Nº33 The Way Out Magazine

NúMER0 33 - marzo 2016 - WWW.THEWAYOUTMAGAZINE.es

the way out mag

CAZANDO EN LA NATURALEZA CON SOLEDAD VÉLEZ_ LA REVOLUCIÓN MADRILEÑA DE RUFUS T FIREFLY_ EL PICAPLEITOS SAUL GOODMAN_ HITCHCOCK Y TRUFFAUT SE VEN LAS CARAS_ AMIGOS CON IRONÍA_ LO INVISIBLE A LA VISTA

NúMERO 33_marzo 2016

océanos de xoel

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fuerza y naturaleza con soledad libro en blanco

reunión de grandes directores

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documentar el documental en el cine

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sumario

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rufus manda en la escena madrileña

la música y el cine van de la mano

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series derivadas en más éxito

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saul es el gran picapleitos

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amistades trazadas con ironía animada

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ISSN 2341-2682 calle del Gobernador nº6, 28014, Madrid contacto@thewayoutmagazine.es

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sumario

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secretos, oscuridad y magia

Edición gráfica y diseño_ Fernando Santise i Edición y comunicación_ Alejandra Garcés i redacción_ paula de aguirre, Alberto López, juan pablo merchán y antonio sánchez marrón i Colaboraciones_ david arias, luci gutiérrez, David de los Santos, miguel suárez, juan pablo vicente i fotografía de portada_ subterfuge records

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perfil de frente

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EL AQUELLARRE SONORO DE

SOLEDAD Vร LEZ POR PAULA DE AGUIRRE

| FOTOS CEDIDAS POR SUBTERFUGE RECORDS

La compositora chilena publica el 11 de marzo Dance and hunt (Subterfuge Records, 2016), un tercer trabajo lleno de ritmo donde los sintetizadores y loops de voz reivindican con mayor fuerza el carรกcter salvaje y chamรกnico de sus anteriores OBRAS.

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xisten muy pocas maneras de interpretar tan personales y desgarradoras que sumerjan al oyente en estado de trance. No obstante, la intensa voz de Soledad Vélez la hace acreedora de tan selecta distinción. Su inconfundible vibrato, acentuado por esos riffs prolongados de guitarra, ralentizan el tiempo y constituyen el prólogo de un viaje iniciático por tierras indígenas plagadas de enigmas. Wild Fishing y Run with Wolves –sus dos primeros trabajos– daban buena cuenta de ello y sus versos en inglés resonaban una y otra vez como mantras que se resistían (y resisten) a ser olvidados.

Tras una primera escucha, resultaba difícil no indagar un poco más sobre la historia de esta artista que, agobiada por circunstancias personales emigró a España desde su Chile natal y acabó por asentarse en Valencia con la idea

clara de forjarse una carrera musical. No sabía a dónde le llevaría ese costoso viaje pero tenía la certeza de que no podía hacer otra cosa.

Una vez instalada a orillas del Mediterráneo, acabaría conociendo a los otros dos médiums que conforman la banda actual y que contribuyen, de manera fundamental, a cuajar esas composiciones que parecen traídas de otro mundo: Jesús de Santos (guitarra eléctrica y teclados) y Luis Torregrosa (batería).

Años después y a punto de publicar su tercer larga duración, el tiempo le ha dado la razón, aunque tres discos dan para mucho y (como buen músico que se precie) Soledad Vélez ha ido transformando su sonido con cada nuevo trabajo: desde la sobriedad acústica y melancólica de Wild Fishing al folk eléctrico más furioso de Dance and hunt, sin perder (eso sí)

“LA NATURALEZA SALVAJE ES UN SER INDOMABLE QUE MUCHAS VECES HACE DAÑO HASTA QUE LO ENTIENDES”

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las referencias a esa naturaleza salvaje que pone a todo ser humano en su sitio: “En Dance and Hunt evoco estimulaciones. Es el resultado de un trance personal, un baile, una búsqueda, una persecución y una captura”, asegura la compositora sobre este último álbum, cuyo lanzamiento está previsto para el 11 de marzo y en el que se nota una euforia renovada.

Su reciente adelanto, Jeanette, da la impresión de que el registro de la chilena ha experimentado un fuerte viraje hacia lo electrónica con tintes oscuros. Sin embargo, a medida que uno aborda el resto de canciones, no se tarda en percibir cierta coherencia y continuidad con Run with Wolves. Hay mucho más ritmo, sí pero también una mayor firmeza y conexión con lo abrupto y lo sobrenatural. Los sintetizadores, riffs y golpes de batería suenan aún más violentos en el directo, imprimiendo una mayor urgencia

a esa voz rasgada y ancestral que ahonda en lo más profundo del alma. En temas como You have no Choice with Me y Thunderstorm se cuelan gritos depredadores y truenos que predicen una meteorología desapacible. Los versos se repiten incansables, como viene siendo costumbre, dejando entrever rastros de emociones que aún se mantienen candentes. No sin motivo, Soledad Vélez sale siempre al escenario con una cinta azulada pintada sobre los ojos, emulando una especie de maquillaje tribal que, según su portadora, pone al descubierto las emociones de una historia personal que prefiere no desvelar.

“La naturaleza salvaje es un ser indomable que muchas veces hace daño hasta que lo entiendes. Cada dos meses suelo adentrarme en las montañas, con lo necesario para permanecer unos días lejos de lo que llamamos civilización. Es otro mundo, un

“EN DANCE AND HUNT EVOCO ESTIMULACIONES. ES EL RESULTADO DE UN TRANCE PERSONAL, UN BAILE, UNA BÚSQUEDA, UNA PERSECUCIÓN Y UNA CAPTURA” THE WAY OUT MAGAZINE | 11

mundo lleno de pureza”, dice la autora de Dance and Hunt tras ser preguntada por ese imaginario agreste que impregna todas sus canciones.

además fuera víctima del régimen de Pinochet por sus canciones protesta.

Asimismo, y a pesar de una fuerte nostalgia, Soledad VéI am from South America lez ha encontrado en sus Como ya ponía de manifies- composiciones el bálsamo to hace tres años con el tema necesario para cicatrizar anSouth Mountain, las raíces tiguas heridas. Así lo dede Soledad Vélez asoman muestra esa voz desafiante una vez más en este Dan- de quien ya ha hecho frence and Hunt. Las heridas de te a sus fantasmas en vaun éxodo forzoso se hacen rias ocasiones y que se erige palpables más que nunca triunfante con el tema Knife, en Dune, canción que cierra una proclama descontrolada el disco y donde la composi- de sintetizadores y guitarras tora hace alusión al desier- que tronaba poderosa el pato de Atacama, el lugar más sado 27 de enero en la Sala árido del planeta: “Dune es El Sol de Madrid. una persona a la que aprecio aquí en España. Las dunas Dance and hunt vuelve a deson cambiantes y misteriosas jar un repertorio de adictivas y los desiertos un estado de composiciones que adquieren ánimo tremendo [...] Mencio- toda su fuerza en el directo, no Atacama por una cuestión con la voz de Soledad rugiende identidad inconsciente, y do como la de un animal salde escalas”, declara la artis- vaje. Sus canciones invitan, ta, que tampoco olvida a sus sin remedio, a formar parte de referentes nacionales: Viole- un aquelarre donde bailar y ta Parra y Víctor Jara, quien cazar es la única norma.||

PINCHA AQUÍ PARA LEER LA ENTREVISTA COMPLETA CON SOLEDAD VÉLEZ

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sala cinco

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HITCHCOCK/TRUFFAUT LOS REFERENTES DEL CINE POR MIGUEL SUÁREZ

De Wes Anderson a Martin Scorsese, algunos de los principales cineastas de nuestro tiempo analizan una conversación entre dos grandes genios en Hitchcock/Truffaut, documental de Kent Jones que llegará a las pantallas españolas el 1 de abril.

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l ser humano descubriría muchas más realidades si las preguntas que hiciera fueran para abrir un diálogo en vez de para conseguir una respuesta concreta que ya esperaban de antemano. Esto que parece que han olvidado gran parte de los periodistas actuales sigue conformando la esencia misma del arte, de la creación y la expresión humana. François Truffaut lo sabía y, por eso, cuando publicó en los años sesenta su libro El cine según Hitchcock, lo presentó como una obra de la que él había sido únicamente, según sus propias palabras, “provocador”. Su objetivo era desarrollar diversos temas artísticos en un encuentro con el maestro del suspense.

Ahora, el director Kent Jones estrena en cines españoles, tras su paso por festivales como Cannes o San Sebastián, el documental Hitchcock/ Truffaut, donde sigue el planteamiento que comenzó el director francés y habla de cine con destacados realizadores contemporáneos. Un referente cercano a lo que ahora nos propone Jones lo encontramos en la película de Win Wenders Habitación 666. En el filme, Jean-Luc Godard, Werner Herzog, Michelangelo Antonioni, Steven Spielberg o Rainer Werner Fassbinder, entre otros, respondían a Wenders acerca del futuro del séptimo arte y describían tanto su propio pensamiento

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como el valor que se daba a las películas en sus respectivos países. Hitchcock/Truffaut tiene algunos puntos en común, aunque en este caso las reflexiones giran en torno a aquella conversación entre los dos cineastas y los que responden son David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Richard Linklater, James Gray, Olivier Assayas, Kiyoshi Kurosawa o Paul Schrader.

“Siempre me ha interesado establecer contrastes, ir a contracorriente y romper

TRUFFAUT

HITCHCOCK

moldes. Con Harry saqué al melodrama de la negra oscuridad y lo coloqué bajo la luz del sol”. Hitchcock analiza en esta cita del libro de Truffaut su obra Pero... ¿quién mató a Harry? (1955), una comedia negra que el director rodó cuando todavía era un subgénero tabú. Tratar los asuntos más turbios con ironía y comedia estaba mal visto en una sociedad puritana. Sin embargo, obras como Harry ofrecieron a los cineastas emergentes una referencia artística e intelectual para sus

futuros trabajos. De la misma forma que hoy se alaban a los creadores alternativos que desmontan los tópicos del cine comercial, en esa época fueron personalidades como Hitchcock o Nicholas Ray los que introdujeron en la industria un nuevo modo de mirar a los géneros clásicos.

Además, Hitchcock empezó a citar en su cine muchas filosofías críticas o pesimistas que rara vez aparecían en las grandes producciones. En sus filmes se encuentra a Freud,

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Schopenhauer o Nietzsche materializados en algunos de sus personajes, que debaten, enloquecen e intentan hacer frente a las eternas dudas y contracciones humanas.

Ambas concepciones, la idea de la comedia dentro de temas tabúes y la introducción del psicoanálisis o el voluntarismo, eran parte también de los grandes hitos cinematográficos del maestro francés, lo que hizo que ese encuentro se convirtiera en algo tan importante. Los 400 golpes, Disparen al pianista o Jules et Jim eliminaban el melodrama en favor de una atmósfera irónica de la misma forma que hacía Hitchcock y recuperaban reflexiones acerca de la libertad humana, presentes también en los pensamientos de esos grandes críticos que habían tumbado en años anteriores el falso optimismo co-

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mercial que gobernaba gran parte de la filosofía europea.

En obras como La sombra de una duda o La sirena del Mississippi, Hitchcock y Truffaut, respectivamente, toman algunas premisas clásicas (de esas que aparecen en los libros de gurús del guion como Syd Field) para transformarlas. La figura del impostor supone el punto de partida en el suspense de las dos obras, pero es la fascinación que provoca dicho impostor en sus víctimas, Teresa Wright, en el filme de Hitchcock, y JeanPaul Belmondo, en el de Truffaut, lo que lleva al género a una dimensión humana clave para comprender nuestro comportamiento. La sombra de una duda provoca uno de los momentos más interesantes de la conversación en El cine según Hitchcock, donde este acaba calificándola como

EN OBRAS COMO LA SOMBRA DE UNA DUDA O LA SIRENA DEL MISSISSIPPI, HITCHCOCK Y TRUFFAUT, RESPECTIVAMENTE, TOMAN ALGUNAS PREMISAS CLÁSICAS PARA TRANSFORMARLAS la obra favorita de “nuestros amigos los lógicos”. Sin embargo, la parte de la entrevista que sin duda conecta directamente con La sirena del Mississippi es en la que Hitchcock valora las motivaciones de sus protagonistas: “El tío Charlie quería mucho a su sobrina, pero no tanto como le quería ella a él. Sin embargo, ella ha tenido que destruirlo, pues no olvidemos que Oscar Wilde dijo: ‘Matamos a lo que amamos’”.

A pesar de las diferencias en el desenlace de las obras, víctima y verdugo conectan en ambas sus deseos internos

para caminar hacia una destrucción inevitable. La sombra de una duda es algo así como si lleváramos Tío Vania, de Chéjov, al cine negro, donde el farsante destruye las ilusiones de aquellos que sin conocerle habían creado una imagen heroica de él. Al añadir una dependencia de carácter sentimental, la historia se traslada a un campo infinito que no ofrece ninguna solución. Por eso, si el personaje de Charlie no muriera al final de la película, probablemente acabaría vagando por el mundo con su sobrina, como Belmondo y Deneuve en La sirena del Mississippi.||

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CINE EN EL CINE: EL USO DEL DOCUMENTAL POR ANTONIO SÁNCHEZ-MARRÓN

La relación híbrida entre el cine y su mecanismo más directo para crear una mitología cinematográfica, el documental, ha sido fructífera desde casi los inicios del séptimo arte. A lo largo de la última centuria, el cine ha visto cómo se edificaban sus propios nombres, alimentados por la iconografía popular pese a la extraña interconexión que pudiera existir entre un determinado nombre y el cuerpo críticoteórico o los propios espectadores. Desde la óptica cinematográfica, se ha trabajado la mística histórica de este arte en determinados momentos claves que dan a entender la importancia de cada producción.

Existen trabajos divulgativos entre los que destacan The Story of Film (Mark Cousins, 2011) en el que Mark Cousins realiza una teórica interpretación de la historia del cine en 15 sesiones. Anteriormente, JeanLuc Godard compuso, bajo su particular mirada, una revisión a la trayectoria histórica cinematográfica (Histoire(s) du cinema, 1988).

En 2014, Mark Hartley volvía la vista atrás

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y dibujaba -con no poco tremendismo- la trayectoria de Cannon Films. El documental Electric Boogaloo volvía a recuperar la magia de las producciones donde Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme o Sylvester Stallone dejaron su inmortal huella además de la consumada impronta de sus primeros pasos en el cine.

Este tipo de documentales, la mayoría de las veces, vienen enfocados a la hagiografía de un determinado nombre. A esta familia pertenecen obras como Listen To Me Marlon (Stevan Riley, 2015), en la que a través de diversas grabaciones que el actor dejó a su muerte se repasa una trayectoria que sobresale por la mística que rodeó siempre a un Brando fiel al método, tan personal como complicada y violenta. Trumbo y la lista negra dejaba al descubierto las consecuencias de la caza de brujas orquestada por el senador McCarthy contra los artistas que manifestaban su presunto antiamericanismo, aprisionándoles socialmente y relegándoles al más absoluto ostracismo. Descubriendo

a John Cazale (Richard Shepard, 2009) vuelve a una época, al Nuevo Hollywood, a la figura de un actor que interpretó cinco de las películas más importantes del movimiento antes de morir tras terminar El cazador. En 2000, Charles Kiselyak dibujó un homenaje a uno de los renovadores del séptimo arte a finales de los cincuenta. John Cassavetes realizó 12 películas en las que mostró su inquietud por hacer descender el objetivo de su cámara al límite psicológico de sus personajes, con ambientaciones sombrías y urbanas. Un año antes, en 1999, Werner Herzog (a quien el género debe una continua renovación) estrenaba Mi enemigo íntimo, un repaso a su relación con el actor Klaus Kinski y su particular visión de cómo se fraguó la amistad con quien le concedió los mejores trabajos de su filmografía.

Existe una serie de documentales que han optado por ensalzar proyectos de concepción maldita o de ejecución caótica. Se sitúan en esta órbita obras como Jodorowsky´s Dune, donde Frank Pavich realizaba una

deconstrucción de los deseos del artista chileno por adaptar la novela de Frank Herbert. Por otro lado, Heart of Darkness situaba al espectador en el más absoluto caos que supuso el rodaje en Filipinas de Apocalypse Now mientras que, si de descontrol se trata, Lost in La Mancha podría conseguir los mayores elogios. En él, Terry Gilliam depositaba sus esperanzas de rodar algún día su ansiada adaptación de Don Quijote de la Mancha. Por último, Dentro de Garganta Profunda imbuía a la sociedad norteamericana impactada por el estreno de una película que llegó incluso a tambalear las altas esferas políticas.

En todos estos documentales hay una visión mítica de cada propuesta. Hay un claro sentido hagiográfico, un homenaje a las fuentes documentales que han servido de inspiración a los cineastas en cuestión.

La historia del cine prosigue su camino nutriéndose a sí misma de material para continuar narrándose a sí misma en un bucle, por décadas, vertiginoso.||

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LUCI GU TIÉ RREZ WEB FACEBOOK

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RUFUS T. FIREFLY

EL ECO DE LA CALLE

POR DAVID ARIAS

| FOTOS CEDIDAS POR EMERGE PRODUCCIONES

es una de esas bandas en la trinchera cultural madrile単a en busca de un sue単o. Su m炭sica pone de manifiesto otra era en la capital. referentes a la hora de hablar de inquietudes y desilusiones, este 2016 promete seguir siendo su a単o.

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ay mucha calle en las letras y los sonidos de Rufus T. Firefly. La banda arancetana cumple 10 años y aún se encuentra en esa estupenda fase de asentamiento en la que se busca una personalidad, un ruido característico y un espacio en el universo musical. No obstante, sus tablas se dejan notar en los discos y en su directo, cultivado con cientos de bolos y sudores de autoproducción. Esa bendición liberadora de producirse a sí mismo tiene una cara negativa: condenarse a un camino más largo pero más digno.

Siempre con un punto rebelde, su pop nunca ha sido fácil ni recomendado para mentes cómodas. Tiene una capa de suciedad que se deja notar

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desde su LP debut de 2008 conocido como My synthectic heart. Su buena acogida abrió las puertas de la historia de la obsolescencia programada.

En los títulos de sus trabajos siempre hay un punto ácido y descriptivo muy sociológico.

Apasionados de la distorsión, no renuncian nunca a un brillo estético que les convierte en imperecederos.

A pesar de alguna disolución temporal como la de 2009, nunca han dejado de dar la cara por lo que creen. De esa manera llegaron dos discos que siempre dejan buen sabor de boca como Ø y Nueve, sus dos largos más emblemáticos de su sonido garage, pop y un tanto grunge. Sus palabras vuelan libres en la entrevista.

lee la e n t r e v i s ta c o m p l e ta con rufus t. firefly

>>

Rufus T Firefly son una banda de música que se nutre de tendencias artísticas de lo más diverso, por eso su nombre es tan cinematográfico y la primera pregunta tan obvia. ¿Cuáles son sus películas favoritas? “La lista sería interminable y no creo que haya ninguna favorita. Digamos que somos capaces de disfrutar del buen cine independientemente del género, director, época...”.

Quizás en un futuro sus dos pasiones se unan en un proyecto audiovisual con su participación en una banda sonora. “Por supuesto que sí.

El cine nos inspira mucho a la hora de hacer música y seguro que nos saldría algo muy digno. Eso sí, sería instrumental.” ¿Algún género en

concreto? “Cualquiera de los Cohen o de Wes Anderson”.

Siempre han estado en la vertiente alternativa del arte y por eso su única manera de existir ha sido convertirse en sus propios jefes. “[La autoproducción] es un camino prácticamente infinito, pero muy libre y honesto. Vas paso a paso, controlando todo lo que quieras y eso es algo muy bueno […] Hay que ser muy insistente y tener muy claro que es a esto a lo que te quieres dedicar”.

Alejados de los convencionalismos, nunca han buscado un guiño fácil a la crítica, la industria o el público. “Hacemos canciones para cualquiera que quiera escucharlas […] Lo que tenemos claro es que nunca

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“ES UNA LUCHA GENERACIONAL CONTRA UN MONSTRUO TERRIBLE.

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ES LA LIBERTAD Y LA BELLEZA CONTRA EL ESTÁNDAR PREFABRICADO”

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“ESTARÍA MUY BIEN QUE LA GENTE SE DIERA CUENTA DE LA MÚSICA QUE CONSUME, Y PIENSE POR QUÉ LA CONSUME”

“UNA BANDA CONSOLIDADA DEBERÍA PODER VIVIR DE SU TRABAJO. NOSOTROS AÚN NO PODEMOS” 38 | THE WAY OUT MAGAZINE

haremos música para contentar deliberadamente a nadie en concreto. Expresaremos con música lo que sentimos porque es nuestra vía de escape, y si además conseguimos conectar con la gente, doble placer”.

que la gente empiece a interesarse por el arte de repente.

Todo esto tiene mucho más que ver con el tipo de vida que llevamos […] Los gobiernos pueden ponerlo más fácil o más difícil pero para que todo cambie la gente debe empezar Nadie como ellos para respon- a pensar por sí misma”. der a las preguntas clave de la situación de la música, huérfa- ¿Cómo es su vida diaria? “Inna de apoyos a la cultura. “[La tentamos ganarnos la vida escena underground en Espa- cada uno en lo que podemos. ña] está consolidada pero no En este grupo hay de todo, fívalorada. Sigue habiendo una sicos, biólogos, filólogos, enpersecución absurda por par- fermeros... nos la colaron muy te de las instituciones hacia bien cuando éramos jóvenes. la música en vivo y seguimos Ahora nos toca apechugar e siendo una minoría […] Una intentar ser lo más felices pobanda consolidada debería po- sible. Poco a poco nos vamos der vivir de su trabajo. Noso- dando cuenta de las cosas imtros aún no podemos.” portantes de la vida”.

Sobre la escena artística de la ciudad, explican que “todo esto es mucho más que unos chicos haciendo canciones. Es una lucha generacional contra un monstruo terrible. Es la libertad y la belleza contra el estándar prefabricado. Estaría muy bien que la gente se diera cuenta de la música que consume, y piense por qué la consume”.

Ante las transformaciones sociales y políticas que se están viviendo en Madrid, queda conocer si un gobierno de corte progresista puede beneficiar a la escena cultural de la ciudad.

Nadie como Rufus para tener una idea veraz y aproximada de lo que supone un cambio de tal magnitud. “No creo que ningún cambio político haga

Se inicia un año trascendente en la carrera de la banda.

“No saldremos del estudio hasta tener un disco del que nos sintamos totalmente orgullosos”. Madrid se transforma gracias a bandas como Rufus que forman parte de un nuevo estilo musical, menos rudimentario, con mayor vocación internacional pero con el mismo sentimiento local.

Esta nueva oleada de buena música será algún día recordada y reivindicada por sus espectadores, ajenos a la cultura que se impone desde los medios oficiales. Y entre todas las canciones que recuerden a ese Madrid de la última década, esa ciudad a veces gris, a veces colorida, existirá una canción de esta banda honesta de Aranjuez.||

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cocheras

notas surgidas de fotogramas POR JUAN PABLO MERCHÁN

Desde la década de los 60, cuando la cultura popular se hizo global, música y cine se observan mutuamente en busca de inspiración.

Si bien es más habitual ver guionizadas la vida de músicos, el camino inverso también se recorre: son muchos los músicos que buscan en el cine referencias para sus obras y sus nombres artísticos.

Marlon Brando en The Wild One y uno de los nombres más molones del rock actual.

Este es el caso de Rufus T. Firefly, que toma su nombre del personaje interpretado por Groucho Marx en Sopa de Ganso. Muchas bandas han recurrido al séptimo arte para tomar una de las decisiones más importantes para un grupo de rock y que es decisiva para su futuro: su nombre.

Black Sabbath usó diversos nombres durante su gestación, durante la que también cambiaron componentes y sonidos. Cuando la película Black Sabbath estaba siendo proyectada con éxito en un cine próximo a su sala de ensayos, Ozzy Osbourne y Geezer Butler vieron cómo la inpiración les llevó a escribir Black Sabbath, oscura canción que definió el nuevo sonido de la banda y que fue contrapunto al rock que se componía a finales de los 60. Encontrado uno nuevo, decidieron cambiar también el nombre de la formación y utilizar el mismo para su álbum debut.

Peter Hayes fundó un grupo junto a su amigo Robert Levon llamado The Elements. Cuando descubrieron que ya existía una banda con ese mismo nombre, tocó pensar uno nuevo.

Hayes venía de formar parte de The Brianjonestown Massacre, así que el nombre debía estar a la altura. Black Rebel Motorcycle Club era el escuadrón de moteros capitaneado por

En una cinta de culto encontró la banda Duran Duran su nombre. El Dr. Durand Durand era uno de los villanos de la película Barbarella, protagonizada por Jane Fonda, que se prestó a esta adaptación de un cómic de ciencia ficción. Una película muy sugerente que inspiró a un grupo que explotó la sexualidad todo lo que pudo.

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Otras dos películas de culto, esta vez para toda la familia, inspiraron el nombre de otras dos formaciones más contemporáneas: The Fratellis y Mogwai.

Los primeros, conocidos por su hit Chelsea Dagger, tomaron su nombre de la familia criminal de Los Goonies y los segundos, de los encantadores monstruitos de Gremlins.

El cine puede inspirar también la composición de canciones. En Forrest Gump, Frank Ocean le canta al personaje de Tom Hanks desde la perspectiva de Jenny: “I saw your game, Forrest / I was screaming run forty-four / but you kept running past the end zone / oh where’d you go Forrest / Forrest Gump”.

Damon Albarn se obsesionó con Clint Eastwood durante su etapa con Gorillaz. En su debut, Clint Eastwood, no solo toma el nombre del oscarizado director sino que también hace referencia en su letra a la expresión Sunshine in a bag, cita de su personaje en El bueno, el feo y el malo. Años después

publicaría Dirty Harry, canción que comparte nombre con una de sus películas más célebres. Esta vez, Albarn no coló ninguna referencia en la letra, que poco tiene que ver con el filme, como pasa en La belle et la bête de Pete Doherty, canción en la que canta junto a su entonces pareja y modelo Kate Moss y en la que reinterpreta muy libremente el clásico francés, aunque queda claro el mensaje.

Todo lo contrario hizo Jack White en The Union Forever (The White Stripes). El obsesionado guitarrista compuso la letra tomando exclusivamente diálogos de Ciudadano Kane, lo cual pudo costarle varios millones de dólares si la denuncia presentada por Warner Brothers hubiese prosperado.

Imitation of Life de R.E.M., American Gangster de Jay-Z… Ya sean clásicos del cine o películas de culto que marcan una generación, el cine inspira a los músicos en un círculo de retroalimentación perfecto para la industria de la cultura popular.||

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LO QUE NO VES DAVID D E LOS SANTOS WEB

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BETTER CALL SAUL

HISTORIA DE UN PICAPLEITOS

POR JUAN PABLO VICENTE

SURGIDA de una de las mejores series de la historia, pretende asentar su propio camino. Humor negro, drama Y ambigüedades morales son SOLO ALGUNOS ingredientes DE LA segunda temporada, CUYO ESTRENO ESTÁ previsto para eSTE mes de marzo.

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l inicio de un episodio de la serie: con tintes azulados como recordatorio del flashback, Jimmy McGrill -el futuro Saul Goodman- se queda a solas junto a otro personaje. Es un momento en que el protagonista ve frustradas sus aspiraciones. Una escena normal de no ser porque está rodada en silencio, salvo el sonido de una fotocopiadora...

Traer a colación la escena define muy bien la primera temporada de Better Call Saul. Se trata de una trama decente, que no destaca por sus giros de guión ni por un ritmo precoz. Sin embargo, sirva esta escena para resaltar la exquisitez visual como ejemplo de la grandeza del show. Y es que no lo tenía nada fácil. Su hermana mayor fue, es y será Breaking Bad, título que marcó un antes y un después en la forma de hacer televisión.

Tampoco es sencillo abrirse un hueco en la parrilla televisiva.

Producciones de extraordinaria calidad como Game of Thrones, House of Cards o Fargo, entre otras, ya han demostrado lo difícil que resulta ser su rival. Por no hablar de los prejuicios que generan los spin offs... No lo tenía nada fácil.

su propio universo desde otra perspectiva. Aclamada por la crítica y de forma cuasi unánime por el público -hay mucho hater suelto- fue la grata sorpresa que pocos esperaban.

No está de más recordar que el protagonista Saul Goodman (Bob Odenkirk) es un personaje procedente de Breaking Bad. Su sinopsis sitúa la acción seis años antes de los acontecimientos ocurridos con Walter White. La primera temporada es testigo de que aquel hombre, como todos, tuvo un pasado. Se le conoce como Jimmy McGrill, un abogado mediocre que trata de forjar su camino para crecer profesionalmente en la abogacía y, cómo no, llegar a fin de mes.

También se muestran las relaciones con su hermano Chuck (Michael Mckean), su rival Howard (Patrick Fabian), su mundo y sus circunstancias.

De hecho se atreve a dar pinceladas sobre terrenos conocidos por el destino de su personaje -el famoso flashfoward del primer episodio-.

Su ritmo pausado hace hincapié en que todavía es pronto para conocer su transformación en el abogado criminal, Saul Goodman. Como pasaba Better Call Saul consigue -al con su precursora, Better Call menos por el momento- supe- Saul se gesta como debe ser. rar estas barreras. La ficción Despacio y con buena letra. creada por Vince Guilligan y Motivos por los que conocer Peter Gould se abre camino a Jimmy McGrill, un hombre para forjar su propia identi- que no es mala persona pero dad. No pretende rivalizar a que tiene la picardía necesaria Breaking Bad sino extender para conseguir salir adelante.

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¿QUÉ LE ESPERA A SAUL GOODMAN? ROZAR LOS LÍMITES DE LO MORAL SIN LLEGAR A SER EL ANTIHÉROE QUE SUPUSO HEISENBERG

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Este punto de partida ya estaba claro para Guilligan: “Desde el inicio sabíamos que estábamos contra las cuerdas porque empezamos a trabajar con un Jimmy que es humano, que es agradable, vulnerable, en cierto modo lo opuesto totalmente a Saul”.

su toma de decisiones moralmente correctas o incorrectas. Porque ese es el recorrido que le espera al gran Saul Goodman y con el que se desmarca de Walter White: rozar los límites de lo moral sin llegar a ser el antihéroe que supuso Heisenberg.

¿Qué le depara esta segunda temporada a Jimmy McGrill/ Saul Goodman? La respuesta es difícil, el secreto que acostumbran a mantener sus creadores es una rutina que todo fan de Breaking Bad ya sabe.

Mejor así.

Better Call Saul, con un tono distinto, acierta jugando en un campo más cómico y relajado -en gran parte porque Bob Odenkirk borda su trabajo-.

Ojo, drama tampoco le falta.

Pero la idea, en definitiva, se desarrolla en un terreno menos gris y desmarcado que Lo que está claro es que su Breaking Bad. arco narrativo se amplia y con él, el desarrollo de personajes Lo que no queda tan claro es tan amados como Mike Ehr- el camino que recorrerá esta mantraut (Jonathan Banks) temporada, pero no importa al –ojalá haya más capítulos conocer de sobra el buen equicomo Five-O-. Por supues- po que hay detrás. Better Call to, también están los altibajos Saul es una historia introspecde Jimmy que, sin lugar a du- tiva. Un personaje que cambiadas, tendrán gran relevancia rá poco a poco, hasta enconen los nuevos capítulos. Todo trar su estilo. Un estilo que se parece señalar que el foco de infunda dentro de un spin off interés de la segunda tempo- que, lejos de prejuicios, viene rada es la ambigüedad moral a remarcar una sola cosa: su del protagonista. En concreto, propia seña de identidad.||

BETTER CALL SAUL NO PRETENDE RIVALIZAR A BREAKING BAD SINO EXTENDER SU PROPIO UNIVERSO DESDE OTRA PERSPECTIVA THE WAY OUT MAGAZINE | 61

miedomedia

SERIES antiguas como nuevas series POR ALEJANDRA GARCÉS

Bien porque el producto original tuvo mucho éxito, bien porque no hay ideas nuevas a la vista, los spin offs han sido siempre una opción -a veces más loable y rentable que otras- para las productoras y los guionistas de televisión. Tras el éxito de Better Call Saul, la serie derivada de Breaking Bad, la caja tonta -y no tan tonta- ha visto cómo algunos spin offs superaban a aquellas series que les vieron nacer, tanto en audiencia y como en número de temporadas.

Cheers fue la mítica serie de humor de los 80. Derivó en la archiconocida Frasier, basada en el personaje de Frasier Crane, interpretado por Kelsey Grammer. Se emitió durante 11 temporadas con un éxito absoluto de audiencia y se convirtió en un hito -también para la crítica- de la televisión. Además, consiguió cinco veces seguidas el Emmy a Mejor serie de comedia; así sumó en total 37 premios Emmy.

Ya en los 90 y siguiendo con el furor de las sitcom, las Cosas de casa de Steve Urkel

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ocuparon una buena cuota de pantalla. Sin embargo poca gente en España relacionará esta serie con el show original: Primos lejanos. En ella el espectador conoció por primera vez a Harriette Winslow, la ascensorista del periódico donde ambos protagonistas, Larry y Balki, trabajaban. Más tarde sería la madre de familia que tenía por vecino al simpático Urkel.

En la misma década las series juveniles como Sensación de vivir eran un éxito asegurado en la parrilla televisiva, por lo que los guionistas decidieron emitir simultáneamente un spin off “para jóvenes adultos”: Merlose Place. Esta duró siete años en antena hasta 1999 mientras que la serie original aguantó 10, hasta el año 2000.

En el terreno de la acción noventera no podía faltar Xena, la princesa guerrera. Este spin off de la serie ochentera Hércules: sus viajes legendarios se emitió durante seis temporadas y recibió numerosos premios entre los que destaca un Emmy a Mejor composición origi-

nal en una serie. Los jóvenes de los 90 siempre guardarán un hueco para Xena.

La serie por la que sus actores llegaron a cobrar medio millón de dólares por capítulo, Friends, también tuvo su spin off -raro hubiera sido no aprovechar el tirón- basado en el personaje de Joey. Aunque no pudo lograr el mismo éxito que la de sus amigos, aguantó dos temporadas con los chistes de Matt Leblanc.

En el panorama de ciencia ficción, el spin off del que quizá más se haya hablado sea el de Star Trek. Y no porque fuera bueno sino porque se hicieron dos. La serie original, Star Trek, duró solo tres temporadas (1966-1969) y su primera derivada se llamó Star Trek: La nueva generación, que estuvo en antena durante siete temporadas, desde 1987 hasta 1994. Lo mismo ocurrió con Star Trek: Espacio profundo nueve desde 1993 a 1999.

En el género de dibujos animados para adultos, El show de Cleveland surgió de las ma-

nos de Seth MacFarlane con su Padre de familia. El spin off duró cuatro temporadas mientras que la serie de la que derivó tiene 14 temporadas. Otro producto televisivo de animación es la serie Beavis and Butt-head, de la cual surgió la serie Daria, protagonizada por una adolescente misántropa y su día a día en el instituto, con un humor muy parecido al producto que le dio la vida.

El spin off de Anatomía de Grey es de obligada mención ya que su serie original aguantó 12 temporadas en antena. Sin cita previa, protagonizada por Kate Walsh, no superó a su antecesora: se quedó a medio camino con seis con la marca de la guionista y productora Shonda Rhimes.

La audiencia suele ser fiel a las series cuando estas se mantienen fieles a su nivel de calidad. Seguir a unos personajes más allá de la trama inicial puede ser arriesgado pero siempre que haya un buen equipo técnico detrás, como es el caso de Better Call Saul, el espectador tiene los beneficios asegurados.||

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