WRONG MAGAZINE WHAAM! - WORLD WAR X - DENNIS HOPPER - PAJONK PRADA - NARCISOS - WRONG MUSIC
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Director FERNANDO SUÁREZ, directora de arte ANTÍA CEDRÓN, director de fotografía ADOLFO PÉREZ, webmaster GONZALO BARRAL, publicidad FERNANDO SUÁREZ y JOFFREY COZART, maquetación JOSÉ RIERA y ANTÍA CEDRÓN, diseño gráfico AMAIA CARREIRA, redactor jefe arte y cultura XANDRE RODRÍGUEZ, redactor jefe música ERNESTO MARTÍNEZ, redactores CELIA ÁLVAREZ, MARÍA CONDADO, CAROLINA CADENAS PAZOS, RUBÉN SALGUEIROS, LUÍS LÓPEZ, MAXI GARCÍA, MARÍA PAZ CABALLERO, ALEJANDRO SILVA.
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FOTร GRAFOS Mr. Mark Groeneveld, Alba Fernรกndez ESTILISTAS Wenda
Torenbosch
AGRADECIMIENTOS
Kenzo@dominiquemodels.
be,Tim@dominiquemodels.be, sander@ulla.nl.
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EDITO DESPUÉS DE UNAS SEMANAS DE MERECIDO TIEMPO VERANIEGO, SEPTIEMBRE VUELVE CARGADO DE NOVEDADES. SIN EMBARGO, PARÍS SIGUE EXPRIMIENDO AL MÁXIMO LA QUE SIN DUDA HA SIDO LA EXPOSICIÓN DEL VERANO EN LA CAPITAL GALA: LA (ESPERADA) GRAN RETROSPECTIVA DEL ARTISTA POP ROY LICHTENSTEIN. CLARO QUE NUESTRO PAÍS TAMPOCO SE QUEDA ATRÁS, Y BUENA PRUEBA DE ELLO HA SIDO LA FANTÁSTICA EXPO DEL POLIFACÉTICO (E IMPRESCINDIBLE) DENNIS HOPPER EN EL MUSEO PICASSO DE MÁLAGA, O EL PROYECTO “PICTOPLASMA, WHITE NOISE” CON EL QUE LA CASA ENCENDIDA HA ENCANDILADO UNA VEZ MÁS A TODOS LOS QUE HAYAN PODIDO ACERCARSE A MADRID. TODO ESTO Y MUCHO MÁS OS ESPERA YA!
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WHAAM! Texto: Xandre Rodríguez Fotos: Centre Pompidou Han hecho falta algo más de veinte años de espera, pero, al fin, el parisino Centre Pompidou ha decidido entregarse de lleno al arte pop recuperando la trayectoria de uno de sus más firmes pilares: Roy Lichtenstein Convertida ipso facto en la exposición del verano tras haber realizado un largo recorrido por el
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Art Institute de Chicago, la National Gallery de Washington y la Tate Modern de Londres, “Une rétrospective” no sólo tiene como objetivo hacer accesible a los visitantes el arte de Lichtenstein a lo largo de toda su carrera artística, sino también dar a conocer el carácter multidisciplinar de la misma, dando a conocer detalles que hasta ahora habían pasado más desapercibidos entre el gran público.
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En este sentido, a los icónicos cuadros y esculturas del artista norteamericano se le suman numerosos dibujos, collages, cerámicas e incluso portadas para las semanarias “TIME” o “Newsweek” hasta completar un total de 124 obras realizadas entre 1959 y 1997, año en que falleció. Considerado uno de los primeros artistas postmodernos y pionero del Pop Art mucho antes de que Andy Warhol debutara con sus inconfundibles latas de sopa Campbell’s, Lichtenstein nunca ocultó sus influencias a la hora de reinterpretar obras de algunos de los grandes iconos de la historia del arte como Picasso, Mondrian o Van Gogh. Haciendo caso omiso del boom que supuso en EE.UU. el expresionismo abstracto abanderado por otros de sus colegas como Jackson Pollock, el neoyorquino se permitió incluso parodiarlo en su obra “Brushstroke”.
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Sin embargo, lo que realmente hizo célebre su obra fue el dominio de una técnica inspirada en el puntillismo de Seurat denominada “benday”. Comúnmente utilizada para la impresión de cómics, Lichtenstein se sirvió de la estética gráfica y narrativa de éstos para reproducir pictóricamente uno de los elementos fetiche de la cultura popular sobre la que se cimentaban los principios del pop art. Un movimiento que dio el pistoletazo de salida gracias a aquel mítico collage “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?” de Richard Hamilton y que, de alguna manera, todos formamos parte.
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Algo que no debió gustarle mucho a la revista Life, ya que en uno de sus números no dudó en interrogarse sobre la posibilidad de que Lichtenstein pudiera ser “el peor artista de los Estados Unidos”. Una actitud que contrasta con la realidad, ya que éste no sólo contó con el respaldo del influyente Leo Castelli, sino que también logró traspasar fronteras convirtiéndose en el primer
norteamericano que exponía Tate Gallery de Londres.
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ICONOS EN CRISIS: SALDOS PUBLICITARIOS Texto: Carolina Cadenas Pazos Fotos: Chiara Cabrera / La Casa Encendida Art Trust Una imagen vale más que mil palabras. Haciéndose valer de esta expresión, toda marca o empresa publicitaria anhela crear un logotipo que permanezca en las retinas de los compradores. Muchos van un paso más allá y se adentran en la caza y captura de la creación de un personaje que dé forma a su campaña. Una figura que se mantenga durante décadas en el candelero y que represente los valores de la marca. Ronald McDonald, el muñeco Michelín o el pequeño zoológico creado por Kellog’s. Figuras creadas para ser reconocidas al momento. Iconos.
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Hasta el 8 de septiembre, la planta baja de la Casa Encendida ha dado cobijo, por primera vez en España, a Pictoplasma. White Noise, exposición dedicada al proyecto del mismo nombre creado por Peter Thaler y Lars Denicke. Esta plataforma se encuentra ubicada en Berlín y se dedica al estudio del diseño contemporáneo de personajes procedentes de la disciplina de la comunicación visual. La muestra se encontraba dividida en dos apartados relacionados con la creación e interacción de estas figuras con el público: Remix y Fetiche. El discurso
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de la primera de ellas estaba basado en la apropiación y mixtificación de iconos universales como elemento de iniciación de la subversión final, estrategia muy utilizada en el mercado del marketing publicitario. Artistas gráficos tan dispares como Jeremyville, mr clement o Buff Monster muestran sus creaciones a partir de pequeñas variaciones o repeticiones en el diseño de los productos y lemas originales. En la segunda sección, se observaba el proceso de redefinición de cada figura mediante la evolución de sus dibujos y sus reinterpretaciones. Estos productos se han convertido en figuras abiertas, es decir, figuras sin aparente contexto que pueden ubicarse, precisamente, en cualquier historia sin límites de argumentación, críticos ni comunicativos. Entes independientes creados por Chu, Tim Biskup, Bakea o Selim Varol (y su colección de juguetes de vinilo para adultos), entre otros.
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Llegados a este punto, se hace necesaria una mención a la historia del icono en el ámbito publicitario creativo. Más allá del papel de la Revolución Industrial, el empuje burgués de finales del siglo XIX,
los descubrimientos tecnológicos vinculados a la imagen o el aumento del poder adquisitivo, la significación de icono, tal y como se conoce en la actualidad, está íntimamente ligada al desarrollo del arte pop. Este estilo, con su empleo de imágenes anunciadoras,
personajes de fama mundial y la renovación de objetos caseros y mundanos acercó el arte a las masas, como demuestran los célebres Elvis, Marilyn, Liz o las sopas Campbell warholianas. Junto a ello, fue indispensable el papel de las técnicas de impresión, mediante las cuáles el uso (e incluso abuso) de la repetición de las imágenes dotó a todos ellos de una fama y reconocimiento públicos aún mayor. Todos se sentían representados por ellos. Esta situación fue aprovechada por las agencias y marcas publicitarias, aumentando el número de contratos con personajes famosos y la creación de mascotas (animales o seres imaginarios) como fórmula para conseguir éxito, reconocimiento y cercanía con sus compradores. Apuestas sin riesgo que podrían resultar muy
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rentables a medio y largo plazo. Sin embargo, el uso abusivo y excesivo de estas campañas y la copia de productos e imágenes han acabado por saturar el mercado.
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Frente a este panorama, no es de extrañar que a cualquier mente despierta le surjan cuestiones como esa delgada línea entre el homenaje y la apropiación indebida (tan, desgraciadamente, presente en todos los campos artísticos), la pérdida de originalidad en las campañas, la crisis visual de la actual sociedad de las imágenes o la desvirtuación del sentido original del icono. ¡Qué Naranjito nos ampare!
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World war .X Texto Alejandro Silva Fotos Paulova
Por absurdo que parezca, el arte ha extendido puentes entre las labores de nuestras abuelas y el apocalipsis de La Guerra de los Mundos; entre el delicado punto de cruz y los ovnis; entre la España cañí y lo desconocido. Paula López Vallejo Paulova (Pontevedra, 1983) ha percibido esa extraña conexión tras adentrarse en los salones de la España de los 50 y limpiar el polvo acumulado sobre sus tapices: surrealistas escenas de caza, exóticos paisajes de fauna salvaje, bellos caballos de crin al viento...
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Una serie de frívolos escenarios en el contexto de la dictadura franquista. Tan inalcanzables -o más- que el avistamiento de naves espaciales. Ésta es la idea que sobrevuela nuestras cabezas en Labores, bien un experimento dada al estilo del Cabaret Voltaire, bien una suerte de revisionismo histórico kitsch. Paulova le quita hierro. Si esta rebelión pictórica contra las anticuadas convenciones de salón ha de sonar a algo, asegura, ese algo es Sara Montiel y su cuplé Maniquí Parisien. En sus exposiciones, los visitantes se acercan tanto a las obras que parecen a punto de ser abducidos por uno de los platillos. Su sorpresa es mayúscula al comprobar que los píxeles de color no son punto de cruz, sino óleo: “Les engaño para que se acerquen en primera persona y hacer que peguen la nariz al cristal. Con la pintura he
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encontrado un modo de crear esa ficción”. La exhibición supone
mo; los personajes son animales caracterizados por su porte: el pavo real, el gallo... Son seres que se reivindican: ‘Aquí estoy yo’. Es un modo de presentar mi obra escultórica de la forma en que lo hacían las abuelas con sus labores, como si dijeran: ‘Mirad lo que he conseguido, el más difícil todavía’”. Confiesa que gracias al imaginario de sus Labores, el público ya la reconoce como “la que pinta el punto de cruz”. En el cartel de la exposición se lee que ésta es una “muestra acotada sobre el universo Paulova”,
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#Paisaje Atómico 1 es la antesala de un conjunto de paradisíacas campiñas en el instante anterior a la onda expansiva de una explosión nuclear. A la decena de panorámicas dantescas le acompañan cuatro series escultóricas: dos pavos reales albinos, cinco renos, diez gallos y otros tantos ovnis. La presencia de figuras es, dice la artista gallega, una necesidad de llevar a sus personajes a una tercera dimensión: “Existe cierta evocación del escaparatis-
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porque, además de ser un canto a lo absurdo, es también un autorretrato: “Las piezas inevitablemente hablan de mí, de las reminiscencias de mi propio pasado”. En paralelo a la muestra de Vigo, sus creaciones van a poder verse
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este mes en el III Encuentro de Nuevos Artistas de la Ciudad de la Cultura (Santiago de Compostela) y en una colectiva en Foz (Lugo). Para los jóvenes creadores como ella, el horizonte laboral se parece mucho al de sus cuadros: “La crisis es desde luego una losa en muchos sentidos, pero por otra parte están surgiendo maneras alternativas para evitar que la cultura desaparezca. En este sector siempre nos hemos movido bajo mínimos y así seguimos”. En los ratos libres que le quedan tras crear nuevas obras, ella misma se encarga de producir las exposiciones, cuidar su presencia en la red e inscribirse en convocatorias. Es como un electrón inquieto; y no se conforma con una sola disciplina artística. De hecho, sus primeros contactos con instituciones museísticas se produjeron gracias a la ejecución de diferentes performance con el grupo De Botero a Bo Derek, aún en activo y cuyos trabajos, colgados en YouTube, parecen de otro planeta. Podemos estar tranquilos, hay vida inteligente ahí fuera.
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La obra se expone hasta el 30 de septiembre en la Sala BBVA de Vigo (entrada gratuita)
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DENNIS HOPPER: EASY PHOTOGRAPHER Texto: María Condado Fotos: Museo Picasso de Málaga. The Dennis Hopper A veces echo de menos la presencia de artistas polifacéticos, entendedores del Arte como una amalgama de experiencias que enriquezcan todos y cada uno de los géneros en los que se impliquen. Pero debo admitir que recupero la ‘’ilusión’’ en el artista interdisciplinar cuando recuerdo la obra de Dennis Hopper (Dodge City,1936- California, 2010): actor, director de cine, coleccionista de arte, pintor, poeta y fotógrafo, además de principal exponente de la Contracultura americana de los años 60. Por ello, creo que era más que obligatoria una retrospectiva dedicada a este hippie, aunque debo admitir que realmente nunca se sintió demasiado a gusto en los circuitos habituales del arte. Pues bien, el Museo Picasso de Málaga nos ofrece esa necesaria exposición bajo el título de ‘’Dennis Hopper. En el camino’’, que podremos visitar hasta el 29 de septiembre. Dicha muestra gira alrededor de la ingente labor fotográfica de Hopper, quien siguiendo el consejo de su amigo James Dean, utilizó la cámara como un instrumento mediante el que estudiar la imagen con fines cinematográficos, para aprender a hacer encuadres. De este modo, un jovencísimo Dennis Hopper se echó la cámara al cuello y se dispuso a retratar a los personajes que admiraba (Paul Newman o Martin Luther King), el ambiente de los rodajes en los que participaba o de las manifestaciones a las que asistía,
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además de realizar instantáneas en las que captó la realidad de la América más profunda. Todo ello le sirvió para almacenar un importante imaginario que fue decisivo a la hora de rodar su primera película, Easy Rider (1969), una ‘’road movie’’ en la que se entremezclan todos los elementos de la Contracultura americana, aderezados con una banda sonora que podemos escuchar en la exposición malagueña.
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Así, en la muestra del Museo Picasso coinciden todas las vertientes del Arte en las que Hopper quiso participar por lo que en ella podremos encontrar una gran variedad de piezas expositivas: fotografías, pinturas, esculturas, carteles, proyecciones de películas, etc. Como apuntaba anteriormente, todos estos elementos nos ayudan a entender una realidad lejana, tanto en el espacio como en el tiempo, una realidad de la que el propio artista quiso huir a través del consumo de drogas, algo que no fue bien visto por una sociedad tan pacata como la norteamericana, y tan hipócrita como Hollywood. El mito del artista irredento, sin ataduras pero con convicciones propias bien cimentadas había sido creado, y encontraba en Dennis Hopper su personificación ideal.
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FOTOGRAFÍA
Como en el film anteriormente citado, las fotografías de Hopper revelan un ansia de libertad que no resulta demasiado atormentada, y que tampoco está exenta de cierto gusto por composiciones artísticas más tradicionales y por qué no decirlo, serenas. Y es que, si por algo se caracteriza la personalidad de nuestro ‘’enfant terrible’’ hollywoodiense es por su afición al Arte, así que el coleccionismo fue otra de las vertientes con la que Hopper logró expresar su visión del mundo, así como mostrar qué estilos le resultaban más interesantes en cada momento. De este modo, el Pop Art de Andy Warhol o de Roy Liechtenstein ocupó siempre un lugar preponderante en su concepto artístico, ya que suponía una vuelta a la realidad más banal, y por lo tanto, más auténtica.
NARCISOS Photographer: Mr. Mark Groeneveld www.markgroeneveld.com Stylist: Wenda Torenbosch Models: Kenzo@dominiquemodels.be,Tim@dominiquemodels.be, Sander@ulla.nl
Model left Blazer Samsoe&Samsoe, Sweater Benetton, Blouse Fred Perry, Trousers H&M, Hat H&M. Model right Blouse Benetton, SweaterJeroen van Tuyl, Trousers Samsoe&Samsoe.
Coat Fred Perry, Trousers H&M.
Trousers youasme measyou, Shirt youasme measyou, Shoes Samsoe&Samsoe, Hat H&M.
Trousers Jeroen van Tuyl, Shirt youasme measyou.
Blouse Miu Miu, Gilet Samsoe&Samsoe, Trousers H&M, Hat H&M.
Blazer Fred Trousers H&M.
Perry,
Blouse
Samsoe&Samsoe,
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PRADA FW 2013 CAMPAING Texto: MAXI GARCÍA
El vínculo entre la firma de arquitectos OMA y Prada se forjó hace ya varios años. The New York Prada Epicenter, creado en el 2001, es una conversión de un espacio de 23.000 metros cuadrados en el Soho que antes pertenecía al museo Guggenheim. Este espacio facilita la experimentación de lo que una tienda de moda puede ser. Diseñado por OMA es una estrategia para contrarestar cualquier noción de lo que Prada es o será. El elegante entorno y el exquisito diseño de los muebles transforma la galería en un laboratorio, un espacio de actuación. Un lugar que OMA tambien concibió como “The Ideal House”, el escenario para el desfile otoño invierno 2013 de Prada. Y en esta Casa Ideal encontramos un guiño de la nueva ola del cine a los años 60 . Los actores Ben Whishaw, Ezra Miller y Christoph Waltz protagonizan un drama inteligente y enigmático bajo el lente del renombrado fotógrafo británico David Sims. La colección que se muestra es una oda a la simplicidad, con el toque justo de sofisticación , comodidad, seducción y naturalidad. El estilo personal de cada uno de los actores provoca un juego de contrastes, dualidad de temperamentos y estilos del hombre moderno. La elegancia estudiada de Christoph Waltz, el encanto despreocupado de Ben Whishaw y el aura de misterio de Ezra Miller, nos trasporta a aquella Nouvelle Vague cinematográfica que inspira la campaña.
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Grillz, grillz, bling, bling Texto María Paz Caballero
El bizarre en si es una de las tendencias más guays que hay. El exceso, la exageración, lo sobrecargado es algo que siempre me ha llamado la atención. Desde la estética india, hasta la punk, pasando por los fluors y estampados de los noventa. Recuerdo que en el año 2005 estaba totalmente in love con el rapero Nelly, y una de las cosas que más me gustaba de él, aparte de sus pantalones caídos, eran sus ortodoncias en oro. Me parecía tan increíblemente sexy , me volvía loca. El caso es que recientemente son varios personajes los que han aparecido en fiestacas o en sus fotos en instagram (también tendencia) con estos brilli-brilli en los piños.
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Son tendencia y por tanto, obviamente caros. ¿quién se atreve? Madonna ha sido la primerita, es que ella siempre ha sido la reina de las extravagancias y de lo cool. Estos “teeth guards” están hechos de platino y oro, así que, imagine, pueden llegar a una cantidad de 100.000 dólares. Es bastante molón el tema de la personalización, incluso en los dientes, lo mismo que cuando se puso de moda ponerse un diamante. Rihanna, Miley Cirus o Beyonce han caído en la trampa y se sienten divinas luciendo esta dentadura.
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Antía Cedrón
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Con 21 años Michał Pająk está en la cresta de la ola de la moda polaca. Sus prendas se han convertido en el último fetiche de los estilistas más influyentes y ya han aparecido en Vogue, Elle y Harper´s Bazaar. Mientras top models como Magdalena Frackowiak se visten con ellas. En Wrong Magazine hemos tenido el placer de charlar con él. Wrong Magazine ¿Cuándo empezó tu relación con la moda? Pajonk: No recuerdo la fecha exacta en que me levanté diciendo ¡Sí! Voy a ser diseñador de moda. Fue más como que ese pensamiento estaba dentro de mí, esperando el momento adecuado para salir. Alrededor de 2006 o 2007 estuve pensando mucho acerca de quien querría ser en el futuro, como podía expresar lo que había en mí, y de repente el diseño de moda se presentó como una opción obvia. Estoy muy contento de que esto haya sucedido tan temprano en mi vida. No puedo imaginarme haciendo nada más.
estoy fascinado por esa “simpleza ten llamativa”. W.M:¿Cuánto tiempo empleas en la elaboración de cada modelo? P:Depende de la prenda y de si cuento o no con ayuda. Por ponerte un ejemplo, empleé tres días enteros en la capa de jirones. W.M:¿Cuál es tu concepto de belleza para hombre y mujer? P:Realmente creo que la belleza se oculta de las primeras miradas. Siempre la busco y algunas veces la encuentro tras un largo tiempo de observación, pero está ahí. En cuanto a la belleza física, no tengo un ideal. Cada individuo puede ser bello de un modo muy concreto.
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W.M: ¿Cuáles son tus materiales o tejidos favoritos para trabajar? P: Es algo difícil de decir, los tejidos y materiales están conectados intrínsecamente con el espíritu de la colección. Hago determinadas elecciones porque quiero decir algo, describir un pensamiento o un sentimiento. Por ejemplo en mi colección de otoño decidí utilizar tejidos acolchados, quería evocar la propia piel. Mostrar los aspectos más sutiles de la sexualidad, como fluye y flota. Y al mismo tiempo definir la prenda con un corte puro y preciso, algo a lo que contribuyen el blanco y negro (colores principales de la colección). No creo que haya terminado con el acolchado, aún Página 37
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W.M:El mundo está girando sus ojos a la moda polaca, después de la revolución protagonizada por los países nórdicos, ¿Crees que es el turno de los países del Este? P:Dentro del propio país la moda cada vez tiene más peso, pero creo que aún es pronto para el resto del mundo. No por la falta de diseñadores con talento, más bien todo lo contrario. Creo que la moda polaca es realmente innovadora y fresca, pero el principal problema es darse a conocer y ser entendido, ser capaz de crecer. Ahora mismo es muy complicado para los jóvenes diseñadores el promocionarse. No hay suficiente gente interesada en entender la moda, gente que pueda valorarla e inspirarla. Espero que esto cambie pronto. W.M:¿Cuál es para ti el estilismo perfecto? P:Uno muy simple, sneakers, shorts super cortos, una camiseta lisa, jersey o sudadera oversize. W.M:¿Cuál es el siguiente paso en el desarrollo de tu marca? P:No quiero adelantar nada, todo parece ir en la dirección correcta y digamos que solo deseo que siga así. De momento estoy trabajando en dos colecciones nuevas, y también me estoy esforzando en hacer mi marca más conocida y estable. W.M: La última pregunta y la más importante ¿Dónde podemos encontrar tus piezas a la venta? P:Por el momento estamos presentes en dos tiendas online polacas : shwrm.pl and cloudmine.pl, en el futuro me gustaría ver mis colecciones en algunas boutiques de Varsovia y en el extranjero.
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Buy it at http://www.shwrm.pl/marki/pajonk-b.html Pรกgina 39
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LOCURA ASIÁTICA Texto: LOS POSSIBLYS DE MAYBE
I PARTE
Si hace un año una persona me dijese que iba a estar en una de las ciudades más importantes del mundo durante 24 horas justificando mi estancia por arreglar mi visado de turista mientras no obtengo el permiso de residencia como trabajador en el país donde ahora resido, le diría a este individuo que estaría loco perdido...Hoy puedo contar que esa locura se ha hecho realidad. Como la canción de los Happy Mondays, 24 hours, pero sin party y con mucha people alrededor...
Monumento a Bruce Lee; Avenida de las estrellas en Tsim Sha Tsui Cuando uno piensa en Hong Kong es probable que le venga a la cabeza esa imagen de cine negro de callejones oscuros, luces de neón, edificios destartalados y mafiosos sudorosos en una habitación minúscula con un ventilador girando en el techo, y en parte así es...Hon Kong tiene ese carácter exótico, oscuro y decadente, pero por otra parte es una ciudad tremendamente viva, cosmopolita y moderna.
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Hong Kong es para amantes de las ciudades. Esta gran urbe situada al sudeste de China es una de las ciudades más modernas y más densamente pobladas del mundo. Sus más de 7 millones de habitantes en tan sólo 1.000 kilómetros cuadrados dan lugar a una de las regiones más densamente pobladas del planeta. Entre sus idas y vueltas coloniales, este país se ha convirtido en un mix de culturas occidentales y orientales. Dejó de ser colonia británica en 1997 para unirse oficialmente a la República Popular China como una de las regiones especiales del país junto con Macao. Bajo el lema de “un país, dos sistemas”, se acordó mantener el carácter capitalista de Hong Kong, así como un sistema judicial, administrativo, económico y aduanero autónomo.
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Paisaje urbanístico en los alrededores del Ladies Market
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Mi aventura en Hong Kong comenzó pronto, de madrugada. Desde el avión pude contemplar el nacimiento del Sol, su brillante y espectacular crepúsculo del que se dice que es el país del sol naciente. Plantearse que hacer en 24 horas en una ciudad donde hay tanto que ver y visitar es una tarea difícil y que prepare con cierto esmero el día anterior...o las horas antes, más bien. El aeropuerto lo encontramos en la Isla de Lantau; isla situada al oeste de Hong Kong, unida a esta mediante tren de cercanías y metro. En la misma isla de Lantau nos encontramos al gran Buda Tian Tan Buda, situado en lo más alto de Ngong Ping; siendo este una extensión del Monasterio Po Lin y símbolo sagrado cuyo significado es la unidad con lo supremo, la fusión de lo físico con lo espiritual. Fue finalizado en 1993 y con 34 metros de alto es la escultura de bronce de buda sentado más grande del mundo. Llegar a él no es nada fácil, ya que hay que superar los 268 escalones que lo separan del suelo. Lo que le quita gran parte del encanto es todo lo que han montado alrededor del templo y del buda, con una mini ciudad de tiendas de souvenirs, Starbucks, centros comerciales y restaurantes. Para llegar al gran Buda me subí al teleférico Ngong Ping 360, que es la mejor forma de llegar hasta la montaña ya que durante los 25 minutos de trayecto desde Tung Chung es posible disfrutar de impresionantes vistas del mar, la montaña y la ciudad. Y si a esos 25 minutos en el teleférico le añadimos, en mi caso, turbulencias, tormenta, una familia gordita de procedencia oriental todos sentados en la misma esquina lo que ello hacía que la cabina del teleférico ascendiera con una gran inclinación hacia ellos, mirándome de una forma raruna, convierte mi experiencia en el teleférico en toda una aventura, con momentos de auténtico thriller y cierto suspense. Tras saludar al Buda, con cierto pánico volví al teleférico para irme a la isla de Hong Kong, con el pavor de que “familia teleférica” me tocaría esta vez. Mi asombro fue tal que me dieron una cabina para mi sólo; momento que disfrute como un niño. Desenfunde mi iPod, me puse mi selección de canciones para el momento, y sí pude disfrutar del paisaje que tenía a más de 40 metros bajo mis pies.
Teleférico Ngong Ping 360 Página 44
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El Gran Buda
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Tras visitar al gran Buda y siguiendo mi ruta cultural por Hong Kong, queriendo visitar alguno de los tantos templos que podemos encontrar, me acerqué a explorar el Monasterio de Chi Lin y el Jardín Nan Lian. El Monasterio Chi Lin está compuesto por un amplio conjunto de templos de elegante arquitectura de madera que alberga valiosas reliquias budistas y relajantes estanques de lotos. El conjunto también incluye una serie de salas en las que se pueden contemplar estatuas de madera, arcilla y oro que representan a divinidades como el Buda Sakyamuni. A través de la infinidad de elevados edificios de apartamentos de Diamond Hill serpentea el tranquilo Jardín Nan Lian, un parque público, hiper cuidado en el que se respira paz. En este idílico jardín cuidadosamente diseñado, cada colina, roca, estanque, planta y estructura de madera se ha colocado siguiendo un método y unas pautas específicas, y donde podemos encontrar exposiciones permanentes de plantas, rocas y arquitectura de madera china.
Monasterio Chi Lin Y el hambre hizo mella en mi. Tanto en los tradicionales puestos callejeros (denominados Dai Pai Dong) como en los restaurantes abiertos hasta bien entrada la madrugada, en Hong Kong podemos degustar de todo tipo de variedad gastronómica. En pleno barrio de Kowloon se puede degustar de uno de los menús más populares, el Chiu Chow da lang, compuesto por el famoso hot-pot chino, fideos y sopa de arroz. Lo gracioso es ir a uno de los tantos restaurantes tradicionales que, además de ni hablar nada de inglés, para ahorrar en espacio te sientan en alguna mesa con la otra persona. Otra alma hambrienta y solitaria como yo... Página 46
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Tras comer, muy rico y sustanciosamente, me dirijo al templo más antiguo de Hong Kong, el Templo Man Mo, un pintoresco tributo al Dios de las Letras (Man) y al Dios de la Guerra (Mo) situado en pleno Soho hongkonés. Construido en 1847 es el templo Man Mo de mayor envergadura de Hong Kong. A lo largo de todo el templo encontramos gigantes espirales de incienso colgantes que marcan un agradable contraste con el frenético ritmo de esta ciudad.
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Templo Man Mo
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Y en el prรณximo Wrong mรกs Hong Kong: sus calles comerciales, su desenfrenado capitalismo, el museo del arte, el paseo de las estrellas, el espectรกculo Symphony of Lights, el mercado nocturno,...
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PORTÁMERICA 2013 Texto Ernesto de Martiz Fotos Alba Fernández
Cuando en un festival que aspira a casi todo, son las ocho pasadas de la tarde y el grupo que está peinando el escenario tiene a la gente enfervorecida, es que algo estás haciendo bien, vas por el buen camino (pedregoso éste en estos tiempos difíciles y rateros), estás haciendo pleno. Los susodichos eran Delafé y la flores azules. No era casualidad lo del sonidazo, grupos y técnicos parecieron tener su mejor fin de semana. La gente cantaba bonito esa perla que es Mar el poder del mar, y algunos de sus temas más conocidos, hasta que llego el momentazo de ponerse blanco, con el espíritu santo. Repito que eran las ocho y pico y estábamos de esta guisa. Quizás
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ayudaron los mojitos, otro de los grandes aciertos de la organización. Él mató a un policía motorizado estuvieron correctos, centrados, sobrios, un poco “sosetes” y viniéndose a menos a medida que su discurso tocaba a su fin. No voy a ser yo el que diga que estos chicos han llegado a un lugar o superficie de estancamiento de la que no es tarea simple, ya no pido salir, si no moverse. Luego llegaba el turno de una de las bandas más esperadas de todo el festival, se percibía en la aglomeración de gente que empezaba a apelotonarse velozmente, cuanto más cerca del escenario, mejor. Standstill presentaron una obra de teatro. Una maravilla hecha idea, hecha disco y que descargada
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hasta llegar a su nuevo “zapatazo” llamado “Emborracharme”. Lo dicho, un grupo que se come los festivales de todo el país, cada fin de semana. Uno de los “peros” fue el cambio de hora que sufrió La habitación roja, que venía después de los Lori Meyers, y que eso, a estas alturas y pese a quien le pese, es quebradero de cabeza para cualquier banda. Pasaron sin pena ni gloria por el escenario, cosa que se respiraba ya desde el principio, en cuanto hicieron mención a la piedra en el zapato que supuso el cambio de hora. El segundo día fue más de lo mismo, empezaron calentando motores para los asistentes Arizona baby, descargando lo más bonito de su repertorio y alguna que otra
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en directo crece y crece hasta dar con el cielo, no sé si azul o gris, pero con el cielo. Tocaron su “Dentro de la luz” de principio a fin, con austeridad y grandeza, que bonita historia, que bonito disco, y que difícil de entender para unos cuantos. ¿Qué decir de los Lori Meyers que no se haya dicho ya? El grupo más esperado de todo el día. Sorprendentemente no construyeron su set list a base de temas de su nuevo trabajo “Impronta” si no que caminaron sobre seguro para el disfrute y gozo del personal tocando todos sus temas más conocidos, desde “Luces de Neon”, pasando por “A-ha han vuelto”, y regalándonos un preciado regalo en forma de colaboración con Annie B. Sweet
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canción hecha regalo. Llegaba el turno para uno de los tapados, que eran Gin Ga, buen concierto, y sonidazo, como todas las bandas hasta el momento, lo más destacable para ellos fue su “Dancer” con el que todo el mundo danzó de lo lindo, hasta los que no conocían a la banda absolutamente de nada. Bonito fue ver entrar en escena a una de las apuestas latinas del festival, Café Tacvba no dejaron indiferente a nadie, para bien o para mal. Desde luego tienen un señor directo y las tablas se notan desde el segundo cero. “El objeto antes llamado disco”, su último trabajo,
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junto con sus grandes éxitos, destacando “Ingrata” por encima de todo lo habido y por haber, fue lo que descargaron nuestros queridos latinos muy cerca de la orilla de Playa América. Creo recordar, que en un principio la gente no sabía muy bien como reaccionar, hasta que todo fluía como la seda y te dejabas llevar por el ritmo de estos mejicanos ardientes y machacones. Era como un final anticipado y apoteósico para la velada, un grupo que pasará a ser un grato recuerdo para los asistentes del festival. Venía Supersubmarina y un servidor no era consciente hasta entonces del
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puesto que ocupan ya estos chicos de La Baeza. Creo que sobrevalorados, ofrecieron un buen concierto, aunque algo parco en palabras fue su cantante y líder José Chino, y algo pobre su setlist, donde sí tienen buenos coletazos hechos canción, es un vaivén de canciones que puede que sí, pero que no, que se queda en más de lo mismo y que no pasarán a la historia por su gran aportación a nuestro panorama actual. Sonaron bonitas “Santacruz” e “In Granada” y poco más. Otro cantar fue Vetusta Morla, un cierre inmejorable, para demostrar que están donde están porque ellos y nosotros así lo hemos querido, y que les gusta, que han venido a nuestros corazones para quedarse. Se comieron el escenario, el público se los comía a ellos y las canciones se devoraban los problemas de los allí presentes durante más de dos horas de concierto en el que cayeron todas sus grandes y el resto. Me faltó, por decir algo, la presentación de algo nuevo, aunque creo que lo tienen a buen recaudo. ¿Cómo sonará lo nuevo? ¿Darán un pasito más? Quien sabe, fue bonito mientras duró, pensarán algunos, otros se sorprenderán, y alguno que otro seguirá con los pelos como escarpias. Esto es lo que dio de sí el Portamérica para un servidor. Para el año más y mejor.
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WRONG MUSIC Texto: LUÍS LÓPEZ
Postiljonen – Skyer Siempre he pensado en que se les ha de dar una oportunidad a todo grupo escandinavo y, cómo no, Postiljonen no iban a ser menos. Con “Skyer” materializan su carrera musical, un LP de dream pop con pinceladas balearic que, aun estando demasiado visto ya, apunta a ser un disco placentero que te hará evadirte por un rato. Además, la afable voz de Mia Bøe te arropará y elevará de tal manera que querrás que ese momento de poco más de media hora dure para siempre. Daughn Gibson – Me Moan Desde el sello Sub Pop nos llega este trabajo de canción americana, un tanto peculiar a la vez que fascinante, creado por Daughn Gibson y con el que decide moldear la personalidad de su música y dejar atrás lo que fue un primer disco lleno de matices oscuros y atmósferas pesimistas. En “Me Moan” nos encontramos con un folk que no deja indiferente, pues se mezclan instrumentos tradicionales con sonidos electrónicos, y donde reina un ambiente más optimista. Un disco que, sin duda alguna, merece la pena ser escuchado.
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Soft Metals – Lenses Tras tres años de silencio en fase de creación, el dúo Soft Metals, formado por Patricia Hall y Ian Hicks, reaparecen con una segunda parte de lo que fue su debut homónimo en 2010, llamada Lenses, donde han seguido un calcadísimo patrón musical (y hasta de imagen de portada) en comparación con su anterior álbum. Sus canciones de synth-pop nos recuerdan a la música industrial y new wave de los 80, las cuales se arropan con sonidos sintéticos crudos y suavizadas por la voz de Patricia. Un buen trabajo, sí, pero un tanto flojo al recordar a su primer retoño. AlunaGeorge – Body Music Tras brindarnos con grandes hits tales como “You Know You Like It” y “Your Drums, Your Love”, publicados hace ya un año, Aluna Francis y George Reid han ido regalándonos buenos temas hasta confeccionar su disco de debut, compuesto nada más y nada menos que por 19 pistas de futurepop con movimiento R&B, ideales para escuchar tras una jornada de trabajo en la que necesites una inyección de serenidad y buen-rollismo.
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