Revista Especial Festival de San Sebastián 2021 - Audiovisual451

Revi st a Di gi t aldeAudi ovi sual 451.Nº40

Especi al69º Fest i val deCi nede SanSebast i án

r c adoc i ne mat ogr áf i c oe s pañolseat Elme as c a PATEganapr ot agoni s moe ne ls e c t ordepr oduc c i ón Habl anl ospr oduc t or e s :Cuat r ope l í c ul ase s pañol as c ompi t e nporl aC onc hadeOr o Ymuc homás . . .

F o t or o d a j e‘ E l b u e np a t r ó n ’

Editorial

Los cines españoles no despegan y son necesarios

Si hay un sector dentro de la cadena de valor del audiovisual que está sufriendo las consecuencias de la pandemia durante más tiempo ese es el de exhibición cinematográfica.

Sin apenas ayudas, apenas 13 millones de euros para sufragar los gastos derivados de la crisis sanitaria, con limitaciones de aforo cambiantes y horarios desiguales según comunidades, además de poco producto de tirón para programar, los cines españoles se han visto en la obligación de estar abiertos claramente en condiciones precarias.

Parecía que el verano, con las medidas de seguridad flexibilizadas, iba a ser el punto de inflexión definitivo para la recuperación, pero la cosa va más lenta de lo esperado. El pinchazo de títulos importantes, las reticencias de algunas distribuidoras a estrenar sus producciones estrella, junto a eventos deportivos como la Eurocopa y los Juegos Olímpicos y las ganas de la gente de reunirse y participar en actividades al aire libre, han sido un cóctel envenenado, una barrera muchas veces infranqueable para los exhibidores.

La situación ha mejorado en verano respecto a meses atrás, sí, pero está claro que no lo suficiente y ya solo quedan cuatro meses para enderezar un rumbo demasiado escorado a estas alturas. Si finalmente abren todos los cines que aún no lo han hecho, España contaría este año con 706 cines,

3.563 pantallas y 752.291 butacas. Teniendo en cuenta el panorama actual y lo vivido, se trata de unas cifras no muy alejadas de las de 2019, cuando había 3.593 las pantallas disponibles en 723 cines, el problema es que si la situación de precariedad se enquista habrá salas que dejarán de ser viables y se verán abocadas al cierre.

En los ocho primeros meses de este año la taquilla en España ha superado 120 millones de euros, pero ha caído un cuatro por ciento, respecto al mismo periodo de 2020. En el caso del cine español, el panorama está aún más nublado porque la reducción de ingresos entre enero y agosto fue del 45 por ciento, con menos de 14 millones de euros. ¿Y qué sería el cine español ahora sin Santiago Segura? pues a todas luces una debacle absoluta, porque su filme ‘A todo tren.

Destino Asturias’ logró el 44 por ciento de la recaudación de todas las películas españolas en esos primeros ocho meses.

Y no es nuevo, ya el pasado año ‘Padre no hay más que uno 2’ logró más de 10 millones de euros en pleno verano post-confinamiento.

Esperemos que a final de año varios títulos nacionales e internacionales sigan la estela del éxito de Santiago Segura y estemos hablando entonces de un cambio de tendencia real, por el bien del sector audiovisual y cultural en general que necesita la recuperación total de las salas de cine. FIN

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gestionado por Irene Jiménez (irene@audiovisual451.com) y

David Sequera (david@audiovisual451.com), dos periodistas especializados en la rama profesional del sector audiovisual, con más de una quince años de experiencia en diversas publicaciones de prensa

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El cine español perdió el 45 por ciento de sus ingresos de enero a agosto de 2021, mientras que el mercado cinematográfico total cayó solo un cuatro por ciento

‘A todo tren. Destino Asturias’

El 13 de marzo de 2020 echaban el cierre la totalidad de los cines de España y desde entonces nada ha vuelto a ser igual en el sector de la exhibición, sin duda el más afectado por la pandemia de los que integran la cadena de valor del audiovisual. Las primeras puertas no se volverían a abrir hasta finales de mayo del pasado año y las primeras semanas de junio. Tras tres meses de cierre y con un proceso de apertura de salas de cine gradual que comenzó el 25 de mayo con la reapertura del primer complejo, ya desde el 26 de junio de 2020 cerca del 80 por ciento de las salas de cine de toda España estaban a disposición de los espectadores, según la Federación de Cines de España (FECE), aunque con altibajos en todo este periodo, nuevos cierres parciales y limitaciones de aforo desiguales que se extremaban cuando la incidencia se elevaba de nuevo y se moderaban cuando bajaba otra vez.

A finales de agosto de 2020 todavía el parque de salas español se encontraba con algunos cines cerrados, de hecho casi el 17 por ciento del total no habían levantado la persiana. En definitiva, había 412 cines abiertos del total de 496 complejos que operaban en España entonces, es decir, 84 cines todavía permanecían clausurados. A finales de noviembre pasado, los cines no remontaban, lastrados por esas

limitaciones y la escasez de productos de gran tirón.

En esa coyuntura, la patronal de los cines españoles promovía una carta abierta dirigida al Presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, sobre la situación de las salas de cine en España.

La carta, aunque impulsada por la Federación de Cines de España (FECE) como principal asociación

representativa de las salas de cine, contaba con la firma la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, la Academia del Cine Catalán, Festivales de Cine como San Sebastian, Málaga o Sitges, las principales asociaciones de productoras AEC, PIAF, PAC, PROA, otras asociaciones como CIMA. También estaba rubricada por importantes directores y directoras de cine de nuestro país. Unos días antes, la Federación de Cines de España (FECE) reclamaba un

las medidas de apoyo adoptadas por su Gobierno durante estos meses que han permitido cierto alivio al sector. No obstante, la situación crítica que atraviesan las salas obliga a un plan específico”, señalaba la misiva.

Los cines reclamaban en noviembre pasado preservar su papel histórico en la cultura y la sociedad española: “Queremos que cuando acabe la pandemia los cines ‘Hasta el cielo’

nuevo plan de ayudas a la exhibición, fundamentalmente por lo que calificaban como “la ruptura del mercado único cinematográfico”, además del incremento de restricciones en las salas, que a su juicio ponían en riesgo la viabilidad del sector de exhibición cinematográfica, con menos de la mitad de los cines abiertos entonces y una nueva ola de la pandemia en plena ebullición.

Bajo el título: ”Salvemos los Cines” la carta quería trasladar la preocupación por el futuro de las salas de cine. “Somos conscientes de la situación del país, de la grave crisis sanitaria y económica que afrontamos, y de los numerosos sectores y empresas que se acercan a usted solicitando ayuda. También sabemos de

permanezcan en el mismo sitio, bajo la convicción de que un país con menos cines siempre será un país menos culto y menos creativo. Nuestro país no puede darse el lujo de perder el valor social, económico y cultural que brindan los cines. Por favor, luche por los cines de nuestro país en cualquier próxima legislación”, apuntaban para acabar solicitando al Presidente del Gobierno, que adoptase las medidas necesarias para salvar los cines y garantizar su supervivencia; “medidas concretas que eviten la quiebra y cierre de más cines”.

Esta petición iba más allá de los 13 millones de euros presupuestados para ayudas directas al sector de exhibición por la pandemia. En los primeros días de no-

viembre se publicaba la resolución definitiva de las ayudas para titulares de salas de exhibición cinematográfica. Estas ayudas estaban destinadas a sufragar gastos realizados en el año 2020 desde que se decretó el Estado de Alarma, derivados de la crisis de la COVID-19, tanto gastos que sean consecuencia de las medidas sanitarias de prevención adoptadas, como los destinados a favorecer la visibilidad de la reapertura de los cines.

se publicó el censo.Entre las conclusiones del estudio cabe destacar que la pandemia no ha conseguido doblegar las salas de cine. La mejoría de la situación epidemiológica, entre el final del invierno y el inicio de la primavera de 2021, permitió un continuo goteo de reaperturas, que ha llevado a que el proceso de retorno a la actividad de los cines esté prácticamente completado en estos momentos. Las 3.432 salas de cine operativas en julio pasado en España, según el ‘Descarrilados’

Las ayudas fueron convocadas por el ICAA el 30 de julio de 2020. Para esta línea de ayudas, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales destinó un presupuesto total de 13.252.000 euros. De un total de 251 solicitudes recibidas, resultaron beneficiarias 236 salas de exhibición, por un importe total de 10.233.703,07 euros.

A pesar de todo, la exhibición sigue luchando y demostrando que todavía tiene mucho que ofrecer. La Asociación para la Investigación de Medios de Comunicación (AIMC) publicaba hace un par de meses una nueva edición de su Censo de Salas de Cine, que toma como base para la comparación el censo anterior, fechado el 1 de abril de 2019, ya que en 2020 no

Censo actual de AIMC suponían un 95,5 por ciento de las que había en tiempos previos a la pandemia, esto son 161 pantallas menos que en 2019. En cuanto al número de locales de exhibición, la cifra se sitúa en 706 (664 plenamente operativos y 42 de probable reapertura), que, aunque disminuye en 17 los cines con actividad (-2,4%) con respecto al último censo de 2019, supera los 697 existentes en 2018. Recapitulando, En 2019 España contaba con 3.593 pantallas operativas y 723 cines repartidos por toda la geografía nacional, según AIMC. Por su parte, el ICAA contabilizaba 3.695 pantallas con actividad en 2019 y 3.701 en 2020.

Respecto al número de butacas, según el Censo de

AIMC de este año, la cifra se fija en 752.291 (723.645 en cines abiertos + 28.646 en cines de probable apertura), que supone un descenso de 34.184 (-4,3%), respecto al estudio realizado en 2019. En definitiva, si todo va bien y se incluyen en el censo actual los 42 locales (con 131 pantallas y 28.646 butacas) que cerraron por la pandemia y no han abierto el 1 de julio de 2021 pero de probable reapertura en el futuro, España contaría este año con un total de 706 cines,

3.563 pantallas y 752.291 butacas.

Asimismo, en España, existen aproximadamente 75 salas de cine por cada millón de habitantes, una cifra similar a la de las últimas entregas del censo, aunque ocho menos que hace diez años. Las comunidades que tienen 80 o más salas por millón de habitantes son: La Rioja (128), Navarra (92), País Vasco (85) y Comunidad Valenciana (83). En cuanto a las provincias con mayor densidad de salas son, por este orden, Soria, La Rioja, Segovia, Girona, Tarragona y Salamanca, que superan las 110 salas por millón de habitantes. En el lado opuesto, se encuentran las comunidades de Ceuta y Melilla (47), Extremadura (56), Cantabria (58), Baleares (61) y Aragón (62). Por

otro lado, las provincias que cuentan con una menor concentración de salas por millón de habitantes, no superando las 50, son Melilla, Teruel, Ourense, Jaén y Toledo.

En términos de aforo, la densidad media es de, aproximadamente, 16 butacas por cada 1.000 habitantes, una menos que en el último censo de 2019 y tres butacas menos respecto al estudio de 2011. Andalucía,

con 645, Cataluña, con 612, y Madrid, con 519, son las comunidades autónomas con mayor número de salas de cine. Las comunidades con mayor densidad de salas son La Rioja, Navarra y País Vasco con 128, 92 y 85 pantallas por millón de habitantes, respectivamente.

Sin duda, hay que seguir creyendo en los cines a pesar de la caída de las cifras de recaudación y espectadores en los primeros ocho meses de agosto.

Desde el 1 de enero al 31 de agosto de 2021 los cines españoles recaudaron un total de 120,4 millones de euros y acogieron en sus salas en este periodo a casi 20 millones de espectadores. Esto significa que la recaudación total en los primeros ocho meses de 2021,

tanto de películas españolas como extranjeras, cayó un cuatro por ciento, que traducido a euros son cinco millones menos. También se perdió cerca de un millón de espectadores respecto al mismo periodo de 2020.

"Hay que ser realistas pero también optimistas. Creo que se atisba cierta recuperación, que obviamente tendrá sus altibajos y que es más lenta que en otros países de nuestro entorno. Creo que hay datos que

mia de 2019, en ese mismo periodo.

En lo que respecta a la cifra de espectadores, de enero hasta agosto, se pasó de los 69 millones de 2019 a los casi 21 millones de 2020, esto significaba que cerca del 70 por ciento de los espectadores registrados en 2019 abandonaron las salas en 2020 por fuerza mayor, claro, lo que muestra un déficit de 48,1 millones. Eran otros tiempos.

‘Las niñas’

corroboran esta mejoría. Por ejemplo, en la Semana Santa pasada, cuando se estrenaron algunos títulos importantes hubo un repunte en la asistencia, como también ha ocurrido en algunos momentos del verano.

A partir de junio parece que la tendencia se ha estabilizado", comenta David Rodríguez, General Manager Spain & Portugal de Comscore Movies.

Y es que en los ocho primeros meses del año 2020 los cines españoles recaudaron más de 125,5 millones de euros, frente a los casi de 408,7 millones de euros contabilizados en el mismo periodo de 2019.

Esto significó que la taquilla del 1 de enero al 31 de agosto de 2020 se redujo un 69,2 por ciento, con 283,1 millones de euros menos que el año prepande-

Retrocediendo un poco más en el tiempo, para poner más en contexto la situación, entre el 1 de enero y el 31 de agosto de 2018 los cines españoles perdían un 2,5 por ciento de sus ingresos, lo que entonces no se consideró un mal dato, teniendo en cuenta que fue año de Mundial de Fútbol, con toda la incidencia negativa que conlleva eso en el consumo de películas.

En los ocho primeros meses del año 2019 la taquilla cinematográfica total en España, que incluye tanto a producciones extranjeras como nacionales, se incrementó un 5,3 por ciento respecto a 2018, hasta superar los 408,6 millones de euros mencionados. Esto significa que se recaudaron en 2019 unos 20,6 millones de euros más que en el mismo periodo de 2018.

Por su parte, la cifra de espectadores creció entonces

un siete por ciento, hasta 69 millones, lo que quiere decir que en los ocho primeros meses de 2019 se vendieron 4,5 millones de entradas más que entre enero y agosto de 2018.

Aunque hay muchos agravantes y baches en el camino, una caída del cuatro por ciento de la taquilla en 2021 teniendo en cuenta que en 2020 los cines permanecieron cerrados tres meses son objetivamente

nes españolas en la cartelera esos meses recaudaron 30,1 millones de euros, lo que supuso en ese momento una reducción de ingresos del 40 por ciento respecto a 2019.

El cine español perdió entonces 21 millones de euros y 3,5 millones de espectadores, porque en 2019 registró en ocho meses aproximadamente 51,6 millones de euros, con 8,7 millones de entradas vendidas.

‘Poliamor para principiantes’

malos datos y mucho peores si se analiza por separado la producción nacional. Con casi 300 títulos en cartel, solo poco más de la mitad estrenos de 2021, el cine español recaudó entre el 1 de enero y el 31 de agosto de 2021 unos 16,9 millones de euros, con 2,9 millones de espectadores. Esto supone un decrecimiento de la taquilla del 45,22 por ciento con casi 14 millones de euros menos que en el mismo periodo del año pasado. La cifra de espectadores nacionales en estos ocho meses ha pasado de los más de 5,3 millones de 2020 a menos de 2,9 millones este año, es decir, se han perdido también 2,4 millones de espectadores.

Hasta el 31 de agosto del pasado año, las produccio-

A lo que sigue sin afectar el Covid-19 es al precio medio de la entrada de cine, que en los primeros ocho meses de este año quedó fijado en seis euros, una cifra clavada a la de todo 2020 y muy parecida a la del últimos cinco años (5,9 euros). Sí se registra un desplome claro en la asistencia media por habitante al año, que ahora es de 0,4 veces. Ya en 2020 cayó a 1,6 veces, con el año completo, mientras que en 2019, los españoles acudían más de dos veces al año al cine de media y 2018 esa frecuentación media era también de dos veces por habitante al año.

“Cuando ha habido cierta estabilidad en las restricciones y ha empezado a llegar más contenido relevante la situación ha mejorado. Luego ha habido un cierto

estancamiento en agosto, respecto a Julio, ya que aún así estamos hablando de la segunda mejor recaudación mensual de este año tras julio y esperamos que en septiembre continúen los buenos datos del verano”, asegura Rodríguez.

Santiago Segura, una vez más Como ocurrió el año pasado, uno de los mayores ani-

Si el año pasado una de las noticias positivas en este periodo era la gran cuota de mercado del cine nacional, en 2021 parece que de momento las cosas han vuelto a su sitio. Las películas españolas han contabilizado entre enero y agosto pasado una cuota de mercado del 14 por ciento, diez puntos menos que en 2020, cuando se benefició claramente de la congelación de la mayoría de los grandes estrenos interna-

‘Fast & Furious 9’

madores de la taquilla en 2021 ha sido el español Santiago Segura, con la única producción española en el ‘Top 10’ general de los primeros ocho meses de 2021, solo superada por el blockbuster estadounidense ‘Fast & Furious 9’. Y es que ‘A todo tren’. Destino Asturias’ (Warner Bros.) ha recaudado desde su estreno el 8 de julio y hasta el 31 de agosto casi 7,5 millones, con más de 1,3 millones de euros, lo que significa que la comedia que dirige, escribe, protagoniza y produce Segura ha logrado el 44 por ciento de la taquilla de todo el cine español. Cabe recordar que la película más taquillera en los primeros ocho meses del año 2020 fue también la comedia familiar de Santiago Segura ‘Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra’ (Sony Pictures), con más de 10,3 millones de euros y casi 1,9 millones de espectadores.

cionales y alguno nacional o su desviación directamente a las plataformas online. Tampoco ha mejorado la concentración de la taquilla española en unos cuantos títulos. Si en 2020 el ‘Top 10’ nacional representaba el 94 por ciento de la recaudación de todas películas españolas, en 2021 este problema se ha incrementado y ahora los diez filmes autóctonos más taquilleros se aseguraron más de 16,2 millones de euros o lo que es lo mismo, el 96 por ciento de los ingresos totales del cine nacional entre enero y agosto.

Siguiendo con la lista de éxito, la segunda película española más taquillera del año hasta el 31 de agosto fue ‘Operación Camarón’ (The Walt Disney Company), quizá una de las decepciones de estos prime-

ros meses porque, pese a los esfuerzos de Mediaset, ‘solo’ recaudó 3,3 millones de euros, con un total de 553.653 espectadores, nada mal, pero por debajo de las expectativas iniciales de Telecinco Cinema, que decidió retrasar el estreno de varios títulos para la última parte del año. Atresmedia Cine ha vuelto a dar en la diana con ‘A todo tren. Destino Asturias’, pero es RTVE la cadena con más películas en el ‘Top 10’, seis

de agosto pasado es otra comedia: ‘Descarrilados’ (Sony Pictures), con 746.612 euros y 126.186 espectadores, en 11 días, concretamente desde el 20 de agosto.

La quinta posición del ranking nacional lo ocupa la película animada ‘D’Artacan y los tres mosqueperros’ (A Contracorriente), que debutó el 18 de agosto y hasta

‘Godzilla Vs. Kong’

en total (‘Hasta el cielo’, ‘D’Artacan y los tres mosqueperros); ‘Las niñas’; ‘Poliamor para principiantes’; ‘Cuñados’ y ‘García y garcía’).

El podio del ranking nacional lo completó una película estrenada el 18 de diciembre de 2020, el thriller de Daniel Calparsoro ‘Hasta el cielo’ (Universal Pictures), que este año ha superado el millón de euros de euros, a los que hay que sumar un millón de euros adicional de los 13 días de comercialización de 2020.

La cuarta película española con más éxito hasta el 31

finales de ese mismo mes logró 700.100 euros y 126.300 espectadores.

La sexta posición es para otra película de 2020, ‘Las niñas’ (BTeam Pictures), que en este 2021 ha logrado 380.000 euros y 6.300 espectadores, para un total sumando lo conseguido en 2020 y 2021 de 873.678 euros y 152.000 espectadores desde el 4 de octubre del año pasado.

(Continúa)

Mercedes Gamero y Edmon Roch cuentan su experiencia en la nueva película de Daniel Monzón

'Las leyes de la frontera’, de Daniel Monzón, es la película encargada de clausurar la 69º edición del Festival de San Sebastián. Es sin duda una de las grandes apuestas españolas para la última parte del año en curso. El filme, que tiene previsto su estreno el 8 de octubre de la mano de Warner Bros., es una superproducción de siete millones de euros que sublima un subgénero tan español como es el del ‘cine quinqui’, que en los años 70 y 80 pusieron de moda directores como Eloy de la Iglesia y José Antonio de la Loma, mientras que Carlos Saura lo reivindicó y lo rehabilitó para la crítica con ‘Deprisa, deprisa’.

'Las leyes de la frontera’,

cine quinqui que hizo de la necesidad virtud

Ese ‘cine quinqui’, tan denostado en su momento pero que llenaba los cines de los arrabales, parece que vive ahora una nueva etapa, totalmente revitalizado. Si Daniel Calparsoro mostró el año pasado su visión actualizada de este subgénero con la excelente y también taquillera en estos tiempos ‘Hasta el cielo’, ahora Mon-

table colaboración de Catalunya Film Commission.

La producción corre a cargo de La Terraza Films, Ikiru Films, Atresmedia Cine y Las Leyes de la Frontera AIE, en colaboración con Buendía Estudios. Además, Netflix se ha quedado con los derechos mundiales de la película. Esta producción de Edmon Roch, Mercedes Ga-

Daniel Monzón, junto al trío protagonista

zón vuelve a finales de los años 70 para contar una historia de amor adolescente en un mundo de atracadores, en plena transición española.

‘Las leyes de la frontera’ es la adaptación de la novela homónima de Javier Cercas, con guion de Jorge Guerricaechevarría, junto al propio Monzón, un tándem que vuelve a unirse tras trabajar en los libretos de películas como ‘Celda 211’, ‘El Niño’ y ‘Yucatán’. Pero la película no describe una España gris en el verano de 1978, más bien todo lo contrario, porque sus autores han apostado por la estilización: "Revisamos esa España de la Transición pero de una manera estilizada, desde el recuerdo, con una perspectiva romántica muy colorida y viva", reconoce el director de ‘Celda 211’.

El rodaje, previsto inicialmente para mayo de 2020 y retrasado al verano, se llevó a cabo durante diez semanas en los escenarios naturales que retrata la novela de Cercas, por localidades como Girona, Manresa, Montblanc y Costa del Garraf, entre otras, conla ines-

mero y Javier Ugarte recibió 1,2 millones de euros en las ayudas generales del ICAA del año 2020.

El trío protagonista de 'Las leyes de la frontera' lo conforman Marcos Ruiz (‘Primos’, ‘El Hombre de las mil caras’, ‘Futbolísimos’), Begoña Vargas (‘Malasaña 32’, ‘Alta Mar’) y Chechu Salgado (‘Fariña’, ‘Monteperdido’, ‘Patria’). Completan el reparto Carlos Oviedo, Xavier Martín, Daniel Ibáñez, Jorge Aparicio, Víctor Manuel Pajares y Cintia García. Los productores Edmon Roch (Ikiru Films) y Mercedes Gamero (Atresmedia Cine) hablan sobre la película a las puertas del Festival de San Sebastián.

Audiovisual451: Javier Ugarte y tú os habéis abonado a los rodajes complicados y ahora en España...

Edmon Roch: “Comentaba con mi socio Javier Ugarte, que después de los rodajes súper complicados que habíamos tenido en África como ‘El cuaderno de Sara’, ‘El viaje de Marta’… otra película en la que habíamos

“Hicimos de la necesidad virtud. Daniel estuvo trabajando mucho, manteniendo totalmente enchufado tanto al equipo técnico como artístico, con videollamadas, mandando tareas… Sobre todo para que los actores más jóvenes se sumergieran en la época en la que transcurre la historia, viendo películas de la época...”

(Mercedes Gamero)

recorrido medio mundo en crucero como ‘Yucatán’, ahora nos tocaba una película un poco más tranquilla, rodada en Cataluña. Entonces no sabíamos lo que nos esperaba, la realidad se acabó imponiendo, llegó una pandemia que no está cubierta por ningún seguro y que nos puso en una situación de riesgo extremo”.

A451: Por cierto, últimamente siempre al lado de Javier Ugarte (La Terraza Films)...

E.R: “La verdad es que vamos siempre de la mano. Es una garantía estar con Javier Ugarte y Cristóbal García al lado”

A451: ¿Y cómo se afronta una película así en pandemia?

E.R: “Esto hace que pongas todo en perspectiva, que las teóricamente películas complicadas, con contingencias imprevisibles como rodar en África nos pareciesen ahora cosas sencillas frente a estar probando como rodar por primera vez en una pandemia. Cuando empezamos a rodar ‘Las leyes de la frontera’, en agosto del año pasado, había muchas cosas que ahora sabe-

mos que entonces no teníamos ni idea de cómo afrontarlas. A veces parecíamos astronautas y se desinfectaba todo de manera compulsiva”.

A451: Sin contar en los costes añadidos...

E.R: “Claro, el impacto de todo esto también se ha notado en el presupuesto, la película es la misma pero más cara. Todos los protocolos Covid no hacen más que sumar”.

Mercedes Gamero: “Es cierto, es un proyecto muy ambicioso. En aquel momento no sabíamos lo que se venía encima, claro”.

A451: Si la producción da vértigo en condiciones normales no quiero pensar lo que puede pasar por

“Tanto la productora Mercedes Gamero de Atresmedia Cine, como la distribuidora Warner Bros. tenían claro que había que rodar y sin renunciar al guión que teníamos, que era extraordinario, de Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría, y no lo queríamos reescribir. Esto implicaba un salto mortal mucho más difícil”.

(Edmon Roch)

la cabeza de un productor en estas circunstancias...

E.R: “Es cierto, el vértigo, el miedo a que pasase algo estaba en el día a día. Estuvimos guiados por el médico Buenaventura Clotet, que nos asesoró sobre todo lo que debíamos hacer para tener la mayor seguridad posible, que no podía ser del cien por cien. Lo que hicimos fue aplicar los protocolos más estrictos para evitar sustos. Pero como te digo, el vértigo en el día a día estaba ahí, haciendo PCR’s sin parar y preparados para lo peor.”

A451: ¿No se pensó en algún momento en dar un paso atrás, cancelar o esperar más?

E.R: “Está claro que fue una decisión de riesgo, pero tanto la productora Mercedes Gamero de Atresmedia, como la distribuidora Warner Bros. tenían claro que había que rodar y sin renunciar al guión que teníamos, que era extraordinario, de Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría, y no lo queríamos reescribir. Esto implicaba un salto mortal mucho más difícil”.

A451: ¿Cómo fue este reencuentro con Daniel Monzón? ¿Cuántas películas van ya?

E.R: “Habíamos hecho ‘El Niño’ y más recientemente ‘Yucatán’ con Daniel Monzón. Esta es la tercera. Incluso Javier Ugarte había estado involucrado antes de

alguna forma en ‘Celda 211’. Siempre es un placer trabajar con Daniel”.

paras más y te rodeas de los mejores, se convierte en un reto maravilloso con el objetivo de hacer la mejor película posible y la que queremos hacer. Para conseguirlo la base es siempre ir muy bien acompañado a nivel creativo y de compañeros de viaje, Atresmedia, Warner, Netflix, el ICAA…. Lo que está claro es que

A451: ¿Y cómo se ha gestado esta primera colaboración de Daniel Monzón con Atresmedia Cine?

M.G: “Edmon Roch había adquirido los derechos de la novela de Javier Cercas en la que se basa la película.

Hace como dos años o dos años y medio coincidí con Daniel, empezamos a hablar, conectamos bien, nos entendimos y poco después me dijo que estaba valorando adaptar la novela de Javier Cercas. Me enviaron la novela, me encantó e hicimos un contrato de desarrollo para que Jorge Guerricaechevarría y Daniel escribieran el guión y ponernos a trabajar en ellos. Todo surgió de una manera muy orgánica”.

Daniel tiene siempre muy claro qué es lo mejor para la película”.

M.G: “En nuestro caso, esta es nuestra primera colaboración con Daniel Monzón y esperamos que no sea la última".

A451: Daniel Monzón, una novela de Javier Cercas... esos mimbres implican cierta tranquilidad para los productores ¿no es así?

E.R: “Tranquilo nunca estás, siempre nos gusta ser exigentes y apostar por producciones ambiciosas, porque nosotros también somos unos espectadores exigentes.

Esto implica una gran preparación antes de rodar para no tener que improvisar nada después, pero como pre-

A451: Y luego está la novela de éxito...

E.R: “Es cierto que partíamos de un material extraordinario como es la novela de Javier Cercas, sabíamos que ahí había un peliculón”.

M.G: “Javier Cercas vio la película a principios de agosto y está encantado. Ha sido un placer también trabajar con él”.

A451: Fueron diez semanas de rodaje ¿qué ha sido lo más difícil al margen de rodar en pandemia?

E.R: “Correcto, fueron diez semanas. Lo más difícil ha sido la propia naturaleza del rodaje, no repetir ninguna localización, el propio recorrido por los personajes. Más allá de la casa del protagonista, cada día cambiábamos de lugar de rodaje y esto en pandemia es complejo. Por otro parte, recrear un año como 1978 no es fácil ahora.

La Gerona de 1978 ya no existe, desapareció en los

años 90, con la reformulación que hizo el alcalde Joaquín Nadal. De alguna forma, como ocurrió con la Barcelona preolímpica, el Barrio Chino de Gerona que describe la novela de Javier Cercas ya no existe, ahora es una de las zonas más ‘cool’ de la ciudad. Solo se conserva el nombre de las calles pero no tienen nada

que las cosas ocurran de verdad. Esto ya lo vivimos en ‘El Niño’ y en ‘Yucatán’. Ahora hemos vuelto a seguir esa premisa, con multitud de coches clásicos de los 70.

Le gusta mucho que las cosas se vivan, echar raíces en la realidad. Pero lógicamente existe la intervención de un magnífico equipo de arte, encabezado por Balter

que ver. Hoy para conocer la Gerona de 1978 tienes que leer la novela de Javier Cercas. La otra posibilidad es la magia del cine, que es la que ha conseguido recrear esa Gerona”.

Gallart. Es algo que parece que no está pero tuvimos un equipo impresionante de carpinteros, yeseros, pintores… durante meses transformando las calles de Gerona y los demás sitios donde rodamos y siempre partiendo de esa base de realidad, interviniendo en los espacios naturales. A esto hay que sumar Miriam Piquer y todo el equipo de efectos visuales para llegar donde arte no podía, como eliminar digitalmente elementos actuales. El objetivo que hemos conseguido es que dé la sensación que hemos rodado en 1978”.

A451: ¿Cómo era esa Gerona de finales de los años 70?

E.R: “Yo soy de Gerona, tenía nueve años en la época que cuenta ‘Las leyes de la frontera’, tengo muy viva la imagen de esa Gerona que queríamos construir. Aunque solo han pasado 43 años, recrear eso con la veracidad que muestra la película ha sido un reto. Me fui de Gerona con 18 años. Había regresado a Gerona varias veces pero nunca había rodado una película en la que Gerona fuera un personaje más, para mí esto ha sido muy gratificante, estoy muy orgulloso de ello”.

A451: Entonces ¿qué ha pesado más, la intervención física o la postproducción?

E.R: “Es parte de la magia del cine, pero hay un poco de todo. A Daniel le gusta rodar las escenas sin truco,

M.G: “La película tiene una gran complejidad de producción, con muchísimos extras, muchos coche, mucha acción, una película de época relativamente reciente con lo que implica para arte, vestuario, peluquería… Es una película muy compleja, la verdad”.

A451: Había que sacar el lado positivo a la situación...

E.R: “Sí, convertimos el problema en una virtud. Los meses que tuvimos que parar no sirvieron para pro-

fundizar en la producción de la película. Daniel nunca perdió la pasión por la película para seguir motivando al reparto, hablando también con el equipo técnico, con todos los jefes de equipo. Su idea es que película siguiera creciendo en esos meses, que nadie desconectara a pesar de la incer-

fechas de rodaje, de mayo a agosto, y a pesar de las dificultades nunca pensamos que la película no iba a arrancar, teníamos claro que se iba a hacer.

Había mucha incertidumbre, pero si no arrancas la maquinaria ¿qué haces? También nos daba mucha tranquilidad contar con productores como Edmon

tidumbre que estábamos viviendo. No sabíamos lo que iba a pasar al día siguiente. Afortunadamente después de arriesgarnos a rodar en esas condiciones podemos estar muy contentos con el resultado, tenemos la película que queremos”.

Roch y Javier Ugarte”.

M.G: “Así es, como dice Edmon hicimos de la necesidad virtud. Daniel estuvo trabajando mucho, manteniendo totalmente enchufado tanto al equipo técnico como artístico, con videollamadas, mandando tareas… Sobre todo para que los actores más jóvenes se sumergieran en la época en la que transcurre la historia, viendo películas de la época...”

A451: No había marcha atrás...

M.G: “La realidad es que en ningún momento tuvimos dudas sobre la película. Solo cambiamos las

E.R: “Es cierto que teníamos muy claro que la película se iba a hacer antes o después. Nosotros, es decir, Daniel Monzón, Javier Ugarte y yo empezamos a darle vueltas a esta película cuando estábamos terminando ‘El Niño’, que es una película de 2014. La pandemia estalla unas semanas antes de iniciar el rodaje y tenemos que rehacer muchas cosas como ciertas localizaciones, también había miembros del equipo al que se le juntaban los trabajos… Mercedes Gamero fue muy generosa en el sentido de que tenía claro que si había que asumir el riesgo lo iba a hacer y ya no hubo dudas, tiramos para adelante y asumimos la responsabilidad y el sobrecoste”.

(Continúa)

Producir en “verde”: la sostenibilidad en el sector audiovisual

Mrs. Greenfilm y Federation Entertainment se unen para reducir el impacto ambiental de ‘Las Niñas de Cristal’ Enero de 2021. Madrid está cubierto por un metro de nieve, nadie puede salir de su casa y no se puede circular por la ciudad, la producción de ‘Las Niñas de Cristal’, largometraje de Federation Entertainment Spain, tiene que retrasar su inicio de rodaje. Resulta irónico precisamente que un evento meteorológico extremo como Filomena retrase el rodaje de una de las primeras películas de ficción en España que cuenta con un plan de sostenibilidad y que pretende reducir sus impactos medioambientales. Pero los efectos del cambio climático no entienden de planes.

Los productores de ‘Las Niñas de Cristal’ tienen claro que cambiar el rumbo de nuestro planeta es responsabilidad de todos los sectores, de toda la actividad económica, incluyendo al sector audiovisual.

Ha decidido apostar por introducir en su película una nueva forma de hacer las cosas. Para hacer su rodaje más sostenible, Federation cuenta con la ayuda de Mrs. Greenfilm, una de las primeras consultoras en sostenibilidad especializadas en el sector audiovisual de nuestro país.

Formada por un equipo de expertas en sostenibilidad y producción audiovisual con más de 15 años de experiencia, Mrs. Greenfilm trabaja con el objetivo de reducir los impactos negativos de la industria

audiovisual y maximizar su capacidad de generar impactos positivos para el planeta.

La consultoría en producción audiovisual sostenible analiza los impactos potenciales de un rodaje y diseña medidas ad hoc para reducirlos a través de un Plan de Sostenibilidad, una hoja de ruta para mitigar al máximo los daños medioambientales.

El rodaje de ‘Las Niñas de Cristal’ ha contado con medidas definidas para cada departamento y consensuadas con los equipos, buscando alternativas más sostenibles al “business as usual”. En el caso de ‘Las Niñas de Cristal’, además de implementar un sistema para la medición de la huella de carbono

El equipo de Mrs. Greenfilm

de la producción, se diseñaron acciones en torno a la reducción de emisiones de CO2 y la alteración de la calidad del aire, la separación y disposición de residuos, el agotamiento de materias primas y la reducción de impactos en la biodiversidad de las localizaciones en espacios naturales. ¿Y en qué se traduce esto? En el uso de productos certificados por su gestión sostenible a la hora de comprar material de oficina, textiles, maquillajes, merchandising. En

la reducción drástica de uso de productos de plástico de un solo uso. En la colocación de suficientes cubos de basura como para permitir la separación de residuos para su reciclaje. En la donación de los decorados… En ‘Las Niñas de Cristal’ te encontrabas al equipo vestido con una sudadera de textil sostenible, comiendo con cubiertos reutilizables y cargando agua en su botella reutilizable en una localización aprovechada al máximo rode-

Los productores de ‘Las Niñas de Cristal’ tienen claro que cambiar el rumbo de nuestro planeta es responsabilidad de todos los sectores, de toda la actividad económica, incluyendo al sector audiovisual. Ha decidido apostar por introducir en su película una nueva forma de hacer las cosas.

ados de cargadores de pilas.

La colaboración y el trabajo del equipo y especialmente la coordinadora de producción, ejerciendo de Eco-manager - otra de las nuevas figuras que trae el futuro en verde del sector - han sido fundamentales para el éxito de este proyecto. Para que la producción sostenible sea posible es necesario que la productora se lo tome en serio y que haya un man-

the Bid en USA. En España encontramos otras iniciativas como los decálogos y sellos de Tenerife y Málaga y el futuro Sello Verde de la Academia. Incluso las ayudas públicas han comenzado a tener en cuenta esta tendencia.

El audiovisual del futuro no podrá ignorar sus impactos medioambientales y poco a poco iremos viendo cómo el sector se transforma. Ejemplos como ‘Las

La protagonista y el director de ‘Las niñas de cristal’.

dato firme que se traduzca al equipo. La reducción de impactos ambientales se está convirtiendo en un requisito imprescindible para algunas productoras, principalmente de ficción y publicidad, para cumplir las demandas de plataformas, clientes, inversores, y sus propias políticas de responsabilidad corporativa. Tanto en España, como a nivel global existen cada vez más iniciativas públicas y privadas que trabajan en sostenibilidad del audiovisual, generando herramientas y dando servicio a las producciones.Algunos ejemplos fuera de nuestro país son: Albert en UK; Green Production Guide, Greensparks o Green

Niñas de Cristal’ y Federation Entertainment Spain, hoy pioneros, se convertirán en la norma.

El equipo de Mrs. Greenfilm lo confirma, no han dejado de trabajar en nuevos proyectos desde la apuesta de Federation. El audiovisual debe adaptarse a las nuevas necesidades que nos trae este momento histórico en el que aún podemos frenar los peores efectos del cambio climático. Las producciones del futuro tienen un nuevo departamento en sus equipos, el Eco – Team, que ha llegado para quedarse. FIN

Jaume Roures produce ‘El buen patrón’ de Fernando León de Aranoa

Jaume Roures: "Intento no quejarme y buscar soluciones, de victimismo no se vive”

Fernando León de Aranoa concursa por tercera vez en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con 'El buen patrón’. ‘Barrio’ (1998) le brindó la Concha de Plata a la mejor dirección y el Premio Fipresci, mientras que con ‘Los lunes al sol’ (2002) se alzó con la Concha de Oro a la mejor película. Su nueva película está producida por el propio Fernando León de Aranoa (Reposado) y Jaume Roures (Mediapro). Javier Méndez es el productor ejecutivo de The Mediapro Studio y Patricia de Muns se ocupa de esa misma labor por parte de Reposado P.C. 'El buen patrón' cuenta también con la participación de RTVE, TV3 y Orange, mientras que mk2 Films se encarga de las ventas internacionales. El estreno en cines de toda España tendrá lugar el 15 de octubre de la mano de Tricpictures.

El filme supone el reencuentro 19 años después del equipo que hizo posible 'Los Lunes al Sol', su director y guionista Fernando León de Aranoa; su protagonista, Javier Bardem, y su productor Jaume Roures.

De hecho, ‘El buen patrón’ es el contraplano de ‘Los lunes al sol’. Si aquella película se ocupaba del desempleo, esta describe el precario paisaje del empleo con parecidas claves estéticas y narrativas.

Fernando León de Aranoa y Javier Bardem, tras ‘Loving Pablo’ y la ya mencionada ‘Los lunes al sol’. Esta es también la séptima película de León de Aranoa, la quinta producida por The Mediapro Studio y Reposado PC, la productora del propio director.

El productor Jaume Roures ha contado a Audiovisual451 su implicación en la película.

Audiovisual451: Mediapro tiene muchos frentes

Jaume Roures, Fernando León de Aranoa y Javier Bardem.

Javier Bardem protagoniza un relato tragicómico, una comedia con una mirada feroz y divertida sobre las relaciones personales y laborales. Acompaña a Bardem un extenso reparto en el que destacan nombres como Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo, Martín Páez y Yael Belicha. El rodaje transcurrió en otoño pasado en Móstoles y otras localidades de la Comunidad Autónoma de Madrid.

Se trata de la décima película como director de Fernando León de Aranoa, la tercera colaboración entre

abiertos, quizá es más relajante hablar de cine que de otras cuestiones...

Jaume Roures: “Sí, quizá sea mejor hablar de cine que de otras cosas, puede ser más relajante que hablar de otros temas”.

A451: Esta es la quinta colaboración de Mediapro con Fernando León de Aranoa ¿Cuándo empieza a valorar producir esta nueva película?

J.R: “¿Seguro que solo es la quinta? Creo que empecé a colaborar con Fernando León de Aranoa, en el año 1998 o 1999, con el documental de Javier Corcuera ‘La espalda del mundo’, donde aparecía como

guionista. ‘El buen patrón’ es un proyecto que tenía Fernando desde hace tiempo. Él siempre cuenta con tres o cuatro proyectos en el cajón. Después de su última película empezó a trabajar en este proyecto, pero Fernando no es Woody Allen, con una película cada año, se toma su tiempo con cada proyecto”.

lunes al sol’, no solo porque repetimos parte del equipo, sino porque los protagonistas de la historia ya no son los trabajadores en paro, son patrones de empresas familiares paternalistas y las consecuencias que genera todo esto”.

A451: Es un lujo poder trabajar con Javier Bardem ahora, cuando es una estrella internacional...

J.R: “Creo que Javier Bardem es uno de los mejores actores de la actualidad y en esta película lo vuelve a demostrar una vez más, con un gesto te hace una secuencia”.

A451: ¿Cómo es la relación como productor con Fernando después de tantos años?

J.R: “Con Fernando la relación productor-director es muy normal, porque nos vemos regularmente y no solo por cuestiones de trabajo. Quedamos muchas veces para hablar de otras muchas cosas, de la vida, de la familia… Es una relación muy estrecha después de 20 años. De hecho, alguno de mis hijos ha trabajado en las películas de Fernando, nuestra relación va mucho más allá de lo profesional”.

A451. ¿Cómo ha sido el reencuentro con el equipo de 'Los lunes al sol'?

J.R: “Aparte de Javier Bardem también está Celso Bugallo, que también había trabajado con Fernando además de ‘Los lunes al sol’ en otros títulos como ‘Amador’, al igual que Sonia Almarcha y Manolo Sólo que también estaban en ‘Amador’. Nuestra relación va más allá de las películas. Siempre es un placer volver trabajar con ellos”.

A451: Imagino que tener a Javier Bardem.

Fernando en la dirección y a Javier al frente del reparto facilita mucho la financiación...

J.R: “Yo me considero productor, no un banquero. La financiación es muy importante, pero a mí me interesa la otra parte de la producción, por ejemplo que en la historia haya una fábrica de básculas que tres meses antes no existía, lo interesante de la producción es todas la teclas que tocas”.

A451: Hay muchas connotaciones a 'Los lunes al sol' ¿qué diferencias encuentras a nivel de producción entre aquella y ésta?

J.R: “Hace 20 años, en ‘Los lunes al sol’, todos éramos más inexpertos, aunque la película salió redonda. Estaba basada en hechos reales, en las huelgas de los astilleros de esa época y lo mismo ocurre con ‘El buen patrón’. Nosotros decimos que ‘El buen patrón’ es la otra cara de la moneda de ‘Los

A451: ¿Es menos social 'El buen patrón?

J.R: “Quizá la ‘El buen patrón’ está menos apegada a la realidad, es más ficción, si partimos de la base de que ‘Los lunes al sol’ incluso comenzaba con imágenes de las manifestaciones de los astilleros. Aunque no es menos cierto que en la prensa hay muchos casos similares a los que se refiere esta nueva película de Fernando, con ese falso paternalismo que encubre explotación o manipulación pura y dura”.

A451: ¿Cómo ha sido rodar en plena pandemia?

J.R: “La pandemia lo complicó todo, ahora creemos que lo sabemos todo, aunque no es cierto, pero cuando rodamos ‘El buen patrón’ todo estaba por hacer. Fue uno de los primeros rodajes post-confinamiento. No es que los protocolos sanitarios y de seguridad fueran farragosos y caros, es que además nunca estabas convencido del todo de que fuera a ir bien. Por suerte las medidas surtieron efecto y no pasó nada, porque en otros rodajes nuestros hemos tenido más problemas. Es una experiencia más dentro de la producción, nos tenemos que acostumbrar a trabajar en esta situación, porque todo continúa”.

A451: Observa cierta resignación en el sector...

J.R: “Desde el punto de vista del desafío que implica todo esto es un reto añadido al trabajo de producción que en general ya es complejo. Lo que pasa es que aquí te enfrentas a algo que no puedes controlar y lo único que puedes hacer es tomar medidas por artificiales que puedan parecer, aunque luego se demuestran que no lo son. Se ha demostrado que son efectivas para proteger la salud de la

A451: Volvéis a San Sebastián después de haber ganado hace 20 años ¿cómo encaráis ahora el certamen?

J.R: “San Sebastián, tanto para Fernando como para mí, es un festival mítico, ganamos la Concha de Oro hace 20 años y es uno de nuestros mejores recuerdos. Ya antes tuvimos algún premio con ‘La espalda del mundo’ de Javier Corcuera y al año siguiente ganamos la Concha de Oro con ‘Los Lunes

Fernando León de Aranoa.

gente y continuar trabajando, porque la vida sigue con pandemia o sin pandemia. Desgraciadamente esto no lo cubre ningún seguro, ni la Administración, ni nadie pero es lo que hay. Intento no quejarme y buscar soluciones, de victimismo no se vive”.

A451: Pero mucho más controlable que toda una liga de fútbol...

J.R: “Exacto, en los eventos deportivos es todo más complejo, porque hay muchísima más gente implicada. En el rodaje de una película puede haber un centenar de personas, es mucho más controlable”.

al sol”.

A451: Y a partir de ahí la película no paró de conseguir reconocimientos en todos los sentidos...

J.R: “Sí, es cierto, pero el gran premio de ‘Los lunes al sol’ fue, si no recuerdo mal, que contabilizó 2,5 millones de espectadores. Aunque la situación de las salas es una incógnita ahora, ‘El buen patrón’ creo que se merece también una buena acogida del público”.

(Continúa)

ORIOL PEIX, FUNDADOR DE ONLY POSTPRODUCTION

“NUESTRA APUESTA POR LA FICCIÓN Y LAS PLATAFORMAS NOS HA HECHO INCORPORAR DOLBY VISION A NUESTRO FLUJO DE TRABAJO” Only Postproduction es un estudio fundado en 2021 de la mano de Oriol Peix, coordinador con más de 15 años de experiencia en el sector de la publicidad, trabajando con diferentes agencias creativas y productoras para anunciantes como: Danone, Audi, Banc Sabadell, Grifols, Caixabank, Lidl, Cacaolat, Seat, Wallbox entre otros.

“La coordinación es el corazón en un flujo de trabajo. Es el ritmo, el latido del proceso y, por ello, tiene que ser flexible, fuerte y estar implicado desde las primeras fases del proyecto.

Desde la preproducción hasta la postproducción, con una idea única: anticiparse a futuros problemas”

El estudio ofrece servicios para ayudar a las marcas, agencias creativas, productoras y plataformas VOD (Video on demand) a afrontar las exigencias del mercado en el sector de la publicidad y de la ficción.

“Este 2021 ha sido un año difícil para empezar un nuevo proyecto. La pandemia y un mercado con mucha competencia han hecho que replanteemos muchos conceptos dentro del estudio.

Delante del gran auge del consumo de contenidos audiovisuales en plataformas de streaming con tecnología HDR (High Dynamic Range), hemos querido ampliar nuestros servicios de color

grading hacia el contenido de ficción. En Only Postproduction hemos apostado por el flujo de trabajo de Dolby Vision y sus herramientas profesionales”.

Las exigencias de las plataformas tanto en las entregas como en los controles de calidad han hecho que el estudio se haya preparado con equipos tecnológicos broadcast HDR para poder dar cobertura a estas necesidades. Para la configuración de la nueva sala de color se ha apostado por tecnología Blackmagic y Flanders Scientific para poder visualizar el contenido en HDR en todo su workflow y aprovechando al máximo las posibilidades que el rango dinámico ofrece, tanto para el

trim pass en SDR como para la visualización del contenido HDR en TV de consumo. Para la corrección de color en HDR se ha apostado por el modelo XM311K de Flanders Scientific.

Un monitor cualificado para la masterización Dolby Vision.

“En Only Postproduction apostamos por trabajar con la mejor tecnología, dentro de nuestro pipeline, este monitor nos permite trabajar en HDR y SDR en resoluciones UHD y FULL DCI, para cines, plataformas, y publicidad en resoluciones 4K”.

“La coordinación de postproducción es el corazón en un flujo de trabajo.

Es el ritmo, el latido del proceso y por ello tiene que ser flexible y fuerte” Cuentan con un grupo de profesionales especializados a todo el proceso y con colorista in house certificada en Dolby Vision, pudiendo hacer entregas HDR 10, Dolby Vision Master o IMF para las plataformas.

“Mel Rico es una colorista que trabajó en Argentina para Disney Channel, NatGeo, Netflix y Amazon Prime. Su certificación con Dolby Vision solo afirma nuestra fuerte preparación para afrontar cualquier proyecto de ficción.”

Desde el pasado mes de enero se pueden disfrutar de las instalaciones de Only Postproduction en el centro de Barcelona. Un espacio creado para potenciar un entorno de trabajo cercano y familiar, huyendo de un ambiente de oficina tradicional y ofreciendo servicios de postproducción tanto presencial como en remoto. Desde la edición offline

“Queremos que nos perciban de una forma cercana y accesible.

La comunicación es directa y clara y todo ello rodeado de un ambiente cercano y familiar porque la postproducción ya es bastante complicada como para complicarla más. En Only Postproduction queremos que cualquier proyecto sea una experiencia de trabajo sencilla para nuestros clientes”.

/ online, VFX, compositing, 3D, color grading, mastering y deliveries para plataformas.

www.onlypostproduction.com hola@onlypostproduction.com

Koldo Zuazua, productor de ‘Maixabel’, película de Icíar Bollaín

“‘Maixabel’ respira humanidad y mira al futuro con positivismo”

Trece meses después del estreno de ‘La boda de Rosa’, Icíar Bollaín regresa a las salas de cine con ‘Maixabel’, una película basada en hechos reales protagonizada por Blanca Portillo y Luis Tosar que compite por la Concha de Oro en la 69ª edición del Festival de San Sebastián.

La historia de Maixabel Lasa, viuda del político socialista Juan María Jáuregui que accede a entrevistarse con el terrorista de ETA que lo asesinó, lleva de nuevo al certamen donostiarra al productor Koldo Zuazua, después de títulos como ‘Akelarre’, ‘Handia’ o ‘La herida’. Para la directora madrileña, se trata de su cuarta selección en Zinemaldia, tras ‘Te doy mis ojos’ (2003), ‘Mataharis’ (2007) y ‘Yuli’ (2018). Bollaín firma el guion de ‘Maixabel’ junto a Isa Campo (‘Entre dos aguas’) y se rodea de un equipo plagado de profesionales galardonados.

Junto a FeelGood (Juan Moreno y Guillermo Sempere), Zuazua produce ‘Maixabel’, película que cuenta con los principales apoyos a la hora de financiar una película española: RTVE, EiTB y Movistar+, más la ayuda del Ministerio de Cultura - ICAA, el Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Gipuzkoa y la colaboración de la San Sebastián – Gipuzkoa Film Commission. El presupuesto gira en torno a los 3 millones de euros.

El largometraje llegará a las salas el 24 de septiembre bajo distribución de Buena Vista International aprovechando el escaparate que supone el Festival de San Sebastián, y está firmando sus primeras ventas internacionales de la mano de Film Factory.

Koldo Zuazua, que ha terminado este verano su labor como director de producción de la serie ‘La Fortuna’ de Alejandro Amenábar, comenta con Audiovisual451 las virtudes de ‘Maixabel’, película que se postula ya claramente para las próximas entregas de premios.

‘Maixabel’ se ha rodado íntegramente en País Vasco.

Audiovisual451: Parece que lo teníais todo muy claro con ‘Maixabel’, dado que rodasteis la película al empezar 2021 y la estrenáis ya en septiembre, ¿no?

Koldo Zuazua: “’Maixabel’ es un caso similar a ‘La herida’ de Fernando Franco, en el sentido de que teníamos el objetivo de presentar la película en el Festival de San Sebastián. Desde el principio hemos estado en contacto directo y continuo con el comité de selección de Donosti y en cuanto la película estuvo lista para enseñársela, la vieron. Creo que ‘Maixabel’ es un peliculón y va a sorprender.”

A451: ¿Estás satisfecho con el resultado?

K.Z.: “Tan solo tengo buenas palabras sobre ‘Maixabel’. Es un proyecto que ha dado varias vueltas, lo empezamos Juan Moreno y yo cuando El País publicó los primeros artículos sobre los encuentros restaurativos entre ex miembros de ETA encarcelados y familiares de víctimas en 2011. Pensamos que eso que estaba sucediendo era algo insólito y que tenía detrás una grandísima historia centrada en el dolor tan profundo, además, ETA todavía tardaría unos meses en abandonar las armas. Ya en 2016 dimos con la clave para la película: centrarnos en personas reales como son Maixabel Lasa, viuda de Juan María Jáuregui, e Ibon Etxezarreta y Luis María Carrasco.

Le contamos la idea a Icíar Bollaín y, para nuestra sorpresa, nos dijo que ella también había seguido muy de cerca los hechos, así que, aceptó dirigir el largometraje. Ya después entró en el proyecto Isa Campo, guionista fundamental para el desarrollo de la historia, se sentó con Icíar a escribir el guion, previamente hizo un trabajo de investigación entrevistándose con todos los involucrados en este proceso que ha seguido Maixabel Lasa, familiares, etarras, instituciones… en definitiva, creo que el guion transmite mucha verdad y mucha emoción, no va a dejar a nadie indiferente. ‘Maixabel’ respira humanidad y mira al futuro con positivismo.”

A451: ¿No habéis tenido dificultad o presiones por el tema que trata la película, no?

K.Z.: “Al principio, en 2016, sí nos costó encontrar apoyos. Desde que apostamos por la figura de Maixabel Lasa y desde que entró Icíar Bollaín, las cosas se pusieron más fáciles, quizá también ha influido cómo ha ido evolucionando la opinión pública.”

A451: Buena Vista es la distribuidora en España, ¿cómo entró en la película?

K.Z.: “Les enviamos el guion, les presentamos la historia con sus principales valores y en menos de 48 horas nos dijeron que entraban. Había más distribui-

Blanca Portillo con Icíar Bollaín durante el rodaje de ‘Maixabel’.

“Enviamos el guion a Buena Vista y en menos de 48 horas nos dijeron que entraban” doras interesadas, lo que demuestra que había apetito por una historia así. El estreno en salas españolas está fijado para el 24 de septiembre.”

A451: ¿Fue difícil juntar a los actores? Supongo que no…

K.Z.: “No cabe duda de que ‘Maixabel’, para los actores, es un caramelo. Pero nunca sabes el sentimiento personal de cada persona, ETA es una cuestión que genera controversia y mucha susceptibilidad, hace 19 años que hice ‘La pelota vasca’ y la sociedad es muy distinta ahora… ‘Maixabel’ es una película basada en hechos reales, pero, a la vez, creo que es muy poco criticable lo que se cuenta en ella en el sentido de que no es una crónica sociopolítica de Euskadi, se centra en los personajes, sus circunstancias, lo que hacen y por qué sufren.”

A451: ¿Cómo ha sido el rodaje?

K.Z.: “Rodamos durante siete semanas, empezamos en febrero de 2021, en plena ola postnavideña de Covid, no fue nada fácil, la verdad, porque, a pesar de que tomas las medidas, hay factores externos que pueden introducir el virus en el rodaje. Apostamos por

la prevención, con confinamientos y cuarentenas, eso afecta al calendario y provoca también cambios en el presupuesto. Pero bueno, celebramos que no hemos tenido percances.

El reto estaba en conseguir la intimidad entre los actores, ese espacio para que aflorase la emoción, la verdad, que tuvieran el tiempo necesario para transmitir todo lo que quería contar Icíar Bollaín. Técnicamente no ha sido difícil, ‘Maixabel’ se ha rodado por las tardes en el espacio donde tuvieron lugar las conversaciones reales, en la cárcel de Nanclares de la Oca (Álava), Instituciones Penitenciarias nos dio permiso para entrar en esas salas que están hoy en día cerradas. Fue un lujo. Después rodamos el homenaje en el Parque Natural de Peñas de Aia, montamos cierta logística para llegar a la cima, pero la climatología nos respetó, teníamos un plan de rodaje acorde a la climatología de País Vasco. Otras escenas se han rodado en localizaciones naturales de San Sebastián, Zarauz, Tolosa... todo cerca de Donosti, donde teníamos la base operativa, y con el soporte de las oficinas de rodaje de la zona.

Me gustaría destacar también el momento en que el compositor Alberto Iglesias graba con la orquesta sinfónica de Euskadi, era la primera vez que lo hacía y he de reconocer que la grabación en Donosti fue algo especial también para mí. Él colabora habitualmente con Icíar Bollaín y ha hecho un trabajo precioso, en cuanto conoció el proyecto, decidió entrar.”

(Continúa)

Un equipo de Goya

‘Maixabel’ cuenta con profesionales laureados del cine español: Alberto Iglesias (11 premios Goya y 3 nominaciones al Oscar) firma la banda sonora, cuya música ha grabado junto a la Euskadiko Orkestra. Javier Agirre (premio Goya en 2017 por ‘Handia’) es el director de fotografía. Mikel Serrano (premio Goya por ‘Akelarre’ y por ‘Handia’) es el director de arte. Alazne Ameztoy (premio Goya en 2020 “La trinchera infinita’) es la responsable del sonido. Clara Bilbao (3 premios Goya) se encarga del vestuario. Karmele Soler (Goya en 2012 por ‘La piel que habito’) es la jefa de maquillaje, y Sergio Pérez (‘Patria’, 2020) es el jefe de peluquería. Nacho Ruiz Capillas (Goya en 2004 por ‘Los Otros’) se ocupa del montaje.

CASTILLA-LA MANCHA:

de Tenerife a El Paso

La región ha logrado potenciar sus servicios y oferta de espacios para rodajes al ritmo de una cada vez más específica y exigente industria audiovisual

Puede que la continuidad de la trama y las dinámicas secuencias de ‘Sky Rojo’, serie de Vancouver Media para Netflix, aludan a un entorno continuo, pero lo cierto es que los protagonistas pasan de Tenerife a la provincia de Toledo en medio de persecuciones, y todos los fans de la serie que busquen el club brutalista donde se desarrolla parte del metraje acabarán conociendo el municipio toledano de Huerta de Valdecarábanos.

También La Sagra toledana ha sido la frontera entre México y Estados Unidos en la última entrega de ‘Termintator’, y Ocaña se ha convertido en territorio vaquero para el rodaje de westerns.

La gran extensión del territorio de CastillaLa Mancha posee una riqueza y diversidad de patrimonio, naturaleza e infraestructuras que, en sintonía con el desarrollo de la tecnología y el talento de localizadores y directores de arte, ha logrado unir esa la

plasticidad del paisaje y espacios con las más sofisticadas y exigentes demandas que el sector audiovisual tiene para contar sus historias.

La Consejería de Economía, Empresas y Empleo del Gobierno de Castilla-La Mancha puso en marcha la iniciativa Castilla-La Mancha Film Commission ya en 2017, en vistas del boom audiovisual. La oficina atiende mensualmente un promedio de más de 200 solicitudes y ha evolucionado en sus servicios creando un catálogo con más de 750 localizaciones, entre espacios públicos y privados, que ha puesto a disposición de cualquier interesado en desarrollar producción audiovisual en la región. Se trata, además, de un catálogo vivo, en constante expansión.

Para hacer eficiente un trabajo que requiere de tantas voluntades, se ha impulsado también la Red Espacios de Cine CLM, que reúne el desempeño conjunto del Gobierno regional, los ayuntamientos, las diputaciones y colaboradores privados que hacen muy eficiente y dinámica la consecución de permisos para producciones cuyo ritmo exige una agilidad muy alta, como sucede con el mundo de la publicidad.

Esta visión, aunada a un trabajo de promoción en eventos y mercados como Berlinale, Marché Du Film, American Film Market, London Focus, Festival de San Sebastián, Conecta FICTION o el Festival de Málaga, entre otros, ha permitido crecer y estar al nivel del momento tan singular y próspero de la industria audiovisual nacional.

Castilla-La Mancha Film Commission cuenta con un catálogo de más de 750 localizaciones que sigue añadiendo espacios de rodaje

Como una apuesta más, este año la Castilla-La Mancha Film Commission ha celebrado su primer Concurso para Producción de Largometrajes y Series de Televisión, que ha dotado con tres premios de 100.000 euros a tres proyectos de largometraje que se producirán en la región en lo que queda de 2021.

Todo este trabajo ha logrado obtener la confianza y relación de trabajo constante con empresas como Vancouver Media, Buendía Estudios, Fresco Films, MOD Producciones, Pokeepsie Films o Grupo Ganga, por nombrar algunos; profesionales con los que se trabaja durante todo el proceso: desde la elaboración de propuestas de localizaciones hasta la consecución de permisos, pasando por un sinfín de factores y variables que vuelven este servicio un trabajo personal que hace especial cada rodaje.

LA VISIÓN A CORTO PLAZO Castilla-La Mancha, dada su estratégica situación respecto a Madrid, está destinada a ampliar su oferta para continuar dando respuesta a la demanda de espacios e infraestructuras, por lo que ya realiza un estudio sobre el posible aprovechamiento y equipamiento de infraestructuras en aquellos enclaves donde pueda suponer un valor y un peso específico a la hora de la toma de decisiones de los productores audiovisuales.

Con ello se pretende que, poco a poco, pero de manera continuada, la constante acogida de proyectos audiovisuales, además de la riqueza que genera en sí misma esta industria, sirva para establecer una sinergia entre productoras visitantes y la siembra y preparación de empresas locales que presten más y mejores servicios, e incluso desarrollen producción propia con la gran oportunidad de promoción de cultura y destino que trae aparejada la creación de propiedad intelectual local. n

info@castillalamanchafilm.com

+34 925 286 794

Enrique López Lavigne, productor de 'La abuela'

"Las cosas buenas surgen de manera orgánica, yo no creo mucho en los diseños"

El cineasta valenciano Paco Plaza, responsable de grandes éxitos del cine de terror como ‘Verónica’ (2017) o la saga ‘[REC]’, opta por primera vez a la Concha de Oro con ‘La abuela’, una nueva incursión en el cine de horror a partir de una idea original suya que ha desarrollado Carlos Vermut en el guion.‘La abuela’, que tiene previsto su estreno en cines de toda España el 22 de octubre de 2021, narra la pesadilla en la que se convierte la vida de una joven que deja su trabajo como modelo en París para volver a Madrid y cuidar de su abuela enferma. Producida por Apache Films, en asociación con Atresmedia Cine y Sony Pictures International Productions, cuenta también con la participación de Atresmedia y Amazon Prime Video, donde se podrá ver tras su estreno en cines.

La película, una coproducción de España y Francia, recibió 250.000 euros del fondo Eurimages 2020. Con un presupuesto de 3,5 millones de euros, ‘La abuela’ recibió además el importe máximo de un millón de euros en la línea de ayudas generales del ICAA del año 2019. El filme está coproducido por Les Films du Worso (Francia). Tras su interrupción en el mes de marzo de 2020 debido a la crisis sanitaria, el rodaje de ‘La abuela’ concluyó el verano de 2020. Salvando esta interrupción, la filmación se prolongó a lo largo de siete semanas en localizaciones de Madrid y París. El proyecto ha contado con la supervisión de Sandra Condito y Natalia Fernández por parte de Sony Pictures International Productions.

‘La abuela’ está protagonizada por la debutante Almudena Amor y la veterana actriz brasileña Vera Valdez, antigua musa de Coco Chanel. El productor Enrique López Lavigne (Apache Films) explica los destalles de este largometraje.

A451: ¿Cómo sobrellevaste la interrupción del rodaje de 'La abuela'?

Enrique López Lavigne: "Creo que hay pocas películas tan afectadas por la pandemia como ‘La abuela’.

Cuando se pueda ver en las salas el 22 de octubre, la gente se dará cuenta que la película habla también de Almudena Amor y Paco Plaza, en el rodaje.

otras cosas, cosas que hemos vivido durante todo este confinamiento. Todo eso está contado de forma indirecta previamente en un guion que tenía escrito Carlos Vermut. Pero también hay muchas otras que se han contagiado de la situación que hemos vivido y que se han planteado a posteriori, una vez pensadas y meditadas. La película fue cancelada temporalmente y pudimos retomarla en verano, esa situación que nos permitió profundizar más en la historia y los personajes.

Las películas que más me interesan son aquellas que están en el contexto de su tiempo. Muchas películas que se han hecho antes del confinamiento no tienen nada que ver con el mundo en el que vivimos ahora mismo, se han quedado viejas inmediatamente. Paco y yo queríamos que se beneficiara de esa percepción que ha cambiado para todo el mundo".

A451: ¿Y que tenéis ahora?

E.L.L: "La película da bastante más miedo que ‘Verónica’ y se mueve en unos terrenos que yo creo que nos tocan a todos. También cambiarán muchas cosas en cuánto a cómo vamos a distribuirla, cómo la va a percibir la audiencia, qué significa ir a una sala de cine ahora mismo, el carácter de exclusividad que tiene ir al cine… Hemos hecho una película que se ha movido muchísimo en este último año y medio, me refiero a que ha sufrido los vaivenes de una situación que ha

afectado a todos los sectores, no solamente al audiovisual. Una situación que además ha cambiado también mucho en nosotros, en los seres humanos".

A451: ¿Afrontar la interrupción del rodaje se ha llevado mejor con los socios que teníais inicialmente?

E.L.L: "Ahora mismo lo vemos todo con una cierta distancia, pensando que además hemos salido de esa siEnrique López Lavigne

tuación. Independientemente de que tengamos unos socios maravillosos, el director y el productor entonces desconocían cuándo iba a acabar la situación. Incluso nadie sabía si se podría volver a rodar. Esto que ahora, con distancia, parece una tontería, en el momento en que lo vivíamos desconocíamos completamente lo que iba a ocurrir. Tanto Paco (Plaza) como yo hemos estado muchas noches sin dormir. La pesadilla de la película la hemos traducido en noches en vela, insomnio por todo lo que acarrea que para una situación como esta no existan seguros que limiten el impacto económico tan grande que supone dejar de rodar por una pandemia. Además, teníamos una protagonista de 85 años y desconocíamos la manera en que, en caso de contagiarse, podría afectarle a ella y al resto del equipo.

Había una responsabilidad enorme sobre nuestros hombros y no teníamos garantizado el resultado final.

No pudimos mantener la película en los tiempos y el presupuesto, claramente. Pero durante el confinamiento la película creció en la cabeza de Paco, en la de Carlos (Vermut) y en la mía y nos permitió asomarnos con mucha más claridad a lo que se estaba contando en esas primeras tres semanas antes de cancelar el rodaje de la película".

"Creo que hay pocas películas tan afectadas por la pandemia como ‘La abuela’. Cuando se pueda ver en salas el 22 de octubre, la gente se dará cuenta de que la película habla también de otras cosas que hemos vivido durante el confinamiento.

Todo eso está contado de forma indirecta en un guion que tenía escrito Carlos Vermut”.

A451: Con ‘Verónica’ abristeis una línea de naturalismo en el cine de género, ¿habéis dado cierta continuidad a este elemento en ‘La abuela’?

E.L.L: "Absolutamente. Hay un camino en cuanto a situaciones que están inspiradas en la realidad. Las películas de Paco, en esta vertiente de terror realista o naturalista, tienen que ver con los diferentes puntos de vista de los personajes. Todo esto es algo que a nosotros personalmente nos apasiona, ese terror que surge de nuestras cabezas, que afecta a todos. Esos son nuestros terrores favoritos, los que nacen directamente en todos nosotros, de nuestra impotencia, de situaciones que se nos plantean diariamente y esto afecta al espectador porque ya le ha afectado previamente en su vida real. Ese terreno naturalista se está

empezando a explorar en muchos sitios y nosotros lo estamos haciendo también en este tipo de cine, como dos amantes del género que somos y como dos amigos que les apetece mucho sentarse cara a cara y explorarlo con otras personas a las que invitamos, en este caso Carlos Vermut".

A451: ¿Es un tipo de terror que viaja en la línea de películas como ‘Time’ de M. Night Shymalan, que

A451: ¿Cómo surge la idea de juntar los talentos de Vermut y Plaza, con los que ya habías trabajado de forma individual anteriormente?

E.L.L: "Es algo que surge de los tres, no puedo ponerme yo la medalla. Las cosas buenas surgen de manera orgánica, yo no creo mucho en los diseños.

Surgen de las horas que le dedicas a las personas y a la vida. De ahí aparece también la necesidad de expresar esas inquietudes que a las personas normales nos

has alabado?

E.L.L: "Juega a la metáfora. Estamos viviendo en el sector un momento de mutación, de transformación.

Por ejemplo, ‘Titane’, la película de Julia Ducournau que se ha llevado la Palma de Oro este año, viaja dentro de un concepto completamente diferente, pero también está intentando conectar con las mutaciones del momento, en ese caso el de género. Por su parte, Shymalan lo hace con la vejez. Nosotros estamos jugando con ese elemento que tiene que ver con la belleza, el miedo atroz que nos dan las arrugas, el cambio del tiempo, la modificación de todo lo que somos ahora mismo. Esa mutación es algo que nos aterra. Es parte también del género y del terror mostrar ese planteamiento".

asaltan y queremos, en esa cosa maravillosa que sigue siendo el cine, poder compartir con los demás. El cine y la visión de Carlos es muchas veces pesimista, cercana a la utopía, con elementos muy oscuros, cercano también al cómic. Hay algo dentro de su cine que no es el género, pero que utiliza elementos del inconsciente humano y elementos cotidianos de nuestro día a día. Un poco como el cine de David Lynch, grandes creadores que empezaron haciendo género y de repente mutaron su cine a otras cosas como el drama.

En el fondo estamos todos en el territorio del drama.

Cuando te lanzas al realismo y al naturalismo necesitas incorporar el drama diario. El naturalismo no es más que la visión a través de un cristal de nuestras vidas y nosotros nos estamos acercando bastante".

A451: ¿Cuáles fueron las claves para llegar a ese reparto?

E.L.L: "Las películas están llenas de equipos con personas maravillosas que te acompañan en el camino y que tienen cosas muy importantes que decir y sobre todo hay cosas muy importantes que tenemos que agradecerles. Quiero agradecer desde aquí a la directora de casting, Arantza Vélez, su trabajo. Es una persona que ha acompañado a Paco en muchas películas

que se la podrá ver por partida doble en la Sección Oficial de San Sebastián de este año, lo que significa que estamos ante un gran debut. Llevar sobre los hombros una película en la que principalmente son dos actrices es mucha responsabilidad".

y por la que siento una admiración tremenda por haber elegido el camino más difícil para esta película y haber encontrado, no solo a Almudena Amor, sino a la otra protagonista del filme, Vera Valdez, que fue la modelo favorita de Coco Chanel, una mujer con una vida tremenda y que ha sido el elemento más frágil en todo este viaje. Ella es una octogenaria que vive en São Paulo (Brasil) y se ha cruzado medio mundo para trabajar con personas que no conoce de nada, en un país que no es el suyo. Estamos absolutamente impresionados por su generosidad y por el talento de alguien que solo con la mirada es capaz de construir muchas emociones. En el caso de Almudena, ha llegado con toda la ilusión del mundo. Además, ha combinado esta película con la nueva de Fernando León de Aranoa, así

que habíamos escapado de la noche más oscura y tampoco sabíamos lo que nos iba a venir después. En el caso de Francia fue la cancelación de los cines. Pudimos rodar con toda ilusión y con muchas estrecheces que te llevan a tener muchísima creatividad y sobre todo teniendo clarísimo que estábamos haciendo la película que queríamos hacer. Eso es muy importante. Teníamos la sensación de volver a empezar otra vez, no de estar terminando. De hecho, con todo el material que estábamos grabando éramos plenamente conscientes de la historia que teníamos delante y del impacto que tendría a la hora de verse".

A451: ¿Cómo fue rodar parte en París?

E.L.L: "Fue una semana completa y un rodaje extraño, porque en París no había mascarillas. Pensábamos

A451: ¿Cómo está montada financieramente la película?

E.L.L: "Hemos podido contar con Eurimages, que no suele volcarse mucho con el género. Conseguimos financiarla bastante bien. El guion era muy poderoso, y curiosamente el hecho de no tener a artistas importantes no fue un lastre a la hora de buscar financiación. Esto es porque la historia es muy poderosa y el género sigue viajando muy bien a nivel internacional.

Además, la historia tiene un calado universal. Eso es muy importante, la manera en que te puedes acercar

un drama de terror. Es una película que conecta con su momento y esto es algo que estamos viendo este año, que es un año muy competitivo, muy difícil también a nivel internacional... El Festival de Berlín ha sido uno de los que ha sufrido mucho la segunda ola del Coronavirus y la incertidumbre, Cannes ha conseguido levantar un magnífico festival con una de sus mejores ediciones, en circunstancias muy difíciles y con una selección extraordinaria en Competición. La

al cine tiene mucho que ver con los temas universales".

Mostra de Venecia tiene la mejor selección de la historia por la misma razón, porque ha habido muchas películas metidas en un cajón durante un año y medio y con festivales cancelados, ahora se ha vivido una situación de overbooking. Con San Sebastián ocurre exactamente igual con la calidad de su competición.

Somos muy afortunados porque somos una de las cuatro películas españolas en Competición Oficial en el festival".

A451: ¿Cuál será el futuro de la película tras San Sebastián?

E.L.L: "Ante todo, agradecer a José Luis Rebordinos y al festival, por haber elegido una película de género para la Competición Oficial. Esto significa que, además de ser una magnífica película de género que realmente da mucho miedo, tiene una historia que va más allá, porque tiene elementos que la convierten en

(Continúa)

Javier Lafuente, productor de Jonás Trueba

“‘Quién lo impide’ se sale de los géneros propios del cine habitual y de lo que tal vez San Sebastián selecciona”

‘Quién lo impide’ es la nueva película de Jonás Trueba tras ‘La virgen de agosto’. Una producción de Los Ilusos Films, la productora del propio Jonás con Javier Lafuente, que compite por la Concha de Oro en la 69ª edición del Festival de San Sebastián.

La película es una llamada a transformar la percepción sobre la adolescencia y la juventud. Aquellos jóvenes que nacieron a principios del siglo XXI y acaban de hacerse mayores de edad. ‘Quién lo impide’ viaja entre el documental, la ficción y el puro registro testimonial, con actores no profesionales, adolescentes que se muestran tal y como son, aprovechando la cámara de cine para mostrar lo mejor de sí mismos y devolver la confianza en el futuro: Candela Recio, Pablo Hoyos, Silvio Aguilar, Rony-Michelle Pinzaru, Pablo Gavira, Claudia Navarro, Marta Casado y Sancho Javiérez.

El certamen vasco acogerá el estreno mundial de ‘Quién lo impide’ antes de su desembarco en salas comerciales españolas el 22 de octubre bajo distribución de Atalante. La película, que toma su título de un tema musical de Rafael Berrio, condensa en 220 minutos un rodaje que se ha prolongado durante cinco años. La propuesta de Jonás Trueba se divide en tres partes incluyendo dos intermedios de 5 minutos. El propio director explica que la película “se ha ido transformando a lo largo de estos años y hasta su mismo título se ha resignificado, de forma un tanto irónica, casi cruel. (...) Como un tapiz que se dispara en múltiples direcciones.”

El productor Javier Lafuente, fotografiado por Franck Alix.

Javier Lafuente habla con Audiovisual451 sobre la selección de ‘Quien lo impide’ en el Festival de San Sebastián, donde competirá por la Concha de Oro.

“Nos sentimos muy felices de que un festival español vaya a dar a una película tan especial como esta esa visibilidad y empuje. Es un respaldo para el cine que hacemos y para Jonás”

Audiovisual451: ¿Cómo afrontáis esta segunda selección en el Festival de San Sebastián tras la del año 2016?

Javier Lafuente: “Estar seleccionados en San Sebastián es un respaldo para el cine que hacemos y para Jonás, más todavía si piensas que volvemos al certamen dos películas después. Es un espaldarazo muy bueno. Nos sentimos muy felices de que un festival español vaya a dar a una película tan especial como esta esa visibilidad y empuje. Para nosotros es maravilloso. También vamos con mucho pudor y alegres de que el proyecto encaje dentro la propuesta que ellos pudieran tener.”

A451: ¿Por qué es especial la película?

J. L.: “Porque se sale de los géneros propios del cine habitual y de lo que tal vez San Sebastián selecciona.

No tiene un elenco de actores conocidos, son chicos a los que hemos ido siguiendo y que hacen de sí mismos. ‘Quién lo impide’ es un largometraje de ficción documental en el que las líneas no están claras, no

se sabe muy bien dónde está la realidad y dónde empieza la ficción. Por eso creo que es una apuesta bastante singular. También el metraje, la duración de la película, que es elevada y eso la hace especial. La filmación de la película se ha hecho durante muchos años, y se ha tenido que recoger todo eso en un único audiovisual. El paso del tiempo ayuda también a entender esa dimensión de la película porque se han filmado muchas cosas y se quieren abarcar muchas cosas. Tiene un reparto muy coral también, donde hay muchos personajes, aunque siempre hay algunos que destacan más, y eso abre un universo que no está centrado solo en dos o tres actores.”

“‘Quién lo impide’ nació con la vocación de registrar el pulso de la vida adolescente, pero en un momento dado me di cuenta de que era mucho más que eso, y que en realidad lo que estábamos haciendo era una película sobre nosotros, sobre todos nosotros. Esta película es un intento de crear algo que como cineasta y espectador echaba de menos en nuestro panorama cinematográfico y audiovisual” afirma Jonás Trueba A451: ¿Cómo se ha se ha llevado a cabo la financiación?

J. L.: “El ICAA apostó por este proyecto cuando era la cápsula más pequeña. A medida que se iban ampliando las filmaciones y las posibilidades, y Jonás veía que el proyecto podía crecer, hemos ido teniendo aplazamientos de tener la copia final. Ahora ya hemos cumplido todos los plazos, pero si por Jonás fuese, seguiría la filmación, seguramente dando a luz pequeños o grandes capítulos. Le gustaría hacer una serie de esto, diría yo.

En cuanto a financiación, lo hemos presentado a las grandes y pequeñas ayudas y no lo hemos conseguido. No han confiado en el proyecto, les parecía muy complicado.”

A451: ¿Es posible que gracias a San Sebastián se abra una puerta?

J. L.: “Es posible. Hay proyectos que no puedes volver a presentar una segunda vez, pero estar seleccionados en San Sebastián puede hacer que miren ahora la película de otra manera. El ICAA nos dio una

ayuda selectiva, que es la única que hemos tenido, el resto de la financiación ha sido a pulmón. Hemos encontrado un par de inversores que les gusta el cine de Jonás y que lo han apoyado, y eso ha ayudado mucho. Luego también la generosidad de los chicos y la singularidad de un equipo técnico tan reducido, que ha hecho posible que pudiéramos extenderlo en el tiempo, alargando y generando más material. Más allá del dinero está la voluntad de las personas de querer que esto salga adelante y el compromiso.

Cuando ya no tienes oxígeno solo dependes de las personas y su voluntad. Además, técnicamente tampoco ha requerido de un material que lo haya hecho complejo. En ese sentido la dificultad era tener a las personas.”

A451: Desde el punto de vista del productor, ¿cómo se afronta un proyecto como ‘Quién lo impide’?

J. L.: “Partimos de una idea más pequeña que Jonás ya tenía clara y no sabía cuándo la iba a cerrar. Yo, como productor, voy acompañándole en ese proceso,

y como vamos juntos, no me voy encontrando las sorpresas, sino que voy dando pasos con él y en ese sentido es más sencillo. En la organización del proyecto ha sido esencial la cantidad de gente frente a la cámara, porque detrás de cámara hemos contado con un equipo de profesionales pequeño y con muy poca maquinaria. Jonás no solo pensaba, sino que escribía y cogía la cámara, o sea, que al final dentro del equipo técnico éramos cuatro personas y a veces polivalentes. Por ejemplo, yo podía estar produciendo y cogiendo el micrófono al mismo tiempo, o el ayudante de dirección que nos ayudó con el casting también ha hecho labores de producción. En fin, cuatro personas que hemos jugado en diferentes departamentos.

Por otro lado, jugar o trabajar con la realidad no requiere de un trabajo enorme de vestuario o de arte, sino más bien una mirada. Miro hacia lo que me interesa, y lo que no me interesa se evita. Requiere más trabajo de dirección, especialmente, y luego de montaje. Siento que había un metraje fabuloso y que el trabajo de Jonás no solo ha sido la escritura del

guion, sino que ha sido también un trabajo de escritura y montaje. Tenía mucho material que podía ir en multitud de direcciones diferentes. Ahí ha habido un trabajo increíble de Jonás y de la montadora Marta Velasco para dar sentido en una única dirección y no en todas las que se podría haber dado al proyecto. Y luego también está el proceso de eliminar, porque hay que seleccionar con que te quedas, y ahí ha habido también mucho trabajo.”

A451: A la hora de rodar, ¿cómo ha sido la toma de decisiones?

J. L.: “Jonás iba decidiendo en base a ideas que él tenía en su cabeza y que quería retratar. Iba decidiendo hitos o momentos donde les ocurrían cosas a los personajes, que a veces eran verdaderas y otras las provocaba él. No tenía claro si ese momento que iba capturando iba a salir luego en el montaje o no, pero sentía que eran puntos de la experiencia vital de estos chicos que debía registrar.”

(Continúa)

Icíar Bollaín, Daniel Monzón, Ja compiten por el Premio Duni

L

a Fundación SGAE y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián mantienen una colaboración que se remonta a casi tres décadas. En esta 69ª edición no podía ser de otra forma, y la fundación de la Sociedad General de Autores y Editores volverá a estar presente apoyando las cintas de producción española más recientes.

PREMIO DUNIA AYASO

En los últimos dos años, la Fundación SGAE ha escogido la cita donostiarra para hacer entrega de su Premio Dunia Ayaso.

Este galardón está concebido como homenaje a la guionista y directora canaria fallecida hace siete años y reconoce los trabajos cinematográficos

El Teatro Kursaal de San Sebastián acog el viernes 24 de septiem El galardón de Fundación SGAE recon con 5.000 euros. Pilar Palomero recog más comprometidos con la figura femenina. Con este premio, dotado con 5.000 euros, se reconoce la película de reciente producción que, junto a su valor cinematográfico, muestre personajes femeninos con un papel protagonista en la historia o que retrate la situación de la mujer en la sociedad.

Cintas que transcienden los estereotipos y lugares comunes que con tanta frecuencia falsean la realidad de las mujeres, sus posibilidades y su memoria histórica.

La entrega del premio tendrá lugar el 24 de septiembre a las 17.00 horas en el Kursaal y compiten por el en esta edición 2021 los siguientes títulos: ‘Maixabel’ de Icíar Bollaín, ‘Las leyes de la frontera’ de Daniel Monzón, ‘Josefina’ de Javier Marco y ‘Destello bravío’ de Ainhoa Rodríguez. En ediciones anteriores, el premio ha recaído en la directora Carla Simón (2017) por su película ‘Verano 1993’; la realizadora Arantxa Echevarria por ‘Carmen y Lola’ (2018), Belén Funes por ‘La hija de un ladrón’ (2019) y Pilar Palomero por su opera prima ‘Las niñas’ (2020). En sus dos primeras ediciones, el premio se entregó en la SEMINCI de Valladolid.

PREMIO AL MEJOR GUION DE PRODUCCIÓN VASCA

Por último, la Asociación Profesional de Guionistas de Euskal Herria hará entrega de su Premio al Mejor guion de Producción vasca el mismo 24 de septiembre, un galardón con el que colabora la Fundación SGAE y el Consejo territorial de la SGAE en Euskadi desde 2019.

La Asociación Profesional de Guionistas de Euskal Herria instauró en 2015 este premio cuyo objetivo

avier Marco y Ainhoa Rodríguez ia Ayaso de Fundación SGAE

gerá la V edición del Premio Dunia Ayaso mbre a las 17.00 horas. oce la mirada de género y está dotado gió el galardón en 2020 por ‘Las niñas’ es reconocer la labor del guionista. Para ello selecciona el mejor trabajo de producción vasca entre los largometrajes de ficción que se presentan en cualquiera de las secciones del Zinemaldia, dotándolo de una cantidad económica simbólica.

Desde 2019, la financiación de dicho premio corre a cargo de la Fundación SGAE y el Consejo territorial de la SGAE en el País Vasco. El año pasado su

ganador fue David Pérez Sañudo por el guion de ‘Ane’, película que escribió y dirigió con numerosos premios cosechados a la postre, entre otros, los Goya 2021 precisamente a Mejor guion adaptado, Mejor actriz revelación (Jone Laspiur) y Mejor actriz protagonista (Patricia López Arnaiz). n

CICLO MADE IN SPAIN

Fundación SGAE colabora con el Festival de San Sebastián en la sección no competitiva Made in Spain, que exhibe ocho películas de cineastas españoles seleccionadas por el certamen y que son una muestra del panorama del cine español del año.

En fechas simultáneas a su programación en Donosti y hasta el 5 de octubre en la Sala Berlanga de Madrid, gestionada por la Fundación SGAE, se proyectarán al precio de 3,50 euros (entradas a la venta en taquilla y online) una selección de estas cintas: ‘Ama’ de Júlia de Paz Solvas, ‘Destello Bravío’ de Ainhoa Rodríguez, ‘El año del descubrimiento’ de Luis López Carrasco, ‘Hombre muerto no sabe vivir’ de Ezekiel Montes y ‘Un blues per a Teheran’ de Javier Tolentino.

Javier Marco, "un director con universo", se presenta en el largometraje con 'Josefina'

Javier Marco debuta en el largometraje con 'Josefina'. Después de ganar el Goya a Mejor Cortometraje de Ficción en 2020 por 'A la cara', el cineasta ha sido seleccionado en New Directors del Festival de San Sebastián.

'Josefina' es fruto del trabajo conjunto de Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo. La película ha recibido múltiples apoyos y selecciones en foros hasta llegar a su rodaje en Madrid durante la primavera de este mismo 2021. White Leaf Producciones en asociación con Featurent produce la película que se estrenará este otoño en salas españolas bajo distribución de Súper 8, y con Feel Content a cargo de las ventas internacionales.

El filme, protagonizado por Emma Suárez y Roberto Álamo, se define como "un drama con toques de comedia y surrealismo, sobre la capacidad de superar la realidad con nuestra capacidad de (re)invención. Los productores Sergy Moreno y Rosa García comentan en Audiovisual451 qué les enamoró de 'Josefina', película que opta al Premio Kutxabank-New Directors del 69º Festival de San Sebastián.

Audiovisual451: ¿Cuándo y cómo conocéis el proyecto como productores?

Sergy Moreno: “Mi vinculación con ‘Josefina’ nace en 2017, cuando conocí a Javier Marco durante el proceso de posproducción de nuestra película anterior ‘No sé decir adiós’. En poco tiempo volvimos a coincidir en el Festival de Málaga y en Medina del Campo. En uno de esos encuentros hablamos de proyectos y salió la hisJavier Marco

toria de su primer largometraje, titulado ‘Josefina’. No tardó mucho en enviarme el guion. Cuando meses después volvimos a coincidir en el pitch de Madrid Crealab 6, tenía muy claro que quería producir ese guion y les propuse ser el productor de ‘Josefina’”.

Rosa García: “La primera vez que escuché hablar de ‘Josefina’ fue a Belén Sánchez-Arévalo en un pitching de CIMA Mentoring. Desde el primer momento me enamoré de la historia de Berta y Juan. Al poco tiempo, en la gala de los Goya de ‘No sé decir adiós’, Sergy Moreno me comentó que estaba en el proyecto y me invitó a sumarme a la producción. No lo dudé un momento. Tener la oportunidad de volver a trabajar con Sergy fue un gran aliciente.

A451: ¿Por qué confiar en Javier Marco?

S.M.: “A mi personalmente me gustó mucho su forma de ser. Un director que sabe escuchar, abierto, cercano y humilde. Revisando su filmografía desde los primeros cortos, puede comprobar su evolución en la dirección, asentando un estilo sobrio y firme. Gran conocedor del cortometraje, le propuse producir su siguiente corto ‘Muero por volver’ para que juntos nos fuéramos conociendo y acercar posiciones a la hora de trabajar en el largometraje. Ese corto fue clave para descubrir más a fondo como es Javier en la dirección.”

R.G.: “Javier Marco es un director con universo, que hace un cine humanista y dirige bien a los actores. Me interesa tanto su narrativa como su estilo visual.”

A451: ¿Cómo se ha financiado la película?

S.M.: “Los primeros pasos en la financiación vinieron del festival de Abycine con la participación de CastillaLa Mancha Media. A partir de aquí fuimos sumando apoyos: selección en La Incubadora The Screen de la escuela de cine ECAM, ayuda al desarrollo de la Comunidad de Madrid, RTVE, ICAA selectivas y finalmente Telemadrid. La financiación se cerró con la inversión privada de Hoja en blanco AIE.”

A451: ¿Cómo se fueron sumando los actores a la película?

S.M.: “Desde el principio teníamos claro con la directora de casting, María Acero, cuales eran nuestras propuestas para Juan y Berta. La primera en sumarse al proyecto fue Emma Suárez. Nos dijo que sí a los 15 días de recibir el guion. Fue una gran noticia. La primera piedra estaba puesta. Luego aceptaron Roberto Álamo y Manolo Solo, también en un plazo corto de tiempo. El

resto del elenco como Simón Andreu, Olivia Delcán o Pedro Casablanc, actores y actriz con los que ya habíamos trabajado, dijeron que sí al momento. Prácticamente teníamos todo el elenco principal. El último en incorporarse, pero no menos importante, fue Miguel Bernardeau. Fue el único actor que vimos por casting y nos maravilló su interpretación de Sergio frente a la cámara. Un gran actor con un gran futuro por delante.”

A451: ¿Qué tal fue el rodaje? ¿Cuáles eran los principales retos?

S.M.: “A pesar de vivir en tiempos de pandemia, conseguimos rodar la película en 5 semanas sin lamentar ninguna baja. Conseguimos encajar todo según plan de rodaje teniendo en cuenta que el 50 por ciento de la película se rodaba en un colegio funcional y con elecciones a la Comunidad de Madrid. Pero nuestro reto principal era no parar el rodaje por culpa del Covid-19.

Y gracias a nuestro equipo de producción, una buena prevención, y el buen hacer de todo el equipo conseguimos salvar el gran obstáculo.”

(Continúa)

José Nevado, director general de la asociación de productores PATE

“La fotografía no es tan bonita como parece” Desde hace años la producción independiente en España tiene la oportunidad de salir en el mapa mundial del audiovisual, pero el sector tiene mucho que retocar en casa para competir al nivel de otras industrias. El poderío de Francia, Reino Unido, Alemania y los países nórdicos, sólo a nivel europeo, ha quedado más patente que nunca en los últimos meses, con movimientos empresariales importantes y producciones de gran presupuesto en camino.

Mientras tanto, en España, PATE (Asociación de Productores Audiovisual Independientes) ha avivado el debate con reivindicaciones que suponen varios cambios legislativos, algo que, ya sabemos, va despacio. Audiovisual451 repasa en entrevista con José Nevado, director general de PATE, el punto en el que se encuentran las negociaciones con la administración y el futuro de la asociación que ha ganado peso a nivel nacional.

Audiovisual451: El pasado mes de julio hubo cambio de ministro en Cultura, terminó el mandato de José Manuel Rodríguez Uribes y empezó el de Miquel Iceta. ¿Cómo os sentís en PATE con este cambio, en medio de tantas negociaciones?

José Nevado: “Por el momento observamos cierta estabilidad en las instituciones con las que nos sentamos, la línea de trabajo que estaba marcada con el ministro anterior parece seguir adelante. Hace unas semanas mantuvimos ya un primer encuentro con Miquel Iceta, sentimos que está dispuesto a seguir apoyando el audiovisual, comprende que el gran desafío al que nos enfrentamos es el de la propiedad intelectual, creo que, a través de varios ejemplos que pusimos, le quedó claro cuál es el reajuste que necesita el sector de la producción audiovisual en España. En definitiva, el nuevo ministro de Cultura nos ha parecido una persona inquieta, receptiva, con mucho sentido común y accesible, enseguida se ha interesado por conocer a todo el sector y estar en eventos como Venecia o los Juegos Olímpicos, así que tenemos esperanza de avanzar con él.”

A451: La propiedad intelectual está en el centro del debate en toda Europa, se ha comprobado en eventos como Series Mania Forum, ¿cómo está el tema en España?

J.N.: “La preocupación por la propiedad intelectual (IP) es general en Europa. Mientras que a nivel continental se han depurado los intereses y se ha descrito una hoja de ruta, creo que en España necesitamos un poco más de coordinación entre asociaciones.

Si analizas el panorama actual, lo primero que ves es que la industria audiovisual europea sigue siendo un sector frágil y, para protegerlo y convertirlo en fuerte, los productores independientes deben conservar IP. De otra forma, terminarán convirtiéndose en empleados de los grandes players internacionales. Está en juego la supervivencia del sector de la producción independiente, creo que esta debe ser la absoluta prioridad y, desde luego, es el primer objetivo que tenemos marcado en PATE.”

A451: ¿Qué otros puntos hay en vuestra agenda?

J.N.: “La agenda de PATE pasa por lograr el reconocimiento del productor independiente y creo que empezamos a estar un poco hartos de la situación, llevamos tiempo evangelizando y nos tachan de demandar algo que no nos pertenece. Los operadores piensan que son ellos quienes financian los contenidos y por eso no entienden que los productores quieran conservar IP, pero realmente, si te paras a pensar, en realidad los contenidos los pagan los anunciantes de esos operadores o incluso sus suscriptores. Los márgenes de beneficio se están reduciendo y no podemos aceptar la situación como algo ya estandarizado, estamos hablando de que en España una producción puede tener un margen bruto de máximo el 7 por ciento, lo cual hace que las compañías sean inviables.

La fotografía no es tan bonita como parece, hay mucha producción, algunos títulos españoles han tenido una gran proyección internacional, pero eso no está redundando en que la industria de la producción independiente tenga más valor. En Francia es otra historia, allí las empresas están accediendo a talento y cuentan con grandes inversores, ¿por qué no puede pasar lo mismo en España? Porque los productores españoles no tienen activos, no tienen la capacidad de financiar adquisiciones. Estoy seguro de que vamos a ser capaces de convencer a la administración de que todavía estamos en el momento adecuado para recuperar el equilibrio en la cadena de valor del audiovisual. Por eso, estamos luchando para que se reconozca la figura del productor independiente.

Después, diría que la transposición de la directiva europea será el gran tema de 2022, no creo que la legislación llegue hasta bien entrado 2022 o 2023. Una vez se cambie la definición de productor independiente en la Ley General Audiovisual, se tendrá que actualizar la Ley del Cine. Y después, un cambio en la Ley del Impuesto de Sociedades, en los artículos 36 y 39.

Nuestros objetivos son que el productor independiente sea reconocido como el creador de la idea, el que dirige los equipos para sacar los proyectos adelante. También que los beneficios o subvenciones nacionales y regionales, así como los incentivos fiscales sean accesibles únicamente a través de empresas de producción independientes. Este punto es crítico.

La reversión de los derechos también es otro punto caliente, creo que la administración nacional tiene cada vez más claro que es necesaria, no pretende-

mos que se produzca de forma desorganizada, queremos llegar a acuerdos como son los modelos de explotación, por ejemplo, la reversión de los derechos debería producirse a los 72 meses, cuando el contenido ya se ha amortizado en la pantalla y se sabe claramente si ha funcionado o no. Una ventana, sea un canal de televisión o una plataforma de streaming,

“Estoy seguro de que vamos a ser capaces de convencer a la administración de que todavía estamos en el momento adecuado para recuperar el equilibrio en la cadena de valor del audiovisual.”

tiene una única vía de explotación y necesita muchos contenidos para mantener la máxima rentabilidad, mientras que un productor solo tiene su creación, no tiene ni de lejos tantas creaciones como sí tiene una ventana. La reversión de los derechos permite que el productor continúe explotando su creación, sin duda va a tener más interés que la ventana en explotarla, el productor debe tener la iniciativa comercial y puede llegar a un acuerdo de reparto de beneficios.”

(Continúa) Cerca de 50 productoras componen PATE: Banijay España (Magnolia, Cuarzo Producciones, Zeppelin, Shine Iberia, Diagonal TV, Gestmusic y Tuiwok Studios), DLO, Mediawan (Boomerang TV, Veranda, Good Mood y Weekend Studio); Mediapro (The Mediapro Studio, Globomedia, El Terrat, 100 Balas, ATB, LVP); Grupo Ganga; Grupo IZEN parte de grupo Newen (Zebra, Europroducciones, Bocaboca, Hill Valley, Proima Zebrastur y NewCo); Grupo Secuoya; Atípica Producciones; Big Bang Media; Contubernio; Cuerdos de Atar; El Deseo; El Estudio; Federation Entertainment Spain; Fremantle; Lavinia; LaCoproductora; Mediacrest; MOD Producciones; Morena Films; Onza; Plano a Plano; Portocabo, Producciones del Barrio; 7 y Acción; Rodar y Rodar; Zeta Studio y La Zona.

‘La Fortuna’, única serie en la Sección Oficial del 69º Festival de San Sebastián

Alejandro Amenábar vuelve a San Sebastián pero este año con una serie de ficción: ‘La Fortuna’, una de las grandes apuestas de Movistar+ para 2021. La adaptación del cómic ‘El tesoro del Cisne Negro’, firmado por Paco Roca y Guillermo Corral, pasa por el certamen vasco a tiempo para calentar el ambiente de cara a su estreno en la plataforma de Telefónica el 30 de septiembre.

‘La Fortuna’ es una producción de Movistar+ en asociación con AMC Studios y en colaboración con MOD Pictures, escrita por Alejandro Amenábar, que dirige todos los capítulos, y Alejandro Hernández.

Una serie que cuenta con distribución internacional de Beta Film que tiene asegurado su estreno en Estados Unidos a través de AMC+ este invierno, y que también llegará a Latinoamérica y el Caribe, a través de AMC, a principios de 2022.

La serie se centra en Álex Ventura (Álvaro Mel), un joven e inexperto diplomático con la misión de recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild (Stanley Tucci), un aventurero que recorre el mundo saqueando el patrimonio común de las profundidades del mar. Le acompañarán en la gesta Lucía (Ana Polvorosa), una funcionaria de armas tomar, y Jonas Pierce (Clarke Peters), un brillante abogado norteamericano apasionado por las viejas historias de piratas.

Para Amenábar, ‘La Fortuna’ “es una sucesión de peripecias contadas desde la épica pero también desde el realismo institucional, una especie de Tintín de despacho, aunque a diferencia de Tintín, nuestro héroe sí experimenta el amor. Con esta historia busco reivindicar sin rubor todo lo bueno que hay en nosotros: la honestidad, la justicia, la humildad…”. Para ello, el cineasta ha contado con su productor habitual, Fernando Bovaira, que asegura que “es una serie muy abierta, tiene un tono ligero pero profunda, habla de temas que nos atañen, refleja la defensa del patrimonio histórico, tiene la vertiente internacional con Estados Unidos… Las tramas que se plantean en los primeros capítulos van tomando cuerpo, ‘La Fortuna’ es una serie muy original porque hibrida muchos géneros y lo hace bien, tiene aventuras, juicio, un humor ligero, una historia romántica… en definitiva, un entretenimiento de calidad y agradable, lo cual viene muy bien en estos tiempos.”

La historia pasa por despachos, por tribunales, por tierra, mar, aire… “La historia de ‘La Fortuna’ presenta muchos retos, exige unos valores de producción que no hubiéramos podido alcanzar sin el apoyo de las instituciones que han estado a nuestro lado y que se han volcado con la serie, hablo de la Armada, el ejército de tierra, el Oceanográfico, la Guardia Civil, varios ministerios… Todos se han dado cuenta de que la serie defiende el patrimonio cultural y han sido muy generosos poniendo a disposición de la producción barcos, aviones, helicópteros, edificios… Ya han podido ver la serie y están muy contentos con el resultado” comenta Bovaira a Audiovisual451. Además, se trata de una producción internacional de Movistar+ y AMC, lo cual ha ayudado también a diversificar la financiación de la serie.

“La historia de ‘La Fortuna’ presenta muchos retos, exige unos valores de producción que no hubiéramos podido alcanzar sin el apoyo de las instituciones que han estado a nuestro lado” comenta Fernando Bovaira.

La grabación transcurrió durante cinco meses en escenarios naturales de la Comunidad de Madrid, Cádiz, Zaragoza, Galicia, Euskadi y Estados Unidos. Y, por supuesto, con la pandemia de la Covid19 de fondo. “La serie que el público va a ver responde absolutamente a lo que pretendíamos. Tan solo tuvimos que modificar el calendario de rodaje e introducir medidas de seguridad. No hemos renunciado a nada” asegura orgulloso el productor. Además de haber rodado en un tren en marcha, el equipo ha tenido que recrear la batalla naval de principios del siglo XIX que hunde el barco en cuestión. “Rodamos durante nueve días en Pasajes” comenta Amenábar, “contamos con dos fragatas, una francesa, Étoile du Roy, recreación de un navío corsario del siglo XVIII, y la fragata Shtandart, réplica del barco que comandó Pedro I, el Grande, Zar de Rusia, a principios del siglo XVIII, como primer buque ruso del Báltico. Son solo 10 minutos de historia pero queríamos que la gente entrara en la historia, que fueran intensos para que se perciba el drama humano. En un momento determinado, pensé en renunciar a este flashback porque es la parte técnicamente más costosa. Pero, sin duda, era necesario ese vínculo emocional para que sientas que no solo es el tesoro lo

que se ha perdido, sino también cientos de vidas.”

Rodada en castellano e inglés al 50 por ciento, ‘La Fortuna’ cuenta con un reparto internacional encabezado por Álvaro Mel. “La apuesta de ‘La Fortuna’ es Álvaro Mel, el protagonista absoluto de la serie, va a ser toda una revelación, Alejandro Amenábar le ha dirigido muy bien y, obviamente, el propio Álvaro tiene un gran talento natural, además el papel le va como anillo al dedo, tiene una elegancia natural idónea para el personaje. Álvaro Mel todavía es joven y su carrera es corta, ha sido una apuesta de todos para ‘La Fortuna’ y estamos muy contentos y orgullosos. Para él ha sido un reto, piénsalo, trabajar a las órdenes de Amenábar, junto a actores como Stanley Tucci, Clarke Peters, Karra Elejalde, Blanca Portillo, teniendo poca experiencia… Tiene también mucha química con Ana Polvorosa, tienen muchísimas escenas juntos” asegura Bovaira. Para Amenábar, “Álvaro es nuestro tesoro en la serie. Le da una vida impresionante a su personaje y a la serie. Es alguien que ha nacido para interpretar este personaje. Tiene madera de estrella, lo tiene todo: es muy creativo y, como su personaje en la serie, tiene valor y acepta los retos, se crece ante la adversidad.” n

Cuatro producciones españolas competirán por la Concha de Oro

Un Festival de San Sebastián que que ya camina hacia la normalidad

Catorce producciones españolas han sido seleccionadas este año en la Sección Oficial, New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera y Perlak en la 69ª edición del Festival de San Sebastián. Cuatro de ellas competirán por la Concha de Oro: ‘Maixabel’, de Iciar Bollaín; ‘El buen patrón’, de Fernando León de Aranoa; ‘La abuela’, de Paco Plaza; y ‘Quién lo impide’, de Jonás Trueba. Además, fuera de concurso participarán también en la Sección Oficial ‘La hija’, de Manuel Martín Cuenca; la serie ‘La Fortuna’, de Alejandro Amenábar; el corto ‘Rosa Rosae. La Guerra Civil’ de Carlos Saura, que formará parte de la gala de inauguración, además de ‘Las leyes de la frontera’, de Daniel Monzón, que clausurará el Festival este año.

Como el año pasado, el Festival de San Sebastián ha aprobado un protocolo de medidas para garantizar la protección de las personas acreditadas y facilitar su trabajo. Aunque se han flexibilizado algo respecto a 2020, en las cuatro salas de mayor aforo del Festival (Kursaal 1, Kursaal 2, Teatro Principal y Victoria Eugenia) el aforo será del 50 por ciento. En el resto de las salas, el aforo se ha reducido al 60 por ciento. Todas las localidades de los cines estarán preasignadas y numeradas.

Las proyecciones se realizarán de tal forma que exista un intervalo de 90 minutos en el Kursaal 1, 75 minutos en el Kursaal 2, Teatro Principal y Victoria Eugenia y 45 minutos en el resto de las salas de menor aforo para garantizar el desalojo, la ventilación y la desinfección de las mismas.El uso de la mascarilla es obligatorio. En las proyecciones cuya duración exceda las 4 horas, los asistentes deberán acudir con mascarillas profesionales homologadas establecidas en normativa vigente (FFP2 / KN95). Este año tampoco se celebrarán actos oficiales tales como las fiestas de in-

auguración y clausura, así como cualquier tipo de cóctel.

Voliendo a la programación, los 14 los títulos españoles en las diferentes secciones del certamen vasco de este año igualan la cifra de 2020 (15 fueron seleccionados en 2019). El pasado año fueron dos las producciones nacionales que compitieron por la Concha de Oro: ‘Akelarre’, de Pablo Agüero, y el documental ‘Courtoom 3H (Sala del Juzgado 3H)’, de Antonio Méndez Esparza, frente a las cuatro propuestas de este año.

Bollaín, León de Aranoa, Plaza y Trueba competirán por los galardones principales junto a nombres como Zhang Yimou, Michael Showalter, Thierry de Peretti, Inés Barrionuevo, Laurent Cantet, Terence Davies, Alina Grigore, Lucile Hadzihalilovic, Zhang Ji, Tea Lindeburg, Claudia Llosa y Claire Simon, entre otros.

New Directors, la sección

del Festival dedicada a las primeras y segundas películas, acogerá la presentación de ‘Josefina’, la ópera prima del tándem formado por el realizador Javier Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo. También en esta sección podrá verse la coproducción con Turquía ‘İki Şafak Arasında / Between Two Dawns’, que ganó los Premios WIP Europa y WIP Europa de la Industria en la última edición del Festival, que está dirigida por el realizador Selman Nacar.

Otra coproducción, en este caso con Argentina y Chile, formará parte de la selección de Horizontes Latinos: ‘Piedra Noche / Dusk Stone’, dirigida por Iván Fund, ganadora del Premio de la Industria WIP Latam en 2020.

En Zabaltegi-Tabakalera se proyectará el cortometraje de Mikel Gurrea ‘Heltzear’, seleccionado en el catálogo Kimuak de 2021. La sala de cine de Tabakalera también acogerá la proyección de ‘Eles transportan a morte / They Carry Death’ (Ellos transportan la muerte), el primer largometraje de Helena Girón y Samuel M. Delgado, desarrollado en Ikusmira Berriak. Asimismo, ‘Competencia Oficial’, de los argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn, inaugurará la sección Perlak.

(Llueve sobre mi corazón) y ‘The Outsiders: The Complete Novel’ (Rebeldes). Mockoski dará su charla en la sala Z de Tabakalera el día 21, martes, de 18:30 a 20:00 horas.

Habrá dos encuentros vinculados al vigésimo aniversario de Nest. El día 20, lunes, a las 11:00 horas, en la sala de cine de Tabakalera, las y los estudiantes seleccionados en Nest participarán en una conversación con la cineasta francesa Céline Sciamma, cuya película ‘Petite maman’ se proyectará en Perlak. En el mismo escenario, el día 22, miércoles, a las 15:30 horas, será el turno de la realizadora belga Laura Wandel, que regresa al encuentro de estudiantes del cine del Festival tras ser seleccionada en 2007 con su cortometraje ‘Murs’.

José Luis Rebordinos, director del festival

Conferencias, clases magistrales...

Pensamiento y Debate, el área transversal del Festival de San Sebastián que busca responder a los retos que afrontan los festivales internacionales y la cultura cinematográfica contemporánea a través de propuestas que se extienden a lo largo del año, organizará en la 69ª edición un programa compuesto por clases magistrales -que regresan al formato presencial tras el paréntesis del año pasado-, mesas redondas y presentaciones en torno a la creación cinematográfica, la igualdad de género o la sostenibilidad. El archivista cinematográfico y responsable de restauración de la compañía American Zoetrope, James Mockoski, explicará su trabajo con obras del cineasta Francis Ford Coppola como ‘Apocalypse Now’ o las películas que se proyectarán en la sección Klasikoak, ‘The Rain People’

Además, el martes día 21 se grabará un podcast en directo en la sala de cine de Tabakalera, sesión a la que podrán acceder las personas acreditadas y el público general, para escuchar a alumni de Nest que participaron en el encuentro en ediciones anteriores y ahora están desarrollando su carrera cinematográfica: Kiro Russo, Inês de Lima, Mina Fitzpatrick y Óscar Vincentelli.

El Festival y (H)emen, la asociación de mujeres profesionales del sector audiovisual y las artes escénicas, organizarán una jornada interna de trabajo para reflexionar, debatir e intentar llegar a acuerdos sobre cuestiones relacionadas con la igualdad de género. El debate abarcará distintos aspectos interrelacionados que comprenden, entre otros, la inclusión de las profesionales en la industria del cine y, especialmente, en los festivales de cine, tanto de sus películas en las diferentes secciones como en los foros de debate; los códigos éticos de los festivales, en particular ante las acusaciones de delitos contra las mujeres; y el reconocimiento e igualdad de las diversas identidades sexuales y de género.

La jornada de series Identidades y diversidad. Historias que alteran estructuras, organizada en colaboración

con Europa Creativa MEDIA Desk Euskadi, abordará el reflejo de las identidades diversas, moderada por la periodista y escritora Valeria Vegas y en la que participará el escritor y guionista Bob Pop. Asimismo, una mesa redonda moderada por Rolando Salazar, director del Festival de Cine Gay Lésbico Trans de Lima, analizará los desafíos del cine LGTBIQ+ en América Latina.

Otra parte de las actividades de Pensamiento y Debate se centrará en detectar las transformaciones que se están produciendo en la industria cinematográfica a causa de la pandemia o de la conciencia ecológica. Por un lado, una mesa redonda impulsada por Europa Distribution analizará los efectos de la pandemia en la industria cinematográfica y el modo en que han modificado la distribución y difusión de películas. Por otro, la cita habitual con European Film Forum, coorganizado con Creative Europe MEDIA, abordará la transformación del sector hacia una industria más sostenible y digital. Concretamente, un panel reflexionará sobre el compromiso ecológico de la industria cinematográfica como parte del Green Deal europeo, mientras que el segundo se centrará en los usos de Big Data y de tecnologías digitales en el desarrollo de actividades y modelos de negocio de la industria audiovisual europea. También vinculada a la innovación de las herramientas tecnológicas, Zinemaldia & Technology se celebrará en la sala Z de Tabakalera el jueves a las 12:30 horas.

Esta actividad, que reflexiona sobre el vínculo entre la tecnología y el audiovisual, dedicará su cuarta edición a la producción virtual, que se debatirá en una mesa moderada por AC Coppens. Además, dentro del programa de mesas redondas del Departamento de Industria, se abordarán, de la mano de ProFicció, PROA, Catalan Films y EFA, las oportunidades de coproducción con Europa.

La capacidad pedagógica del audiovisual centrará la mesa El audiovisual y la enseñanza. La enseñanza en el audiovisual, impulsada por Egeda y moderada por

el crítico y gestor cultural Fernando Rodríguez Lafuente. Estas conversaciones se suman a la clase magistral del director y guionista italiano Paolo Sorrentino, que presentará ‘È Stata La Mano di Dio / The Hand of God’ tras su paso por la competición oficial del Festival de Venecia. El autor de ‘La grande bellezza / The Great Beauty’ (La gran belleza) charlará sobre su última película y su vínculo con el séptimo arte en la sala de cine de Tabakalera el miércoles 22, de 19:00 a 20:30 horas Actividades de industria El Festival de San Sebastián combinará este año 2021 el formato presencial y online para llevar a cabo las actividades de Industria de la 69ª edición, que tendrá lugar del 17 al 25 de septiembre.

El Foro de Coproducción Europa-América Latina e Ikusmira Berriak, trasladan su sede este año del Museo San Telmo al espacio del Industry Club en el Centro Kursaal. Los días 20, 21 y 22 de septiembre la industria acreditada tendrá la oportunidad de citarse presencialmente con los proyectos seleccionados. El día 22 de septiembre se ofrecerá la posibilidad de concertar citas online a la industria acreditada que no haya podido acudir a San Sebastián.

El Foro de Coproducción Europa-América Latina celebrará su décima edición. Argentina cuenta con una gran presencia en el listado final, en el que también figuran títulos de Colombia, Chile, España, México, Perú y Uruguay. La organización ha recibido 200 proyectos.

Los elegidos son: ‘Alemania’, de María Zanetti (Argentina); ‘Camionero’, de Francisco Marise (España, Argentina); ‘Chin-gone’, de Johnny Ma (México – Brasil – Canadá); ‘Cuerpo celeste’ / ‘Celeste’, de Nayra Ilic García (Chile – Italia – Francia); ‘Donde comienza el río’ / ‘Where the River Begins’, de Juan Andrés Arango (Colombia – Canadá – Francia); ‘El porvenir de la mirada’, de Cristian Leighton (Chile); ‘El viento que arrasa’, de Paula Hernández (Argentina – Uruguay); ‘Espectro’ /

‘Spectrum’, de Inés Barrionuevo (Argentina); ‘Gente de noche’ / ‘People by Night’, de Romina Paula (Argentina); ‘La sucesión’, de Martín Kalina (Uruguay); ‘La virgen de la Tosquera’ / ‘The Virgin of the Quarry Lake’, de Laura Casabé (Argentina – México); ‘Las muertes pasajeras’ / ‘The Passing Deaths’, de Agustín Banchero (Uruguay); ‘Quédate quieto’ / Stand Still’, de Joanna Lombardi (Perú); y ‘Sarah’, de Álvaro Aponte Centeno (Chile – Puerto Rico).

La edición de este año estará abierta a profesionales que cuenten con acreditación de Industria y tendrá un formato híbrido: se llevará a cabo de manera presencial los días 20, 21 y 22 de septiembre en el Museo San Telmo y el miércoles 22 la industria acreditada que no haya podido viajar a San Sebastián tendrá la oportunidad de realizar citas online.

Se mantendrá también el salón de actos del Museo

San Telmo como espacio para la reflexión sobre la industrial actual a través de mesas redondas y presentaciones. Dentro del área Pensamiento y debate, se abordará, entre otras cuestiones, la inclusión y diversidad en el audiovisual y albergará el European Film Forum (coorganizado con Europa Creativa MEDIA), una plataforma que propicia la reflexión sobre los retos y problemáticas del sector.

WIP Latam y WIP Europa se celebrarán en las mismas fechas (20-21-22) en los Cines Príncipe. Además de las proyecciones en sala, las películas seleccionadas estarán disponibles para su visionado en streaming en la Videoteca del Festival, operada por Cinando, a partir de su pase en sala y hasta el sábado 25. Como novedad este año, las entradas de WIP Latam y WIP Europa deberán ser reservadas mediante el sistema de reserva de entradas del Festival y será imprescindible mostrar la acreditación de industria para acceder a la sala.

El Foro de Documentales Lau Haizetara celebrará su sesión de pitchings el día 22 por la mañana en el Salón de Actos del Museo San Telmo. El Departamento de Industria tendrá su sede un año más en el centro Kursaal. El espacio The Industry Club, punto de encuentro

y de trabajo para la industria acreditada, estará abierto del 17 al 25 de septiembre, de 9:00 a 20:00 horas.

La industria acreditada tanto de manera presencial como online podrá acceder al espacio Industria Online a través de la web del Festival para:

Descubrir las películas seleccionadas de WIP Latam y WIP Europa que se podrán ver online a través de la Videoteca del Festival o de manera presencial en San Sebastián previa reserva de entradas mediante el sistema de reserva de entradas del Festival.

Concertar citas one-to-one con los proyectos seleccionados en el Foro de Coproducción Europa-América Latina e Ikusmira Berriak.

Explorar la Agenda profesional de todos los eventos relacionados con industria y su tipo de acceso.

Conocer el resto de la Industria Acreditada confirmada hasta la fecha y realizar búsquedas avanzadas por días de estancia, actividad o país, con un foco especial en las iniciativas Focus on, que este año está dedicado a Georgia y Meet Them!, en las que profesionales de la industria cinematográfica acuden a San Sebastián para conocer el Festival de primera mano.

Ver los contactos de las películas seleccionadas en el Festival y, entre ellas, las que no dispongan de agente de ventas o distribución en España.

Acceder a las actividades de Pensamiento y debate (European Film Forum, Conversaciones, masterclass…) y los pitchings de los proyectos seleccionados en las actividades de Industria, así como el nuevo espacio Pitching Korner en el que se encuentran las presentaciones de los proyectos seleccionados en 2deo serieak, Noka mentoring y (H)emen, iniciativas con las que colabora el Festival.

Husos horarios: Todas las actividades y eventos señalados en la Agenda de actividades y en «Mis Citas» se corresponden con el horario de Madrid (UTC +2). FIN

VIII Premios PLATINO

Cuenta atrás para la gran noche del

audiovisual iberoamericano Los intérpretes Juana Acosta y Luis Gerardo Méndez presentarán la gala de la VIII Edición de los Premios PLATINO del Cine y el Audiovisual Iberoamericano el domingo 3 de octubre en Madrid

La lista corta de nominados se dio a conocer durante el verano. En ella parten como favoritos las películas ‘El olvido que seremos’ y ‘La Llorona’, y las series ‘La casa de papel’ y ‘Patria’. ‘Las niñas’, ‘Akelarre’ o ‘La boda de Rosa’ son otras producciones con posibilidades de levantar un Platino en su octava edición.

Diego Luna, Premio de Honor La organización de los Premios PLATINO reconoce la trayectoria del actor mexicano Diego Luna que, con tan solo 41 años, es uno de los máximos exponentes de la industria audiovisual iberoamericana en todo el mundo. ‘Y tu mamá también’, ‘Soldados de Salamina’ y ‘Narcos: México’ son algunas de las producciones en las que ha participado. Además, cuenta con su propia compañía de producción: Canana Films.

VIII Premios PLATINO

Largometrajes

La colombiana ‘El olvido que seremos’, de Fernando Trueba, y la guatemalteca ‘La llorona’, de Jayro Bustamante, ambas con 11 nominaciones, parten como favoritas en las categorías de cine Fernando Trueba dirige ‘El olvido que seremos’, la adaptación del best-seller de Héctor Abad Faciolince que cuenta la historia de su padre, Héctor Abad Gómez. Un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín de los años setenta, que fue asesinado por los paramilitares en 1987.

Javier Cámara, Juan Pablo Urrego, Nicolás Reyes Cano y Patricia Tamayo protagonizan este relato íntimo y familiar que ha pasado por varios festivales y que recibió el Goya a la Mejor Película Iberoamericana el pasado mes de marzo.

Compite también por el Premio Platino al Cine y Educación en Valores, junto a dos producciones españolas como ‘Uno para todos’ y ‘Adú’.

‘El olvido que seremos’.

Jayro Bustamante cierra un tríptico con ‘La Llorona’.

La trilogía del insulto o del desprecio busca dar respuesta a los tres insultos más graves en su país, Guatemala: indio, tratado en ‘Ixcanul’ (2015) acerca del odio a la población indígena; homosexual (en Guatemala se utiliza la palabra hueco) lo abordó en ‘Temblores’ (2019), y con ‘La Llorona’ (2019), lo hace con la palabra comunista. Según cuenta el cineasta “en Guatemala, denomina a cualquiera que se preocupe por los derechos humanos.” La historia de la película se basa en un famoso mito hispanoamericano.

Protagonizada por María Mercedes Coroy, Juan Pablo Olyslager, María Telón, Margarita Kenéfic y Sabrina De La Hoz, ‘La Llorona’ ha pasado por múltiples festivales desde 2019.

‘La Llorona’.

VIII Premios PLATINO Series

La serie española ‘Patria’ atesora el mayor número de nominaciones (5), y le siguen la mexicana ‘Alguien tiene que morir’, la colombiana ‘El robo del siglo’ y la española ‘La casa de papel’, todas ellas con 4 candidaturas.

Los Premios PLATINO no niegan el poder de las series de ficción y aumentan las categorías para este formato en esta edición en la que se añade el reconocimiento a Mejor Creador de Serie.

La serie española ‘Patria’, una producción original de HBO creada por Aitor Gabilondo y basada en la novela homónima de Fernando Aramburu, parte como favorita con cinco nominaciones. Su estreno en 2020 fue uno de los que más repercusión ha tenido en la industria de la ficción por la historia que representa, ambientada en el terrorismo de ETA, y por su elevado nivel de producción. Las actrices Elena Irureta y Ane Gabarain encabezan un reparto formado por intérpretes vascos. Ambas acumulan ya varios premios por sus papeles en ‘Patria’.

Le siguen de cerca otras tres series con miles de fans en Iberoamérica, gracias, sobre todo a la distribución global que tienen a través de plataformas de streaming. Así, otra serie española, ‘La casa de papel’, de Álex Pina, cuenta con cuatro nominaciones. Si

‘Patria’.

gana o no se sabrá mientras el mundo saborea la última temporada de la ficción española más internacional, dado que Netflix ha estrenado el principio del fin el pasado 3 de septiembre y reservará los cinco últimos capítulos para diciembre.

Por su parte, la miniserie ‘Alguien tiene que morir’, del mexicano Manolo Caro, acumula cuatro nominaciones en los PLATINO de 2021. Este thriller de tres episodios ambientado en la España de 1950 cuenta con un reparto de excepción: Cecilia Suárez, Carmen Maura, Ernesto Alterio, Alejandro Speitzer e Isaac Hernández.

La otra favorita en las categorías de serie es la colombiana ‘El robo del siglo’, que cuenta la historia al Asalto al Banco de la República en Valledupar en 1994. Andrés Parra, Marcela Benjumea, Christian Tappan y Waldo Urrego protagonizan la serie de Netflix que se estrenó en agosto de 2020 y que consta de seis episodios. Se trata de una creación de Pablo González y Camilo Salazar Prince. n

‘La casa de papel’.

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