WRONG MAGAZINE N11

WRONG MAGAZINE MELANCHOLIA, LOS LOBOS EN LA PARED, BOBBY ABLEY, WRONG HUNTER ALIX, FIAC 2012, JEAN PAUL GAULTIER JEVVEL, COOLRAPPERS

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director FERNANDO SUÁREZ, directora de arte ANTIA CEDRÓN, director de fotografía ADOLFO PÉREZ, webmaster GONZALO BARRAL, publicidad FERNANDO SUÁREZ y JOFFREY COZART, maquetación JOSE RIERA y ANTÍA CEDRÓN, redactor jefe arte y cultura XANDRE RODRÍGUEZ, redactor jefe música ERNESTO MARTÍNEZ, redactores CELIA ÁLVAREZ, MARÍA CONDADO, CAROLINA CADENAS PAZOS, RUBÉN SALGUEIROS, LUÍS LÓPEZ, MAXI GARCÍA, .

MARÍA PAZ CABALLERO.

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FOTÓGRAFOS

Philip

Gross,

Rubén

Panzuela

ESTILISTAS

Y

MAQUILLADORES Rinat Welsing, Fernando Suárez, Meritxell Seba AGRADECIMIENTOS David Metcalfe de Izaio Models y Bold Berlin,

Mila y Martín, Amaia Carreira, Timothee Vilan.

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EDITO

OTRO MES MÁS VA CONSUMIENDO LO QUE QUEDA DE AÑO, Y WRONG LLEGA DE NUEVO A VUESTRAS PANTALLAS CON LAS ÚLTIMAS NOVEDADES EN MADRID, NUEVA YORK O PARÍS. BASTA CON DAR UNA SIMPLE VUELTA POR LA CAPITAL FRANCESA PARA INTUIR QUE SIN DUDA OCTUBRE ES EL MES EN QUE LA CIUDAD SE RINDE ANTE SU EVENTO ARTÍSTICO POR EXCELENCIA: LA FIAC. A PESAR DE LOS TIEMPOS QUE CORREN, EL ARTE HA DEMOSTRADO QUE SIGUE ATRAYENDO A UN PÚBLICO FIEL SIN IMPORTAR SI SON AMATEURS O PROFESIONALES. MADRID POR SU PARTE, TAMPOCO TIENE NADA QUE ENVIDIAR, GRACIAS A FIGURAS COMO LA DE ALBERTO GARCÍA-ÁLIX Y SUS FANTÁSTICAS INSTÁNTÁNEAS. A PARTIR DE AQUÍ, OS TOCA A VOSOTROS DESCUBRIR EL RESTO DE UN NÚMERO DEL QUE, POR EL MOMENTO, SÓLO HABÉIS TENIDO EL APERITIVO. WRONG STAFF

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Texto: Xandre Rodríguez Fotos: Philippe Servent / Thaddaeus Ropac

La galería Thaddaeus Ropac acaba de inaugurar en Pantin un nuevo espacio de cuatro mil setecientos metros cuadrados pensados para dar a los artistas “la oportunidad de expresarse más allá de las obligaciones espaciales habituales”.

Situada al noroeste de París, la ambiciosa ampliación de la galería fundada hace casi tres décadas en Salzburgo, se suma a la ya presente desde 1990 en el céntrico barrio del Marais, reforzando así su clara apuesta por el mercado francés.

La superficie expositiva de este nuevo proyecto consta de 2000 m2 repartidos en un edificio principal subdividido en nueve grandes naves de hasta doce metros de altitud, lo que permitirá a la galería presentar varias exposiciones simultáneamente.

El resto de

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edificios satélite están diseñados para albergar en su interior desde un showroom privado, oficinas o salas para el almacenamiento de obras, hasta espacios multimedia consagrados a las performance, conferencias o proyecciones con el fin de servir como complemento a las sucesivas exposiciones.

Y lo cierto es que éstas no se han hecho esperar, ya que Thaddaeus Ropac ha seleccionado a dos grandes artistas alemanes cuyas obras llenarán hasta el próximo 27 de enero las inmensas salas que aún huelen a nuevo.

Se trata de Anselm Kiefer y Joseph Beuys. Del primero se presentarán obras de nueva creación inspiradas en la criatura mitológica de la edad media Golem, incluyendo collages, esculturas, pinturas e instalaciones. En cuanto al segundo,

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Ropac confiesa el estrecho vínculo con el artista de Düsseldorf – fallecido en 1986-, al afirmar que Beuys “revolucionó mi carrera de galerista desde nuestro encuentro hace treinta años”.

A él le debe su intermediación para lograr conocer en persona a Andy Warhol o Jean Michel Basquiat en el Nueva York de los ochenta y a él le dedicó una de sus primeras exposiciones poco después de inaugurar su galería de Salzburgo con algunos de los dibujos que él mismo le había prometido prestarle.

Por tanto, la vuelta de uno de los principales integrantes del llamado movimiento Fluxus en esta nueva etapa cobra en este caso un añadido valor sentimental.

Además de una serie de obras ligadas a la performance, Beuys también cuenta en la galería del Marais con una retrospectiva de sus grandes obras seleccionadas por el comisario e historiador de arte Norman L. Rosenthal, para quien Beuys representa “el escultor más grande desde Rodin”.

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SHELTER Texto y Fotos: XANDRE RODRÍGUEZ

Pasada la resaca tras la reciente Semana de la Moda francesa, Paris mudó a mediados del pasado mes de octubre de piel para acoger una nueva edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC) en el Grand Palais.

La presencia de personalidades como la ministra de Cultura y Comunicación Aurélie Filippetti o medios tipo Canal +, representaron la parte más institucional y mediática de la jornada previa a la inauguración

Damien Hirst,

oficial, reservada exclusivamente a quienes dispusieran de una invitación al evento.

En caso contrario, el jueves 18 las puertas de la FIAC se abrían de par en par con la esperanza de reencontrarse una vez más con ese heterogéneo público que mezcla estudiantes, amateurs del mundo del arte y, por supuesto, coleccionistas.

Y es que tal y como reconoce Jennifer Flay -directora de la feria-, en

“The Incomplete Truth”, 2007

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estos tiempos “el arte es un valor refugio”. Tal vez por ello el número de galerías seleccionadas ha aumentado sensiblemente en esta edición respecto a la del año pasado sumando 180 de entre más de 750 candidaturas de 24 países diferentes.

En este sentido, algunas de las galerías que más expectativas generan destacaron por una significativa presencia de piezas escultóricas en sus respectivos stands, como por ejemplo Paul McCarthy (Hauser & Wirth), Takashi Murakami (Galerie Perrotin) o el no menos polémico Damien Hirst (White Cube), de quien podéis recuperar la crónica de su retrospectiva londinense en el número de junio de Wrong.

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Takashi Murakami, “Big Box PKo2”, 2011 Sin olvidar la presencia de artistas como Anish Kapoor, Wim Delvoye, Louise Bourgeois o Gilbert & George –entre otros-, cabe resaltar una mención especial para los ganadores del premio Marcel Duchamp, este año Dewar & Gicquel, representados por la galería Loevenbruck. Creado en 2000 por los

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coleccionistas de la Asociación para la Difusión Internacional del Arte Francés (ADIAF) y patrocinado por el Centre Pompidou, el Museo nacional de arte moderno y la propia FIAC, el objetivo de este premio dotado de 35.000 euros consiste en apoyar la escena artística francesa.

Rosemarie Trockel “Gewohnheitstier 2 (Reh)”, 1990 Además, de entre la programación “hors les murs” del Grand Palais, que abarca principalmente al Jardin des Plantes, el Muséum national d’Histoire naturelle o el Jardin des Tuileries contó en el interior de éste último con un cine efímero.

Por tercer años consecutivo, la Fondation d’entreprise Ricard, el Musée du Louvre y nuevamente la FIAC, ofrecieron a los visitantes la posibilidad de visionar más de una veintena de cortometrajes de artistas que en ningún caso no superaran los treinta minutos de duración.

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Jean Paul Gaultier en Madrid: La vida secreta de un maniquí.

Texto María Condado Fotos Fundación Mapfre

La Fundación Mapfre, tras el éxito conseguido el año pasado gracias a la exposición dedicada a Yves Saint Laurent, vuelve a atreverse con el polémico universo de la moda, aunque debo subrayar que cada vez es más considerado como un Arte en mayúsculas por buena parte del público. En cuanto a aquellos que detestan la Alta Costura o que simplemente no la entienden, siempre me viene a la cabeza esa gran frase de Anna Wintour: ‘’A menudo tengo la impresión de que la moda asusta a mucha gente. Y como les da miedo, la critican. En la moda hay algo que, a veces, pone a la gente muy nerviosa… Sin embargo, yo estoy enamorada de ella’’.

La verdad es que no es para menos.

La moda no sólo es estar más o menos a la última, ya que bajo esa primera capa de aparente superficialidad se esconde un enorme conglomerado de

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disciplinas: la Antropología, el Diseño, la Estética, la Sociología, etc. Quizá, quien mejor ha sabido reconocer las múltiples caras de la moda ha sido Jean Paul Gaultier (París, 1952), diseñador al que está dedicada la muestra de la Mapfre, bautizada con el título de Jean Paul Gaultier. Universo de la moda: de la calle a las estrellas (hasta el 6 de enero de 2013).

Y es que, la fascinación por la vestimenta y el tocador femenino era algo muy presente en el carácter del joven Gaultier, criado en un matriarcado donde los corsés y las cinturas entalladas estaban a la orden del día. En sus primeros diseños (e incluso en sus juguetes) ya podemos observar los pechos cónicos que luciría Madonna durante su Blond Ambition Tour de 1990, una colaboración pionera y reivindicativa, ya que el corsé no

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era visto como una forma de represión de la mujer, sino como una armadura símbolo de la fortaleza femenina.

Esto no es más que el resultado de la profunda conexión entre el diseñador francés y el pulso de la calle, algo que se intenta subrayar a lo largo de toda la exposición.

Como hemos visto, durante los años 90, Gaultier fue plenamente consciente del auge de la mujer en el plano social, laboral y sexual; así mismo, supo entender que el hombre estaba adquiriendo nuevos roles en la sociedad y que cada vez estaba más preocupado por su aspecto físico, de manera que para Jean Paul Gaultier, ‘’Le Male’’ también fue objeto de una revisión semejante a la operada sobre la indumentaria femenina: así, el contraste de materiales, de texturas y de volúmenes que caracteriza a la firma, se ve tamizada por la influencia de las tribus urbanas (colección ‘’Les Rock Stars’’), de las diferentes etnias que comenzaron a llegar a Europa (colección ‘’Les Tatouages’’), de la religión (colección ‘’Les Vierges’’) o de la cultura francesa (colección ‘’Les Parisiennes’’).

Por ello, no es de extrañar que las arriesgadas propuestas de

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Jean Paul Gaultier siempre hayan encontrado un hueco entre artistas innovadores como Lady Gaga, modelos controvertidas como Naomi Campbell y cineastas sin prejuicios como Pedro Almodóvar, quien llevó a la gran pantalla los diseños de Gaultier en repetidas ocasiones.

Pero no sólo las ‘’celebrities’’ han quedado prendadas por el imaginario de Gaultier, sino que también las clases menos pudientes hemos podido acercarnos a su arte gracias a su línea de perfumes, tal y como se nos recuerda en la muestra.

Todo queda perfectamente documentado mediante bocetos, fotografías de artistas como Steven Meisel, vídeos… y unos maniquís que concuerdan con el gran sentido del espectáculo propio del modisto galo. No quisiera desvelar cual es el secreto de estos maniquís, ya que todavía valoro el atractivo de una buena sorpresa, pero podrían ser considerados de lo más irreverente. Ésta es una de las muchas razones por las que acudir a la muestra organizada por la Mapfre, pero sin duda alguna, la principal es que a lo largo de ella se percibe la presencia del diseñador en cada detalle y de este modo, se convierte en la mejor manera de tomar contacto con el ‘’savoir faire’’ de Jean

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LOS LOBOS EN LA PARED PRODUCCIÓN INSPIRADO EN EL CUENTO HOMÓNIMO DE NEIL GAIMAN & DAVE MCKEAN

Photography: Ruben Panzuela Ilustration y Styling: Fernando Suárez Hair and Make up: Meritxell Seba Model: Timothee Vilan

Pantalones RAF SIMONS, camisa PRADA, sombrero, guantes y tirantes TOPMAN, pa単uelo vintage.

Gabardina BURBEERY PRORSUM, camisa H&M, corbata y pantalones DIOR HOMME.

Bufanda de calcetines H&M, sueter RAF SIMONS, pantal贸n customizado CHEAP MONDAY.

Camisa TOPMAN, sueter SPASTORS, pantal贸n RAF SIMONS, medias H&M, zapato vintage.

Pantal贸n DIOR HOMME, Camisa, camiseta y chaqueta de punto H&M.

Cuello, guantes y pantalones RAF SIMONS, tirantes DIOR HOMME, medias H&M.

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Bobby Charles Abley

Texto Maxi García Su colección de postgrado, “Make me A Superhero” inspirada en cómics, leather bondage y colores primarios, hizo que se me dibujase una sonrisa en cuanto la ví, me cautivó, y esta vez ha vuelto a suceder.

Wishery es el título de la nueva

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colección de Bobby. Inspirada en Blancanieves, el diseñador narra la fabula a través de los prints y los detalles de las prendas.

Festiva y con una sastrería y ejecución impecables, Bobby parece tener una excelente relación con su niño interno.

Pienso en Jeremy Scott o en Vivienne Westwood, quien se mostró muy interesada en el trabajo del diseñador, y no es extraño ya que los diseños de Abley son frescos, fuertes y sugestivos, inspirados en la cultura pop e infantil.

Es una colección dinámica, con la sofisticación urbana propia de estos tiempos en los que la indumentaria con un aire

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deportivo domina la escena de la moda masculina casual. Hay un aire punk y un poco oscuro en sus siluetas.

Cada prenda cuenta una historia, desde los pantalones cortos a los arneses con el Oso insignia de la marca. El trabajo de Bobby te invita a sonreír, a pensar en cuando eras un niño libre, con el mundo a tus pies.

Hay una nueva personificación de la elegancia urbana, juguemos con ella.

*http://bobbyabley.com/

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END IN WONDERLAND

Hoy me desperté tempranito para ir a Première Visión New York, puede parecer la leche, pues no te creas, una mierda…a no ser que seas comprador; quince minutos para anotar los Pantone, veinte minutos para ver los cinco o seis paneles de tendencias y cinco minutos para explicarle al de seguridad que por el amor de dios me dejase en paz que yo no había hecho fotos de nada (mentira catedralicia) y venga, a la calle de nuevo.

Parada en Clark St, comida en Civic Center y a perderse otra vez. Camino por Willoughby St (mucho black), me meto por Fulton St y luego por Flatbush Ave (más black), tuerzo a la derecha, calllejeo, llego a Warren St con 5th Ave y me encuentro con un Beacon´s Closet, me froto las manos y abro la puerta. Alguna joyita de J. Crew, Henri Bendel, Sonia Rikyel, Anna Sui…compro algo de lo que luego me arrepiento porque llevo el bolso a tope. La zona tiene su punto; se mezclan los bares étnicos con cafetines del rollo intelectual Parisienne, tiendas de ropa super encantadoras muy acordes con los pijos pro que se mueven por el lugar.

Subo por Union St hasta Prospect Park, que es para los Brooklienses como el Central Park para los Manhatanienses. El Brooklyn Museum ofrece retrospectivas de Basquiat y Murakami pero está cerrado. Entro en el Parque y escucho los ensayos del concierto que dará esa noche Animal Collective mientras miro a la gente…creo que podría pasarme la vida entera mirando gente. Una chica lleva unas botas de granates que vi ayer en una de las tiendas vintage de NoLIta, las de cuero, tipo militar y

con lengüeta de flecos…son preciosas, creo que Zara debería fusilarlas.

Decido levantar campamento e irme a DUMBO (Down Under the Manhattan Bridge Overpass).

No hay mucha gente por la calle, un poco aburrido el tema, aunque la zona tiene rollo especial. Escucho música en un local y entro. Es una tienda de discos con algo de ropa street para chico, se llama Halcyon, tiene el suelo enmoquetado de verde con islotes de piedras en algunas partes…creo que se puede pisar todo, pero es más divertido saltar de moqueta en moqueta y a los tíos parece resbalarle mi inconsciente actitud de deficiente mental. Cruzo por debajo de Mahnattan Bridge y me encuentro enfrascada en el cartel de “Once upon a time in America”, me encantan estas casualidades! Aunque la calle está en obras y no tiene la misma esencia me tomo un rato para contemplar la imagen que tantas veces vi en foto.

Me siento en un pequeño parque debajo del puente, desde allí Mahanttan luce espectacular.

El tren, cuando pasa por el puente, hace un ruido estridente. No tengo móvil, no sé qué hora es y parece que va a llover...me da un poco igual, aquí la lluvia dura menos que una candela de papel y con el calor que hace incluso se agradece y es bastante agradable.

Me doy otra vuelta por DUMBO y decido irme a Manhattan dando un paseo por el puente de Brooklyn, esto tenía que hacerlo.

De nuevo en Manhattan me dirijo dirección norte por Bowery St, está

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Nombre: Bob. Localizado: Linea L.

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Nombre: Jonathan Localizado: Brooklyn bridge.

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atardeciendo, pienso…qué puede haber en la 1St con la 1St Ave?, así que me voy hacia allí. La calle está prácticamente vacía pero a medida que avanzo empiezo a escuchar música de piano cada vez más cerca, me detengo en la puerta del local, no es un bar.

Dentro hay un chico tocando un piano de pared mientras ameniza (supongo) el trabajo de varias chicas que están cosiendo, el piano es maravilloso, con graffitis y piedras de colores incrustadas. Otro chico me invita a pasar y me cuenta que están haciendo disfraces para una fiesta de Alicia en el país de las maravillas. Le digo que cambien el nombre de Alicia por el mío…

CELIA ÁLVAREZ

Nombre: Music

Nombre: Pitt

Localizado: Washington Water St. Dumbo.

St

at

Localizado: Manhattan brigde.

Dumbo.

Nombre: Spencer Localizado: Prospect Park.

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Cool rappers Texto Maria Paz Caballero

Las chicas blancas y rubias también rapean. Y cada vez son más las que dejan a un lado la estética inocente y se convierten en iconos de lo sórdido. Las chicas malas y sucias, vestidas con grandes marcas como Yves Saint Laurent, Gucci o Louis Vuitton son lo más cool que nos podemos encontrar en el panorama actual.

Desde las entrañas de Los Ángeles, la stripper y rapera Brooke Candy nos tiene locos. Tras su debut en el video “Genesis” de Grimes se ha convertido en un icono. Una estética cyberpunk noventera, zapatos con plataforma, colores flúor, uñas imposibles, trenzas de colores de 30 centímetros y carne everywhere son sus señas de identidad. Fotografías explícitas, drogas, descontrol y unos looks imposibles la han convertido en la musa del momento. Lo de estar en segundo plano no es para ella y ha Página 42

debutado con su propio tema, “Das Me” que ya empieza a enfervorizar a la masa. Su videoclip rompe todos los esquemas y nos deja con ganas de más, aunque no es muy difícil dejar volar la imaginación con todas esas escenas subidas de tono con las que nos deleita. Pero no sólo de Brooke Candy vive el hombre.

La siguiente es Iggy Azalea,

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piel pálida, una melena rubia cual Marilyn y uñas kilómétricas rompen el escenario cada vez que se sube, mientras los fans la admiran desde abajo esperando a que, como en cada show, empiece a tirar dólares como souvenir. Esto sí es cool. Ella es un poco más recatada (aunque en su abecedario predomine la palabra bitches) y su estética no es tan trasgresora como Brooke, pero es Página 43

TENDENCIAS

blanca nacida en Australia pero con un flow tan negro que si cierras los ojos la puedes ver pululando por las calles del Bronx. Su primer release fue “Pussy” y hasta aquí puedo leer, sigamos en esa línea para el resto. Sus looks son impresionantes, vestida con diseños que van desde Brian Lichtenberg o Rick Villa hasta su amado vintage Versace. Curvas,

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considerada una de las grandes it girls del momento.

Y para cerrar este triángulo de cool rappers, aunque podría enumerar algunas más, está la californiana Kreayshawn. Con un rollo más hipster que rapper y cierto parecido a Amy Winehouse se ha hecho un merecido hueco no sólo en el tema musical sino también en moda. Gafas de pasta, brazos tatuados y lo último en

las pasarelas es la combinación perfecta para que esta integrante de la nueva generación de rappers “la pete”. Ella y sus colegas pasean palmito moderno en sus videos mientras critican a marcas como Gucci o Prada, y nos gusta, nos flipa.

Hay que estar atentos a esta onda de bellezas rapeando, ¿quién ha dicho que moda y rap no puedan caminar de la mano?

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MELANCHOLIA

TAKE A SEAT PRODUCTION & STYLING: RINAT WELSING PHOTOGRAPHY: PHILIP GROSS MODEL: DAVID METCALFE@ISAIO MODELS WARDROBE PROVIDED BY BOLD BERLIN

DIE MELANCHOLIE IST DIE FREUDIGKEIT GOTTES -LUDWIG BÖRNE-

PANTS LEVI´S MADE&CRAFTED SWEATER LEVI´S MADE&CRAFTED

JACKET LEVI´S MADE&CRAFTED PANTS DOCKERS

JACKET LEVI´S MADE&CRAFTED

T SHIRT JOOP

SHIRT LEVI´S MADE&CRAFTED PANTS SUPREMEBEING

SUPREMEBEING

ESTABLIDHED IN 1999 CAMBRIDGE, ENGLAND

“WENN DICH ALLES VERLASSEN HAT, KOMMT DAS ALLEINDEIN. WENN DU ALLES VERLASSEN HAST, KOMMT DIE

EINSAMKEIT”

-ALFRED POLGAR-

BRACES HUGO BOSS PANTS SUPREMEBEING

SWEATER DOCKERS PANTS SHOES DR.MARTENS

LEVI´S MADE&CRAFTED

MELANCHOLIA

PHOTOS BY PHILIP GROSS/PRODUCTION BY RINAT WELSING SPECIAL THANKS TO BOLD COMMUNICATION&MARKETING GMBH

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PULIENDO PIEDRAS PRECIOSAS Texto: LOS POSSIBLYS DE MAYBE Fotos: jevvel.com Dos hermanos. Dos hombres y dos mujeres.

Dos parejas.

Dos de procedencia extranjera y otros dos españoles. Cuatro personas, cada una con su personalidad y su carácter, pero con algo que les mueve por igual y con la misma valía, la moda; la moda joven y patria, las oportunidades por igual y la democratización de la moda pero no al uso, sino apoyándose en una exclusividad que les ha hecho unir sus fuerzas, su talento y sus conocimientos para irrumpir en el mercado con una idea tentadora...¿o tentativa?

Jevvel (que no jewel) son Patricia y Roberto Sierra, Carolina R. Saavedra y Sebastian Schkudlara. Su pasión por la moda, la música, la cultura, las tendencias artísticas y la oportunidad de negocio les han hecho unirse para crear su más ansiado proyecto, con una clara visión del mercado de la moda tanto desde fuera como desde dentro. Y eso es lo que les hace personajes Wrong; luchan por sus principios y no dudan en compartir su conocimiento.

Me reúno con Roberto y Carolina, la mitad de jevvel, para charlar sobre la moda, las inquietudes, y porque no, compartir unas cañitas madrileñas que tanto nos gustan a los que vivimos en la capital del reino de España.

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DISEÑO

Wrong Magazine: De vuestra página web, del epígrafe que habla sobre vosotros, me ha llamado la atención la frase que dice que jevvel tiene como objetivo principal ser una incubadora e impulsadora de diseñadores de moda emergentes. ¿Que valor consideráis importante que debe tener un diseñador emergente?

Roberto: Un diseñador emergente es aquel que no tiene como objetivo principal ser una marca para llegar a la gran mayoría del público, no se deja llevar por el camino comercial; que tiene un estilo personal...y que emerge de la nada, aún está por salir y por ser algo o alguien, pero ya tiene unos principios definidos.

Carolina: Se podría definir también el concepto de emergente con otra característica que buscamos, la independencia.

La moda independiente, también buscamos ese objetivo. Alguien que intente salir del ámbito más comercial, buscando otros caminos para abrise.

R: Uno de los objetivos principales de jevvel es convertirse en una plataforma de marcas de ropa donde la gente pueda buscar su personalidad, intente diferenciarse de los demás, creando identidades personalizadas y únicas. Todos sabemos que comprando en grandes cadenas al final vamos vestidos todos iguales. Hemos estado investigando y comprobamos que en EEUU este tipo de proyectos relacionados con la moda que busca diferenciarse y potenciar la identidad está en auge, es bastante importante y la gente se muestra muy interesada y participativa.

C: Yo lo que veo sobre todo es la oportunidad que jevvel otorga a aquellas personas que no tienen posibilidades para mostrar su trabajo. El mercado no se lo

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permite; ellos buscan expresarse y ya es una valentía en si misma crear algo, hacer una colección y al final lo difícil es darse a conocer. Queremos dar esa oportunidad. Esa primera oportunidad.

WM: ¿Y como ofrecéis esa puerta de acceso?

C: Nosotros también formamos parte de esa gente, creemos que es algo que nos pasa a nosotros. Obviamente somos una empresa emergente también, no teníamos muchas posibilidades económicas como para invertir en un proyecto por el que luchamos, nos gusta y creemos en el desde el principio. Nuestra intención es también ofrecer estrategias de

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marketing. Gracias a la experiencia de Patricia y Sebastián, ya que han tenido trabajos relacionados en este medio de comunicación, en el marketing online, queremos ofrecer una puerta fácil para que la gente se aproveche de las maneras de poder promocionar su marca sin coste alguno. Es fundamental el saber comunicarse, y sabemos que muchos diseñadores carecen de medios, de tiempo o de conocimientos sobre ello.

Promocionar su firma. Es fundamental también que al formar parte de esta “red social” de diseñadores unos a otros ya se están publicitando...Un cliente activo entra en la web para ver un diseñador concreto y finaliza interesándose por otra persona que quizás no hubiera conocido sin ser a través de jevvel.

WM: Unificáis conocimientos que aportais gracias a vuestras profesiones en otros ámbitos...

R: Cuando empezamos a hablar entre nosotros, a compartir inquietudes sin saber que llegaríamos a jevvel, yo estaba estudiando patronaje y recuerdo una conversación con Sebastian sobre la idea de crear una web donde la gente podría enviar el patrón de un diseño que le gustaba y sus medidas y nosotros hacíamos o contactaríamos con alguien que le pudiera hacer su prenda, y además de manera exclusiva....nosé, la idea ya empezaba a revolotear por nuestras cabezas.

C: Incluso hablábamos de una página web que fuera una red social sobre las inquietudes respecto a la moda, para poder intercambiar impresiones, mostrar trabajos, vender, colaborar, etc. La idea era salir de la cotidianidad y compartir conocimientos y opiniones sobre otras salidas a la moda convencional.

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Para encontrar algo por lo que merezca la pena gastarse dinero a veces es muy difícil y poco alcanzable. Pero lo que siempre hemos tenido claro es que hiciéramos lo que hiciéramos, no queríamos que hubiese muchos intermediarios entre las personas que participarían en el proyecto.

R: Es el interés que siempre hemos tenido en la moda sumado a nuestros conocimientos en el mercado online.

WM: Vosotros sois la puerta de acceso.

C: Queremos dar esa oportunidad.

WM: Decidme que puede ofrecer jevvel en relación a otras páginas de venta online.

R: El mecanismo es diferente. Habrá muchos diseñadores o firmas que se pongan en contacto con grandes webs para vender sus colecciones; en cambio nosotros lo que hacemos es investigar diseñadores y preguntarles si quieren abrirse al público, enseñar sus proyectos y vender lo que hacen.

WM: vosotros buscáis, no os buscan, por ahora...(Risas) C: Nosotros no tenemos posibilidad alguna de comprar una colección,

buscamos gente que quiera trabajar así. No es un riesgo para nadie porque no estas invirtiendo nada, pero si es una inversión porque si sale bien, sale bien para todos. No tiene porque haber dinero, sino oportunidades.

Todos lo que tenemos en jevvel son prendas únicas, exclusivas. Apenas tenemos tallas. Además la gente que lo hace es de la manera menos perjudicial para el medio ambiente, con el menor proceso químico y contaminante. El propio diseñador casi siempre es el artesano de su obra, lo hace con dedicación especial y muchas dosis de cariño. Hay algunos que trabajan con fábricas, pero por lo general producen sus propias colecciones. Por ejemplo contamos con Lefreakolé, que utiliza un tipo de patrón especial y producen su propias colecciones en su taller.

R: Y la chica polaca, Dominika Cybulska expone un vestido de cuero exclusivo por 100 euros, solo por su exclusividad tendrían que valer más del doble, por no hablar del precio del tejido y del trabajo llevado para su creación. Es único, no lo vas a poder encontrar en

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otro sitio ni en otra persona. Aunque el margen de beneficio sea mínimo, porque por un vestido único no vas a tener una gran ganancia, pero te la da la oportunidad de invertirlo en nuevas creaciones y en investigación para tus nuevos diseños.

WM: Vosotros queréis hacer hincapié en los diseñadores españoles, aunque son los más reticentes a la hora de formar parte de vuestro proyecto,... La moda en España, ¿que camino creéis que lleva en relación a la moda internacional?

C: En general creo que España tiende aprovecharse de su propio producto, a autogestionarse y volver a lo tradicional. Yo creo que es el sello de España, lo ha sido y que seguirá esa vertiente. También veo que vuelve una tendencia al minimalismo. El diseño en general es muy natural, volver a los sentidos y a la esencia, a lo táctil.

Colmillo de Morsa, unos diseñadores catalanes que trabajan con nosotros, basan sus colecciones en la naturaleza, en las piedras, en los colores que ven de la noche...una serie de texturas tan orgánicas como naturales. Nosotros nos hemos comprometido mucho con ellos por esa manera que tienen de ver la vida, que se identifica mucho con la nuestra.

WM: Volver a lo terrenal, a lo orgánico...

C: Como dicen ellos, la naturaleza se puede ver de tantas maneras como ojos.

R: La moda española es verdad que tiene un potencial importante, tiene un diseño tan competente como el italiano o el francés, pero creo que

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tiene el handicap de que los medios no hacen hincapié y no le dan muchas oportunidades para salir adelante.

Los medios dificultan el acceso a los nuevos diseñadores. No se le da la oportunidad por igual a todo el mundo.

Creo que ahí es donde radica el fallo.

Es como el hecho de pedir una subvención para montar un negocio...prácticamente imposible sin contactos o enchufes.

WM: El nombre de jevvel...

C: El nombre ha sido algo que nos ha llevado bastante tiempo.

R: Ponerle un nombre a una página web con un significado y que sea corto es prácticamente imposible. Casi todos los dominios están registrados. Nos gustan los juegos de letras y palabras, que guardan algo misterioso porque tienen intenciones pero no son tan evidentes.

Viene por el tema de que jevvel, con dos v no estaba registrado y la verdad es que como siempre nos han gustado los nombres que hacen cambiar las palabras.

Como el grupo de música VVES. C: Cuando lo pusimos en internet no nos lo creíamos....pensábamos que era tan evidente que nos resulto extraño no encontrarlo ya registrado. Al final fue algo más sencillo de lo que parecía.

Lo tenía todo, es corto, fácil de decir, con el juego de las dos uves.... perfecto!

...Astrágalo

WM: Voy a leer las siete acepciones que la RAE recoge sobre el término de joya. Decirme cual de ellos se corresponde con jevvel: 1. Adorno de oro, plata o platino, con perlas o piedras preciosas o sin ellas, usado especialmente por las mujeres.

2.Cosa que se da por reconocimiento o como premio de un servicio.

3. Brocamantón, joya grande de oro o piedras preciosas, a manera de broche que llevaban las mujeres en el pecho.

4.Cosa o persona ponderada, de mucha valía.

5.Astrágalo. (cordón que rodea el fuste de una columna) 6. Astrágalo. (adorno de los cañones antiguos) 7.Conjunto de ropas y alhajas que lleva una mujer cuando se casa.

Rober y Carolina: Por unanimidad, la 4.

C: Aunque a mi también me ha gustado la palabra Astrágalo...

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ALBERTO GARCÍA-ÁLIX: EL HOMBRE QUE SE ENAMORÓ DE LA LUNA

Texto: CAROLINA CADENAS PAZOS Fotos: JUANA DE AIZPURU Hasta el 21 de octubre, los últimos trabajos del fotógrafo español Alberto García-Álix estuvieron expuestos en la sede madrileña de la mítica galería Juana de Aizpuru. No fue la única noticia del mes de octubre donde el artista leonés fue protagonista, ya que además fue galardonado con la prestigiosa insignia de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. Un estrella más que añadir a una casaca donde ya se encontraban el Premio Nacional de Fotografía (1999) o el Premio PHotoEspaña (2012).

Leica y Hasselblad. Dos nombres con los que cualquier neófito imaginaría a una pareja de dogos, dos biólogos austriacos o a los centrales titulares de la selección de fútbol de la República Democrática Alemana. Sin embargo, se trata de sus fieles compañeras de fatigas, sus dos cámaras más preciadas. Aquellas con las que ha sido capaz de desgranar fragmentos de su propia vida y de su entorno más cercano. Un trabajo de interiorización y revelación. Una generosidad abrumadora patente en la exposición personal que se percibe en cada uno de sus retratos, su género por excelencia, donde se manifiesta tanto la sinceridad de la figura retratada como la del propio fotógrafo. Los rostros y cuerpos que se representan, frecuentemente bajo la pátina de la dualidad del blanco y el negro, están dotados de una enorme carga psicológica, tal y como ocurría en

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los retratos de grandes maestros de la pintura como Tiziano o Goya o, dentro del mundo de la fotografía, semejante a artistas norteamericanos como Robert Mapplethorpe.

Comparte con Pierre Gonnord su fijación por el retrato y la fisonomía, pero se aleja de los cometidos antropológicos más puristas en favor del aspecto social.

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FOTOGRAFÍA

La nómina de lugares y personajes retratados es de lo más variopinta.

Cantantes, habitaciones de hotel, actores porno, motos, desnudo de féminas varias (amantes o no), el cuerpo como cama de la técnica del tatuado o la farándula.

Destaca, sobre el resto, aquella figura que le dio fama y de la que aún corren ríos de tinta (excesivos a veces, incompletos otras tantas): la Movida. Como suele decirse, estuvo en el lugar correcto en el momento adecuado. En el apogeo de su veintena, este leonés fue, sin él desearlo, uno de los testigos oculares del resurgir de la cultura underground que se fraguaba en las cloacas del foro madrileño más castizo, ese microcosmos del que era fácil adentrarse e imposible escapar. Delante suya pasaron numerosas figuras que más tarde se convertirían en mitos, vivientes unos, sepultados ya otros. Es el caso de sus retratos de Alaska, Camarón de la Isla, Ana Curra, Carlos Berlanga, Rossy de Palma o Pedro Almodóvar. El clasicismo sólo quedaba

patente en su frecuente uso del bicolor. Su intuición y determinación hacían el resto. Retratos directos, sin medias tintas, incómodos en ocasiones, explícitos en su mayoría.

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La desnudez de sus odaliscas no sólo era una cuestión visual sino que además implicaba la exposición pública de su propia alma, convirtiendo cada imagen en un vino de cuerpo sólido: áspero en

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la garganta y duradero en el paladar.

Las poses excesivas de sus modelos y sus exageradas escenografías no hicieron más que aumentar esa tensión palpable en cada gesto y expresión de sus fotografías. Su reconocimiento por parte de la crítica vino después de sublimar. La profundidad de su mirada aún no ha encontrado sus límites.

Él mismo se define como un romántico del siglo XX. Un marinero que ha tenido harleys y sirenas en cada puerto. Un personaje donde la máxima de Séneca se descubre como una auténtica forma de vida: Sólo se aprende a vivir viviendo.

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El día de la rata Texto Antía Cedrón

Un día la rata se convertirá en divisa, la rata cerró a la baja frente al euro, venta masiva de ratas blancas , EEUU se une al estándar rata, el apilamiento de ratas muertas causa epidemias globales…

Cosmópolis se esfumó de la cartelera apenas dos semanas después de su estreno. Y esto la ha hecho aun más interesante, sin duda la película de Cronemberg se merecía un cine vacío. Su discurso es crudo y estimulante, es una película rara y reveladora, tal vez tanto como lo fue el Club de la Lucha pero sin una acción/distracción paralela que contente al espectador ajeno a transcendentalismos (quizás la misma diferencia entre Palahniuk y DeLillo).

La peli adapta un texto de este último, tan denso que se vuelve inabarcable, los diálogos (que se suceden unos tras otros) son reflexiones posmodernistas extremadamente complejas y servidas en un ambiente incómodo. Los únicos adornos son un par de secuencias de sexo deshumanizado y un comentadísimo examen de próstata.

Todo muy absurdo y brillante. Se supone que la película reflexiona sobre el tecnocapitalismo, y comienza con un poema precioso “La rata llegará a ser la unidad monetaria”, una ficción donde la riqueza provocaría un brote de Página 74

peste tal que asolaría el mundo.

Soñar con la destrucción, anhelar la catástrofe parece ser el punto de encuentro entre capitalistas y anarquistas, eso dice el personaje de Samanta Morton, para ir hacia el futuro hay que destruir el pasado.

El protagonista es un multimillonario más joven que nadie a su alrededor, un visionario capaz de manejar constantemente datos de la economía mundial, sin perder

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de cine.

Al salir de la sesión ,en la que eramos unos 20, un espectador descontento comentaba que la película era horrible (no le falta razón) y que en todo el metraje no pasaba nada, quizás la misma gente que espera acción y entretenimiento en Cosmópolis encuentre algo transcendente en esos publicitadísimos éxitos de taquilla.

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DISEÑO

detalle, una evolución del ser humano permanentemente conectado.

Y en su variopinto entorno todos los personajes son representados en abstracto(apenas unos minutos y un par de detalles para cada uno) ,mientras él se vuelve más figurativo, más real.

Así habla Delillo de la psique y el capitalismo, así habló el poeta polaco Zbiegnew Herbert del totalitarismo, y así vació David Cronemberg las salas

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WRONG MUSIC Texto: LUIS LÓPEZ

Castratii – Eora Australia ha sido normalmente conocida por una tierra plagada de grupos creadores de melodías risueñas y llenas de calor, que perfectamente podían hacerte trasladar a un lugar de playas y sol radiante. En este caso, sin embargo, nos encontramos con otra cara de la escena australiana: el dúo Castratii, llegados desde Sydney, componen en Eora un repertorio de synth pop oscuro y decadente que te conduce a un viaje de introspección, en el que extirpas cada ritmo y sonido que penetra en tu interior.

Chad Valley – Young Hunger Tras dos EPs lanzados a lo largo de dos años, Chad Valley se decide y nos presenta su primer largo, esta vez desmarcándose de ese precioso chillwave que tejía sus canciones, y dirigiéndose hacia un electropop 80’s ensoñador, utilizando su registro vocal habitual y acompañado de artistas de la talla de Twin Shadow o Totally Enormous Extinct Dinosaurs, entre otros. “Young Hunger” es una compilación de canciones cargadas de apacibles sintetizadores que transmiten a sus oyentes un fuerte sentimiento de nostalgia.

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Sam Flax – Age Waves A las bandas de pysch rock del momento se suma Sam Flax, venido desde San Francisco, y con un álbum de debut un tanto interesante. El disco comienza con el listón bastante alto, pero canción tras canción va perdiendo esa fuerza inicial, y te deja con una sensación de vacío que hace replantearte volver a escucharlo. Aunque el orden de las pistas pudiera no ser el adecuado, el contenido de este álbum merece la pena ser escuchado pero, eso sí, empezando por la última canción.

How to dress Well – Total Loss Tom Krell, con su segundo disco, nos trae un trabajo lleno de tristeza y desesperación, que trata sobre el sentimiento de pérdida ante el amor y la amistad. Esta vez su excéntrico lo-fi R&B suena menos cargado en la melodía, y su voz toma vital importancia, mostrando hasta qué altura puede llegar con ella. Un disco sencillo pero con un componente emocional tan poderoso que invadirá todos los rincones de tu cuerpo, y te hará sentir y entender el mensaje que recitan sus letras.

Aidan Knight – Small Reveal

MÚSICA

Aidan Knight nos presenta en su segundo trabajo un repertorio de temas de pensamiento reflexivo cargados de creatividad y buen gusto, que conducen a un estado de escapismo marcado por una fuerte sensación de melancolía. El resultado es un fascinante indie pop de cámara que brota en una atmósfera ensoñadora y abraza un sonido algo más sombrío, en el que los instrumentos de cuerda y de viento se convierten en los protagonistas, causantes de esa personalidad que envuelve este brillante disco.

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BRUTALMENTE FRÁGIL Texto: XANDRE RODRÍGUEZ Fotos: LA FÁBRICA / TENEUES / ECCO

Las recientes exposiciones en museos como el J. Paul Getty Museum, Los Angeles County Museum of Art o la galería barcelonesa Senda, confirman que el legado del icónico fotógrafo Robert Mapplethorpe sigue más vivo que nunca.

El neoyorquino, fallecido a causa del VIH en 1989, exploró como nadie el erotismo presente tanto en la delicadeza de una flor, como en los imponentes cuerpos de los escultóricos hombres –en su mayoría de raza negraque accedían a posar delante de su objetivo.

Pionero en retratar la sórdida estética S&M de los clubs underground homosexuales en unas crudas instantáneas que ningún galerista se ha atrevido a exponer, Mapplethorpe sigue siendo a día de hoy el artista por excelencia de los contrates entre lo frágil y lo brutal.

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Para todos aquellos que busquéis un primer acercamiento a su obra, he aquí una pequeña selección con los últimos libros publicados sobre uno de los artistas más influyentes del siglo pasado.

1. La mirada de Almodóvar Enmarcada dentro del Festival Off Photoespaña 2011, este libro es el resultado de la colaboración del director manchego con la Robert Mapplethorpe Foundation y la galería Elvira González, que desde el año pasado representa en exclusiva la obra del artista en España. La muestra recoge 31

instantáneas de distintas épocas (19761989) seleccionadas según el criterio personal del cineasta, quien declaraba que “la fotografía de Mapplethorpe tiene la intensidad visual propia de la pintura y, a su vez, supone la adquisición por parte de la fotografía del poder narrativo que hasta ahora contemplábamos en la pintura”.

2. MAPPLETHORPEX7 La Robert Mapplethorpe Foundation le encargó durante siete años a siete reconocidos artistas contemporáneos que comisionaran una serie de exposiciones sobre el fotógrafo en

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sus respectivas ciudades de trabajo o residencia habitual, recuperando de su archivo las obras con las que se sintieran más identificados. La primera en encabezar el proyecto fue Cindy Sherman, a la que le fueron siguiendo consecutivamente otros artistas como David Hockney, Vik Muniz, Catherine Opie, Sterling Ruby, Robert Wilson o Hedi Slimane.

3. Just Kids Las memorias de Patti Smith ofrecen una mirada íntima y personal de la cantante y poetisa ambientada en el Nueva York de finales de los 60. Una época marcada por una inquebrantable amistad con quien sería su alma gemela, Robert Mapplethorpe, y las noches que ambos compartieron en una de las habitaciones del mítico Hotel Chelsea mucho antes de convertirse en celebridades mundialmente reconocidas.

A la espera de una posible adaptación para la gran pantalla –de hecho ya ha habido conversaciones con el guionista John Logan-, Just Kids es el mejor documento que caerá

hasta la fecha en vuestras manos.

Imprescindible.

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