Nº16 The Way Out Magazine

THE

WAY OUT

N Ú M E RO 1 6 - M AYO 2 0 1 4 - W W W. T H E WAYO UT M A GA Z I N E . C O M

MAG

QUÉ HACER SI TE ENCUENTRAS CON MOLIÈRE | EL PRIMER HOMBRE CON LABIOS PINTADOS DE ROJO | ACOSTARSE CON WOODY ALLEN | ALBARN TIENE UNA SONG 3 | GALÁCTICOS EN TÁRREGA | MIYAZAKI HACE LLORAR (MÁS) | IMAGINE...

sumario

NÚMERO 16 - MAYO 2014

4

EL SONG 3 DE ALBARN

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DEL ARCO VERSIONA A MOLIÈRE, Y GANA

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MIYAZAKI CIERRA GHIBLI

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EL HOMBRE QUE LLEVABA SOMBRA DE OJOS

réflex_on | sala cinco | lookture Director: Fernando Santise Redactores: Alejandra Garcés, Montserrat de la Iglesia, Alberto López, Juan Pablo Merchán Colaboradores: Estíbaliz Burgaleta, Roberto Egea, Aashta Martínez, Doc Pastor, Antonio Sánchez-Marrón Diseño: Alejandra Garcés, Fernando Santise Corrección: Alejandra Garcés Foto de Portada: Fernando Santise Contacto: contacto@thewayoutmagazine.com Dirección: calle del Gobernador nº6, 28014, Madrid Esta revista se reserva todos los derechos sobre la utilización del contenido de creación propia sin autorización previa. Las opiniones vertidas por sus participantes son responsabilidad de cada uno de ellos.

Fe

de errores: en el número anterior, en el

Frances Ha, Frances Halflady

artículo referido al largometraje bautizamos erróneamente a como

Frances Ha,

por lo que la película y el

nombre de la protagonista no son homónimos.

www.thewayoutmagazine.com

ISSN 2341-2682

cocheras

ALBARN

NO E

El líder de Blur lanza el primer álbum bajo su nombre tras una larga y variada trayectoria fuera de su formación. El trabajo más personal e íntimo de Albarn no está a la altura de una carrera musical frenética.

POR JUAN PABLO MERCHÁN

E

veryday Robots es el primer largo que lanza Damon Albarn bajo su propio nombre -sin contar sus composiciones para óperas- a pesar de que el último álbum de Blur, Think Tank, se editara hace más de 10 años y de que no haya parado de hacer música. Un dato que habla mejor que ningún otro hecho del carácter musical del británico.

Se trata de uno de los trabajos más esperados del 2014, y sólo porque se trata de quien se trata. En Everyday Robots Albarn canta sobre sí mismo más que nunca, con citas explicitas sobre sus tiempos en Blur, sus relaciones, el consumo de heroína o sus experiencias en África.

No tiene nada de malo la introspección en tono melancólico siempre que no resulte en algo demasiado empalagoso y aburrido, que es justo lo que ocurre en Everyday Robots. Su portada es, de hecho, la mejor descripción del último trabajo de Albarn.

Ojalá fuera una pizca de la contestaría ironía de la que hacía gala en Blur.

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N

ES UN

ROBOT THE WAY OUT MAGAZINE | 5

Musicalmente tiene cosas interesantes. La canción homónima es una de las más destacadas: fue el primer adelanto que abre la escucha con un sample de Lord Buckley.

Se construye sobre una base poco común y tiene también la letra más trabajada de todo el álbum. Albarn le canta a sus coetáneos, a los cuales ve como seres humanos robotizados (“We are everyday robots on our phones / In the process of getting home / Looking like standing stones / Out there on our own”). Es la canción arquetípica del disco. Su tono melancólico y estructura se

repiten de forma aburrida hasta que salta Mr.Tembo en el reproductor.

La única canción distraída de todo el disco, sus reminiscencias tropicales transportan al continente negro. Suena como la banda sonora de una película de Disney ambientada en África, tómese como piropo.

Sin embargo, recuerda más, salvando mucho las distancias, a Gorillaz que a Mali Music o Kinshasa One Two. Todo vuelve a la gris normalidad tras esta canción (ni siquiera la colaboración de Bat

For Lashes en The Selfish Giant rompe con la monotonía) y hasta el último corte, High Seas of Love. Brian Eno (que también colabora en You & Me) abre esta canción con una estrofa que hace que la canción sea apropiada para una despedida. El estribillo, ya cantado por Albarn, es el más potente de todo el álbum gracias al apoyo del coro.

Que no sea este, sin embargo, un artículo que menosprecie la figura de Damon Albarn, Se trata de una de las figuras musicales más importantes de las últimas dos décadas, aunque

las cinco canciones que marcaron su carrera

Girls & Boys

de

Blur

(1993) Su primer Top 5 en Reino Unido. Blur y Oasis empezaban hacer del britpop una máquina de generar dinero.

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Tender

de

Blur (1999) Un

estribillo trágico. El britpop comenzaba a morir de éxito y sobredosis.

Stylo

de

G

La banda de d ya era un fen Bruce Willis pr eoclip más ca de EMI.

sólo sea por el éxito de Blur en la década de los noventa.

Albarn publica Everyday Robots tras llevar un inusual proyecto musical, Gorillaz, hasta la cima del éxito comercial. Lo que comenzó siendo un juego con el ilustrador y diseñador Jamie Hawlett, terminó en el videoclip más caro de la historia de EMI, un número 2 en las listas de Estados Unidos, cabeza de cartel en Glastonbury y con colaboraciones de estrellas como Lou Reed, Snoop Dogg o los The Clash Mick Jones y Paul Simonon.

Gorillaz (2010)

dibujos animados nómeno mundial. rotagoniza el vidaro en la historia

Pero desde que el guitarrista Graham Coxon abandonara Blur, no todo ha sido Gorillaz para este músico de jornada completa, que va al estudio cada día de 9.00 a 18.00 como el que va a la oficina.

Noel Gallagher -su archienemigo en los años noventa- y con Coxon para reformar Blur y acabar realizando una gira mundial con conciertos multitudinarios en Glastonbury y Londres.

A Albarn le ha dado tiempo a formar dos ‘supergrupos’ como The Good, The Bad and The Queen -que dejó una joya en Kingdom of Doom- y Rocket Juice and The Moon, escribir óperas -Dr. Dee y Monkey: Journey to the West-, hacer música en África -Mali Music, Kinshasha One Two y Maison Des Jeunes-, reconciliarse con

Damon Albarn da, por tanto, para mucho más que este Everyday Robots. Tampoco debería preocuparse de las comparaciones, y es que sus compañeros del britpop, más de 20 años después, no han tenido demasiado éxito cuando han estampado su nombre en la carátula, salvo Noel Gallagher, y sólo por el momento.||

Clint Eastwood de Gorillaz (2001) Primer

sencillo de Gorillaz, fue un pelotazo desde el punto de vista comercial.

Song 2

de

Blur (1997) La

canción de Blur más conocida en el globo. Un clásico contemporáneo

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LA VERDAD DE LA NATURALEZA HUMANA

roto el telón

A

Kamikaze, una de las compañías más en alza de la escena teatral actual, pone en pie sobre las tablas del Teatro Español una versión libremente adaptada de Misántropo, el atemporal clásico de Molière. El director del espectáculo y cofundador de la compañía, Miguel del Arco, se enfrenta a este reto con seguridad. Porque puede.

POR ALBERTO LÓPEZ | FOTOS POR FERNANDO SANTISE

D

espués del tremendo éxito que han supuesto y, aún hoy, siguen suponiendo La función por hacer y Veraneantes, Miguel del Arco vuelve a las tablas con el tercer montaje de la compañía Kamikaze, fundada junto con el productor Aitor Tejada. Con la mejor de las sonrisas y una sincera predisposición, habló sobre la nueva función, el éxito y las posibilidades actuales y futuras de la disciplina teatral.

El personaje de Alcestes, protagonista encarnado por Israel Elejalde, y todos los que le rodean suponen un cruel espejo para el espectador.

La incesante búsqueda del ancla que justifique vivir en esta sociedad representa el leitmotiv de toda la obra.

“Me parte el alma el dolor de Alcestes”, asegura del Arco, “pero el descubrimiento de la verdad en el mundo actual pasa por el sufrimiento.”

El texto aborda la lucha Misántropo, el clásico de Mo- contra lo establecido de un lière del siglo XVII, ha sido el modo particular, desde una elegido para que Kamikaze perspectiva personal en vuelva a estar en el punto de constante liza con las reglas mira de la actualidad cultural. con las que se ha de convivir.

Una historia sobre la búsque- “Hemos adquirido como da de la verdad, las digresio- normas de convivencia cosas nes entre debilidad y razón y el que se sabe positivamente precio que se ha de pagar por que son mentira; es necesario vivir rodeado de semejantes. desbaratar eso, como quiere La obra podrá verse en el Tea- hacer Alcestes”, razona el tro Español de Madrid hasta el director. Estos argumentos 22 de junio. convierten a Misántropo en “una obra totalmente avanzada EL MOLIÈRE PRECONIZADOR a su época”.

La inevitable pregunta, aunque obvia, era el motivo de su DAR NUEVA VIDA A LOS CLÁSICOS elección por esta obra y su Pese a que la reescritura de autor. Por qué Molière. “Es los clásicos pueda parecer un maestro. Lleva enredado una osadía, para del Arco no en mi vida desde muy pronto hay que darle más importany fue cuando escribí mi cia: “Se lleva haciendo desde primer guión cinematográfico, siempre, es una práctica habibasado en esta obra, tual. El teatro tiene que tener cuando empecé a percibir su un enganche con la vida de capacidad de contar cosas cada uno”. Claro está, se pocontemporáneas”, cuenta el dría hacer una revisión de la director. función más clásica con “mi-

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“El descubrimiento de

la verdad en el mundo actual pasa por el sufrimiento”

VÍDEO DE LA ENTREVISTA COMPLETA

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“Si tienes una buena historia y unos buenos personajes,

cuéntala de la mejor manera posible”

VÍDEO DE LA ENTREVISTA COMPLETA 12 | THE WAY OUT MAGAZINE

riñaque y peluca”, aunque el director admite haber encontrado “un resquicio en el que hay un pretexto para traer Misántropo al siglo XXI y que la gente que se siente en la butaca no tenga que hacer la traslación y se reconozca inmediatamente”. Sin embargo, la reescritura es constante porque tiene lugar antes de que el telón se alce: “la función por hacer es permanente”, no sólo la que lleva el título sino todas.

Todos ello hace que cada día la obra se mantenga viva.

varla a cabo. Del Arco puntualiza: “Es un diálogo peligroso, me preocupa mucho la precariedad de la profesión”. La crisis ha afeado gravemente el panorama artístico, lo que para el director no significa un as en la manga del empresario porque no cree en el todo vale, más allá del compromiso de los creadores de seguir generando.

Las opciones de futuro parecen pocas pero una cosa tiene clara: “Todo pasa por tener algo de recorrido, no sólo en Situada en el callejón al que cuatro años de legislatura.” La se accede a través de una sali- creación, por otro lado, debe da de una discoteca, la acción estar bien entendida, no vale surge a través de apariciones con que haya una historia que de secundarios que explican al conmocione porque “la búsprotagonista. Es una apuesta queda de la originalidad abaarriesgada que se ve fortale- rata los argumentos: si tienes cida por los momentos en los una buena historia y unos bueque la luz baja, los movimien- nos personajes, cuéntala de la tos se ralentizan y las proyec- mejor manera posible”. ciones cobran protagonismo.

Misántropo representa un teaPASADO, PRESENTE Y FUTURO tro comprometido con el esLos recortes en las subven- pectador, con el arte, con el ciones culturales y la subida género humano. Supone una de impuestos han generado lucha interna entre la sinceun paisaje lóbrego para el tea- ridad y la pose que toca en lo tro. Por suerte, una pequeña más hondo de quien lo preobra llevada a cabo con ape- sencia. Si hay algún cliché que nas seis intérpretes y un ban- pudiera honorar al sentimiento co permitió a Kamikaze darse que provoca la obra, no es otro a conocer. La función por ha- que el de no dejar indiferente cer se convirtió en un referente a nadie. Todo el mundo desea para la gente que quiere hacer ser bondadoso y cree serlo, teatro aunque no disponga de sin embargo, la dificultad resilos medios suficiente para lle- de en conseguirlo.||

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IMAGINE...

Dentro de las distintas especialidades de la fotografía, hay imágenes para VER e imágenes para MIRAR. Puede que esta explicación pueda resultar obvia o insustancial, pero hay imágenes para “ver” que son muy bellas e incluso técnicamente perfectas, pero son un magnífico reflejo de algo real, que existe: un paisaje, una persona, un objeto, un edificio, una escena cotidiana...

Pero existe la fotografía para “mirar”. A estas pertenecen todas aquellas que, aun pudiéndose confundir con las anteriores, transmiten sensaciones distintas, y nos incitan a pensar, a reflexionar, a contemplar la fotografía durante más tiempo para poder entenderla, buscar su significado o algún mensaje implícito que nos pueda aportar.

Como una colección de fotografías para “mirar” nace “IMAGINE…”. Da igual pronunciarlo en castellano o en inglés, se trata simplemente de IMAGINAR, de intentar reflejar esas cosas que llego a imaginar por momentos: el paralelismo de dos objetos, su relación, su antagonismo, su evolución, de ver cómo un objeto puede cambiar su significado en una imagen, o simplemente el parecido con otros objetos habituales. Todo esto al natural, sin ningún tipo de retoque fotográfico, únicamente manipulando los objetos de forma manual.

Esto es, básicamente lo que pretendo con “IMAGINE…”, darnos cuenta de que con pocos materiales, se puede llegar a conseguir mucho mensaje en una simple fotografía.

Nada es en ocasiones ni tan poético ni tan simple. Sólo se trata de un profundo ejercicio de imaginación, de mucha maduración, de muchos cambios, de muchísimas horas y sobre todo de mucha satisfacción después de cada uno de los pasos que vas recorriendo.

ROBERTO EGEA

1.la gloria del triunfo

2.shoes parking

4.balsa habanera

3.la conversi贸n del saber

5.caj贸n precavido

6.instinto

7.ritmo del coraz贸n

8.pliegues acortados

una mirada atrás

STUDIO GHIBLI:

30 AÑOS DE HISTORIA El estreno de El viento se levanta es la ocasión idónea para recordar algunos títulos que dejaron huella en las vidas de cientos de miles de espectadores que buscaban la verdadera naturaleza del cine de animación. Hayao Miyazaki se despide con esta última película.

POR ANTONIO SÁNCHEZ-MARRÓN

C

ada película del Studio Ghibli, especialmente de su mente pensante y director desde su fundación en 1985 Hayao Miyazaki, es un canto al entorno, a la naturaleza, a todo lo que rodea al ser protagonista y con el que se relaciona de una forma tan realista como mágica. Nombrarlo es hablar de un estudio que ha creado algunas de las obras más preciosas de animación. Valores como la bondad, la amistad o el amor son sus temas recurrentes mientras busca la perfección.

Desde que en 1984 estrenara Nausicäa del valle del viento, este estudio japonés se ha mantenido en la vanguardia de la animación. Reír a carcajadas con El castillo en el cielo o Nicky, la aprendiz de bruja está más que permitido. Por no hablar de la vitalidad que transmiten los personajes de Mi vecino Totoro o, por qué no, la simpatía que desprende ese ser diferente en un mundo que no le corresponde y de la que se nutre Porco Rosso. Por no hablar de dos auténticos cantos a la vida, a la muerte y a la naturaleza como son la ya eternas La princesa Mononoke y El viaje de Chihiro.

El Studio Ghibli no se queda en la forma. Su valor estético y emocional radica en la utilización de los elementos circundantes a la trama,

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al guión, para extraer una memoria de cada secuencia que deje un poso al espectador. El colorido de sus imágenes, la viveza armónica de sus melodías, la riqueza psicológica de sus personajes. Todo ello son razones para atestiguar la presencia incontestable de un estudio de animación pionero y con una labor incansable durante tres décadas de cine que ahora tendrán que continuar los herederos de Hayao Miyazaki.

por el Gran Terremoto de Kantô, uno de los desastres más importantes de la historia del país nipón, marcando para siempre las vidas de sus habitantes.

Pero entre tanta tristeza, destrucción y desolación, Miyazaki encuentra tiempo para descubrir el amor, el engranaje de todas las películas Ghibli y auténtico motor para el funcionamiento humano. Los encuentros de Jiro con su amada serán los mejores momentos románticos Su última película, El viento se levanta, vuelve de este año de cine, dando igual cualquier proa poner en cartelera al Studio Ghibli y muchos puesta que venga a posteriori. Hay guerra, hay espectadores, sobre todo los más jóvenes, vivi- llanto, hay desconsuelo pero hay amor, emorán por primera vez el goce de unas imágenes ción y vida. Las sensaciones contrapuestas son que se tornan imperecederas al salir de la os- una de las llaves maestras del Studio Ghibli. No cura sala y comprender la grandeza de lo que hay más que recordar La tumba de las luciérnase ha visto durante dos horas de sobresaliente gas, la cual deslumbró con un amor profeso enejercicio cinematográfico. En una película que tre dos hermanos muy jóvenes que se enfrense aparta de lo que se ha venido viendo has- tan al horror absoluto, a la miseria. ta ahora en Ghibli, El viento se levanta es una autobiografía que se sucede en los albores de Estas líneas no deben servir más que para reila Segunda Guerra Mundial, mientras vemos a vindicar un cine que, desgraciadamente, sigue un joven cuyo único sueño es construir aviones estando oculto por las masivas campañas de que sirvan para cumplir el sueño milenario del marketing orquestadas desde los grandes estuhombre, volar. Lo que no llegará a imaginarse dios de Hollywood, donde la autenticidad de las es la destrucción que esas máquinas, que con historias ha pasado a mejor vida y todo se protanto mimo diseñó, provocarán años después. duce mecánicamente. El Studio Ghibli es cine Es una época en la que Japón queda arrasado en estado puro. Cine que emociona.||

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perfil de frente

DIVINO

HOMENAJE

Hablar de la mítica Divine es hacerlo, como bien decía en una entrevista su compañera y amiga Mink Stole, del triunfo de lo outsider, de lo ajeno. Son pocos, pero esenciales, los tributos a la gran musa del cineasta John Waters. El último, I Am Divine (2013). Dirigido por Jeffrey Schwarz, se trata de un retrato biográfico dedicado a la figura de esta adorable diva y que cuenta con la valiosísima aportación de muchos de sus allegados.

POR AASHTA MARTÍNEZ

D

urante 86 minutos, el realizador recorre los aspectos más interesantes de la vida de Divine, nacido en Baltimore como Harris Glenn Milstead. La buena acogida del documental I Am Divine en distintos festivales ha compensado las dificultades financieras por las que atravesó Schwarz para llevarlo a cabo. Prueba de ello es su lanzamiento en DVD este pasado mes de abril.

Glenn Milstead murió en 1988, víctima de una dolencia cardíaca y sin poder imaginar que justo en ese momento nacía su leyenda. Dicen quienes le conocieron que siempre quiso ser como una de aquellas drag queens de la época, algo utópico dado su gran tamaño y carácter pendenciero. Pero lejos de ocultar su peso y afeminamiento, que en la infancia le causaron más de un disgusto, Milstead decidió darle la vuelta a todo eso y transformarlo en su medio de vida. Con la ayuda de John Waters crearía el personaje que tiempo después le convertiría en icono underground.

Contaba el propio Glenn Milstead que había conocido a Waters en la fiesta de cumpleaños de un amigo, a mediados de los sesenta. Fue ahí donde éste le bautizó con el nombre de Divine, sacado de una novela del escritor francés Jean Genet que Waters andaba leyendo en ese momento y que precisamente estaba protagonizada por un travesti mascu-

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lino llamado del mismo modo que ejercía la prostitución. En una de esas habituales fiestas conocería al resto de los llamados Dreamlanders, el grupo de actores que habitualmente acompañó a Waters en muchos de sus trabajos, entre ellos la antes citada Mink Stole. Juntos comenzarían a dar rienda suelta a las aspiraciones cinematográficas -y excentricidades- de Waters, amén de una cámara para filmar que pidió prestada a su abuela y con la que empezaron a reunirse los sábados por las tardes para rodar las que serían las primeras películas del padre del cine trash. Están rodadas todas ellas con escasos medios y exhibidas luego en iglesias, aulas universitarias o, en el mejor de los casos, algún festival de cine local.

Por su parte, la relación de Milstead con sus padres siempre fue complicada y desigual. El egoísmo, la falta de sentido de la responsabilidad y la actitud semidelincuente del artista -llegó a pisar la cárcel por falsificar cheques bancarios con la firma desautorizada de sus progenitores- llevaron a Frances y Harris al punto de pedirle a su hijo que abandonase el hogar familiar, a principios de 1972. Así, durante casi una década el único contacto entre padres e hijo serían las postales que éste les enviaría esporádicamente para que supieran que se encontraba bien y dejaran de preocuparse por él, si lo hacían.

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Por aquel entonces, Divine rodaría la que se convertiría en su película más recordada: Pink Flamingos (1972). Con un look inspirado en Elisabeth Taylor, por la que Divine sentía auténtica devoción, y una estética que rozaba el paroxismo, el actor interpretaría el papel de “la persona más inmunda del mundo”. Durante algún tiempo ensayaron en el apartamento de Waters, donde se reunían los fines de semana hasta que empezaron a grabarla. Un rodaje peculiar, como la propia cinta, llevado a cabo en exteriores en pleno mes de enero, caracterizado por largas tomas sin corte alguno, sin apenas comida y acompañados principalmente de cigarros y speed. Como buen actor, Divine no tuvo reparos en cumplir a rajatabla con las exigencias del guión y protagonizó la que probablemente es la escena más desagradable jamás filmada, esto es, la del momento en que se come una caca de perro real.

La revista de cine Variety, referente en crítica cinematográfica de la época, catalogó a los

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protagonistas de la película de “heces de la perversidad humana” pero ellos, lejos de amedrentarse, empezaron a verse como pequeñas grandes estrellas. Divine, por su parte, comenzaba a ser considerada como una especie de celebridad de culto. La buena acogida de la película en el Festival Anual de Cine de Baltimore se debió, entre otras cosas, a que muchos veían en el cine de Waters ciertos elementos del estilo punk, cuyo origen se situaría pocos años después, coincidiendo con el nacimiento de la banda Los Ramones.

Después vendría Cosas de Hembras (1974), en la que Divine interpretaría a Dawn Davenport, una adolescente que, tras fugarse de casa y ser violada por un holgazán, comienza una vida criminal. Waters quiso contar con la presencia de su actor fetiche en Vivir Desesperadamente (1979), la tercera entrega de esa especie de “trilogía trash”, pero Divine había empezado a hacer teatro y por cuestiones de agenda no le fue posible interpretar el papel de lesbiana que

decide cambiarse de sexo que el cineasta le tenía reservado.

Como artista polifacético, Milstead no quiso nunca encasillarse, y probó suerte también en el mundo de la música, grabando varios sencillos que promocionaría con éxito en su papel de drag queen en diversos clubes nocturnos.

Tras este periplo, Divine volvió a ponerse bajo las órdenes de su descubridor en Polyester (1981), donde interpretaría a una ama de casa deprimida casada con un memo que compró su casa en un suburbio de Baltimore con los beneficios de su teatro de cine porno.

otorgado a Milstead hicieron que desechara la idea de abandonar este rol, a pesar de las ganas que tenía de hacer otras cosas. Esto hizo que sólo interpretase dos papeles protagonistas masculinos a lo largo de su vida. Por un lado, el de un gánster americano en Trouble in Mind (1985) y, por el otro, el de un malhablado detective de homicidios en Out Of The Dark (1988), un thriller que nunca llegaría a ver, pues la película se estrenó un año después de su muerte.

La fatídica muerte de Milstead dio al traste con su deseo de verse convertido en un actor respetado. Tampoco pudo incorporarse al reparto de la Con Hairspray (1987), Mils- exitosa serie de televisión Matead sentía que había llegado trimonio con hijos, para cuya el momento de que sus padres audición estaba ensayando le vieran en la gran pantalla, un guión que, después, fue ya que hasta entonces les ha- encontrado en la misma había prohibido el visionado de bitación donde se halló su sus películas, al considerar cadáver. Glenn Milstead fue que aún no había nada de lo enterrado en el Prospect Hill que se sintiera verdaderamen- Cemetery, al norte de Baltimote orgulloso. Sería entonces su re. Lo que jamás quedaría enpapel de madre de una adoles- terrado es el enorme legado cente con sobrepeso que se que dejó y el mensaje transconvierte en la bailarina más mitido a generaciones futupopular de un show televisivo ras. Para Jeffrey Schwarz, sin el que levantaría esa especie Divine no habría Lady Gaga. de veto.

“Ambas comparten mensaje: sé tú mismo, no dejes a naEl dinero y la fama que el per- die menospreciarte por ser sonaje de Divine le habían diferente.”||

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lookture

UN FESTIVAL

“Vamos a estrenar El día de la madre en el cine”, é compañeros de Vision Factory. Su último trabajo iba Galactic, festival de ciencia ficción de Tárrega. Dicho POR DOC PASTOR | FOTOS POR DOC PASTOR

L

a Galactic se celebraba en Tárrega (Lleida) la penúltima semana de abril. El primer compromiso era la inauguración en el cine Majestic, con la presencia del director del festival, casi el único momento en que se supo de él, y la alcaldesa del pueblo, además de algunos otros invitados que sólo estuvieron presentes en ese acto. Aunque los miembros de Vision Factory tuvieron que subir al escenario, y Sergi Páez hacer de portavoz de todos ellos, la prueba de fuego era al día si-

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guiente, ya que en ese mismo cine se proyectaba por primera vez El día de la madre, antes de llegar a Internet el 4 de mayo, una fecha perfecta.

Pero esa noche todavía deparaba muchas sorpresas. Algunas bastantes malas por parte de la falta de profesionalidad de la organización y la poca preocupación por solventar los cada vez mayores fallos, pero también hubo momentos muy buenos al conocer a otras asociaciones participantes, y pasar la primera noche.

Llegaron las 10 de la mañana del sábado, y tras un excesivo retraso en la proyección puesto que los técnicos no habían realizado antes las comprobaciones, el ya mentado Páez fue el encargado de llevar la batuta en la presentación. Llamó la atención la ausencia injustificada de David Ferreras (director de Galacticat): por suerte esa falta de protocolo pasó rápidamente a ser una anécdota puesto que la presencia de todos los miembros del equipo, de amigos y familiares, además de seguidores

L GALÁCTICO

éstas fueron las palabras del director Sergi Páez a sus a a estar entre los inaugurales de la primera edición de o y hecho.

y público lo compensó con creces. Más todavía cuando al terminar el que ha sido el estreno de El día de la madre, la sala se llenó de aplausos y vítores, que se repitieron al subir al escenario los actores. Tras las palabras de algunos de ellos, otros apenas pudieron por la emoción que tan claramente les embargaba.

Tras algunos abrazos, elogios al trabajo, críticas constructivas y fotos, llegó el momento de ir al que debía ser el pabellón central del evento, La Es-

cuela de Arte y Diseño, en el que estarían el resto de participantes, exposiciones y material, el sitio al que acudirían los visitantes para hacer sus compras y charlar.

torales de la parte teatral del equipo, divertidas conversaciones acompañadas de los cócteles que preparó el Club de Star Trek de España.

El domingo ofreció una maLo que destacó por encima de ñana en la que de nuevo se todo fue el ambiente familiar proyectó El día de la madre, y de amistad que en todo mo- logrando la misma buena acomento lograron, que rápida- gida, y seguido de las despemente se contagió a los pre- didas. Tocaba recoger el masentes. Rupturas totales de la terial, volver al albergue para quietud habitual de este tipo cerrar las maletas y emprender de citas cuando se cantaron el viaje de vuelta de lo que ha éxitos de Sabina y de otros a sido un importante paso en el la guitarra, improvisaciones ac- futuro de Vision Factory.||

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sala cinco

TURTURRO, ¿EL NUEVO WOODY ALLEN? POR ESTÍBALIZ BURGALETA

E

l actor y “muso” de los Coen, John Turturro, vuelve a ponerse tras las cámaras con Aprendiz de gigoló. Pero no sólo dirige la película, también la escribe y protagoniza. Ambienta la historia en Nueva York, la comedia se basa en el diálogo... en definitiva, los guiños al estilo de Woody Allen son obvios. Tanto, que John Turturro no sólo imita y homenajea a Allen, también lo contrata para que sea su coprotagonista.

Aprendiz de gigoló es una comedia a veces romántica, a veces triste, sobre un florista (Turturro) que se vuelve gigoló para ganar algo de dinero para él y para su mejor amigo (Allen), que ejerce de chulo.

tina sexy como si estuviera en un capítulo de Modern Family. Sharon Stone luce piernas y sofisticación como si estuviera en Sexo en Nueva York. Vanessa Paradis se pone dramática al interpretar a una solitaria viuda judía ortodoxa, la clienta más difícil del gigoló, trama principal de la película.

El gran problema de la película radica en que no se sabe qué se quiere contar.

¿Comedia? ¿Estudio?

Pero el problema de Aprendiz de gigoló no está en su extraño tono, a veces cómico, a veces dramático. Ni en la nula caracterización de su protagonista, del que se desconoce por qué tiene tanto éxito con las mujeres. Ni siquiera en que nadie se crea que Sharon Stone y Sofía Escuchando esta sinopsis es inevitable recor- Vergara paguen para tener sexo con John Turdar Gigoló (1999), protagonizada por el cómico turro. El gran problema de Aprendiz de gigoló Rob Schneider. Gigoló es uno de esos placeres radica en que no se sabe qué quiere contar. culpables, una película tontorrona, olvidable y ¿Es una comedia sobre un hombre normal que también divertidísima. Sin embargo Aprendiz se convierte en gigoló? ¿Es un estudio sobre de gigoló sólo comparte argumento con el fil- mujeres en crisis que dicen buscar sexo pero me de Schneider. De comedia tiene más bien buscan otras cosas? ¿Es una crónica sobre los poco. Las risas aparecen únicamente gracias judíos ortodoxos? a Woody Allen, como pez en el agua interpretándose a sí mismo; no es de extrañar que se Ni idea. Para la próxima, John, un consejo: diricoma con patatas a todos sus compañeros de gir, protagonizar y además escribir una película reparto. El resto de los actores hacen lo que es algo que muy pocos profesionales pueden pueden, metidos en películas diametralmente hacer. Woody Allen, sí. Pero sólo unos pocos distintas. Sofía Vergara repite su cliché de la- más.||