Worldwide Festival Magazine Summer 2012

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www.sunfrance.com

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Worldwide Festival Magazine 06. Klub Sandwich

La Valcheuse Interview !

12. Thundercat

The extraterrestrial Bass Master

18. Boiler Room

The bedroom revolution

24. Henrik Schwarz ‘Instruments’

28. Robert Glasper

The new jazz standard

34. Bass is the place

50 years of Jamaica’s musical independance

40. Straight No Chaser Diggin’ further

46. Undercover

The art of cover design

62. Michel François

Pièces à conviction

66. Portfolio

Worldwide Festival gallery

78. Machineman

The mini interview

Worldwide Festival Magazine #5 Summer issue 2012 PUBLISHER/ Snapshot - Spin Comm EDITOR/ Franck Alfier ART DIRECTOR/ Garfld CONTRIBUTORS/ Paul Bradshaw, John N Gomez, Miguel Angel Rolland, Lefto, Ivan Halen Semeria, Henik Schwarz TRANSLATORS/ Pierre Tomi, Ivan Halen, Robert Harrison PHOTO/ Pierre Nocca, Henry Halonen, Olivier Cavaller, Emmanuel Conte ADVERTISING/ sam@mimic.org.uk

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Un Festival de Festivals.

17 mai au 3 juin IMAGE S INGULIÈRES

2 juin

K-L IVE 4 au 10 juin

A CTE III S C .7 13 au 17 juin

QUAND JE PENSE À FERNANDE 29 juin au 1 er juillet

UNDER7SHOW 2 au 8 juillet

WORLDWIDE FESTIVAL 12 au 18 juillet

JAZZ À SÈTE 20 au 28 juillet

VOIX VIVES 2 au 8 août

FIEST’À SÈTE 4 | WF

Toute la programmation sur

www.seteenlive.fr Téléchargez l’appli mobile

Et de sept éditions pour le Worldwide festival à Sète, où affluent

chaque été des milliers de festivaliers des cinq continents pour goûter à la programmation exceptionnelle et défricheuse qui caractérise le WF et, au-delà du strict aspect musical, au cadre exceptionnel qu’offre notre ville au festival et à la qualité de vie sétoise, tout simplement…

Bienvenue à tous, donc, pour ces jours et ces nuits magiques concoctés par Gilles Peterson et ses complices de Freshly Cut avec l’aide des partenaires privés et publics au premier rang desquels la municipalité, très heureuse d’accueillir un tel événement d’une telle qualité, ce qui lui vaut une notoriété internationale

For the seventh time, the Worldwide Festival has arrived in Sète, where every summer, thousands of festival goers from across the globe gather to enjoy the exceptional, eclectic and forward-thinking programme that so characterises the WF, all played out in the town’s most beautiful venues, which add so much to the festival and the local quality of life. So welcome to you all for some magical days and nights put together by Gilles Peterson and the Freshly Cut crew, with the backing of private and public partners, none more involved than the local council, which is delighted to welcome such a top-quality and internationally recognised event.

François Commeinhes Maire de Sète - Mayor of Sète

Conseiller général de l’Hérault Councillor of the Hérault area

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Klub Sandwich is the new collaboration between rappers Disiz and Grems, and producers Simbad and Son of Kick. Their mini-album came out last year as a digital release and has got plenty of people talking.

Disiz must have been wondering which way his rap career was heading as it was kind of put on hold by his peculiar Peter Punk project. He’s now back as a rapper with Klub Sandwich focusing on deep house and dubstep sounds, and griming it up alongside Grems. As he’s so busy right now, we’d be waiting around forever for Disiz to drop by for a chat; fortunately his three sidekicks were around and took it in turns to do some interviewing.

Klub Sandwich est le nouveau projet hybride un peu barré réunissant deux rappeurs, Disiz et Grems, et deux producteurs, Simbad et Son Of Kick. Leur mini-album est sorti l’année dernière en digital, et commence à faire beaucoup de bruit.

Disiz, qui ne sait plus où donner de la tête dans sa carrière de rappeur, mis en standby avec son drôlissime projet Peter Punk, se pose maintenant sur le projet Klub Sandwich.

Avec Grems, il y explore son côté grime sur des instrumentaux deep house et dubstep…

Tellement occupé le Disiz qu’ on l’attend toujours pour répondre à nos questions, mais ses trois compères, du coup, se sont pris au jeu de l’ interviewer.

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«Dubstep is mainly based around the Banjo and Gregorian chants but with an attitude.»

Simbad to Grems: Are you mana-

ging to separate your music away from your drawings/paintings/designs and your other fine art creations? And how are you going about it?

Grems: Well it’s what I live for. I work as a designer, and rapping is what I do for fun, though the two sides are starting to reach the same level so I’m not too sure. But yeah you could say that I am finally managing to split them up after around 15 years - sometimes it’s more focused on design, then at other times it’s more about the music.

Simbad: How did you get to rap

with the Foreign Beggars?

Grems: In 2007 the Foreign Beggars

got a deal in France. They were looking for a French artist to collaborate with.

After scouring the whole country they got in touch with me. After that, Orifice Vulgatron worked on a track with me, Disiz, and the rest of the team.

Suddenly Gash was born.

That was then followed by around ten tracks by ourselves and a few collaborations as well as a few tour dates, so it became a kind of international family.

Simbad: Do you believe in destiny?

Grems: As soon as you’ve got anything to do with it then yeah definitely.

Grems to Son Of Kick: You’ve been into raves since your early years.

What attracts you to them?

SOK: For me it has to be their drugfree side, and the old ravers - always feeling good with their lovely dogs.

Anyway it’s not because of the music – I don’t like electro, it all ends up sounding the same. Plus it’s not Dubstep – it’s well known that I’m into Dubstep and nothing but Dubstep (strictly 140bpm).

Grems: what’s your problem with the moon?

SOK: I don’t have a problem with

it at all – I just find it difficult to look at it when it’s out. And then I get this indescribable feeling of going there a few times and knowing more about it than our own planet.

Grems: Can you explain the difference between Dubstep and Bass music in general?

SOK: Dubstep is mainly based around the Banjo and Gregorian chants but with an attitude. Bass music has a bit of an attitude in general really. Stuff like Ace of Bass (the best there is).

SOK to Simbad: Is it true that

you’ve always got tea bags (organic if you don‘t mind) in your bag stuffed between your MacBook pro and the latest Matteo Borrini book?

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Simbad: No not the latest book but

yeah it’s true - I do like to read. And genuine top quality tea is essential.

People overlook quality sometimes, those little things that set your senses racing - stuff that has real taste!

SOK: So what are your tools of the

trade? Logic Audio? Cubase? Ableton? Or do you just go for a good old ARP 2600 9 and forget the rest?!

Simbad: Mainly Logic Audio and old analogue synths - for hot chords and mad arpeggio sounds.

SOK: Do you believe in the “Lizardmen” who live in the centre of the earth?

Simbad: Well as I have no hard evidence of them then the answer’s no…

Grems to Simbad: Are you a gypsy? Seeing as you travel a lot, have you genuinely ever asked yourself that question?

Simbad: yeah in fact I’ve been a gyp-

sy since birth to be honest – and also if you examine the mix of blood running through my veins it’s a bit mad but in any case I also feel like gypsy musically speaking - a studio in a Sealander crossing the oceans, yeaaaahh why not?!

Grems: I’ve been listening to your tunes every day for 6 years. How come

I never grow tired of them?

Simbad: aahh you’re too kind Grems... I still play the Deepkho tracks you did with the others, but isn’t that what we’re trying to do with Klub Sandwich (and our other respective projects) - create something timeless?

Grems: Why did you introduce me to Son Of Kick? Have you seen the result?

Simbad: Ha ha ha yeah good one!!!

You’re a great team, it’s ridiculous!

I’ve never seen a group of guys jump around so much on stage! It’s all good anyway – MC/Producer combo of the year I’d say…

«I love taking on impossible tasks.»

Simbad->SOK: What do you love doing the most, producing in your bedroom, playing live or DJing??

Simbad: Do you see yourself living in Londres for much longer?

SOK: Come on, you know I’ve got

London? I find French a bit hard to read these days

my own studio Simbad...

SOK: Londres?! Don’t you mean

Simbad: Why the name Son of

SOK to Grems: France is great isn’t it? Or is ‘La Fronce’ better?

SOK: I found that it sounded good,

Grems: France is a country full of people who think they’re owed some-

Kick?

plus it’s catchy. So I kept it.

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thing, whereas La Fronce is a country that decided to invade France.

La Fronce is a country where everyone mixes, France is a country full of nasty right-wingers. La Fronce will ruin the National Front, but France feeds it.

SOK: With Usle/Apple/Bama/Alge-

bra 2.0/Design/House/Brokenbeat/ walls/PMPDJ/thousands of collaborations/KSW/Dubho/ helping people, etc. Do you ever find time to sleep?

Grems: yeah of course, with my

girlfriend. Also she’s now a cup size bigger after pregnancy so it’s great. Ahh the joys of work!

SOK: Simbad + Disiz + Son Of Kick

(+ you) all in the same group – didn’t that scare you a little when you came up with the idea?

Grems: No not at all. It’s all pretty manageable really. In fact I love taking on impossible tasks – therefore the idea was perfect.

Simbad à Grems: Arrives-tu à séparer ta musique de tes dessins/peintures/designs et autres activités plastiques ? Et commentfais tu ?

Grems: Je vis pour ça en fait. Je suis designer c’est mon taf, et le rap c’est pour mon plaisir. Bon maintenant les deux arrivent presque au même niveau donc je ne sais plus. Même si ça fait quinze ans que ça dure !!

Simbad: Comment en es-tu arrivé a rapper sur de la gabber ??? (hahahha ah non pardon pas la bonne question ooops). On recommence... Comment en es-tu arrivé a rapper avec les Beggars ?

Grems: En 2007 les Foreign Beggars ont signé en France, ils cherchaient un artiste francais avec qui collaborer. Ils ont passé la France au scanner et son venus me contacter. Aprés cela, Orifice Vulgatron est venu faire un track avec Disiz et moi ainsi que le reste de l’équipe. À ce moment là est sorti Gash.

Une dizaine de tracks ont suivi. Entre les collaborations et les dates une sorte de famille internationale est née.

d’y avoir été plusieurs fois et de la connaître mieux que notre propre planète.

Simbad: Crois-tu au destin ?

SOK à Simbad: C’est vrai que tu as toujours des sachets de Thé (organique, s’il vous plait) dans ton sac entre ton MacBook pro et le dernier livre de Matteo Borrini ?

Grems: Absolument du moment que c’est toi qui le dirige.

Grems à Son Of Kick: Pourquoi es-tu attiré par les rave parties depuis ton plus jeune âge ?

SOK: Pour leur coté drug-free, les vieux ravers qui sentent bons, et leurs chiens accueillants. Sinon ce n’est pas pour la musique, je n’aime pas la musique electro et ça sonne pareil… et puis c’est pas du Dubstep, moi c’est bien connu je n’aime que le Dubstep… (mais à 140bpm seulement).

Grems: Quel est ton problème avec la lune ?

SOK: Aucun problème... J’ai simplement du mal à ne pas la regarder quand elle est là. Et puis j’ai cette sensation indescriptible

Grems: Peux-tu expliquer la difference entre Dubstep et bass music en général ?

SOK: Le Dubstep c’est essentiellement a base de banjo et de chants grégoriens mais qui se la raconte un peu... Alors que la bassmusic en general ça se la raconte c’est tout...

Genre Ace Of Bass (ce sont les meilleurs).

Simbad: Non pas pour le dernier livre, mais j’ aime bien lire c’est vrai... Et le thé il faut du vrai, de la qualité quoi...! Les gens oublient la qualité parfois, ces petites choses qui font que tu peux kiffer avec tes sens ...

Du goût, enfin !

SOK: Logic Audio? Cubase? Ableton? ou un bon vieux ARP 2600 9 et c’est tout !?

Simbad: Plutot Logic Audio et des vieux synthés analogiques pour faire des accords chauds et des arpêges rigolos ...

SOK: Crois-tu aux “Hommes Lézards” qui vivent au centre de la Terre ?

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Original Münchner Hell.

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e l a n i g i r o ’ L . h c i n u M e d

10 | WF La consommation d’alcool est dangereuse pour la santé. A consommer avec modération.

Simbad: Tant que j’en ai pas eu la preuve concrète je n’y crois pas...

Grems à Simbad: Es-tu un gitan ?

Parce que tu voyages beaucoup, t’es-tu vraiment posé la question ?

Simbad: ouais en fait je suis un gypsie depuis ma naissance à vrai dire... et aussi si tu regardes le mélange de sang qui coule dans mes veines c’est assez ouf mais en tout cas je me sens aussi gitan musicalement parlant... Un studio dans une roulotte amphibie pour traverser les océans graaaaaaave pourquoi pas ?!

Grems: Pourquoi j’écoute des prods de toi chaque jour depuis six ans ? Et pourquoi je n’arrive pas à m’en lasser ?

Simbad: aaaaah là t’es trop gentil Grems... Vas-y t’ es ouf moi je joue toujours des tracks de Deepkho que t’as fait avec les autres... Mais je crois que c’est ce qu’on essaye de faire avec Klub Sandwich (ainsi qu’avec nos projets respectifs), avoir un truc intemporel non ?

Grems: Pourquoi tu m’as présenté à Son Of Kick ? T’ as vu le résultat ?

Simbad: Hahaha ouais là vraiment bravo quoi... !!! Vous êtes trop une équipe de choc quand même c’est ridicule! Je n’ai jamais vu des gars qui sautaient autant sur scène ! C’est bien beau tout cela au bout du compte: le couple MC/producteur de l’année...

Grems: la France c’est un pays de gens qui pensent que tout leur est dù. La Fronce c’est un pays qui a decidé d’envahir la France. la Fronce c’est le pays du mélange, la France c’est le pays de la droite puante.

La Fronce va ruiner le FN, la France le nourrit.

Simbad à SOK: Faire du gros son dans ta chambre, jouer live ou faire le dj, qu’estce que tu kiffes le plus ??

SOK: Usle / Apple / Bama / Algebre 2.0 / Le Design / La House / Le Broken / Un mur / PMPDJ / 1000 featurings / KSW / Le Dubho / aider les gens (les gens les gens), et j’en passe... tu dors des fois ?

SOK: Non mais tu sais j’ai un studio Simbad...

Simbad: Pourquoi ce nom ?

Son Of Kick ?

SOK: Je trouvais que ça sonnait bien et accrocheur. Du coup je l’ ai gardé.

Simbad: Te vois-tu vivre à Londres encore longtemps ?

SOK: Londres ? Tu veux dire London ?

J’ai un peu de mal à lire le français de nos jours.

Grems: bien oui, avec ma meuf. En plus elle a pris un bonnet de plus avec la grossesse alors c’est le top. Les joies du travail ahahahhah.

SOK: Simbad + Disiz + Son Of Kick (+ Toi) dans le même groupe... ca va t’as pas eu peur quand t’as eu l’idée ?

Grems: Franchement non, entre Valcheux + 1 dragon c’est gérable. Au contraire moi je kiffe les trucs impossibles…. Alors là c’était ultra-parfait...

SOK à Grems: La France c’est bien non ? La Fronce c’est mieux ?

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Extra-terrestrial Bass Master As far as musicians go, Stephen Bruner isn’t your average cat. His father drummed with the Temptations, he was once in a boy band called No Curfew, he plays bass with Suicidal Tendencies and has been in the studio with Snoop Dogg, Erykah badu and Bootsy Collins. His Flying Lotus-produced debut, The Golden Age of Apocalypse, offers both stone-cold skill and uncanny astrality, picking up where the pair left off on 2010’s Cosmogramma and further distilling the jazz current running through that landmark Lotus release. He’s just, well, Thundercat.

On peut l’affirmer sans problème: Thundercat est loin d’être un amateur !

Avec un père batteur des Temptations, lui même membre d’un boy’s band étant ado puis bassiste des Suicidal Tendencies, il a cotoyé Snoop Dogg, Erikah Badu et même Bootsy Collins dans les meilleurs studios de la Bay Area ! Son premier album The Golden Age of Apocalypse produit par Flying Lotus, nous expose aussi bien son génie cosmique que sa technicité hors pair, reprenant là où Cosmogramma nous avait laissé et nous emmenant encore plus loin sur les traces d’un Jazz décomplexé….

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WF mag : Hi Stephen, how come you’ve waited so long to release you first solo album ?

Thundercat: well, it’s not so much that I waited; it’s more like the timing seemed right. I have always been an advocate of being in the moment, so to be honest I didn’t really give thought to putting out my own album until me and Flying Lotus started working together.

Many different words have been used to describe The Golden Age Of Apocalypse: Avant-garde, ultra-jazz funk, fusion, Jazzy Funk Chic & even punky electronica! How would you best describe your music?

I would describe it as from the heart.

There’s so much that went behind making the music of that album.

Each song has a story behind it. It’s like a piece of time in my life behind each tune.

to compare you with artists from today’s Jazz scene - Do you feel connected to a «scene» ?

Absolutely!! I am way connected to my peers right now. I just don’t always hang around the jazz cats!! Haha!!!

You have played for bands like Suicidal Tendencies and Sa Rah what’s the missing link between Skate Core / Punk and Jazz ?

Sincerity, passion, a lot of times people forget why they do music. It’s supposed to be fun! Playing different genres of music expands your mind, it’s not saying that you gotta have a country gig, a jazz gig and a rap gig, but for me, it means enjoy what your doing.

You once mentioned, “I do believe that hip-hop can be the new jazz, and I’m helping create that”. Do you think you have achieved this

leave the doors open on my live set, be open to anything. I looooooove having my band there, but I also appreciate a set with Flying Lotus where we can go to space.

What would be your dream line up to re-create the album on stage?

Hmmm, well dream line-up would be Donald Fagen, Micheal Mcdonald, singing background, Anthony Jackson playing second bass, my brother Ronald playing drums my little brother Jameel playing keys, and Herbie on second keys.

WF mag : Salut Stephen, Pourquoi astu attendu si longtemps pour nous offrir ce premier album ?

Thundercat : Eh bien, c’est pas vraiment que j’ai attendu mais juste que là c’était le bon moment pour le sortir – ça semblait

«I don’t know any bigger geeks than my boys, don’t know how someone would want to join our adventure time crew of misfits!»

You are coming from a very musical family - what kind of music did you listen to while growing up?

I was exposed to a whole lot of music growing up. Mainly jazz rooted, but very open. My parents musically planted us, and let us grow. I guess that would be the best way to put it.

Which artists really give you goose bumps when you listen to them ? (past & present) Okay, wow. Just to name a few, Tyler the Creator, Stanley Clarke, Herbie Hancock, Gino Vanelli, Georgia Anne Muldrow, Jeremy Lubbock, Ravel, Mr. Oizo, Flying Lotus, George Duke, Teddy Lazry, J dilla, J Davey, Joe Henderson, Wayne Shorter, etc. The list could keep going! Hahahah!!!

Your work is very often compared to Roy Ayers, George Duke and Billy Cobham / Weather Report - failing

with your album?

I would hope that my album was that significant.

Austin Peralta, Thundercat, Flying Lotus... it seems that the new generation of jazz-influenced musicians are coming from L.A. Have you seen anyone recently who could join that club?

Hmmm. Were not exactly the cool kids hahahah. I don’t know any bigger geeks than my boys, don’t know how someone would want to join our adventure time crew of misfits. Hahah but our surrounding peers are very jazz influenced also, maybe it doesn’t show as much.

How do you organize your live sets?

What kind of set up do you use?

Well, I’m sure that by now everyone would have seen me and Austin Peralta going at it on the YouTube, but I like to

être le bon moment – en fait j’ai imaginé sortir mes compositions qu’à partir du moment ou j’ai commencé à bosser avec Flying Lotus.

Pour décrire le contenu de The Golden Age of Apocalypse les journalistes ont été particulièrement imaginatifs dans les adjectifs utilisés… on a listé Avantgarde, ultra-jazz-funk, fusion, Jazzy Funk Chic & même punky electronica !

Lequel préfères-tu ?

Eh eh ! Personnellement je dirais que cet album vient du coeur avant tout – tellement de choses se sont passées pendant l’enregistrement que derrière chaque chanson il y a une histoire… J’ai mis une partie de ma vie dans chacun des morceaux.

Tu viens d’une famille de mélomanes et de musiciens – tu as grandi avec quelles musiques ?

Toutes sortes de musiques ! Trés orienté WF | 15

jazz, mais en restant très ouvert aux autres influences. Mes parents nous ont donné l’amour de la musique et ont laissé ces graines germer. Je crois que c’est la meilleure façon de décrire mon apprentissage musical.

Ok ! Quels musiciens actuels ou passés te donnent la chair de poule en les écoutant ?

Wow ! Okay ! Eh bien pour en nommer que quelques-uns je dirais Tyler the Creator, Stanley Clarke, Herbie Hancock, Gino Vanelli, Georgia Anne Muldrow, Jeremy Lubbock, Ravel, Mr. Oizo, Flying Lotus, George Duke, Teddy Lazry, J Dilla, 16 | WF

J*Davey, Joe Henderson, Wayne Shorter, etc. mais la liste pourrait continuer sans fin ! haha…

En lisant les critiques de ton albums les noms de Roy Ayers, George Duke and Billy Cobham / Weather Report reviennent souvent mais on oublié de te comparer ou de parler d’influences plus actuelles ! Tu te sens appartenir à une scène ?

Grave ! Je suis carrément connecté à mes pairs ! Mais je ne traine par forcément avec les jeunes jazzeux.

Tu as joué pour des groupes aussi différents que Suicidal Tendencies et Sa Rah – d’après toi c’est quoi le chainon manquant entre le Skate Core et le Jazz ?

Sincerité, Passion… Très souvent les gens oublient pourquoi ils font de la musique. Au départ c’est sensé être fun ! Se mettre à jouer plein de styles différents ouvre ton esprit. Je ne te dis pas que tu dois obligatoirement te mettre à jouer dans un groupe country, un jazz band et faire du hip hop … c’est juste qu’il faut savoir rester enthousiaste !

Tu as dit « je pense que le Hip Hop

est aujourd’hui ce que fut le Jazz autrefois » et que tu espérais faire avancer le mouvement. Penses-tu avoir réussi avec cet album ?

En tout cas j’espère que mon album va dans cette direction…

a pas plus geek que nous et franchement je ne vois pas comment quelqu’un voudrait rejoindre notre bande de marginaux haha… Mais comme on baigne dans un milieu trés influencé par le jazz peut-être ça ne se voit pas trop.

Entre Austin Peralta, Flying Lotus ou toi même, on a vraiment l’impression que Los Angeles est à l’avant-garde d’une nouvelle géneration de jazzmen.

As-tu récemment repéré quelqu’un d’autre qui pourrait rejoindre le club ?

Hmm… On n’est pas vraiment les gars les plus cool de L.A. héhé ! Au contraire, il n’y

Comment organises-tu tes concerts live ? Quel est ton set-up ?

Ben je pense qu’à l’heure où sortiront ces lignes, la plupart des gens auront vu les vidéos sur youtube, mais je laisse quand même une grande place à l’improvisation, je laisse les portes ouvertes... J’adooore jouer avec mon propre groupe mais je crache pas

sur un gig avec Flying Lotus, avec lequel on peut vraiment se mettre en orbite.

Dernière question, quel serait ton groupe idéal pour refaire l’album live ?

Hmmm je dirais Donald Fagen, Michael McDonald aux choeurs, Anthony Jackson à la basse, mes frangins Ron et Jameel, respectivement à la batterie et au clavier, et Herbie Hancock deuxième clavier !!!

interview/ Ivan Halen Semeria WF | 17

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Stream Dreams Boiler Room’s Bedroom Revolution

Words: John M. Gómez

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In April 2010, a group of respected London DJs turned up at a Hackney warehouse office with a bag full of records and a bottle of rum to stream a live video of them making a mixtape. On realising that their friends had actually tuned in to watch, they began to invite other DJ mates to bring down a bottle of rum themselves. Oh, and some records to play… Almost two years on, their list of mates has grown from including the then emerging talents of Jamie XX, James Blake, and Young Turks, to key players on the international scene Theo Parrish, Caribou, and Carl Craig. And with 35,000 people from all over the world tuning in to their live streams every tuesday, it would appear that something very special is brewing at Boiler Room.

En Avril 2010, un groupe de djs londoniens réputés s’est retrouvé dans un entrepot de Hackney chargé de sacs de disques et d’une bouteille de rhum pour se filmer en direct en train d’enregistrer une mixtape. Ils ont alors réalisé que de nombreux amis s’étaient connectés pour les suivre en direct, et ont commencé à inviter d’autres djs à ramener leurs propres bouteilles de rhum... et quelques disques. En deux ans, les talents émergents locaux ont participé au projet, de Jamie XX à James Blake en passant par les Young Turks, rejoints par des pointures internationales comme Theo Parrish, Caribou ou Carl Craig.

Avec 35000 personnes du monde entier se connectant chaque mardi pour suivre les vidéos, On dirait que quelque chose de très spécial se trame avec les Boiler Room.

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Going to Corsica Studios on a tuesday night is a bizarre experience. With more five panel caps and buttoned-up plaid shirts than usual, Boiler Room makes Elephant and Castle feel like a momentary centre of hip. Inside, an audience made up of 100 young East London visitors dressed in their weekend finest is sandwiched between a DJ who is foregrounded in front of a discreet webcam, and a prominent projection of the Boiler Room logo. There is something at the same time familiar and unknown about this set up. On the one hand, the dark venue, music, and crowd immediately settle me into a comfortable clubbing mode. But on the other, there is an air of self-awareness that breaks this spell. Clubbing, in a sense, is all about letting go: of your mind, of inhibitions, of day-to-day life. But here, the webcam looms large, interrupting the guarantee of anonymity that necessarily accompanies clubbing experiences. I can’t quite shake off this feeling of awareness and, it seems, neither can many other punters, who after “checking in” at Corsica Studios shuffle nervously behind the dj, searching for some signal with which to update their Facebook statuses. Anonymity out of the window, the Boiler Room experience is all about being here, and about letting people know that you are here.

C’est une expérience déroutante que de se rendre au Corsica Studio un mardi soir. Les casquettes et les chemises à carreaux qui fleurissent dans la foule en sont la preuve, les Boiler Room ont fait du quartier un endroit hype. A l’intérieur, une centaine de fêtards du East London se massent entre un dj (et sa webcam) et une projection géante du logo Boiler Room. Il y a quelque chose d’à la

fois familier et inconnu dans cette déco. D’un côté, la pénombre, la musique et la foule apportent une ambiance clubbing. Mais de l’autre, il y a un air de conscience de soi qui brise ce confort.

Le clubbing, dans un sens, nous fait nous lâcher, ne plus penser à rien, nous désinhibe et nous sort du quotidien. Mais ici, la webcam nous rappelle qu’on est pas vraiment anonyme contrairement à un club classique. Je ne peux me débarrasser de ce sentiment de conscience de soi, et j’ai le sentiment que c’est la même chose pour tout le monde. Chacun cherche nerveusement à se faire remarquer derrière le dj, à l’affut du moindre signal pour updater son statut facebook. Plus de place pour les anonymes, l’expérience Boiler Room consiste à être là, et à dire aux gens qu’on est là.

The inclusion of this group of fashionable kids in the live streams is fascinating. The crowd amounts to a lot more than a mere backdrop to the DJ’s mix, and draws viewers at home into something akin to an interactive Boiler Room community. If Boiler Room offers the rest of the world a connection to London’s vibrant underground dance scene, the fans’ presence makes this link a social one too by affording the viewer a voyeuristic peek into the ritualistic experience of going to a club in the city. Furthermore, the incorporation of a responsive audience – whether muted or wild – recalls the TV display of pop performances of shows such as Top of the Pops. TOTP brought a fix of Thursday night pop music into millions of British homes.

The musical content was formulated solely around chart success and, in a similar way, Boiler Room showcases acts that are on their way up in the dance world, but never those on the way down. And, like TOTP, Boiler Room WF | 21

«Nodding heads and outbursts of dancing are replaced by smileys and multiple exclamations» brings the viewer into the midst of a dancing or, at least, reacting audience. However, Boiler Room’s decision for the DJ to turn his or her back on the crowd breaks the reciprocal dialogue between performer and audience as seen in TOTP. This symbolic disregard is, perhaps, the most interesting feature of the Boiler Room format, and points to the most valued and privileged ingredient in its network: the thousands of viewers on the other side of the webcam.

L’incorporation de cette jeunesse hype dans les vidéos live est fascinante. Le public apporte bien plus qu’un simple décor derrière le dj, et donne une impression d’interaction aux spectateurs en ligne, l’impression de faire partie d’une communauté Boiler Room. Si Boiler Room offre au monde entier la possibilité de se connecter à la scène underground londonienne, la présence des fans donne aux spectateurs un lien presque social et un petit côté voyeur à l’expérience rituelle de se rendre dans un club de sa ville. De plus, la présence de ce public, muet ou actif, rappelle des shows télé tels que Top of the Pops. TOTP apportait une dose de pop musique chaque semaine à des millions de foyers britanniques. Le contenu musical était basé sur les charts, et dans un sens, Boiler Room offre à voir les stars montantes de la dance music et non celles en déclin.

Et comme chez TOTP, Boiler Room montre un public en train de danser, ou tout du moins de réagir. Par contre, la décision des Boiler Room de faire tourner le dos du dj à la foule casse le dialogue entre l’artiste et le public, comme c’était le cas chez TOTP. Ce “mé22 | WF

pris” symbolique est probablement le part la plus intéressante du concept, et met l’accent sur l’ingrédient le plus important et le plus valorisé de ce projet : les milliers de personnes derrière leur écran.

As the DJ plays into cyberspace he or she triggers a virtual world of text-only responses on Facebook, Twitter, and the infamous “chat room massive”. Nodding heads and outbursts of dancing are replaced by smileys and multiple exclamations, stimulating a new model of collective music consumption for the Internet generation.

But what are the repercussions of substituting skeleton-shattering sound systems with laptops, and clubs with bedrooms? It would be easy to argue that it encourages an inadequate sacrifice of the corporeal, but then, how can one account for the 85,000 people that tuned into Richie Hawtin’s recent stream from a Boiler Room event in Amsterdam? The mass diffusion of Boiler Room’s streams presents a unique opportunity for people in locations without a thriving musical scene to feel connected. The DJ, the physical audience, and the home viewers all converge at the online social platforms, assembling a community of geographically disconnected listeners that share a listening experience.

Boiler Room listeners may listen privately in bedrooms scattered around the globe, but along with the video’s visual cue, the immediate response of the chat room reminds them that they listen alone together.

«Everyone wants to be seen listening to Boiler Room» Tandis que le dj joue dans ce cyber-espace, il répond en direct à des messages sur Facebook, Twitter ou sur la désormais célèbre “chat room massive”. Les pas de danse ont été remplacés par des smileys et les réactions en ligne, créant une nouvelle manière de consommation de la musique pour la génération Internet. Mais quelles sont les conséquences de cette substitution? On pourrait déplorer ce sacrifice des “corps”, mais que dire lorsque 85 000 personnes se connectent pour suivre la performance de Richie Hawtin à Amsterdam pour un évènement Boiler Room? Cette diffusion massive permet à des gens ne vivant pas forcément dans un environnement musical foisonnant de se sentir à la page. Le dj, le public sur place et les spectateurs en ligne forment une communauté géographiquement éclatée mais partageant la même expérience musicale. Les gens sont peut-être dans leur chambre partout autour du monde, mais grâce à la vidéo et aux réactions en lignes, ils savent qu’ils écoutent le mix seuls mais à plusieurs.

For the guest DJ, the experience might be described in opposite terms. There is another side to the gesture of the turned back, which also encourages the DJ to forget that anyone at all is watching. This deception, which is aided by the dim lights and the inconspicuous camera, alleviates pressure and allows the DJ’s focus to rest solely on the music, and not on checking whether the crowd behind is dancing. For every visiting DJ the experience should be about feeling at home, and about playing records that they love, as if they were playing for mates.

This takes us back to Boiler Room’s origins and reaches to its core: Boiler Room is a place for likeminded people to immerse themselves in music. Ultimately, it’s not a club night; it’s bedroom-to-bedroom broadcasting. And this continual return to forward thinking basics is what makes Boiler Room so much more than a tagged location in someone’s midweek diary. And this, too, is its cultural and commercial strength. Everyone wants to be seen listening to Boiler Room.

Pour le dj invité, l’expérience peut être décrite en des termes opposés. Tourner le dos au public lui fait petit à petit oublier que tout le monde le regarde. Cette configuration, couplée à la lumière tamisée et la très discrète caméra, enlève de la pression et permet au dj de se concentrer uniquement sur la musique, sans se soucier de savoir si son public est en train de danser. Chaque dj doit se sentir comme s’il passait des disques chez lui, pour des amis. Ceci nous ramène aux origines de Boiler Room : trouver un endroit où des passionnés se saoulent à la musique. Au final, ce n’est pas une soirée en club, c’est une émission en direct de “chambre” à “chambres”. Cet esprit avant-gardiste mais au final assez basique fait de Boiler Room bien plus qu’un simple rendez-vous hebdomadaire dans votre agenda. Et c’est également sa force culturelle et commerciale. Tout le monde veut être vu en train de regarder Boiler Room!

Photos - Avinash Daryanani WF | 23

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Henrik Schwarz Instruments

Henrik Schwarz worked out, via several commission works for classical concerthouses, a unique transformation to experience electronic dancemusic aesthetics being performed by an acoustic chamber ensemble. Without any use of electronics but still to keep the intense feel of dancemusic.

Henrik Schwarz a réussi, grâce à de nombreuses commandes pour des concerts classiques, une transcription unique des esthétiques de la musique électronique pour un ensemble acoustique.

Sans aucune aide électronique, il conserve le sentiment d’intensité de la musique de club.

It has always been a dream of mine to work with an orchestra. I kept asking myself if it would be possible to transfer the aesthetics and energies of techno and electronic dance music into a concert hall.

As I see it at the moment three different trends are coming together. Number one is that there seems to be a new openness towards other kinds of music from inside the classical music scene. Concert halls seem to have difficulties to attract new and younger audiences to fill these large venues. Not everybody wants to hear just music that is 100 or more years old. A lot of classical music that is younger than that is not very easy to access for a new audience. It can be very complicated or encrypted and some people say it is elitist.

Number two is the fact that electronic musicians and techno music as a genre have developed now for over twenty five years. There is a lot of knowledge in this music today and it is full of interesting references and a huge amount of people love to listen to it not only in a club.

Techno music built its own heritage. So in a way we are ready for the next step. We have something to give and we have an audience.

Number three is a technological change that happens since maybe one or two years now. The speed of computers is no longer priority number one. Computers have become so fast that we really can use them nearly without limitations. Computers can be turned into instruments now.

That’s why the influence of the medium computer seems to fade as human beings gain control over what they do with digital machines again. (We are no longer slaves to technology). The computer disappears in the background but still does important work to help create things we haven’t heard before.

So lucky me I have been asked by the Stuttgart Chamber Orchestra in early 2010 to work with them for a concert

they were planning for the festival Jazz Open Stuttgart. I was electrified by the chance to do this and had the idea to take ten of my own tracks and remixes and convert them into notes and sheet music and then see if it could be played and find out what happens to the music when it is played by a classic ensemble. I realized quickly that this is something that was much more complex than the usual computer arrangement and software plug-in work. I asked the orchestra if they had someone to help me handling the notes and with some knowledge for instruments and orchestra arrangement. They sent me Jo Brecht who is a conservatory bass player and a fantastic musician. We immediately had a very good understanding of where we wanted to take things and we ended up in long discussions about acoustic instruments, their sound and the interplay with others. I read a couple of mind-boggling books about microphones, arrangement and orchestra instruments and in which direction each instrument sends its sound and the tone range etc… It has been a lot of work but I was so hooked by all the new information and the incredible 400 years knowledge that resides in this way of music making. I was tremendously impressed and it was fantastic to work with Jo as he also could answer many of all the new questions I had. We both used the same software orchestra sample library on our computers and sent files back and forth. This is how we made our first previews to hear how my re-arranged compositions would sound like. Already the first sketches sounded amazing and we got the feeling this could be very special.

So after a couple of weeks we had our 450 pages score ready for the rehearsals. I was super nervous about how the conductor and the musicians would react to what we had written. When the 17 pieces string ensemble took the notes and did their first round of my track Walk Music I WF WF|| 25 25

got goose bumps all over. It was one of the most amazing moments of my career so far. It worked! And it sounded incredible!

I wanted to have it really pure - no electronics involved, no effects and most important: no 4/4 bass drum! I had the feeling that it would be stronger if there were just the musicians and nothing else. And I was interested what would happen to my music if you leave the strongest element (the electronic bass drum) away.

Unfortunately after the three-day rehearsals the open-air concert was cancelled because of super heavy rain and thunderstorms. The premiere got literally washed away. Anyway we had learned a lot and I was sure that I wanted to record and album with this music.

After several months of improving the sheet music, getting the microphones, finding musicians and a place to record we finally found ourselves sitting in a small beautiful church in Berlin Kreuzberg in Mai 2011 together with eleven musicians, tons of cables, recording gear and microphones. We had changed and improved the score so that we now had two Bassoons, a clarinet and bass clarinet, flute and bass flute, double bass, cello, viola and two violins. Also we had several percussion instruments like marimba, vibraphone, xylophone and Timpani and Gran Cassa. It became a huge production but after one week of recording I had the feeling it is definitely worth the work. What we have recorded is definitely a kind of music I hadn’t heard before. It is a blend of old and new, of electronic dance music and the aesthetics of a classical ensemble all brought together into one.

I know from concerts with my duo project with pianist Bugge Wesseltoft that there is a new audience that appreciate new formats a lot. After all these years of playing Techno and House live, I have the feeling audiences around the world are coming to concerts with a very very open minded attitude. Many of them have listened to electronic music since many years and they know what’s going on in music. So, many people seem to be open for experiments, walk new paths, no need to only get what you wanted - they are open to get something unexpected and they seem to appreciate even when the path towards this new experience is not super easy to go. In this rather complex world people have understood that it is super interesting to watch and see and hear what happens when you throw two completely different things together. It has been a very new experience to play to a seated audience! But I have to say I love it too!

Everybody is very focused while listening and you are not forced to make anyone move his hips. Instead, people give you their full positive listening attention and this creates a very special energy when you play.

So for me this project Instruments is a new start. 100.000 new interesting questions come up when you work in this new environment with classical musicians, non-amplified music in concert halls, real room reverbs without plug ins, real people, virtuosity, etc. The computer enters the concert halls without even being there. Two completely separate paths in music come together again after decades of separation. It is a clash of cultures with huge potential and this is just the beginning.

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Ça a toujours été un de mes rêves de travailler avec un orchestre. Je me suis souvent demandé s’il serait possible de transférer les énergies de la techno et de la musique électronique dans une salle classique.

Je vois trois modes arriver aujourd’hui. La première est un grand esprit d’ouverture à l’égard des autres musiques de la part du milieu de la musique classique. Ces salles semblent avoir des difficultés pour attirer les spectateurs les plus jeunes et remplir ces grandes capacités. Tout le monde ne veut pas entendre de la musique vieille de plus de cent ans. La musique classique plus récente n’est pas forcément plus accessible pour les jeunes spectateurs. Cette musique peut paraître compliquée et est souvent qualifiée d’élitiste.

La seconde vient du fait que les artistes électro et la scène techno en général s’est développée sur plus de vingt-cinq ans. Il y a beaucoup de connaissance dans cette musique aujourd’hui et des références intéressantes. On n’écoute plus cette musique uniquement dans des clubs. La techno s’est construite son propre héritage. Dans un sens nous sommes prêts à franchir le prochain palier. Nous avons quelque chose à donner et nous avons un public.

Troisièmement, nous vivons depuis un ou deux ans une évolution technologique. La vitesse des ordinateurs n’est plus la première priorité. Ils sont tellement rapides qu’on peut les utiliser quasiment sans limites. Ils peuvent servir d’instruments. C’est pourquoi leur influence s’amenuise peu à peu, on se sert d’eux comme des instruments digitaux à l’époque. Nous ne sommes plus les esclaves de la technologie. L’ordinateur disparait dans le décor mais continue de nous aider à créer des choses inconnues auparavant.

J’ai eu la chance d’être approché par le Stuttgart Chamber Orchestra début 2010 pour un concert lors du festival Jazz Open Stuttgart. J’ai été electrisé à l’idée de voir ma musique et mes remixes réinterprétés par un orchestre classique. J’ai rapidement réalisé que la tâche serait bien plus difficile que les habituels arrangements par ordinateur et les lancements de logiciels. J’ai demandé à l’orchestre s’ils pouvaient me conseiller quelqu’un pour transformer ma musique en notes et qui aurait une connaissance suffisante des instruments. Ils m’ont renvoyé à Jo Brecht, bassiste au conservatoire et musicien d’exception. Nous avons tout de suite compris où nous voulions en venir et nos entrevues se sont transformées en discussions interminables sur les instruments acoustiques, leurs sons et leurs interactions entre eux. J’ai lu quelques livres sur les micros, les arrangements, les instruments dans les orchestres, dans quelles directions ils envoient leurs sons etc... Cela a représenté beaucoup de travail mais j’étais absorbé par ces nouvelles connaissances, ce savoir faire de plus de 400 ans. J’étais très impressionné

et ça a été passionnant de travailler avec Jo, il avait les réponses à toutes mes questions. Nous avons utilisé la même base de données de samples d’orchestres et nous avons passé notre temps à nous envoyer des fichiers. C’est de cette manière que nous avons fait les premiers extraits de ce à quoi ressemblerait ma musique. Ils sonnaient fantastiquement bien et on a eu ce sentiment de faire quelque chose de très spécial.

Après quelques semaines, nous avions nos quatre cent cinquante pages de partitions prêtes pour les répétitions. J’étais super nerveux, j’avais peur de la réaction du chef d’orchestre et des musiciens à la vue de notre travail. Lorsque l’ensemble des cordes (dix sept musiciens) a joué le début de mon morceau Walk Music j’en ai eu la chair de poule. Probablement l’un des moments les plus impressionnants de ma carrière. Ca fonctionnait !

Et ça sonnait merveilleusement bien !

Je voulais que tout soit vraiment pur, sans éléments électroniques, sans effets et le plus important de tout : pas de beat 4/4! (pas de structure rythmique). J’avais le sentiment que le tout serait plus fort si les musiciens étaient seuls. Je voulais savoir ce qu’il adviendrait de ma musique sans son élément le plus fort : sa rythmique.

Malheureusement après trois jours de répétitions le concert en plein air a été annulé à cause de la pluie. La première est littéralement tombée à l’eau ! Mais on avait beaucoup appris et on était sûrs de vouloir enregistrer un disque.

Après des mois de réglages, d’améliorations, on s’est finalement retrouvés dans une très belle petite église à Berlin en mai 2011 avec onze musiciens, des tonnes de cables, du matériel d’enregistrement et des micros. Nous avons changé pas mal de choses sur les partitions et nous avions dorénavant deux bassons, une clarinette, une clarinette basse, une flûte, une flûte basse, une double basse, un violoncelle, un alto et deux violons.

Nous avions également beaucoup d’instruments à percussions : marimba, un vibraphone, un xylophone, des timbales et grosses caisses. C’est devenu une grosse production mais après une semaine d’enregistrement je savais que ça en valait la peine. Ce que nous avons enregistré est un genre de musique que je n’avais jamais entendu avant. C’est un mélange entre le passé et le présent, entre les esthétiques de la ‘dance music’ et de la musique classique qui ne feraient plus qu’un.

Depuis mes concerts en duo avec le pianiste Bugge Wesseltoft, je sais qu’il existe un public prêt à être confronté à de nouveaux formats. Après toutes ces années à jouer en live de la techno ou de la house, je sens que ces spectateurs ont l’esprit très ouvert. Beaucoup d’entre eux écoutent de la musique électronique depuis des années et savent

«Two completely separate paths in music come together again after decades of separation.

It is a clash of cultures with huge potential and this is just the beginning» ce qui se passe dans ce domaine. Du coup beaucoup de gens sont prêts pour ce genre d’expérimentations, à faire face à l’inattendu, même si la nouvelle expérience n’est pas très accessible. Dans ce monde complexe, ils comprennent qu’il est très intéressant de regarder et d’entendre ce qui se passe quand on mélange deux choses complètement différentes. C’était très surprenant pour moi de jouer face à un public assis !

Mais je dois avouer que j’ai adoré ça ! Tout le monde reste très concentré pendant l’écoute et tu n’es pas forcé de les faire danser. L’attention totale des spectateurs crée une véritable énergie.

Du coup pour moi ce projet Instruments est un nouveau départ. 100 000 nouvelles questions se sont posées à moi en travaillant dans ce nouvel environnement avec des musiciens classiques, de la musique non amplifiée, la vraie reverb de la salle, de la virtuosité, etc... L’ordinateur est entré dans ces salles d’opéra sans pour autant être là. Deux chemins très éloignés dans la musique se sont rejoints avec des années de séparation.

C’est un clash des cultures avec un potentiel énorme, et ce n’est que le début !

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Robert Glasper

& the New Jazz Standard Plus que dans n’importe quel autre style, le jazz provoque un dialogue ouvert avec les traditions qui le nourrissent. Le hip-hop et la musique à base de sample a créé une polyphonie esthétique à partir d’un bricolage musical, mais jouer du jazz engage un réel échange avec son héritage. Les rêves et les aspirations d’un musicien de jazz se sont toujours mêlés à une tradition très figée des standards du genre.

Ces standards sont généralement des compositions très connues qui servent de base à de nouveaux arrangements et des improvisations.

Ils sont l’ADN d’un jazzman.

More than any other music, jazz encourages an open dialogue with the traditions that nourish it. hip hop and sample-based music have created a polyphonic aesthetic out of musical bricolage, but the performance of jazz engages a more literal and ongoing conversation with its musical inheritance. The jazz musician’s musical dreams and aspirations have always been entangled with the fixed tradition of the jazz standard.

Standards are recurring and widely known compositions that become the basis for arrangements and improvisations. They are the jazz musician’s DNA, fundamental building blocks that contain the entirety of his or her hereditary information.

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«To be jazz now means to be hybrid and open» Robert Glasper envisage les standarts comme un moyen de se connecter à son environnement musical.

Il les traite comme des mediums à travers lesquels il peut autant transmettre que recevoir. Cependant, ses standards n’en sont pas à proprement parler. Ils sont le résultat d’une recherche approfondie dans l’histoire du jazz, mais peuvent plus souvent provenir d’un style étranger au jazz. Glasper s’intéressera autant aux mélodies de J Dilla, David Bowie ou Scarface qu’à celles de Herbie Hancock ou Sam Rivers. Il faut y voir autant des références que des hommages. Glasper essaie simplement de faire en sorte que le jazz reste à la page. Il voit dans ces chansons les idées qu’elles contiennent mais également leur intrinsèque valeur musicale et leur signification culturelle.

Glasper n’est pas le seul musicien de jazz à se tourner vers la culture populaire pour trouver l’inspiration. La relation entre Brad Melhdau et Radiohead ou Nick Drake ne date pas d’hier, les performances de Jason Moran empruntent autant à Björk qu’à Africa Bambaataa, tandis que The Bad Plus ont repris ABBA, Aphex Twin ou Blondie. Comme ces artistes, Il compose des morceaux contemporains aux refrains reconnaissables. Cependant, et c’est sûrement le plus important, il choisit des compositions qui pourront garder leur identité et ne joue pas la carte provocatrice de la transformation.

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Robert Glasper approaches standards as a way of connecting with the musical environment he lives in. He treats them as mediums through which to transmit as well as to receive. However, his standards are not, in a sense, standard. They are the result of an outward look beyond jazz’s written history, and more often than not, they come from outside the familiar confines of the jazz songbook. On the occasions when Glasper looks to music written by someone other than himself, he pulls melodies from J Dilla, David Bowie, and Scarface with the same confidence and underlying admiration as he does from Herbie Hancock and Sam Rivers. Glasper’s appropriations are referential and reverential, playful nods to music that he clearly loves which seek to assure jazz remains a relevant music. Indeed, one senses that he approaches these songs not only for the ideas they contain, but also as a way of vindicating their intrinsic musical value and cultural significance.

Glasper is not, of course, the only contemporary jazz musician to turn to popular culture for inspiration. Brad Mehldau has a long-standing relationship with the painful beauty of both Radiohead and Nick Drake, Jason Moran’s performances have absorbed everything from Björk to Africa Bambaataa, and The Bad Plus’ list of covers includes ABBA, Aphex Twin, and Blondie. Like these musicians, Glasper chooses contemporary songs with easily recognisable refrains. But also, perhaps more importantly, he chooses compositions that can sustain their identity in spite of provocative transformation.

LA CULTURE DÉBORDE, TÉLÉRAMA AUSSI

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Cette façon de Glasper d’interpréter des standards s’attache plus a reconstruire un morceau que de faire des solos. Ses improvisations offrent des commentaires impressionnistes qui personnalisent une chanson sans jamais oublier la mélodie originelle. Au lieu de donner des formes figées, ses interprétations délivrent à l’auditeur des références sur plusieurs niveaux. Prenons comme exemple son incroyable version du Smells Like Teen Spirit de Nirvana sur son dernier album Black Radio. Cette chanson est comme un puzzle: quelques fragments de la mélodie serpentent avant de s’écraser dans le refrain si connu. La reprise de Glasper fait s’entrechoquer familiarité et surprise. Il s’ingénue à destructurer les plages vocales grâce à un vocoder fantômatique, puis construit des structures pour immédiatement leur injecter des doses mortelles de distortion et autre boucles aléatoires… Glasper ne retranscrit pas les mélodies telles qu’elles sont mais telles qu’il les voit, nous questionnant sur le processus de perception.

Les standards de jazz ne se définissent pas par leur immuabilité, mais par leur capacité à inspirer une multitude d’interprétations individuelles. Ils traversent les époques parce que chaque interprète peut voir dans la même séquence de notes une chanson différente. Glasper voir dans chaque interprétation un nouveau commencement. Il combine les styles, la personnalité, les expressions dans ses propres reprises. Il répond à quelque chose formulé précédemment : ajouter des WF | 31

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impressions personnelles qui portent le sceau de son propre ADN. Néanmoins, même si elle devient plus floue, la mélodie originale reste présente et tout pousse à la reconnaître. C’est ici que réside la beauté de ces versions : les standards n’arrêteront jamais d’évoluer.

Les travaux de Glasper vis à vis des standards revigorent des morceaux familiers, mais mettent également en lumière le fait que les frontières entre les styles disparaissent peu à peu. Son répertoire très large nous montre que si l’on considère le jazz uniquement en tant que tel, on le confine dans un musée et l’on risque de passer à côté de quelque chose de bon. Finalement, cette approche aventureuse des reprises montre le véritable visage de l’artiste et continue l’histoire sans fin du jazz.

“Etre jazz” aujourd’hui, signifie être ouvert et hybride, et Glasper initie les auditeurs à une musique peut-être peu familière mais avec un nouvelle forme de profondeur et de respect.

Glasper’s performance of standards is an education in the art of constructing songs, rather than solos. His improvisations offer impressionistic commentaries that re-personnalise, but never displace, the original melody. Instead of giving us fully realised forms, his interpretations provide the listener with layers of suggestive references out of which forms slowly unfurl. Take for instance his compelling take on Nirvana’s “Smells Like Teen Spirit” from his latest album Black Radio. The song makes itself known like a puzzle: lonely fragments of the melody pop out against Glasper’s soft and atmospheric piano meanderings before finally crashing into the anthemic chorus. Glasper’s cover plays with familiarity and expectation. He distorts the already incoherent vocals through a ghostly vocoder and builds patterns only to immediately deny them by injecting randomness and distortion.

Glasper makes melodies visible not as they are, but as he sees them, calling attention to our process of perception.

Jazz standards are not defined by the stability of their meanings, but by their ability to inspire a multiplicity of individual interpretations. They endure not because they are static, but because they allow every performer to discover in the same sequence of notes a different song. Glasper sees every interpretation as a new beginning. In his own covers, he always compounds styles, utterances, and personalities. He responds to something that was said before, adding small personal impressions that bear the mark of his own genetic construction. However, whether blurred or pronounced, the original melody is always present and everything grows out of its recognition. And here lies the beauty of his versioning: although there is an unchanging place of departure, the journey’s end remains open so that nobody can ever have the final say. Standards evolve so as to never stop evolving.

Glasper’s daring engagement with the standard tradition reinvigorates familiar works, but it also illuminates how small the gaps between musical styles and ages have actually become. His diverse repertoire proposes that if we think of jazz only in terms of jazz, we are bound to miss something good and confine it to the museum. Indeed, his adventurous approach to covers brings his rich genetic heritage to the table, and slips it into an openended story of jazz that looks assertively into a future of endless modifications. To be jazz now means to be hybrid and open, and Glasper prepares listeners to find themselves engaging with unfamiliar music with newly found depth and respect.

Words: John M. Gómez

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Bass is the Place Cinquante ans d’indépendance musicale jamaïcaine

Fifty Years of Jamaica’s Musical Independence

La Jamaïque fêtera cet été ses 50 ans d’indépendance. Alors que les célébrations iront jusqu’à leur apogée au mois d’août prochain, de nombreuses festivités liées à l’héritage musical de l’île secoueront la diaspora Jamaïcaine tout au long de l’année. Ce n’est une surprise pour personne, tant ce petit territoire a pu influencer le monde entier, le reggae devenant l’une des caractéristiques essentielles de la musique moderne. L’influence de la musique jamaïcaine post-coloniale se ressent un peu partout, de la montée en puissance des producteurs et des djs, à la culture du remix en passant par l’importance du rythme et de la basse dans un morceau. Cet héritage se fait ressentir une nouvelle fois cette année, alors qu’un film sur la vie de Bob Marley s’annonce et que la bass culture fait irruption dans tous les recoins de la musique électronique. Et la présence de quelques uns des plus beaux ambassadeurs du reggae dans la programmation du Worldwide Festival confirme ce regain d’intérêt. Mais pourquoi donc le reggae est-il toujours si populaire ?

This summer sees Jamaica celebrating fifty years of political independence.

As the anniversary celebrations rise to a crescendo in August, many of the festivities taking place throughout the Jamaican Diaspora will revolve around the island’s rich musical heritage. This should come as no surprise: over this period this small island has exerted a tremendous musical influence around the globe, with sub-genres of reggae foreshadowing, if not outright determining, many of the essential characteristics of modern music. The influence of postcolonial Jamaica’s music can be felt in everything from the rise to artistic prominence of the producer and the dj, to remix culture and the unapologetic dominance of rhythm and bass in a song’s mix. This legacy is again making itself heard in 2012, when a major film about Bob Marley’s life has hit our screens and new incarnations of bass culture can be felt at every corner of the electronic music landscape. Moreover, the presence of some of reggae’s most illustrious cultural ambassadors at this year’s Worldwide Festival further confirms this resurgence of interest, prompting us to ask what might our turn back to these sounds be about?

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Avant l’indépendance,

la musique populaire de l’île manquait cruellement d’identité. On trouvait d’un côté une tradition folk, et de l’autre des imitations du R&B américain. La naissance de la Jamaïque s’est faite de pair avec l’émergence d’une forme locale de musique, le ska, qui mêlait ces influences tout en affirmant une fierté nationaliste.

Le ska était une musique autonome, écrite, produite et jouée seulement par les jamaïcains. Cependant, au milieu des années 60, ceux-ci ont commencé à perdre confiance en eux alors que le potentiel économique du pays ne pouvait faire face à cette indépendance nouvellement acquise. Le ton rapide du ska s’est ralenti, reflétant musicalement l’état d’esprit général du pays, et ce nouveau rythme plus lent a remodelé le ska en quelque chose de plus rocksteady, puis en reggae. L’ascension spectaculaire de Bob Marley a fait du reggae un phénomène international et commercial, mais la pauvreté grandissante des musiciens les a contraint à beaucoup d’inventivité, avec des moyens techniques et économiques très limités.

Alors que le reggae s’invitait sur les scènes du monde entier, de nombreux producteurs inventaient une façon innovante, peu onéreuse et artisanale d’envisager la musique avec les sounds systems locaux à l’esprit.

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Après la seconde guerre mondiale, les musiciens en Jamaïque se sont raréfiés et les fonds pour l’enregistrement étaient à sec. Pour contrer cela, quelques producteurs comme King Tubby, Lee Scratch Perry ou Errol T se sont lancés dans l’enregistrement de morceaux reggae populaires, s’efforçant de les disséquer pour en faire quelque chose de nouveau. Le but du Dub était de s’attaquer à des chansons déjà enregistrées, les utilisant comme des matériaux à réinterpréter.

Heureusement, après l’indépendance, la Jamaïque était débarrassée de la loi Britannique sur le copyright, et les producteurs dub n’ont pas eu à se soucier des droits d’auteur. Ces scientifiques du son expérimentaient énormément avec les nouvelles technologies électroniques, explorant les possibilités créatrices de la réverbé-

ration, des équaliseurs, pour inventer des atmosphères hantées et des collages sonores. Ces pionniers sont allés aux limites des enregistrements, ouvrant la voie aux producteurs de musiques électroniques et pavant le chemin de la musique participative et de la culture du remix dans laquelle nous vivons.

Avec le recul, on peut penser que ces esthétiques fragmentées et “sans règles” reflétaient la société dans laquelle elles ont émergé. Le Dub comme un défi, le son de l’indépendance, une réécriture subversive à travers des manipulations soniques !

Le Dub gardait les soundsystems à l’esprit. Ceux-ci ont été les forces motrices de la culture musicale jamaïcaine depuis la fin des années 40, lorsqu’ils traversaient le pays de ville

« Le Dub comme un défi, le son de l’indépendance, une réécriture subversive à travers des manipulations soniques »

en ville pour apporter de la musique aux communautés urbaines apauvries.

Les sound-systems ont ensuite suivi les milliers d’immigrés jamaïcains en Angleterre ou aux Etats-Unis dans les années 50, contribuant à la prolifération de la musique jamaïcaine sur la scène internationale.

Comme le dub, les premiers sound systems apportaient une touche innovante, subversive et déconstruite. Les artistes à la manoeuvre s’acharnaient à modifier leur matériel pour en augmenter la profondeur et les basses fréquences tandis que les sélecteurs allaient à l’encontre des formes traditionnelles des chansons en manipulant les disques qu’ils passaient. Les morceaux étaient joués en même temps et surchargés d’effets.

On chantait par dessus, on les coupaient abruptement, transformant

une opération à priori statique – passer des disques – en une performance live. Ces performances avaient un but unificateur, entrainant les foules ondulantes dans une congregation presque spirituelle de basses. Là encore, une métaphore de l’indépendance du pays : un vibrant grondement des sound-systems suffisamment puissant pour faire trembler les fondations de la Terre.

Les célébrations de cet été commémoreront autant ces moments que la date historique de l’indépendance, marquant le cinquantième anniversaire d’une culture qui fait toujours des vagues. Et la culture des soundsystems, représentée aujourd’hui par les ambassadeurs du genre : Channel One Sound System, ainsi que l’inégalable David Rodigan, cristallisent

l’appel de la basse dans la musique globale.

Dans ces temps incertains, la basse sert à nouveau de force réconfortante qui donne du sens à nos vies. Le slogan du label de Mala (DMZ), “Venez méditer sur le poids des basses”, met en lumière cet esprit de communion, et s’appuie son héritage. En parallèle, les actes déconstructivistes des pionniers du genre prennent un signification nouvelle dans un monde chamboulé en pleine austérité. Plus les temps sont durs et plus les sound systems prospèrent, et plus la pulsation de l’indépendance a besoin de se faire ressentir.

John M. Gómez

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RADIO CAMPUS & RADIO GRENOUILLE PROUDLY PRESENT WORLDWIDE FESTIVAL 2012 3 DAYS OF LIVE BROADCAST FROM SETE

Prior to independence,

popular music on the island lacked a strong personal identity, and was divided principally between the folk tradition of mento, on the one hand, and imitations of American R&B, on the other. The birth of Jamaica compounded with the rise of a new form of locally produced music, ska, which melded these influences whilst stimulating a sense of nationalistic pride. Ska was a self-assured and self-sufficient music, and was written, produced, and performed in its entirety by Jamaicans. However, by the mid-1960s Jamaicans saw their newly acquired confidence dwindle, as the economic potentialities of independence remained unfulfilled. The fast-pace of ska began to drop, musically reflecting a fall in social mood, and this reduction of rhythmic pace remodelled ska into rocksteady and, later, reggae. The spectacular rise of Bob Marley made reggae an international and commercial phenomenon, but deepening poverty at home forced the majority of Jamaican musicians to be inventive with limited technical and economic resources.

While roots reggae travelled stages around the world, a number of inward looking studio engineers pioneered an innovative, thrifty, and lastingly influential way of crafting music with local sound systems in mind.

Following the Second World War, there was noticeable shortage of performing ensembles in Jamaica and few funds for the recording of new material. To counter this, studio engineers like King Tubby, Lee Scratch Perry, and Errol T began experimenting with recordings of popular reggae songs, breaking them down to create new music out of them. Dub focused on the inner workings of recorded songs, drawing attention to their status as recordings and using them as a foundation for reinterpretation. Fortunately, following independence, Jamaica no longer responded to British Copyright law, so dub engineers could exploit recorded music without fear of prosecution for copyright infringement. These scientists of sound experimented heavily with electronic processing technology, thoroughly exploring the creative possibilities of reverberation and equalisation to create haunting and strangely uneven aural collages.

These pioneering producers explored the limitless potential of recordings, setting the template for electronic music production to follow and paving the way for the participatory and interactive remix culture we live in. Looking back, dub’s fragmentary and unruly aesthetic also reflected the unstable Jamaican society out of which it emerged. Dub was the defiant sound of independence; a subversive re-writing of predetermined social circumstances through sonic manipulation.

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« Dub was the defiant sound of independence; a subversive re-writing of predetermined social circumstances through sonic manipulation »

Dub was made with the ineffable sound system in mind. Sound systems have been the driving force of Jamaican musical culture since the late 1940s, when they travelled between Jamaican cities bringing access to music to impoverished urban communities. Sound systems then followed the thousands of Jamaicans that immigrated to British and American cities in the 1950s, contributing significantly to the proliferation of the international market for Jamaican music. Like dub, early sound systems were exploratory, subversive, and deconstructive operations.

Engineers modified sound systems to augment the depth and low-end frequencies of their recordings, and selectors disregarded traditional notions of song form by severely manipulating the records they played out. Tracks were stitched together and laden with effects; they were rapped over, hitched up, or abruptly cut off, transforming a seemingly static operation – that of playing records – into an unmistakeably live performance. These performances had a unifying purpose, bringing swaying

crowds together in an almost spiritual congregation delineated by thunderous echoes of bass. These bone-rattling reverberations are a powerful metaphor of independent Jamaica: a vibrant and unifying growl resonated by sound systems loud enough to shake the foundations of the earth.

This summer’s celebrations commemorate these moments as much as the historical occasion, marking the 50th anniversary of a cultural explosion that is still making waves. Like independence, bass is now less something to remain documented, and more than ever the vital foundation upon which everything else rests. Jamaican sound system culture, as currently represented by the ambassadorial sounds of the mighty Channel One Sound System and the unmatched David Rodigan, has crystallised the appeal of bass in global music. The hyperbolic thumps of the first sound systems have evolved so much that they have become a trope broadly applied to twenty-first century dance music. In

newly uncertain times, bass again serves as a warm and comforting force that gives shape to our lives. Mala’s DMZ label’s slogan, ‘Come Meditate on Bass Weight’ points to this spirit of communion and release, and nods to the heritage that lies beneath. Similarly, the deconstructive procedures pioneered by the dub scientists acquire new significance in the current state of upheaval, unrest, and restraint.

As times get tough and sound systems prosper again, the pulse of independence makes itself felt, calling for old sounds to be heard anew.

Words: John M. Gómez

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It was back in summer of 1988 that we launched a “designer fanzine” called Straight No Chaser. Basically, none of the mainstream music mags were interested in the radical mix of musics that we were into. So, launching our own publication made complete sense. It was the dawn of club culture and Straight No Chaser was rooted in the club scene, especially the “jazz dance” scene. The magazine was at the hub around which a Worldwide community evolved.

While illuminating the legends of the past, the magazine championed a new generation of deejays and musicians. Musical boundaries and categories were tossed to the wind and the musical and cultural dots were joined between cities and continents. Straight No Chaser travelled the world and was read avidly by likeminded souls in search new sounds and ideas. It featured a host of contributors including Gilles Peterson and UNKLE’s James Lavelle. The magazine went through several incarnations during the two decades it existed and it consistently united deep interviews with great photography and graphics. This excellent interview with 21 year old D’Angelo came together around the time he made his ground breaking UK debut at the Jazz Cafe. From behind his Fender Rhodes he wooed an already devoted audience. It was clear that D’Angelo like Erykah Badu was set for great things.

As predicted, D’Angelo took his place alongside other Hip Hop and R&B royalty but following the release of the mighty ‘Voodoo’ LP he slipped from sight. A number of reclusive and turbulent years followed but it now appears the man is back and judging by his Sold Out tour at the end of last year and his festival appearances this summer, the people are ready for the return of D’Angelo.

Entitled ‘Close Up’, this story appeared in issue 37 (Winter 1995) of Straight No Chaser and was written by Kathryn Willgress, one of the founders of Straight No Chaser. The evocative B&W portrait was taken by Goswin Schwendinger. The layout was done by Swifty and features his “gunshot” typeface.

This is our first collaboration with Worldwide Magazine and in the future we envisage ourselves diggin’ further into Chaser’s amazing archive.

Paul Bradshaw

Straight No Chaser/ publisher/editor

http://ancienttofuture.wordpress.com/

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PERNOD SA capital 40 000 000 euros 120 avenue Maréchal Foch 94015 CRETEIL Cedex 302 208 301 RCS CRETEIL.

MOJITO

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Undercover

The art of cover design in the age of digital files Last summer, a week after we said goodbye to the 2011 edition of Gilles Peterson’s Worldwide Festival, a 94 years old man died in Sarasota, Florida. His name was Alex Steinweiss and he was probably unknown or forgotten to most of us. But he changed the evolution and respect of one of the most important objects of the 20th century, elevating LPs to art collectables through his cover designs. A shadow from the past, because in today’s unstoppable dominance of digital files many vinyl lovers and design buffs are asking themselves: is cover art dead? We meet the polifacetic Strictly Kev aka Dj Food, from the long standing cover art lover Ninja Tune label, to discuss how will this art form survive.

L’été dernier, une semaine après nous nous soyons tous dit au revoir après l’édition 2011 du Worldwide Festival de Gilles Peterson, un vieil homme de 94 ans est mort à Sarasota, en Floride. Son nom était Alex Steinweiss et il était probablement inconnu ou oublié de la plupart d’entre nous. Mais cet inconnu a révolutionné notre vision du disque vinyle pour en faire l’un des objets d’art les plus importants du vingtième siècle, l’élevant au rang d’objet d’art à collectionner, à travers ses dessins de couverture. Une ombre du passé, parce que dans la domination imparable aujourd’hui de fichiers numériques, de nombreux amants du vinyle et les mordus de design sont à se demander: L’art de concevoir des pochettes de disques est il mort ? Pour en savoir plus, Nous partons à la rencontre de l’artiste multi-facettes Strictly Kev aka Dj Food, issu du label Ninja Tune, bien connu pour ses pochettes de disques incroyables, pour discuter de comment cette forme d’art pourra survivre à cette nouvel ère numérique.

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In 2010 Alex Steinweiss attended a design summit at the Ringling School of Art for a tribute exhibition of his best covers. A young student expressed his admiration with the sentence: “You did all that by hand?”. Steinweiss replied “Computers! That’s why everything today looks so crappy!”.

And we could agree with him to some extent. But he certainly never imagined that one day we would listen to music mainly with those computers, clicking files without any image or whatsoever, which is what an increasing population of young listeners do through their accumulating gigabytes of music – mostly illegally downloaded -. On the other hand, YouTube remains to this new generation the main door to the discovery of new and old tracks of any conceivable style. A portal where a lot of users still feature the cover artwork of the albums, or at least the inner label.

Nevertheless, with the music industry’s announcement that major record companies will stop manufacturing Cds by the end of 2012, it seems clear that cover art will only survive through limited vinyl editions, deluxe box-sets (such as the impressive work The Vinyl Factory has been releasing) or the underground diggers scene. On the other hand many digital albums still feature what is somehow difficult to name “cover art”.

So, where are we going to? Meet one of the most outstanding cover art creators, design intellectual and music producer: Strictly Kev.

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En 2010, alors qu’Alex Steinweiss participe à un sommet sur le design à l’École d’Art Ringling, où l’on retrouve en son hommage une exposition de ses meilleures couvertures et pochettes de disques, un jeune étudiant exprimant son admiration lui demande : «Vous avez fait tout ça à la main ?».

Steinweiss lui répond «l’informatique !

C’est la raison pour laquelle tout semble si merdique ! «.

Et dans une certaine mesure, on pourrait être d’accord avec lui. Mais il n’a certainement jamais imaginé qu’un jour nous écouterions de la musique principalement avec ces ordinateurs, en cliquant sur des fichiers mp3 sans aucune image ou visuel que ce soit, ce que fait une population croissante de jeunes auditeurs qui ne jure que par leur accumulation de gigaoctets de musique, pour la plupart téléchargée illégalement.

D’autre part, YouTube reste pour cette nouvelle génération l’accès principal à la découverte de nouvelles ou plus anciennes musiques de tous styles imaginables. Un portail où un grand nombre d’utilisateurs continue quand même de pouvoir juger la pochette des albums, ou du moins l’étiquette intérieure. Néanmoins, avec l’annonce par l’industrie musicale de l’arrêt de la fabrication des cds d’ici la fin 2012, il semble clair que l’art des pochettes de disque ne survivra que grâce à l’édition de vinyle limitée et autres coffrets luxueux (tels que le travail impressionnant de The Vinyl Factory) et à l’activisme des «crate diggers» de vinyles underground. Également, de nombreux albums numériques sortent encore avec ce qui est assez difficile de nommer des «pochettes». Alors, où allonsnous ? Nous sommes allés à la rencontre de l’un des créateurs les plus remarquables de pochettes d’album, spécialiste du design et producteur de musique électronique : Strictly Kev.

Dj FOOD - Magpies, Maps And Moons / Ninja Tune 2011

Around three years ago the designer Peter Saville declared the art of album cover dead. This is particularly valid today beacuse although the art survived the transition from LP to CD everything shows it won’t survive the digital times... What is your reaction to that?

I’m partly with him in some respects and not in others. I believe the album cover, in terms of a physical item, is in it’s last days, maybe it’s last decade even but the art of the album cover isn’t dead yet. Albums will always need a cover image, it’s how people help identify them, imagine going into a record shop and every record looked the same? There are fantastic sleeve designs arriving weekly, both album and singles, and that goes for independent and major label artists too. There is also a lot of bad design as well because of the huge number of releases now and my main problem is the miniaturisation of artwork to fit the mp3 icon which restricts designers immensely so that they don’t attempt big complex designs because they know it will be lost.

something like this and the apps that Bjork has included in her Biophilia album are the way forward and I very much want to explore that side of things as I think it has so much potential as more people buy tablets and use them to listen to music. The transformation and shrinking of artwork to icon size is frustrating because any detail is lost and fans now need the artists’ websites or online magazines to print the actual designs at a reasonable size to know what the thing even looks like. I designed a sleeve for King Cannibal in 2009 which was very detail heavy but the whole album only got a CD and digital release, really frustrating that all that work

One could argue a lot of digital labels or digital releases feature a cover image, or another options such as the iTunesLP... What do you think of this transformation of your work?

The pdf artwork addition is a token way to add something to an album but it’s not ideal. I find iTunes’ restrictions on this medium really frustrating and also the fact that they will only include pdfs with albums, not singles. Also not allowing individual images for single tracks and only allowing a blanket cover image for a release, something Bleep will do if you ask. I’ve not fully checked out the iTunes’LP package but I believe

Dangerdoom - Old School / Lex 2006 WF | 49

almost went to waste but you can’t let something like that stop you if the ideas are there otherwise we end up with a generation of very blank, basic images. There needs to be a platform within the digital realm for full screen artwork to be displayed basically.

On the other hand, since the record industry has declared it will end the mass fabrication of CDs by the end of 2012 but vinyl has found a niche following among record lovers and collectors, it could become a “REAL” art form for limited audiences. Meaning the object would become a unique art piece... Is this direction we are heading?

The innovations in packaging at the moment are in two fields which are the polar opposite of each other: the major label box sets which give you everything you never wanted in a bewildering array of formats and the DIY handmade editions made by independent labels on a budget. The current fad for deluxe (and super/ uber/mega deluxe) box sets is a dream come true for a designer lucky enough to be involved in making one as all cost restrictions seem to be off and you can have a field day with printing techniques and design bespoke packages to suit your contents. These releases are like art objects in themselves sometimes and the ability to innovate with them is great although the box set does seem in danger of excessive one-up-man-ship with things like the U2 and Pink Floyd sets recently.

The problem is, we’re deep in a recession and these things cost a hell of a lot and are beginning to saturate the market at a rate of tens a month now. Who can afford it all and how much other music suffers at the expense of a monthly pay packet going on one or two deluxe box sets? The bespoke limited nature of handmade / printed editions is a fantastic antidote to mass market high street chain-filling fodder, labels like Finders Keepers do some lovely things like splatter vinyl, lenticular sleeve or even a free comic but their finite nature and high price tag can be just as frustrating. Finding a middle ground (whilst not forgetting to have it contain stunning music) is what needs to happen. For my record I’d found a plant that had started manufacturing flexi discs again and I wanted to do a package with one inside so we’ve made a limited album housed inside a comic-sized booklet of all the artwork and photography of the cover and the flexi is stapled into the booklet, the track on it isn’t on the album as I felt it didn’t quite work but I wanted it in the package.

This isn’t going to be expensive, and I made sure that the EPs I did, which came with fold out poster covers and printed inner sleeves, were only £5 for a five track single. In this day and age, that’s a bargain when you have people trying to flog 2 track 12”s with no cover art for nearly twice that...

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Frankie Goes To Hollywood - Relax / Poster 1983

Il y a à peu prés trois ans le génial designer Peter Saville (Factory, 4AD) a déclaré l’art de la pochette d’album définitivement mort. Ceci est particulièrement valable aujourd’hui parce que bien que cet art ait survécu au passage du format vinyle LP au CD, tout montre aujourd’hui qu’il a peut de chance de survivre à l’ère numérique... Quelle est ta réaction à tous ces changements ?

Je suis en partie d’accord avec lui. Je crois que la pochette d’album, comme élément physique, vit ses derniers jours, peut-être sa dernière décennie même, mais l’art de la pochette en lui même n’est pas encore mort. Un Album aura toujours besoin d’une image de couverture, c’est ce qui permet aux gens de les aider à identifier le contenu musical d’un disque. Imaginez-vous vous retrouver dans un magasin de disques dont toutes les pochettes seraient les même ? Encore aujourd’hui chaque semaine apporte son lot de disques aux pochettes fantastiques, que ce soit de catalogues de grands labels indépendants et même de certaines majors aussi. On voit aussi beaucoup d’horribles pochettes en raison du nombre énorme de sorties, mais mon principal problème reste la miniaturisation des œuvres d’art pour s’adapter à l’icône mp3, ce qui restreint énormément le travail des concepteurs qui du coup ne tentent rien de très complexe, car ils le savent qu’avec ce format minuscule c’est peine perdue.

CENTRE REGIONAL D’ART CONTEMPORAIN LANGUEDOC-ROUSSILLON

2012 29.06 > 30.09

PIÈCES À CONVICTION

MICHEL FRANÇOIS

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On pourrait faire valoir le fait qu’aujourd’hui un grand nombre de sorties numériques proposent quand même une vrai pochette, telles que l’iTunesLP ... Que pensestu de cette transformation de ton travail ?

L’ajout d’illustrations en format pdf est une manière symbolique d’ajouter quelque chose à un album, mais ce n’est pas l’idéal. Je trouve les restrictions d’iTunes sur ce média vraiment frustrantes si on ajoute le fait que seul les albums bénéficient de pochettes, et non les singles, c’est désespérant.

Aussi, ne pas permettre à chaque morceau d’avoir sa propre icône et une image unique par sortie...

Je n’ai pas totalement vérifié le paquet iTunes’LP mais je crois que, comme l’application que Bjork a incluse dans son dernier album Biophilie, c’est une piste à suivre pour faire évoluer tout ça, et je veux vraiment explorer cet aspect des choses qui à mon avis comporte beaucoup de potentiel vu que de plus en plus de gens achètent des tablettes genre Ipad et autres, et les utiliser pour écouter de la musique.

La transformation et la miniaturisation des œuvres d’art à la taille d’un timbre poste est quelque chose de réellement frustrant, les détails sont perdus et les fans doivent maintenant se rendre sur les sites des artistes ou des magazines en ligne pour pouvoir avoir les pochettes à une taille raisonnable et voir à quoi elle ressemblent vraiment.

En 2009 J’ai conçu l’artwork de l’album de King Cannibal qui était très chargée en détail mais l’album n’est finalement sorti qu’en cd et version digitale, c’est rageant de constater que tout ce travail a failli par se perdre, mais il ne faut surtout pas laisser tout ça vous arrêter si vous êtes inspiré, sinon on risque de se retrouver avec une génération vide.

Nous avons vraiment besoin d’une nouvelle plateforme digitale à partir de laquelle nous pourrions proposer nos créations en plein écran et en haute définition !

D’un autre coté, si l’industrie du disque a annoncé la fin de la fabrication de masse de CD d’ici la fin de l’année 2012 le vinyle a trouvé un créneau de fans parmi les collectionneurs et autres vinyl-maniaques, et la conception de pochettes de disques pourrait devenir une «véritable»forme d’art pour un public restreint.

L’objet vinyle deviendrait une œuvre d’art unique ... Estce vers quoi nous nous dirigeons ?

Les innovations en matière d’emballage explorent pour le moment dans deux direction qui sont aux antipodes l’une de l’autre: d’un coté les majors labels qui développent des coffrets luxueux de tous formats et très complets, de l’autre du fait main tout aussi collector et fabriqué artisanalement par des labels indépendants à petits budgets.

L’engouement actuel pour ces coffrets de luxe (et même super/uber/méga luxe) est un rêve devenu réalité pour tous ces créateurs assez chanceux pour être impliqués dans leur conception, surtout que les majors ne sont pas regardantes sur les dépenses, vous permettant une grande liberté dans les choix des techniques. Véritables objets d’art à part entière, ces coffrets reculent les limites de l’innovation, même si après les sorties de ceux de U2 et Pink Floyd on risque la surenchère gratuite.

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Le problème reste que nous faisons face à une récession profonde, ces coffret coûtant très cher et avec un rythme d’une dizaine de sorties chaque mois, on approche de la saturation du marché . Qui peut se permettre de tous les acheter et au détriment de quels autres artistes – quand l’achat d’un seul coffret aujourd’hui représente les ventes de plusieurs cds «classiques» ? La nature limitée des éditions de coffrets fait main, sur mesure, est un antidote formidable au marché de masse, des labels comme Finders Keepers réalisent de très belles choses avec des bouts de vinyles et autres pochettes lenticulaires, voire même une bande dessinée gratuite, mais leur nature limitée et leur prix élevé peut être tout aussi frustrant.

Trouver un juste milieu (tout en ne négligeant pas le contenu musical qui doit rester génial) est le plus important.

De mon coté, par exemple, je suis tombé sur une usine qui avait repris la fabrication de disques flexibles (les fameux flexi-disques) et je voulais sortir un package avec un de ces fléxi à l’intérieur. Du coup nous avons sorti un cd limité, logé à l’intérieur d’un livret bd grandeur nature, avec toutes les photos et créations graphiques originales.

Le flexi étant agrafé dans le livret, les morceaux du vinyle sont des inédits que je n’avais pas mis sur l’album car ils ne fonctionnaient pas vraiment, mais je les voulais quand même dans ce packaging.

Cela ne va pas couter très cher, et j’ai fait en sorte que les maxis issus de l’album ne sortent pas à plus de 5£ dans le commerce, chacun contenant un poster dépliant et des notes de pochettes bien complètes.

En ces temps de crise, cela reste vraiment une bonne affaire surtout qu’aujourd’hui les prix des maxis vinyles tournent autour des 10£ avec seulement deux morceaux et pas de pochette à proprement parler...

Ninja Tune is an example of a label still supporting physical format and 12” releases, or the Vinyl Factory. On a more personal/artistic level how do you feel about your work?

I must congratulate you fr the art in collaboration with Henry Flint for the new DJ FOOD releases...

I’m pretty happy with the little furrow I’m plowing, it’s quite a personal one even though it’s not consistent from artist to artist as I don’t produce a house style as such.

The collaboration with Henry Flint is a dream come true as I’ve been a fan for a while and some people were surprised that I was getting someone else in to work on my own sleeve (sort of). But I wanted a certain kind of illustration and, whilst I CAN draw, there’s no way I can draw anywhere near someone like Henry and few in the comics field can, but I wanted that feel and he fits the vision perfectly.

Sometimes it’s easier to design someone else’s record than your own, I know I’ve deliberated far longer on my own designs than I would on most others because it’s hard to let go, you want everything to be perfect. I think the lavish box sets are the last flush of excess, much like

King Cannibal - Let the night roar / Ninja Tune 2009

the sleeves of the seventies for the Stones and Led Zeppelin, before we move into the digital age.

Tell us about your work process. What materials do you use and how long does it take you to work on a commission?

It can vary wildly depending on the project and artist, some artists will OK the first draft of something within a week, some will go through two or three complete revisions of an idea. The Ninja Tune XX box set in 2010 for example took about 9 months from creating an overall graphic style, colour palette and logos to designing the box and interior parts from scratch, and then laying out the multitude of versions and variations within. I

also picture researched, scanned and edited the entire 200 page history of the label which contained nearly 1200 images . For more detailed info on what went into the making of it see this entry on the Hardformat blog (www.hardformat.org/5200/ninja-tune-xx/).

That was a dream job in terms of what I could do with special inks and such but by the end of it I was like a burnt out shell, it was worth it but I don’t want to do many jobs so intensive again in a hurry. A regular album can take a couple of weeks to a month, depending on other commitments and how easily the elements come together. I’ll usually try and visualize a design in my head, do basic thumbnails in a sketchbook and then make a lot of the elements by either drawing, photoWF | 53

graphing of creating them in the computer. Everything is put together on the Mac using Photoshop and Indesign, maybe a bit of Freehand too, which I used for over a decade to design with but is pretty defunct now.

So, are the labels not to blame because they won’t use any budget for cover art or is there a lack of interest in the public? ...a lack of interest from the public? Maybe, if you’re talking about the X-Factor-loving public who inhabit the shopping malls etc. But I think more people are design-savvy these days and that includes artists too, who, like me, might also be designing their own material or at least have friends who can whereas this might have been done by the art dept. in the past. It’s a myth that you need a big budget to make good cover art, I could probably pull out hundreds of great sleeves that were done for peanuts. Videos are another thing but they’re getting cheaper to make too. If you wanted to do a big Hipgnosis-style photo cover then, yes, that’s going to cost, but it could so easily be mocked up in Photoshop and still be convincing. People respond to good images and design in the same way we respond to an amazing view or sunset, it’s human nature. I find the fashion for ‘Helvetica, range left, on a flat base’ covers of the last decade really depressing, it’s so lazy and easy to do, and there’s a way to do it well but it takes the eye of a good typographer to make it interesting.

You must have your “heroes” in cover art and we would like to know who they are, or single examples of outstanding work.

LE MAGAZINE DES MUSIQUES ÉLECTRONIQUES

WWW.MAGAZINETRAX.COM

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Loads in the field of sleeve design, and I must stress that when I was in college I made a very distinct decision: I wanted to design for music, primarily for the vinyl sleeve and then all that came with it. Influences are primarily XL who are widely unsung but created the sleeves for all the early ZTT records alongside Paul Morley (the journalist) - they were some of the first record sleeves I remember being intrigued by in terms of the aesthetic across a label, lots of extra information, not necessarily directly connected to the groups, no group photos on the cover either usually. JG Thirlwell’s work for his Foetus releases was a big introduction to Russian iconography and Japanese elements in the 80’s too. I wasn’t familiar with Factory stuff at this time but that came later, Saville has to be applauded although I was quite dismayed to see how much he’d taken from others at his retrospective a few years ago. Vaughn Oliver and Chris Bigg at V23 were a massive influence as were The Designers Republic - both giants in their field but from opposite ends of the spectrum. Reid Miles still defines ‘good’ design for me in the combination of portraiture and typography and I’m a big fan of Charles E. Murphy’s work for the Command and Project 3 labels. Ben Drury’s work on the Mo Wax label alongside Futura 2000 was a big influence in the 90’s and I was

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The Motors - Tenement Steps / Virgin 1980

Kraftwerk - The Robots / Kling Klang 1978 never that aware of Barney Bubbles’ reach but he produced some beautiful work.

And there’s a new generation of designers who have come out in the midst of the whole digital software and machines explosion. Do you follow anyone or discovered someone of interest?

From today’s current generation of designers I think Trevor Jackson is the rightful heir to Saville’s throne, his Output label designs are an outstanding body of work. But really his career started way back in the late 80’s designing for Gee St., Rhythm King and all that dance stuff that got in the charts around the Acid house/rave years. Andy Votel’s work on all his various labels is always a joy to see, a perfect mixture of found images and his own constructions. Julian House’s work

I always check for, initially for Intro in the 90’s when he was designing for Stereolab and Primal Scream and now for his Ghost Box label. His collage work is amazing, so natural and almost slapdash but I know that it’s never as easy as that. The label art of Equinox Records in Germany, under the eye of Gunter Stoppel, is always intriguing, design on a limited budget with a great overall house style (www.djfood.org/djfood/equinoxrecords).

Jeff Jank’s work on the Stones Throw label has given Hip Hop the visual side it never had aside from graffitirelated or bad pen and pixel art and Brighton’s Mr Krum is doing a great job of reinterpreting classic Rap designs for today.

Ehquestionmark’s work for Lex and Skam labels is always a unique, Pete Fowler’s work proves you can have good, fun design for bands like the Super Furry Animals, WF | 55

Money Mark - Push The Button / Mo’Wax 1998 Bruno Spoerri - Gluckskugel / Finders Keepers 2006 Quasimoto - The Further Adventures of Lord Quas / Stones Throw 2005 Thaw - Foetus Interruptus / Some Bizzare 1988 The Delays and The Magic Numbers. Michael C. Place, first at tDR and now at Build is always a fantastic, inventive typographer to see and decipher. There’s a ridiculous amount of good stuff out there, I’m constantly finding great artists and designers on the web - not just in music - and posting examples of their work on my blog at djfood.org.

Ninja Tune est l’exemple d’un label qui s’est mis au format digital très vite mais qui continue à sortir du vinyl. Sur un plan plus personnel et artistique comment ressens-tu ton boulot ? Je me dois de te féliciter pour cette collaboration avec Henry Flint pour le nouveau DJ Food ...

Je suis assez fier d’avoir réussi à creuser mon petit trou dans le milieu, mon style reste assez personnel, même si je m’adapte d’un artiste à l’autre et que je ne pense pas avoir un style maison à proprement parler. Cette collaboration avec Henry Flint est comme un rêve devenu réalité - j’ai été un de ses fans acharné depuis pas mal de temps et certaines personnes ont été surpris que je fasse appel à quelqu’un d’autre pour travailler avec moi sur la pochette de mon propre album. Et même si je peux dessiner, j’avais envie d’un 56 | WF

certain type d’illustration et j’arrive pas à la cheville d’un artiste comme lui, même dans la bd c’est pas évident de trouver quelqu’un de son niveau, mais je voulais vraiment sa «patte» et il a su s’adapter parfaitement à la vision que j’avais.

Parfois, il est plus facile de travailler sur le projet d’un autre que pour ses propres productions, je sais que j’ai pris beaucoup plus de temps à prendre des décisions concernant mes propres dessins que sur la plupart de mes projets pour d’autres artistes car c’est pas évident de lâcher prise, vous voulez que tout soit parfait. Je pense que ces coffrets somptueux sont un de nos derniers excès, un peu comme les pochettes dépliantes des albums des grands groupes des années soixante-dix comme les Stones ou Led Zeppelin, avant que l’on passe au tout numérique.

Parle-nous de ton processus de création. Quels matériaux utilises-tu et combien de temps te faut-il pour travailler sur une commande ? Ça peut varier énormément en fonction du projet et de l’artiste, certains artistes seront sur ok dés la première ébauche, pour d’autres il faut passer par deux ou

The art of Trevor jackson for Soulwax and his own band Playgroup

«Records on their own are like us when we’re naked - they mostly all look the same, some come in different colours and sizes, but they need clothes to give them a visual personality»

trois révisions complètes de l’idée de départ. Le coffret Ninja Tune XX sorti l’année dernière par exemple, a pris environ neuf mois à finaliser de la création du style graphique, au choix de la palette des couleurs et des logos en passant par la conception de la boîte et du contenu, puis la pose sur la multitude de versions et variations à l’intérieur.

J’ai aussi dû faire une recherche d’images d’archive, puis les numériser et arranger l’ensemble de l’historique du label, soit deux cents pages contenant prés de mille deux cent images. Si le making-of de la conception du coffret Ninja vous intéresse je vous invite à visiter le blog www.hardformat.org/5200/ninjatune-xx/hardformat...

C’est vraiment le projet que tout graphiste rêve d’avoir en main, avoir le champ libre pour utiliser toutes ces encres spéciales et autres gadgets… À tel point qu’à la fin j’étais complétement vidé, ça valait évidemment le coup, mais je ne veux pas me retrouver à la tête d’un travail si intensif avant un moment. Pour un album classique, la créa graphique peut prendre quelques semaines voire un ou deux mois selon mes autres engagements et la facilité avec laquelle les éléments choisis sont réunis. Le plus souvent, je visualise le design dans ma tête, je pose les idées dans un carnet de croquis et ensuite je les met au propre ou les photographie pour les scanner dans l’ordinateur. Tout est mis en place avec le Mac en utilisant Photoshop et Indesign, voire en utilisant Freehand, un logiciel que j’ai utilisé pendant plus d’une décennie pour mes concepts mais qui est plutôt obsolète maintenant.

Faut il blâmer les labels parce qu’ils ne débloquent aucun budget pour développer le design des pochettes de leurs sorties ou y a t’il un manque d’intérêt de la part du public ?

Un manque d’intérêt du public ? Peut-être, si on se base sur le public fan de X-Factor et qui ne jure que par les centres commerciaux ...

Mais je pense que de nos jours plus ou au moins autant de gens sont amateurs de jolies choses et même les artistes sont plus impliqués dans la réalisation de leurs visuels, certains bossent eux même la conception de leurs propres matériel ou font travailler leurs potes dessus, alors que dans le passé ils devaient faire appel à des professionnels.

C’est un mythe que d’affirmer que vous avez besoin d’un gros budget pour créer une bonne cover, je pourrais probablement te sortir des centaines de pochettes d’albums superbes qui ont été réalisées pour des cacahuètes.

Pour les vidéos c’est une autre histoire, mais cela devient meilleur marché.

Les gens réagissent aux belles images et au design, de la même manière que nous répondons à une vue imprenable ou un joli coucher du soleil, c’est la nature humaine.

Mais aprés, je trouve la mode du graphisme à la «Helvetica, plage à gauche, sur une base plate» de la dernière décennie vraiment déprimante, c’est tellement paresseux et facile à faire, et même s’il y a une façon de le faire bien, cela nécessite l’œil d’un bon typographe pour le rendre intéressant.

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Dj Food - The Search Engine / Ninja Tune 2012

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Tu dois avoir des «idoles», des créateurs dont tu vénéres le travail...

Dans le domaine de la conception de pochettes de disques, des centaines, et je dois souligner que lorsque j’étais au collège j’ai pris une décision très tranchée : Je voulais être graphiste, mais graphiste dans le milieu de la musique, et principalement pour créer des pochettes pour album vinyle.

Mon influence principale reste les gars d’ XL records qui sont largement méconnus, mais qui ont réalisé toutes les premières pochettes pour ZTT aux côtés de Paul Morley (journaliste).

Ces pochettes sont les premières dont je me souvienne qui m’aient vraiment intrigué tant au niveau de leur esthétique, que des informations affichées pas nécessairement directement connectés aux groupes...

L’absence de photos des artistes, comme on le voit habituellement chez eux, m’a durablement marqué aussi.

Sinon je dois mentionner le travail de JG Thirlwell pour son groupe Fœtus qui ont servi à me familiariser à l’iconographie russe et au design japonais dans les années 80. Je ne connaissais pas encore toute l’esthétique autour du label Factory à ce moment là, et M. Peter Saville, à l’origine de l’image du label de Manchester, mérite d’être applaudi même si j’ai été assez consterné de voir combien il avait «emprunté» à d’autres lors de sa rétrospective il ya quelques années.

Vaughn Oliver et Chris Bigg chez V23 ont été une grosse influence tout comme l’ont été les Designers Republic, deux géants dans leur domaine, mais à l’extrémité l’un de l’autre.

Reid Miles reste celui qui a défini ce qui est «bon» pour moi dans tout ce qui est de la combinaison du portrait et de la typographie et je suis un grand fan du travail de Charles E. Murphy pour les labels Command et Project 3.

Le boulot de Ben Drury sur les sorties Mo Wax aux côtés de Futura 2000 a eu un énorme impact sur moi dans les années 90 et même si je n’ai jamais vraiment été conscient du boulot de Barney Bubbles, il a produit quelques œuvres superbes.

Il y a une nouvelle génération de designers issue de l’explosion du numérique et de toutes ces nouvelles machines. Suis-tu quelqu’un en particulier ? As tu récemment découvert de nouveaux artistes intéréssants ?

Oui, je pense surtout à Trevor Jackson qui est pour moi l’héritier légitime du trône de Saville, son boulot pour les sorties de son label Output sont un exemple de travail exceptionnel. Sa carrière a vraiment commencé dans les années 80 alors qu’il bossait sur la conception des artworks pour les labels Gee Street, Rhythm King et tous ces labels de dance music au début des année rave et de l’Acid House. Ce que fait Andy Votel aussi pour ses différents labels est toujours très agréable à (re)découvrir : un parfait mélange entre images trouvées et ses propres constructions.

Un artiste que je suis beaucoup aussi est Julian House J’ai toujours apprécié son boulot, au début pour Intro dans les années 90 quand il s’occupait de la conception des visuels pour Stereolab et Primal Scream, et aujourd’hui pour son label Ghost Box. Son travail de collage est étonnant, si naturel, presque «bâclé», mais je sais que ce n’est jamais aussi simple que cela. Les pochettes du label Equinox Records en

Allemagne, par Gunter Stoppel, est toujours intrigant, à partir d’un budget limité il parvient vraiment à se faire un style (www.djfood.org/djfood/equinox-records). Jeff Jank et ses travaux pour Stone Throw a donné au hip-hop le côté visuel qu’il n’avait jamais à part bien sûr ce que représentait le graffiti. À Brighton M. Krum fait un excellent travail de relecture des designs classiques old school du mouvement hip-hop, les remettant au goût du jour.

Ehquestionmark, qui bosse pour Lex et Skam réalise toujours des choses vraiment uniques, Pete Fowler prouve que vous pouvez faire des créa fun pour des groupes comme les Super Furry Animals, les Delays et les Magic Numbers. Michael C. Place, qui a commencé par bosser à TDR et qui est maintenant chez Build est toujours un fantastique typographe, super inventif et amusant à déchiffrer. Il ya des millions de choses intéréssantes qui se passent, chaque jour je trouve de nouveaux graphistes impressionnant sur le web, et pas seulement dans la musique...

Je met tout à dispo sur mon blog djfood.org.

How about blogs, magazines or websites... do you respect for the work and suport they do of cover art?

A great blog for album art is the aforementioned Hardformat - www.hardformat.org - clean layout and design and they photograph each item individually with a rostrum camera so they are unique, personal images not found elsewhere. Scott Hansen’s ISO50 blog is just one of the most beautiful sites on the web - another designer who makes music - he’ll feature all sorts of graphic and audio content (http://blog.iso50.com).

La Boca’s site is always interesting, although not entirely sleeve design but they feature much of their own work for labels like DC Recordings (http://laboca.co.uk/blog/).

The Groove Is In The Art - www.grooveisintheart.com and Project 33 - www.projectthirtythree.com sites by Jive Time Records are great for seeing older stuff that might not get the attention because it falls into the classic, easy listening or compilation genres.

They have other galleries too like classical records, stereo test covers, sleeves featuring the Seattle Space Needle, horror LPs and defaced records.

Do you also collect records? You are a music artist yourself and busy dj, ergo a cover art consumer. Tell us about the passion for records and how much would we lose if we loose the cover... Call for action!

Do I collect records? Errr... You just saw a picture with me and my wall sound...

I collect all sorts of things but I’ve probably got more records than anything else. One of my favourite things to do when record shopping is to look for packaging oddities and handmade sleeves which can sometimes be had for pennies. Only the other week I found a fold out Kraftwerk 7” of The Robots that I’d never seen before, a Motors LP with clipped corners on the sleeve and a triple vinyl set in a plasWF | 59

The amazing artwork of La Boca

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tic case called ‘audio roulette’ where you play all 3 records simultaneously and drop the needle anywhere on each disc to form the composition.

I just love flicking through sleeves in a shop or seeing a display on the wall, an ever changing gallery in a 12x12 format, and I find myself shopping as much for the packaging in vinyl form as for the music sometimes.

I also like find records that are worn a bit too, everyone goes on about ‘mint’ condition all the time (that mythical unobtainable beast) but I actually like things a bit worn here and there. Stuff that’s been owned that says “I’m an original, I was made back before you were even born and I’ve been waiting for you to find me” rather than some carbon copy with no history.

That’s why i’ll pick up hand made sleeves because I know they’re unique, no two the same and they’ve have the hand of the artist on them at one time rather than a mass produced factory item.

To me the art and the music of a good or classic record should compliment and enhance each other.

Records on their own are like us when we’re naked - they mostly all look the same, some come in different colours and sizes, but they need clothes to give them a visual personality. As the world gets smaller with hand held devices and we find ourselves scrabbling away with fingers far too big to push virtual buttons, it’s nice to hold something physical.

When I make a record I want to ‘make’ a record, a physical object that I’ve designed as well as created otherwise it’s just another slice of black plastic. To have your creations go out into the ether unclothed as generic-looking mp3s is just a bit disheartening after all that time spent, I almost feel like a parent saying ‘you’re not going out looking like that!!’.

Qu’en est-il des blogs, magazines ou encore des sites web que tu respectes pour leur travail et qui soutiennent la pérennité des pochettes d’album ?

Hardformat est un excellent blog sur les pochettes d’album (www.hardformat.org). La mise en page est propre et design et ils photographient chaque élément individuellement avec une caméra rostrum de sorte que leurs images sont uniques, très personnelles, dans un style qu’on ne trouve pas ailleurs.

La page de Scott Hansen ISO50 est juste l’un des plus beaux sites sur le web – c’est un autre créateur qui fait aussi de la musique – il publie toutes sortes de contenus graphiques et audio (http://blog.iso50.com/).

Le site de La Boca est toujours intéressant, il n’est pas exclusivement dédié aux couvertures de disque, mais on y retrouve beaucoup de leur propre travail pour des labels comme DC Recordings (http://laboca.co.uk/blog/).

Les sites Groove Is In The Art -(www.grooveisintheart. com) et Project 33 (www.projectthirtythree.com) de Jive Time Records sont excellents pour voir des trucs plus vieux qui pourraient passer inaperçus parce qu’ils touchent des albums de classique, d’easy listening ou des compilations.

Peut-on te définir comme un collectionneur de disques ?

Tu es musicien toi-même, dj à plein temps, de fait un consommateur de pochettes de disque. Parles-nous de ta passion pour les disques...

Si je suis un collectionneur de vinyls ? Euh... je crois qu’il y a une photo de moi devant un de mes murs de disque au début de l’article non ?

Je collectionne toutes sortes de choses, mais j’ai probablement plus de disques que n’importe quoi d’autre. Ce que je préfère quand je pars faire du shopping c’est tomber sur des bizarreries, des pochettes de dingue parfois faites à la main et qu’on peut se procurer pour quelques centimes.

La semaine dernière je suis tombé sur le 45tours de Robots de Kraftwerk dans une pochette dépliable que je n’avais jamais vu avant, un lp des Motors avec les coins tronqués sur la pochette et un triple vinyl dans un boîtier en plastique appelé Audio Roulette où le principe est de jouer les trois disques simultanément et poser l’aiguille n’importe où sur chaque disque pour former une composition unique.

J’adore fouiller chez les disquaires, voir tous ces vinyls en expo au mur, comme une galerie d’art en constante évolution... Je me retrouve à acheter des pièces autant pour la pochette du vinyle que pour la musique parfois.

Je préfère souvent un disque un peu trop usé par le temps et l’usure qu’un collector en parfait état, le genre de vinyl qui a appartenu à quelqu’un qui semble vouloir te dire “je suis un pressage original, je suis sorti bien avant que tu sois né et je n ‘attendais que toi pour me trouver” plutôt qu’une quelconque copie toute neuve et sans histoire.

C’est pourquoi je suis attiré par toutes ces pochettes fabriquées à la main, car je sais qu’elles sont uniques, il n’y en a pas deux identiques et elles sont passés entre les mains de l’artiste à un moment donné, contrairement aux autres produits de masse.

Pour moi, pochette et musique doivent se compléter et se renforcer mutuellement. Un vinyl sans pochette c’est un peu comme nous quand nous sommes nus : ils se ressemblent à peu prés tous, on peut les trouver de dimensions et de couleurs différentes, mais c’est grâce à leurs ‘vêtements’ qu’on leur trouvera une véritable personnalité visuelle.

Dans ce nouveau monde qui rétrécit et ou tout devient de plus en plus petit, on se retrouve à utiliser des appareils minuscules avec nos doigts devenu trop gros pour pousser tous ces boutons virtuels, il est bon de tenir quelque chose de solide. Quand je sors un disque, j’ai vraiment envie de «faire» un disque, un objet physique que j’ai conçu, sinon c’est juste un bout de plastique noir de plus sur le marché.

Voir vos créations sortir en mp3 anonyme c’est totalement décourageant après tout le temps passé dessus... Je me sens presque comme un parent disant à son enfant «Regardes toi ! tu ne vas pas quand même pas sortir comme ça !!!

Interview: John M. Gómez

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Michel François pièces à conviction

Comme chaque été au CRAC depuis trois années, la grande exposition estivale monographique est consacrée à un seul artiste, autour d’un projet spécifique.

Pour cette édition 2012, Michel François, artiste de renommée internationale est invité à réaliser un projet spécifique pour les espaces du centre d’art.

Just like the last 3 summers at the CRAC, the main summer exhibition this year will be devoted to just one artist, focusing on one specific project. For 2012, we have invited internationally known artist Michel François to put together a special project for the centre’s art gallery.

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Çi dessus/ top Pavillon Interface II, 2010. Verre, acier et plasticine. 200 x 200 x 200 cm Vue de l’exposition, kamel mennour, Paris, 2011 © Michel François Photo. Charles Duprat. Courtesy the artist and kamel mennour, Paris

Michel François propose d’associer des œuvres inédites (produites en collaboration avec ses galeries parisienne et belge, Kamel Mennour et Xavier Hufkens ), à des œuvres récemment présentées ou historiques dans son parcours.

Certaines seront reproduites, réinvesties, réactivées pour Pièces à conviction.

L’artiste questionne l’autonomie et les interactions potentielles des œuvres entre elles, contaminées ou contaminantes, dans le contexte spatial et temporel de l’exposition Pièces à conviction.

Faisant suite à son exposition Plan d’évasion, présentée au SMAK à Gand en 2009 et à l’IAC de Villeurbanne en 2010, l’exposition Pièces à conviction aborde le geste sculptural de cet artiste majeur, la sculpture comme élément structurant de son univers à la fois minimal et complexe, et résolument poétique.

Comme l’écrit Guillaume Désanges dans le catalogue de l’exposition Plan d’évasion, « le travail de Michel François constitue tout un réseau souterrain de forces et de flux, de figures et de mouvements, de signes et d’idées, qui l’infusent de manière indicielle. » À gauche/ left Instant Gratification, 2010 Aluminium, 200 x 230 cm Vue de l’exposition, kamel mennour, Paris, 2011 © Michel François Photo. Charles Duprat Courtesy the artist and kamel mennour, Paris

Çi dessus/ top Pièce détachée, 2010 Acier et billes magnétiques, 250 x 250 x 250 cm Vue de l’exposition, kamel mennour, Paris, 2011 © Michel François Photo. Charles Duprat Courtesy the artist and kamel mennour, Paris

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Golden cage I, 2008-2009, Tôle d’acier découpée au laser, feuille d’or © Michel François. Courtesy the artist

Michel François will be showcasing some exclusive works (produced in partnership with his Parisian and Belgian galleries Kamel Mennour and Xavier Hufkens), mixed with a few recently displayed pieces, plus some of his older creations. Some of them will be reproduced, reworked and refreshed for the Pièces à conviction collection.

He makes us question the liberty and the potential interactions the pieces have with one another, whether they infect or are infected, within the time and space of the Pièces à conviction exhibition.

Hot on the heels of his Plan d’évasion exhibition, displayed at the SMAK in Gand in 2009 and then at the IAC in Villeurbanne in 2010, the Pièces à conviction exhibition focuses on the sculptural side of this major artist, where sculpture is the founding framework of his world, intertwining minimalism and complexity, whilst remaining resolutely poetic.

As Guillaume Désanges wrote in the catalogue for the Plan d’évasion exhibition, «the work of Michel François is a real underground network of forces and flows, figures and movements, and signs and ideas, all of which fuse together in indexical fashion.»

Exposition/Exhibition

Michel FRANCOIS Pièces à conviction Commissariat/Curator : Noëlle Tissier

Du 29 juin au 30 septembre/from july29 to september30 CRAC Languedoc-Roussillon, lieu phare de la création contemporaine. laboratory for artistic creation Géré par la Région Languedoc-Roussillon, Laboratoire de création artistique, le CRAC LR propose un programme d’expositions temporaires assorti de productions d’oeuvres. Il favorise les échanges et les partenariats internationaux, éclairant les croisements entre diverses disciplines qui fondent l’art d’aujourd’hui et de demain. The CRAC LR is a real laboratory for artistic creation, which organises a series of temporary exhibitions. It promotes international partnerships and exchanges so that today’s art can be discovered, allowing all kinds of audiences to explore modern creation.

CRAC LR, 26 quai Aspirant Herber, 34200 Sète - +33 (0)4 67 74 94 37 http://craclanguedocroussillon.fr - Entrée libre, Ouvert tous les jours sauf le mardi. 12h30/19h. Week-end : 15h/20h 64 | WF

The Treachery of Sanctuary par Chris Milk The Creators Project, Paris, 2012 Retrouvez l’œuvre de Chris Milk au CENTQUATRE du 21 au 24 juin 2012.

thecreatorsproject.com/fr

twitter.com/creators_fr | fb.com/thecreatorsproject Téléchargez nos applications pour iPhone, iPad, et téléphones Android.

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Photo : Bryan Derballa

un partenariat entre Intel et Vice

Worldwide Festival Sète’11 Gallery

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Worldwide Festival Singapore’11 Gallery

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www.rbmaradio.com Red Bull Music Academy est aussi sur Radio Grenouille 88.8 Marseille

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Machinedrum mini interview

Travis Stewart est plus connu sous le nom de Machinedrum, anciennement Syndrone, et il est la moitié du duo Sepalcure. Son premier disque Now You Know est sorti chez Merck Records alors qu’il avait 19 ans et a été décrit comme “le standard à imiter dans le futur” par Pitchfork. Ils avaient raison.

JTravis Stewart is better known as Machinedrum, formerly known as Syndrone, and is one half of Sepalcure. At 19 he released his debut Now You Know on Merck Records was heralded as the “standard to which the next wave of imitators aspires” by Pitchfork. They weren’t wrong.

Quand l’aventure Machinedrum a-t-elle commencé ?

Un jour dans ma chambre, quand j’avais dix-sept ans, j’écoutais un disque de jungle et j’ai réalisé qu’on pouvait le voir comme une autre forme de hip-hop.

Tu sembles vouloir éviter absolument de te fixer dans un son particulier. D’où vient vraiment ta musique?

C’est difficile à dire. Je crois qu’elle vient en partie du fait que je suis un amoureux de musique, mais aussi que je suis obsédé par l’acte de création, tout ça mélangé à certains facteurs externes, un peu comme si je servais de fil conducteur.

Penses-tu qu’il soit encore pertinent de nos jours de parler d’étiquettes, de genres musicaux ?

Je comprends pourquoi on les utilise, mais je crois qu’on cherche trop souvent à classer la musique dans des catégories au lieu d’apprécier simplement un morceau bien écrit.

La première fois qu’on a entendu du Machinedrum, c’était une reprise de Nirvana. Comment en es-tu arrivé là ? On a manqué quelque chose ?

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Haha, elle est collector celle-là. Je suis pote avec Brian et Jason du groupe Yip Yip à Orlando. A l’époque où j’habitais là-bas, on était colocs et très copains, on faisait toujours des concerts ensemble. Ils m’ont dit qu’ils reprenaient Nirvana pour un 25cm en édition limitée et m’ont proposé de faire ma propre reprise. Comme j’étais un gros fan de tous leurs albums et que j’avais toujours voulu reprendre All Apologies, je me suis dit pourquoi pas ?

Quelle est la suite pour Sepalcure ? Vous avez prévu d’enregistrer avec Praveen ?

Dès qu’on peut se voir, on essaye de bosser sur un maximum de sons possibles. On a un EP quasi fini, donc gardez l’œil ouvert.

Machinedrum + Grems = Machinegrems. C’est quoi cette histoire ?

C’est un projet avec lequel Grems et Phillips sont venus me voir. J’ai fait trois morceaux pour trois modèles de casques différents tous designés par Grems, un graffeur et rappeur parisien avec qui j’ai déjà bossé sur du son par le passé.

Quel show rĂŠserves-tu au public du Worldwide ?

Un mÊlange de djing et de live oÚ je mixe des morceaux de Machinedrum que les gens connaissent et aiment avec des dubs de potes, et d’autres trucs à moi que vous n’avez pas entendus. En gros je chante, je danse et je m’amuse sur mes claviers !!

When did the whole Machinedrum adventure started?

The adventure started one day in my bedroom when I was 17 when I listened to a jungle record and thought of it as different form of hip-hop.

You seem to refuse to remain loyal to any particular sound. Where does your music really come from?

It’s hard to say where my music comes from. I feel like part of it comes from my love for music and my obsession with creating it and some sort of external factor, like I’m channeling something.

Do you think that musical tags / genres have become kind of obsolete these days?

I understand why they exist but for the most part people tend to think about classification too much instead of just enjoying a well written tune.

First track we’ve heard from Machinedrum was a Nirvana’s cover – how did that come about? What’s the missing link?

Haha wow, that’s a rare one. I am friends with Brian and Jason from the band Yip Yip in Orlando. We were roommates and good friends when I lived there, always playing shows together. They told me they were doing a Nirvana cover for a limited 10 and asked if I’d do one. I was a huge fan of all their albums and always wanted to do a cover of All Apologies, so why not? 
 What’s the future for Sepalcure? Any plans to record some new material with Praveen?

Any time we have a chance we try to work on as much music as possible. We almost have an EP finished so look out for that.

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Machinedrum + Grems = Machinegrems. What’s that all about?

It was a project Grems and Phillips approached me to collaborate on. I created 3 tunes for 3 different pairs of headphones made by Phillips with special art made for each pair by Grems, a street artist andrapper from Paris whom I’ve also collaborated with in the past musically.

What can people expect from your live show?

A blend of DJing and live performance where I get to mix Machinedrum tunes that people know and love with dubs from friends and unreleased stuff by me as well. I’ll be singin’ dancin’ and playin’ my keyboard.

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interview/ Ivan Halen Semeria photo/ Shawn Bloodworth WF | 79

Who’s Hot?!

Lefto, the bearded wonder from Brussels, tells us which artists we should be looking out for this summer. These new acts represent all genres of music and we expect them to burn up the dance floors in the coming months. Lefto le dj barbu hyperactif de Bruxelles, nous présente, en anglais, sa sélection des artistes à surveiller de très près ces prochains mois...

Disclosure

Those two brothers from the UK are coming with a fresh twist of garage, house and UK funkiness. After a few great releases and some serious remixes, - everyone remembers the Jessie Ware remix right? - They are thinking of new ways to push their sound forward, and so far it works well. Looking forward to their next bomb!

tnght (luckyme/warp) I don’t really have to say anything about these guys, this might be the sickest combo in 2012, Hudson Mohawke and Lunice together on a project called TNGHT (Tonight). Taking offers for the summer, you might see them on some of your favourite festivals and are performing on my stage at the Dour Festival this year. I can’t wait to hear the speakers blow up.

Jazz Collective (Octave) From Japan, this is a band I put in the same category as other great bands from the same country like Soil & Pimp Sessions or Cro-Magnon. A band from Tokyo, it combines jazz and fusion and makes it swing right for the club. Led by a trombone player called Takao Hirose I had the chance to meet in May I can say this might be one of the jazz albums of the year.

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Hiatus Kaiyote

Based in Melbourne, this is a band I’ve been pushing a lot lately, with a different sound and a female vocalist sounding between Fatima and Yukimi Nagano and interesting structures this is something I must recommend. Their album is called Tawk Tomahawk and is out via bandcamp

Pomrad (oohwee) He is a local, meaning a Belgian keyboard player from Antwerp. Very talented musician who studied jazz at the conservatorium and finishing a thesis on “the mental state of a jazz musician during improvisations” you will understand that this man is special, and so is his music. Call his sound experimental funk with a serious portion of bass. He has an EP out now entitled “Vlotjes” on Oohwee records.

Criolo I met Criolo in Rio de Janeiro back in March, originally an mc/rapper from one of Sao Paulo’s Favelas he now expresses himself as a singing poet. His new record “No Na Orelha” is one of my favourite records of 2012 and he will be in London at the end of June and back in November for a European tour. With a few Brazilian awards, best show of the year and best newcomer you must have a listen to this guy.

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Facile... Ils jouent tous au Worlwide Festival 2012 !

Easy one... They all play at WF12...

Le jeu des 7 erreurs !

Spot the difference...

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