/marion-bataillard/

Photo guidoromeropierini.com

es photographies amateurs sont le terreau de ma pratique. Je passe un temps considérable, sur les blogs et les réseaux sociaux, à les regarder défiler sur mon écran. Les images qui témoignent de près ou de loin d’une ambition créatrice ne sont pas retenues. Pas de parti pris, pas de qualités esthétiques. Elles doivent être absolument vierges d’un point de vue artistique. Mon travail ne doit pas être préalablement mâché, j’aime me dire que tout est à faire. Mais surtout, ces images sont une fenêtre sur un réel avec lequel je négocie dans mes tableaux. Pour autant, je ne cherche pas à reproduire ces photographies. Ce sont des outils documentaires utiles à la construction de ma peinture. J’y trouve mes figures, mes paysages et mes sujets. Une plage peut provenir d’une source et un baigneur d’une autre. Une fois peintes, les figures prennent un autre statut leur présence est comme alourdie. Elles semblent alors figées à un moment capital. Ce protocole de travail et une envie de peindre des nus m’ont amenés à parcourir des blogs de naturisme. Depuis un an, mon atelier regorge d’images imprimées où des corps nus, inégalement brunis par le soleil, portent encore les marques de maillot. Ils sont restés couverts de longs mois et s’exposent intégralement en été sur une plage. Sur les clichés, les corps sont bavards. Ils expriment l’arrogance de ceux qui assument le caractère transgressif de leur position. PALAZZI 25 VENEZIA

Contrairement aux baigneurs de Cézanne, la nature ne les a pas admis. Il y a toujours un parasol, une montre ou des tongs quelque part. Les baigneurs de mes tableaux s’intègrent rarement au paysage, ils l’occupent. Beaucoup de peintres romantiques ont peint une nature incarnée qui enlace les figures. J’y songe quand je rompt la gamme de terre d’une plage en exagérant la saturation des couleurs d’une serviette de plage. Je tiens à ce que l’environnement les rejette un peu. Mais s’il y a une posture romantique que j’adopte, elle se rapproche de la définition qu’en donne Novalis: “C’est donner au commun un sens élevé, à l’ordinaire un air de mystère, au connu la dignité de l’inconnu, au fini l’apparence de l’infini ”. De mon côté, je m’efforce de peindre un geste héroïque, celui d’être nu. Pourtant, malgré un désir ardent de libération, le naturiste se trahit systématiquement. L’idée est belle mais sa réalisation reste souvent maladroite. “Lorsque je les peins, j’ai ce paradoxe en tête et peine à choisir entre l’utopie et le vulgaire. Il n’y a pas lieu de trancher...... Marius Pons de Vincent Vit et travaille à Strasbourg https://www.cnap.fr/marius-pons-de-vincent

Photo settemuse.it

es Scuderie del Quirinale présentent, du 5 mars au 2 juin, en collaboration avec la Galerie des Offices, l’exposition RAFFAELLO, dont les commissaires sont Marzia Faietti et Matteo Lafranconi avec la contribution de Vincenzo Farinella et Francesco Paolo Di Teodoro. Une exposition monographique, avec plus de deux cents chefs-d’œuvre comprenant des peintures, des dessins et des œuvres comparatives, consacrée à Raphaël à l’occasion du cinq centième anniversaire de sa mort, qui a eu lieu à Rome le 6 avril 1520 à l’âge de 37 ans seulement. L’exposition, qui trouve son inspiration en particulier dans la période romaine fondamentale de Raphaël qui l’a consacré comme un artiste d’une grandeur incomparable et légendaire, raconte avec une richesse de détails tout son parcours créatif complexe et articulé à travers un vaste ensemble d’œuvres, pour la première fois exposées toutes ensemble.

Raffaello Sanzio du 5 Mars au 2 juin 2020 SCUDERIE DEL QUIRINALE Via XXIV Maggio 16

00187 ROMA

info@scuderiequirinale.it Tél. +39 02-92897722

De nombreuses institutions ont contribué à enrichir l’exposition avec des chefs-d’œuvre de leurs collections : Parmi eux, en Italie, la Galerie nationale d’art ancien, la Galerie nationale d’art de Bologne, le Musée national et Real Bosco de Capodimonte, le Musée archéologique national de Naples, la Fondazione Brescia Musei, et à l’étranger, outre les musées du Vatican, le Louvre, la National Gallery de Londres, le Prado Museum, la National Gallery of Art de Washington, l’Albertina de Vienne, le British Museum, la Royal Collection, l’Ashmolean Museum d’Oxford, le Musée des Beaux-Arts de Lille. L’exposition sur Raphaël qui se tiendra à la Scuderie del Quirinale est sans doute le plus important, le plus grandiose des hommages à cet incroyable artiste de la Renaissance. Les plus grandes institutions muséales du monde ont contribué à cette exposition, et c’est en effet grâce aux Offices, au Louvre et au Prado que la Vierge du Grand-Duc, la Femme au voile, le Portrait de Baldassarre Castiglione, l’Autoportrait avec l’Ami du Louvre et la Vierge de la Rose seront également exposés à la Scuderie. Raffaello Sanzio était non seulement l’un des plus importants artistes de la Renaissance, mais il était aussi un grand innovateur qui, par son style, a marqué une nouvelle façon de concevoir l’art. Il est devenu un modèle fondamental pour toutes les académies à partir de ce moment et de nombreux peintres se sont identifiés comme ses élèves dans la narration de leur art. Après l’exposition à Urbino, sa ville natale, qui s’est terminée en janvier à la Galleria Nazionale delle Marche (elle a enquêté sur le réseau de relations de Raphaël avec des artistes de différents niveaux d’Urbino et a montré comment le dialogue avec eux était fondamental pour le développement de sa “manière”), découvrons ensemble quelles sont les autres expositions qui rendent hommage à Raphaël dans le monde entier. https://blog.musement.com/it/raffaello

Photo wikipedia

Photo Jeff Koons

RAFFAELLO SANZIO

se trouve à la National Gallery de Londres. Parmi les autres œuvres exécutées par Raphaël, on peut citer “Le Couronnement de la Vierge” qui est conservé à la Pinacothèque Vaticane de Rome, “Les Noces de la Vierge” qui est l’un de ses chefs-d’œuvre artistiques absolus et qui est conservé à la Pinacothèque de Brera à Milan. Plus tard, il s’installe à Florence, mais il continue à avoir des contacts avec la cour d’Urbino, réalisant des œuvres pour cette dernière, à savoir le diptyque avec “Saint Michel qui renverse Satan” et “Saint Georges qui tue le dragon” et enfin les portraits de “Guidobaldo da Montefeltro” et d’”Elisabetta Gonzaga”. Durant cette période, ses contacts avec les différentes cours italiennes sont devenus constants et il a réalisé d’innombrables œuvres artistiques de grande valeur, comme la “Pala Colonna” commandée par la ville de Pérouse, la “Madone du Grand-Duc” de 1506, la “Madone Cowper”, la “Madone d’Orléans”, dans lesquelles le contact avec un important peintre de l’époque a une grande influence : Léonard de Vinci. Ancora pour la cour d’Urbino a réalisé de belles œuvres artistiques, comme “La dama del liocorno”, “Il Giovane con la mela”. Son activité de peintre devient très intense et sa renommée atteint Rome, où le pape Jules II décide de lui confier la décoration des salles du Vatican, dont les travaux commencent en 1508 dans la célèbre salle de la Signature, où se trouve également la célèbre bibliothèque personnelle du pape. Pour cette célèbre salle, Raphaël a créé des œuvres connues (suit à la page 28)

affaello Sanzio est né à Urbino le 6 avril 1483. Son père était Giovanni Santi qui exerçait la profession de peintre et qui avait poussé son fils à étudier les œuvres artistiques du grand et célèbre peintre Piero della Francesca qui étaient présentes à Urbino. Sa mère meurt le 7 octobre 1491 et son père le 1er août 1494. Raphaël, âgé alors de onze ans, se retrouve orphelin. Commence alors une longue période de litiges entre les héritiers, son oncle paternel, Dom Bartolomeo Santi, prêtre lettré devenu son tuteur et son oncle maternel Simone Battista di Ciarla dont Raffaello est plus proche. Des incertitudes subsistent quant au lieu où Raphaël termine sa formation. Des sources attestent qu’il séjourne à Urbino jusqu’en 1499 et qu’il poursuit son apprentissage probablement auprès du peintre Timoteo Viti Par la suite il completera son éducation auprès d’un autre peintre très important et talentueux, Pérugino. Le grand flair artistique de Raphaël s’exprime immédiatement dans ses œuvres et le jeune élève de Pérugino commence à emontrer dans ses œuvres la grâce artistique typique que son maître lui a enseignée. Il a également ajouté dans ses œuvres le goût raffiné et décoratif typique d’un autre grand artiste de l’époque : Pinturicchio. À l’âge de 17 ans, il quitte l’atelier du Pérugino en prenant le titre de magister, avec lequel il peut enfin commencer sa carrière artistique. Dans la première partie de son activité artistique, il a réalisé en toute autonomie quelques œuvres pour Città di Castello, comme le “Retable du Bienheureux Nicolas de Tolentino”, dont nous ne possédons que quelques parties ; la célèbre “Bannière de la Trinité” qui est conservée à l’intérieur de la Civic Art Gallery de Città di Castello ; le “Lundi de la Crucifixion” qui

PALAZZI 27 VENEZIA

UN AMOUR POUR L’ETERNITE’

Photo archide

(suite de la page 27) sous le nom d’”Aliparnasse”, l’”École d’Athènes” et la “Dispute du Sacrement”. Pour le Pape, il a créé d’autres œuvres comme la “Libération de Saint Pierre de la prison”, où le lien avec l’école vénitienne est très évident et où l’élément pictural dominant est la lumière. Parmi les œuvres réalisées par Raphaël pour Jules II, on trouve également son portrait qui est conservé à Londres, la célèbre “Madone du voile“ qui se trouve maintenant à New York, le “prophète Isaïe” placé à Rome, dans l’église de Saint Augustin. Plus tard, après la mort de Jules II, le pape Léon X prend la relève, sous la direction de laquelle Raphaël devient l’architecte de la fabbrica de Saint-Pierre. Sous le nouveau pontificat, il se consacre à la réalisation d’œuvres telles que la “Rencontre d’Attila et de Léon le Grand” et à la réalisation des caricatures qui serviront à la création des tapisseries de la célèbre Chapelle Sixtine. Dans les deux années entre 1514 et 1516, il crée des œuvres pour la cour papale, comme le portrait de “Baldassarre Castiglione”. Compte tenu de sa connaissance de l’art classique, le pape Léon X le nomme conservateur des antiquités et lui confie la tâche de créer un plan de la ville de la Rome antique. Les dernières œuvres de sa vie sont le “Double Portrait” conservé au musée du Louvre à Paris, la Transfiguration qui se trouve maintenant à la Pinacothèque Vaticane à Rome et la “Vision d’Ézéchiel”, conservée au Palazzo Pitti à Florence. Raphaël est mort jeune, à l’âge de 37 ans, le 6 avril 1520.

’amour entre Raphaël et la Fornarina est l’un des plus célèbres de l’histoire de l’art et a été célébré par des artistes de tous les temps. Au cours des siècles, l’objet du sentiment d’amour a été divinisé, spiritualisé, désiré et parfois même possédé ; l’amour a été source de soupirs, de tourments, de joies et de passions. Car tout cela a toujours été l’inspiration des écrivains, des poètes et des artistes qui ont essayé d’imprimer, sur le papier par les mots et sur la toile par la peinture, les myriades de sensations que l’amour suscite involontairement, car la seule chose certaine de l’amour est qu’il nous envahit sans aucune explication, sans condition. Nous faisons référence à ce sentiment pur qui nous fait sentir les “papillons dans l’estomac” et l’”esprit dans les nuages” : dit ainsi, cela semblerait évident, mais malheureusement, surtout aujourd’hui, cela ne l’est pas. Cependant, si nous pensons à Dante et Béatrice, Laura et Pétrarque, Leopardi et Silvia, Roméo et Juliette, Amour et Psyché et à bien d’autres couples littéraires et artistiques, nous nous rendons compte que ceux-ci, depuis les temps anciens, nous ont fascinés, nous amenant à vouloir connaître les histoires d’amour infinies qui ont imprégné le monde de la littérature et de l’art. Nous essayons ici d’analyser l’un d’entre eux. Il est l’un des plus grands artistes de la Renaissance, connu dans le monde entier. Il s’agit de Raffaello Sanzio. Elle est la fille d’un boulanger du Trastevere, si belle que dès que Raphaël la voit, il est frappé par elle. Ce n’est pas par hasard qu’elle deviendra la muse inspiratrice de certains de ses tableaux les plus célèbres : la Fornarina, conservée à la Galerie nationale d’art antique du Palazzo Barberini à Rome, et probablement aussi la Velata, conservée à la Galleria Palatina à Florence. Il s’agit de Margherita Luti, une jeune femme d’origine siennoise, fille de Francesco Luti, boulanger à Rome. Le surnom “Fornarina” vient du travail de son père. Dans une note à Raphaël et la Fornarina, une chanson écrite par le poète romantique Aleardo Aleardi et publiée en 1858, on lit que “la maison de la Fornarina répondit par son petiol orto in sul Tevere, de cette bande, vers Ripa grande, où le fleuve lambe les piles cassées du pont Sublicio : non loin de l’église de S. Cecilia, sur les dernières pentes du Janicule. Ici, le Sanzio a vu pour la première fois la belle transteverina, et il s’est allumé, et de ce moment il a gardé le souvenir dans un Sonnet, jeté au bon endroit. Les artistes de l’époque savaient tout”. Le sonnet en question, écrit par Raphaël lui-même derrière un dessin “de trois de ses figurines”, se lit comme

Photo europeana.eu

Le poète imagine la belle Fornarina gracieuse dans ses formes et ses poses, fine et harmonieuse dans ses traits, aux lèvres bien charnues, aux beaux cheveux, timide, naïve et réservée. Il semble avoir devant lui le célèbre tableau réalisé par Raffaello Sanzio, entre 1518 et 1519, dans lequel la bien-aimée est représentée. Dans l’inventaire de 1686, après la mort de Maffeo Barberini, l’œuvre est décrite comme suit : “un portrait de table d’une femme tenant une main sur sa poitrine et l’autre entre ses cuisses, nue, avec un tissu rouge”. La pose des mains, l’une reposant sur le ventre, l’autre sur un sein, rappelle la Vénus sobre de la statuaire classique : la femme se couvre d’un voile transparent dans un geste sobre, même si l’œil de l’observateur est orienté vers ce que la figure voudrait soustraire à la vue. Les cheveux noirs apparaissent rassemblés dans un long tissu bleu et or noué sur la nuque et orné d’une perle qui orne sa tête. Le visage est régulier avec de grands yeux noirs, une bouche assez charnue et des joues légèrement rougies. La perle, présente à la fois dans la Fornarina et dans la Velata, ferait référence au nom de la jeune fille : Margherita vient en effet du mot grec margaritès (suit à la page 30)

suit : “Une douce pensée est de se souvenir, et j’aime / de cet assaut, mais plus je sens les dégâts / du patir, que je suis resté, comme que’ ch’anno / in mar perso la stella, se il ver odo. / Maintenant la langue pour parler lui défait le noeud / pour raconter cette tromperie inhabituelle / que l’amour m’a fait pour ma grave affliction ; / mais lui plus je l’en remercie, et elle m’en loue. / La sixième heure fut qu’un soleil avait du soleil / l’avait fait, et l’autre courut hors du lieu / plus pour faire des actes que des paroles. / Mais je restai même vaincu par mon grand feu / qui me tourmente, car là où l’homme a la semelle / désire parler, je reste plus faible. Aleardo Aleardi, dans sa composition, représente poétiquement la première rencontre entre les deux jeunes hommes et en particulier le moment où Raphaël voit Margherita et est immédiatement ébloui : “Le regard sage / enquêteur de la beltade posa / le chevalier longtemps dans cette / grâce de Dieu : notant la superbe / grâce des formes, et le crin, et le labyrinthe / tumidetto et les douces ombres et la variété / naïveté des vierges posées. / Ond’ei fut vaincu. Le cœur bondit et éclate / bat : la rivière, les arbres, les murs / tournent autour de ses pupilles / étourdissant : la feria de cent / indistinctes sonne un tinitinnire, et l’alma / vacille l’ard ard, presque flamboyante / dans le vent. Il s’est enfin racheté, et a dit / involontairement “ o Fornarina! ». / A cet accent rapide, il se tourna / et la belle crëatura rougit ; / il tira de la vague le pié tout en grondant. / Et les longs rayons de ses cils noirs / voilèrent la pudor de ses joues”. PALAZZI 29 VENEZIA

Photo wikipedia

(suit de la page 29) qui signifie “perle, gemme”, même si au MoyenÂge elle prenait le sens habituel d’élément botanique. Le petit ornement sur la tête serait donc un hommage supplémentaire à la belle Margherita Luti. Le bras gauche de la jeune fille est entouré d’un étroit bracelet bleu et or portant l’inscription “Raphael Urbinas”, signature de l’artiste et lien d’amour. En arrière-plan, il y a un buisson de myrte et une branche de cognassier, symboles de fertilité et d’amour et symboles de la déesse Vénus. Le portrait est imprégné “de charnel et de suspension, de réalité terrestre et de caractère insaisissable, de supériorité et de condescendance à travers une plastique douce mais précise et solide, caressant dans la résonance harmonieuse de valeurs chromatiques chaudes” : c’est ainsi que l’historien de l’art Nello Ponente l’avait défini. Dans ses écrits, Aleardo Aleardi décrit Raphaël comme un jeune homme au “visage régulier, aux traits délicats, aux cheveux bruns, qui aimait porter des vêtements très longs, bruns même avec un œil plein de gentillesse douce ; long cou et élancé ; couleur olive. Grand, son port respirait une grâce élégante, sa courtoisie native.” On le voit dans l’Autoportrait que l’artiste d’Urbino

a réalisé entre 1504 et 1506 environ, conservé à la Galerie des Offices à Florence. L’artiste apparaît de profil, en demi-longueur, vêtu de noir avec un chapeau de la même couleur. Sa peau est de couleur olive, son visage a une forme régulière, avec des traits fins et gracieux, ses yeux sont foncés, aussi foncés que ses cheveux sont presque à la longueur des épaules. L’histoire de l’art, surtout au XIXe siècle, à l’époque du romantisme et du néoclassicisme, a voyagé dans l’imaginaire en imaginant l’idylle amoureuse entre Raphaël et la Fornarina, les deux jeunes amoureux. Une histoire d’amour fascinante qui oscille néanmoins entre la réalité et la légende: les protagonistes sont réellement vécus et il est vrai que la Fornarina était la muse de Raphaël dans certains de ses tableaux, mais il n’est pas possible de démontrer de façon tangible qu’un sentiment de tendresse s’est épanoui entre les deux garçons. Les peintres et les sculpteurs ont consacré plusieurs œuvres à ce thème. L’artiste milanais Federico Faruffini a réalisé son tableau entre 1857 et 1858 : au premier plan, au milieu de la scène, les deux jeunes gens sont placés l’un à côté de l’autre, assis sur un rocher. Raphaël tient une toile dans ses mains, tandis qu’il tourne son regard vers la Fornarina, qui à son tour fixe la toile.

Photo finestresull’arte.it

Pasquale Romanelli, dans les années 1860, a également représenté Raphaël et la Fornarina dans une de ses œuvres, cette fois en sculpture, aujourd’hui conservée à l’Ermitage de Saint-Pétersbourg : c’était la première rencontre entre les deux, au cours de laquelle l’artiste a essayé de convaincre la belle fille de poser pour lui. Il l’enroule autour de lui en posant doucement une main sur son épaule et la regarde tendrement ; elle le bloque en posant sa main sur la jambe du jeune homme. La Fornarina apparaît avec un sein découvert, un détail qui rappelle la Fornarina de Palazzo Barberini, et est un signe de modestie et de fidélité d’esprit, malgré ce que l’on pourrait penser. La figure de Raphaël est également élaborée en garÀ l’arrière-plan, vous pouvez percevoir un paysage avec dant à l’esprit l’Autopordes ruines anciennes et, aux bords du tableau, vous poutrait conservé à la Galerie vez apercevoir une forme arquée qui encadre presque la Sergej Androsov, Massimo Bertozzi, des Offices. scène. C’est un tableau qui met en évidence les choix Ettore Spalletti, Dopo Canova. Le groupe sculptural est chromatiques, notamment dans la robe de la jeune fille Percorsi della scultura a Firenze e d’une finesse extraordinaiet le paysage plutôt idyllique. Roma, catalogo della mostra Carrara, re dans les décorations des Il y a aussi le tableau de Jean-Auguste-Dominique InPalazzo Cucchiari, vêtements, dans les expresgres réalisé en 1814 et exposé au Fogg Art Museum de 8 julliet - 22 octobre 2017 sions, dans les détails et est Cambridge, Massachusetts : la scène se déroule dans un Fondazione Giorgio Conti, 2017 le résultat de la sympathie intérieur, vraisemblablement dans l’atelier du peintre. Anna Finocchi (curateur), Faruffini. du sculpteur pour le roLes deux jeunes hommes sont assis et enlacés au centre Storia di una collezione, mantisme. de l’œuvre ; il regarde en arrière vers le tableau du checatalogo della mostra Et encore, les œuvres de valet, elle regarde vers l’observateur. (Milano, Gallerie Maspes, Giuseppe Sogni, Cesare On peut également voir des éléments de la Renaissance, du13 mai al 26 juin 2016) Mussini, Francesco Valacomme les vêtements de leurs personnages respectifs Gallerie Maspes, 2016 perta, Francesco Gandolfi, (elle porte le même turban bleu et or que la Fornarina de Lorenza Mochi Onori, Felice Schiavoni, jusqu’au Palazzo Barberini) et le paysage que l’on peut aperceRossella Vodret (curateurs), XXe siècle avec les œuvres voir de la fenêtre avec le rideau déplacé et la colonnade Galleria Nazionale d’Arte Anticaprofanatrices de Pablo Pià gauche de la scène. Palazzo Barberini. casso et aujourd’hui avec Dans l’atelier représenté dans le tableau se trouve une I dipinti. Catalogo sistematico, la photographie de Joel-Peœuvre célèbre de l’artiste en pleine lumière, presque L’Erma di Bretschneider, 2008 ter Witkin : la liste des articachée par la toile du chevalet : la Madonna della SegGiuseppe Sgarzini, Raffaello, ATS stes qui se sont inspirés de giola, que Raphaël a achevée entre 1513 et 1514 et qui Italia, 2006 l’histoire de Raphaël et de est conservée à la Galleria Palatina de Florence. Pour Marco Fabio Apolloni, Ingres, Giunti, Fornarina est longue. Ingres, la Fornarina de Raphaël était l’archétype de la 1994 Ilaria Baratta beauté muliebre. Nello Ponente, Raffaello, Skira, 1990 PALAZZI 31 VENEZIA

Bibliographies

Photo Digital image Whitney Museum of American Art /

ée en 1960, Betty Hanns est une sculptrice française qui vit et travaille à Bourg-Bruche. Le papier journal, matériau sommaire, quotidien, qu’elle utilise pour modeler, Betty Hanns en connaît toutes les facettes pour l’avoir longtemps manipulé avec les enfants avec lesquels elle travaille. La sculpture, elle ne l’a pas apprise, elle s’est imposée à elle il y a environ 20 ans. En 1998, elle découvre l’association du papier et du métal. L’un est lourd, l’autre léger... Force et fragilité… L’un porte et l’autre se déporte, et l’équilibre se refait au delà de leurs oppositions. Depuis , elle s’est formée à un certain nombre de techniques au rythme des nécessités et de l’évolution de son travail. Son propos se nourrit de l’Autre, des autres.

BETTY HANNS Betty Hanns sculptures

Eric Hermann peintures

du 4 au 5 avril 2020 de 14 h à 19 h ouverture exceptionnelle de l’atelier ATELIER 25, rue de Vendenheim 67300 Schiltigheim au fond de la cour Tél. +33 (0)6 70 16 67 23

Quand les mots se taisent, le corps se souvient. Même immobile, il est en mouvement entre deux instants. Chaque geste trahit une histoire. Et c’est cette histoire qu’elle tente d’approcher. Pour donner corps à ces silhouettes longilignes, l’artiste est allée plus loin, pliant à la masse, forgeant, soudant le métal jusqu’à obtenir un squelette, une armature métallique dont elle habille les volumes. Ses compositions nous interpellent dans notre espace temporel et relationnel: liens entre terre et ciel, matériel et immatériel, soi et les autres, équilibre et déséquilibre, attente et rencontre. Les histoires qu’elle raconte, sont comme des instantanés d’une situation prise sur le vif. Enracinées dans leur socle de métal, les silhouettes s’élancent dans un équilibre aérien, fragile et vertigineux à la découverte de l’espace et des autres. L’homme, la femme, sont revisités, travaillés, mis à nus, explorés, pour raconter tous leurs états d’âme. A travers ses oeuvres de métal et de papier, elle offre à notre regard et à nos émotions des histoires d’humanité. Les silhouettes sculptées sont dénudées, graciles et longilignes ; enracinées dans leur socle de métal, elles s’élancent dans un équilibre aérien, fragile et vertigineux à la découverte de l’espace et des autres. L’homme, la femme, sont revisités, travaillés, mis à nus, explorés, pour raconter tous leurs états d’âme... «Disséquer le langage du corps, dans l’élimination de toute assise superflue, comme un affranchissement des contingences matérielles. Ausculter, examiner, puis raconter... les petits arrangements quotidiens. Accoucher les impressions, les dépressions. Inspirer le monde, puis expirer les émotions.»

Photo Aralya

ERIC HERMANN é le 2 février 1971 à Colmar. Après des études de professeur d’EPS et quelques années passées dans l’Éducation Nationale, il décide de se consacrer à temps plein à la peinture en 2007. Obsédé par la lumière il cherche à rendre celle-ci «palpable », légère et transparente. Pour ce faire, il utilise des glacis d’huile. Pas de mélange de peinture, c’est la superposition des glacis qui donnent les nuances. Pas de rajout de blanc, celui-ci étant présent sur le support de départ. Peindre les moments transitoires, entre le jour et la nuit ; le calme et la tempête. Ne pas savoir ce qui précède l’autre. Cette incertitude, ce flou, cette fragilité mystérieuse du moment sublime permettant de se projeter, de se raconter une histoire qui nous est propre… Ses tableaux sont une transition entre le passé et le présent…. Le moment peut aussi bien être l’aube comme le crépuscule, le commencement comme la fin de quelque chose (séries des promenades…) Peindre les moments transitoires, entre le jour et la nuit ; le calme et la tempête. Ne pas savoir ce qui précède l’autre. Cette incertitude, ce flou, cette fragilité mystérieuse du moment est sublime car elle permet de se projeter, de se raconter une histoire qui nous est propre. Tout cela est en fait un prétexte pour peindre cette lumière tellement obsédante dans le fait quelle n’existe que par ce qui l’entoure. PALAZZI 33 VENEZIA

Une des premières choses qui la révèle sont les nuages. Bien qu’ils annoncent souvent le mauvais temps, ils peuvent également annoncer le beau temps. Que peux-t-il se passer d’autre après un orage, une tempête que l’arrivée du beau temps ? Ces paysages sont donc résolument optimistes !!! De l’eau, des ciels, des arbres. Rien que de très classique. Et pourtant, de ces étranges lumières naît un monde singulier, souvent nocturne ou crépusculaire. Quelques aubes peut-être. Peu de pleins midis. Ces peintures m’évoquent le roman d’Alain Fournier, texte quelque peu oublié aujourd’hui, dans lequel Augustin Meaulnes, recherche un mystérieux domaine au lac enchanteur où une nuit une fête étrange et poétique se déroula. Là, la psychologie y était romanesque. Ici, dans les peintures qu’Éric Herrmann nous propose, l’atmosphère y est picturale. Les arbres, les nuées, l’eau elle-même sont les personnages de ces récits de quête que porte chaque peinture. On se laisse envoûter par ces lieux improbables, proches de ce qui pourrait être une réalité, mais qui appellent plutôt la rêverie, l’illusion, le mirage ou l’hallucination. Retrouverons-nous jamais les lieux enchanteurs qui peut-être inspirèrent ces peintures ? Étienne Yver

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MAKGATI MOLEBASI

7 FEMMES DIVERSIFIENT L’ART

es femmes ont joué un rôle clé dans l’histoire de l’art - de la reine égyptienne Hatshepsout, en passant par des mécènes de la Renaissance comme Marie de Médicis, jusqu’à Peggy Guggenheim - mais elles ont longtemps été la minorité de collectionneurs reconnus pour leurs contributions. Une analyse de la liste des meilleurs collectionneurs d’ARTnews a révélé que seuls 10 % étaient des femmes seules, ce qui reflète peut-être le pouvoir économique démesuré que détiennent encore les hommes. Mais à mesure que les femmes deviennent des forces dans le monde de l’art - en tant qu’artistes, marchands, conservateurs et directeurs de musée (il est clair que les femmes collectionneurs feront partie du changement). Nombre des collectionneurs présentés ci-dessous partagent la volonté de faire connaître leur passion privée pour l’art à un public plus large, en sortant l’art de leur salon pour le faire entrer dans le discours public.

“Leur engagement va au-delà de l’acquisition et de l’exposition des œuvres d’art”, a déclaré la galeriste Wendi Norris, basée à San Francisco. “Il y a une dévotion et un engagement financier pour l’éducation et l’accessibilité à un plus grand groupe de personnes qui ne pourraient pas y avoir accès autrement”. Certaines ont grandi avec l’art, tandis que d’autres l’ont découvert plus tard dans leur vie. Certaines ont suivi une éducation artistique formelle, d’autres sont autodidactes. Mais elles sont toutes animés par une vision de la collection qui a moins à voir avec les objets qu’avec le soutien de leur communauté par tous les moyens possibles. Il semble y avoir une certaine influence des femmes qui, une fois qu’elles commencent à se montrer un peu plus publiques dans ce qu’elles font, se concentrent beaucoup sur la création d’espaces de conversation... plutôt que sur le modèle du “je vais construire un musée”, l’approche phallique”, a déclaré Rose Lejeune, conservatrice et chercheuse basée à Londres qui a travaillé avec des collectionneurs dans le cadre du programme de résidence de la Fondation Delfina. Elles semblent comprendre “que le privilège de la richesse vous permet de soutenir un écosystème”, a-t-elle dit, en particulier dans les endroits où le soutien de l’État aux arts est limité. “On a moins l’impression qu’ils sont à la recherche de trophées”, a déclaré Mme Norris. “C’est plus un rassemblement qu’une chasse”, a-t-elle ajouté en riant. Lorsqu’elle a commencé à collectionner des œuvres d’art, autant elle les aimait et les artistes qui les fabriquaient, Makgati Molebatsi, la collectionneuse et conseillère en art sud-africain, avait du mal à les comprendre. Bien qu’elle ait lu des livres sur l’art et qu’elle se soit abonnée à des magazines comme Art Review et ARTnews, “le langage [dans lequel] l’art est écrit est un peu au-delà de la compréhension, si vous ne l’avez pas étudié”, dit-elle. Molebatsi s’est éduquée en voyageant aux biennales et en se liant d’amitié avec des artistes et des conservateurs

Photo LATITUDES Art Fair

Makgati Molebatsi with International Jazz Day Director Brenda Sisane (left) and visual artist Adejoke Tugbiyele (right comme feu le conservateur nigérian Okwui Enwezor. Enfin, en 2015, elle a quitté sa vie d’entreprise (où elle avait touché un plafond de verre, croit-elle) pour se recycler à l’Institut d’art de Sotheby’s à Londres, où elle a suivi un cours de six mois sur l’art et les affaires en 2016. Elle continue à lire sans relâche pour approfondir sa compréhension de l’art moderne. “Cela m’a donné cette confiance pour revenir et parler depuis une position de connaissance”, dit-elle. Ayant grandi à l’époque de l’apartheid, elle a remarqué qu’”il y avait très peu d’éducation artistique - en fait, aucune”. Ce n’est qu’après les premières élections démocratiques en Afrique du Sud en 1994 que les universités blanches ont commencé à accepter des étudiants noirs, les exposant à l’éducation artistique et dotant une nouvelle génération de conservateurs et d’écrivains du langage nécessaire pour écrire sur l’art. Molebatsi, qui a commencé à collectionner à la fin des années 1990 grâce à des dons ou des échanges d’amis artistes, considère que sa mission est de cultiver et d’éduquer les collectionneurs noirs. Son parcours professionnel est dans le domaine du marketing; elle a occupé des postes dans toute une série de secteurs, notamment l’énergie, les transports et les biens de consommation. Lorsqu’elle a rejoint l’association à but non lucratif de Johannesburg, le Bag Factory Artists’ Studios, d’abord en tant que membre du conseil d’administration en 2008 puis, en 2017, en tant que présidente, elle a constaté que la plupart des collectionneurs étaient blancs, malgré l’émergence d’une élite commerciale noire. “En étant à la Bag Factory, il y avait beaucoup d’arti-

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stes noirs, et de plus en plus d’artistes noirs étaient mis en avant”, a-t-elle déclaré. “Une chose que je voulais vraiment voir, c’était un intérêt critique de la communauté noire pour l’acquisition d’art.” Molebatsi a utilisé sa formation commerciale et ses connaissances artistiques pour professionnaliser et élargir la programmation de la Bag Factory, en faisant appel à des conservateurs et en organisant des expositions pour les artistes en visite. Elle a également pris sur elle de parler à des collectionneurs potentiels, les éduquant sur l’art, la manière de penser à la valeur, et pourquoi il est important de collectionner et de soutenir les artistes. Elle donne maintenant régulièrement des présentations pour éduquer et cultiver les collectionneurs dans les maisons de vente aux enchères, les foires et les événements privés tels que ceux organisés par le Black Collectors Forum. En 2019, Molebatsi et ses collègues Lucy MacGarry, Nokwazi Zimu et Roberta Coci ont lancé Latitudes, une foire d’art de Johannesburg qui se déroule parallèlement à la FNB Art Joburg. En ce moment, a noté Molebatsi, Le Cap a saisi la vedette du monde de l’art sud-africain, avec l’ouverture en 2017 du Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, un musée privé qui possède la plus grande collection d’art contemporain du continent. Elle aimerait voir la scène artistique du pays dépasser les deux grands centres pour s’installer dans des villes (suit page 36)

Photo Benedikt Frank

(suit de la page 35) plus petites comme Durban, Bloemfontein et Port Elizabeth. Son dernier projet est de redécouvrir et de recontextualiser le travail des artistes qui ont vécu dans les townships d’Afrique du Sud dans les années 1960 et 1970. Connus sous le nom d’”artistes des townships”, ils étaient en grande partie autodidactes, étant donné l’absence de formation académique, bien que certains aient étudié dans des lieux d’apprentissage informels tels que la Johannesburg Art Foundation, la Federated Union of Black Artists et le Polly Street Art Centre, des espaces qui n’existent plus. “Pendant l’apartheid, les universités noires ne proposaient pas de diplômes en beaux-arts, et les universités blanches - où l’on proposait des diplômes en beaux-arts et en histoire de l’art - n’acceptaient pas les étudiants noirs”, a déclaré M. Molebatsi. Mon intérêt est de travailler avec un certain nombre de ces conservateurs et de commencer à regarder ces artistes et à leur dire: “Qu’est-ce qu’ils ont ? Qu’est-ce que les artistes d’aujourd’hui peuvent apprendre de ce qu’ils ont produit à l’époque”, a-t-elle déclaré. “Faites-les monter, parlons d’eux !” Catherine Petitgas, collectionneuse basée à Londres, est née en Allemagne, a grandi en Algérie et au Maroc, et se considère comme “totalement française” un héritage incontournable dans son délicieux accent. Mais elle est surtout connue pour son soutien à l’art et aux artistes latino-améric-

CATHERINE PETITGAS ains, qu’elle doit à son séjour à Mexico dans les années 1980, après des études de commerce avec son petit ami de l’époque, Franck, qui est aujourd’hui son ex-mari. “Nous nous sommes sentis très bien chez nous”, a-t-elle déclaré. “J’ai trouvé beaucoup de ce que j’ai aimé dans mon éducation au Maroc et en Algérie... cette nonchalance, cette couleur, ce bruit, ce métier.” Elle a rapidement compris que sa mission de collectionneuSE ne se limitait pas à l’acquisition d’œuvres, mais, en particulier dans le cas d’artistes vivants, à les soutenir et à faire en sorte que les œuvres soient vues. Petitgas avait déjà développé un intérêt amateur pour l’art contemporain lorsqu’elle a suivi un cours sur l’art américain du XXe siècle à l’école de commerce ; elle a été attirée par un travail plus conceptuel, comment “l’art qui n’est pas seulement visuel vous oblige à penser à votre vie quotidienne”, dit-elle. Travaillant dans la finance, avec un accent sur l’Amérique latine, elle a fait plus ample connaissance avec les artistes, les galeries et les musées de la région dont l’art reflète son instinct pour essayer de trouver la beauté dans des environnements difficiles. “Francis Alÿs, c’est un peu un flaneur qui trouve de la poésie dans les situations de tous les jours”, a déclaré Mme Petitgas. Elle a également été attirée par “les artistes qui collectionnent des objets rejetés et les transforment en art”, comme le Brésilien Alexandre da Cunha. Ce n’est qu’après que Petitgas a quitté la finance en 1997 qu’elle a commencé à acquérir sérieusement des œuvres, notamment des pièces de Gabriel Orozco et, plus tard, de nombreux surréalistes ayant des liens avec l’Amérique latine, comme Leonora Carrington.

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KOMAL SHAH

Elle a rapidement compris que sa mission de collectionneuse ne consistait pas seulement à acquérir des œuvres, mais aussi - surtout dans le cas d’artistes vivants - à les soutenir et à faire en sorte que les œuvres soient vues. “Nous avons réalisé que nous devions consacrer une part importante de notre budget de collection à la philanthropie”, a déclaré Mme Petitgas, décrivant son approche actuelle comme “la philosophie du partage et du soutien”. Une partie importante de ce soutien est allée à la Tate, où son ex-mari Franck a été administrateur pendant huit ans; elle siège au Comité des acquisitions latino-américaines et, en 2016, a assumé la présidence du Conseil international. Elle soutient également les Serpentine Galleries et un certain nombre d’initiatives plus modestes à Londres, notamment Fluxus Art Projects, une initiative publique-privée qui finance des expositions d’artistes britanniques et français, et Gasworks & Triangle Network, une organisation offrant des résidences et des espaces de studio (elle est la présidente des deux). Bien que la collection Petitgas, qui compte environ 900 œuvres, ait été récemment numérisée, elle croit fermement qu’il faut soutenir les institutions publiques plutôt que de créer une fondation privée. En 2011, Petitgas a été contactée par l’éditeur Hossein Amirsadeghi, qui lui a demandé d’éditer un livre sur l’art contemporain brésilien. Elle voulait écrire sur la Colombie et le Mexique, et a fini par faire les deux, plus le livre sur le Brésil. Ces livres, de plusieurs centaines de pages chacun, restent l’une de ses plus grandes fiertés. Même huit ans après leur publication, elle a encore des frissons lorsqu’elle les voit en vente dans les musées et les galeries.

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Komal Shah Née à Ahmedabad, en Inde, et actuellement basée à Atherton, en Californie, Komal Shah est devenue en quelque sorte une évangéliste pour les femmes artistes dans son cercle composé principalement de technologues et d’ingénieurs. Elle le fait en laissant l’art presque exclusivement abstrait - parler de lui-même. “Je pense que mon travail consiste à acheter de grandes œuvres d’art et à inviter les gens à regarder et à réfléchir”, a-t-elle déclaré, citant un récent dîner au cours duquel trois invités ont remarqué une œuvre de la jeune artiste Firelei Báez et ont demandé les coordonnées de son marchand. Au cœur de la collection de Shah se trouvent Jacqueline Humphries, Laura Owens, Amy Sillman et Charline von Heyl ; elle l’a ensuite élargie pour inclure d’autres femmes, telles que Lynda Benglis, Zarina Hashmi et Phyllida Barlow, et des artistes de couleur, dont Mark Bradford, Kevin Beasley et Sam Gilliam. L’approche de Shah en matière de collecte s’aligne sur ses autres activités philanthropiques, qui se concentrent sur des causes liées au genre (elle fait partie du conseil consultatif de la Feminist Majority Foundation depuis 2014). Shah estime que les femmes dans le monde de l’art sont beaucoup plus discriminées que dans l’industrie technologique, notoirement dominée par les hommes, où elle a commencé sa carrière en 1993. Elle a mentionné une étude récente qui a révélé que les œuvres des femmes artistes se vendent (suit page 36)

Photo Drew Altizer

(suit de la page 35) systématiquement moins cher que celles des hommes aux enchères. “C’est pour moi un véritable préjugé”, a-t-elle déclaré. Au moins dans l’industrie technologique, a-t-elle ajouté, “il existe encore des mesures concrètes à travers lesquelles vous pouvez briller, alors que dans le monde de l’art... c’est beaucoup plus difficile. C’est là que j’ai l’impression que c’est devenu une mission d’essayer de faire bouger l’aiguille autant que possible”. En tant qu’administrateur du Musée d’art moderne de San Francisco, Shah travaille à l’augmentation de la représentation des femmes dans les collections du musée, qui s’élève actuellement à 19 %. Elle est également membre du conseil d’administration de la Tate Americas Foundation, et souhaite apporter aux États-Unis ce qu’elle considère comme le leadership de la Tate en matière de diversité, de sensibilisation mondiale et d’artistes sous-représentés. En 2019, Shah a lancé une série réunissant les mondes de l’art et de la technologie par l’intermédiaire de son alma mater, l’Université de Stanford, où elle a obtenu son MS en informatique en 1993 et est membre du conseil d’administration du Stanford Arts Advisory Council depuis 2017. “Artists on the Future” met en relation des artistes accomplis avec des experts d’autres domaines pour des conversations qui abordent des questions épineuses à travers le prisme de l’art. Par exemple, en mars dernier, le directeur exécutif de LAXART, Hamza Walker,

DANA SCHUTZ EN CONVERSATION AVEC HANZA WALKER a parlé à Dana Schutz de la représentation et de l’identité, montrant une série d’images de représentations d’Emmett Till, dont la représentation dans le tableau de Schutz, Open Casket (2016), a suscité une controverse lorsqu’il a été exposé à la Whitney Biennial de 2017. Les événements attirent des étudiants, des conservateurs et des galeristes de la scène artistique croissante de San Francisco, ainsi que des technologues - M. Shah a cité les participants de Google et d’Instagram - et des enseignants du primaire. “Ils considèrent l’art comme étant étranger ou un peu frivole”, a déclaré Mme Shah, en référence à ses pairs de la Silicon Valley, ajoutant que beaucoup d’entre eux s’engagent dans des activités philanthropiques non liées à l’art. “C’est l’une des raisons pour lesquelles cette série de conférences a cette saveur particulière, qu’elle n’est pas étrangère à nos dilemmes sociétaux”. Nadia Samdani Imaginez un grand événement artistique sans exclusivité, où les ambassadeurs seraient traités de la même façon que les élèves des écoles publiques locales, où les jeunes se porteraient volontaires comme “médiateurs artistiques” pour faire visiter les lieux aux visiteurs et répondre à leurs questions, et où il n’y aurait pas de VIP. Il s’agit du Dhaka Art Summit, lancé en 2012 par les collectionneurs d’art bangladais Nadia et Rajeeb Samdani. “Le président de la Suisse vient, et le chauffeur de taxi”, a déclaré Nadia Samdani. “C’est vraiment pour tout le monde”. Samdani a commencé à collectionner au début de la vingtaine, inspirée par ses parents, qui collectionnaient les modernistes bangladais.

Mais au fur et à mesure qu’elle s’est impliquée dans le monde de l’art, en voyageant dans des foires, des biennales et d’autres événements artistiques , “Une fois que vous vous êtes lancée dans cette folie de l’art, elle prend le dessus sur votre vie !”, plaisante-t-elle, elle s’est retrouvée à répondre sans cesse à la même question, qu’elle soit à Miami ou à Hong Kong : “à quoi ressemble l’art bangladais?” “Il se passe beaucoup de choses ici, il y a des artistes talentueux, mais il n’y a pas de plateforme, il n’y a pas de place pour eux pour montrer”, a-t-elle dit. Aucune galerie bangladaise ne représente les artistes à l’étranger ou ne les expose dans des foires internationales. Alors que Samdani essayait de s’investir, en envoyant des artistes à l’étranger pour des résidences ou des expositions, elle a réalisé qu’elle ne pouvait pas faire grand-chose, artiste par artiste. Elle et Rajeeb ont décidé de créer un événement qui attirerait à la fois leurs curieux amis du monde de l’art du monde entier et les citoyens de Dhaka, une ville de 21 millions d’habitants dans un pays où les gens gagnent en moyenne environ 141 dollars par mois. Depuis son lancement, le sommet a évolué et changé. “Elle a mûri, sur le plan du contenu”, a-t-elle déclaré. “Il y a tellement plus de recherche, c’est plus riche maintenant, et c’est plus sérieux. Cette année, le sommet s’est associé à la Getty Foundation, à l’université Cornell et à d’autres pour réunir 21 universitaires du monde entier afin qu’ils présentent des communications pendant 9 jours en février, dans le cadre d’une mini-conférence ouverte conçue pour apporter des bourses d’études de niveau international à des personnes qui ne les rencontreraient pas normalement.

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Photo Noor Photoface

NADIA SAMDANI

De même, le sommet peut servir de cours accéléré sur l’art contemporain bangladais pour des personnes qui, autrement, auraient du mal à s’orienter dans le pays, en raison du manque d’infrastructures sous la forme d’un système de galeries ou d’institutions consacrées à l’art contemporain. “[Les artistes] travaillent chez eux, ils n’ont pas de sites web, pas de blogs”, a déclaré Samdani. “Même pour moi, en tant que Bangladais, trouver ces jeunes artistes, c’était comme, où les trouver ? Cela a pris du temps”. Désormais, les visiteurs du Dhaka Art Summit peuvent récolter les fruits de son travail et avoir un aperçu des jeunes artistes du Bangladesh et de toute l’Asie du Sud en une seule fois. Et cela a permis de créer des opportunités remarquables pour les artistes locaux . L’une d’entre elles, Reetu Sattar, n’est toujours pas représentée par une galerie, mais sa performance et son installation cinématographique Harano Sur (Lost Tune) (2017-18) sera exposée ce printemps au Musée d’art moderne de New York, après qu’un conservateur l’ait vue au sommet de 2018. “En tant que collectionneur, je n’éprouve pas autant de plaisir à acheter des œuvres d’art, à les apporter et à les mettre chez moi qu’à être avec des artistes”, a déclaré Samdani. Luba Michailova Enfant, Luba Michailova a reçu deux choses importantes de son père, directeur d’usine dans l’est de l’Ukraine de l’époque soviétique : des timbres pour sa collection de timbres, (suit à la page 40))

Photo Dima Sergeev

(suit de la page 39) qu’il ramenait de ses voyages d’affaires, et l’idée qu’il faut être utile aux gens. “Il a toujours cru en l’importance de la partie sociale de l’entreprise industrielle, et en la priorité des besoins des personnes qui y travaillent”, a-t-elle déclaré. “C’est pourquoi je suis très orientée socialement, même si je suis capitaliste”. Plus tard, elle a également obtenu de lui une partie de l’usine. Autrefois site d’une grande usine de matériaux d’isolation (et d’équipements pour les centaines de travailleurs qu’elle employait, dont une cantine, une école maternelle, un cinéma et des installations sportives), elle était tombée en désuétude dans les années 1990. Elle a proposé d’en faire un centre culturel, qu’elle a appelé Izolyatsia. Personne ne comprenait ce qu’elle faisait à l’époque, a déclaré Michailova. La ville de Donetsk, qui compte un million d’habitants, ne possédait qu’un seul musée d’art de l’époque soviétique, sans aucun art contemporain. “Nous avons pris un bâtiment et nous y avons fait une très belle galerie, propre, avec de bonnes toilettes, au milieu d’une catastrophe industrielle”, se souvient-elle. Izolyatsia a été fondé en 2010 et a ensuite converti une plus grande partie de l’usine en espaces d’exposition et a ajouté des œuvres d’art spécifiques au site. Le centre culturel a rapidement gagné en popularité auprès des habitants; Michailova se souvient d’un mineur de charbon qui est venu la serrer dans ses

LUBA MICHAILOVA bras, en larmes, après avoir vu son portrait inclus dans une exposition de Cai Guo-Qiang, qui avait fait des dessins à la poudre à canon de mineurs au travail. A un moment donné, elle espérait ajouter un parc de 12 acres. “La culture est un excellent instrument pour prévenir tout conflit, en donnant aux gens une façon différente de penser, de résoudre et de faire entendre leur voix”. Les premières collections de Michailova se sont concentrées sur les peintures réalistes soviétiques, principalement des paysages qui glorifiaient la fabrication et même la pollution, alors considérés comme des signes de progrès. Alors qu’elle poursuivait sa propre carrière en fournissant des produits de base tels que des engrais et, plus tard, des produits à base de carbone aux multinationales du pneu et de l’aluminium comme Alcoa et BHP, elle a commencé à acquérir sérieusement, tout en étudiant le monde de l’art et ses infrastructures. L’art lui a également permis de s’évader du monde industriel dominé par les hommes ; lors de ses voyages d’affaires à l’étranger, elle a visité des musées et des galeries pour se reposer de ses affaires. En juin 2014, Izolyatsia a été reprise par des séparatistes soutenus par la Russie ; des miliciens ont pillé les locaux, puis se sont installés de façon permanente sur le site, qui reste sous leur contrôle. Michailova pense que la plupart des pièces spécifiques au site, comme celles de Leandro Erlich, Pascale Marthine Tayou, et d’autres, ont été détruites, et que le site est actuellement utilisé comme prison. Elle vivait en France à l’époque, et s’est rendue à Kiev, la capitale du pays, au moment de la prise de contrôle. Lorsque l’équipe créative de dix personnes d’Izolyatsia est

arrivée après un train de nuit de Donetsk pour la rejoindre, Michailova a donné à tout le monde de l’argent pour trois mois de loyer, en supposant qu’ils resteraient jusqu’à ce qu’il soit sûr de revenir. Le déménagement est devenu permanent, et plus tard cet été-là, plus de 100 personnes de l’entreprise industrielle de Michailova ont également déménagé à Kiev. Le même été, elle a loué un nouvel espace dans le chantier naval industriel de Kiev pour faire revivre Izolyatsia et lancer un nouveau projet, la communauté créative et le studio ouvert IZONE. Maintenant que ses entreprises ont été reprises par la République populaire de Donetsk, qui n’est pas reconnue, l’organisation travaille en partenariat avec des institutions culturelles d’autres pays, comme l’Alliance française et le Goethe-Institut, pour financer ses activités. Bien que sa propre organisation ne soit pas à l’abri des conflits, Michailova croit toujours que la culture est un rempart essentiel contre le type de pensée monolithique qui l’anime. Elle en a été témoin à Donetsk, en voyant les gens devenir plus curieux, plus ouverts d’esprit et plus tolérants. Mouna Atassi Mouna Atassi et sa soeur Mayla avaient peu d’expérience dans les beaux-arts lorsqu’elles ont ouvert une galerie en 1986, dans le même bâtiment que la librairie qu’elles tenaient dans la troisième ville de Homs, en Syrie. Leur exposition d’ouverture était une sélection d’artistes de Homs, aux côtés de la moderniste syrienne Fateh Moudarres et du jeune artiste Saad Yagan. A leur grande surprise, ils ont réussi à vendre quelques œuvres, “principalement à des membres de leur famille”, se souvient Atassi.

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Photo Nairy Shahinian

MOUNA ATASSI

“Normalement, le marché de l’art a besoin de deux facteurs pour prospérer : la liberté et la richesse”, a-t-elle déclaré. “En l’absence de ces facteurs, seule une partie de la société en Syrie était en mesure d’acquérir de l’art.” Néanmoins, la galerie a lentement élargi son public au-delà des artistes et des intellectuels, a ouvert un espace plus grand à Damas en 1993, et a montré des artistes syriens et arabes, dont Marwan et Louay Kayali, vendant principalement à des collectionneurs du Liban voisin, ainsi qu’à quelques Syriens et collectionneurs du Golfe arabe. En 1998, Atassi a publié Contemporary Art in Syria,1898-1998, l’aboutissement de quatre années de visites d’ateliers, d’entretiens et de recherches. “Cela a été la clé de la construction de mon expertise et de mes connaissances sur l’art et, en particulier, sur l’art syrien”, a-t-elle déclaré. “J’ai développé la passion qui a guidé mon travail jusqu’à aujourd’hui.” Après le déclenchement de la révolution en 2011, Atassi s’est installée à Dubaï en 2012 (sa fille Shireen y était basée depuis 1998). Après avoir sorti la collection de la famille - environ 500 pièces - de Syrie et l’avoir stockée à Dubaï, Atassi a décidé d’utiliser ses connaissances approfondies et sa vaste collection comme base pour une fondation qui préserverait et promouvrait le patrimoine artistique syrien, en militant contre un conflit qui a déjà vu des dommages et des pillages sur les principaux sites culturels du pays. La fondation Atassi, dirigée par Shireen, (suit page 42)

Photo Melani Setiawan

(suite de la page 41) travaille sur plusieurs fronts, en organisant des spectacles à Dubaï (avec des projets d’expositions ailleurs), en publiant une revue trimestrielle et en créant les Archives d’art moderne syrien, qui seront une ressource en ligne gratuite documentant l’histoire récente et le présent de l’art syrien. “Il était important, avec mon expérience et mes antécédents, d’avoir une présence publique à un moment où mon pays était en train d’être détruit”, a déclaré Atassi. “Lorsque toutes les œuvres d’art ont été réalisées, j’ai ressenti le besoin de prendre position contre la violence et la destruction”. Maintenant que la communauté artistique syrienne s’est dispersée dans le monde entier - au Liban, en Allemagne, en France, au Canada et dans d’autres pays - la documentation, la critique et la création de bourses sont d’autant plus importantes. Le journalisme et la critique d’art ont toujours été des points faibles en Syrie, a fait remarquer M. Atassi, qui ne dispose que d’une seule publication artistique dans le pays, éditée par le ministère de la culture. “La création de connaissances est une priorité”, a déclaré M. Atassi. L’année prochaine, la fondation se concentrera donc sur la recherche, les publications et la création d’archives. Mais, a-t-elle ajouté, les artistes avec lesquels elle travaille n’ont pas cessé de faire de l’art. “Presque tous disent que c’est leur art qui leur permet de donner un sens à la folie”, a-t-elle déclaré.

MELANI SETIAWAN Pour Atassi, “la page s’est tournée” et elle ne se voit pas retourner en Syrie, malgré son lien profond avec le pays et son art. J’ai 68 ans et beaucoup de mes amis sont morts ou vivent maintenant en diaspora. C’est payant de savoir que nous avons un héritage aussi riche que les Syriens”, dit-elle. “La vie doit continuer.” Melani Setiawan Dans les années 1970, lorsque le Dr Melani Setiawan a commencé à collectionner des œuvres d’art, il n’y avait qu’une poignée d’endroits pour voir et acheter des œuvres d’art à Jakarta, une ville de 6,5 millions d’habitants en 1980 : un centre d’art (Taman Ismail Marzuki), un marché de l’art (Pasar Seni Ancol) et “seulement deux ou trois galeries, qui ressemblaient plutôt à des magasins”, a-t-elle déclaré. Des décennies plus tard, le pays compte Art Jakarta, une foire d’art internationale ; une autre foire, ARTJOG, à Yogyakarta ; la Biennale de Jakarta ; et un nouveau musée privé d’art contemporain, le Musée d’art moderne et contemporain de Nusantara. Et le Dr Setiawan a joué un rôle important, tant formel qu’informel, dans le développement de la scène artistique de la région. “Pour moi, il ne s’agit pas de collectionner. Il s’agit plutôt d’une interaction humaine et d’une amitié avec les gens du monde de l’art”. Il n’est pas étonnant qu’elle soit devenue, au cours du demi-siècle qui a suivi, “la mère” de la scène artistique indonésienne pour son soutien indéfectible aux artistes du pays, qui se traduit par l’achat des œuvres et leur promotion dans le monde entier et auprès d’autres collectionneurs, ainsi que par l’offre de soins médicaux gratuits aux

Photo Melani Setiawan

Melani Setiawan and S. Sudjojono in Pandanwangi Studio in Jakarta artistes qui n’ont pas les moyens de les payer. (Bien qu’aujourd’hui, à 74 ans, elle note que ibu, le mot indonésien pour mère, est aussi une façon polie de désigner les femmes plus âgées). L’oncle du Dr Setiawan, pédiatre, a collectionné des céramiques chinoises anciennes, des peintures, des sculptures et des œuvres d’artistes indonésiens modernes tels que Hendra Gunawan et Liem Tjoe Ing. Elle a travaillé avec lui dans le même hôpital en tant qu’assistante au service de pédiatrie ; après le travail, les deux hommes allaient voir des œuvres d’art et des antiquités. “Il m’a influencée pour que je voie le lien humain derrière les œuvres d’art”, dit-elle. “Il m’a emmenée visiter des artistes malades. Les artistes venaient souvent à son cabinet pour une consultation médicale”. Plutôt qu’une œuvre d’art ou un artiste en particulier, elle a déclaré que “ce qui me reste le plus à l’esprit, c’est l’expérience et le voyage” pour connaître l’art et les gens qui se cachent derrière. En 1986, son oncle a eu une attaque, mais elle a continué sur sa lancée, recueillant des œuvres d’artistes indonésiens et traitant leurs problèmes médicaux. “Mon travail acharné à l’hôpital a été compensé par l’art”, a déclaré le Dr Setiawan, qui a pris sa retraite de la médecine en 2015 après avoir pratiqué pendant 44 ans. Elle a noté que plusieurs artistes indonésiens utilisent aujourd’hui des objets liés à la médecine dans leur art, et elle leur offre ses conseils et tous les objets médicaux dont ils pourraient avoir besoin. Si elle est connue pour son soutien aux artistes vivants et l’achat d’œuvres contemporaines, elle apprécie également

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beaucoup la peinture traditionnelle balinaise, notamment le genre Keliki, dans lequel les peintures peuvent être aussi minuscules qu’une boîte d’allumettes. Elle les collectionne également pour soutenir les artistes qui se trouvent derrière elles, et fait partie d’un groupe de collectionneurs qui ont créé les prix et les expositions Bali Bravo, qui honorent les peintres traditionnels. En plus de son soutien actif aux artistes, le Dr Setiawan est connue pour ses archives de près de 100 000 photographies documentant la scène artistique indonésienne depuis 1977. Elle s’efforce de trouver des moyens de publier un livre sur lequel elle travaille depuis 2004, intitulé The Indonesian Art World (Le monde de l’art indonésien). Il est prêt à être imprimé, mais avec près de 1 200 pages, il nécessite davantage de parrainage et de soutien avant de pouvoir être publié à grande échelle. Et comme le mécénat public n’est pas encore très répandu en Indonésie, elle travaille encore sur un moyen de faire en sorte que ses archives photographiques et sa collection d’art puissent être mises à la disposition du public. “Je rêve toujours de pouvoir faire don de mes archives et de mes collections au public”, a-t-elle déclaré. “Pour moi, il ne s’agit pas de collectionner. Il s’agit plutôt d’une interaction humaine et d’une amitié avec les gens du monde de l’art. L’art, c’est ma vie” Anna Louie Sussman https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-7-women-making-art-diverse

Photo streep

inalement, Ernest Pignon-Ernest n’a pas quitté Avignon le 29 février. Son exposition “Ecce Homo” s’achèvait ce jour-là, après six mois passés au Palais des Papes. La rétrospective a rencontré un grand succès : 400.000 personnes l’ont visitée. Mais le précurseur du street-art en France avait annoncé qu’il s’installerait dans un autre endroit. À partir du 25 mars, Ernest Pignon-Ernest il a pris ses quartiers au cloître des Célestins, en cours de restauration, sur proposition de la mairie d’Avignon. Il y expose une version retravaillée d’une précédente exposition, “Extases”, à partir des textes des grandes mystiques. Le Niçois, devenu célèbre dans les années 1970, s’est prêté avec un plaisir évident au jeu des questions réponses avec

ERNEST PIGNON ERNEST à partir du

25 Mars 2020

Cloitre des Célestins Place des Corps Saints

84000 Avignon pignon-ernest.com/

le public : notamment sur le portrait d’Arthur Rimbaud devenu iconique tant la qualité du trait de crayon évoque la personnalité rebelle du poète. ‘’Quand Mahmoud Darwich, le poète palestinien est venu me voir dans mon atelier, il a découvert que ce Rimbaud que tout le monde connaissait, était de moi ! Je n’ai jamais pu travailler avec lui car il est mort prématurément en 2008, mais j’ai fait aussi son portrait en souvenir’’. Ses liens avec le compositeur, percussionniste, Luis Clavis qui a fait 2 disques sur son travail a été aussi l’occasion de questions : ‘’C’est un des compagnons de route dont l’œuvre nourrit la mienne’’ confit-il. Des questions encore sur les nombreux symboles religieux apparaissant dans ses œuvres : “Je suis athée, mais, je considère que ce sont nos mythologies qui fondent l’histoire de l’humanité. Je crois à ce sacré laïque qu’est la conscience de ce qui nous a précédé et j’ai peur que l’amnésie générale de notre époque soit un grand danger.’’ Enfin, il a évoqué son ressenti sur l’exposition. ‘’Avec Ecco Homo, ici à Avignon, je n’ai jamais eu une résonance aussi forte sur mes travaux. J’ai tous les jours des courriers, je suis régulièrement pris d’assaut par le public. C’est très émouvant de voir combien ma démarche et ma réflexion sur la relation des images aux lieux, au temps, à l’histoire, est comprise par le public’’. Car l’artiste aime Avignon. À peine son exposition achevée au Palais des papes, le précurseur du street-art, a pris ses quartiers dès le 25 mars au cloître des Célestins nouvellement restauré. C’est un approfondissement d’une précédente exposition sur les textes des grands mystiques qu’il a intitulé ‘’Extases’’. « J’ai toujours travaillé ces textes pour les inscrire dans un lieu de spiritualité et je suis ravi de ce choix » conclut l’artiste.

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Photo anne van der linden

Photohuffingtonpost

‘Architecte italien Vittorio Gregotti,est décédé dimanche 15 mars à 92 ans à Milan d’une pneumonie liée au nouveau coronavirus, rapportent les médias italiens. Gregotti avait été hospitalisé à Milan après avoir contracté le Covid-19, rapportent dimanche l’agence italienne AGI et le quotidien Corriere della Sera. Selon le Corriere della Sera, l’épouse de Gregotti, Mariana Mazza, est hospitalisée dans la même structure milanaise. La Lombardie, dont Milan est la capitale, est la région italienne la plus touchée par le coronavirus avec plus de 9000 cas actuellement positifs et 966 morts. Vittorio Gregotti a réalisé le stade Marassi de Gênes pour la Coupe du Monde de football 1990 en Italie, le Théâtre Arcimboldi à Milan ou le Centre Culturel de Belem

à Lisbonne, au Portugal. Il avait aussi réalisé le plan de requalification du quartier de la Bicocca à Milan et avait participé à la conception des installations olympiques de Barcelone pour les JO 1992. Stefano Boeri, autre architecte italien, a rendu son hommage sur Facebook en saluant “un maître de l’architecture internationale”, ici à “écrit l’histoire de notre culture”. Diplômé en architecture au Politecnico di Milano, Gregotti a enseigné l’architecture à Venise, Milan et Palerme, et a tenu des conférences dans les universités de Tokyo, Buenos Aires, Sao Paulo, Lausanne, Harvard, Philadelphie, Princeton et Cambridge, entre autres. Sa première expérience professionnelle a eu lieu lors d’un séjour de six mois à Paris en 1947 où il a travaillé pendant deux semaines dans l’important atelier des frères Gustave, Claude et Auguste Perret. Il poursuit ensuite son travail au studio BBPR, considérant Ernesto Nathan Rogers comme son maître. En 1951, avec Rogers, il signe sa première chambre à la Triennale de Milan, puis atterrit au CIAM à Londres. Comme Aldo Rossi, il a commencé sa carrière en collaborant à la revue historique Casabella, dirigée par Ernesto Nathan Rogers, dont il est devenu le directeur de 1982 à 1996. Dans les années 50, il participe à un séminaire international à Hoddesdon, où il rencontre Le Corbusier, Ove Arup, Cornelis van Eesteren, Gropius, mais surtout le maître du style Liberty Henry van de Velde. De 1953 à 1968, il a travaillé en collaboration avec Ludovico Meneghetti et Giotto Stoppino (architectes associés). Son travail est d’abord lié à ces mouvements, comme la réaction de Neoliberty au Mouvement moderne et

Photo corriere.t

VITTORIO GREGOTTI

son interprétation italienne appelée Rationalisme italien, de ce genre ; l’exemple le plus significatif est l’immeuble de bureaux à Novara en 1960. Il a ensuite conçu une mégastructure architecturale pour les universités de Palerme (1969), de Florence (1972) et de Calabre (1974). Grand prix international de la 13e Triennale de Milan en 1964, Vittorio Gregotti a été directeur des arts visuels à la Biennale de Venise de 1974 à 1976. En 1974, il crée son studio professionnel “Gregotti Associati International”, qui depuis lors a créé des œuvres dans une vingtaine de pays. En 1999, Gregotti Associati International a fondé la société Global Project Development, spécialisée dans la conception et le développement d’une architecture durable pour les pays touristiques en plein essor, dans le but de respecter l’environnement. Gregotti est le créateur du projet controversé pour le quartier ZEN de Palerme, dont Massimiliano Fuksas proposera la démolition des années plus tard. Gregotti a toujours attribué l’échec du projet ZEN au fait qu’il n’a jamais été achevé en raison de l’infiltration de la mafia pendant la phase de passation des marchés. En tant qu’architecte, Gregotti s’est éloigné des théories et des modèles dominants hérités du mouvement moderne pour trouver son inspiration dans les cultures locales et régionales. Dans ses projets, il adopte une approche visant à les relier à l’histoire du lieu et non à une abstraction qui PALAZZI 47 VENEZIA

vise à sa reproductibilité dans n’importe quel site. Il a reçu différentes orientations dans son travail. Il est parfois considéré comme lié aux nouveaux rationalistes italiens, tels que Giorgio Grassi, en référence aux thèses de Jane Jacobs, Robert Venturi et Aldo Rossi, qui avaient induit une réorientation de la création architecturale par rapport aux données du site, ceci dès les années 1960 et 1970. L’intérêt de ces théoriciens pour la vie urbaine et l’urbanisme a trouvé un écho dans les succès des membres de l’école tessinoise et de Tendenza, le nom donné à ce groupe d’architectes historicistes. Les valeurs qui lui sont attribuées reposent sur deux principes anti-modernistes : d’une part, le rejet de la tendance universalisante du rationalisme moderniste et, d’autre part, le renforcement des sources historiques, l’acceptation des traditions locales dans la logique de la conception et de la construction. Ces aspects sont visibles à la fois dans les projets de son agence et dans sa production bibliographique dense. corriere.it h t t p s : / / w w w. c o r r i e r e . i t / cultura/20_marzo_15/ morto-vittorio-gregotti-maestro-dell-architettura-novecento9468ca-6699-11ea-a26c-9a66211caeee.shtml

Photo Wikipedia

8 ŒUVRES D’ART VOLÉES ET JAMAIS RETROUVÉES

’une magnifique œuvre de Caravage aux précieux tableaux de Renoir, Cézanne et Van Gogh, il existe de grandes œuvres d’histoire de l’art qui semblent avoir mystérieusement disparu de la surface de la terre. En 1969, deux voleurs ont dérobé le tableau du Caravage “Natività con San Francesco e San Lorenzo”, qui se trouvait sur l’autel de l’Oratoire de San Lorenzo de Palermo. Il s’agit d’une peinture religieuse de 1609 de style baroque dans laquelle la crèche est représentée dans un environnement pauvre. Saint François d’Assise et Saint Laurent apparaissent à côté de la Sainte Famille dans une modeste écurie. D’une valeur de 20 millions de dollars, il n’a pas été possible de découvrir l’emplacement du tableau, qui a été reproduit pour remplacer l’original.

13 œuvres de l’Isabella Steward Gardner Museum, Boston C’est le plus grand crime de l’histoire de l’art. C’est arrivé en 1990, lorsque deux hommes habillés en policiers sont entrés au musée Isabella Steward Gardner de Boston aux premières lueurs du jour et ont volé 13 œuvres d’art d’une valeur de 500 millions de dollars. Parmi eux, des oeuvres de Degas, Vermeer, Manet, Rembrandt... Trois décennies se sont écoulées et le vol reste non résolu, bien qu’il existe plusieurs légendes urbaines pour tenter d’expliquer le crime. Vue d’Auvers-sur-Oise, Cézanne Ce paysage de Paul Cézanne, appelé la Vue d’Auvers-sur-Oise, a été volé en 1999 au Ashmolean Museum d’Oxford, en Angleterre, au moment où l’on célébrait le Nouvel An. L’œuvre est d’une importance fondamentale dans la carrière du peintre français car elle marque un tournant dans sa carrière et son entrée en maturité. C’est pourquoi, Vista de Auvers-sur-Oise vaut 3 millions de dollars. Un chevalier, Frans van Mieris Des crimes artistiques ont également eu lieu à l’autre bout du monde : par exemple, le vol du portrait “Un Cavalier”, peint par le maître néerlandais Van Mieris au milieu du XVIIe siècle. Le tableau a été volé à la New South Wales Art Gallery de Sydney en plein jour, alors que les portes du musée étaient ouvertes aux visiteurs. Les voleurs sont partis grâce à la petite taille de l’œuvre, seulement 20 x 16 cm. Bien que petit, sa valeur est supérieure à un million de dollars.

Photo wikipedia

Madeleine appuyée sur son coude avec des fleurs dans les cheveux, Renoir. Ce vol n’a pas eu lieu dans un musée comme la plupart des cas dont nous avons parlé, mais dans une maison privée à Houston. C’était en 2011, quand un jeune voleur masqué est arrivé armé d’un pistolet semi-automatique et a volé Madeleine en s’appuyant sur son coude avec des fleurs dans les cheveux de Renoir. Le propriétaire du tableau volé est prêt à offrir jusqu’à 50 000 $ pour toute information concernant le vol du tableau. Les coquelicots de Vincent van Gogh Cette nature morte que Van Gogh a peinte en 1887, trois ans avant son suicide, a été volée au Musée Mohamed Mahmoud Khalil du Caire en 2010 et n’a toujours pas été retrouvée aujourd’hui. Le coquelicot mesure 65 x 54 cm, et sa valeur est estimée à environ 50 millions de dollars. Il est intéressant de noter que le même tableau avait déjà été volé auparavant, en 1977, mais avait été retrouvé au Koweït. Œuvres du musée Chácara do Céu En 2006, le Museu da Chácara do Céu de Rio de Janeiro a été le théâtre d’un autre vol d’art majeur. Dans ce cas, les œuvres suivantes ont disparu : Danse, de Salvador Dalí ; Danse, de Pablo Picasso ; Jardins du Luxembourg, de Herni Matisse, et Scènes de mer, de Claude Monet. Les voleurs ont eu l’intelligence de perpétrer le criPALAZZI 49 VENEZIA

me pendant la célébration du célèbre carnaval de la ville, de sorte qu’ils sont passés inaperçus dans la foule une fois qu’ils ont quitté le musée avec le butin. 18 tableaux du Musée des Beaux-Arts de Montréal. En 1972, le plus grand vol d’œuvres d’art de l’histoire du Canada a eu lieu. Des voleurs armés ont pris 18 tableaux du Musée des beaux-arts de Montréal, ainsi que des bijoux et des figurines. Le vol comprenait, entre autres, des œuvres de Delacroix, Rembrandt et Gainsborough. La valeur totale des 18 œuvres est estimée à plus de 2 millions de dollars. Anna Boshedemont Anna est journaliste de voyage et traductrice et voyage à travers le monde : son esprit est en mouvement constant et ses pieds aussi. Elle vit à Barcelone, mais elle utilise la flexibilité de son travail de free-lance pour écrire et traduire tout en explorant d’autres pays. Elle a également un blog de voyage, The Perfumed Backpack. Si elle n’est pas devant son ordinateur portable, vous pouvez la trouver sur le tapis de yoga ou dans un restaurant de cuisine saine - même si elle ne dit jamais non à un bon brownie ! https://blog.musement. com/it/8-opere-darte-rubate-e-mai-ritrovate/?

Photo lavocediasti.it

aolo Conte, né le 6 janvier 1937 à Asti, est un chanteur, auteur-compositeur-interprète, parolier et instrumentiste italien fortement influencé par le jazz et le blues. Il se passionne dès l’enfance pour le jazz américain et les arts graphiques, qui seront les principaux éléments à l’influencer par la suite. Dans les années 1960, il perce dans le milieu musical, notamment en écrivant pour Adriano Celentano une ritournelle “La coppia più bella del mondo” et le succès mondial « Azzurro ». En 1974, il sort un album intitulé simplement “Paolo Conte” et le public italien découvre sa voix éraillée. Il abandonne la robe et se consacre pleinement à un second disque homonyme en 1975. En 1979, avec “Un gelato al limon”, il se fait connaître du grand public. Wikipedia

azmataz !” - appelait Paolo Conte. Et attend 30 ans pour une réponse. Enfin, il arrive, Razmataz se donne. Il attendait le bon moment, lui faisait “danser un peu de tout, sur les chemins du gramophone, vous savez” ; il voulait qu’il explore toutes les routes possibles avant de le mener à lui. Il la poursuit depuis toujours. Il a croisé de nombreuses images et de nombreuses femmes avant d’arriver. L’ a cherché parmi les ruines de Mocambo et les ruelles de Gênes, il l’a attendue pendant les “jours de caoutchouc” et pendant ces chaudes journées d’été, quand elle courait “pour les plages”. Et il l’a trouvée parmi les 1800 dessins qui forment, aujourd’hui, le corpus scénographique du spectacle homonyme. Son Razmataz a eu des histoires, des regards, des drames, des vies et des amours différents. Beaucoup de Razmataz ont dansé pour lui. Et les applaudissements venaient toujours “ponctuellement pour rendre grâce à cet art”. La “femme d’Angiolino, toute belle et toute blonde”, tapait des mots d’amour, c’était un diable rouge qui invitait à boire une orangeade. Ah, quel rébus ! Vous attendez le froid ? Oui, parce que “en hiver, c’est mieux. La femme est toute secrète et blanche, afghane, algébrique et pensive”. J’aimerais être une femme pendant quelques minutes, pour comprendre ce que l’on ressent lorsqu’on est célébré ainsi ; en tant qu’homme, je ressens une saine envie parce que j’aurais aimé écrire ces mots pour ma femme. Razmataz est un spectacle qui s’envole, “s’envole comme une nostalgie” ; pas une chanson ou un disque,

Photo swoyersast.com

PAOLO CONTE mais un vrai spectacle. Il lui a fallu 30 ans, disais-je, pour y arriver. Et dans sa modestie, il dit qu’il a dû trouver un alibi (cette exposition, précisément) pour exposer ses tableaux. Quant aux chansons : il dit qu’il pense à de grands interprètes quand il les écrit et qu’il doit ensuite “se contenter” de lui-même. Il insère des éléments de l’avanspettacolo et du cabaret, fait une petite pause, presque un nouveau Duke Ellington, donne du temps aux chanteurs, en insérant des dialogues, des illustrations, des monologues, des chœurs de gospel. Et il devient son Razmataz. Ne vous attendez pas à ce qu’un simple disque avec le chœur fredonne sur un vélo. C’est une œuvre, celle-ci, qui inclut ses passions : la musique et la peinture et les suggestions qui lui sont chères ; le Paris enfumé des années 20 et l’opulente négritude des chanteurs de jazz qui s’appuient sensuellement sur le piano et celle, agressive et sauvage, des jeunes boxeurs. Ici, Paolo Conte a cherché et trouvé une véritable contamination entre les arts, en les associant d’une manière très peu traditionnelle. L’événement n’est pas statique, mais il palpite, vit et se déplace dans le monde entier. Il a une forme qui s’adapte aux besoins des lieux qu’il fréquente et à partir desquels il reçoit d’autres apports qu’il apportera en se modifiant. Il a préparé quatre versions : anglaise, française, espagnole et italienne. PALAZZI 51 VENEZIA

Chacune est différente de l’autre pour la langue et enrichie par la présence d’illustres invités (la version française avec Annie Girardot, la version anglaise avec l’actrice Judith Malina). Mais pour tous, la même scénographie. La présence des arts visuels dans ce projet n’a pas besoin d’être traduite ce sont les suggestions et les illusions musicales qui lient les images de la mémoire aux tableaux. Il me semble vraiment être à Paris dans les années 20, pour assister à la rencontre entre la vieille Europe et la musique noire dont toute la force de l’avant-garde historique à laquelle elle est sans doute liée. Toutes ces langues coexistent de manière équilibrée, fermement liées par la personnalité de Conte, qui est donc la véritable essence du spectacle. Même si je suis sur la place Saint-Marc, à Venise, et que l’installation de Plessi se détache de l’arrière-plan, je me sens très proche de ce Paris ; ce sera aussi pour les femmes que je vois dans le public, qui portent d’élégantes robes françaises des années 1930, qui fument avec le long bec ivoire et la légère brume qui m’enveloppe. Je me suis peut-être trop abandonnée aux “douceurs du Harry’s Bar”, mais ici, “sotto le stelle del jazz”, ça fait tellement de bien. Silvio Saura

Photo Stefano Maniero

ien sûr, les circonstances ne sont pas favorables”, chantait le PGR, “et quand bien même ! Ça devrait... ça ne devrait rien être. Nous avons besoin de ce que c’est. Nous avons besoin du présent”. Eh bien, les galeries s’équipent, ne renonçant pas à diffuser des réflexions sur les expositions de valeur. Et nous avec eux. La Galleriapiù di Bologna a réalisé une vidéo exploratoire de l’exposition d’Ivana Spinelli, leur collaboration se poursuit depuis l’œuvre Global Pin-Up (2012) et “Contropelo”, dont le commissaire est Claudio Musso, est sa deuxième exposition personnelle. Quant à “Minimum” (que nous avons écrit ici), il s’agit cette fois aussi d’une enquête cultivée sur des contenus textuels d’intérêt international, en l’occurrence sur la littérature produite par l’archéologue et linguiste Marija Gimbutas (1921-1994).

Un signe vieux de 9000 ans

Grande Dea Ivana Spinelli Galleriapiù via del Porto, 48 40123 Bologna

Tél: +39(0)51 317 9675 voir la vidéo

vimeo.com/395468301

Les travaux s’inspirent des découvertes révolutionnaires du savant sur le langage préhistorique des signes et des figures à l’origine des écrits successifs de l’Occident. Ce qui frappe l’artiste, selon ses propres termes, c’est la méthode multidisciplinaire qui, par une lecture comparative des trouvailles à travers l’archéologie, la connaissance de la mythologie et du folklore, la linguistique et l’ethnologie historique, a permis de reconstruire la symbolique de la déesse pré-indoeuropéenne qui, comme l’a écrit Martino Doni : “est le sens du peignage de l’histoire à contre-courant”. D’où l’œuvre multiforme d’Ivana Spinelli, exposée à la Galleriapiù. ’entretien avec Ivana Spinelli Nous savons que l’iconographie de la Grande Déesse est née de l’observation des lois naturelles qui la régissent. Votre méta-iconographie inclut le monde naturel comme un terme de relation essentiel pour l’art. La Déesse, un signe qui regarde et reste v^v^v (2017), une installation qui voit les éléments organiques et inorganiques côte à côte sur le même plan visuel, ainsi que la série de toiles Testo, abri pour les vivants (2020) et diverses sculptures “bourrées” d’autant de résidus naturels, nous le montrent. “L’inévitabilité de la nature, ce que nous sommes. Je pense que pendant des milliers d’années, nous avons conçu la nature dans une position latérale lorsqu’elle n’était pas inférieure à l’être humain (voir Il Postumano de Rosi Braidotti), jusqu’à ce que les neurosciences ou d’autres sciences nous montrent que les intelligences “autres” que l’humaine ne sont pas inférieures mais simplement différentes. Le langage semble se situer à un niveau supérieur, éthéré, pur, mais je crois que les signes ne peuvent être que physiques, produits par le corps, des signes qui s’extériorisent à cause d’une tension, d’une poussée pour les déplacer, pour les faire bouger, pour faire sortir de sa propre dimension quelque chose que

Photo Stefano Maniero

nous reconnaissons et auquel nous attribuons une valeur, un caractère sacré. En pensant à cette corporéité, j’ai pensé à la “texture-texte”, une toile naturelle qui abrite les corps, les feuilles ou les branches qui se trouvent entre la vie et la mort. Je pensais aussi au “manque d’abris” dont parlent Anna Tsing et Donna Haraway ; vous transportez la texture du texte avec vous, comme un baluchon, un sac, un zigzag plein de souvenirs familiaux et historiques”. Le projet Zig Zag Protophilosophie, en cours depuis 2017, passe de la conception à la réalisation et entre des termes opposés : organique/inorganique, mais aussi analogique/numérique. Vous collectez les références de la société, vous travaillez le matériel et l’immatériel pour la société elle-même. Je pense à l’ensemble de stickers emojy Zigo Zago que vous avez créé pour introduire l’alphabet visuel atavique au centre de vos recherches dans les chat rooms de tout le monde... vous êtes parti des cahiers d’école sur lesquels vous avez fait des exercices d’écriture répétitifs-didactiques, en passant par le livre d’artiste qui rassemble une sélection de pages. Écrire, c’est apprendre, comme la réécriture, c’est réaliser. Quel est votre rapport avec la forme et la répétition ? “La forme est souvent le résultat de la répétition. La répétition de ces signes sert à évoquer la réalité psychique dont ils sont issus, c’est une connexion avec quelque chose qui va au-delà du sens direct qu’ils pourraient avoir. Répéter et mâcher et disloquer les signes conduit à créer une atmosphère, un espace d’attention où plus que le sens, c’est le son qui m’intéresse, dans cette phase PALAZZI 53 VENEZIA

je m’intéresse surtout au son potentiel qui pourrait découler des signes ou de l’air qui circule sous et autour du lieu de méditation, le vide, l’absence de son. La pause comme contribution nécessaire à la composition sonore”. D’après la lecture que le commissaire Claudio Musso fait de ce projet, ceux qui sont mis sur le terrain dans vos œuvres actuelles sont des signes qui semblent muets, décoratifs, très éloquents. L’opération consiste à resémantir, reconstruire, faire renaître la langue de la Déesse. Où cette possibilité nous mène-t-elle ? “Reconstruire l’histoire en déplaçant les points de vue et les constats qui avaient été négligés ou omis est une nécessité permanente. Au cours des dernières décennies, l’effort de reconstruction de la pensée féminine, de décolonisation, d’apport des voix qui étaient restées exclues est évident. L’étude de Gimbutas a été une révélation pour moi : penser qu’il y a environ 9 000 ans, il y avait une Europe presque égale, évoluant avec une organisation sociale complexe et pacifique qui a duré 3500 ans, est une image très puissante. Pourquoi ne pas partir de là et réfléchir à nos origines”. Cristina Principale Consulter ici la vidéo. vimeo.com/395468301 exibart.com/mostre/unsegno-da-9000-anni-fala-grande-dea-di-ivanaspinelli-da-galleriapiu/

Photo galleria fumagalli

nne et Patrick Poirier sont parmi les couples les plus célèbres de la scène artistique internationale. Anne est née en 1941 à Marseille et Patrick en 1942 à Nantes. Lauréats du Grand Prix de Rome en 1967, ils ont passé quatre ans à la Villa Médicis à Rome (19681972), invités par le réalisateur Balthus de l’époque. Dès le début de leur résidence, ils ont décidé de combiner leur vision artistique, en signant conjointement leur travail. Les enfants de la guerre (en 1943, Anne a assisté au bombardement du port de Marseille, et Patrick a perdu son père lors de la destruction du centre historique de Nantes) dénoncent la fragilité des civilisations et des cultures, et leur esthétique est souvent celle du fragment et de la ruine. “Nous sommes nés pendant la guerre, dans un monde en ruines, et les ruines sont

ANNE & PATRICK

POIRIER GALLERIA FUMAGALLI Via Bonaventura Cavalieri 6

20121 Milano du mardi au samedi de 11 à 19 heures Tél +39 02 36799285 info@galleriafumagalli.com

galleriafumagalli.com Ufficio stampa PCM Studio | +39 02 36769480 press@paolamanfredi.com

pour nous une image qui nous rappelle la violence de l’histoire et l’érosion du temps”. Les artistes pluridisciplinaires ne s’interdisent aucun moyen d’expression, créant des maquettes, des sculptures et des installations environnementales, des photographies, des œuvres sur papier, des peintures et autres fragments visuels qui parlent de la fragilité de la vie. Ils ont exposé dans les musées les plus importants et les institutions culturelles internationales comme la Documenta de Kassel (1977) et la Biennale de Venise (1984, 1980, 1976). L’intérêt des Poiriers pour les civilisations méditerranéennes est né dans les années 60, avec le début de nombreux voyages au Proche et au Moyen-Orient, et la participation à la résidence d’artistes à la Villa Médicis, à Rome. Les Poirier ont adopté des pratiques archéologiques dans l’exploration de cette mémoire culturelle. A travers des œuvres métaphoriques, ils ont tenté de matérialiser les menaces qui pèsent sur la culture et la nature, proie constante de la violence perpétrée par les hommes et l’histoire. Les ruines témoignent également de l’oubli, de la mémoire effacée ou supprimée, et offrent une radiographie de l’espace dans lequel l’œil peut regarder plus profondément, pour mieux comprendre. Cet univers d’ombres a inspiré les Poirier à créer une série de sculptures et d’installations conçues comme des modèles de civilisations utopiques ou dystopiques. Dans leurs recherches, les Poirier montrent comment l’architecture est souvent une métaphore de la mémoire. De la Grèce antique à la Renaissance, les arts de la mémoire font littéralement référence à des “lieux” (loci), en essayant de structurer la mémoire et de construire des sy-

photo galleria fumagalli

ANNE & PATRICK POIRIER stèmes mnémoniques à partir de concepts architecturaux. Les penseurs de l’époque moderne qui ont le plus influencé l’élaboration du concept de mémoire dans l’œuvre des Poirier sont l’écrivain Jorge Louis Borges et l’historien de l’art Aby Warburg, avec sa passion pour les bibliothèques. Fidèles aux utopies de la mémoire, les Poirier sont devenus des architectes qui ont conçu et construit des lieux physiques pour accueillir des espaces mentaux. Avec leurs journaux, par exemple, ils organisent et racontent les connaissances par des métaphores spatiales et architecturales. L’œuvre des Poirier est imprégnée et nourrie par leur relation avec le monde qui les entoure. Cela a changé avec le temps et les lieux de leur vie. Outre les périodes passées dans des sites archéologiques éloignés et anciens, les deux artistes ont vécu presque toute leur vie dans de grands centres urbains (Paris, Rome, Berlin, New York, Los Angeles), toujours intrigués par les phénomènes des villes. Au fil des ans, les Poirier ont constaté la dégradation des sites anciens, du paysage et des villes contemporaines, leur niveau de pollution de plus en plus inquiétant, la sordidité et l’illégalité de certains projets urbains et les dangers qui menacent la nature, la culture et l’existence humaine. Tout cela a généré des visions apocalyptiques de l’avenir comme l’utopie architecturale absurde et inhabitable de l’œuvre Dystopia, Towers of Babel of the modern era.

PALAZZI 55 VENEZIA

Les Poirier n’ont jamais eu l’impression d’être des photographes professionnels mais se sont toujours intéressés à la flexibilité et à la rigueur du support analogique. Ainsi que la possibilité de manipuler une surface délicate, transitoire et fragile, capable de réagir à tout type de “stress”. Les Poirier aiment expérimenter, s’essayer à l’aléatoire et à l’imprévisible de tous les moyens d’expression. La photographie a toujours fait partie de ce que les Poirier appellent “archéologie parallèle/architecture parallèle”. Les deux artistes sont, en effet, obstinément fidèles à ce bricolage varié, aux techniques artisanales qui permettent une totale liberté de donner forme aux interprétations qui naissent de leur imagination, juxtaposées ou combinées. Le travail photographique, qu’il soit expérimental ou traditionnel, en pièces uniques ou en séries, est une tentative de témoigner de la fragilité du monde sous forme métaphorique. Ce qui est vrai pour l’archéologie s’applique également à tous les espaces, qu’ils soient naturels ou construits. Chaque lieu est imprégné de mémoire et, si nous y prêtons suffisamment attention, tout a quelque chose à témoigner. galleria fumagalli https://galleriafumagalli.com/ artisti/anne-patrick-poirier/