COLECCIÓN DE FICHAS ARTISTA VANGUARDIAS Y FINALES 50/60/70
IVÁN CASTELLANO RODRÍGUEZ PENSAMIENTO Y DISCURSO DEL ARTE EJERCICIO 5 - CURSO 2017/2018
IVÁN CASTELLANO RODRÍGUEZ Pensamiento y discurso del arte Ejercicio 5 - Curso 2017/2018 Colección de fichas artista
CONTENIDO
MARCEL DUCHAMP Pag.4-5 WASSILLY KANDISKY Pag.6-7
OLGA ROZANOVA Pag.8-9 LAWRENCE WEINER Pag.10-11
ROBERT BARRY Pag.12-13 ALEX TROCHUT Pag.13-14
MARCEL DUCHAMP
(Blainville, 28/07/1887 - Neuilly-sur-Seine, 2/10/1968)
Marcel Duchamp - “Fountain” (1917)
Marcel Duchamp es considerado hoy en día como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual y consiguió incluir al objeto cotidiano en la categoría de arte. Cambio la idea de belleza y es considerado como pionero en movimientos como el pop, ready mades, instalaciones, performances o museos portátiles. Marcel era el tercero de seis hermanos. Sus padres fueron el notario y alcalde Justin Isidore Duchamp y Marie Caroline Nicolle. Se inició en el arte por influencia de su abuelo materno y su hermano mayor Jacques Villon. Con 14 años pintó sus primeros óleos de estilo impresionista. Después de estar matriculado en la escuela de arte privada Académie Julian y abandonarla, tuvo una etapa fauvista entre los 19 y los 21 años. A partir de 1911 empezó a innovar sus trabajos influenciado por el grupo de amigos Puteaux, realizó varias obras de estilo cubista entre las que destaca Desnudo bajando escaleras. Esta obra fue clave en su carrera por interpretar un estilo clásico y con unas normas establecidas en una posición cinética. Esta obra incitó al artista a seguir su propio camino sin adherirse a teorías o grupos.
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A partir de 1913 empieza a trabajar lo que se considera la mayor aportación de Duchamp al arte contemporáneo, el ready-made. Este movimiento consiste disponer de objetos cotidianos retirados de su contexto para ser presentados como obras de arte. Esta vía de trabajo hizo que se le relacionara con el movimiento dadaísta pero a Marcel es dificil asociarlo a un solo tipo de estilo debido a su inscostancia ya que tomaba influencia de diferentes corriente para crear sus propias obras. Lo que sí sabemos que sigue una constante en su obra es su discurso: el estudio del movimiento, el objeto como pieza de arte, el ajedrez, el azar, y la máquina. La Fuente es una obra que inició una revolución dentro de las vanguardias al introducir el concepto de que un objeto podía ser considerado arte si el artista lo saca de su contexto y lo declara como tal. Marcel Duchamp que en 1917 formaba parte de la Sociedad de Artistas Independientes intentó exponer la obra en una muestra organizada por esta agrupación. A pesar de que todas las obras deberían ser aceptadas, después de un debate de la junta se decidió ocultarla en la exposición. La obra que consistía en un urinario girado 90 grados y firmado como R. Mutt a pesar de no ser expuesta quedó registrada y documentada por un galerista. A partir de esas fotografias Duchamp recibió multitud de encargos para reproducir la pieza. El mundo parecía no estar preparado para un cambio tan radical en la concepción del arte, pero Marcel Duchamp era un adelantado a su época y aún sin llegar a mostrar esta pieza consiguió sentar las bases del arte contemporáneo, donde la belleza se encuentra más en el concepto que en el objeto.
Glosario Grupo Puteaux: Grupo de artistas y críticos asociados al cubismo. Se reunian los Domingos por la tarde en Puteaux y trataban temas de interés. Movimiento dadaista: Movimiento cultural y artístico que se caracteriza por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas.
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WASSILLY KANDISKY
(Moscú, 16/12/1866 - Neuilly-sur-Seine, 13/12/1944)
Wassilly Kandisky - “En blanco II” Óleo sobre lienzo, Centro Pompidou (1923). Wassilly Kandisky es considerado por sus pinturas uno de los pioneros del arte abstracto en el siglo XX. Alcanzó el arte sinestésico y fue considerado como genio por sus contemporáneos por el alcance cromático y formal de sus obras. Nacido en Rusia, proveniente de una familia de clase media alta. Compaginó estudios de dibujo, pintura y música con Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. Pero tras presenciar la exposición de los impresionistas en Moscú en 1895 renunció a su trabajo para dedicarse por completo al arte al quedar asombrado por la obras de Monet, una de sus principales influencia junto a Fauves y Matisse. Entre 1908 y 1910 pintó una serie de paisajes pero se dió cuenta que la esencia de las pinturas reside más en la variación cromática y formal que en el objeto. Entre 1910 y 1914 pintó otras serie de obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, las improvisaciones y las composiciones. Wasilly no solo realizó pintura sino que formó parte de diversos grupos como Phalanx (1901) o Der Blaue Reiter (1911) y acompañó su obra de diversos textos teóricos; De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter.
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En 1921 se trasladó a Alemania para incorporarse a la Bauhaus, ejercer como profesor y convertirse en uno de los más importantes colaboradores junto a Weimar. Este periodo tuvo gran influencia en su trabajo ya que dió un paso hacia la mayor estructuración compositiva y formal también en el uso de formas geométricas. Años más tarde volvió a publicar otro libro; Punto y línea sobre el plano (1926). En la última etapa de su vida se trasladó a Francia donde continuó su búsqueda de formas inventadas. Su obra “En blanco II” representa ese momento de ingreso en la Bauhaus. Esta compuesto de varias formas geométricas que producen tensión en las intersecciones representadas con una variación cromática. Dispone de varios elementos como las líneas en diagonal que mediante el método de repetición equilibran el cuadro que está mayormente cargado en su parte izquierda. Dispuesta sobre un fondo blanco y con sentido giratorio. Las figuras centrales resultan ser las principales mientras que las figuras periféricas cumplen una función de estabilizar. Se trata de una obra teórica con simplicidad formal y complejidad cromática pero equilibrada, por lo tanto bien resuelta. En ella se plasma el interés por el arte no objetivo que persigue Wassily y su preocupación por el materialismo del mundo moderno. Una vez más no muestra lo que ven sus ojos sino lo que sienten. Un genio del arte sinestésico que funde la percepción del oído y la vista.
Glosario Grupo Phalanx: Asociación de artistas formada en Múnich en 1901 que se oponían a la vieja usanza y puntos de vista conservadores en el arte. Der Blaue Reiter: Grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Múnich en 1911 hasta 1913, que transformó el expresionismo alemán. Bauhaus: Escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar.
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OLGA ROZANOVA
(Malenki, 1886 - Moscú, 7/11/1918)
Olga Rózanova - “Hombre en la calle” Museo Thyssen - Bornemisza (1913). Olga Rózanova es conocida como una de las seis amazonas de la vanguardia rusa y reconocida por Malevich como “la única verdadera pintora vanguardista” Se trata de una de las mayores representantes artista de las vanguardias en rusia que trata el color como la esencia y justificación de la pintura abstracta. Rózanova nació en Malenki (Rusia) en el año 1886 y falleció a la corta edad de 32 años en Moscú a causa de la difteria. Su prematura muerte solo le permitió producir obra durante una década.
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Entre 1904-1910 estudió en el instituto “Stróganov” de Arte Aplicado además de asistir a clases de dibujo y pintura con Elizabeta Zvantsevas. En 1911 se une a la “Unión de la Juventud” con quienes empieza a realizar exposiciones. En 1912 comienza una amistad con poetas futuristas y acaba casándose con uno de ellos; El teórico y poeta Alexéi Kruchenykh para el que empezó a ilustrar libros y terminó escribiendo sus propios poemas. En 1916 se unió a “Supremus”, es entonces cuando su obra es influida por el cubismo y el futurismo italiano, adopta una abstracción pura y sus composiciones son organizadas por el peso visual y la relación con el color. Su obra la avaló en 1916 con el desarrollo teórico y plástico de una variante propia del suprematismo “Tsvetopis”, que ponía el énfasis en la forma y en la textura de la pintura, así como la espiritualidad y cualidades del color y mis conexiones con la luz. Ya en su último año de vida (1918) se dedicó a pintar y escribir articulos sobre la poética de la anarquía en el arte y llegó a ser elegida como directora de los primeros talleres estatales de arte libre de Moscú. “Hombre en la calle” es una de sus obras en las que se aprecia la influencia del cubismo francés y el futurismo italiano por la perfección en las pautas, pero además queda registrado sus origenes ya que el uso cromático y formal nos recuerda al primitivismo ruso. En la obra se observa el interés de la pintora por la temática urbana, lo que nos da una idea de la época en que vivió, con constantes cambios tecnológicos y revoluciones. Las formas geométricas se alejan del objeto físico debido a un estudio de las mismas con tal de minimizarlas. Se trata de una renovación y experimentación de la artista que intenta demostrar que las formas derivan de los colores, lo que los convierte en elementos esenciales.
Glosario Supremus: Grupo de artistas vanguardistas creado por Malevich creado en 1915, con el fin de discutir la filosofía del Suprematismo, y su desarrollo en otros sectores de la vida intelectual. Difteria: Enfermedad infecciosa aguda, provocada por un bacilo, que afecta a la nariz, la garganta y la laringe y produce fiebre y dificultad para respirar.
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LAWRENCE WEINER (Nueva York, 10/02/1942 - 75 años)
Lawrence Weiner, “TO SEE AND BE SEEN” (1972). Lenguaje, y los materiales que evoca. Lawrence Weiner es identificado como el pionero del arte conceptual postminimalista ya que presenta el lenguaje como arte redefiniendo así los límites de este. Su trabajo defiende la desmaterialización de la obra y la idea como arte. Neoyorquino de nacimiento creció junto a los grafittis de la ciudad, los cuales le empezaron a interesar tanto por su significado como un posible ejercicio de arqueología. Escultor, estudiante de filosofía y literatura, empezó su carrera como artista en pleno apogeo del expresionismo abstracto y presentó su primera exposición a los 19 años. Experimentó con explosivos en un intento de reformular el concepto de escultura pero no es hasta finales de los 60 cuando junto a Robert Barry, Joseph Kosuth y Richard Serra, que empiezan a incluir el lenguaje como medio de expresión del arte. Es en ese año cuando se convierte en un artista consagrado y fijo en las bienales con un perfil cada vez más desinteresado por el objeto. Empieza a cuestionar la necesidad de materializar las ideas en objetos y emplazarlas en un lugar cerrado no siendo visibles o alcanzables a todo el mundo.
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En 1968 Weiner formuló su propia declaración de intenciones en Lawrence Weiner. Statements, libro que se convirtió en el manifiesto del arte conceptual; 1. El artista puede construir la obra. 2. La obra puede ser fabricada. 3. La obra no necesita ser construida. 4. Todas estas cosas son idénticas y coherentes con la intención del artista. A partir de los años 70 el medio principal utilizado son las instalaciones en muros y lugares públicos aunque el insiste que se trata de escultura ya que su trabajo “se concentra en las propiedades observables, los materiales, estados, condiciones, procesos, comportamientos y funciones de la materia.” Es por eso que todas sus piezas aparecen en los museos con la misma ficha técnica: lenguaje, y los materiales que evoca. En “TO SEE AND BE SEEN” se observa la línea de trabajo de Weiner, textos fusionados en la arquitectura que vacían espacios. Escritos siempre en mayúscula para, como dice el autor, anular cualquier tipo de jerarquía. La intervención o “escultura” carece de signos de puntuación y la tipografía es geométrica pero con cortes verticales y horizontales que no afectan a la lectura por las leyes de la Gestalt. Se trata de una frase hecha “Ver y ser visto”. Como la mayoría de sus obra deja abierta la interpretación al espectador como Lawrence afirma “la obra de arte está en la mente de cada uno”. Es un ejemplo más de como las ideas pueden ser arte sin necesidad de ser un objeto, solo con el uso del lenguaje es posible generar una respuesta.
Glosario Postminimalismo: Movimiento que describe la variedad de estilos artísticos de la década de 1960 que surgieron después del minimalismo. Formas de arte comunes a este término: arte conceptual, body-art, performances y el arte sitie-específic. Psicología Gestalt: Corriente de la psicología moderna que defiende que la mente configura los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales o de la memoria.
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ROBERT BARRY
(Nueva York, 09/03/1936 - 81 años)
Robert Barry - “Word list” Galerie Greta Meert - Bélgica (2009). Robert Barry es un artista estadounidense pionero del arte conceptual y del minimalismo. Tomó gran relevancia durante los años 60 por su trabajo sobre lo invisible y los límites físicos del objeto de arte pero su obra se fué diluyendo hasta convertirse en un artista de culto. Su trabajo fue citado en 1968 por Lucy R. Lippard de la siguiente manera; “Nada me parece más potente”. Barry estudió bellas artes en Nueva York, sus inicios fueron con la pintura pero pronto empezó a interesarse por las cuestiones del arte contemporáneo. En 1967 bajo la influencia del arte conceptual abandona la pintura para trabajar con materiales invisibles como la energía electromagnética, radiación ultrasónica y gases inertes. Para el artista no es necesario agregar más objetos al mundo, considera que ya hay suficientes. En su performance “Serie de gases inertes” (1969) soltó gases como krypton, xenón, argón y helio en diferentes ubicaciones quedando registrado mediante fotografías, obviamente con un resultado invisible. El objetivo era crear un microsistema de corta duración, inmaterial e imperceptible a la vista para confirmar la existencia del arte en términos de espacio y tiempo.
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A principios de los 70 opta por trabajar con la palabra para tratar temas más complejos ya que según el artista estas anulan a la imagen. Los medios que utiliza son varios, desde impresiones sobre dibujos, cuadros y espacios arquitectónicos hasta películas, vídeos dirigidos por el mismo o catálogos. En su obra “Word list” (2009) estas palabras se usan individualmente por su capacidad para sugerir impresiones. Trabajan a través de la insinuación y adoptan múltiples sentidos que implican asociaciones con el contexto arquitectónico o psicológico. Estás palabras generan una respuesta en el espectador en forma de contemplación y experiencia personal. Las palabras salen de cada uno de nosotros, entonces que mejor lenguaje para transmitir una idea que las palabras. Si además se ubican en un sitio, orden específico y usando una variedad cromática, lo que muestra un estudio teórico y psicológico previo, se convierte en un proceso mental propio del arte. En este caso muy en la línea de Robert Barry; inmaterial, un no-objeto.
Glosario Gases inertes: Un gas inerte es un gas no reactivo bajo determinadas condiciones de presión y temperatura. Los gases inertes más comunes son los gases nobles.
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ALEX TROCHUT (Barcelona, 1981 - 36 años)
Alex Trochut - “Estrella Damm” Cliente: Villar Rosas - España (2010). Alex Trochut es uno de los diseñadores gráficos españoles más reconocidos a nivel internacional. Sus obras se caracterizan por la unión entre formas geométricas y elementos líquidos. Su estilo es un nuevo concepto de fusión entre tipografía e ilustración. Nacido en Barcelona, es nieto del tipógrafo Joan Trochut, una figura esencial en las artes gráficas españolas durante el siglo XX. Alex se graduó en la escuela de ELISAVA (Barcelona). Tras su primera actividad como profesional en Berlín en los estudios Moniteurs y Xplicit regresa a Barcelona para trabajar con Toormix y posteriormente Vasava. En 2007 se establece por su cuenta y se traslada a Nueva York dónde trabaja para marcas como Nike, Apple, Coca-Cola, Pepsi, Starbucks, Adidas, Estrella Damm entre otras. Sus influencias artísticas provienen de Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró y Andy Warhol así como por el arte geométrico del húngaro Victor Vasarely. Por otro lado sus inspiraciones como diseñador son Milton Glaser o Herb Lubalin. Se trata de un diseñador, ilustrador y tipógrafo que mezcla
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las tres disciplinas en sus trabajos jugando con la abstracción y la legibilidad. Entre los trabajos más significativos se encuentra ‘Liquid’, desarrollado en el año 2003. Se trata de uno de los diseños que más marcó su evolución artística, ya que fue cuando empezó a experimentar con los líquidos y la fluidez de las formas. Su carrera artística la apoya con la publicación del libro titulado “More is More” en 2011 en el que se recogen todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento. Ya en 2012 desarrolla un proyecto artístico “Binary Prints” el cual trata de la dualidad de las imágenes en este caso con o sin luz pero siempre guardando una relación entre sí. Este método lo patentó con el mismo nombre de la obra. Su trabajo “Estrella Damm” (2010) se encuentra en el momento culminante de su carrera antes de la publicación de su libro, en él se observan el mayor dominio de las formas líquidas, abundancia cromática y formas geométricas que caracterizan su marca. Respecto al resto de obras se hace evidente una madurez en la técnica y fidelidad a su filosofía de “más es más”, aún así, consigue un resultado limpio, preciso y comunicativo. Alex consigue que texto e imagen se conviertan en una expresión unificada.
Glosario ELISAVA: Escuela Universitaria de Diseño e Ingeniería de Barcelona perteneciente a la Universidad Pompeu Fabra. Fundada en 1961 en Barcelona. Se trata de la primera escuela de diseño de España.
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IVÁN CASTELLANO RODRÍGUEZ PENSAMIENTO Y DISCURSO DEL ARTE EJERCICIO 5 - CURSO 2017/2018