Palazzi A Venezia Juin 2020

Phot venessia.com

Filip Mirazovic Mine d’or Covid-19 Genocide Yanomani The Yanomani Struggle Festival delle 9 Arti Andrea Pennacchi EROI Cyrano de Bergerac / La valigia dell’attore L’uomo nell’ombra / Some Like it Hot Cesare Colombo Comment profiter de Venise à la maison Charlotte Perriand Cristo et JeanneClaude En finir avec Marcel Duchamp Midsommar Francesco Faraci Shuck One Igor Ustinov Benedicte Gelé Nicolas Daubanes Germano Celant Vally Nomidou Emilie Moutsis Etruscans Women Laura Morelli Carol Rama Frida Kahlo/Tina Modotti

PALAZZI A VENEZIA Publication périodique d’Arts et de culture urbaine de l’association homonyme régie par la Loi de1901 ISSN/Commission Paritaire : en cours Distribution postale/digitale Président Directeur de la Publication Vittorio E. Pisu Projet Graphique Maquette et Mise en Page L’Expérience du Futur Correspondance vittorio.e.pisu@free.fr palazziavenezia@gmail.com https://www.facebook.com/ Palazzi-A-Venezia https://www.vimeo.com/ channels/palazziavenezia Trenteunième Année / numéro 06 Juin 2020 Prix au numéro 5 euros Abonnement annuel 50 euros Abonnement de soutien 500 euros

Photo filip mirazovic

FILIP MIRAZOVIC

GRANDIR du mercredi 20 mai au samedi 27 juin 2020

Galerie Municipale Julio Gonzalez 21 avenue Paul Doumer 94110 Arcueil Mairie BP 80037 94111 Arcueil cedex

*Francesco Amadori https://www.facebook.

Mercredi et samedi com/midnightoclock.12

Horaires :

de 14h à 19h **Philippe Dagen est Jeudi et vendredi de 16h à 19h un universitaire, criti-

Tél. 01 46 15 09 75 Fax : 01 46 15 09 72 Site www.arcueil.fr/ category/culture-loisirs/ galerie-julio-gonzalez/1

que d’art et romancier français.

Il publie, depuis 1985, une chronique d’art dans le journal Le Monde. https://www.lemonde.fr/ signataires/philippe-dagen/

ttendant la fin du confinement et un retour à un semblant de normalité, au milieu du spectacle affligeant des batailles d’ego des pseudo-scientifiques et de l’incompétence manifeste et de leur incompréhension totale des événements des soi-disant gouvernants et ceci dans presque tous les pays touchés par la pandémie, il est intéressant de trouver certaines propositions comme celle qui nous est fournie par Francesco Amadori*, artiste et architecte, qui nous soumet un long texte de Philippe Dagen**, sur l’Art Contemporain.

Nous publierons en extenso ce texte dans un prochain numéro et pour l’instant la question est de savoir si l’Art Contemporain parle du Monde Contemporain où, au contraire évite soigneusement de se coltiner avec une réalité tragique, sanglante, toujours injuste et particulièrement féroce.

Du coup on comprend l’engouement des collectionneurs friqués pour l’académisme le plus désuet qui se garde bien de remettre en question quoi que ce soit.

Cette pandémie nous aura montré à quel point nous sommes entrain de détruire systématiquement la biosphère et il aura suffis souvent de quelques semaines pour que l’air, l’eau, la terre, les végétaux et les animaux reprennent leurs droits, pendant que nous étions terrés dans nos logis.

Un autre constat plus féroce est celui de l’illusion du pouvoir des gouvernants à n’importe quels échelons, qui se sont révélés pour la plupart incompétents, inefficaces, ignorants et prétentieux.

Par contre si la société a pu continuer tant bien que mal à fonctionner et surtout à affronter cette pandémie nous le devons à tous les sans grades, les laissés pour compte de la société et bien sur en majorité des femmes, pour lesquels il ne suffira pas de les applaudir avec une claque générale à 20 heures mais il faudra sérieusement repenser leur rémunération, leur considération et une sérieuse remise en question du système sanitaire public.

Alors l’Art dans tout cela est ce qu’elle est capable de nous guider et de nous parler de ce que nous sommes entrain de vivre surtout maintenant où la fin annoncée du confinement ne sera pas l’annonce que tout va s’arranger au contraire, les difficultés commencent maintenant.

Alors l’Art pourquoi faire me direz vous, et bien justement c’est l’Art qui va nous aider à comprendre quels sont véritablement nos intérêts personnels et collectifs et comment nous réussirons à vivre ensemble en nous débarrassant de tant de fausses nécessités et autres superflues apparences trompeuses et mensongères.

La condition matérielle des Artistes, déjà précaire, sera encore plus difficile et nous devons nous en approcher pour les soutenir et ce ne seront certainement pas les mises en vente on line qui permettrons (mélangeant allègrement tout et n’importe quoi) de les aider à surmonter cette épreuve mais l’amitié, la présence physique, le soutien financier et l’achat des œuvres. Bon courage.

Vittorio E. Pisu

MINES D’OR COVID-19 GENOCIDES YANOMAMI

Photo barbaranavarro e que je redoutais depuis que les premiers cas de COVID-19 ont été signalés au Brésil le 25 février est arrivé.

Après avoir été testé positif pour le coronavirus, Alvanei Xirizana, un jeune Yanomami de 15 ans est décédé le 10 avril à l’hôpital de Roraima, l’État brésilien où se trouve la majeure partie de la réserve Yanomami.

L’adolescent s’est plaint de douleurs à la poitrine, de difficultés respiratoires, de maux de gorge et de fièvre. Selon certaines informations, sa communauté aurait dû menacer l’équipe de santé après que sa demande de transport lui ait été refusée afin de le faire conduire à l’hôpital général de Roraima. À son arrivée à l’hôpital, il a été envoyé à l’unité de soins intensifs et entubé.

Le garçon était originaire d’une communauté sur la rivière Uraricoara qui a longtemps été en proie à des orpailleurs.

Pendant de nombreuses décennies, le territoire Yanomami a été envahi par des dizaines de milliers d’orpailleurs.

Auparavant, les orpailleurs ont apporté la grippe et la rougeole qui ont été mortelles pour les Yanomami.

Les peuples autochtones manquent de résistance aux maladies externes.

Le fait de vivre tous ensemble dans des logements collectifs rend impossible la distanciation sociale.

Si un autochtone est infecté par le coronavirus, tout le monde dans son village pourrait être décimé.

Les dirigeants Yanomami soupçonnent que les orpailleurs sont responsables de l’introduction du coronavirus dans leurs communautés.

Ils sont très inquiets car plus de 25 000 chercheurs d’or opèrent désormais dans leur réserve, polluant la terre et

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les rivières avec du mercure.

Alors que le virus se propage à travers le Brésil, la ruée vers l’or en Amazonie se poursuit sans relâche, confirmant le potentiel de dévastation parmi les 850 000 autochtones du pays.

Pendant ce temps, l’exposition en ligne actuelle à la Fondation Cartier “La Lutte Yanomami” comprend cette description: “Représentant un peuple dont l’existence même est en danger, Davi Kopenawa dresse un portrait inoubliable de la culture Yanomami, d’hier et d’aujourd’hui, au cœur de la forêt tropicale –Un monde où les anciennes connaissances indigènes et les traditions chamaniques font face à la géopolitique mondiale d’une industrie d’extraction des ressources naturelles insatiable.”

L’exposition se poursuit avec cette déclaration: “La situation s’est encore détériorée dans les années 1980 lorsque les terres Yanomami sont envahies par 40 000 GOLD MINERS. Plus de 15% de la population meurt du paludisme et de maladies infectieuses.”

Aujourd’hui, en 2020, le président du Brésil, Jair Bolsonaro, propose d’autoriser l’exploitation minière commerciale dans les zones indigènes et méprise les efforts écologiques et les intérêts autochtones.

Il minimise également la grave catastrophe sanitaire que représente le coronavirus.Que pouvons-nous faire face à cette situation intolérable?

Nous n’accepterions évidemment jamais la contamination de notre approvisionnement en eau potable, (suit pag 4)

Photo fondationcartier

(suit de la page 3) ni la destruction minière dans nos jardins ou nos villes.

Si vous prévoyez de porter des bijoux en or ou d’offrir des articles en or en cadeau, veuillez reconsidérer.

Les Yanomami et tous les peuples autochtones dont les terres sont ravagées pour extraire l’or et les diamants ainsi que d’autres minéraux valent beaucoup plus que des ornements ostentatoires.

S’il vous plaît, arrêtez d’acheter et de porter des bijoux en or et en diamant et aidez plutôt à défendre le monde contre la folie prédatrice de Cartier et d’autres entreprises qui promeuvent l’idée du “luxe” comme l’accumulation de babioles inutiles.

Le vrai luxe, c’est vivre et prospérer dans un monde sain et non pollué. Soutenons, encourageons et promouvons cette vision de l’avenir.

“Lorsque vous abattez les arbres, vous attaquez les esprits de nos ancêtres.

Lorsque vous creusez pour trouver des minéraux, vous empalez le cœur de la Terre.

Et lorsque vous versez des poisons sur la terre et dans les rivières – produits chimiques de l’agriculture et mercure des mines d’or – vous affaiblissez les esprits, les plantes, les animaux et la terre elle-même.

Lorsque vous affaiblissez la terre comme ça, elle commence à mourir.

Si la terre meurt, si notre Terre meurt, alors aucun de nous ne pourra vivre, et nous aussi nous mourrons tous.” – cacique Raoni Metuktire Barbara Navarro Rainforest Art Project

u milieu de la pandémie de coronavirus qui ravage le Brésil, atterrissant et décollant des villages de la région de Vale do Javari afin de contacter et d’évangéliser les communautés autochtones dans cette région éloignée et difficile à atteindre, les missionnaires évangéliques fondamentalistes ont utilisé leur l’hélicoptère R66 récemment acheté pour entrer illégalement sans autorisation du Funai ou de l’Agence nationale de l’aviation civile.

Edward Luz du MNTB a affirmé que tous les missionnaires avaient quitté les terres indigènes en février, mais il a été révélé par des journalistes d’O Globo que le missionnaire Jevon Rich faisait partie de ceux qui étaient restés dans la région entre le Paraná et Vida Nova, près de peuples non contactés de Igarapé Cravo.

La région de la vallée de Javari compte le plus grand nombre de peuples autochtones non contactés au monde qui sont très sensibles aux maladies provoquées par ce que nous considérons comme la civilisation.

Tout en “sauvant” les peuples autochtones de ce qu’ils considèrent comme des “ténèbres spirituelles implacables”, les missionnaires implacables de la New Tribes Mission basée aux États-Unis (maintenant appelée Ethnos360) ne reculeront devant rien pour imposer leur version de l’évangile fondamentaliste aux peuples qui ont déjà leur propre relation ancestrale avec le spirituel.

J’ai rencontré des missionnaires de New Tribes, des vraiment fanatiques, à Tama Tama sur l’Orénoque dans les années 1990.

Les missionnaires vivaient dans de grandes maisons de style américain avec des porches grillagés et des tracteur tondeuses à gazon.

Toute discussion sur la vision spirituelle des Yanomami, alignée sur la plupart des religions de l’humanité, y compris avec une conception de l’au-delà comme lieu de punition ou de récompense, a été accueillie avec dérision.

Leur adhésion à une interprétation historico-grammaticale de la Bible “l’inspiration mot à mot, l’infaillibilité et l’autorité finale des Saintes Écritures” était absolue.

Les premiers missionnaires désireux d’évangéliser les Yanomami étaient dirigés par James Barker des missions New Tribes en 1950.

En octobre 2005, le président vénézuélien Chávez a décrété l’expulsion des missions New Tribes des territoires indigènes et leur a donné 90 jours pour partir, citant les mauvais traitements infligés aux autochtones.

Créés en 1942, les missionnaires des New Tribes ont répandu leur doctrine “témoignage chrétien” paternaliste, assimilationniste et fanatique, ainsi que la grippe, la rougeole et d’autres maladies.

Les peuples autochtones n’ont aucune immunité naturelle ni résistance contre (chez les Zo’é du Brésil) ainsi que contre les prédateurs pédophilie (chez les PALAZZI 5 VENEZIA

Katukina du Brésil) et exploitation jusqu’à l’esclavage (chez les Ayoreo du Paraguay).

Maintenant, alors que la menace du coronavirus est un problème de santé en expansion au Brésil, les missionnaires de New Tribes planifient une attaque néo-coloniale imprudente pour convertir des peuples indigènes vulnérables, isolés et non contactés dans les forêts du Brésil près de la frontière péruvienne. Edward Luz, président de la New Tribes Mission du Brésil, a l’intention d’utiliser son nouvel hélicoptère dans le cadre d’une “implantation d’églises” malgré le fait que le Brésil soit signataire de la Déclaration américaine des droits des peuples autochtones, officiellement adoptée en 2016. À l’article XXVI, il stipule: 1) Les peuples autochtones en isolement volontaire ou en contact initial ont le droit de rester dans cette condition et de vivre librement et conformément à leur culture.

2) Les États doivent, avec la connaissance et la participation des peuples et organisations autochtones, adopter des politiques et des mesures appropriées pour reconnaître, respecter et protéger les terres, les territoires, l’environnement et les cultures de ces peuples ainsi que leur vie et leur intégrité individuelle et collective. (suit page 6)

Photo fondationcartier

(suit de la page 5) Malheureusement, avec l’élection de Bolsonaro, la volonté du Brésil de protéger les droits des peuples autochtones s’évapore.

Bolsonaro a qualifié les peuples autochtones “d ‘animaux dans un zoo” et a déclaré que “c’est dommage que la cavalerie brésilienne n’ait pas été aussi efficace que la cavalerie américaine qui a exterminé les Indiens.”

Les évangéliques chrétiens ont exercé une influence sur l’élection de Bolsonaro qui leur a depuis conféré de puissants postes au sein du gouvernement, notamment Ricardo Dias à la tête de la Coordination des Indiens isolés et récemment contactés (CGIIRC), qui fait partie de la FUNAI, Fundação Nacional do Índio, une agence gouvernementale de protection pour les intérêts et la culture autochtones.

Dias a passé dix ans en tant que missionnaire pour la New Tribes Mission avec le peuple Matsé dans la vallée de Javari, dans l’État d’Amazonas.

Cacique Waki, un dirigeant de Matsé, a déclaré pour un journal de Sao Paulo qu’il ne voulait pas que Dias ait le pouvoir sur leur vie.

“Nous connaissons bien Ricardo.

Il a appris notre langue.

Nous ne voulons pas de son église ici parce qu’il ne respecte pas nos traditions.”

L’Union des Peuples Au-

tochtones de la Vallée de Javari (UNIVAJA) s’est déclarée préoccupée par “les actions perverses du prosélytisme religieux sur leur territoire.”

Les employés de longue date de la FUNAI ont qualifié la nomination de Dias de périlleuse parce que ses antécédents personnels de travail de conversion avec la New Tribes Mission indiquent un mouvement dans une direction qui pourrait entraîner des “dommages irréparables” dans la vie des groupes autochtones isolés vulnérables.

Selon les mots de The New Tribes Mission (maintenant Ethnos360) concernant leur passion pour atteindre les “groupes de personnes perdues” du monde: “Par une détermination sans faille, nous risquons nos vies et parions tous pour Christ jusqu’à ce que nous ayons atteint la dernière tribu, où qu’elle soit. Ethnos360 est le nom qui nous ancre dans nos fondations et nous oriente vers notre vision.

Ethnos est les ‘nations’ auxquelles Christ a fait référence lorsqu’il a ordonné à ses disciples de ‘faire des disciples de toutes les nations’ (Matthieu 28:19) et ‘… que le repentir et la rémission des péchés soient prêchés en son nom à toutes les nations. …’ (Luc 24:47). C’est le mot d’origine ethnique et cela signifie les groupes de personnes.

360 représente l’intégralité du globe – tous les 360 degrés.

Notre objectif est d’aller partout dans le monde ou c’est nécessaire pour voir une église prospère pour chaque peuple, pas seulement pour se concentrer sur

un type particulier de groupe de personnes. 360 représente également le travail complet d’un ministère de la Grande Commission.

Nous commençons avec des églises prospères envoyant des croyants à un groupe de personnes non atteintes, et continuons à travailler jusqu’à ce qu’une église prospère envoie des croyants.

Notre vision est la même aujourd’hui qu’elle l’était il y a 75 ans: une église florissante pour chaque peuple. Alors que nous avançons, nous tirerons de ces leçons que Dieu nous a enseignées au cours de nos 75 années de ministère pour rechercher de nouvelles opportunités qui s’ouvrent à nous.

Opportunités pour atteindre un monde en mutation.”

Compte tenu du risque actuel de contamination des populations autochtones vulnérables par un coronavirus, “génocide” serait un mot plus approprié que “opportunité” pour ce qui pourrait se produire.

“On ne peut pas jouer avec cette maladie de coronavirus. Elle a le pouvoir de l’anaconda, la mort par étranglement, la victime incapable de respirer”: message du chef Kayapo Megaron Txucarramãe

Barbara Navarro De 1968 à 1973, elle a étudié à la Rhode Island School of Design à Providence, dans le Rhode Island, et à l’Institut d’art de San Francisco, en Californie, pour son BFA. Pendant de nombreuses décennies, son travail a été informé et inspiré par le temps passé avec les communautés indigènes.

Divers voyages d’étude consacrés à l’exploration des techniques et des pigments naturels l’ont amenée, à l’origine, chez les Dogon du Mali, en Afrique de l’Ouest, puis dans les communautés Yano-

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mami du Venezuela et du Brésil. Pendant plusieurs années, durant les hivers, elle a étudié les techniques de la peinture traditionnelle bogolaise.

Les tissus tissés à la main sont teints avec de l’écorce bouillie de l’arbre Wolo ou des feuilles écrasées d’autres arbres, puis peints avec de la boue du fleuve Niger qui s’oxyde au contact de la teinture.

A travers les Dogon et les Yanomami, son intérêt pour la multiplicité des techniques et des supports d’expression artistique a influencé sa pratique artistique.

Les voyages dans la forêt amazonienne ont inspiré plusieurs séries de peintures réalisées au cours de sa vie parmi les Yanomami.

Le support utilisé est une toile grossièrement tissée, préparée avec un médium acrylique puis texturée avec un mélange de sable de la rive et de lave. Cette toile souple est ensuite roulée et transportée lors d’expéditions dans la forêt.

Elles sont ensuite peintes avec un mélange de couleurs acryliques et d’Achiote et de Genipap, les pigments végétaux utilisés par les Yanomami pour leurs peintures corporelles rituelles et sur des outils pratiques et chamaniques.

Sa préoccupation pour la dévastation continue de la forêt amazonienne a inspiré ses films et ses projets d’installation.

Depuis 2005, elle a créé un projet de spectacle et de film - Fire Sculpture - pour attirer l’attention sur les problèmes de la forêt tropicale.

Pour protester contre la destruction continue, elle a brûlé publiquement ses sculptures totémiques.

Ces sculptures en feu symbolisent la dégradation de la nature et l’annihilation des cultures indigènes qui dépendent de la forêt pour leur survie.

Rainforest Art Project

Photo fondation cartier

a Lutte Yanomami, qui a été inaugurée à la Fondation Cartier pour l’art Contemporain à Paris en janvier, n’est pas seulement une exposition photographique élégante et sophistiquée, mais est la matérialisation esthétique d’un combat qu’un groupe assez restreint de personnes ont mené pendant des décennies et mènent encore aux côtés de la population Yanomami.

Une lutte qui se joue à différents niveaux et à différentes échelles, avec des langues et des alliances variées, mais avec un seul objectif : faire connaître la culture Yanomami aux non-indigènes, à nous les blancs, construire des ponts au lieu de murs, parce que la connaissance est le premier pas vers le respect mutuel, parce que connaître et respecter les indigènes signifie connaître et respecter l’âme du monde.

Claudia Andujar, née en Suisse en 1931 d’une mère protestante suisse et d’un père hongrois de confession juive, a émigré aux États-Unis puis au Brésil avec sa mère pour échapper à la guerre, après que la famille de son père ait été exterminée à Auschwitz.

Elle a commencé à photographier les Yanomami en 1971, d’abord comme photojournaliste pour Realidade et le New York Times Magazine

Claudia Andujar

The Yanomami

Struggle Fondation Cartier 261 boulevard Raspail 75006 Paris

claudia-andujar. fondationcartier.com voir la vidéo

The Night of Yanomani https://youtu.be/quXH-NoSSbc

et divers projets artistiques; puis, à partir de 1977, lorsque la dictature brésilienne l’a empêchée de retourner sur le territoire des Yanomami pour continuer son travail, comme forme d’activisme pour la défense des peuples indigènes.

C’est dans ces années-là qu’elle a fondé, avec Bruce Albert, un anthropologue français d’origine marocaine, et Carlo Zacquini, un missionnaire catholique engagé dans la santé et la défense des droits des indigènes depuis 1965, la Commission Pro-Yanomami (CCPY), une ONG dédiée à la défense du territoire, de la culture et des droits de l’homme des Yanomami, dont elle est devenue la coordinatrice.

Ce furent des années difficiles, des années où commença la construction du Perimetral Norte qui, sous prétexte de défendre la frontière nord du pays, s’est glissé dans le territoire de Yanomami : le gouvernement avait découvert que la région était riche en or, en uranium et en cassitérite, et peu après, la région fut envahie par les chercheurs d’or et les industries minières qui polluent les rivières en apportant avec eux des maladies qui déciment des dizaines de communautés.

S’ensuivirent des années de durs combats qui culminèrent, après la fin de la dictature militaire au Brésil en 1985, avec la reconnaissance par le nouveau président brésilien - à la veille de la CNUED, le Sommet de la Terre de Rio de Janeiro en 1992 - d’un territoire de près de 10 millions d’hectares comme propriété appartenant définitivement aux Yanomami.

En se promenant dans les salles de la Fondation Cartier, grâce aux soins raffinés de Thyago Nogueira, on a le sentiment d’être avec le peuple Yanomani, de partager des moments tristes et festifs, on ressent l’extase du yãkoana, la douleur de la peau qui est percée par des éclats de paume pour sanctionner l’entrée en puberté, la douceur d’une mère avec son enfant, la colère d’une route injuste et prédatrice.

En traversant les plans de Claudia Andujar, on a le sentiment d’être à l’intérieur de la forêt, d’en faire partie.

Mais le combat n’est pas terminé, bien au contraire.

Avec l’entrée en fonction de Jair Bolsonaro, un représentant du parti d’extrême droite Alliance pour le Brésil, en janvier 2019, qui a parlé publiquement de l’extermination des peuples indigènes, une nouvelle saison de violence contre les indigènes et contre la forêt a commencé : Le transfert de la Funai (la Fondation nationale Indio, l’organisme gouvernemental brésilien responsable de la protection des populations indigènes) du ministère de la justice au ministère de la femme, de la famille et des droits de l’homme ; le transfert des activités de démarcation des terres, autrefois sous la responsabilité de la Funai, au ministère de l’agriculture, qui ouvre en fait la voie à l’exploitation de terres non contaminées, sont des actes concrets qui légitiment des comportements violents et prédateurs à l’encontre des populations indigènes et de la forêt, considérés comme un obstacle au développement.

Au vu de tout ce qui se passe et de l’urgence d’agir PALAZZI 9 VENEZIA

pour y remédier, l’exposition prend une importance inhabituelle.

La journée d’inauguration a été particulièrement significative de ce point de vue car elle a permis de réunir sous un même toit les principaux acteurs de cette bataille, multipliant ainsi l’effet de chaque voix séparée des autres.

Aux paroles profondes, mais ancestrales et vivantes de Davi Kopenawa, chaman et chef du peuple Yanomami, qui a tendu la main aux Blancs, les invitant à faire connaissance, premier pas vers l’amitié et le respect, se sont joints ceux plus militants que son fils Dario Kopenawa, l’un des principaux animateurs de l’association indigène Hutukara.org.

Bruce Albert, auteur avec Davi Kopenawa du livre La Caduta del Cielo, publié en Italie en 2018 par Nottetempo, a parlé de la population indigène comme victime sacrificielle de l’idée de progrès et d’accumulation primaire de richesses perpétrée par l’Occident, une idée qui a commencé avec l’extraction de l’or, de l’argent, des matières premières et ensuite du pétrole, au détriment, aujourd’hui comme hier, des personnes qui vivaient et vivent encore dans la forêt.

Le Lutte Yanomami, qui sera ouvert jusqu’au 10 mai puis transféré au Fotomuseum Winterthur en juin (suit page 10)

Photo festil delle 9 arti

(suit de la page 9) et à la Triennale de Milan fin octobre, est une exposition incroyablement nécessaire aujourd’hui.

En temps de crise climatique et environnementale, elle parvient à nous montrer une autre façon d’habiter la planète, très éloignée de la nôtre, en équilibre avec les autres formes de vie et la forêt.

Une exposition qui nous fait réfléchir sur le sens profond de notre présence dans le monde en tant qu’êtres humains : il ne s’agit pas de sauver la planète, mais de nous rappeler ce que cela signifie d’en faire partie.

Cela signifie vivre la terre d’un pas léger, la traiter non pas comme une propriété ou une ressource à exploiter mais comme un don à respecter, cela signifie nous protéger en tant qu’environnement, surmonter la dichotomie homme/nature qui nous aveugle.

Le peuple Yanomami a beaucoup à nous apprendre.

Azzurra Muzzonigro “Je suis lié à l’indigène, à la terre, à la lutte primaire. Tout cela me touche profondément. Tout me semble essentiel.

Peut-être ai-je toujours cherché la réponse au sens de la vie dans ce noyau essentiel. C’est pour cette raison que j’ai été conduit là-bas, dans la jungle amazonienne. C’était instinctif.

Je cherchais à me trouver.”

Claudia Andujar

Andrea Pennacchi

EROI samedì 6 Juin 2020 à 20:45 Piccolo Teatro Dante organisé par

Centro Teatrale Da Ponte

Serravalle Vittorio Veneto

TEL + 39 0438 550511 info@festivaldelle9arti.it https://festivaldelle9arti.it/ event/eroi/

ue reste-t-il de l’Iliade aujourd’hui ?

Est-il possible de le raconter à nouveau ? Et pourtant, il suffit de trouver un épisode qui résonne avec votre expérience personnelle et vous pouvez l’utiliser comme un piquet pour entrer dans cette forteresse pleine de trésors à peine voilés par le temps, intimidés et humbles face à la beauté. L’histoire a été choisie, aussi proche que possible de celle du premier grand conteur, pour permettre à chacun des spectateurs de “voir” dans leur propre esprit, de remplir les mots du narrateur avec des images de leur propre expérience et de leur fantaisie aidées par la musique composée ad hoc par Giorgio Gobbo et Sergio Marchesini.

Le narrateur utilise des souvenirs d’école, son père lui donne une copie de l’Iliade, et de là, il part pour un récit où se rencontrent Bush et Agamemnon, Homère et Kill Bill, San Siro (au sens du stade) et l’Irak, maîtres du judo et héros de la mythologie.

Encadrée par deux épées appelées à symboliser les armées des Troyens et des Achéens, l’histoire fait de la ville de Troie un “État voyou” et la belle Hélène le premier cas de “désinformation de guerre” de l’histoire, donne des pistes de réflexion sans fin sur la violence et les économies de la guerre et la vraie nature de l’héroïsme.

Il ne s’agit pas de raconter toute l’Iliade, mais un seul épisode, valable pour tous : l’histoire d’Hector et les faits qui l’ont amené devant Achille, y compris l’histoire de Patrocle et la querelle qui a provoqué la fameuse colère funèbre, avec un prologue, un épilogue et un interlude érotico-sentimental.

Dans quatre jours.

Convient également aux enfants et aux familles

Photo festival9arti

e “Festival des 9 arts”, ou “9Fest”, est un projet qui est né d’un rendez-vous déjà existant, le festival de théâtre d’été proposé par l’Accademia Teatrale Lorenzo Da Ponte di Vittorio Veneto chaque été de 2014 à 2019, qui veut se transformer ainsi en donnant vie à un festival qui embrasse tous les arts, et par conséquent tous les citoyens.

L’intention immédiate est certainement de donner une nouvelle vie au territoire, à partir de 2019 patrimoine mondial de l’Unesco, de donner aux résidents et aux touristes trois mois d’activités non-stop, mais le véritable objectif, le dernier, est de promouvoir l’idée de la culture italienne auprès des Italiens eux-mêmes, en particulier ceux de demain, en les poussant à s’ouvrir à quelque chose de plus grand, à découvrir la beauté sous des formes et des facettes infinies et souvent inattendues, en essayant de combiner dans le projet les aspects culturels, artistiques, populaires et de divertissement intelligent qui sont un patrimoine inestimable et inégalé de notre pays.

La tâche ardue sera confiée à des artistes et des professionnels, invités des différentes éditions, pour représenter à travers des spectacles, des animations, des conférences et des ateliers ce qui est actuellement considéré comme les neuf arts : Architecture, Cinéma, Danse, Bandes dessinées, Musique, Peinture, Poésie, Sculpture, Théâtre.

La raison de ce Festival se trouve dans la recherche permanente du personnel du Centro Teatrale Lorenzo

FESTIVAL DELLE 9 ARTI du samedi 6 juin 2020 au dimanche 20 septembre 2020 au Piccolo Teatro

Dante

organisé par

Centro Teatrale Da Ponte

Serravalle Vittorio Veneto

TEL + 39 0438 550511 info@festivaldelle9arti.it https://festivaldelle9arti.it/

PALAZZI 11VENEZIA

Da Ponte et de l’Accademia Teatrale Lorenzo Da Ponte elle-même pour créer une façon de vivre la culture qui puisse être appréciée par tous, qui soit capable de s’autofinancer, offrant en même temps de nouvelles possibilités d’emploi, jouant sur l’aspect attractif des propositions culturelles toujours en évolution, toujours avec de nouveaux stimuli et de nouvelles idées qui peuvent produire une alternance de propositions qui peuvent stimuler les spectateurs d’année en année et augmenter la connaissance du public, surtout des plus jeunes et des organisateurs eux-mêmes.

Créer quelque chose de différent, de nouveau et en même temps de tentant n’est pas facile, cela demande une détermination et une impulsion initiale qui sont fondamentales, vous devez être clair sur la raison pour laquelle vous le faites, la raison principale pour laquelle vous dépensez du temps, de l’énergie et de l’argent sur un projet.

Cette raison est très simple pour nous : faire quelque chose de beau, dans le sens le plus large et le plus élevé du terme.

Un travail entièrement au service du public pour donner une qualité supérieure aux normes actuelles, en pensant à la beauté que le théâtre, notre artisanat et les neuf arts en général ont dans leur ADN. https://festivaldelle9arti.it/

Photo festival9arti

crit pour l’acteur Benoît-Constant Coquelin entre 1896 et 1897 par Edmond Rostand, “Cyrano De Bergerac” représente une des œuvres tragiques les plus célèbres du théâtre mondial, symbole d’une génération française et un must pour tout acteur qui veut se tester avec un texte de haute difficulté mais dont il est absolument impossible de ne pas être choqué.

Une histoire serrée, romantique, aventureuse, tendre et en même temps violente, dont l’adaptation est basée sur plusieurs traductions (Job, Cuomo, Lionello, Bigliosi) avec l’ajout de nouvelles parties du texte à jouer par 4 acteurs, dans une version au rythme élevé.

Une attention particulière a été portée, comme toujours, aux costumes, pour ramener le public au milieu du XVIIe siècle français, au milieu des amours, des batailles et des lames d’épée étincelantes.

Un opéra qui vous fera rire, pleurer et tomber amoureux pour toujours.

Cyrano de Bergerac dimanche 7 Juin 2020

à 19:00 La valigia dell’attore dimanche 14 Juin 2020

à 19:00

Piccolo Teatro Dante organisé par

Centro Teatrale Da Ponte

Serravalle Vittorio Veneto

TEL + 39 0438 550511 info@festivaldelle9arti.it https://festivaldelle9arti.it/

a valigia per un attore rappresenta mille cose. E’ la valigia che si riempie di vestiti quando si parte per la tournée di uno spettacolo.

E’ la valigia di ricordi che si riempie di racconti, canzoni, poesie che ci accompagnano in giro per i teatri.

Questo spettacolo vuole essere un viaggio, tra parole e musica, alla riscoperta di grandi autori che hanno fatto la storia della comicità.

Un attore, due musicisti e lei, la valigia.

Basta questo: cappelli, vestiti, accessori, oggetti improbabili prendono vita e trasportano lo spettatore in un’atmosfera extra ordinaria, senza tempo, certamente esilarante.

Un recital comico vietato ai deboli di cuore, i cui personaggi che di volta in volta compariranno daranno vita ad un vero e proprio campionario umano.

Un’ occasione per divagare e condividere, ricordare e muoversi, commuoversi e divertirsi.

Cominciando da Palazzeschi, fino a Ruzante, passando per Stefani Benni e Franco Califano, incontrando Paolo Rossi e tanti altri. Un viaggio tutto da ridere.

Un aperitivo prima dello spettacolo, o un giro a curiosare tra t-shirt e oggetti dedicati al Festival, il cui ricavato servirà per sostentare il lavoro dell’organizzazione.

Cast: Giacomo Rossetto, Attore, regista Produzione: Teatro Bresci Musica: Akusma Acoustic Duo: Emanuele Briani, chitarra e voce Giacomo Cleva, chitarra Dopo-spettacolo Approfitta dell’offerta eno-gastronomica del Festival, e goditi assieme a noi la serata seduto ai tavoli o sull’erba, sotto agli alberi.

Adatto anche a bambini e famiglie

L’UOMO NELL’OMBRA

nnarosa Maria Tonin (Vittorio Veneto, 1969) Diplômé en littérature moderne à l’Université Ca’ Foscari de Venise avec une thèse d’historiographie intitulée “Pour une histoire de la cour de Prague de Rodolphe II. Gli inviati veneti (1595-1609)”, a mené des activités journalistiques et de recherche dans le domaine de l’historiographie et de l’histoire de l’art (1994-1998) et a enseigné des matières littéraires et l’histoire de l’art dans des collèges et des lycées (1998-2010).

Elle se consacre actuellement à l’écriture de courts récits et à l’organisation d’événements culturels liés à la promotion de la lecture.

Elle collabore avec “Digressioni”, une revue culturelle trimestrielle sur papier, pour laquelle elle a dirigé la rubrique d’histoire de l’art “Ritratti del potere” ; elle a été la créatrice et la conservatrice de la revue d’événements et de rencontres avec l’auteur “Incontrarsi in via Manin”, tenue pour deux éditions à La Libreria di via Manin, située dans l’ancien ghetto juif de Vittorio Veneto.

Les histoires suivantes ont été publiées dans l’anthologie : “Madame L.”. (2005), “Il ritorno” (2005) dans une anthologie éditée par le poète Paolo Ruffilli, “Il viaggiatore” (2009) dans une anthologie éditée par le Département d’écologie humaine de l’Université de Padoue, “Il treno della domenica” (2010), “Al solito posto” (2015), “Orsola non ama la boria” (2016), “Il tempio degli ulivi” (2017) ; dans des revues littéraires : “Seulement cinq pas” (2012),

mercredì 24 juin 2020

à 21:00 Piccolo Teatro Dante organisé par

Centro Teatrale Da Ponte

Serravalle Vittorio Veneto

TEL + 39 0438 550511 info@festivaldelle9arti.it https://festivaldelle9arti.it/

PALAZZI 13VENEZIA

“Pour une paire de chaussures” (2013) dans “Finnegans”. En 2011, il a publié le premier recueil de nouvelles intitulé “Vento d’autunno” (troisième prix du Prix Kafka Italia 2012, interdit par l’Accademia Italiana per l’Analisi del Significato del Linguaggio).

En 2014, c’est son roman “Rivelazione”.

En 2015, le roman “La scala a chiocciola” a été publié et en avril 2016 le recueil de nouvelles “La toile d’araignée”.

En 2017, le roman “Le secret d’Alvise” a été publié.

Aujourd’hui présente “L’uomo nell’ombra” Un voyage fascinant à travers l’histoire et l’histoire de l’art : derrière 14 chefs-d’œuvre, la vie des artistes et des mécènes, des empereurs, des reines et des gens ordinaires s’entremêlent.

Avec son écriture claire et élégante, dans des perspectives racontées de manière originale et compétente, Annarosa Maria Tonin parcourt cinq siècles d’histoire en accompagnant le lecteur dans les couloirs et les jardins des cours européennes, dans les rues des villes, dans les salles et la vie des artistes et des puissants, des hommes et des femmes de génie et de caractère.

Entrée gratuite à partir de 18h20 Ouverture d’un bar et d’un magasin 21:00 Talk avec Annarosa Tonin .Auteu

Photo wikipedia

ome Like It Hot est un film de 1959 réalisé par Billy

Wilder.

Considéré comme l’une des meilleures comédies de l’histoire du cinéma américain, le film a remporté un Oscar et trois Golden Globes, dont le Golden Globe de la meilleure actrice dans une comédie ou un film musical à Marilyn Monroe et celui du meilleur acteur dans une comédie ou un film musical à Jack Lemmon, qui a également reçu un prix BAFTA pour sa performance.

Ce film a contribué à faire de son réalisateur et de son actrice principale, Marilyn Monroe, deux stars du cinéma hollywoodien.

L’American Film Institute le place en première position de son classement des cent plus grandes comédies, devant Tootsie et Docteur Folamour.

Convient également aux enfants et aux familles

Some like it hot mardi 30 Juin 2020

à 21:00

FESTIVAL DELLE 9 ARTI Piccolo Teatro Dante organisé par

Centro Teatrale Da Ponte

Serravalle Vittorio Veneto

TEL + 39 0438 550511 info@festivaldelle9arti.it https://festivaldelle9arti.it/

e festival débutera le 06 juin 2020 et se terminera le 09 septembre 2020.

Chaque événement devant être compris immédiatement sera marqué par une ou plusieurs étiquettes : LIVE (pour les spectacles et les représentations en direct) TALK (pour les conférences et les débats) WORK (pour les ateliers thématiques) FOOD (pour les événements qui seront accompagnés de propositions en matière de nourriture et de vin) EXIBHITION (pour les expositions organisées dans différents endroits de la ville) Le festival fait partie de l’espace consacré de 2014 à 2019 à la revue du Piccolo Teatro Dante, organisée par l’Accademia Da Ponte (projet de l’Association d’art rouge).

L’espace est donc le même, la même scène construite par les étudiants et les collaborateurs de l’Académie, le même cadre naturel merveilleux des collines et des montagnes environnantes, la même pelouse sur laquelle s’étendre.

L’espace autour de la scène sera enrichi par des tables où vous pourrez vous asseoir et profiter des meilleurs événements “alimentaires”, grâce aussi à notre bar “Locanda da Falstaff”.

Pour la première année, le lieu principal du 9Fest est donc le Piccolo Teatro Dante, flanqué de quelques espaces dans la ville de Vittorio Veneto (salles principales des musées, lieux célèbres pour leur propension à l’animation culturelle) ; pour les années à venir, l’objectif est de relier aux événements du festival répartis dans le site du patrimoine mondial de l’UNESCO des espaces que nous identifierons de temps en temps non seulement pour leur capacité d’accueil, mais surtout pour leur présence symbolique dans le patrimoine artistique du territoire. https://festivaldelle9arti.it/il-festival/

Photo Cesare Colombe

oici un photographe qui (...) erre invisiblement au milieu de la foule cosmopolite et capture la vanité, le rêve, le bonheur et le drame intime des visages (...) en se concentrant sur l’investigation psychologique, loin des stéréotypes appliqués par les “photojournalistes”.

Ugo Zovetti 1957 En repensant à la grande exposition que la ville de Milan a consacrée à Cesare Colombo - accueillie jusqu’au 14 juin dans la Sala Viscontea du Castello Sforzesco - je me suis souvenu des mots que le photographe néo-réaliste Ugo Zovetti a utilisés, dès 1957, pour décrire l’œuvre de son collègue et ami.

Ce texte, rapporté dans le magnifique catalogue de l’exposition dont le commissaire est Silvia Paoli, conservatrice de l’Archivio Fotografico Civico, est accompagné d’innombrables témoignages d’admiration et d’estime de collègues, de critiques et d’intellectuels avec lesquels Cesare Colombo est entré en contact tout au long de sa carrière professionnelle.

Une liste longue et qui fait autorité : Giulia Veronesi, Giuseppe Turroni, Italo Zannier, Guido Bezzola, Ezio Croci, Mario Pannunzio, Romeo Martinez, Antonio Arcari, Tranquillo Casiraghi, Giancarlo De Carlo, Piero Chiara, Michele Provinciali, Italo Lupi, Franco Grignani, Petr Tausk, pour n’en citer que quelques-uns, tous s’accordent à reconnaître au photographe milanais un profil d’auteur très précis ainsi qu’une conscience remarquable des problèmes philosophiques et linguistiques de la photographie.

CESARE COLOMBO L’occhio di Milano

PHOTOGRAPHIES 1952-2012 édité par Silvia Paoli, Silvia et Sabina Colombo mise en scène et graphisme par Italo Lupi Catalogue Silvana Editorial édité par Silvia Paoli L’exposition, prévue jusqu’au 14 juin 2020, est temporairement suspendue en raison de l’urgence du Covid-19.

Pour les mises à jour, consultez le site web du Castello Sforzesco Parco Sempione Piazza Castello, 20121 Milano MI milanocastello.it

PALAZZI 15 VENEZIA

Personnalité complexe et animé d’une curiosité extrême envers le monde de la communication visuelle, Cesare Colombo a condensé en lui des compétences et un professionnalisme différents : photographe mais aussi critique, organisateur d’expositions, professeur d’histoire de la photographie, expert en communication et graphiste publicitaire, consultant pour de grandes entreprises pour la réorganisation et la valorisation de grandes archives photographiques, animateur de débats et de conférences animé et généreux.

Pour souligner son aspect pionnier du côté de l’investigation historique, il suffit de penser que la première exposition et monographie d’investigation historique dont il a été le commissaire, consacrée à Francesco Negri, photographe actif à Casale Monferrato au tournant des deux siècles, remonte à 1969.

Des compétences et une efficacité organisationnelle que Cesare a toujours conditionnées à une extrême volonté de se mettre en relation avec les autres, car l’échange intellectuel et humain était la base de sa formation et son essence même.

Ce n’est pas un hasard si en 2014, dans une longue interview accordée à Simona Guerra, il revient sur sa vie humaine et professionnelle comme suit : je reviens encore une fois (suit page 16)

Photo Cesare Colombo

(suit de la page 15) sur le passage des années de ma vie : j’ai tout consacré, sans regret, à l’image photographique.

Quelque chose de peu fréquent, plus souvent à ceux d’autres auteurs (connus ou totalement inconnus) qu’à la mienne.

J’ai eu le privilège de travailler à ses côtés pendant plusieurs années, de collaborer à la construction d’importantes expositions et de livres, de connaître, grâce à lui, les protagonistes de la culture photographique italienne, de participer à de longues et intrigantes discussions sur la nature de la photographie ; mais toujours et surtout (outre son intelligence lucide et vis-à-vis de la controverse) je me souviendrai de cet homme, de sa simplicité anticonformiste, de sa générosité, de sa volonté de comparaison, de son attention aux jeunes, de son sens du jeu et de l’ironie.

Comme moi, je pense aux centaines d’amis, de photographes, d’initiés, mais aussi de simples citoyens qui ont fait la queue le 20 février pour visiter l’exposition rétrospective, créée grâce à la contribution de leurs filles Silvia et Sabina qui continuent à maintenir en vie, à enquêter et à diffuser les archives de leur père et au précieux don par toute la famille de 100 photographies prises par Colombo à son Milan bien-aimé.

Des images qui viendront enrichir les collections des Civico Archivio Fotografico et qui nous parlent non seulement d’une ville en constante transformation mais aussi des relations entre les personnes, avec “une attention constante au regard, à l’action, aux relations”.

Sur les murs de la Sala Viscontea coulent, comme dans une séquence de film si chère à Colombo, des images en noir et blanc et en couleur de son Milan, dans la période entre 1952 et 2012.

Des images caractérisées par une attention constante à l’espace habité, aux jeunes, aux personnes âgées, aux rituels familiaux, à la consommation, au rôle des femmes, aux couples, à la solitude urbaine, aux foules, aux assemblées et manifestations dans les rues, à la musique, au travail ; car pour Cesare Colombo le développement de la photographie est inextricablement lié “à l’enquête autour de l’humain, dont la photographie est un témoignage irremplaçable.

Proche de la leçon de la grande exposition “The Family of man”, dont le commissaire est Edward Steichen, de l’inexactitude des images de William Klein et de Mario Carrieri, de la banlieue londonienne de Bill Brandt, Cesare Colombo préfère et pratique une photographie qui adhère à la “réalité actuelle” et s’efforce de porter la photographie italienne loin de l’arcadie et du formalisme, loin de la pure évasion, sur les traces d’une plus grande conscience et d’un engagement civil, fidèle au “concept zavattinien du message poétique toujours latent dans la réalité pure”.

L’exposition offre un portrait vivant de la métropole lombarde et de ses transformations sur un demi-siècle.

Elle est enrichie par une mise en page et un graphisme intéressants d’Italo Lupi, rédacteur en chef des magazines Domus et Abitare, auxquels Cesare Colombo était lié par une longue et intense relation de collaboration et d’amitié.

Grâce aux photographies, aux films, à la liste des livres et des expositions dont il est le commissaire et à une grande série d’appareils disposés sur la grande table au centre de la salle d’exposition, toute la carrière professionnelle de Colombo est retracée dans un sens philologique, soulignant non seulement la valeur incontestable de l’œuvre photographique et son engagement militant, mais aussi l’extraordinaire figure de critique et d’intellectuel organique, au sens gramscien du terme.

Daniela Tartaglia

Photo cesare colombo

CESARE COLOMBO FOTOGRAFIE 1952-2012 a cura di Silvia Paoli, Silvia e Sabina Colombo allestimento e grafica di Italo Lupi catalogo Silvana Editoriale a cura di Silvia Paoli

PALAZZI 17 VENEZIA

magazine.photoluxfestival.it/cesare-colombo-locchio-di-milano-fotografie-1952-2012/ GHLJGFxM5Xe5o7XaOYk

Photo venessia.com

n raison de la pandémie COVID-19, Venise (ainsi que de grandes parties du monde) est en état d’alerte.

Selon l’endroit où vous vivez et si vous êtes toujours autorisé à travailler (à la maison ou ailleurs), vous pourriez avoir beaucoup de temps libre à occuper.

Même s’il est trop tôt pour planifier votre prochain voyage à Venise, vous pouvez toujours profiter de Venise en toute sécurité depuis votre domicile.

Voici quelques idées et un aperçu des initiatives qui vous aideront à vous distraire et à rêver d’un lieu magique comme Venise.

Faites une promenade virtuelle à Venise Utilisez Google Street View et essayez de trouver votre chemin d’un endroit à l’autre et de vous perdre, comme vous le feriez lorsque vous êtes vraiment en ville.

Vous pouvez aussi regarder l’incroyable vidéo d’une Venise désolée pendant cette période de la couronne, créée par Andrea Rizzo, ou

HOW TO ENJOY VENICE DURING LOCKDOWN COMMENT PROFITER DE VENISE PENDANT LE CONFINEMENT

d’autres belles vidéos de Venise sur YouTube, comme celles réalisées par les Vagabres ou par Oliver Astrologo.

Tapez simplement Venise dans le champ de recherche et vous pourrez passer beaucoup de temps à regarder tous ces lieux familiers.

Visitez les musées vénitiens en ligne Plusieurs musées (tels que le Palazzo Ducale ou Ca’ Rezzonico) ainsi que la Biennale peuvent être visités via Google Arts & Culture.

C’est l’occasion idéale de se promener dans les musées et de passer autant de temps que vous le souhaitez, gratuitement. De nombreux musées suivent également la campagne italienne #iorestoacasa (Je reste à la maison) et partagent de nouvelles informations sur leur site ou sur les médias sociaux. Le Stanze del Vetro par exemple (le musée du verre de San Giorgio Maggiore) a lancé une newsletter hebdomadaire spéciale, avec des informations sur la prochaine exposition, des cartes de jeu pour enfants et adolescents à télécharger et à imprimer, et un glossaire sur les secrets des techniques de travail du verre.

Suivez un atelier en ligne au Palazzo Grassi Vous pouvez vous joindre aux activités en suivant des instructions simples, destinées à stimuler des points de vue uniques sur votre propre vie quotidienne.

Chaque semaine, les activités sont publiées sur leur site web et sur l’Instagram et Facebook avec le hashtag #palazzograssiatyours. La semaine dernière, l’illustratrice italienne Olimpia Zagnoli a dirigé l’atelier “Le livre violet rencontre la bouteille verte”.

Elle a montré comment une rencontre fortuite entre deux ou plusieurs objets domestiques suggère une combinaison de couleurs inhabituelle.

Regarder un opéra à La Fenice Jusqu’à présent, le Teatro La Fenice a ajouté 15 opéras à sa chaîne YouTube.

Photo gtazurich

Il s’agit notamment de Don Giovanni (Mozart), Don Carlo (Verdi) et Orlando furioso (Vivaldi).

C’est une occasion unique de regarder gratuitement ces opéras dans leur intégralité.

Si vous voulez en savoir plus sur l’histoire du théâtre, vous pouvez également lire “Le Teatro La Fenice vous renvoie à l’âge d’or de Venise”. Écoutez l’autobiographie de Peggy Guggenheim Karole Vail, directrice du musée de Venise et petite-fille de Peggy Guggenheim, lit un extrait du livre “Out of this century”. Confessions of an art addict” sur Soundcloud.

Si vous voulez en savoir plus sur Peggy Guggenheim et son musée de la Giudecca, vous pouvez lire l’article “L’héritage artistique de Peggy Guggenheim à Venise”. Écoutez l’émission de Monica Cesarato “Venice meets ...” (Venise rencontre ...)

Monica Cesarato, blogueuse et cuisinière, parle de Venise aux artisans, guides, blogueurs et autres.

Elle est en direct tous les jours à 18h CET sur son compte Instagram, mais vous pouvez également regarder les épisodes sur la chaîne Venice Meets sur YouTube.

Et pendant que vous y êtes, vous pouvez aussi commencer à suivre “The Venice Insider” sur Instagram.

Lire un livre qui se déroule à Venise La lecture est l’un des moyens préférés pour se détendre et se transporter dans la ville de ses rêves.

Lire “Liar Liar” de M.J. Arlidge (qui n’a rien à voir

https://www.theveniceinsider.com/venetian-gondola-craftsmanship/ https://www.theveniceinsider.com/murano-glass-artisans-artists/ https://www.theveniceinsider.com/venice-glass-week-events/ https://www.theveniceinsider.com/colourful-poles-landmark-venice/ https://www.theveniceinsider.com/colours-mosaics-venice/ https://www.theveniceinsider.com/venice-cameo-artisans/

PALAZZI 19 VENEZIA

avec Venise), mais le prochain livre vénitien est “The Lizard’s Bite” de David Hewson.

Pour en savoir plus sur l’histoire, l’architecture ou tout autre sujet lié à Venise Il y a certainement beaucoup de sujets sur lesquels vous voulez en savoir plus, mais vous n’avez jamais trouvé le temps de le faire.

Vous pouvez lire des livres (comme “Les éléments de Venise” de Giulia Foscari), lire les articles des meilleurs guides de Venise ou regarder leurs vidéos intéressantes sur leur chaîne YouTube, ou bien sûr parcourir les articles de sites comme “Une brève introduction à l’histoire compliquée de Venise”.

Acheter des produits d’artisans vénitiens Achetez un souvenir qui sera livré à votre domicile pour avoir une petite partie de Venise près de chez vous.

Quelques exemples sont Feelin’ Venice, Eredi Jovon, Pieces of Venice, Plum Plum Creations et Small Caps, mais il existe de nombreux artisans disposant d’une boutique en ligne qui livrent à l’international.

Vous trouverez sur cette page un aperçu des artisans qui ont souffert de l’immense acqua alta en novembre.

Vous pouvez également naviguer sur Internet pour rechercher votre magasin préféré à Venise (suit page 20)

(suit de la page 19) ou pour en découvrir certains que vous ne connaissiez pas encore.

Construisez votre propre gondole, bateau-taxi ou sandolo Gilberto Penzo vend d’étonnants kits de construction pour tous les types de bateaux vénitiens.

Il faut beaucoup de temps pour en fabriquer un, alors c’est bien de vous occuper pendant que vous êtes enfermé dans la maison.

Et en plus, le résultat est vraiment beau.

Vous pouvez trouver des instructions ainsi que des exemples de décoration sur son site.

Vous pouvez aussi faire un puzzle avec une image de Venise.

Vous pouvez soit acheter un puzzle standard comme le puzzle en 3D du pont du Rialto de Ravensburger, soit concevoir un puzzle personnalisé à partir de vos propres images de Venise.

Apprendre l’italien Cela vous permettra de parler plus facilement avec les habitants lors de votre prochain voyage à Venise.

L’Istituto Venezia organise des cours en ligne pour de petits groupes, du lundi au vendredi de 10h00 à 11h30.

Il propose également des cours de conservation si vous avez déjà des connaissances de base et des cafés littéraires. https://www/theveniceinsider.com/

lle a révolutionné l’architecture d’intérieur en rejetant le style art déco pour élaborer des meubles directement inspirés de l’univers industriel.

Pourtant, on attribue encore à Le Corbusier des pièces conçues par cette architecte résolument moderne.

Toute jeune fille, à l’âge de 24 ans, elle a eu l’audace de pousser la porte du cabinet d’études de Le Corbusier pour devenir son associée à l’atelier de Le Corbusier et Pierre Jeanneret.

C’est aussi grâce à cette intrépidité que Charlotte Perriand a marqué l’histoire du design.

Au milieu des années 1920, alors que la tendance est encore à l’art déco, elle se démarque déjà par sa simplicité, son choix des belles matières et sa fascination pour le monde industriel.

Dans la France de l’entre-deux guerres Charlotte Perriand découvre une nouvelle civilisation mécanique, qui ne cessera d’influencer sa conception du mobilier.

Artiste engagée à gauche, proche du parti communiste, elle souhaitait avant tout remettre le sujet au centre de l’espace, pour favoriser le confort et les liens sociaux.

Aujourd’hui, la Fondation Louis Vuitton rend hommage à l’œuvre de cette architecte parfois éclipsée par des grands noms masculins du design...

Car son nom a souvent été gommé au profit de Le Corbusier.

Avec son revêtement en cuir et ses courbes élégantes, la chaise basculante, rebaptisée LC4, est devenue une icône et un best-seller dans les salles de vente.

En 1927, lorsqu’elle conçoit ce meuble, Charlotte Perriand vient juste de rejoindre le programme de travail de Le Corbusier.

Les premiers échanges sont loin d’être cordiaux : Charlotte Perriand doit alors outrepasser le machisme de l’architecte, qui est déjà la star mondiale qu’on connaît.

Celui qu’elle surnommera plus tard son “vieux Corbu” prévient : “Vous savez ici, on ne brode pas des coussins !”. Le ton est donné.

L’architecte lui donne un programme afin d’équiper les villas Church et La Roche d’une chaise longue inspirée par le fauteuil médical “le surrepos” du Dr Pascaud (1925) et le rocking chair en bois courbé de Thonet.

“Il lui a donné ses modèles de références et Charlotte a fait tout le reste !”, confiait le documentariste Jacques Barsac, spécialiste de l’oeuvre de Charlotte Perriand, dans l’émission Une vie, une œuvre, diffusée le 13/05/2013 sur France Culture.

En 1929, le brevet d’invention de La chaise longue basculante iconique avait été déposé aux noms

Photo fondation louisvuitgton

CHARLOTTEPERRIAND de Madame Scholefielf née Perriand Charlotte et M Charles-Edouard Jeanneret dit Le Corbusier & André Pierre Jeanneret” écrit Jacques Barsac, “Pour moi, le sujet c’est l’homme, ce n’est pas l’objet” Pour Perriand, c’est le bien-être du sujet qui compte avant tout.

Du haut de ses vingt-deux ans, la jeune créatrice apporte un savoir-faire inédit sur la conception des meubles : “Le Corbusier avait appris sur le tard, il copiait des modèles, il s’intéressait moins que Charlotte à l’ergonomie, au rapport entre le meuble et le corps.

En fait, il avait moins de savoirs”, confiait l’historien Jean-Louis Cohen dans cette même émission.

“On a tendance à faire un objet pour l’objet. Et l’homme y est absent. Il ne faut pas se tromper de sujet, le sujet n’est pas l’homme, c’est l’objet !” C. Perriand Pour ce meuble, elle imagine un système qui permettrait à l’usager de se maintenir dans une position confortable.

Elle puise alors dans l’ingénierie aéronautique pour réaliser un support souple et adaptable à toutes les positions du corps. “La chaise longue, c’est un trait, un tube qui prend le corps humain dans une position donnée, la position par exemple du piou-piou fatigué, les pieds sur un arbre et la tête sur sa musette.

Mais on voulait pouvoir changer de position aussi.

Le support nous a donné du souci, parce qu’il peut être très différent. Il fallait une plasticité…

On a beaucoup cherché, et j’ai commencé à regarder les tubes dans les avions”,

PALAZZI 21 VENEZIA

confiait Charlotte Perriand dans une série d’entretiens “A voix nue”, diffusée sur France Culture en 1999.

“Je vous prierais de faire ressortir que ce siège fonctionne par simples glissements et sans aucune mécanique, et ceci en passant pour toutes les positions intermédiaires, et en particulier par la position horizontale qui permet l’obtention d’un siège de repos ordinaire.”

“Tout ce que j’ai fait allait de soi” Malgré son confort et son modernisme, la chaise basculante est loin d’être un succès commercial. Éditée par Thonet, le modèle ne s’écoule qu’à 172 exemplaires la première année de sa mise en vente.

Les intérieurs bourgeois et feutrés de l’époque ne semblent pas prêts à faire place à l’avant-gardisme de Charlotte Perriand, comme l’explique Martine Dancer, coordinatrice du catalogue Charlotte Perriand pour la fondation Louis Vuitton : _“Pour l’époque, c’est très moderne, une chaise longue qui est faite d’acier, inspirée par le mode de construction des avions de l’époque, comme l’a révélé Charlotte Perriand, c’est tout à fait inédit.

Le public est frileux, parce qu’on est encore au style Louis XVI. Jusqu’aux années 1960, les salons bourgeois (suite page 22)

Photo fondation vuitton

(suite de la page 21) étaient encore équipés de ce style de mobilier.

Elle a été très en avance.”

Mais cela ne suffit pas pour décourager la créatrice, qui ne cessera d’utiliser des matériaux nouveaux, issus de l’industrie .

“Le métal est à l’agencement intérieur ce que le ciment est à l’architecture. C’est une révolution”, assène-t-elle, dans son texte-manifeste, “Wood or Metal” (bois ou métal), publié en 1929 dans la revue anglaise The Studio.

La chaise basculante trouve son public à partir des années 1950, mais à l’époque le meuble est signé des trois créateurs Le Corbusier, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret, qui collaborait dans le même atelier.

Encore aujourd’hui, ce meuble iconique a un nom qui l’attribue exclusivement à Le Corbusier, comme en atteste cette réédition mis en vente par Cassina, sous le nom de “LC4 Le Corbusier”.

Charlotte Perriand n’abandonne pas pour autant ce modèle auquel elle restera attachée. alors qu’elle a quitté l’atelier de Le Corbusier en 1937, elle est est sollicitée pour une mission d’orientation de la production japonaise par le ministère du commerce et de l’industrie japonais, elle va rencontrer industriels et étudiants.

Il s’agit pour le Japon de hausser le niveau de qua-

lité de sa production destinée à l’exportation et de réorienter face aux difficultés économiques de certaines régions leurs activités.

Au pays du Soleil levant, son art se réinvente tout en puisant dans les traditions locales.

Perriand veut élaborer un nouveau modèle de sa chaise basculante, mais la Seconde guerre mondiale éclate et le métal devient alors une denrée rare.

La chaise en métal chromé devient une chaise longue en bambou et retrouve le nom de sa créatrice d’origine : “Dès son arrivée, elle fait faire un rapport sur les capacités mécaniques du bambou, sur les 2 300 espèces de bambou.

Elle utilise ce qu’elle a à disposition, des techniques anciennes pour faire des œuvres modernes”, précise Jacques Barsac.

Estimée aujourd’hui à 16 000 euros pour sa version d’origine, la chaise basculante LC4 est exposée dans de nombreux musées comme le MoMA de NewYork, au musée des années 30 de Boulogne-Billancourt, comme au Musée d’art moderne de Saint-Etienne Métropole En 1952-1953 - alors qu’en 1935 elle avait présenté à l’Exposition internationale de Bruxelles La maison du jeune homme- elle est chargée notamment par André Bloc des aménagements intérieurs de chambres d’étudiants de la maison de la Tunisie et du Mexique.

Elle met au point deux bibliothèques qui seront par la suite diffusées sous le nom des pavillons.

La jeune femme imagine alors des équipements pra-

tiques, en adéquation avec la vie des étudiants, professeurs et artistes qui seront de passage dans ces logements.

Elle se met alors au service d’une utopie pacifiste pour favoriser les échanges et le bien-être des futurs locataires.

Parmi le mobilier qui équipera les appartements : un tabouret trépied, et une bibliothèque qui deviendra bientôt une pièce iconique de l’oeuvre de la créatrice.

Spécialement conçue pour les petits espaces, la bibliothèque de la Maison du Brésil est composée d’un piétement et de traverses en sapin, casiers et portes en tôles d’aluminium pliée et gaufrée.

Ils viennent apportent un peu de gaieté dans ces intérieurs.

Pour ce meuble ingénieux, Charlotte Perriand met en place une fabrication mixte, du métal pour le côté industriel (les casiers sont des plots en tôle pliée qu’elle a réalisés avec les ateliers Jean Prouvé), et du bois massif pour la structure du meuble.

Chez Perriand, le meuble est pensé en fonction de l’espace, et l’objet comme toujours, se met au service du sujet.

La bibliothèque de la maison du Brésil est donc conçue comme un élément séparateur, utilisable sur les deux faces, et sépare les espaces dédiés à la toilette de la pièce à vivre et travailler.

“On lui confie une mission similaire pour les deux chambres, offrir dans un espace minimum, les meilleurs conditions de vie à un étudiant.

PALAZZI 23 VENEZIA

Elle travaille avec les ateliers Jean Prouvé et le menuisier André Chétaille.

Cette bibliothèque va d’ailleurs influencer les frères Bouroullec pour la conception de leur bibliothèque qu’ils baptiseront “Charlotte”, confie Martine Dancer.

Des espaces vides ou des trouées laissent filer le regard. Il faut le prendre comme une conception de l’espace.

Charlotte Perriand s’approprie l’espace pour y vivre commodément.

C’est la parfaite alliance entre le besoin et la forme.

Les couleurs ont été déterminées pour la maison de la Tunisie soit par Charlotte Perriand, Sonia Delaunay, Nicolas Schöeffer, Sylvano Bozzolini. Martine Dancer “Ça se caresse le bois, Doux comme les cuisses d’une femme”, écrit Charlotte Perriand dans son autobiographie (“Une vie de création “aux éditions Odile Jacob, publiée en 1998). À la fin des années 1930, alors que les architectes d’intérieur utilisent tous le métal, remis au goût du jour par Perriand elle-même, la designeuse décide de renouer avec ce matériau naturel.

Au même moment, son ami Jean-Richard Bloch, rédacteur en chef du journal Le Soir, la sollicite pour équiper son bureau.

Un grand plateau en pin massif posé sur trois pieds: (suit page 24)

Photo Wikicommons via Wikipedia

(suit de la page 23) le bureau boomerang est né.

La forme du bureau en large courbe n’est pas qu’un choix esthétique : le grand plateau permettait d’accueillir une douzaine de collaborateurs, ce qui permettait au directeur du journal, placé au creux de la courbe sur un fauteuil pivotant, de se tourner vers les uns et les autres : “Quand il recevait les journalistes, il n’y avait plus de hiérarchie, et tout le monde pouvait discuter autour du bureau.

Cette forme libre, c’est un dispositif qu’elle a inventé et qui permet un vrai dialogue”, précise Martine Dancer.

Des années plus tard, en 1959, Le Corbusier reprend l’idée du bureau boomerang, dans le cadre de l’un de ses plus grands projets urbains : la nouvelle ville indienne de Chandigarh.

La capitale des États du Pendjab et de l’Haryana est sortie de terre sur une décision du Premier des ministres, Jawaharlal Nehru, dans le but d’en faire “le symbole de la libération de l’Inde et l’expression de sa conviction pour le futur”.

En plus de l’élaboration et de la construction des routes et bâtiments officiels qu’il aura en charge, l’architecte a pour mission d’équiper le palais ministériel du chef d’Etat.

C’est à cette occasion qu’il créé le “bureau bo-

omerang”, bureau en teck qui date de 1969, estimé aujourd’hui entre 100 000 et 200 000 euros dans les salles de vente.

Le “bureau boomerang” inspirera de nombreux architectes d’intérieur, dont Maurice Calka, qui en livrera une version plus arrondie dans les années 1970.

En résine de polyester laqué de couleurs éclatantes, comme l’orange ou le blanc, ce meuble devient l’une des pièces iconiques du designer.

Son style pop séduira même le président Georges Pompidou, qui en commande un pour meubler son bureau à l’Elysée.

Malgré son modernisme et son apport indéniable à l’architecture, le nom de Charlotte Perriand reste encore aujourd’hui associé aux noms d’autres artistes masculins, avec qui elle a collaboré.

Invitée sur France Inter, à l’occasion de l’exposition qui lui est dédiée à la fondation Louis Vuitton, Pernette Perriand-Barsac, fille de Charlotte Perriand, s’est exprimée sur le combat de sa mère pour s’imposer dans le monde de l’architecture, un monde viril : “Il faut toujours qu’on la marie avec un homme. (...)

Son nom est toujours gommé”, expliquait-elle.

Camille Bichler

https://www.franceculture.fr/architecture/derriere-le-nom-de-le-corbusier-3-oeuvres-cultes-de-charlotte-perriand https://www.franceculture.fr/design/charlotte-perriandtout-ce-que-jai-fait-allait-de-soi https://www.franceculture.fr/design/charlotte-perriandne-peut-pas-creer-si-ne-connait-pas-lusage

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Photo Wikicommons via Wikipedia

Photo Wikipedia

hristo, en étroite collaboration avec le Centre des Monuments Nationaux et le Centre Pompidou, créera à Paris une œuvre d’art temporaire intitulée L’Arc de Triomphe, Wrapped (Projet pour Paris, Place de l’Étoile - Charles de Gaulle).

Cette œuvre d’art sera exposée pendant 16 jours, du samedi 19 septembre au dimanche 4 octobre 2020.

L’Arc de Triomphe sera enveloppé dans 25 000 mètres carrés de tissu en polypropylène recyclable bleu argenté et 7 000 mètres de corde rouge.

Le Centre des Monuments Nationaux (CMN), le Centre Pompidou et Christo, en concertation avec la Ligue pour la protection des oiseaux (LPO), ont décidé de reporter le projet pour assurer la protection des faucons crécerelles qui nichent sur l’Arc au printemps.

Les nouvelles dates pour l’œuvre de Christo seront du 19 septembre au 4 octobre 2020

n prélude à L’Arc de Triomphe, enveloppé, une grande exposition, présentée au Centre Georges Pompidou jusqu’ au 15 juin 2020, retracera les années de Christo et Jeanne-Claude à Paris de 1958 à 1964, ainsi que l’histoire du Pont Neuf enveloppé, Projet pour Paris, 1975-85.

“L’exposition au Centre Pompidou révélera le contexte historique de la période pendant laquelle nous avons vécu et travaillé à Paris”, déclare Christo.

En 1961, trois ans après leur rencontre à Paris, Christo et Jeanne-Claude ont commencé à créer des œuvres d’art dans les espaces publics.

Un de leurs projets était d’envelopper un bâtiment public. À l’époque, Christo, qui louait une petite salle près de l’Arc de Triomphe, y a fait plusieurs études d’un projet, dont, en 1962, un photomontage de l’Arc de Triomphe enveloppé, vu de l’avenue Foch.

Dans les années 1970 et 1980, Christo a réalisé quelques études supplémentaires.

Près de 60 ans plus tard, le projet sera enfin concrétisé.

L’Arc de Triomphe, enveloppé sera entièrement financé par Christo grâce à la vente de ses études préparatoires, des dessins et collages du projet ainsi que des maquettes, des œuvres des années 1950 et 1960 et des lithographies originales sur d’autres sujets.

Le Centre des monuments nationaux, l’institution gouvernementale qui gère l’Arc de Triomphe, se félicite de la réalisation d’un projet qui démontre son engagement en faveur de la création contemporaine et qui honore l’un des monuments les plus emblématiques de Paris et de France.

La Flamme éternelle, devant la Tombe du Soldat inconnu à l’Arc de Triomphe, continuera de brûler tout au long de la préparation et de l’exposition de l’œuvre d’art. Il ne recevra aucun fonds public.

Photo archive

SIEMEN DIJKSTRA omme toujours, des associations de vétérans et de bénévoles attachés aux valeurs de la République française assureront la continuité du souvenir et de la cérémonie quotidienne de ravivage de la flamme qui rend hommage au Soldat inconnu et à ceux qui ont perdu la vie en combattant pour la France.

“Trente-cinq ans après que Jeanne-Claude et moi avons emballé le Pont-Neuf, je suis impatient de travailler à nouveau à Paris pour réaliser notre projet pour l’Arc de Triomphe”, déclare Christo.

D’une manière générale, il y a deux façons de voyager.

La première consiste à partir sans véritable intention ni itinéraire, et à lancer une proverbiale fléchette sur la carte.

Comme un long solo de Dizzy Gillespie, c’est un exercice d’improvisation.

L’autre façon est de partir avec un but explicite et précis : une destination.

A l’inverse, c’est un exercice de dévotion, de foi que le moment de l’arrivée justifiera le voyage, et rassasie une sorte de faim.

Le naturaliste va aux Galápagos, le musulman à la Mecque.

L’esthète va chez Christo et Jeanne-Claude.

Qu’est-ce qui, dans les installations paysagères et les sculptures du duo, inspire les gens à venir en masse, des quatre coins du monde, juste pour voir, sentir, interagir ?

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Ce sont les qualités tangibles, bien sûr, la maîtrise de l’échelle, du contexte et des matériaux, si grands et si visibles que les œuvres semblent instructives.

Et puis il y a l’histoire.

Christo et Jeanne-Claude sont nés le même jour, en 1935, et ont collaboré à des installations publiques pendant près d’un demi-siècle, jusqu’à la mort de Jeanne-Claude, en 2009.

Mais la mystique est plus profonde.

Christo et Jeanne-Claude ont toujours documenté la planification de leur travail, offrant un aperçu singulier de l’ambition (et de la galère) requise pour créer de l’art public à grande échelle.

Aujourd’hui encore, la vente de cette documentation permet à Christo de financer ses propres projets sans être redevable à un bienfaiteur.

Que l’une de ces œuvres - et encore moins 23 d’entre elles, dans les grandes villes et les ranchs, de New York au Japon - se soit concrétisée est un spectacle en soi, une sorte de miracle.

Et qui ne veut pas être témoin d’un miracle ?

L’œuvre de Christo transforme des lieux ordinaires en destinations du monde de l’art.

Sa dernière œuvre, une sculpture surréaliste en forme de tonneau flottant sur le lac Serpentine à Hyde Park, a attiré à Londres des amateurs et des connaisseurs. (suit page 28)

Dès le début de votre carrière, vous avez porté votre art au-delà de l’espace de la galerie.

Pouvez-vous nous dire comment est née cette volonté d’aller dans l’espace public ?

Je ne peux pas l’expliquer exactement.

Mais vous devez comprendre où je suis né, d’où je viens et comment j’ai étudié.

En 1957, je rendais visite à ma famille à Prague, après la révolution hongroise de 1956. Étouffé par la doctrine du réalisme et du contrôle de la Russie, je me suis enfui en Autriche.

Je suis devenu apatride pendant 17 ans.

J’étais un réfugié politique sans nation.

J’étais tellement en colère contre ma place inexistante dans le monde, je n’appartenais à personne.

Je me suis échappé en ne parlant que le bulgare et le russe, sans connaître aucune langue occidentale.

J’avais 21 ans.

Je n’avais pas d’argent pour survivre, seulement ce que je gagnais en lavant des voitures dans des garages et en travaillant dans des restaurants.

J’ai essayé de faire mon art et, en gros, j’ai essayé de communiquer, non seulement dans l’espace

Photo cristo

‘ìnterview de Cristo par Hans Ulrich Obrist sur le site de “The London Mastaba” (2018)

artistique avec les galeries et les musées, mais aussi avec les espaces ouverts.

De retour en Bulgarie, j’ai étudié pendant trois ans différents arts [à l’Académie nationale des arts], notamment l’architecture, les arts décoratifs, la peinture, la sculpture, etc.

Au cours de la quatrième année, vous êtes censé décider de la profession que vous voulez exercer.

J’ai sauté ma quatrième année.

Toute ma vie, je n’ai pas décidé de ce que je suis.

Je ne suis pas un peintre, un sculpteur, ni un architecte.

J’essaie de mélanger les choses.

En tant qu’étudiant en art, on m’a demandé d’aller à la campagne, dans des fermes appartenant toutes à l’État, pour dynamiser le paysage.

L’Orient Express passait à cette époque, les trains qui allaient de Paris à Istanbul.

Le gouvernement communiste était désireux de montrer aux Occidentaux que le paysage était très dynamique.

Nous sommes allés dire aux éleveurs et aux agriculteurs qu’ils devaient tout garder très propre et organisé.

Je parlais aux fermiers et aux travailleurs, des gens ordinaires qui ne s’occupaient pas d’art.

Tout cela fait partie de ce que je fais aujourd’hui.

Je parle encore à des gens qui n’ont pas la moindre idée de ce qu’est l’art, qui ne s’intéressent pas à l’art.

J’aime cette aventure.

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Vous vous êtes installé à Paris et y avez commencé votre collaboration avec Jeanne-Claude à la fin des années 50.

Ces premières expositions à Cologne et à Paris utilisaient des tonneaux et des objets emballés, qui font encore partie de votre pratique aujourd’hui - dont “Le Mastaba de Londres” que vous venez de réaliser pour le Lac Serpentine.

Vous pouvez le voir dans les petites sculptures que j’ai réalisées à la fin des années cinquante.

J’utilisais le ready-made, en enveloppant des objets dans du tissu et en empilant des tonneaux.

La composition est très libre - il n’y a pas de règles.

Je faisais tout cela dans une chambre de bonne, au dernier étage d’une maison de boulevard typique de Paris.

Il n’y avait ni électricité, ni eau, ni toilettes.

J’ai fait une exposition à Cologne en 1961.

La galerie était fermée le dimanche et le lundi, alors Jeanne-Claude et moi avons décidé de faire quelque chose à l’extérieur, près de la galerie, que les gens pourraient voir.

L’autorité portuaire nous a donné la permission de faire quelque chose de temporaire en utilisant les barils de pétrole et les marchandises qui s’y trouvaient.

Nous voulions dire que cette galerie s’étend dans cet espace ouvert.

Puis je suis allé à Paris et j’ai proposé mon poétique “Rideau de fer”, [qui consistait] à empiler des barils horizontalement dans les petites rues de la Rive gauche.

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Le mur de Berlin a été construit. Le canal de Suez avait été nationalisé.

Les avions britanniques et français bombardaient, et tout était sur le point de s’effondrer dans le monde entier.

J’avais tellement peur que la troisième guerre mondiale commence.

Nous avons demandé la permission de faire les travaux, mais nous n’avons jamais vraiment eu de réponse, alors nous l’avons quand même fait, en 1962.

Elle a donc évolué d’un espace très proche et intime à une expansion soudaine dans le monde réel.

Parlez-nous du passage de l’emballage de voitures et de petits objets à des bâtiments entiers.

Comment cette révélation s’est-elle produite ?

Il était très important pour nous d’envelopper un bâtiment public, car ces bâtiments appartiennent aux gens.

Nous avons écrit dans la proposition qu’il devait s’agir d’un parlement ou d’une prison.

Nous n’avons jamais obtenu l’autorisation.

Nous avons essayé d’envelopper un bâtiment d’entreprise au milieu de Times Square à New York, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna à Rome, et plus tard le bâtiment du MoMA - nous n’avons jamais obtenu l’autorisation.

Ensuite, c’était le 50e anniversaire d’un petit musée dans la toute petite ville de Berne, en Suisse. (suite poage 30)

Photo cristo

(suite de la page 29) Le directeur, Harald Szeemann, pensait pouvoir convaincre les administrateurs de nous laisser emballer le bâtiment.

En 1968, nous avons emballé la Kunsthalle.

L’autorisation semble être le plus grand défi à relever pour donner vie à vos idées.

Le processus d’autorisation pose des problèmes incroyables.

Parfois, il faut plusieurs années pour qu’un projet se réalise.

Le “Reichstag enveloppé” a pris vingt-cinq ans.

Les “Gates” [à New York] ont pris vingt-six ans.

En plus de cinquante ans de travail de création, nous n’avons réalisé que vingt-trois projets.

Nous n’avons pas réussi à obtenir l’autorisation pour quarante-sept projets.

Cela m’amène à l’âme de nos projets.

Toutes nos œuvres ont deux périodes distinctes : La première est la période du logiciel, où l’œuvre n’existe pas physiquement - elle n’existe que sous forme de dessins, de croquis.

Tout ce que je produis, je le produis de ma propre main.

Vous devez savoir que je n’ai pas d’assistant.

Chaque travail original est fait de ma propre main, même aujourd’hui.

Je réalise de très petits croquis, des modèles réduits, de grands objets.

Ceux-ci sont eux-mêmes commercialisables, ils sont précieux.

Je les vends, et je suis indépendant pour dépenser mon argent comme je le veux.

C’était absolument la seule façon de réaliser mon travail. J’avais besoin d’indépendance [financière].

J’ai décidé que la seule façon de l’obtenir était de vendre mon travail.

La relation entre les artistes et la galerie est très lâche.

La galerie a l’exclusivité avec l’artiste, elle conserve le travail de l’artiste, elle organise des expositions pour l’artiste.

De manière traditionnelle, lorsque l’artiste a besoin d’argent, il emprunte à la galerie, ou la galerie lui dit “D’abord, vous devez nous donner plus de travail”.

Personne ne s’intéressait à mes premiers travaux et, par inadvertance, nous sommes devenus les plus grands propriétaires de mes œuvres.

Nous avons créé une organisation à Bâle, qui est devenue notre dépôt d’œuvres d’art. À la fin des années 60, à peu près à la même époque que la “Wrapped Coast” en Australie, notre avocat de Chicago nous a conseillé de créer une société indépendante.

Pas une société à but non lucratif, mais une société créée pour construire nos projets, pour vendre nos œuvres d’art originales et les racheter.

Il s’agit de la CVJ Corporation, avec mes initiales, Christo Vladimirov Javacheff.

Cette société créait une filiale chaque fois que nous réalisions un projet dans le monde entier.

Nous étions assis sur tellement d’œuvres d’art de valeur que nous avons commencé à travailler avec des banques.

Elles ont pris des garanties et nous avons loué de l’argent.

Laissez-moi vous dire un secret : pour dix millions d’argent de réserve, vous ne payez que 150 000 dollars de loyer par an - si vous ne touchez pas à l’argent. Cela me donne la liberté de ne pas sous-estimer le travail.

Non, non, non. Personne n’a commandé mes projets.

J’ai commandé tous ces projets moi-même.

Il est très important de comprendre cela : Certains projets que nous avons conçus pour un endroit particulier - “Wrapped Reichstag” a été conçu pour le Reichstag, “The Gates” pour Central Park - mais certains projets sont conçus et nous devons ensuite trouver le bon endroit pour eux.

Le “Valley Curtain” dans le Colorado n’a pas été conçu pour cet endroit, ni “The Umbrellas” [au Japon et en dehors de Los Angeles], ni le “Running Fence” [dans les comtés de Sonoma et Marin], ni la “Wrapped Coast” dans la petite baie en dehors de Sydney.

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C’est pourquoi le travail que nous développons est toujours en relation avec le lieu.

Nous ne faisons plus jamais la même chose.

Ils sont tous uniques.

Et les œuvres n’existent plus ! Tout cela crée beaucoup d’intérêt et d’anticipation.

Après cinquante ans, nous avons un public spécial, comme des groupies.

Ce ne sont même pas des collectionneurs d’art.

Oui, votre travail attire un nombre énorme de personnes du monde entier.

Nous ne faisons rien pour cela. Nous n’invitons personne [rires], parce que c’est tellement compliqué !

L’un des plus gros problèmes de toutes les procédures d’autorisation est que maintenant il y a trop de gens qui viennent voir l’œuvre.

Nous essayons de dire que nous ne faisons pas de promotion supplémentaire pour ne pas être responsables - même si tout se passe bien.

Quelque 270 000 personnes se sont présentées dans les cinq jours qui ont suivi le lancement de “The Floating Piers” en 2016 sur le lac Iseo en Italie.

Parlez-nous de ce projet.

Nous avons eu l’idée en 1980, alors que nous finissions d’envelopper la côte australienne. (suit page 32)

Photo cristo

(suit de la page 31) Nous avons essayé d’étendre le tissu pour aller à la surface de l’eau, pour pouvoir marcher dessus. Jeanne-Claude et moi voulions vraiment faire cela.

Nous avons essayé dans le Rio de la Plata en Argentine - nous n’avons jamais eu la permission.

Nous avons essayé de le refaire dans la baie de Tokyo au Japon - nous n’avons jamais eu la permission.

Jeanne-Claude est décédée en 2009, et j’avais tellement envie de faire ce projet, parce que c’est quelque chose qu’elle voulait vraiment faire.

Je me suis dit : “Pour faire ça, nous avons besoin d’eau calme.

Quand nous vivions à Paris, nous avons appris à connaître l’Italie.

Nous avions des collectionneurs, des marchands et des amis qui vivaient sur un des lacs.

C’est ainsi que nous sommes arrivés au lac d’Iseo.

Nous avons décidé de relier cette petite île, le Mont Iseo, avec le continent.

Pourquoi les gens étaient-ils si attirés par les promenades sur l’eau ?

Nous sommes nous-mêmes à soixante pour cent de l’eau, et c’est peut-être pour cela que nous avons cet énorme plaisir quand nous sommes près de l’eau. La surface de “The Floating Piers” n’était pas plate - elle bougeait avec les vagues.

C’est très émouvant de ressentir cela.

Et maintenant, vous êtes de retour dans les barils avec votre dernier projet, “The London Mastaba” aux Serpentine Galleries.

Lorsque vous empilez des objets cylindriques, leur angle [hypoténuse] est de soixante degrés.

C’était une forme très naturelle, et j’avais cette envie irrépressible de faire un mastaba [un banc fixe mésopotamien à l’extérieur de la maison, généralement fait de pierre ou de terre] avec les proportions magiques de 2:3:4 - la hauteur de la structure deux, la longueur du mur incliné de soixante degrés trois, et la longueur de la base quatre.

J’ai fait un petit mastaba, qui fait maintenant partie de l’Institut d’art contemporain de Philadelphie, puis j’ai essayé d’en faire un plus grand [au Texas dans les années 70], et plus tard à Abu Dhabi, sur lequel nous travaillons depuis longtemps.

Nous avons également essayé de faire un mastaba flottant dans le lac Michigan en 1967, mais cela n’a jamais été réalisé.

Je me souviens d’avoir marché sur le pont des Serpentine Galleries, où l’on a cette vue sur l’eau. Je l’ai vu et je me suis dit : “On peut faire le mastaba pour le lac Serpentine”.

Nous avons utilisé de lourds barils de soixante kilos chacun, empilés sur vingt mètres par trente mètres par quarante mètres, peints en bleu, rouge et mauve à la base, et en rouge et blanc autour du corps.

Il n’y a pas de jaune dedans ?

Photo cristo Non, c’est aussi ce qui est extraordinaire dans son rapport au paysage.

Le matin, le mur ouest est très sombre.

Vous ne pouvez pas anticiper la flamboyance des couleurs lorsque le soleil se déplace.

Je ne m’attendais pas à ce que les couleurs changent.

Au coucher du soleil, il devient comme une mosaïque byzantine. Cristo Vladimirov Javacheff.

En 1963, Christo a emballé le tout premier monument, une des sculptures du jardin de la Villa Borghese à Rome, en Italie.

L’année suivante, il a emballé l’une des statues dorées de la place du Trocadéro à Paris, en France.

Depuis lors, Christo et Jeanne-Claude ont essayé d’étendre le concept de monument enveloppé à une échelle beaucoup plus grande.

En 1967, à l’occasion du Festival du Marais, les artistes ont proposé d’envelopper la statue équestre du roi Louis XIII à Paris, en France.

Le projet n’a jamais été réalisé.(dessin ci dessus) En 1974, Christo et Jeanne-Claude n’ont pas réussi à obtenir l’autorisation d’emballer deux des monuments de Genève, le Mur des Réformateurs et le monument au Général Dufour.

Christo avait vécu dans cette ville pendant plusieurs mois avant d’arriver à Paris en 1958.

Après s’être installé à Paris, il retournait souvent à Genève pour peindre des portraits à l’huile sur toile afin de gagner sa vie, car ses premières œuvres étaient difficiles à vendre.

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Le plus vieux pont de Rome, le Ponte Sant’Angelo, qui relie le Vatican et la Cité de Rome, a été le premier que Christo et Jeanne-Claude ont proposé d’emballer, en 1967.

A la même époque, ils ont également eu leur première proposition de musée enveloppé, la Galleria Nazionale.

Ils n’ont pas non plus obtenu d’autorisation.

Bien que Christo ait réalisé quelques collages en utilisant le pont du port de Sydney lorsque Jeanne-Claude et lui se trouvaient en Australie en 1969 pour réaliser la Wrapped Coast, ils n’ont jamais officiellement demandé la permission d’emballer le pont.

Trois ans plus tard, les artistes envisagent d’envelopper le pont Alexandre III à Paris, mais abandonnent rapidement l’idée, car le pont à une arche sans tour offre un profil que Christo et Jeanne-Claude considèrent trop maigre, et il n’est pas non plus vraiment utilisé par les piétons.

Finalement, en 1975, Christo et Jeanne-Claude ont décidé d’envelopper le Pont-Neuf, le plus vieux pont de Paris.

Le projet a été réalisé dix ans plus tard.

Tous les projets non réalisés de Christo et Jeanne-Claude ont échoué parce que l’autorisation leur a été refusée, à une seule exception près, le Monument enveloppé de Cristobal Colón, projet pour Barcelone, qui a débuté en 1975. (pas réalisé) christojeanneclaude.net/

Photo larepubblica/robinson

e critique Waldemar Januszczak révèle la face cachée de l’artiste Marcel Duchamp.

L’obsession du vagin, la misogynie, les jeux de mots excentriques et vulgaires, son obsession pour “L’Origine du monde” de Gustave Courbet.

L’urinoir appelé “Fontaine” de Marcel Duchamp, une des œuvres les plus célèbres du légendaire artiste franco-américain, voire pour certains “l’œuvre la plus importante du XXe siècle”, serait tout cela.

En d’autres termes, une représentation candide et alternative du vagin, signée avec l’un de ses jeux de mots classiques ou scandaleux, le tout aussi célèbre “R. Mutt”.

C’est “l’eureka”, comme il le définit dans un article du journal de l’art, tiré du Sunday Times, Waldemar Januszczak, critique d’art renommé au Royaume-Uni, qui a travaillé pendant de nombreuses années pour la BBC et le Times.

En fait, la théorie vaginale de la “Fontaine” n’est pas nouvelle dans le monde de l’art (autrefois on pensait à un utérus), mais Januszczak se dit désormais convaincu : “Duchamp voulait créer un vagin géant en porcelaine”, donnant ainsi une réponse définitive à l’une des nombreuses énigmes laissées par l’artiste (1887-1968) et ses œuvres “toutes faites”.

EN FINIR AVEC MA Le critique d’art anglais de 66 ans aurait eu la première confirmation en lisant l’une des nombreuses notes que le maître conceptuel et surréaliste a diffusées dans ses écrits et qui sont aujourd’hui conservées dans le tome “The Writings of Marcel Duchamp” édité par Elmer Peterson.

“Il n’en a qu’un”, lit-on dans un passage de l’artiste, “un urinoir public pour la femme, qui en vit”.

Selon Januszczak, les écrits de l’artiste ont souvent été sous-estimés, mais c’est précisément dans ces pages que se trouve la clé du mystère qui, au fil des ans, a inspiré, entre autres, Andy Warhol et Tracey Emin.

Duchamp était un terrible misogyne, un peu comme la France de l’époque et son compagnon Salvador Dalí.

Plusieurs œuvres de Duchamp le confirment, comme certaines caricatures satiriques qu’il a esquissées au début, voir “Le féminisme : la femme curée”, dans lesquelles une femme émancipée est vêtue d’une soutane monastique et porte une lavande vaginale sur ses épaules.

Ou encore, une autre fille indépendante, chauffeur de taxi à Paris, dont le dessin montre son deuxième travail de prostituée, avec son numéro de taxi l’évocateur “6969”.

Pas seulement : Duchamp était obsédé par le vagin décrit en détail dans l’”Origine du monde de Coubert”.

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Foto endertrenta.it

Ce n’est pas un hasard si la dernière œuvre de Duchamp avant sa mort était l’”Étant donnés”, une réinterprétation de ce tableau scandaleux aujourd’hui exposé au merveilleux Art Museum de Philadelphie, aux États-Unis, où une petite fissure dans la porte révèle une femme nue sur une prairie, les jambes ouvertes, plus ou moins dans la même position que le tableau de Courbet.

La “Fontaine”, qui fut rejetée par une exposition à New York de la féministe Katherine Dreier (qui devint par la suite une ardante partisane de l’artiste) et qu’Apollinaire appela “Bouddha du bain”, entrera dans cette catégorie très artistique et allusive de Duchamp.

Un autre indice que Januszczak est maintenant certain que la “Fontaine” est un vagin est la fausse signature “R. Mutt” laissée par Duchamp.

Comme d’autres collègues l’ont déjà supposé ces dernières années, selon le critique anglais, cette signature, prononcée en allemand, serait l’équivalent phonétique de “Urmutter”, c’est-àdire “mère primordiale”, ou plutôt “mère nature”.

Confirmant la lecture vaginale d’un “défi intellectuel” avec Courbet, bien que Duchamp ait officiellement identifié “R. Mutt” avec un prétendu type de Philadelphie nommé Robert Mutt, citant ensuite une référence fictive à “Mutt & Jeff”, deux personnages américains de bandes dessinées du début du 20e siècle.

Foto leblogdemmeetmrbrogne

ARCEL DUCHAMP

Ce ne serait pas une nouveauté pour Duchamp, amateur de jeux de mots acérés.

Par exemple, comme le rappelle le Sunday Times, l’un de ses alter ego s’appelait Rrose Selavy, ce qui signifiait en français “Eros, c’est la vie”.

Ou, lorsqu’il a dessiné une moustache sur une carte postale de la Joconde, il l’a appelée LHOOQ. C’est-à-dire, si on le relit en français, “Elle a chaud au cul”.

Antonello Guerrera Waldemar Januszczak est un critique d’art britannique et un producteur et présentateur de documentaires télévisés.

Ancien critique d’art pour le Guardian, il a tenu le même rôle au Sunday Times en 1992 et a remporté deux fois le prix du critique de l’année.

Après avoir étudié l’histoire de l’art à l’université de Manchester, Januszczak est devenu critique d’art - puis rédacteur en chef - du Guardian.

En 1990, il a été nommé directeur artistique de la chaîne de télévision britannique Channel 4 et en 1992, il est devenu critique d’art pour le Sunday Times.

Januszczak a été décrit comme “un amoureux de l’art, un critique d’art et un écrivain”. https://rep.repubblica.it/pwa/robinson/2020/04/20/news/ duchamp-254535508/

Photo visitsweden

MIDSOMMAR

u moment du solstice d’été, les festivités de la Saint-Jean battent leur plein.

On décore les maisons et les voitures.

La fête est particulièrement marquée dans les campagnes.

Dans chaque village, on dresse un mât décoré de verdure et de fleurs.

Au pied du mât, on danse sur des airs de musique locale, et des jeux sont organisés.

Par exemple, les gens peuvent jouer au kubbe, un jeu de quilles en bois typiquement scandinave.

On partage ensuite un repas autour de grands banquets avec tablées à rallonges.

Au menu : des harengs marinés, accompagnés de pommes de terre à l’aneth et d’une sorte de fromage blanc à la ciboulette.

En dessert, on se régale des premières fraises de la saison et de glaces.

Le tout est, naturellement, bien arrosé de bière et d’eau-de-vie (aquavit).

On danse ensuite toute la nuit : c’est le Midsommarstång (la danse du milieu de l’été).

La nuit est très claire, et dans les régions les plus septentrionales du pays, le soleil ne se couche même jamais tout à fait.

Midsommar met enfin en scène une jolie tradition fleurie : les jeunes filles portent des couronnes de fleurs.

La coutume veut que celles qui sont célibataires déposent des fleurs sous leurs oreillers pendant la nuit, pour rêver de leur futur époux…

La fête de Midsommar s’étend sur deux jours.

Midsommarafton: journée durant laquelle se déroulent la levée du mât ainsi que la plupart des festivités.

Cette journée a lieu la veille de Midsommardagen.

Cette année Midsommarafton, sera le vendredi 21 juin 2020.

Le musée en plein air de Stockholm vous offre la possibilité de célébrer Midsommar de manière traditionnelle les 21, 22 et 23 juin 2020.

Dès 10h vendredi petit.es et grand.es pourront créer leur couronnes de fleurs et assister à la levée du mât, prendre part aux différentes danses et chants et autres activités traditionnelles de Midsommar.

Skansen proposera également un marché traditionnel et plusieurs concerts.

En raison de la pandémie de coronavirus, des restrictions d’entrée et de déplacement peuvent s’appliquer.

Il est indispensable de s’informer en temps réel auprès des conseils aux voyageurs du ministère des Affaires étrangères. https://visitsweden.com/

Photo francesco faraci

FRANCESCO FARACI

ans la construction d’un langage esthétique, dans la composition raisonnée et le mélange de mythe, de symbolisme et de métaphore, Gillo Dorfles, suivant un véritable itinéraire, s’est également appuyé sur la pensée de Schlegel, lui confiant l’esthétique d’une lecture rétrospective de la vie.

La réflexion, ainsi comprise dans un cadre interdisciplinaire, surgit spontanément lorsqu’on observe les recherches complexes de Francesco Faraci, anthropologue, sociologue, écrivain et photographe palermitain.

Il n’aime pas se définir comme un “photojournaliste” et probablement même pas avec les autres termes que nous venons de mentionner, tout comme il se désintéresse de l’esthétique en tant que telle dans sa photographie.

Francesco Faraci est un observateur attentif, connu du grand public pour la Jova Beach Party.

Chroniques d’une nouvelle ère, et alors que l’anthropologue descend dans les réalités qu’il choisit de raconter, il arrive à une soi-disant “recherche de terrain”: se dépouillant de tout préjugé, il choisit d’”écouter” ce qu’il “observe” en enquêtant sur la sphère humaine de ce qu’il va immortaliser.

Faraci admet que sa vie s’est formée au fil des rencontres et c’est ce que ses photographies apportent sur scène, un condensé de notre époque, de l’autre de nous qui, de près ou de loin, a une histoire digne d’être racontée, capable d’intriguer non seulement la photographie, mais tout ce qu’elle contient, un univers

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hautain, aliénant, souvent incompréhensible dans lequel il faut entrer pour comprendre.

Quoi ? La quintessence des sentiments, une géographie parsemée d’âmes que l’objectif a captée, sans séparer ses racines de la poésie synchronique et diachronique cachée entre les contrastes chromatiques ou les lignes de fuite - métaphoriques - compositionnelles.

J’ai reçu en cadeau le dernier livre de Francesco Faraci, Atlante Umano Siciliano, dans les tout premiers jours où la quarantaine s’étendait à l’Italie, juste au moment où j’étais plongé dans des études d’anthropologie et de psychologie.

Le lyrisme inattendu de ces rencontres réside probablement dans la poésie même qui génère l’intrigue d’une vision et le moment parfait qui pousse à prendre une photo ou peut-être est-ce simplement la magie dictée par nous, nés en 1983 !

Cependant, après avoir lu d’un trait les textes qui accompagnent le volume, ceux de Grazia Dell’Oro, de Francesco Cito et de Faraci lui-même, et après avoir découvert un Canto poignant écrit par le photographe de Trinacria, l’appeler à approfondir cette œuvre, cette ode, était naturel.

Arrurra Immediato conduit l’interview du photographe Francesco Faracci, pour le magazine PHOTOLUX. (suite page 38)

Photo francescofaraci

(suite de la page 37) Francesco, “Atlante Umano Siciliano” est un conte d’amour en photographie, un amour tourmenté mais viscéral, de ceux sans qui on ne vit pas.

Pourquoi avez-vous choisi de le dire à cette Sicile ? Pourquoi peu connu, pourquoi plus vrai, pourquoi porteur d’une dignité autrement inexprimée ?

Si l’amour n’est pas un tourment, il ne peut pas être un amour.

Il y a toujours cette agitation subtile qui l’accompagne, ces questions qui n’auront jamais de réponse, malgré le fait que vous continuiez à les chercher.

Mais sans amour, l’amour universel qui embrasse les choses du monde, on ne peut pas vivre.

La Sicile est ma terre, celle dans laquelle je suis né et j’ai grandi, celle dans laquelle, après mûre réflexion, j’ai choisi de rester, comme pour une forme de résistance.

Le mien bien sûr, mais aussi celui de beaucoup d’autres.

De cet avant-poste, je regarde le monde, c’est toujours d’ici que naissent les idées et les pensées qui me guident dans mon action.

Au cours de ces voyages sans but, j’ai été accompagné par un groupe de gitans, qui d’une certaine manière a ouvert une lueur sur le fantastique, sur l’imaginaire qui se crée une fois franchi le seuil de la reproduction néoréaliste.

Comme si la sphère du rêve s’était glissée dans la représentation de cette terre qui m’appartient.

Ce n’est pas moi qui ai choisi les lieux, mais c’est eux qui m’ont choisi.

Il s’agissait d’atterrir dans des territoires peu connus car poussé par mon désir de me déplacer sans rênes, m’efforçant de me libérer des superstructures et des jugements de toute sorte, m’ouvrant à l’inattendu, à la surprise d’un carrefour de regards, à la dignité des pêcheurs et des agriculteurs, à la sagesse mais aussi à la dureté des personnes âgées, à la grâce des enfants et des jeunes, à l’authenticité du visage d’un passant. La Sicile comme une île introuvable.

C’est ainsi que l’Atlas est né, entre un rêve et un autre.

L’”Atlas humain sicilien”, comme nous l’avons lu dans les mots de votre incipit éditorial, fait référence, dans sa construction anthropologique et photographique, à un “lieu frontière” ; qu’avez-vous “vu” sur ce lieu et au-delà ?

La Sicile est une région frontalière.

La porte d’entrée d’un monde aussi lointain et aussi proche que l’Afrique.

Pour certains, c’est la porte d’entrée, pour beaucoup, la quasi-certitude d’être en sécurité.

Un Klondike convoité par les chercheurs d’or.

Lorsque les migrants la voient à l’horizon, ils savent que ce n’est pas Morgane, mais le port où ils peuvent commencer une nouvelle vie après avoir fui les guerres et la misère.

Photo francescofaraci

Ici, j’ai vu un endroit qui, d’une certaine manière, est encore dans le temps, qui croit aux saints et au cycle des semailles et des récoltes, à l’alternance des saisons.

J’ai vu la volonté de résister, parfois la résignation à exister. J’ai connu la mort et la vie, je les ai photographiées et j’ai gardé leur leçon.

Pendant un instant, j’ai bien compris ce que signifie avoir des racines. J’ai redécouvert des souvenirs dont je pensais ne pas me souvenir.

La Sicile est la ligne de l’horizon au-delà de laquelle se cachent les limites dont nous essayons toujours de relever le pôle pour nous emmener un peu plus loin, pour nous pousser vers l’évolution.

L’ailleurs est toujours une surprise, une porte ouverte sur l’avenir et d’ici je peux le voir.

Le noir et blanc que vous avez choisi pour cette narration visuelle, anime les contrastes qui sont devenus les sujets de vos prises de vue. En laissant de côté, un instant, les valeurs esthétiques, dites-nous : qu’est-ce qui vous a guidé dans le choix de vos protagonistes ?

Merci de laisser de côté les valeurs esthétiques qui laissent de côté le temps qu’elles trouvent.

Tout comme pour les lieux que j’ai visités, les rencontres ont été dictées par une “reconnaissance” de moi dans l’autre.

Dans chaque photographie, il y a une partie de moi et cela se produit parce que même avant le déclic physique, un instant avant, le déclic qui fait bouger les cordes lointaines se produit à l’intérieur, dans une zone PALAZZI 39 VENEZIA

non identifiée de l’âme qui donne naissance à un archétype, une image déjà vue dans un temps que je ne sais pas définir mais que je suis sûr d’avoir vécu.

Et voilà les contrastes, qui sont les miens, mais aussi ceux de la vie de chacun.

Les sujets de votre recueil, de votre Atlas, renferment un monde souvent éloigné de l’histoire de la “Sicile”. Avez-vous réussi à leur montrer le résultat de ce voyage que vous avez entrepris en tant qu’invité de leur vie ? Quelle est leur réaction?

Malheureusement, il n’a pas été possible de montrer à tous le résultat final.

Je n’ai toujours pas pu retourner à certains endroits, les plus éloignés surtout.

Mais je l’ai montré à qui je pouvais, à mes amis gitans par exemple, et les réactions ont toujours été différentes, mais toutes positives.

J’espère pouvoir le montrer à l’avenir à tous ceux qui m’ont donné la possibilité de faire une photo et je suis sûr que le moment viendra. À l’intérieur de l’Atlas, vous trouverez, sur du papier rouge, votre “Chant de la Terre”, une ode touchante que vous consacrez à la Sicile.

Verso dopo verso, sans jamais être didactique, vous démêlez l’histoire et les récits d’une terre mythique. (suite à la page 40)

Photo francesco faraci

(suite de la page 39) Est-il né en même temps que le projet photographique ou provient-il d’une de vos archives d’écrits ?

Canto della Terra est né dans la rue, entre un mouvement et un autre.

J’ai toujours un journal avec moi et là, parmi mes pensées, j’écrivais quelques vers, ce que je n’avais pas fait depuis longtemps, qui ont ensuite formé cette dédicace.

Ces mots suivent mon mouvement, ils s’adaptent au courant d’émotions, d’odeurs et de sensations que j’ai ressenties au cours des trois dernières années.

Ils ont été écrits sur le siège d’une voiture, dans un bus, sur le ferry qui traverse le détroit, à l’intérieur d’une mosquée, sur la plage.

Votre éclectisme de vision a certainement ses racines dans votre passé socio-anthropologique, et étonne le public par des envolées photographiques pindariques.

Des projets pour l’avenir?

En ces jours absurdes, j’ai été impliqué dans un projet dont je ne peux encore rien révéler, qui m’a ramené, avec les autorisations nécessaires et en prenant toutes les précautions possibles, dans les rues de ma ville.

J’ai immédiatement eu le sentiment que si je n’avais pas fait quelque chose pour les documenter, parce que c’est ce que font les photo-

graphes, quoi qu’il arrive, ce que j’ai fait avant et ce que je ferai après n’aurait eu aucun sens.

Je viens de terminer un roman - qui va sortir, on ne sait pas quand, vu l’urgence qui a justement tout bloqué - et maintenant je rassemble des idées, j’écris un journal de ce que je vois et entends ces jours-ci.

J’ai plusieurs projets en tête pour l’avenir, mais le présent se profile avec toute son arrogance et c’est à moi de l’affronter et de le gérer.

Il y a quelques jours, Francesco Faraci, dans un des Instagram directs auxquels il a participé, a dit que “nous faisons partie de l’Histoire” sans presque s’en rendre compte - mais bientôt, vous découvrirez qu’on lui a confié une tâche véritablement historique - et cela restera sans aucun doute un moment indélébile dans nos esprits. Nous n’étions certainement pas prêts pour tout ce qui s’est passé.

C’est pourquoi, alors que j’écris ce Focus on, des images de l’AtlasHumanus sicilien et de cette lutte continue et silencieuse, parfois, dont elles sont imprégnées, me reviennent à l’esprit. I ls sont la perspective d’un avant et d’un après ; des vies, des visages et des histoires qui sont la frontière de notre vie et pas seulement parce qu’ils racontent l’histoire des entrailles magmatiques de la Sicile, un lieu et une frontière mythiques, mais parce que ce sont des histoires d’une autre limite, non seulement physique, non seulement géographique, mais d’une force unique, inexprimable autrement, mais nue devant elle-même.

Photo francescofaraci

Francesco Faraci, dans les derniers versets de son Canto, écrit “Peut-être serons-nous plus fatigués, nos cheveux blanchissent, notre visage s’assèche, mais la question insolite de la vie attend de s’enivrer avec nous, d’émerveillement.

Nous parlerons des opportunités perdues.

Nous prononcerons des paroles non dites, des trains qui nous passeront devant. Dès demain, nous saurons que rien n’est perdu, mais que nous continuerons à aimer la route et son se perdre et nous allons découvrir que ce que nous avons appelé la douleur ce jour-là était en fait un temps suspendu.

Nous allons passer l’enfer, les chiens en colère et bavant, la peur des mots Et dans cette terre d’exil, au carrefour des peuples sur la courbe méditerranéenne, l’amour reviendra, ce soir, en Sicile.”

On ne peut nier combien, à la lecture de son Chant de la Terre aujourd’hui, il prend une valeur universelle ; En feuilletant l’Atlas humain sicilien, on se rapproche de la géographie intime de chacun d’entre nous, démontrant, le cas échéant, à quel point l’œil d’un photographe est l’œil principal d’un photographe, d’un artiste, peut saisir, avec une investiture prophétique, le sens de la vie.

Photographies : © Francesco Faraci Atlas Humain Sicilien Ed. Emusebooks, 2020 PALAZZI 41 VENEZIA

rancesco Faraci est né à Palerme, en Sicile, en 1983.

Après des études de sociologie et d’anthropologie, il découvre la photographie comme son principal moyen d’expression.

Il a publié avec “The Guardian”, “Time Magazine”, “The Globe and Mail”, “La Repubblica”, “L’Espresso”, “Le Monde”, “Libération”, VICE, divers reportages sur les thèmes de la mafia et des flux migratoires.

Il cesse de travailler pour les journaux et se consacre à sa recherche personnelle, qui voit comme pierre angulaire la recherche d’empathie avec les sujets et les histoires racontées, qui mettent en évidence les contrastes, les contradictions et la poésie de la Méditerranée, s’interrogeant souvent sur des questions telles que la mémoire et l’identité, mises en relation avec la modernité liquide et ce qui s’ensuit.

Après trois ans de travail, il a publié en 2016 son premier livre “Malacarne-Kids come first”, édité par Benedetta Donato et publié par Crowdbooks, un voyage de trois ans dans les banlieues extrêmes de la ville vu à travers les enfants.

Il a reçu le deuxième prix dans la section des livres photographiques au PX3 à Paris et au MIFA à Moscou. Le livre est exposé à Arles lors des “Rencontres” et à Barcelone dans le cadre de l’exposition “Phénomène du livre photo” à la CECC. Certaines de ses expositions ont été et sont montées dans toute l’Italie. Il est actuellement engagé dans son prochain projet à long terme. www.italianstreetphotography.com/

Photo Laure Fourcade/Seka

é à Pointe-A-Pitre en 1970, Shuck One découvre le graffiti au début des années 80 à travers des revendications murales indépendantistes aux Antilles.

Ce flash eut un effet moteur qui ne l’a jamais quitté et qu’il a emmené avec lui tel un précieux bagage à Paris, où il s’installe en 1984.

Il plonge immédiatement dans le mouvement hiphop et dès 1985, se tourne vers sa discipline la plus revendicative en tant que writer : le graffiti.

Ses tags et throw-ups réalisés dans les artères souterraines du Métro font figure de référence, puissants, agressifs, engagés, qu’il s’agisse de gestes personnels ou collectifs, réalisés avec son groupe DCM-1985. Son nom est omniprésent sur les lignes stratégiques 2, 9 et 13, ce qui lui vaut le titre de “King of subway”.

Fort de son expérience d’activiste issue de différents combats idéologiques auxquels il a contribué dans une quête d’identité accrue, porté par la ville, sa diversité humaine et sa puissance créative, il devient rapidement une figure majeure du mouvement hip-hop.

Cette culture est en lui.

Au passé comme au présent.

Shuck One poursuit sa transhumance avec acharnement sur divers supports, dans différents lieux de France et d’Europe, du fe-

stival de graffiti au terrain vague.

Son leitmotiv : faire évoluer son travail mural.

Les caractères, les signes, les traces, marqués et superposés en stratification, créant des volumes de matière, évoquent un volcan en ébullition d’ou jaillit un magma de couleurs.

Ces couleurs mélangées, opposées, associées, dont le foisonnement recouvre les murs de la capitale et les terrains vagues de sa périphérie, font de lui un coloriste à part entière au sein de la première génération de graffeurs français.

Pendant cette période de créativité intense, il formera Basalt, un collectif d’artistes parisiens reconnus ; un groupe dont la vocation fut avant tout de répandre la culture hiphop et son art par-delà

SHUCK ONE

shuckone.dcm@gmail.com shuckone.com

voir aussi vimeo.com/129193204

les frontières de l’underground.

Shuck One expérimente sans tabou, remet en question les origines historiques de son art.

En 1995, Basalt se dissout et Shuck One passe progressivement du mur à la toile, pour développer une écriture profondément singulière, où les formes consciemment expressives font écho aux maux de notre monde, tout en cultivant des références à la dimension culturelle et politique du graffiti.

Shuck One va s’intéresser de très près à la philosophie, dont il se nourrit avidement, et qu’il mixe avec ses références culturelles et ses expériences précédentes.

Il va progressivement démontrer l’impact émancipateur que peut jouer le graffiti sur la notion d’individualisme.

Photo Laure Fourcade/Seka

Le graffiti est l’expérience artistique qu’il a cherché à développer dans une réflexion autour du mode de vie parisien : comment la culture du graffiti est-elle née en France au début des années 80 et plus particulièrement à Paris ?

Quel usage en faisait-on, en fait-on ?

Shuck One réalise peu à peu des œuvres plus complexes, composées de corps suspendus et d’objets non clairement identifiés, mais qui conservent toujours cette spontanéité, cette sensibilité et cette controverse propres à la rue.

Sa force de caractère s’exprime à travers des jaillissements de couleurs afin d’en approfondir les sensations, la sensibilité et l’émotion.

De son travail, on retient la spontanéité, l’esprit vindicatif et les vibrations rythmiques, comme en écho à la musique afro-américaine contemporaine.

Ses peintures et installations restent résolument en prise avec des réalités humaines et sociales, s’inspirant de thèmes et d’événements marquants de la société actuelle.

Elles portent l’identité afro-caribéenne mais aussi celle d’une France multiculturelle.

L’œuvre fascine par cette double volonté de représenter l’extérieur, la rue, le monde, et l’intérieur, les méandres du cerveau et du corps.

On doit à Shuck One l’invention du « Graffic Artism », un travail sur toile percutant portant en lui une résonance graphique : l’âme du graffiti, rencontre de la spontanéité, de l’esprit vindicatif, des vibrations urPALAZZI 43 VENEZIA

baines et du rythme de la musique contemporaine.

Longévité et détermination caractérisent cet artiste sans cesse en évolution : « Mon parcours et mes convictions se répondent. Je me dirige de plus en plus vers une création engagée, car l’artiste doit prendre ses responsabilités.

Ma philosophie est de transmettre cette conscience qu’est l’éveil, l’émancipation sociale et urbaine. Je veux redonner à la rue ce qu’elle m’a permis de découvrir, d’observer et de vivre. » Depuis 1994, ses œuvres entrent dans les collections publiques et privées : elles sont notamment conservées au Fonds National d’Art Contemporain, à la Ville de Strasbourg, au Ministère de l’Outremer, à la Fondation Thétis et ont rejoint récemment la collection permanente du MEMORIAL ACTe. Enrick Weissman Covid19 : en confinement, l’artiste guadeloupéen Shuck One poursuit son travail.

Une période propice à la création mais aussi à la réflexion.

Dans son atelier de Choisy le Roi, il travaille sur différentes œuvres.

Reportage : Nathalie Sarfati / D . Rousseau-Kaplan / B . Blondeel / A.Servat

https://youtu.be/7gQKJ5kUBgk

Photo galerie maubert

culpteur de renommée internationale, fils du mythique acteur Peter Ustinov, Igor Ustinov (63 ans) est un esprit fertile, insatiable, qui fourmille d’idées novatrices.

En janvier 2020, il a présenté au Forum de Davos son dernier projet: des maisons 100% écologiques construites entièrement en PET, du plastique recyclé.

Projet couronné par un Prix international des inventions à Genève qu’il a mis au point avec son ami, l’ingénieur André Hoffmann, une trouvaille qui pourrait se révéler essentielle à l’avenir.

«Les blocs de PET s’imbriquent les uns dans les autres comme des Legos.

On peut construire ainsi des maisons de deux étages sans aucun impact sur la nature.

Pas besoin de raser les forêts ou de prélever du sable dans la mer.

Ce sera une vraie alternative au moment où la

IGOR USTINOV

population mondiale ne cesse de croître» nous raconte-t-il, dans ce palace lausannois, avec cette passion mêlée d’humour british qui le caractérise.

Eternel avocat des enfants, ambassadeur de l’Unicef pendant quelque trente ans, Peter Ustinov, son père, fut un grand humaniste à l’origine de plusieurs fondations.

Depuis sa mort en 2004, c’est Igor qui en assure l’héritage et les gère.

«Nous n’avons pas de capital, tout dépend des donateurs. Ce qui exige un effort permanent, car ceux qui apportaient leur soutien par admiration pour mon père se font plus rares.

Il faut davantage communiquer pour se faire connaître des nouvelles générations.»

Ces fondations et les nouveaux concepts inventés par Igor Ustinov sont regroupés sous le portail «Ustinov Network» comme une marque et sont tous inspirés par le même leitmotiv: le respect, respect des autres et de la nature.

«Tout est dans l’éducation» résume Igor.

Tête de pont de l’ensemble, la Fondation Peter Ustinov vient en aide aux enfants les plus vulnérables à travers la planète.

«Nous avons financé des écoles en Ethiopie, en Tanzanie, au Népal, mais aussi un orphelinat pour enfants atteints du sida à Saint-Petersbourg, une école de musique à São Paulo.»

A Vienne, l’Institut Ustinov a pour vocation de combattre les préjugés, ce vieil ennemi de l’humanité à travers des conférences, notamment.

«Les préjugés ont toujours été des excuses pour les trucs les plus horribles survenus dans l’histoire.»

Dans le même esprit, Igor a créé un site baptisé «Ustinov Prejudice Awareness», un lieu de débats autour de ces fameux préjugés.

Photo parismatch

Autre héritage perpétué par Igor, les bourses délivrées à l’Université de Durham en Angleterre, dont son père était chancelier.

Et les nouveaux projets ne manquent pas.

Dernière et belle idée en date signée Igor: créer des jardins d’enfants dans les camps de réfugiés.

«Savez-vous qu’en moyenne les réfugiés y restent cantonnés pas moins de vingt ans.»

Anobli par la reine, deux fois oscarisé notamment pour son rôle dans «Spartacus» de Stanley Kubrick, Peter Ustinov, artiste multiforme, a marqué l’histoire du cinéma.

Moins connue du grand public, Suzanne Cloutier, la mère d’Igor, fut aussi une comédienne célèbre qui a tourné avec Orson Welles, joué aux côtés de Gérard Philippe.

Igor et ses trois sœurs ont connu une vie itinérante.

A l’âge de 9 ans, Igor avait déjà fréquenté pas moins de 22 écoles différentes à travers le monde.

La majeure partie de son enfance et de son adolescence, il l’a passée dans deux célèbres pensionnats de Suisse romande: Le Rosey et le Collège du Léman, où il était connu pour ses fugues à répétition.

«Lors de ma première fugue, c’est mon ami Jean-Jacques Gauer (l’ex-patron du Palace de Lausanne) qui était venu me rechercher en me disant “quand c’est qu’on s’en va de nouveau”. Fuguer, c’était une manière de voir le monde.»

Igor n’a jamais eu de vraie vie de famille mais cela ne l’a pas affecté outre mesure.

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«Enfant, on prend ce qu’on nous donne et je n’ai pas été malheureux.»

Cela ne l’empêche pas de porter une admiration sans bornes à ses parents: «Deux personnes extraordinaires, de vrais artistes.»

Etre le fils de Peter Ustinov n’a pourtant jamais été facile dans sa carrière de sculpteur.

«Dans ma vie, j’ai fait toute autre chose que me contenter d’être le fils de.

Or, aujourd’hui encore, on parle rarement de mon œuvre sans évoquer cette filiation.»

Igor aurait pu devenir biologiste, dont il a suivi les études à Paris ou chanteur classique, fort de sa voix de baryton.

«Un jour, alors je remettais les Prix Benois de la danse au Bolchoï à Moscou, le présentateur télé m’a demandé de chanter.

J’ai alors pensé à tous ceux qui travaillent des années pour espérer monter un jour sur cette scène et je ne me suis pas dégonflé.

J’ai entonné le Sultan de Rimsky-Korsakov.»

Au final, c’est donc la sculpture qu’il a choisie: sa passion, son métier depuis quelque quarante ans.

«J’aime ce qui est vrai, fabriquer, donner corps à ce que je pense.»

Ses bronzes, miniatures ou géants, sont exposés dans des musées et sur des places publiques à travers toute l’Europe. (suite à la page 46)

Photo ustinovcostructionsystem

(suit de la page 45) Dernier en date, un ange de six mètres de haut érigé au centre d’un nouveau complexe immobilier à Neyruz, dans le canton de Fribourg.

«On le voit furtivement en passant avec le train pour Berne.»

Et quand on lui demande quelle est sa sculpture préférée, la réponse fuse.

«La prochaine. Quand une sculpture est finie, c‘est comme un enfant qui quitte la maison.»

Contrairement à ce qu’on pourrait imaginer, il ne crée ni à Lausanne où il vit, ni à Paris où il séjourne souvent mais dans un petit village de la Glâne fribourgeoise, à Rue. «Quand mon père en 2003 était en fin de vie à Bursins, je suis revenu de Paris et j’ai cherché un atelier.

Une possibilité s’offrait à Apples mais cela ne s’est pas fait.

Et j’ai trouvé cette occasion à Rue.» Aujourd’hui, il est tombé amoureux de cette région et de ses habitants.

«C’est superbe, calme, on ne voit pas le lac mais on voit les montagnes et les vaches.

Les gens sont gentils et bienveillants.

Il y a comme une vibration. Si mon passeport est anglais, je me sens Suisse.»

Il faut le pousser un peu pour qu’il accepte d’évoquer sa vie privée.

Sa première épouse, était plus âgée que lui.

«Quand on s’est connu, j’avais 19 ans, elle 34; j’étais son professeur d’anglais.»

Clara, leur fille (38 ans) est galeriste à Paris et elle lui a donné un petit-fils Adrian, 3 ans, qui «m’a rebranché avec la vie, lui a donné un nouveau sens» raconte Igor avec sa sensibilité d’artiste.

Pour trouver des fonds, il n’hésite pas à mettre luimême la main à la pâte.

Outre le chasselas Ustinov qu’il produit, il a publié récemment à 500 exemplaires un livre de contes, qu’il avait écrit à 27 ans, intitulé avec humour «Delirium très mince» et illustré par les dessins d’un ami.

L’âge n’a toujours pas de prise sur son enthousiasme.

«Avec mes maisons en PET, je viens de fonder une nouvelle start-up à 63 ans, ce que généralement on fait à 30 ans.

Je suis en bonne santé, j’ai de la chance.»

L’UHCS a été présente à ChangeNow 2020, le plus grand rassemblement mondial d’impact social, qui s’est tenu au Grand Palais à Paris du 30 janvier au 1er février 2020.

Partout dans le monde, les pays et les régions se rendent compte de l’urgence de construire rapidement des logements plus durables.

Lors de ChangeNow 2020, l’UHCS a présenté sa solution et échanger avec une délégation internationale de 50 villes et régions pour mettre en œuvre de nouveaux partenariats et construire ensemble des logements durables. Consultez le site https://www.changenow-summit.com/.

Photo ustinovcostructionsystem

gor Ustinov, artiste sculpteur, esprit original faisant feu de tout bois, cofondateur de l’Institut Ustinov à Vienne et de la fondation Sir Peter Ustinov à Francfort, et initiateur d’une association contre les préjugés est l’inventeur de ce nouveau concept architectural.

André Hoffmann son associé, spécialiste dans l’industrie pharmaceutique et le développement durable dans le monde économique et l’éducation.

1 milliard ? 11 millions ? 91 % ? 53kg ?

Ces chiffres ne sont pas très parlants... mais, il y a 1 milliard de SDF dans le monde, dont 11 millions en Europe. 91% des déchets plastiques ne sont pas recyclés, chaque Terrien produit 53 kg de déchets plastiques par an …

Ustinov Hoffmann Construction System embouteille un nouveau projet, un nouveau concept où il faudra mettre un peu d’eau dans son vin … ou dans sa bouteille.

Si le rapprochement de ces deux informations ne vient pas naturellement, UHCS l’a fait en créant un système de construction modulaire.

Des logements bon marché, écologiques, durables et destinés à être implantés partout dans le monde.

Avec du PET. Oui, du PET …

Si on regarde bien, le bois est intéressant mais pas recyclable. Le béton exige des quantités de sable que la terre ne pourra pas fournir à moyen terme.

Le choix de privilégier le PET vient pour ses qualités appropriées, sa non-toxicité, et surtout sa disponibili-

Rue de l’Industrie 17 1950 Sion ustinovhoffmannconstructionsystem.com https://www.facebook.com/ UHCSConstructions/videos/ 628680711007581/

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té partout dans le monde. À première vue, ces logements sont avant tout destinés aux populations qui n’ont pas les moyens de se loger décemment.

Mais l’application du système va beaucoup plus loin.

Il est possible de réaliser des villas de luxe, sur plusieurs étages.

Mais ce n’est pas tout, les maisons sont autonomes en énergie, grâce à la pose de panneaux photovoltaïques, chaque maison est en mesure de revendre sa production excédentaire.

Une première maison a vu le jour en Haute-Savoie, à Annecy, un décor paradisiaque pour un tout nouveau concept.

Map et UHCS dans le même bateau.

L’histoire de Map et d’UHCS c’est deux esprits innovants, frais, originaux et modernes qui se rencontrent.

Cette rencontre provoque des étincelles créatives, qui débouchent sur un site Internet et un stand aux contours uniques, simples et efficaces.

Chez map, nous tenons tout particulièrement à connaître nos clients, nous mettre à leur place et comprendre leur univers, transformer leurs interrogations en conviction, traduire leurs univers dans des messages compréhensible et clairs, tout en gardant notre originalité, notre décalage et notre objectivité.

Voir le site ustinovconstructionsystem

BENEDICTE GELE’

benedicte.gele@gmail.com www.benedictegele.com www.singulart.com/it/ artista/bénédicte-gelé

Photo benedictegelé

rès tôt dans la vie de Bénédicte Gelé, le cheval est omniprésent sans pour autant être une évidence.

Sans hérédité équestre, elle naît en 1975 et vit en banlieue parisienne, l’animal reste plat sur les magazines ou loin au fond d’un pré.

Pourtant, une fascination, une attirance inexplicable poussent Bénédicte Gelé à multiplier et forcer les rencontres avec l’animal.

Après un Bac Arts appliqués et un BTS Communication visuelle, elle devient graphiste puis directrice artistique, tombe amoureuse d’une petite jument vive et maline et dessine logiquement des chevaux.

Inspirée par son amour des chevaux, Gelé peint des portraits semi-abstraits sur des supports variés et avec différentes techniques comme l’acrylique, la craie, la pastel ou encore l’aquarelle..

Les œuvres d’art qui en résultent sont pleines d’émotion et se caractérisent par des palettes de couleurs complémentaires mélangées entre elles. « Le cheval absorbe et nous renvoie à nos propres émotions. Ces face à face avec l’animal rentre dans l’ordre de l’intime.

Il nous dévisage mais jamais ne nous juge. Ces grand yeux expressifs scrutent et identifient nos failles, nos forces, nos ressentis. Il est le miroir de vos émotions à cet instant précis où vos yeux rentrent en contact. Il est vous autant que vous êtes lui» En 2004, son parcours équestre et professionnel semble se fondre, s’imbriquer l’un dans l’autre, indissociable, dont la clef de voûte est le cheval.

Benedicte Gelé est attirée autant par l’animal que par le trait.

Chez l’un, ce corps vivant, mouvant, derrière ses formes rondes la renvoie au travail du nu de ses années scolaires. Un corps dans sa plus simple expression, brut, comme le trait du crayon, base de l’artiste, gris ou noir, pure et fort. « Je ne peins pas pour le mythe de l’animal ou ces légendes, sa force ou sa puissance, que je respecte et ne renie pas. Non, je crois que je peins du charnel, du sensuel, une vague d’émotion primaire que le corps renvoi. Ça aurait pu être un homme ou une femme mais le cheval a ce côté plus animal, plus brut dans ces attitudes que l’humain qui a tendance à trop intellectualiser, une présence forte par sa masse naturelle, captivante. » Auteurs divers

Photo Jorge Lavorerio

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Photo galerie maubert

her(e)s Ami(e)s de la galerie, Nous espérons que vous et vos proches allez bien.

En attendant les nouvelles dates du salon du dessin Drawing Now, nous souhaitions partager avec vous les oeuvres récentes de Nicolas Daubanes.

La photo ici vous présente “À la faveur de la nuit”, incrustation d’acier incandescent sur verre.

Vue de l’exposition 300 ou 400 briques, Château de Jau, Cases de Pene, 2018 A partir de images photographiques faites lors de visites, dans des forêts témoins d’événements marquants de notre histoire, Nicolas Daubanes réalise un ensemble de dessins représentant ces paysages mémoriels.

De la limaille de fer incandescente s’incruste sur la surface du verre lorsque les flammèches viennent le heurter.

La poudre de fer évoque toujours chez Nicolas l’i-

GALERIE MAUBERT

NICOLAS DAUBANES

20, rue Saint Gilles 75003 Paris galeriemaubert.com voir aussi vimeo.com/207718053

dée d’évasion (les barreaux de prison limés).

Le choix du verre permet un accrochage en superposition, une narration possible entre ces divers paysages.

Sa fragilité évoque une tension interne, une évènement potentiel.

Dans cette série, Nicolas Daubanes dessine des navires historiques, transformés en bateau-prisons, oxymore graphique évoquant à la fois la liberté et l’enfermement.

Nous vous informerons également le plus vite possible des nouvelles dates de ses expositions personnelles L’huile et l’eau au Palais de Tokyo et Nomen Nescio au Château Oiron.

N’hésitez pas à nous contacter pour plus d’informations sur l’artiste et ses oeuvres disponibles.

Merci pour votre soutien à la galerie et aux artistes.

Prenez soin de vous.

Florent & Charles 20 Rue Saint-Gilles, 75003 Paris, France Tél.+33 1 44 78 01 79 galeriemaubert@galeriemaubert.com https://www.galeriemaubert.com Nicolas Daubanes Né en 1983. Vit et travaille à Marseille.

Tél.+33 (0)6 64 79 84 28 nicolas.daubanes@hotmail.fr https://www.nicoladaubanes.net Insta : nicolasdaubanes_jdp fb : Nicolas Daubanes Solo-show ORCA, les Glacières, curator Elise Girardot, 03.04.2020 – 05.06.2020 Prochainement Drawing Now Duo show: Nicolas Daubanes, Joachim Bandau Dates TBD

Photo arttribune

GERMANO CELANT

ermano Celant, né à Gênes en 1940, meurt à l’âge de 80 ans.

Il avait été admis aux soins intensifs de l’hôpital San Raffaele de Milan pendant environ deux mois et n’a pas réussi à lutter contre les complications dues au coronavirus.

Il avait montré les premiers symptômes de son retour en Europe depuis les États-Unis, où il s’était rendu pour l’Armory Show. Pour aggraver la situation, les complications consécutives étaient également dues au diabète.

Il laisse sa femme Paris Murray et leur fils Silver Celant.

Une page essentielle de l’histoire de l’art italien disparaît avec lui.

Le critique d’art génois est connu comme le fondateur de l’Arte Povera, un mouvement artistique basé sur la réappropriation du rapport Homme-Nature, sur l’immanence, sur l’importance du geste artistique, en opposition à un art brillant et consumériste qui s’installe à la fin des années 60, lorsqu’il s’établit.

Les artistes qui y ont participé sont encore aujourd’hui les Italiens parmi les plus connus et les plus présents sur le marché international.

Il est l’auteur de plus de cinquante publications, dont des catalogues, des études approfondies sur le travail d’artistes individuels ou des écrits théoriques tels que l’Art Conceptuel, l’Arte Povera, le Land Art de 1970. voir la vidéeo L’engagement de Germano Celant à présenter l’art https://www.facebook.com/Vanoitalien au monde s’est manifesté par sa nomination niCarlo/videos/237081174211898/ PALAZZI 51 VENEZIA

en tant que conservateur au Guggenheim de New York et par de nombreuses expositions dans des musées étrangers.

Il a été directeur de la première Biennale d’art et de mode de Florence et de la Biennale de Venise en 1997.

Parmi les critiques italiens les plus connus, sa carrière depuis 2015 avait atteint son apogée sous la direction artistique de la Fondazione Prada.

Diplômé en littérature (contre la volonté de son père, qui voulait qu’il soit ingénieur), il lance à la fin des années 60 le mouvement Arte Povera, dont il donne la définition et rassemble un groupe d’artistes italiens du calibre d’Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Pino Pascali et Emilio Prini, exposé pour la première fois à la Galleria La Bertesca de Gênes.

Là un art complexe, ici un art pauvre, engagé avec la contingence, avec l’événement, avec l’astorique, avec le présent, avec la conception anthropologique, avec l’homme “réel” (Marx), l’espoir, devenu sécurité, pour jeter au filet tout discours visuellement unique et cohérent (la cohérence est un dogme qu’il faut briser ! ), l’univocité appartient à l’individu et non à “son” image et à ses produits”, a écrit Germano Celant dans “Appunti per una guerriglia”, (suit page 52)

Photo Ugo dalla Porta

(suit de la page 51) un texte théorique fondamental écrit en 1967.

“Une nouvelle attitude pour reposer une “vraie” domination de notre être, qui conduit l’artiste à des mouvements continus depuis sa place de député, depuis le cliché que la société a imprimé sur son poignet.

L’artiste, de l’exploité à la guérilla, veut choisir le lieu du combat, posséder les avantages de la mobilité, de la surprise et de la frappe, et non l’inverse”.

Le mouvement qu’il a fondé est basé sur une réappropriation de la relation entre l’homme et la nature, non pas dans un sens ascétique, mais en opposition à la culture de consommation dominante.

La marchandisation de l’artiste et de son travail était une menace contre laquelle Arte povera s’est jeté, en utilisant des matériaux pauvres, c’est-à-dire organiques, périssables, sans valeur intrinsèque. À la galerie Bertesca de Gênes, il a également présenté une autre exposition : Im-Spazio, avec des œuvres d’Umberto Bignardi, Mario Ceroli, Paolo Icaro, Renato Mambor, Eliseo Mattiacci et Cesare Tacchi.

“Je n’invente rien”, a-til déclaré, interviewé par Antonio Gnoli pour Repubblica, “l’Arte Povera” est une expression si large qu’elle ne signifie rien.

Elle ne définit pas un lan-

gage pictural, mais une attitude. La possibilité d’utiliser tout ce que vous avez dans la nature et dans le monde animal.

Il n’y a pas de définition iconographique de l’Arte Povera”.

L’Arte Povera est toujours l’un des mouvements artistiques italiens les plus connus sur la scène internationale depuis la Seconde Guerre mondiale.

Après la création de l’exposition Off media à Bari en 1977, il a été appelé à collaborer avec le Salomon R. Guggenheim Museum de New York, où il était conservateur principal de l’art du XXe siècle.

Au cours des années 1980, il a organisé des expositions dans les plus grands musées : au Centre Pompidou à Paris (1981), à la Royal Academy of Arts de Londres (1989) et au Palazzo Grassi à Venise (1986 et 1989).

Dans cette phase, son activité visait à créer un pont entre l’art italien et l’environnement américain et international : c’est pour cette raison qu’en 1994, il a été le commissaire de l’exposition Italian Metamorphosis 1943-1968 au Guggenheim de New York.

En 1996, il a organisé la première Biennale d’art et de mode de Florence, développant sa conception de l’art comme un entrelacement linguistique lié à l’environnement, de l’art en évolution continue, étroitement lié à la culture contemporaine comme expression dynamique de la créativité mondiale.

Celant a également été directeur artistique, en 1997, de la 47e Biennale d’art de Venise.

Photo new york times

L’exposition dont il est le commissaire, Futuro, Presente, Passato, se développe à la Corderie, avec la participation de 67 artistes internationaux, parmi les plus en vue.

“Le choix des artistes dépend du compteur que vous décidez d’utiliser. Dans l’exposition internationale, j’ai essayé de représenter toutes les stratifications de l’art contemporain, en partant du pop art et du minimal art” “En bref, à partir du milieu des années soixante.

Tout d’abord la coupe historique, donc, mais il fallait que je la mette en relation avec le présent : en travaillant avec la contemporanéité, j’avais besoin de rencontrer des artistes vivants. Avec ces deux paramètres, j’ai commencé une lecture par couches, en arrivant au conceptuel, au pauvre art...

En le regardant, il y a un échantillonnage très fort des différents mouvements : Le Lichtenstein pour la pop, Jim Dine pour une certaine radicalité figurative, Oldenburg pour sa contribution à la sensualité de l’objet, ont été fondamentaux.

Et puis Agnes Martin, Brice Marden sur le sens de la peinture, Heizer... J’ai cherché un exemple des différents mouvements, de sorte qu’il y a eu un croisement à la fois vertical et horizontal, parce que chacun des artistes a apporté de nouvelles œuvres”.

Collaborateur de magazines réputés tels que L’Espresso avec la rubrique Art, Celant, après avoir créé la grande exposition Arti & Architettura à Gênes en 2004, est devenu conservateur de la Fondazione VePALAZZI 53 VENEZIA

dova à Venise et directeur artistique de la Fondazione Prada à Milan.

En 2013, il a reçu le Agnes Gund Curatorial Award, aux côtés de Miuccia Prada qui a remporté le Leo Award, deux prix promus par l’Independent Curators International (ICI) de New York.

Les prix sont décernés “pour leur contribution au monde de l’art contemporain, pour l’activité internationale de la Fondation Prada et pour l’exposition “When Attitudes Become Form : Bern 1969/Venice 2013”, qui s’est tenue à la Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina à Venise, en dialogue avec Thomas Demand et Rem Koolhaas.

En 2015, il a été le commissaire de l’exposition Art & Food à la Triennale de Milan, organisant un très long voyage axé sur le mélange de l’art et de la nourriture, de 1851 (l’année de la première Exposition universelle, tenue à Londres) à nos jours, avec l’architecte Italo Rota.

En 2019, pour coïncider avec l’ouverture de la Biennale de Venise, il a été le commissaire de la grande rétrospective Jannis Kounellis, au Palazzo Ca’ Corner della Regina, le siège vénitien de la Fondation Prada.

Rendant ainsi hommage à un grand artiste et à un grand ami qui l’a accompagné pendant des années. Giulia Ronchi

Photo vally nomidou

’artiste grecque Vally Nomidou / Βαλλυ Νομιδου est née à Thessalonique.

Elle est diplômée de l’École des Beaux-Arts d’Athènes et de la Saint Martin’s School of Art de Londres.

Bénéficiaire d’une bourse pour le programme d’études supérieures grecques de l’IKY. Vally Nomidou réalise des sculptures grandeur nature de figures humaines en utilisant uniquement du papier et du carton.

La comparaison avec Kodhlyakov et Mitoraj, pour une évocation de la kore du classicisme et des figures d’enfants de la période hellénistique est presque un must, même s’il n’est pas difficile d’entrevoir quelque chose de la métaphysique des frères Savinio ou des célèbres danseuses de Degas, je n’ai pas trouvé, comme j’aime le faire, une réflexion autographe de l’artiste mais seule-

Vally Nomidou

Βαλλυ Νομιδου

https://vallynomidou. wordpress.com/

ment une description de la technique que je rapporte ci-dessous avec une brève prémisse de ma part.

Les sculptures en papier de Nomidou laissent par endroits entrevoir la structure sous-jacente, confrontant ainsi l’état de ruine dans lequel sont coulées les sculptures grecques antiques, tandis que la peau faite de papier et de trames textiles évoque le raffinement du traitement du marbre selon les lumières et les ombres caractéristiques de la statuaire grecque, la fragilité et la délicatesse du matériau utilisé par Nomidou ainsi que la coloration toujours douce des matières contribuent à donner un voile de délicate tristesse à ses figures, et voici une brève description qui illustre le processus de fabrication des figurines Nomidou.

Vally Nomidou / Βαλλυ Νομιδου utilise un matériau peu coûteux et vulnérable pour créer ses sculptures, ne se contentant pas de les couvrir comme un emballage, mais créant avec le même papier et le même carton, assemblés avec de la colle et du fil de fer, une structure interne entrelacée qui permet à la réalisation finale de tenir debout et de durer dans le temps.

Les figures sont réalisées grandeur nature, en étudiant d’abord les sujets à travers des photographies et des moulages en plâtre.

Aucune peinture ou couleur n’est utilisée pour les nuances de couleurs, mais seul le chevauchement du papier génère une sorte de peau qui permet d’entrevoir une partie de la couche sous-jacente.

Les sujets présentés par Nomidou représentent des créatures délicates (femmes et filles), à la fois empreintes de poésie et d’innocence, qui rappellent beaucoup les danseuses représentées par Degas, bien que dans ce cas ils aient tendance à nous surprendre par leur immobilité, nous laissant presque dans l’attente de leur mouvement possible et instinctif.

Francesco Amadori

photo galleria fumagalli

EMILIE MOUTSIS milie Moutsis, artiste plasticienne, vidéaste et performeuse, vit et travaille à Paris.

Les productions d’Émilie Moutsis se présentent comme les ramifications naturelles de ses questionnements intimes.

Combinant différents médiums dont le choix n’est jamais déterminé que par la nécessité contingente, l’artiste créé des œuvres percutantes qui, par leur exposition, conduisent le spectateur à s’affronter à ses propres doutes. « Ça a radicalisé ma posture artistique. » Émilie Moutsis, confinée avec ses deux filles à Paris, publie (presque) tous les jours sur sa page Facebook un journal vidéo où se mêlent les voix et les images d’un quotidien enfermé.

Devoirs d’école, tartes aux pommes et vues sur la ville s’accompagnent de textes forts, signés par elle, par ses filles ou par des auteurs comme Virginie Despentes ou Henry David Thoreau. « Cette pratique d’autoportrait révèle les liens entre l’intime et le politique », appuie-t-elle lorsqu’on l’interroge au téléphone : l’artiste veut faire corps avec l’époque, et témoigner de préoccupations bien réelles, elle qui défilait en novembre 2019 dans la rue sous la banderole d’« Art en grève ».

Creusant le sillon de l’introspection, elle soulève un tourbillon d’interrogations métaphysiques auxquelles la délicate monstration des chairs répond dans la tradition de l’hermétisme.

Le public est invité à pénétrer dans un décor empreint de symbolisme, où le corps de l’artiste, omniprésent, se trouve comme escamoté par un dispositif de mise à distance. Une silhouette se dessine, fragile, puis disparaît sans tarder, laissant le voyeur en proie à la frustration, tout près de basculer dans une expérience mystique.

https://emiliemoutsis. cargo.site/

PALAZZI 55 VENEZIA

Le désir se fait alors cheval de Troie.

L’émotion brise les tabous et offre au spectateur de précieux moments de grâce, débarrassés des pesanteurs de la logique. L’acceptation du mystère devient source de compréhension.

Le doute n’est plus une tornade destructrice, mais un courant porteur.

La phénoménale puissance de vivre d’Émilie Moutsis perce à travers des œuvres singulières où se mêlent performance, sculpture et vidéo.

Dans “Bedigunglosse liebe”, présentée à Hambourg, elle réalise un moulage de son sexe qui reste pendant plusieurs jours sur le sol de la galerie Genscher.

Le spectateur peut l’approcher, le déchiffrer, reproduisant malgré lui le rite étrange d’une première fois. Dans “L’origine de l’amour”, une installation vidéo créée à partir d’une série d’autoportraits, l’artiste cède sa place à Suspensio Regina, sa mystérieuse héroïne.

Le film, projeté dans une pièce fermée à clé, n’est visible que depuis un œil de bœuf.

Le travail d’Émilie Moutsis peut être appréhendé sous l’angle d’un double mouvement en apparence contradictoire où la fuite se substitue à la séduction. Le public est appelé à franchir une ligne rouge au-delà de laquelle la définition de l’intime est bouleversée.

Ce n’est qu’au terme de ce jeu pimenté de paradoxes que la curiosité déçue est transcendée pour livrer la roborative impression d’une rencontre fugace, comme si l’artiste avait transmis son flux lors d’une séance éclair de glory hole.

Geraald Sernic

Photo laura morelli

ne invitation personnelle de Laura...

Cet étonnant sarcophage, appelé “Sarcophage des époux”, a été découvert en 1881 dans la nécropole de Banditaccia, près de Cerveteri.

Le musée étrusque de Rome a acheté le sarcophage, qui se composait de quelque 400 fragments qu’il a fallu reconstituer.

Cette œuvre symbolise l’esprit festif et ludique de la culture étrusque du VIe siècle avant Jésus-Christ.

Ce mari et cette femme nous invitent à nous joindre à eux pour une fête éternelle.

Il semble que les femmes étrusques étaient distinctes parmi les femmes du monde antique, et la représentation de la femme sur ce sarcophage en est un excellent exemple.

Je me suis demandé ce qui rendait les femmes étrusques spéciales, alors je suis parti à la recherche de réponses...

LAURA MORELLI Les Femmes dans l’Art Etrusque Visite virtuelle https://lauramorelli. com/etruscanwomen/ register/ Sarcophage des époux, vers 520 av. J.-C., terre cuite peinte. Musée national des Étrusques, Villa Giulia Rome,

Peut-être avez-vous entendu dire que les Étrusques ont habité l’Italie avant les Romains, ou que les Étrusques sont en quelque sorte mystérieux.

Je m’appelle Laura Morelli. Je suis historienne de l’art et auteur.

J’ai toujours été curieuse de connaître les anciens Étrusques et leur art. L’une des choses qui me fascinent dans l’art étrusque est la vivacité et le plaisir que les Étrusques semblent avoir dans ces images, et surtout, la place importante et distincte qu’y occupent les femmes.

Je me suis demandé ce qui rendait les femmes étrusques spéciales, alors je suis parti à la recherche de réponses...

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Foto yoyomaeght/akikuroda

YOYO MAEGHT/AKI KURODA

ki Kuroda (Kuroda Aki?), de son vrai nom Akihiko Kuroda (Kuroda Akihiko?), né le 4 octobre 1944 à Kyōto est un peintre, artiste contemporain japonais, qui vit et travaille à Paris.

Le père d’Aki Kuroda était professeur d’économie à l’Université Dōshisha.

Enfant unique, Aki Kuroda est élevé dans une famille très ouverte sur la culture européenne.

Il commence à peindre dès l’âge de trois ans ; à quatre ans, il fait sa première peinture à l’huile.

Il s’installe définitivement en France en 1970.

Il réalise sa première exposition personnelle en 1978 à Kunsthalle en Allemagne puis à la Galerie Maeght (Paris) en 1980, et participe à la 11e Biennale de Paris la même année.

En 1985, il édite une revue qu’il appelle Noise, à laquelle ont participé entre autres Jacques Derrida et Michel Serres.

Depuis 1992, Aki Kuroda conçoit des spectacles performances qu’il nomme Cosmogarden dans lesquels il mêle différentes formes artistiques.

En 1994, Aki Kuroda participe à une grande exposition dans le cadre de la Biennale de São Paulo.

Il a réalisé les peintures murales pour le Pôle universitaire Léonard-de-Vinci, la Maison de la culture du Japon à Paris, le café du Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg, pour la ville de Paris en 2000 et pour l’École nationale des douanes de Tourcoing (œuvre inscrite à l’in-

PALAZZI 57 VENEZIA

ventaire supplémentaire des monuments historiques en 2009).

C’est un artiste aux multiples facettes : parallèlement à la peinture, il conçoit les décors du ballet Parade pour Angelin Preljocaj à l’Opéra de Paris et au Festival d’Avignon en 1993.

Il a collaboré avec des architectes comme Tadao Ando et Richard Rogers afin de réaliser des peintures en relief au Japon.

Par ailleurs ses œuvres n’ont cessé d’inspirer des gens de lettres comme Marguerite Duras, Michel Foucault, Pascal Quignard.

La matrice des tableaux de Aki Kuroda est faite de chiffres et d’espaces : 1944, année de sa naissance ; - 270, température du cosmos profond ; 300 000, la vitesse de la lumière en km/s dans le vide.

Table de loi chiffrée pour transcrire le chaos des origines.

Tandis que l’espace s’organise de formes multiples, sphères et puzzles et labyrinthes, champs fragmentés entre troisième et quatrième dimension. Progressivement, fleurs, femmes et mythes s’installent.

Les chiffres inaugurent un espace de matière et de lumière comme au commencement du temps, puis de la vie.

Réels, entiers, irrationnels, imaginaires, les chiffres filent sur la toile de fond d’une nuit cosmique. (suit à la page 58)

Foto Pino Dell’Aquila © Archivio Carol Rama, Torino.

(suit de la page 57) Leur dénombrement avance comme un fil que l’œil déroule à l’infini.

La complexité croissante du cosmos prend corps peu à peu dans ces œuvres peintes, sans cadre : couplant l’espace au temps, le mouvement est né.

Les tableaux ne sont qu’un des visages des créations de Aki Kuroda. Sculptures, photographies, installations, spectacles dansés complètent un espace autrement plus divers et riche, où tout est jardin : le corps, la vie, la ville, le cosmos. « CosmoGarden » a scandé deux décennies de ses productions, mêlant l’ensemble en des événements créés en une grande variété de lieux, de par le monde.

Ni japonais ni français, mais « déraciné », Aki Kuroda n’a de cesse de pousser les limites de l’espace qu’il crée, très inscrit dans le réel de la vie qu’il aime, au cœur même des villes, observatoire idéal d’un univers en profonde mutation, qu’il accompagne de ses interrogations.

Je reçois dans mon live instagram Aki Kuroda qui nous ouvrira les portes de son atelier.

Un bonheur annoncé que j’aurai plaisir à vous faire partager.

Yoyo Maeght #Akikuroda #maeght #yoyomaeght #fondationmaeght #Kuroda #japaneseartist #artiststudio #contemporaryart

CAROL RAMA MMMAC Museo Materiali Minimi d’Arte Contemporanea

Paestum Capaccio Paestum

https://www.facebook. com/MuseoMMMAC/

arol Rama, née Olga Carolina Rama le 17 avril 1918 à Turin, et morte le 25 septembre 2015 dans la même ville, est une artiste peintre italienne.

Autodidacte, ses œuvres « érotiques et viscérales » ont atteint à la reconnaissance internationale seulement dans les années 2000.

La mère de Carol Rama est internée en hôpital psychiatrique, alors que celle-ci n’a que quinze ans.

Son père, un fabricant de bicyclettes, se suicide alors qu’elle en a vingt-deux.

Sa première exposition est fermée par la police et ses tableaux sont retirés de la galerie. C’est en Italie, en 1945, et certaines de ses aquarelles sont des scènes sexuelles, d’hommes avec des chiens ou encore de femmes expulsant des serpents de leur intimité “Io dipingo per istinto e dipingo per passione e per ira e per violenza e per tristezza e per un certo feticismo e per gioia e malinconia insieme e per rabbia specialmente”, è con questa dichiarazione che possiamo decifrare al meglio l’opera di Carol Rama, una delle artiste più affascinanti e conturbanti della nostra epoca, alla quale il Museo MMMAC ha dedicato una personale nel 2007.

Grazie all’Archivio Carol Rama che aderisce al nostro progetto con il suo materiale minimo “Senza titolo”, 1978 (pennarello su carta millimetrata, 21x32,5 cm). Collezione privata, Chiavari (Genova).

Carol Rama #MinimoComuneCreativo

KHALO/MODOTTI n documentaire du début des années 80 raconte la vie et les œuvres de la célèbre et bien-aimée peintre Frida Khalo et de la photographe Tina Mo-

dotti.

Les auteurs du documentaire sont Laura Mulvey et Peter Wollen, cinéastes qui ont organisé en 1982 une exposition à la Whitechapel Gallery de Londres consacrée à ces deux artistes, icônes de ce que l’on a surnommé la “Renaissance mexicaine”.

Cette photographe et militante italienne, née à Udine en 1896, s’est activement consacrée à la cause révolutionnaire au Mexique.

En tant que modèle et photographe officiel du mouvement muraliste mexicain, elle rencontre Diego Rivera et c’est grâce à ce dernier qu’elle rencontre Frida Kahlo en 1928.

La relation entre ces trois grands protagonistes de l’art et de la photographie mexicains était assez controversée, avec les couleurs d’un véritable triangle amoureux.

Mais au-delà des ragots et des trahisons, l’amitié de Tina Modotti et Frida Kahlo s’est vite transformée en quelque chose qui dépasse la simple communion artistique.

Deux femmes fortes et passionnées, extraordinaires.

PALAZZI 59 VENEZIA

Photo Tina Modotti

Accompagnée d’une grande sensibilité artistique, de passion et d’amour et, surtout, de lutte politique.

Et c’est précisément cette même passion et mission politique qui a fini par les repousser, où Tina Modotti, communiste convaincue, n’a pas pu accepter les positions les plus contradictoires de Rivera et s’en est éloignée, finissant aussi par s’éloigner de son amie...

Le documentaire, que nous avons la chance de pouvoir visionner en ligne dans son intégralité, analyse non seulement les peintures de Kahlo et les photographies de Modotti, mais contient également des images et des reconstitutions qui nous montrent la vie quotidienne de l’époque, des petits films tournés dans la Maison Bleue que Frida partageait avec Diego Rivera, et quelques extraits du film hollywoodien The Tiger’s Coat, où l’on peut voir une Tina Modotti inhabituelle en tant qu’actrice.

Trouvé sur Artribune.

Découvrir la photographie, Auteurs https://www.collettivowsp.org/2020/04/26/ frida-khalo-e-tina-movoir le documentaire https://youtu.be/AjEH0OFZDFY dotti-il-documentario/