Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica
En rodaje Luis Enrique Carrión AMC Juan Pablo Ramírez AMC Talleres AMC
Nuevos Talentos
Diego Tenorio
AMC 23.98fps - Revista bimestral
Eduardo Vertty AMC
11 preguntas a un director de fotografía
Nicolás Aguilar AMC
Venciendo el miedo
Número 59 Enero - Febrero 2020
CONTENIDO NÚMERO 59
‘RUN’ Fotograma. Nicolás Aguilar AMC
10. Nicolás Aguilar AMC Venciendo el miedo 3. En rodaje - Luis Enrique Carrión AMC 18. Talleres AMC, Juan Pablo Ramírez AMC y Daniel Blanco AMC 24. Nuevos talentos - Diego Tenorio 30. Proyecciones AMC 34. 11 Preguntas a un cinefotógrafo -Eduardo Vertty AMC 37. La incendiaria historia del celuloide - Ximena Ortúzar 40. Fiesta 10 años de la Revista 23.98fps 43. Barry Lyndon - Opinión de Alberto Lee AMC 46. Sugerencias de lectura AMC 48. Agenda AMC 49. Redes Sociales AMC
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Bárbara Mori ‘La negociadora’ Luis Enrique Carrión AMC
EN RODAJE LUIS ENRIQUE CARRIÓN AMC Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotogramas
Aunque lo más complicado de trabajar en lugares con un idioma diferente al tuyo es la comunicación, nos dice: “Aprendí de mejor manera a operar cámara a través de una lectura de los actores. Me dí cuenta que había que sentir más y estar en un canal muy similar al lenguaje corporal que ellos manejan. Esto te abre otros sentidos.”. De esta manera la barrera del lenguaje se atenuaba.
Una
vida dedicada a contar historias y transmitir mensajes e ideas a través de imágenes, ha llevado a Carrión AMC a fotografiar en países lejanos como Letonia, Rusia y República Dominicana. Trabajar en tantos países tan distintos y enfrentarse a los diferentes retos que sus proyectos involucran, lo han ido nutriendo como director de fotografía.
La negociadora Carrión se muestra muy entusiasta de regresar al país. Regresa no por cuestiones personales, como ha sido en otras ocasiones en las que vuelve por asuntos familiares, sino a fotografiar la serie ‘La negociadora’ a lado del director y actor colombiano Juancho Cardona. “Estoy feliz de regresar a México. Es mi país, aquí está la familia y aquí se trabaja de manera diferente”. Para el director de fotografía entender la visión del director, la comunicación con él y con los diferentes departamentos, es lo que propicia que un proyecto salga adelante.
Después de pasar por las aulas del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos como oyente, decidió tomar la primera oportunidad e irse a España para estudiar cine. Le interesaba ser asistente de dirección, sin embargo, tuvo la oportunidad de participar en la película “El cosmonauta” (2013). Este proyecto le mereció varios premios por su trabajo como cinefotógrafo. El buen recibimiento de la película le abrió las puertas a la industria en Europa. Desde ese momento no ha parado de evolucionar en su carrera.
‘La negociadora’ es una serie para televisión compuesta por 12 capítulos que relata la historia de ‘Eugenia’, interpretada por Bárbara Mori, quien después de sufrir una infancia marcada por la violencia decide dedicar su vida a dialogar y enfrentarse con los criminales para salvar vidas de inocentes. Al cierre de esta edi-
Gracias a esta película, Luis Enrique pudo aprender y entender mejor la relación y la dinámica que hay entre los diferentes departamentos de los que se compone una producción audiovisual. 3
‘La negociadora’ Fotograma. Luis Enrique Carrión AMC
ción la serie aún no cuenta con fecha de estreno, Desde sus inicios el color ha representado un pero se espera sea en el primer trimestre de este papel importante para transmitir emociones y año. Será distribuida a través de la plataforma de sensaciones. ClaroVideo y Fox premium. Conocer el proceso de corrección de color o color grading es importante y sobre todo de gran Tratamiento visual ayuda a la hora de fotografiar ya que permite Carrión AMC llegó al proyecto tiempo después conocer hasta dónde puedes llevar visualmente el de que ya se había comenzado a pre-producir. El proyecto, una vez que conoces tu equipo (cámara, equipo ya contaba con una propuesta de cámara lentes, settings y luces). Para Luis Enrique con su respectiva óptica. Sin embargo, después Carrión AMC, quien también se desempeñó de pláticas y de convencer a los realizadores a como colorista, este proceso le ayudó a preparar favor de un cambio, se decidió utilizar equipo una estética visual para ‘La negociadora’ que Arri. La cámara elegida fue la Alexa Mini y funciona narrativamente en términos de lentes Superspeed. “Ellos tenían elegida una color. En este proyecto cada personaje se ve cámara que para mi gusto era demasiado nítida, representado por un color que se desprende de demasiado digital. Yo sentía que tenía un look su personalidad y de sus emociones. En el caso plástico y que el proyecto necesitaba algo más de ‘La negociadora’, “...gracias al buen diseño de fílmico y diferente a lo que se está haciendo con color y a la gran búsqueda de locaciones, mediante las series. Esto me lo daba la Mini en combinación el color en la luz, se creaban yuxtaposiciones con la óptica. Su sensor tiene una nitidez muy entre los colores elegidos para cada personaje suave y combinada con los Superspeed de los y para cada época”. Todo lo anterior evitando setenta, creaban la combinación que el director el uso de filtraje en cámara; con excepción de filtros de degradado, sólo se filtraban las se imaginaba.” luces. La serie está llena de colores dominantes La propuesta principal era alejarse del look monocromáticamente, que van cambiando de tradicional de las series y crear un aspecto escena a escena, desde amarillos hasta azules. más cinematográfico. Carrión siempre fue un apasionado del cine y poco a poco su carrera lo fue “El principal reto durante el proceso de rodaje, fue el tiempo. La serie se rodó durante doce seguiando hasta posicionarse como cinefotógrafo. 4
manas, es decir casi 12 páginas por día y con dos unidades trabajando al mismo tiempo. Ellos hicieron 4 semanas, y nosotros 8”. El director de fotografía encargado de la segunda unidad fue Ignacio “Nacho” Prieto AMC.
ba en el set: “Le tengo mucha confianza, existen respeto y admiración mutua. Paco fue mi operador de cámara en ‘El Cosmonauta’ y desde entonces me gusta colaborar con él.” Paco Serrano también colaboró con Luis Enrique en la serie rusa ‘Tyotushki’.
Carrión es un realizador completamente entregado a la imagen, a obtener los mejores resultados posibles. Es por esto, que desde su primer largometraje ‘El Cosmonauta’, no se detiene sólo con la imágen obtenida en el set, sino que se preocupa por la etapa posterior una vez terminado el rodaje, es decir la corrección de color en la post-producción. Se ha adentrado a tal grado que inclusive tiene su propio estudio de corrección de color “XS”. Para monitorear, y llevar a cabo un control más minucioso de la imagen de la serie, se crearon un par de LUTs. Uno para interior día, uno para interior noche y otro para exterior día y noche. Estos fueron diseñados en el estudio de Carrión.
El primer asistente de la serie es Alejandro Florez (‘Historia de un Crimen: Colmenares’, ‘Distrito Salvaje’) quien como foquista tuvo una ardua labor. Para conseguir el look de la serie se utilizaron diafragmas abiertos de T 1.3. Con este tipo de decisiones sobre la profundidad de campo, buscaba acercar lo más posible al espectador a las emociones que estaban experimentando los personajes. De la misma manera Florez debía ser preciso en momentos de acción.
Pantallas de Cristal par
Equipo de trabajo A Luis Enrique le gusta estar rodeado, siempre que es posible, por un equipo de trabajo con quien ya tiene confianza por el buen desempeño en otros proyectos: gaffer, el primer asistente y/o operador de cámara. En esta ocasión la oportunidad de traer a Francisco Serrano como operador, a quien conoció en España, le ayudó mucho a la hora de conseguir lo que se necesita-
‘La negociadora’. Fotograma
‘La negociadora’. Fotograma
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Sabemos que el proceso de producción en las series se ve afectado por el tiempo. Grabar tantas páginas de guion al día no es cualquier cosa y sin duda se necesita un equipo que pueda resolver con creatividad y eficiencia las necesidades de la escena. Para este proyecto el gaffer que acompañó a Carrión en el proceso fue Rafael Martínez ‘El gato’. “Nos preocupamos y nos ocupamos de no tirar tantos cables, de no tener un desastre en los sets debido a que teníamos encuadres muy abiertos. Intentamos controlar todo robóticamente. Utilizamos luces que podíamos manipular mediante gadgets (a través de un iPad o inclusive del iPhone). Las Velvet Lights y las Asteras fueron de gran ayuda. El workflow era estupendo y nos permitía ahorrar mucho tiempo para invertirlo en otros asuntos”. Enfatizando un poco en el tema de las Asteras, Carrión dice que las utilizaban a manera de luz diegética. Se metían dentro del espacio arquitectónico para que hubiera siempre un punto de luz dentro del cuadro.
Sobre lo que le dejó el proyecto nos cuenta que nunca se había arriesgado tanto con el color y con la luz, pero que a pesar del reto que representó, está muy conforme con los resultados. Como consejo a todos los que están iniciando en esta industria, Carrión piensa que la competencia es muy dura pero las oportunidades se las da uno mismo. “Filmar todo el tiempo y con lo que se tiene a la mano es lo necesario para crecer en esta profesión”.
‘La negociadora’
‘La negociadora’. Fotograma
Cámara: Alexa Mini Óptica: Zeiss Superspeed Cinefotógrafo: Luis Enrique Carrión AMC Gaffer: Rafael Martínez ‘El gato’
‘La negociadora’. Fotograma 6
Imagen hermosa. Control total.
Photo from Film “R&R” by Rodrigo Prieto ASC, AMC
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‘La negociadora’ Luis Enrique Carrión AMC
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‘El cosmonauta’ Luis Enrique Carrión AMC
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NICOLÁS AGUILAR AMC VENCIENDO EL MIEDO Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotogramas
premio de la ASC para estudiantes. “Fue un riesgo hacer el cortometraje ‘RUN’. Fue un proyecto del que ya habíamos platicado mucho Trevor Stevens (el director ) y yo, sin embargo, nunca debí haberlo filmado”. Nico comparte que su relación con Steven se ha mantenido desde entonces. Incluso, el proyecto de largometraje más reciente del cinefotógrafo está dirigido por Trevor.
Todos
hemos tenido ese momento de duda antes de iniciar un nuevo proyecto. Saber si estamos listos o no para adentrarnos en esa aventura puede ser imponente. Nico Aguilar AMC nos demuestra que vencer esas barreras y hacer las cosas, aún con ese sentimiento latente, puede regalarnos grandes experiencias y, sobre todo, nos dan la oportunidad de crecer y aprender.
Al ser un proyecto de tesis -Nico no era un estudiante de último año-, la escuela no le permitía fotografiarlo, sin embargo tomó el riesgo. “Un dia me llamó el director de carrera de Chapman (Bill Dill ASC) y me pidió que me presentara inmediatamente en su oficina; me fui corriendo y llegué muy nervioso. Cuando lo vi me dijo: `Debes decirme con honestidad si tú filmaste este proyecto.´- “Le respondí que sí y me dijo que lo que habíamos hecho estaba mal pero creía que el proyecto era muy bueno. Habló con el director y lo alcanzamos a inscribir en ese momento. Después de unos meses descubrí que me habían nominado”.
“Apliqué para cursar la carrera en la Universidad de Chapman y me aceptaron. Sin embargo, y a pesar de que la escuela era realmente buena, tenía la necesidad de trabajar mientras estudiaba. Esto me dio la oportunidad de adentrarme más en la industria norteamericana. Trabajé como gaffer y de asistente; aprendí mucho en este proceso.” A sus 26 años, el joven director de fotografía ya cuenta con un amplio número de cortometrajes, películas y algunas series de televisión.
El cortometraje lo hizo ganador del premio de la ASC y de la ‘Beca Kodak’ que funcionaron de plataforma para todo lo que venía. “Sin duda fue un gran impulso. Gracias a eso pude acercarme a más directores, a mis dos grandes mentores: Guillermo Navarro ASC y Rodrigo Prieto AMC, ASC y a la comunidad de la ASC.”
En 2015 su carrera tuvo un impulso inesperado. Un cortometraje lo posicionó entre la expulsión de la universidad o ganar la ‘Beca Kodak’ y el 10
‘RUN’ Fotograma. Nicolás Aguilar AMC
“Guillermo y Rodrigo siempre me han inspirado. Cuando vieron el corto, platiqué con ellos y desde entonces me han impulsado mucho en mi carrera, pero sobre todo han creído en mí”. “Después de todo eso volví a la escuela y la chamba. Arreglé mi situación migratoria y tuve la oportunidad de filmar cortos y comerciales para pagar mi estancia en este país. Pasado un tiempo hice mi primer largometraje. No me pagaron mucho pero lo hicimos con mucho amor y entre amigos; luego vino mi primera serie para MGM, ‘Stargate’”.
‘RUN’ Fotograma. Nicolás Aguilar AMC
Lo que seguía para Nicolás era consolidarse y hacerse presente como un director de fotografía profesional. Entrar al sindicato no es algo fácil, se necesitan ciertos requisitos para poder ingresar. Entre estos, estaba comprobar horas “reales” de set cumplidas. “Un día me llamó Rodrigo Prieto (quien ya me había dado la oportunidad de trabajar con él como operador y segunda unidad para algunos comerciales), y me preguntó si estaba dentro del sindicato. Yo no tenía idea de cómo entrar pero él me decía que era algo importante. Al finalizar esa llamada me puse a investigar los requisitos y a juntar todos los documentos. Justo después de mandar todo, me llamó Guillermo Navarro preguntándome lo mismo y al decirle que estaba dentro, me dijo que tenía que presentarme a alguien. Era un amigo de él que estaba haciendo una película y que creía que mi estilo podría servir para el proyecto. Hice mi propuesta, una ‘biblia’ en la que agrupé todo. Desde shotlists hasta lookbook.
‘RUN’ Fotograma. Nicolás Aguilar AMC
Cuando llegué, Guillermo me presentó al actor y director Charlie Day (‘It’s Always Sunny in Philadephia’). Guillermo Navarro fue un gran mentor para Aguilar a la hora de abordar el largometraje. “En ´Stargate´ me ayudó mucho a saber cómo acercarme a estos proyectos más grandes. Recuerdo que una vez llegué a una junta con Guillermo y le mostré el libro de referencias que había hecho. En ese momento me enseñó una lección muy importante; él sabía que yo tenía la preparación y entendía el proyecto pero que también tendría que aprender a observar y adaptarme en el set”. 11
‘Stargate’ Fotograma. Nicolás Aguilar AMC
El trabajo de un director de fotografía va más allá de la preparación técnica. Entender la historia, llegar al set y observar lo que los actores estarán haciendo en escena. “Apreciar las oportunidades de la luz que está presente en la locación, llegar preparado pero abierto a las posibilidades. En la junta con Guillermo aprendí a poner la historia como prioridad, porque supe que si puedo entenderla desde nivel emocional, todo lo técnico queda en segundo plano”. “Cuando trabajé con Charlie Day en su película profundicé en esa lección. Él es actor y para él era importante que los otros actores pudieran desplazarse. Eso fue muy importante para mi porque me ayudó a saber cómo iluminar de una manera diferente e inteligente. Después de entender todo eso, puedes tomar las decisiones más prácticas para administrar el equipo y el presupesto.”
Nicolás Aguilar AMC. Foto de Neema Sadeghi
“Le debo mucho de mi carrera a estos grandes mentores, pero también a la osadía de salir y cometer mis propios errores. Llego a cada largometraje con las ganas de aprender. Creo que me tomó 10 largometrajes sentirme más seguro en mis decisiones de luz y composición y saber cómo abordar una escena. Siento que el trabajo de un director de fotografía es tan multifacético que cada proyecto me siento más preparado”. Nico ha demostrado que vencer las inseguridades puede llevarte realmente lejos. Para él es encontrar la razón por la que estás haciendo cine. “Es una necesidad. Cada persona tiene la necesidad de expresar su existencia y su propia conciencia; para mi las palabras no son la manera 12
más fácil de expresarme, como pueden escuchar...” - comparte entre risas- “ ...La manera más fácil para mi son las imágenes y entender el mundo a través de ellas, eso es algo muy personal. Aprendí mucho de composición e iluminación viendo cine y hablando con grandes cinefotógrafos, pero no tengo interés en saber cómo iluminar como ellos, quiero iluminar como yo. Saber eso me dio mucha seguridad en mis proyectos y me ayudó a encontrar mi propio estilo”.
historia pero con carácter y que no sea aburrido, que cada imagen tenga su propia identidad”. Crecemos influenciados por lo que vemos, lo que nos rodea, lo que nos muestra los familiares. Nico nos comentó que su hermano le ponía películas, “de esas aburridas en blanco y negro”, desde que él era pequeño. “Me ponía a Bergman, por supuesto a mi no me gustaban esas películas, pero educó mi juicio estético y de manera subconsciente siempre lo llevé conmigo; él me hablaba de composiciones y de la luz. Por otro lado, mis padres procuraban llevarnos a muchos museos. Veía un cuadro de Kandinsky, cómo usaba ciertas líneas y colores y reflexionaba qué es lo que hacía tan poderosa a la composición. La elección de los colores, de las formas, de las líneas. En fin, sólo puedo decir, que el legado más grande que me dejaron mis padres, fue su sensibilidad por la vida y por el arte.”
A su corta edad, pero con tantos proyectos en su filmografía, Nicolás Aguilar AMC, ha ido practicando y defendiendo su estilo. Desde sus primeros cortometrajes se puede ver el uso de cámara en mano y la utilización e integración de luces práticas como Keylights en donde les da un uso más “agresivo”. “Básicamente, mi relación con la luz y la cámara es muy práctica. Para mi la cámara es un vehículo para encontrar la luz y la composición. Lo que trato de hacer es “desmenuzarla” , desmontarla y hacerla lo más chica que se pueda. Esto me ayuda a ponerla en donde tenga que estar para la historia. Igual con los lentes. No uso zoom y lo hago porque son muy grandes y no me permiten poner la cámara donde la necesito. Claro, cada fotógrafo es diferente”.
Nicolás Aguilar AMC. Foto de Adam
Aguilar nos comparte uno de sus secretos en set: “Al llegar a una locación lo primero que hago es checar de dónde viene la luz naturalmente; a partir de ahí, me pongo a pensar cómo puedo hacer que esta imagen se vea más relacionada a la
‘Sides of Horn’. Fotograma 14
Descubrir nuestra identidad Nico Aguilar es el miembro más joven en ingresar a la AMC y vive en Estados Unidos desde hace casi 7 años. “Mi hogar está en Los Ángeles, pero mi corazón es mexicano, mi gente son los mexicanos. Es difícil entender tu propia identidad en Estados Unidos, pero esa búsqueda me ayudó a querer a mi país y entender que las fronteras son construcciones sociales que nosotros hicimos. Soy un cinefotógrafo 100% mexicano y por eso tener las siglas AMC es tan importante para mi. Después del tiempo que llevaba trabajando en Estados Unidos, me entró la necesidad de acercarme más a la comunidad de fotógrafos mexicanos, gente muy talentosa. Tener las siglas AMC me ayuda a representar a mi país. Actualmente, el director de fotografía terminó el más reciente proyecto y ópera prima del director Charlie Day titulada ‘El Tonto’ en la que aparecen Kate Beckinsale y John Malkovich entre muchos proyectos en puerta. Nicolás trata de acercarse más a México y de representarlo en cualquier parte a donde la vida lo lleve.
‘Mommy’s Little Monster’. Fotograma
‘Stargate’. Fotograma 15
Nicolás Aguilar AMC ‘Stargate’
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Nicolás Aguilar AMC ‘Run’
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TALLERES AMC JUAN PABLO RAMÍREZ AMC
Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotos: Daniel Blanco AMC
Contagiar
la pasión por el cine y la cinefotografía forma parte de la vida de los directores de fotografía Juan Pablo Ramírez AMC y Daniel Blanco AMC, quienes aprovechan cada oportunidad para compartir su conocimiento, ya sea en escuelas o a través de sus redes sociales. Es por eso que para terminar el 2019 de la mejor manera, se dieron a la tarea de organizar el que fue uno de los mejores talleres que se han impartido dentro de la AMC. Con la producción y organización de Daniel Blanco AMC (‘Yo, Fausto’- 2019), pudimos contar con la presencia del mentor Juan Pablo Ramirez AMC, director de fotografía de películas multigalardonadas nacional e internacionalmente como ‘Huachicolero’ (2019) y ‘Chicuarotes’ (2019). Con 36 jóvenes a su cargo, Ramirez enseñó a los alumnos la labor que realiza un director de fotografía y cómo porta su visión a la narrativa de una historia. Los alumnos tuvieron
la oportunidad de ver y aprender el trabajo del cinefotógrafo al utilizar película de 35mm.
Día 1 Contar con el apoyo de los socios AMC es esencial para avanzar. Bajo esta iniciativa y gracias al compañerismo entre ellos, hemos tenido la fortuna de contar con la presencia de múltiples directores de fotografía que enriquecen aún más los talleres. El llamado inició a las 7 de la mañana en la bahía del CENART , lugar donde se dió cita a los alumnos para su traslado a la multilocación ‘Pino 577’, lugar con varios foros donde se crean realidades alternas y un espacio ideal para llevar a cabo la clase. El presidente de la AMC, Carlos R. Diazmuñoz AMC, fue el encargado de dar comienzo al taller dando una breve introducción de la labor, el trabajo que realiza la AMC y de los logros que se han obtenido a lo largo de los 27 años de vida que lleva la sociedad. Diazmuñoz, además de presentar a Ramírez y a Blanco, también aprovechó para señalar la presencia de dos socios más Iván Hernández AMC ‘El sueño del Mara’akame’ (2016) y Eduardo Vertty AMC. También 18
Ejemplos reales: Iluminar con pistas lumínicas.
asistieron al taller los actores nominados al Ariel Paulina Gaitán (‘Las niñas bien’-2018) y Harold Torres (‘González: falsos profetas’- 2014).
Muchas de las preocupaciones como fotógrafos principiantes es tener que iluminar grandes espacios y al mismo tiempo filmar un planosecuencia. Sin embargo, siempre hay maneras de resolverlo y al mismo tiempo dar un aspecto más estético al proyecto. Ramírez nos ha comentado con anterioridad que es muy fácil encapsularse en un pensamiento negativo con la presión que existe a la hora de entrar a un proyecto: “La función como fotógrafo es ir al principio de las historias para conocer toda la problemática y todas las posibilidades”. Para entender este proceso, compartió una técnica para perderle el miedo a estas situaciones y sacarle provecho a lo que tenemos. Para él, lo que mejor funciona en estos casos es iluminar con “pistas lumínicas”, es decir, tener algunos puntos de luz clave y necesarios dentro del espacio donde se moverán los actores.
“Muchas veces el trabajo de un director de fotografía es seducir al director y convencerlo de qué es lo que funciona mejor para la escena” - dice Juan Pablo Ramírez AMC al recordar las enseñanzas de sus maestros en el CCC: que en el cine lo más importante es transmitir un mensaje, emociones y sensaciones. Siempre es importante recordar y tener claros los principios básicos de iluminación para avanzar en técnicas más elaboradas. Juan Pablo comenzó por reafirmar los conceptos de donde parte todo un mundo de posibilidades lumínicas y que pueden ayudar a la narrativa de la historia. Mostró a los alumnos 9 configuraciones posibles mientras iba explicando las calidades y cualidades de la luz y cómo transforman las sensaciones dependiendo su posición. También señaló la importancia de tener en mente las facciones del personaje y entender cómo funciona la luz en su rostro para determinar cual le es más favorable.
Carlos R. Diazmuñoz AMC
El gaffer encargado de ayudar a Ramírez a ‘hacer magia’ con la luz, fue Francisco Morales con quien ya ha colaborado anteriormente en múltiples proyectos. La participación de “Paquito” Morales enriqueció la experiencia al explicar y ejemplificar con sus experiencias y anécdotas en rodaje al lado de Ramírez y de otros directores de fotografía como María Secco AMC o como Federico Cantini ADF.
Humberto Busto y Marimar Vega / J. Rodríguez Juan Pablo Ramírez AMC 19
Labodigital mostró el trabajo que realiza y la importancia que tiene el DIT dentro del set de filmación. Además de la monitorización, explicaron la relación que debe existir entre su departamento y el de cámara, en especial el diálogo con el director de fotografía. Además nos mostraron un poco de la creación de LUT’s. Iván Hernández AMC compartió un poco de su proceso y de la relación que llevaba con el DIT cuando realizó la serie ‘Diablero’ (2018) y de la forma en que debían acatarse a ciertos estándares visuales que tiene Netflix.
Habló de ‘Huachicolero’, película en la que después de analizar a profundidad los espacios de trabajo y la narrativa de la historia, llegó a la idea de incorporar luces de trabajo a la camioneta en la que se transportan los personajes. “La camioneta tenía luces a los lados, le cambiamos los faros, los stops. Se le agregaron faros Tungsteno y lo mejor es que los actores podían manejarlas desde el interior. Las luces abarcaban 360º y la cámara los seguía. Como yo diseñé todo este arreglo visual, sabía cuándo tenía que dejar pasar a los actores para no generar sombras. Me gusta tirar con la luz detrás del personaje para darle tridimensionalidad”. En esta película se utilizó la oscuridad como un elemento importante en la historia. Se buscó otra forma de iluminar a los personajes y que al mismo tiempo fuera acorde a la historia, de esta manera se optó por tener puntos de luz en algunas zonas que funcionaban como back, relleno o key dependiendo del desplazamiento de los actores.
Quitar luz para iluminar Hay que aprender a leer los espacios necesarios a la hora de hacer scouting. Es en este momento cuando puedes observar los mejores lugares para posicionar luces o utilizar luz natural y sacarle provecho a la locación. Alrededor de las 13 horas y después de conocer las ventajas y desventajas de diferentes tipos de luces como los Kino y las Asteras, los alumnos pasaron al primer foro temático de Pino577: ‘SEMEFO’. En este espacio Juan Pablo dejó a un lado el uso de la luz artificial para explicar su proceso con luz natural, cómo trabajarla y la importancia que tiene el saber cuando quitar luz en lugar de agregar más, es decir: ‘desiluminar”.’ Esto se logra, entre otras cosas, con ayuda de floppys, mantas, banderas e inclusive, con el decorado con el que es posible eliminar y oscurecer algunas zonas para así crear contraste y tridimensionalidad a la escena.
Juan Pablo Ramírez AMC ilumina a Paulina Gaitán
Iván Hernández AMC 20
Día 2
Dentro de este set observamos también la integración del movimiento de cámara al lenguaje. En esta escena Paulina Gaitán recorrió el espacio desde la entrada del SEMEFO hasta las planchas en donde se encontraría con algún ser querido. En este momento el director de fotografía comenta que las películas son como una orquesta o algún platillo, es decir, muchas veces cometemos el error de querer impresionar dentro de todos los departamentos con lo mejor que tenemos, cuando en realidad la dosificación de los elementos y su correcto uso ayuda mucho al proyecto. En esta ocasión Juan Pablo sabía que la fotografía en esta escena no era lo más importante sino la actuación de Paulina; su trabajo como cinefotógrafo era crear una atmósfera para que el personaje se desenvolviera. Para el director de fotografía es fundamental tener diálogo con los actores para aclarar qué es lo que funciona mejor para cámara.
Utilizando los mismos principios de iluminación vistos en el primer día, presentó y explicó a los alumnos el funcionamiento de la cámara de 35mm, la película y el equipo. En esta ocasión contamos con la cámara Arriflex 435 y película Kodak.
Espacios abiertos y filmar con humo Para el segundo día, utilizando la azotea de la locación, se mostró a los alumnos cómo enfrentarse a la luz natural en espacios abiertos. Uno de los consejos que se dio a los alumnos fue: “A veces no queda de otra más que hacer una toma con una luz ‘fea’ cuando el sol está cenital. Esto sucede, o porque así queda el plan de trabajo, o por la naturaleza misma de la escena, el guión lo detalla.” Juan Pablo se refirió a que no siempre tendremos la fortuna de tener las condiciones del clima a nuestro favor y constantemente estaremos enfrentándonos al tiempo y al sol. Es por esto que decidió extender una manta de 12x12 en el suelo y de esa manera crear contraste en la cara de la actriz. En este espacio, varios de los alumnos tuvieron la oportunidad de operar la cámara y hacer el foco bajo la tutela de Ramírez.
El segundo y último set del día fue en las oficinas en donde se combinaron las técnicas aprendidas anteriormente a favor de la escena que se montó junto a Paulina Gaitán y Harold Torres. Se combinó el uso de luz natural, que para ese momento era la luz dorada del atardecer, con luz artificial dentro de unas oficinas. Para finalizar el día se adelantó un poco el trabajo que se haría al día siguiente con película de 35mm de Kodak.
La segunda mitad del día se dedicó para aprender a controlar y mantener continuidad en espacios cerrados utilizando humo. Juan Pablo compartió que existen cursos especializados sólo para este tema ya que es un verdadero reto. Lo primero, como siempre, es conocer la locación, encontrar la posición de las fuentes de luz, saber qué tipo de humo se utilizará (si es humo como tal, neblina, etc.) , y la calidad (pensando en densidad muchas veces), de los diferentes líquidos.
Paulina Gaitán
Paulina Gaitán y Harold Torres
Juan Pablo Ramírez AMC 22
El primer consejo que se dio fue llenar el espacio con el humo y dejar que este se esparciera por el set (que en esta ocasión fue una recámara). De esta manera se puede lograr una atmósfera uniforme. Después de tener el humo listo, Juan Pablo mostró una técnica para tener continuidad en la densidad del humo utilizando una fuente de luz, un negativo y el exposímetro.
Queremos agradecer a todos los patrocinadores que hicieron posible este Taller AMC: Zeiss, CTT, Indie Film School, LCI Seguros, Pino 777, Labo, Kodak. De igual manera, gracias también a la gran labor realizada por parte de todos los organizadores, en especial a Daniel Blanco AMC y a Juan Pablo Ramírez AMC por compartir con nosotros y crear una experiencia increíble de aprendizaje. Los esperamos en el próximo Taller AMC.
Talleres AMC 23
NUEVOS TALENTOS DIEGO TENORIO ‘La paloma y el lobo’ con un programa de óperas primas que da la oportunidad al mejor proyecto presentado. La UNAM y el IMCINE otorgan 10 millones de pesos para llevar a cabo los proyectos inscritos. El proceso, desde el primer guión, pasando por las carpetas y hasta el último corte, es tutorizado y evaluado por profesores de la ENAC.
Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotogramas
Poco a poco se están creando oportunidades
para que nuevos realizadores puedan llevar sus voces a las salas de cine. Sin duda las óperas primas son aquellos proyectos que nos muestran cuáles serán los nombres que estarán sonando dentro de la industria del cine. Diego Tenorio y Carlos Lenin, cineastas egresados de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), quienes después de años de compartir el set durante sus ejercicios escolares y uno que otro trabajo externo, entraron en 2017 al programa de ópera prima.
La ‘La paloma y el lobo’ abre con un cuerpo de agua del que desconocemos la magnitud, mientras escuchamos el sonido del viento al rozar con el mismo. Entra a cuadro “Lobo”, interpretado por el actor nominado al Ariel, Armando Hernández (‘El César’, ‘Los héroes del norte’); nadando desnudo y con cansancio, su presentación motiva el primer movimiento de cámara hasta verlo llegar al final de la presa. La película narra la historia de dos jóvenes que, a pesar de su intento por mantener su amor, se ven afectados por la violencia que existe en su mundo y el miedo de volver al lugar que los marcó.
Hablamos con Diego Tenorio, director de fotografía de la película mexicana que ha estado rondando algunos de los festivales más importantes en el mundo: ‘La paloma y el lobo’. “Carlos y yo nos llevamos muy bien, somos muy amigos y tenemos años colaborando juntos; años de entendimiento, de autocrítica y de reflexiones; tenemos una búsqueda estética y temática muy similar”.
Propuesta visual “Una de las cosas que hablamos en cuanto a la estética visual, fue que queríamos sentir la cercanía con los personajes, sobre todo la sensación de intimidad. La propuesta visual trato de hacerla diferente a como acostumbraba. Ahora no son tan técnicas como me enseñaron en la escuela. Es más bien la descripción literaria de una imagen, por ejemplo: El sol entra por la
El sueño de muchos estudiantes que ingresan a las escuelas de cine, es terminar la carrera con un proyecto de largometraje. Cada escuela cuenta 24
Illumination | Reshaped La fuente ultra luminosa de punto LED con variedad de ópticos. Orbiter es un dispositivo LED ultra luminoso, sintonizable y direccional fabricado por ARRI. En Orbiter todos los sistemas son completamente nuevos y han sido diseñados pensando en la versatilidad. El nuevo motor de seis colores de Orbiter brinda una amplia gama de colores y extraordinaria reproducción de color a lo largo de toda la gama de temperaturas junto con una dimerización suave líder en la industria que va de 100% a 0%. Con sus ópticos intercambiables Orbiter puede transformarse en muchos tipos distintos de luces incluyendo proyección (perfil), open face, soft light y otras posibilidades futuras. Orbiter es la más avanzada luminaria jamás creada y cada dispositivo viene con nueva y fascinante tecnología.
Open Face Saber más acerca de las amplias prestaciones de Orbiter: www.arri.com/orbiter Orbiter® es marca registrada de Arnold & Richter Cine Technik GmbH & Co. Betriebs KG.
Proyección
Light Bank
Domo
ventana y pega en estos elementos que nos reflejan esta calidad de luz y crea esta atmósfera. Me ayuda a trabajar más en el terreno de las sensaciones y alejarme de la idea técnica, de esta manera puedo asumirme como co-creador de una obra artística y trabajar desde ahí. A veces, si sólo lo piensas y resuelves técnicamente te vuelves frío y no te acercas al proyecto. Me gusta trabajar con las vísceras, intuitivamente y no sólo apoyarme en lo técnico. Para esta película queríamos que la luz fuera siempre muy agresiva con los personajes, que se sintiera lo cruel que es la vida, el clima, la falta de agua, la falta de higiene por no bañarse y se planteó tener los colores desaturados.”
le otorgan unidad a la película y hace que el mensaje sea más claro. En la película se aprecian múltiples locaciones que ofrecían al director de fotografía poder trabajar y aprovechar la luz natural. “Desde el principio planteé llevar muy poco equipo. Hablé con el productor para llegar a un acuerdo de aumentar las semanas de rodaje y así no llevar tantas luces. He aprendido a arreglármelas sin tantos elementos, pero sabía que habría circunstancias en las que las necesitaria. La Van Daylight de CTT fue suficiente. Teníamos muchas luces de LED, KINO y un 1200 que pedí. También utilicé un par de Aladdin, que en su momento eran nuevas”.
Tenorio decidió utilizar una Alexa Mini en RAW y open gate. Para la óptica eligió el Master Prime de 27mm. Algo que llama la atención desde el inicio del filme, es la elección del aspect ratio 3:2. “En la escuela las cámaras eran solo 1:85 y estábamos supeditados a eso. Lenin y yo siempre tuvimos la necesidad de experimentar con otros aspects, queríamos salirnos de ese esquema escolar. De hecho, saliendo de la escuela hicimos un corto en 2:35 y nos sentimos mal de hacerlo así por la espacialidad y la perspectiva. Eran cosas de las que que hablamos mucho antes de iniciar el proyecto” La estética visual de la película responde a una cadena de decisiones que viene desde la elección del aspect. “Esta película trata de personajes y su imposibilidad para amarse. Las circunstancias que los rodean determinan su relación y a ellos mismos. Estamos retratando a una clase social oprimida; esta última palabra es la clave. A partir de ahí y de una visita que hicimos al norte en donde notamos los techos de las casas muy bajos, decidimos que incorporaríamos este recurso en la película, pero ¿cómo transmitirlo?. El aspect ratio nos dio la solución pues nos permitía mantener a los personajes siempre en un estado claustrofóbico. Sumado a esto, procuramos mantener siempre mucho aire encima de la cabeza de los personajes, así como una composición fractal, es decir, mantener el cuadro dentro del cuadro, esto con el fin de continuar con la sensación de que el espacio ejerce una fuerza sobre el personaje”. La búsqueda por encontrar encuadres simétricos viene de la intención de elevar esa sensación de opresión. “Incorporar aire sobre ellos pero con elementos en la imagen
‘La paloma y el lobo’ Cámaras: Alexa Mini Óptica: Master Prime Cinefotógrafo: Diego Tenorio Gaffer: Ventura Hernández
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Armando Hernández ‘Lobo’
Los espacios ayudaron también a crear sensaciones frías y distantes. La posición de la luz en torno al personaje principal se relaciona con la manera de sentir de él. “Lobo vivía en una cueva, ensimismado en el pasado, en los recuerdos, por eso lo fotografiamos de esa manera. No queríamos algo melancólico y cálido. Casi siempre mantuvimos el lado oscuro de su rostro mirando a cámara. Sobre la elección de la óptica, en un primer momento mi intención era usar Cooke. Ya estando en el scouting, iba reflexionando y tratando de pensar y sentir el guión. Le dije a Lenin que era mejor usar los Master Primes. Son nítidos y ya en locación podemos utilizar esa textura. En corrección de color se sacaron aún más las texturas. Lo que queríamos lograr era una imagen cruda de la realidad”.
Bien o mal, estábamos en el programa de ópera prima, pero entonces era una oportunidad para aprender y descubrir nuevas formas de contar una historia”. “La TV te da mucho oficio; fueron seis meses teniendo que iluminar varios sets por día y hacerlo rápido. Llega un momento e el que te olvidas de la parte técnica y puedes entregarte a la búsqueda estética. Iluminaba rápido y me daba tiempo para estar codo a codo con Lenin, para platicar el cuadro, sintiendo y apoyando las escenas. He encontrado cosas que son muy importantes como la gestualidad o la corporalidad de los actores: si se encorva más o si se pone en tal posición, sucede tal cosa con la luz y hay que manejar de cierta forma la cámara”.
De la TV al Cine Recién egresado, Tenorio tuvo la oportunidad de trabajar en televisión en series como “El Hotel de los Secretos” (2016). Esto le enseñó a resolver situaciones con rapidez y así entregar ese tiempo a cosas más importantes. “El cambio de la TV al cine de alguna manera me ayudó y me empujó. Venía de estar dos años haciendo mucha tele y cuando leí el guión reescrito le hablé a Lenin y platicamos de la manera en como resolverlo. Pudimos haber logrado todo con master y protecciones, pero queríamos salirnos de lo convencional, lo queríamos llevar al límite. 27
Soldadora
“Decidimos entonces no hacer la secuencia programada y darle prioridad a la soldadora. Volvimos de nuevo a los básicos: planteamos un campo contra campo. Con un leve travelling nos vamos acercando poco a poco a los compañeros de Lobo. En el contracampo aparece Lobo y se ve como se acerca a sus compañeros”.
Una de las secuencias más memorables de la película sucede en un sótano. Un grupo de compañeros de Lobo están viendo atentamente un video en un celular, mientras en el fondo otro trabajador está soldando algo. La secuencia está iluminada completamente por la soldadora y cuando esta está inactiva, hay oscuridad total acompañada del violento audio del video.
“Sucedió algo curioso al estar haciendo una de las tomas del contracampo, unas cuadras arriba de donde nos encontrábamos pasó un tren. Me quedé helado mientras operaba a la cámara, pues parecía que el tren nos estaba pasando por arriba y al estar grabando una secuencia tan violenta, te provocaba y evocaba muchas cosas. Sentir la presencia del tren que te puede arrollar en cualquier momento. A partir de ahí se decidió usar el sonido del tren como parte de la atmósfera de toda la película”.
“La secuencia la filmamos el tercer día de trabajo y nos tomó dos días obtener los resultados deseados. Tuvimos una serie de dificultades técnicas con el Tiltamax que llevábamos, pues queríamos mantener un trazo escénico con movimientos largos pero muy controlados, la cámara se movía con los personajes. Pero debido a las fallas del estabilizador, decidimos resolverlo regresando a los básicos aprendidos y usados en el CUEC: tonina y rieles”.
Uno de los mayores retos técnicos que tuvieron que afrontar fue al momento de filmar la escena final de la película, comenzando con un primer plano de las piedras hasta terminar con Lobo y Paloma nadando. “Cuando hablamos de esa secuencia, Lenin ya me había dicho que quería piedras como metáfora de las muertes y quería crear una sensación de la dimensión de la matanza que se ha vivido por la violencia. Para poder hacer esta toma, dependiamos del nivel de agua y muchas otras cosas. Pensamos en tres maneras distintas de hacerla: una, la más obvia, era el dron. Pero necesitariamos un octocóptero que cargara la cámara para no sacrificar la calidad de la imagen. La otra, era construir una plataforma o muelle para hacer el plano. La última, era poner una grúa sobre el barco. Hicimos scouting en la zona y cuando escogimos el mejor lugar nos dimos cuenta que no había manera de hacer un muelle; solo quedaban dron y barco.
Los jóvenes cineastas lograron sacar la secuencia con lo que tenían disponible, pero el director no quedó satisfecho con el resultado, pues creía que la imagen era muy poderosa, pero el trazo no era lo mejor. “Sabíamos de la importancia de la secuencia, pues representaba el proceso interno con el que lucha el personaje principal”.
Composición fractal
‘La paloma y el lobo” 28
La corrección de color estuvo a cargo de Ernie Schaeffer. “ Yo lo conocí cuando grabamos ‘Los reyes del pueblo que no existe’ (2015) y me gustó mucho su forma de trabajar. En cuanto pude, lo sumé a este proyecto. Ernie es grandioso porque le gusta proponer, entiende la imagen y es muy sensible; conoce sus herramientas y está en constante capacitación”. Ernie Schaeffer trabajó el proyecto desde su empresa Manosanta Studios.
Grandes Aprendizajes ‘La paloma y el lobo’
Le comenté que lo mejor era la grúa porque la idea era ir de muy lejos a muy cerca. Hicimos varias pruebas con drone, pero no funcionaba muy bien por la distancia para cuidar las hélices. Al final nos quedamos con el barco”. Para realizar esta escena necesitaron dos días. Uno de puro ensayo y otro para filmar. En el barco podían ir pocas personas, por lo que se utilizó otro barco en paralelo para bajar la grúa y acomodarla. En general el crew de la película estaba conformado por pocas personas y el gaffer encargado del proyecto fue Ventura Hernández”.
“Para todos los que están luchando por desarrollar su primer proyecto, una de las enseñanzas que puedo compartirles, es el aprendizaje de las posibilidades de la imagen. Como consejo les recomiendo arriesgarse, claro, con disciplina y hacer pruebas. Arriesgarse en las búsquedas y encontrar su propia voz” - dice Diego. “La paloma y el lobo” fue premiada con el Swatch Art Peace Hotel Award en la 72° edición del Festival de Cine Locarno en Suiza y el premio de México Primero en el Festival Internacional de cine de Los Cabos. Esperamos que los premios continúen y que pronto podamos verla en salas de cine.
Paloma Petra 29
PROYECCIONES AMC Por Fernanda Mejía
Desde sus inicios, la AMC ha buscado reunir a
profesionales de la cinefotografía para impulsar el intercambio de ideas y experiencias entre sus miembros con el fin de fomentar la calidad del cine en México. Éste diálogo se extiende al público a través de las Proyecciones AMC, que consisten en funciones gratuitas que muestran el trabajo de los socios AMC y promueven una conversación entre los fotógrafos y los asistentes sobre la cinefotografía.
Proyección ‘Sonora’
Desde noviembre del año pasado las Proyecciones AMC se realizan mensualmente en colaboración con Le Cinéma IFAL, ubicado en Río Nazas 43 en la Colonia Cuauhtémoc de la Ciudad de México.
Al término de la proyección, Saldívar habló sobre su deseo de mantenerse honesto a los colores del desierto, destacando a National Geographic como su principal referencia. Es por esto que el fotógrafo puso gran cuidado en la elección de la óptica y cámara, ya que sabía que ambas eran fundamentales para capturar los colores que enmarca Sonora.
‘Sonora’, dirigida por Alejandro Springall y fotografiada por Serguei Saldívar AMC, fue la primera película AMC en proyectarse en la colorida sala del IFAL. La función contó con la presencia del director y el cinefotógrafo. Giovanna Zacarías, actriz de la cinta, también estuvo presente.
Saldívar optó por usar una Alexa Mini y lentes Master Anamorphic que le permitieron encuadrar a varios personajes sin distorsión a los lados de la imagen. El fotógrafo, además, habló sobre los retos de producción a los que se enfrentó con este proyecto: las extremas condiciones climáticas, los retos físicos de filmar en el desierto y las pocas horas de rodaje con las que contaron.
La historia aborda la travesía de un grupo de personas que viajan de Nogales a Mexicali a principios del siglo XX; un momento de tensión y racismo entre el gobierno de Sonora y los inmigrantes chinos que habitaban en el estado.
Serguei Saldívar AMC y Alejandro Springall 30
Los asistentes destacaron y aplaudieron el trabajo del fotógrafo al verse sumergidos en la misma travesía que los personajes retratados por Saldívar AMC. Por otro lado, Alejandro Springall, habló sobre cómo la idea de realizar esta película llegó a él a través de Guillermo Munro escritor de “El camino del diablo” que describe los bellos y extremos paisajes del norte del país. ‘Polvo’, dirigida por José María Yazpik y fotografiada por Tonatiuh Martínez AMC, se presentó el 12 de diciembre en Le Cinéma y fue la última Proyección AMC del 2019.
Tonatiuh Martínez AMC
En el público se encontraban varios estudiantes de cine que le pidieron al fotógrafo profundizar sobre el tema. En respuesta, Martínez explicó su forma de ver la luz a través de cinco cualidades primordiales: cantidad, calidad, dirección, color y movimiento.
Es la ópera prima del actor mexicano que aborda pasajes y reflexiones sobre su vida en San Ignacio, el pequeño pueblo en Baja California Sur donde creció. ‘Chato’, interpretado por Yazpik, es un hombre que deja su pueblo para convertirse en actor, pero que, por azares del destino, debe regresar para recuperar el cargamento de cocaína que cayó de una avioneta antes de estrellarse. Tonatiuh Martínez AMC supo dibujar la mirada nostálgica del director a través de planos con “múltiples lecturas: explícitas e implícitas, que a la vez reflejan emociones y sensaciones”. El fotógrafo hablo sobre la importancia de pensar en la luz como un elemento tridimensional que permite esculpir rostros, objetos y paisajes.
‘Polvo’, destaca por la paleta de colores que construyen San Ignacio y sus personajes. Al respecto, Martínez habló sobre la importancia de participar en el proceso de colorización como parte del trabajo de un cinefotógrafo. Finalmente, los asistentes resaltaron las atmósferas que logra el maestro Tonatiuh Martínez AMC en todos sus trabajos, siendo ‘Sueño en otro idioma’ (2017) uno de los más comentados entre el público.
Tonatiuh Martínez AMC 31
‘Una Great Movie’, dirigida por Jennifer Sharp y fotografiada por Carlos R. Diazmuñoz miembro y presidente de la AMC, fue la encargada de dar inicio a las Proyecciones AMC en el 2020.
el sensor y rango dinámico de la cámara que le permitieron trabajar con el contraste entre la arena blanca y la tez obscura de los protagonistas. A la plática se sumaron los actores mexicanos Natasha Esca y José Casasus que participan en la película. Ambos, al igual que el fotógrafo, destacaron el trabajo en equipo y lo inspirador que fue trabajar con Sharp.
La cinta destaca al ser una producción estadounidense independiente que se desarrolla en Los Ángeles y en Holbox, Quintana Roo. Tiene como protagonista a Zoe, una guionista que escribe una película sobre una mujer afroamericana que viaja a México e interactúa con personas de la isla. En su búsqueda para hacer esta película no tradicional, Zoe sigue los consejos de los ejecutivos de Hollywood; y así, lentamente su bella película sobre diversidad se convierte en una comedia romántica con un elenco conformado en su totalidad por actores blancos.
Este año, la AMC tiene planeado organizar mensualmente una Proyección AMC en colaboración con Le Cinéma IFAL, en donde se llevan a cabo las funciones. El próximo 5 de febrero a las 19 hrs se presentará ‘Esto No es Berlín’ en presencia del cinefotógrafo Alfredo Altamirano AMC. ¡Los invitamos a asistir!
Al término de la función, la directora contó que desde que pisó Holbox, hace más de 20 años, supo que quería hacer una película en la isla. Sharp contactó a Diazmuñoz AMC para concretar su sueño y ambos lograron una emotiva pieza que mezcla realidad y ficción. El fotógrafo habló de los desafíos de trabajar en una película independiente y con ‘no actores’ conformados por habitantes de la isla. Para abordar este reto, decidió utilizar dos cámaras RED para cubrir distintos ángulos de una misma escena, que muchas veces resultaba irrepetible dada la cualidad documental de la cinta. Destacó
Proyección de ‘Una Great Movie’
Jennifer Sharp y Carlos R. Diazmuñoz AMC 32
EDUARDO VERTTY AMC 11 PREGUNTAS A UN DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA
1.- ¿Escuela de cine o por la libre?
3.- ¿Quién es tu director de fotografía favorito?
Escuela de cine, o talleres especializados y certificados. También soy de la idea que dentro de tu formación como director de fotografía o cualquier otra rama de la industria, debieras trabajar en los diferentes departamentos, tanto de la producción como de las áreas técnicas, para tomar consciencia y respeto al puesto de cada compañero de trabajo.
Siempre ha sido Gabriel Figueroa AMC. Nunca me canso de ver sus encuadres, sus composiciones, sus fotos, su blanco y negro; todo tiene poder y sentido, comunica visualmente el sentimiento de la historia. Con su trabajo, técnica y percepción le dio identidad estética y visual a México. Otros cinefotógrafos que admiro por su fotografía, contribución estética y técnica son: Vittorio Storaro AIC ASC, Emmanuel Lubezki AMC, ASC, Rodrigo Prieto AMC, ASC, Gabriel Beristain BSC, AMC, ASC, Nestor Almendros ASC y Roger Deakins BSC, ASC.
2.-¿Qué película marcó tu vida? Va a sonar un poco ridículo pero fue la primera película de ‘King Kong’ de los directores Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsak, 1933. La vi cuando tenía 8 o 10 años de edad y me cautivó la capacidad de haber generado en una historia, un personaje de gran tamaño que interactuaba con los seres humanos. Esa situación me hizo investigar el uso de técnicas y tecnologías cinematográficas. El modelo de Kong fue hecho con una especie de esqueleto de acero, relleno con algodón y cubierto con latex para que pudiera moverse de manera natural. Este modelo fue recubierto después con pieles de oso. La retroproyección fue una técnica de composición fotográfica usada para que Kong pudiera aparecer en escena junto con la estrella principal. Para este mismo fin, se recrearon modelos en miniatura de los personajes animales que fueron animados con stop motion.
4.- ¿Celuloide o digital? Siempre celuloide, pero con digital se logran cosas extraordinarias. El digital te permite experimentar en mayor rango en mucho menos tiempo y menor uso de recursos. El celuloide te plantea mesura, técnica, rigor, disciplina y alquimia, esa es la parte bella. El celuloide se sigue haciendo y en cierta medida sigue siendo un proceso artesanal y de uno mismo como director de fotografía; el mundo digital es un trabajo colaborativo. 5.- ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado? Palabras textuales de mis maestros italianos Virgilio Tosi y Fernando Armati del Centro 34
Sperimentale di Cinematografia: “Tienes muchas ganas de filmar, pues ve y filma lo que quieras; pero qué quieres filmar si no has visto primero a los que ya han filmado.Tienes que ver mucho cine para que formes tus criterios y desde muy dentro de ti puedas crear algo tuyo. Nunca copies, crea”
las cosas, un estupendo diseño de producción, un impresionante vestuario y una manufactura artesanal complementada con muy buenos efectos visuales (VFX), sería la película de origen chino ‘Hero’ (2002) dirigida por Zhang Yimou. Como dato, ésta película fue la más cara del cine producido en China en ese momento.
6.- ¿Qué le recomendarías a alguien que quiere ser director(a) de fotografía?
10.- ¿Qué significa la dirección de fotografía para ti?
Que siempre, todo el tiempo, a cada momento, en diferentes situaciones sea observador de la luz, los ambientes que generan el color que se manifiesta y, en su caso, los sentimientos que provoca cada entorno de luz que se da. Hay que ver mucha pintura porque cada autor pintó según su lugar geográfico y condició social, ésos dos factores determinaban sus sensibilidades, sus percepciones y la interpretación que le daban a la luz, plasmándola en la pintura para reproducir atmósferas y sentimientos.
Desde mi niñez he estado envuelto en la fotografía y la técnica para hacerla. La fotografía es un medio que tienes a tu favor para provocar, mover y explotar emociones, desde algo visceral hasta lo más contemplativo; tienes a tu disposición diversas herramientas y medios para hacerlo. Lo más importante para mi es poder crear de la nada la interpretación e ideas de un director, somos los ojos de alguien que imaginó algo y le puso un diálogo, un texto. El factor más importante de hacer fotografía es crear, nunca copiar; la sensibilidad y la percepción son los sentidos que debes educar. El sentido de las cosas en este mundo lo rige en su totalidad la luz o la ausencia de ésta. Los cinefotógrafos hemos aprendido de esto y tenemos la virtud de poder manipular la luz y aplicarla de la mejor manera a la historia que se quiere contar.
7.- ¿Cuál es el proyecto en el que más has aprendido y por qué?
Todos los proyectos que filmo me dejan enseñanza. En cada proyecto conozco gente nueva y, si tengo el tiempo, me gusta cuestionarlos acerca de por qué eligieron el cine como su modo de vida. Cada proyecto tiene retos y el mayor de ellos es nunca repetirse a sí mismo en cada filmación que se 11.-Recomiéndanos una App hace; cada proyecto debe ser único y original. Sun Seeker, Helios, pCAM y Donna Pro 8.- Recomiéndanos un libro de cine Mi formación como cinefotógrafo desde el comienzo ha sido méramente técnica, involucrado siempre en el uso de la tecnología y técnicas cinematográficas. El cine como medio de registro empezó siendo como una herramienta de uso para investigación científica en 1872 por el fotógrafo Eadweard Muybridge. Un buen libro para leer y llenarse de cine como método de investigación sería “Manual de cine científico” del Italiano Virgilio Tosi. 9.- Y una película... Son muchas películas las que pudiera recomendar; personalmente si se trata de ver un cine diferente pero lleno de color, geometría, multiplicidad de
Eduardo Vertty AMC 35
‘Cinema Paradiso’
‘Cinema Paradiso’ Fotograma
LA INCENDIARIA HISTORIA DEL CELULOIDE Por Ximena Ortúzar Fotos de internet
La escena cumbre del filme ‘Cinema Paradiso’
Tras múltiples experimentos el nitrato de celulosa fue considerdo menos peligroso y algo más estable, lo cual no se confirmó en la realidad. Sin embargo, siguió siendo utilizado no sólo como base para el celuloide sino para diversos fines y fue en el rubro armamentístico y militar donde tuvo mayor aplicación por ser un elemento útil para la creación de diversos tipos de explosivos. Un ejemplo concreto de lo anterior es que en el filme ‘Malditos bastardos’ (2009, dirigida por Quentin Tarantino), la película de nitrato juega un papel protagónico: dada su característica de arder más rápido que el papel propicia el épico desenlace en contra del ejército nazi.
(Italia, 1988, dirigida por Giuseppe Tornatore), es el incendio de la cabina de proyección del cine de Giancaldo -un pueblo de Sicilia-, manejada por Alfredo, quien salva la vida pero queda ciego.
El incendio es producido por la película de nitrato, considerado uno de los productos más flamables, utlizado en los inicios de la fotografía y posteriormente en el cine. Una de sus características es que, una vez producido el incendio, éste es muy difícil de apagar ya que el nitrato no necesita oxígeno para mantener la llama, y mojar el producto con agua da como resultado que el fuego se haga más Además de los peligros inherentes a la utilización intenso. de una película química tan inestable, la Health and Safety Executive –organización inglesa que EL ORIGEN vela por la salud y el bienestar laboral- emitió un comunicado que incluye una serie de indicaciones El nitrato de celulosa es un producto que procede para quienes aún conserven algunas de estas de la unión del ácido nítrico con el algodón, que películas en su poder ya que podrían sufrir en su estado sólido tiene una apariencia similar daños en su salud debido a que, si el producto a este último ingrediente. Catalogado como está expuesto a humedad puede descomponerse, peligroso, se recomendó alta vigilancia para el uso y si es expuesto a mucho calor puede entrar en del nitrato e incluso se establecieron restricciones combustión. para su traslado. 37
LO POSITIVO DEL CELULOIDE En defensa del nitrato de celulosa o celuloide, Antonio Bereijo Martínez y Juan José Fuentes Romero en ‘Los soportes fílmicos, magnéticos y ópticos desde la perspectiva de la conservación de materiales’ (2001), declararon: “Con la invención del celuloide o nitrato de celulosa comienza la historia del soporte material cinematográfico.” En los comienzos, hacer varias fotos requería cambiar de negativos entre una y otra. Comenzaron entonces investigaciones y experimentos destinados a obtener una película química capaz de enrollarse sobre sí misma, lo cual dio como resultado la creación de los carretes y los rollos de película, mismos que permitieron eliminar las placas de vidrio como soportes. Pero fue solamente en 1889 cuando los rollos y carretes comenzaron a comercializarse por parte de Eastman Kodak que popularizó el invento basado en nitrato de celulosa.
incendios, entre ellos uno ocurrido en 1937 en un recinto que servía de bodega de la 20th Century Fox, han causado, junto a la desintegración, la pérdida irreparable de miles de películas y documentos creados en dichos años. Pese a la evidencia de que el empleo de productos químicos en la fotografía es peligroso, aún en nuestros días hay quienes lo defienden, argumentando que la fotografía química posee características que constituyen ventajas, por ejemplo para asegurar la calidad del negativo de 35 milímetros, lo cual es real. Lo anterior, sin embargo, no invalida el hecho de que la era digital ha hecho posible la fabricación de productos mucho más fáciles de conservar y, lo que es más importante, de forma mucho más segura.
Pese los riesgos, cineastas y fotógrafos utilizaron el producto en 1951, año en que se anunció el fin de su comercialización, pero tardó un tiempo para que oficialmente se sustituyera por el acetato de celulosa. Dicha sustitución hizo difícil la conservación de muchas obras creadas entre 1889 y 1950. Varios
‘Malditos bastardos’ Fotograma 38
Martín Boege AMC, Dariela Ludlow AMC y Jaime Reynoso AMC
10 AÑOS DE LA REVISTA 23.98fps
LA INCENDIARIA HISTORIA DEL CELULOIDE Por Fernanda Mejía Fotos de Edgar Durán
El encuentro permitió que socios honorarios, como Miguel Garzón AMC y socios activos como Dariela Ludlow AMC, Guillermo Granillo AMC, AEC, Serguei Saldívar AMC, David Torres AMC, Iván Hernández AMC, Juan Pablo Ramírez AMC, Marc Bellver AMC, Javier Morón AMC, Jerónimo Rodríguez-García AMC, Esteban de Llaca AMC, Martín Boege AMC, Jaime Reynoso AMC, Alberto Lee AMC, Tonatiuh Martínez AMC, Alberto Anaya AMC, Emiliano Villanueva AMC conversaron sobre su trabajo y futuros proyectos.
El pasado 14 de diciembre se llevó a cabo la fiesta del décimo aniversario de la revista digital de la AMC: 23.98 fps. A lo largo de esta década, la revista ha sido un medio para difundir el trabajo de los socios AMC y una publicación clave de la cinematografía en México.
En la Sala Silvestre Revueltas de los Estudios Churubusco, lugar icónico dentro del cine nacional e internacional, socios AMC y miembros del gremio cinematográfico se reunieron para celebrar diez años de trabajo, imágenes y cine. Carlos R. Diazmuñoz AMC, presidente activo de la AMC, Juan José Saravia AMC, socio responsable del comité de Honor y Justicia de la Sociedad, Agustín Calderón AMC y Alberto Casillas AMC, se dieron cita en la celebración.
Cabe destacar que esta celebración no hubiera sido posible sin la participación de nuestros patrocinadores: Zeiss, CTT, EFD, Revolution D&C 435, Estudios Churubusco, Renta Imagen, Simplemente, Chemistry, Cinematic, Cerveza Belga 28, Media, Simplemente y Labo quienes constantemente colaboran con socios AMC para dar vida a grandes proyectos cinematográficos. La fiesta terminó fortaleciendo la hermandad la AMC y el gremio cinematográfico, solidificando amistades y planteando futuras colaboraciones que darán vida a los próximos números de la revista 23.98 fps. Queremos agradecer a todos los asistentes, patrocinadores y asiduos a la revista, por permitirnos explorar juntos el arte de la cinematografía.
Esteban De Llaca AMC, Ignacio Sánchez, Rocío Ríos, Fernando Hernández
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Juan Pablo Ramírez AMC, Juan J. Saravia
Alberto Anaya
AMC
y Emiliano Villanueva AMC
, Guillermo Granillo AMC, AEC
AMC
Josué Álvarez y Carlos R. Diazmuñoz
y Marc Bellver
Sergeui Saldívar
Jerónimo Rodríguez-García
AMC
AMC
AMC
e Iván Hernández AMC
Paula Prieto y Alberto Lee
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AMC
AMC
Nuestra pasión y experiencia con el film comprende 40 años trabajando para la industria cinematográfica nacional e internacional, siendo hoy en día uno de los únicos laboratorios privados en funciones en latinoamérica. En Labo brindamos los servicios de: dailies fílmicos, restauración, digitalización, data to film y preservación y hoy sumamos uno más.
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BARRY LYNDON OPINIÓN DE ALBERTO LEE AMC Por Alberto Lee AMC
Fotogramas John Alcott ASC BSC Warner Bros
La cinta es una recreación pasmosa del siglo XVIII europeo, inspirada visualmente en las pinturas de los ingleses William Hogarth, John Constable y Thomas Gainsborough.
‘BARRY LYNDON’ Dirección y Guion: Stanley Kubrick Dirección de fotografía: John Alcott BSC Año 1975
De hecho, ‘Barry Lyndon’ es un parte aguas cinematográfico en cuanto a la representación de épocas pasadas en la pantalla de cine y un referente obligado para cada cinta posterior que se ha propuesto recrear el pasado antes de la invención de la luz eléctrica.
Después de una extensa labor de investigación,
Stanley Kubrick tuvo que desechar el proyecto de filmar la vida de Napoleón, ya que antes se hizo una película sobre Waterloo que, por cierto, fue un estrepitoso fracaso. Kubrick aprovechó la gran cantidad de archivos que tenía para adaptar la novela de William Makepeace Thackeray “Memorias y aventuras de Barry Lyndon”, sobre el rápido ascenso y la dramática caída de un joven irlandés en las altas esferas de la aristocracia inglesa.
Para lograr reproducir fielmente la iluminación de velas tal como se hacía en el siglo XVIII, Kubrick y su director de fotografía John Alcott BSC, recurrieron a objetivos fotográficos Carl Zeiss Planar 50mm f0.7 capaces de captar niveles realmente bajos de luz. Además, forzaron la película Kodak 5254 ASA 100 a un ASA 200, es decir una iluminación en torno a los 3 footcandels de intensidad, de forma que lograron una imagen únicamente iluminada por la luz de las velas.
El relato es la reflexión entorno a un mundo aparentemente perfecto apegado a formas sociales refinadas y superfluas, que en el fondo es una máscara de la despiadada y destructiva naturaleza salvaje que subyace en el ser humano, uno de los temas más recurrentes en la filmografía de Kubrick.
Cabe mencionar que dichos objetivos Zeiss 50mm f0.7 eran en realidad lentes empleados por la NASA para la fotografía en el espacio, sin embargo Stanley Kubrick y su equipo, los adap43
taron para ser instalados en una cámara Mitchell BNC, dada su configuración que no se podía emplear en cámaras más modernas; además de modificar una lente 50mm para que tuviera una focal de 35mm. Para los interiores de día, la luz siempre proviene de las ventanas o puertas, de forma que no hay rastros de ningún apoyo de luz extra, una práctica que se ha vuelto casi obligada para este estilo de luz.
‘Barry Lyndon’
Se puede decir que la tendencia a una iluminación totalmente natural tiene en esta cinta, uno de sus mejores y primeros exponentes. Sin duda una de las grandes obras de la cinefotografía de todos los tiempos.
‘Barry Lyndon’
‘Barry Lyndon’
‘Barry Lyndon’
‘Orgy’ de William Hogarth 44
SUGERENCIAS DE LECTURA AMC Para comenzar las lecturas de febrero y marzo, tenemos estas sugerencias para ti:
Cinco claves de la cinematografía. Técnicas para la realización fílmica Autor: Joseph V. Mascelli
La forma del cine Autor: Sergei Eisenstein Reúne doce ensayos escritos entre 1928 y 1945 que muestran puntos clave tanto del desarrollo de la teoría fílmica del renombrado director soviético como, en particular, de su análisis del medio del cine sonoro. Incluye algunas reflexiones sobre el teatro Kabuki y una declaración colectiva (con Pudovkin y Alexandrov) sobre la relación adecuada entre el en ese entonces naciente cine sonoro y el montaje.
Un libro sobre la técnica para la realización fílmica más ampliamente respetados que se hayan publicado. Con la ayuda de cientos de fotografías y diagramas, clara y concisamente presenta los conceptos y procesos esenciales del trabajo de cámara en el cine y sus áreas aliadas en la creación de películas, con las que interactúa y a las que impacta. Partiendo de las cinco áreas temáticas centrales (las cinco claves: ángulos de cámara, continuidad, edición, close ups, composición), Mascelli ofrece a los cineastas un curso detallado y práctico sobre el pensamiento visual. Librería Gandhi Precio: $252.00 Editorial: UNAM
Librería El Sótano Precio: $165.00 Editorial: Siglo veintiuno editores
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AGENDA AMC Febrero - marzo 2020 El 2020 promete ser un año cargado de cine y luz. Aquí algunos de los eventos de este bimestre.
92ª Entrega del Oscar Febrero 9
Proyecciones AMC ‘Esto no es Berlín’ con Alfredo Altamirano AMC Febrero 5, Le Cinéma IFAL
Este año nuestro querido Rodrigo Prieto AMC, ASC, vuelve a ser nominado por su impecable trabajo en ‘The Irishman’. Le deseamos todo el éxito. Otra mexicana nominada es Mayes Rubeo por el vestuario de ‘Jojo Rabbit’ a quien también le deseamos el triunfo.
Continúan las Proyecciones AMC y este 5 de febrero a las 19 horas en Le Cinéma IFAL se presentará la película ‘Esto no es Berlín’ fotografiada por Alfredo Altamirano quien conversará con el público asistente al finalizar la proyección. Los esperamos.
https://www.oscars.org
https://www.eventbrite.es/e/entradas-la-amcpresenta-esto-no-es-berlin-charla-entrada-libre91361912941?aff=ebdssbdestsearch
10º Festival Internacional de Cine UNAM - FICUNAM Marzo 5 al 15
Festival Internacional de Cine de Berlín 2020 Febrero 20 al 1 de marzo
Dentro del programa de esta edición se presentarán, entre otros, los trabajos de estudiantes avanzados de escuelas de cine de Iberoamérica, ‘Ahora México’ espacio de estreno de cine independiente y la Competencia Internacional que reúne a renombrados autores con talento emergente de todo el mundo. https://ficunam.unam.mx/en/
70ª edición del “Festival Internacional de Cine de Berlín” (Berlinale), que se celebra en la ciudad de Berlín del 6 al 16 de febrero de 2020. Listos para entregar los prestigiosos Osos de oro. https://www.berlinale.de/en/home.html
60º Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias Marzo 11 al 16
Festival Internacional de Cine en Guadalajara Marzo 20 al 27
Desde 1960 este festival continúa atrayendo lo mejor del cine mundial. http://ficcifestival.com
El festival que se ha convertido en uno de los más importantes a nivel internacional vuelve este año con títulos muy sonados. Este año el invitado de honor es Chile. https://www.ficg.mx/34/index.php/es/ 48
REDES SOCIALES Te invitamos a conocer algunos intregantes de la AMC a través de sus redes sociales. Isi Sarfati
http://www.dpisi.com instagram: @isisarfati imdb: https://www.imdb.com/name/ nm2760828/
Sara Purgatorio
instagram: @sara.purgatorio imdb:https://www.imdb.com/name/ nm3724280/
Carlos F. Rossini
instagram: @cfrossini imdb: https://www.imdb.com/name/nm1920796/
Mario Gallegos
https://mariogallegosamc.com instagram: @elgallodp imdb :https://www.imdb.com/name/ nm2081130/
Jerónimo Rodríguez-García
https://vimeo.com/jeronimorodriguezg instagram: @jero_rod imdb: https://www.imdb.com/name/ nm2128118/?ref_=fn_al_nm_1
Rodrigo Mariña
http://rodrigomarina.com instagram: @rodrigomarinadp imdb:https://www.imdb.com/name/ nm1457128/
49
CONSEJO DIRECTIVO CARLOS R. DIAZMUÑOZ PRESIDENTE ALFREDO ALTAMIRANO 1ER VICEPRESIDENTE
CARLOS HIDALGO VOCAL
ARTURO FLORES SECRETARIO
DAVID TORRES 2DO VICEPRESIDENTE
ERIKA LICEA TESORERA ESTEBAN DE LLACA VOCAL
ISI SARFATI VOCAL COMITÉ DE HONOR Y JUSTICIA
JUAN JOSÉ SARAVIA
AGUSTÍN CALDERÓN
ALBERTO CASILLAS
SOCIOS HONORARIOS HENNER HOFMANN EMMANUEL LUBEZKI MIGUEL GARZÓN
TOMOMI KAMATA XAVIER PÉREZ GROBET MARIO LUNA
GABRIEL BERISTAIN RODRIGO PRIETO GUILLERMO GRANILLO
SOCIOS NICOLÁS AGUILAR JUAN PABLO AMBRIS ALBERTO ANAYA PEDRO ÁVILA JOSÉ ÁVILA DEL PINO GERARDO BARROSO MARC BELLVER DANIEL BLANCO MARTÍN BOEGE CELIANA CÁRDENAS LUIS ENRIQUE CARRIÓN CAROLINA COSTA LEÓN CHIPROUT GERÓNIMO DENTI
GABRIEL FIGUEROA JACK LACH ALEX PHILLIPS BOLAÑOS
EDUARDO FLORES RICARDO GARFIAS FREDY GARZA GUILLERMO GARZA RENÉ GASTÓN IVÁN HERNÁNDEZ SEBASTIÁN HIRIART PAULA HUIDOBRO DANIEL JACOBS ERWIN JAQUEZ KENJI KATORI JUAN CARLOS LAZO ALBERTO LEE
MATEO LONDONO DARIELA LUDLOW GERARDO MADRAZO RODRIGO MARIÑA TONATIUH MARTÍNEZ ALEJANDRO MEJÍA HILDA MERCADO JAVIER MORÓN JUAN PABLO OJEDA MIGUEL ORTIZ IGNACIO PRIETO SARA PURGATORIO JUAN PABLO RAMÍREZ FERNANDO REYES
SOCIOS AETERNUM JORGE STAHL EDUARDO MARTÍNEZ SOLARES RUBÉN GÁMEZ ÁNGEL GODED
50
JAIME REYNOSO JERÓNIMO RODRÍGUEZ CARLOS F. ROSSINI SERGUEI SALDÍVAR LUIS SANSANS MARÍA SECCO JORGE SENYAL EUARDO SERVELLO PEDRO TORRES RICARDO TUMA EDUARDO VERTTY EMILIANO VILLANUEVA ALEXIS ZABÉ JAVIER ZARCO
SANTIAGO NAVARRETE CARLOS DIAZMUÑOZ GÓMEZ TAKASHI KATORI
Directorio EDITORA Solveig Dahm
EQUIPO TÉCNICO Y COLABORADORES Solveig Dahm Carlos R. Diazmuñoz AMC Alfredo Altamirano AMC Alberto Lee AMC Ximena Ortúzar Kenia Carreón Milton R. Barrera Fernanda Mejía
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