B Roll

Conoce la diferencia del uso de personajes desde distintas partes del mundo

¿Cómo es el sonido en las películas

Te recomendamos las mejores películas del 2019

Octubre 2020 No° 1 Hecho en México

EMANNUEL

LUBIEZKI Entérate sobre su trayectoria , nominaciones,premios y más

Editora en Jefe Mariana Nuñez

Directora de Arte Natalia Zubiaur

Editores: José Pedro de la Fuente Andrea Villareal Lucía Suárez

Ilustradores: Sofía Andrade Martín Dupont Rocío Rojas

Fotógrafos Mateo Cuevas Saraí Castillo Raúl Aragón

Carta al lector

Mariana Nuñez Directora en jefe

Natalia Zubiaur

Directora de arte

Bienvenidos a la primera publicación de nuestra revista B Roll B Roll es un proyecto escolar que con gran esfuerzo y dedicación ha sido posible hacer realidad, ha sido un increíble proceso de realizar.

Paso a paso hemos ido viendo como ha ido tomando forma, desde decir temática, estilo, paletas de color y hacia quien va dirigido todo esto con la asesoría de nuestra maestra que nos ha dado retoalimentación para que salga de la mejor manera.

Esperamos que disfruten tanto la revista como nosotras lo hicimos diseñándola pusimos mucho de nosotras en ella pensando en todos los aspectos posibles para que todo este en su lugar exacto y cumpla su misión.

Carta al lector

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Nos convertimos en personajes.

Contenido

Todo sobre animación y FX para los fanáticos de la ciencia ficción.

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¿Que podemos ver?

Las 4 mejores películas del 2019 elegidas por nuestros editores. ¡Las que no te puedes perder!

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A simple vista. ¡Las mejores criticas de cine del año en resumen!

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Póster.

El poster de cada mes! ¿De que pelicula será esta edición? Ve a descubrirlo.

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¿Cuál es el enfoque?

El trabajo de Emannuel Lubezki como cinefotógrafo a lo largo de los años.

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Lo cuento con música.

¿Porque son tan importantes las notas que acompañan la historia? Lo mas importante de los soundtracks.

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Que color ver.

Conoce los mejores directores a la hora del manejo del color.

¿ESTÁS LISTO PARA EL CAMBIO?

¿Cómo es que se usan a los personajes infantiles en la animación?

Transcrito de ArgomExpirience de YouTube

utilizar esto en nuestras historias y podemos hablar de dos series de Norte América que utilizan esto como Avatar: La leyenda de Aang.

Lo primero que piensas al planear una película es en los personajes, hay muchas opciones para elegir al protagonista y uno de ello son los niños, en el aspecto de la animación se tiene una ventaja y es que se tiene los recursos de storyboard, paletas de color etc.

El personaje es Aang un niño que carga con el destino del mundo en sus hombros y tiene la responsabilidad de terminar una guerra que ha durado 100 años. Estos personajes representan el cambio en distintas formas cuando eres un niño tan poderoso como Aang es muy fácil caer en el problema de Grandes Héroes, hacerlo

de la película intenta descubrir quien es el responsable y al final Hiro descubrirá el significado de la amistad y el valor de la familia pero ya historia no se vio enriquecida por el simple hecho que el protagonista nada hubiera cambiado si Hiro tuviera 10 años más y esto no quiere decir que sea mala simplemente las decisión de personajes pudo haber sido mejor.

Por Oli Riches (2014)

Empezamos con hablando de Disney, tienen bastante material para analizar en este aspecto empezando como Grandes Héroes y es un gran ejemplo de como no usar a lis niños en la animación y nos preguntamos ¿Tiene sentido que sea un niño? Bueno y ya todos sabemos de que trata Hiro un niño prodigio, al principio de la película sufre la perdida de su hermano en un accidente y a lo largo

Una vez que el espectador y el personaje conectan con la experiencia y madurez de un niño podemos

un adulta en miniatura que de vez en cuando comete un error o tiene una acción graciosa pero este no fue el caso, los creadores constantemente nos están recordando que Aang es un niño y es por eso que colapsa ante la presión de tener que salvar al mundo porque

no es un ser perfecto con conocimiento infinito, es simplemente un niño. Lo importante es que mientras eso pasa vemos un proceso de cambio gradual donde sigue siendo un niño, pero un poco más adulto que al principio.

Lo importante

de todo esto es que los niños nos muestren como es madurar, crecer y su forma de ver el mundo y eso es lo que hace a los niños en la animación brillar.

Nos convertimos en personajes

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El mayor exponente en el anime japones a cerca de cómo se deben hacer las cosas es Estudio Ghibli A muchas de las personas se niegan al anime tradicional, pero por alguna razón les gusta lo que hace este estudio y cuando lo piensan no es difícil ver por qué, juegan el mismo juego, pero de manera completamente distinta nos enfocaremos a ciertos aspectos distintos que se hace a los protagonistas de sus películas.

La obra maestra “El viaje de Chihiro” que utiliza un enfoque distinto, aquí podemos ver que es un ángulo más norteamericano donde el crecimiento y madurez de Chihiro son el eje central de la película, ella es una niña que está experimentando un cambio de ciudad y esto la hace sentir insegura sobre su futuro pero cuando sus padres son tomados rehenes por la terrible bruja Yubaba.

Ella emprende una aventura en medio de este mundo de espíritus desconocidos y es cuando podemos ver que aun es una niña, cuando se le presenta un reto en lugar de enfrentarlo cara a cara ella puede llegarse a ver abrumada, insegura y asustada, te das cuenta que la intención no es hacernos creer que somos los más valientes,

8 B Roll

No quieren que nos veamos en Chihiro sino en su viaje, su experiencia y madurez es ahí donde Ghibli enfoca todo en esta excelente película. Es en este punto donde Ghibli se diferencia por completo de la industria del anime tradicional y es bueno encontrar que no solo él, sino que otros directores han sabido encontrar su estilo propio en lugar de hacerlo como es lo común en este medio. Este es el movimiento que empezó ghibli que vuelve a la industria de la animación japonesa un medio más que interesante a la hora de encarar personajes infantiles.

Los niños son un recurso lleno de potencial

algunos simplemente creen que cumplen un solo propósito, pero diversas obras animadas en todo el mundo han sabido explotar sus

mejores cualidades y sentirnos identificados

con su madurez, sentimos y aborrecemos aun mas su dolor y a veces nos proyectamos en

sus experiencias y nos dejamos llevar sor su inocencia.

Ilustración por Clrxxi

¿Que podemos ver?

El equipo de B Roll, representado por sus editores y colaboradores habituales, ha elegido las 4 mejores películas estrenadas en 2019, tanto en salas de cine como en plataformas de streaming, aquí no discriminamos. Cada uno ha aportado sus favoritas, estas películas son un must si te gusta el buen cine y quieres estar actualizado. Si te interesan los nuevos estrenos siguenos en instagram @b_roll para encontrar muchas noticias diarias.

Dolor y Gloria Drama.

Dirección: Pedro Almodóvar. Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Julieta Serrano, Nora Navas, Raúl Arévalo, Neus Alborch, Cecilia Roth...

“Una película a la vez honesta y exhibicionista, pero perfectamente coherente con el momento creativo que vive Almodóvar en la actualidad. Equilibrada, sobria y con una confianza absoluta en la extraordinaria habilidad para narrar y emocionar que ha alcanzado el veterano director, ‘Dolor y gloria’ es a la vez un remate para determinadas obsesiones que atenazan al director desde el principio de su filmografía, y una declaración de continuidad con los principios estéticos y creativos que le han caracterizado durante décadas.”

Parásitos

Dirección: Bong Joon-ho. Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik...

Drama, Suspenso.

“Las fugaces dos horas y cuarto de duración de ‘Parásitos’ y el tsunami de estímulos con los que golpea al espectador sólo pueden ser comparadas con algunas de las grandes sinfonías que han perdurado a través de los siglos. Creaciones que hacen confluir sus instrumentos —ya sean musicales o fílmicos— en una única pieza que cala hondo en el corazón, emocionando, maravillando, y estremeciendo como sólo pueden hacerlo las obras maestras.”

¿Qué podemos ver?

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Historia de un matrimonio Dirección: Noah Baumbach. Reparto: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta...

Romántica.

“’Historia de un matrimonio’ es una de las películas del año. Puede parecer que he dicho mucho esto últimamente, ya que en apenas unas semanas de tiempo está coincidiendo la llegada de títulos como ‘El irlandés’, ‘Le Mans ‘66’ o ‘Puñales por la espalda’, pero no por ello voy a dejar de alabar el último trabajo de Baumbach. Una propuesta precisa que sabe sacar todo el jugo a un relato sin muchas novedades en lo argumental, pero doloroso y fascinante en su forma de retratar el divorcio al que han de hacer frente dos personajes interpretados de forma inmejorable por Driver y Johansson.”

Dirección: Ari Aster. Reparto: Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, William Jackson Harper, Vilhelm Blomgren...

Midsommar

Terror.

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“Es sumamente complicado intentar catalogarla de un modo que haga justicia a su excepcional riqueza. Es mucho más sencilla de lo que aparenta y encierra a su vez una complejidad que daría para horas de análisis.

Transpira un aroma a broma de un exquisito mal gusto que se entremezcla con una trascendencia con la que esas películas que se esfuerzan desesperadamente por destacar entre sus congéneres tan sólo pueden soñar. Por eso es mejor liberarse de odiosas etiquetas y limitarse a reivindicar ‘Midsommar’ como uno de los filmes de terror más relevantes que nos va a dejar esta década, firmado por un autor tan único y sobresaliente como su atípica y breve filmografía.”

“Akelarre”, un arrebatador cuento feminista sobre las luces y las sombras de nuestro pasado.

Escrito por Kiko Vega

El argentino Pablo Agüero presenta este año 'Akelarre', un espectacular, atrevido y muy moderno ejercicio de estilo sobre la caza de brujas y las limitaciones de miras del hombre del siglo XVII. Amaia Aberasturi y Àlex Brendemühl son los reyes de esta oscura función.

Con un guión coescrito junto a Katell Guillou, 'Akelarre' cuenta la historia de una caza de brujas en el País Vasco Francés del año 1609. Los lugareños se han hecho a la mar. Ana, de 17 años, participa por primera vez en una fiesta nocturna en el bosque con otras chicas del pueblo. Al amanecer, son detenidas.

Su frescura y sorprendente edición, moderna y donde parece que la misión principal es hacer avanzar la historia creando un estilo propio, recae en la veterana Teresa Font, montadora de alguna de las mejores películas de Alex de la Iglesia y conocedora de la parte más valiente del feminismo en nuestro cine. Ahí están sus trabajos en ‘Fanny Pelopaja’, de Vicente Aranda, ‘Libertarias’ o

‘Perdita Durango’. Su trabajo en ‘Akelarre’ brilla como la de una recién llegada con las mejores intenciones y todas las ganas del mundo.

En 1609, el juez Pierre de Lancre recorrió el País Vasco francés interrogando a centenares de personas y condenando a decenas de mujeres a la hoguera por supuestos actos de brujería. La película se inspira libremente

El juez Rosteguy De Lancre, encargado del Rey para depurar la región, las acusa de brujería.

Seguro de haber encontrado aquí su mejor presa, decide hacer todo lo posible para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, la ceremonia mágica durante la cual se supone que el diablo hace acto de aparición para aparearse con ellas.

en el libro donde este juez relató sus vivencias: 'Tratado de brujería vasca: Descripción de la inconstancia de los malos Ángeles o Demonios'. Agüero y Guillou parten de ahí para construir una historia marcada por su contundente feminismo y una aproximación distinta a la que estábamos acostumbrados.

A simple vista

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Todas contra el fuego

En apenas 90 minutos, ‘Akelarre’ cuenta una historia siempre interesante, novedosa en muchos momentos y atrevida formalmente, algo que nuestro cine empezaba a tener cada vez menos presente y que desde el País Vasco están tratando de normalizar gracias a títulos como ‘Errementari (El herrero y el diablo)’ o ‘Las brujas de Zugarramurdi’. Y es que en ‘Akelarre’ todo queda en casa. Mucha atención a las interpretaciones de Garazi Urkola, Irati Saez de Urabain, Jone Laspiur, Lorea Ibarra y Yune Nogueiras, todas primerizas y llenas de una espontaneidad cegadora.

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La dirección de fotografía corre a cargo de Javier Agirre, que recientemente ha estado en ‘La trinchera infinita’ y que había ganado el Goya un par de años antes con ‘Handia’. Mikel Serrano, responsable de los impactantes sets de ‘Ventajas de viajar en tren’ se hace cargo de la dirección de arte. Su brillante labor conjunta ha transmite una verosimilitud y un poderío visual arrebatador a cada uno de los planos una película que no duda en aproximarse al presente a través de su política reivindicativa. Su puesta en escena naturalista acentúa el contraste entre la oscuridad de los inquisidores y la luminosidad de las chicas acusadas de brujería.

‘Akelarre’, como suele pasar cuando alguien ofrece una apuesta radicalmente diferente a la que dictan las expectativas (o prejuicios, según se mire), parece haber despertado más desconfianza que entusiasmo, pero en estos tiempos malditos no está de más que juzgues por ti mismo y dictes la sentencia que realmente merece la película con las imágenes más evocadoras y hermosas del cine nacional de este año temible. Un año, por cierto, que ha hecho especial hincapié en otra plaga: la de la danza. Aquí, como en el último trabajo de Jonathan Glazer, se recuerda la epidemia que asoló Estrasburgo unos años antes de la historia de ‘Akelarre’.

“Todos sabemos que una película no lograría ser igual de buena sin soundtrack, haciéndolo algo muy importante en la industria del cine.”

Cinematográfica, no en todos los casos este es bueno pero algunas películas han destacado por su increíble selección de canciones en ella.

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La música de las películas siempre ha dado mucho prestigio e incluso premios como Oscars. De todos modos en esta relación de canciones no vamos a tener en cuenta exclusivamente los premios que hayan recibido sino lo buenas que sean (a nuestro criterio) y lo famosas que hayan llegado a ser con el paso del tiempo.

Han sido tan pocas las canciones o películas que marcaron un hito en la historia que lograr una agradable banda sonora en la misma es complicado primero que nada porque es muy difícil encontrar algo original y segundo ya que, en caso de poner un tema único.

Este debe encajar perfecto con la época, con el tipo de película, con la escena y con la secuencia, otorgando el mejor estímulo auditivo adicional que atraiga aún más al receptor y le permite disfrutar de lo que está viendo.

Mú

En muchos casos es difícil darnos cuenta de esto, pero el ejemplo más emblemático es el de la película Titanic, que si no fuera por la canción My Hearth Will Go On, no sería igual de emotiva.

Dicho sea de paso, el simple hecho de escuchar la canción te recuerda al Titanic de manera instantánea.

A su vez hay una considerable cantidad de películas y grabaciones cuyo factor principal de atracción, suspenso y motivo para no aburrir al receptor es justamente la música. Esta última acompaña la acción, a veces agranda aún más el misterio de lo que ocurrirá segundos más tarde, permitiendo así ganar audiencia y, claro está, éxito.

Muchas letras que estuvieron presentes en escenas memorables de películas quedaron en la historia e incluso continúan escuchándose décadas después. Tal ocurrió así en al menos cuatro casos.

úsica

La primera es en Simple Minds cuando Judd Nelson lanza un golpe al aire con el tema Don´t You (forget about me). Ocurrió en 1987 y después de más de 30 años el mismo sigue siendo muy popular. La segunda cuando Logan Lerman recorre el túnel parado en la parte trasera de una camioneta Pick Up en Las Ventajas de Ser Invisible con la canción Heroes de David Bowie. En este caso el tema es de 1997 y el film de 2012. La tercera cuando en Fiebre de Sábado por la Noche pasaron determinados temas que le dieron un éxito mucho mayor.

Por último, la mencionada escena del Titanic. La realidad es que pese a no estar incluidas, las canciones son de alguna manera una parte importantísima de la puesta en escena y de la elaboración de una película. Además, es algo difícil de decidir. También la música supo ser la responsable de que el film gane premios.

¿LOS SOUNDTRACKS SE REFIEREN ÚNICAMENTE A UNA CANCIÓN? Las denominadas bandas sonoras incluyen todo el conjunto posible de sonidos, es decir, música de fondo, efectos de sonido y diálogos. Por ejemplo, en las películas Pixar utilizan un sistema de sonidos bastante definido.

La música y el sonido funcionan en conjunto, les ofrecen cuerpo a la película y vida a los personajes, además de remarcar y exaltar los sentimientos que los actores muestran o intentar transmitirte.

Lo cuento con música

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Lubezki

Emmanuel Lubezki Morgenstern, A.M.C, A.S.C. (Ciudad de México; 30 de noviembre de 1964) es un director, productor y fotógrafo mexicano que se dedica al cine. Es apodado Chivo. Estudió historia y cinematografía en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), más precisamente en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, una de las más importantes escuelas de cine en su país.

En México, recibió el premio Ariel por su trabajo en la película Como agua para chocolate (1992). Los dos años siguientes continuó ganando el Ariel por su trabajo en las películas Miroslava y Ámbar. Le ha sido otorgado el premio Óscar en tres ocasiones, convirtiéndolo en el mexicano con mayor número de reconocimientos de la Academia, por su trabajo como director de fotografía en Gravity, Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) y El renacido. Fue ocho veces nominado al Óscar por su trabajo en A Little Princess, Sleepy Hollow, The New World, Children of Men, The Tree of Life, Gravity, Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) y El renacido. Lubezki ha trabajado con directores como Tim Burton, Michael Mann, Alejandro González Iñárritu, los hermanos Coen, Terrence Malick y Alfonso Cuarón.

El arte de la fotografía en el cine

“Más a fotógraf autor qu mil histor solo cuad algo que visto en m años” - O en Festival

Adicionalmente, ha ganado cuatro veces el premio “American Society of Cinematographers Award for Outstanding Achievement in Cinematography in Theatrical Releases” (ASC Award) y también ha ganado premios en Japón (Tokio International Film Festival por Como agua para chocolate), en Cuba (Premio Coral por Miroslava) y el Reino Unido (BSFC por Sleepy Hollow en 1999).

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alla de fo, es un ue cuenta rias en un dro. Eso es no se ha más de 50

Emmanuel Lubezki hizo historia al recibir el premio de la Academia a mejor fotografía por su trabajo en ‘El renacido’ (Alejandro González Iñárritu, 2015). El año anterior recogió el mismo premio por ‘Birdman’ (Alejandro González Iñárritu, 2014), siendo su segunda estatuilla tras la de ‘Gravity’ (Alfonso Cuarón, 2013). Ningún director de fotografía ha logrado esa hazaña en tres ceremonias consecutivas.

El mexicano, que ya había sorprendido por su magnífica fotografía en títulos anteriores como ‘Sleepy Hollow’ (Tim Burton, 1999), ‘El nuevo mundo’ (Terrence Malick, 2005), ‘Hijos de los hombres’ (Alfonso Cuarón, 2006) o ‘El árbol de la vida’ (Terrence Malick, 2011), ha sabido convertirse en una de las figuras fundamentales tras la cámara en el Hollywood actual. Sus elaborados planos secuencia han logrado incluso llevar ese recurso al gran público, pendiente ahora de cuando se introduce o no un corte de cámara como nunca antes se había visto.

Pero su talento no se queda solo en la gran pantalla, el bueno de Chivo, que es como se le conoce entre sus colegas, tiene un magnífico archivo fotográfico público en Chivexp, su cuenta de Instagram que está a punto de llegar a las 700 obras de arte. Más de 360.000 seguidores pueden atestiguarlo, Lubezki es único.

Olivia Harold de cannes

¿Cuál es el enfoque?

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“Algunos directores la usan sabiamente y otros no, pero el punto de partida es que se puede hacer un filme sin actores o música, pero no sin luz. Está abajo de todo y puede expresar todo lo que quieres decir en una escena. Soporta lo que quieres que la gente sienta al ver... en definitiva, es el caldo del cine.”

Fotografía: Luis Salazar Styling: Ana Moreno Retoque: Gabriela Mora

Las películas no se caracterizan únicamente por las historias, actuaciones o premios que reciben; los grandes directores cinematográficos han sabido hacer de sus cintas, verdaderas obras de arte que trascienden por su estética y magnífico uso de la narrativa visual. Estos directores ya pueden ser reconocidos por la forma en la que utilizan el color en sus cintas y ésta es una de las razones por las que sus largometrajes nos tienen hipnotizados.

5directores que dominan el uso de color en el cine

Alfred Hitchcock Hitchcock no utilizó el color hasta 1948 en su película Rope, pero después de dominar la técnica, sus películas lograron transmitir todos los deseos del director a través de sus protagonistas y del uso del color en ellos. La mejor película del director en cuanto a narrativa visual es Vertigo (1958), contada en brillantes rojos y verdes que nos indican peligro y envidia con mezclas entre los colores utilizados en los tres protagonistas del film y que nos hablan acerca de quién es cada uno. Con colores intensos a lo largo de la cinta, Hitchcock logra trasmitir la experiencia de ensueño que había planeado desde un principio en este film de finales de los años 50.

Jean Luc Godard El director intentaba hacer un statement en cada uno de sus filmes y lo logró magistralmente. En El Desprecio (Contempt, 1963), Goddard retrata el vacío y superficialidad de sus protagonistas a través Por Filmaffinity del color. El director era fanático de tres colores: rojo, blanco y azul y éstos eran constantemente utilizados en su narrativa visual. Jean Luc Goddard es uno de los directores que mejor utilizaron el color en el cine, pues lo utilizaba como un protagonista en sus cintas, en vez de como un simple recurso estético.

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Foto por Universal Studio

Wong Kar Wai Wong Kar Wai es uno de los directores asiáticos contemporáneos favoritos de la crítica y el mundo. El uso de colores intensos y pasionales en sus películas ha logrado que éstas trasciendan gracias a su forma de contar historias en vibrantes rojos

Por Letterfoxd

y amarillos. En la cinta In the mood for love (2000), Kar Wai nos cuenta la historia de dos de sus protagonistas en momentos cotidianos, pero que se encuentran sufriendo por amor, a través del color. Gracias a este recurso, podemos saber desde un principio cómo terminará esta pasional historia y aunque no nos gusta, la narrativa que utiliza el director es verdaderamente impresionante.

Nicolas Winding Refn Winding Refn es un maestro cuando de luces neón y colores brillantes se trata, un recurso que podemos ver en su más reciente cinta El demonio neón (The Neon Demon, 2016) y a través de toda su filmografía, desde Drive (2011) y hasta en Sólo Dios perdona (Only God forgives, 2013). El director logra contar cada aspecto de sus películas en distintas tonalidades. Winding Refn se caracteriza

Por Space Rocket Nation

por una estética brillante, elegante, colorida y obsesivamente calculada. La forma en la que utiliza los colores en sus películas violentas y con temáticas brutales es tan hermosa que olvidamos por completo lo grotesco de sus escenas. El director ha sido criticado por anteponer la estética visual a su narrativa, pero creemos que eso es lo que lo hace tan especial, su capacidad de contar historias retorcidas y sin mucha profundidad a través de los colores.

Wes Anderson Anderson cuenta con su propio estilo y puede reconocerse a kilómetros de distanica. El director es fanático de elegir una paleta de colores pasteles y vibrantes para cada una de sus películas y su uso del color es uno de los grandes favoritos de las generaciones actuales, quienes ven en Wes Anderson una forma brutal de contar sus bizarras historias gracias a un esquema de colores muy marcado. En El Gran Hotel

Por Fox Searchlight Pictures

Budapest (The Great Budapeste Hotel, 2014), vemos cómo Wes utiliza los rojos, rosas y morados para contar su historia de amor haciendo de éstos los grandes protagonistas y creando un excéntrico mundo en el que todos queremos vivir.

Lo mismo pasa en Viaje a Darjeeling (The Darjeeling limited, 2007) y en Un reino bajo la luna (Moonrise Kingdom, 2012).

Que color ver

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