NúMER0 30 - septiembre 2015 - WWW.THEWAYOUTMAGAZINE.COM
the way out mag
ROMANTICISMO EN LA CASA TRUEBA_ SUTILEZA Y ALEKSEI GERMAN_ LA PSICODELIA DE TAME IMPALA_ LOS WACHOWSKI VUELVEN AL MUNDO_ PAREJAS IMPOSIBLES DE TUTTICONFETTI LAS LUCES DE DIEGO RUIZ
NúMERO 30_septiembre 2015
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océanos de xoel
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un nuevo chute de tame impala
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el cine, la vida y jonás trueba libro en blanco
la insatisfacción del rock
sumario
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la marca aleksei german
hollywood recicla y recicla
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presente de cienciaficci贸n
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la vuelta al mundo de los sensers
NúMERO 30_septiembre 2015
relaciones y parejas imposibles
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ISSN 2341-2682 calle del Gobernador nº6, 28014, Madrid contacto@thewayoutmagazine.com
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luz en ciudad luz en campo luz en foto
Edición gráfica y diseño_ Fernando Santise i Edición y comunicación_ Alejandra Garcés i redacción_ juan pablo merchán, Montserrat de la Iglesia y Alberto López i Colaboraciones_ david arias, belén belmonte, diego ruiz, tutticonfetti, miguel suárez, juan pablo vicente i fotografía de portada_ Óscar Fernández Orengo
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la dosis precisa de
TAME IMPALA POR DAVID ARIAS
El grupo australiano se apodera definitivamente de la psicodelia en su tercer 谩lbum, Currents (2015). Si quedaba alguna duda del poder alucin贸geno de la m煤sica, Tame Impala refuta toda hip贸tesis y se hace con el trono.
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LAS DOSIS DE PSICODELIA DE TAME IMPALA SE HA DIFUMINADO EN SU NUEVO ALBUM, CURRENTS
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a psicodelia no es más que un estado de ánimo desafinado, un estado cerebral en el que entras por invitación. Toda una droga musical cuyas cantidades están medidas por alquimistas artísticos para que no afecten a tus cotidianos quehaceres ni influya en otras sustancias de las que abuses. Ese es un mantra que afecta a Tame Impala, cuyas dimensiones psicodélicas han sido decantadas con encanto en su nueva vitamina cerebral de nombre Currents. Tame Impala lo había conseguido hace tres años, había abierto un nuevo mundo compartido por otras bandas como Radio Moscow que desempolvaban viajes cósmicos y el sabor a ácido. Lonerism nos transportaba en un viaje onírico a lo mejor de aquel sonido añejo. Dejaba pequeño su debut de ensueño de título Innespeaker y nos acercaba a la evolución perfecta del perdido sonido de los sesenta. No eran unos virtuosos como Hendrix pero tenían el estilo y la creatividad de Jefferson Airplane. Eran la fina lluvia que cae tras una dura sequía.
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Un año más tarde pasaban por Madrid en lo que parecía un concierto generacional. Y lo fue. Pero a diferencia de lo que suelen ser los momentos así y a pesar de su mágica intensidad, el directo no dejó ningún guiño para la posteridad. Fue un directo perfecto sin la comunión mental de algo tan cerebral como la música de Tame Impala. Sustancias equivocadas se encontraban entre la química de la locura y la física de la realidad de aquellos días. Una demostración más de que ese género y el ácido nacieron para jurarse amor eterno y que la mayoría de los presentes no estaban por la labor de comprobarlo. Lo cierto es que las cuotas de psicodelia de aquellos Tame Impala se han difuminado en su nuevo álbum. Ha ganado en calidad y brillantez en la producción pero ha perdido la fuerza de una porción pura. La han cortado con pop y recursos electrónicos a base de creatividad y audacia. Los chicos de Perth se han percatado de la necesidad de suavizarse para no caer en la sobredosis. El resultado es ambiguo, fascinante y adictivo. Necesitas va-
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rias escuchas para comprender los nuevos e insondables caminos de una banda en continua evolución. A pesar de tratarse de su tercer álbum te deja dos sensaciones contradictorias. Por una, se trata de un disco más maduro donde la producción es una locura perfeccionista que aprovecha cada sonido, cada nota o cada influencia a su mano para crear una atmósfera hipnótica e irresistible. Por otra, llega a menos conclusiones que por ejemplo, Lonerism. Todo comienza con la alucinación chill de Let it happen, donde dejan claro que la intensidad será menos letal para tu cerebro que Solicitude is bliss o Feels like we only go backwards. Esos trallazos ya clásicos dejan paso a un nuevo universo sonoro comandado con maestría por Kevin Parker. El genio creativo de la banda tiene una nueva cara y se muestra más experimental que nunca. Sus tupidas ambientaciones se hacen notar en The moment y sobre todo en Yes, I’m changing o Love/ Paranoia. El disco es un relato íntimo alternativo a la psicodelia pero partiendo de ella para construir un disco en el que hay mucha más paz que distorsión. La fabulosa batería de Jay Watson, tan fundamental en sus anteriores trabajos, queda en un segundo plano
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endulzada por los sofisticados arreglos de Parker. Eventually o The less I know better visitan tímidamente la distorsión pero todo está medido a conciencia. Es como si Tame Impala se impusiera un régimen marcial donde se puede coquetear con los sonidos pero nunca saturarlos. Esa tensa suavidad explota en Cause I’m a man, donde se vuelve a intuir los himnos del Lonerism. No obstante, todo suena mucho más limpio, quizás demasiado. El
farol funciona y su música a base de originalidad y arreglos fascinantes se vuelve más densa y poderosa e incluso se inclina ante la reina del futuro musical, la electrónica. Los arreglos electrónicos son una dulce evidencia en Past life, con un rock psicodélico más artificial pero también más evolucionado. Y la clave del álbum es esa palabra. Los oídos y las mentes del nuevo siglo necesitan procesar las viejas dosis de psicodelia, para fastidio
o bendición de los miles de puristas. De evolución no habla precisamente, New man, same old mistakes, todo un eco en el viento en el que se ve reflejado el pasado y el futuro de la banda australiana. Un cierre brillante para un disco osado. Cualquier trabajo después de firmar un disco generacional es peligroso, pero Tame Impala no entiende de normas o riesgos. Fluye, crece y se transforma en algo diferente, más pulido y bello. A pesar de mi inicial ceño fruncido, parece posible que Currents será el disco más elogiable de los chicos de Kevin Parker. Su experimental trabajo ha dejado patas arriba el concepto de psicodelia y lo ha adaptado a un siglo XXI con la misma necesidad de estimular su cerebro que se toparon sus antecesores de los sesenta. Ellos no tuvieron acceso a la cantidad precisa. Han tenido que pasar más de 50 años para que la renovación se convirtiese en revolución en el sonido fetiche de todo buen sixtie. Sólo queda concretar con los Tame Impala cuándo se producirá el cuarto chute y hacia qué oscuros o brillantes mundos dirigirá tu mente. Hasta que llegue ese momento, puede disfrutar de ese sonido fascinante, alejado pero emparentado con la psicodelia, que deja tras de sí Currents.||
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una banda nunca es suficiente POR JUAN PABLO MERCHÁN
Este otoño, Josh Homme (Queens Of The Stone Age), Jack White (ex White Stripes) y Dan Auerbach (The Black Keys) mudan de piel para traer los nuevos trabajos de sus bandas alternativas: Eagles of Death Metal, The Dead Weather y los recién estrenados The Arcs. El 2 de octubre se publica Zipper Down, el cuarto trabajo de Eagles of Death Metal, el dúo que Josh Homme, líder de Queens of The Stone Age (QOTSA), forma junto al frenético Jesse Hughes, brutal encarnación de los tópicos más salvajes del rock y con quien comparte amor por las armas, el liberalismo y la política conservadora. En The Guardian les etiquetan dentro del cock rock. De momento, siguen mezclando letras no demasiado complejas y muy ‘macho’ con riffs de guitarras en bucle. Eagles of Death Metal le permite a Homme más espacio para la diversión. Le cede el foco a Hughes, no hay presión por mantener el nivel, no tiene que manejar los egos de
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sus acompañantes y puede tocar la batería en directo cuando la agenda de QOTSA se lo permite. “Eagles es como una divertida venérea. Es divertida, contagiosa y todo el mundo la está cogiendo.” Así define Homme, A.K.A. Baby Duck, A.K.A. Carlo Von Sexron a este proyecto durante la promoción del nuevo álbum que presentarán en España el 8 de diciembre en Barcelona (Sala Apolo) y el 9 de diciembre en Madrid (Sala Joy Eslava). A Homme se le ha visto compartir escenarios, estudio y programa de radio (The Alligator Hour en Apple Music) con muchos grandes músicos como Pj Harvey, Arctic Monkeys, Trent Reznor, Florence + The Machine, Cee Lo Green... Incluso ha aparecido en uno de los videoclips de Jack White, que el próximo 25 de septiembre estrena con The Dead Weather Dodge Burn, el segundo álbum de la banda a la que pone voz Alison Mosshart (The Kills) y, qué curiosidad, Dean Fertita, compañero de Homme en Queens of The Stone Age. Su adelanto, I Feel Love (Every Million Lives)
tiene la potencia y frenesí habitual en la discografía de White, con la garganta de Mosshart desgarrándose poco a poco sobre un Wall of Sound marca de la casa. Recuerda mucho a aquel éxito que tuvieron cuando White aún formaba The White Stripes, Treat Me Like Your Mother, gracias en parte al videoclip de Jonathan Glazer. A White le gusta formar bandas. Durante su primera gira como artista en solitario formaba en directo con dos bandas, una masculina y otra femenina y antes de crear The Dead Weather ya dio vida a The Raconteurs, a quienes reunió el pasado mes de junio para un concierto sorpresa en junio en su ciudad de residencia, Nashville. Show en el que seguro no estuvo su vecino y archienemigo, Dan Auerbach que en todo caso, está ocupado, ya que el 4 de septiembre publicó Yours, Dreamily, el primer largo de The Arcs, su nuevo grupo. Que uno de los miembros fuese bajista de gira de The Black Keys no parece casualidad,
y es que Auerbach ha tirado por unos derroteros parecidos a sus dos últimos discos en The Black Keys, El Camino y Turn Blue. Y eso que ya no estaba Danger Mouse por allí, productor de sus cuatro últimos álbumes. No es el primer esfuerzo colaborativo de Auerbach, que en 2009, junto a la otra ‘tecla de negro’ (Patrick Carney) publicó BlackRoc, un álbum que mezclaba el blues-garage de The Black Keys con el hip-hop de varios artistas del Sello Roc-A-Fella, como Mos Def o RZA. Sus contribuciones a trabajos de otros artistas se cuentan por decenas, y es que Dan es un destacado productor (Lana del Rey, The Ettes, Dr. John…) que no duda en agarrar la guitarra o tocar el piano para embellecer las canciones de sus ‘clientes’. Homme, White y Auerbach. Tres maestros actuales del riff y quizás los más importantes ‘revisionistas’ del rock americano en la última década. Tres proyectos alternativos para olvidar presiones, satisfacer inquietudes y buscar un nuevo futuro.||
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perfil de frente
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JONAS TRUEBA ENTRE EL CINE Y LA VIDA
POR FERNANDO SANTISE
| FOTOS POR ÓSCAR FERNÁNDEZ ORENGO
Dos años después de su última cinta, Jonás Trueba estrena el 11 de septiembre Los Exiliados Románticos, su tercer largometraje como director. Una furgoneta, un largo viaje y tres amigos redondean una road movie de reflexión y anhelos.
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Me gusta cuando los espectadores se acercan y comentan cosas, pero tampoco pretendo ir detrás de ellos”, responde Jonás Trueba (Madrid, 1981) cuando se le pregunta por la gira veraniega que hizo por varias ciudades españolas para presentar, con coloquios, su último trabajo. “A veces pienso que empeoro la película apareciendo después”, argumenta. No es que la empeore, ni tampoco que la mejore, solo da la cara y habla con su público, algo poco común en el circuito cinematográfico. Ya lo hizo cuando estrenó Los ilusos y lo ha vuelto a hacer ahora con Los exiliados románticos: “Hay gente que te dice cosas muy
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útiles, otros buscan hacerse oír, porque entienden que tú has buscado lo mismo con ellos”. A pesar de saber escuchar y prestarse a ello, Trueba transmite seguridad cuando habla de su producción en el séptimo arte, en el que ha trabajado como guionista y probado los cortos, los medios y los largos. Por si fuera poco, uno de los jóvenes valores del cine español también se ha testeado en videoclips, dirigiendo una obra de teatro y como escritor. “Considero todas esas actividades como una misma cosa, o maneras distintas de ir hacia encuentros inesperados, que me permiten crecer, entender
“ME
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CONSIDERO UN CINEASTA BASTANTE CLASICO. CREO QUE NO PODRIA SER MODERNO AUNQUE QUISIERA”
mejor o, al menos, seguir buscando”, opina. Su respuesta desvela una de las claves de su nueva película. Los exiliados románticos es una búsqueda de ese “último sueño de juventud” que cuenta su tráiler. Tres amigos, una furgoneta y muchos kilómetros. Rodada en 12 días, la película contrasta con sus predecesoras en localización. Porque Madrid, con sus “muchos y variados horrores”, significa un punto base de la vida y las actividades de Trueba: “En Madrid he construido casi todo lo que tiene que ver conmigo”, dice cuando la pregunta sobre su amor hacia la capital, como bien se nota en sus dos primera películas, sale a la luz.
Jonás Trueba representa una forma de hacer cine diferente a la habitual, como ya mostró en Los ilusos, donde la cercanía con el espectador se notaba en la humildad de sus personajes, en lo corriente de su historia. Aunque en algunos ámbitos su cine puede ser visto como alternativo, a él no le convence este adjetivo: “No me gusta mucho lo de alternativo, me considero un cineasta bastante clásico, creo que no podría ser moderno aunque quisiera”. Su misión es buscar un cine que “responda a momentos y circunstancias concretas” para que el espectador se sienta involucrado, se sienta parte, se sienta dentro. Por eso mismo la cinta Los ilusos
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es lo que es; Francesco Carril, con quien repite en esta nueva aventura, encarna a un joven normal, que hace cosas normales y que se mueve en ambientes normales: “Mi verdadera obsesión es intentar que la vida esté en el cine”. Los exiliados románticos, ganadora del Premio Especial del Jurado en la pasada edición del Festival de Málaga, presenta un nombre que evoca dos conceptos. En primer lugar, el
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exilio es hoy por hoy un proceso por el que muchos jóvenes españoles han tenido que pasar para encontrar una vida acorde a sus expectativas. En segundo lugar, el romanticismo parece no pasar de moda nunca aunque, al mismo tiempo, se encuentre en conflicto consigo mismo, desactualizado o caducado, como si se trataran de conseguir nuevas formas románticas para revitalizar el concepto. En cualquier caso, Trueba muestra ese romanti-
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“MI VERDADERA OBSESION ES INTENTAR QUE LA VIDA ESTE EN EL CINE” 22 | THE WAY OUT MAGAZINE
cismo en sus incalculables re- puede pensar la película como ferencias, ya sean cinemato- una canción o como un poema gráficas, musicales o literarias. homérico para tiempos sin épica. Ella le da grandeza a la peDe hecho, la literatura se con- lícula y a los personajes.” Pero vierte, sin duda, en una de las la admiración de Jonás Trueba conexiones que Trueba añade por la música de la cantante en sus filmes. “El cine puede va más allá de este filme. La ser poema, partir las imágenes considera parte de su banda como hace un poeta entre dos sonora vital por “su intensidad versos, o imaginar estructu- y a su manera de cantar, que ras como lo hacen Cervantes, emocionan mucho”. Rabelais, Gombrowicz, Kafka, Kundera, Pierre Michon… Me Pero sin duda, una de los argusta el cine que se alimenta gumentos más llamativos de de todo eso”, sentencia firme Los exiliados románticos, sigcuando la vigencia de la litera- no del cine de su director, es tura entra en su forma de con- la falta de un guion como tal, cebir la cinematografía. Que si lo que hace que la espontaneitiene cosas de Éric Rohmer, dad se alce como una caracuna de las figuras intelectuales terística muy marcada durante de la Nouvelle Vague france- el filme. Aunque considera que sa, que si tiene cosas del libro ni se puede rodar sin guion homónimo de E.H. Carr, que con toda clase de actores ni si tiene cosas de la escritora en cualquier tipo de película, italiana Natalia Ginzburg. Ante Trueba valora la experiencia este panorama de referencias, como “agradable y a la vez las cuales muchas sí son rea- vertiginosa”, especialmente les, el joven director responde por la confianza que tienen los con humildad: “En realidad me actores con él. En resumen, agarro a las cuatro o cinco co- como dice él mismo, las frases sas que he visto, que he leído que reproducen sus dirigidos o he escuchado por ahí… Mis responden más a “un acto rereferentes son muy de andar flejo que a otra cosa”. por casa; de andar por mi casa concretamente”. En definitiva, Los exiliados románticos, que nace de una El romanticismo de la película conversación con amigos, también está vigente en la im- mezcla la vida y el cine, los portancia que tiene la banda sueños y la realidad, la amissonora, compuesta por Miren tad y el amor y, otra vez más, Iza, o sea Tulsa, para su direc- muestra una manera de hator: “Su música, así como la cer cine original que refresca presencia de Miren, es lo que el panorama cinematográfico, hace a la película verdadera- lugar en el que Jonás Trueba mente única. Es una presen- va encontrando su particular cia extraña pero desde ella se identidad.||
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ALEKSEI GERMAN EL COMPORTAMIENTO ESTANCADO
POR MIGUEL SUÁREZ
La obra póstuma de Aleksei German cierra la filmografía de un excelente realizador, así como un profundo estudio acerca del comportamiento humano a través de sus necesidades primarias, sus vicios y su frustrada posibilidad de progresar.
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ué difícil es ser un dios, planteada prácticamente durante toda una vida, no ha tenido por desgracia la distribución que se merece, ni el público que requiere un análisis tan acertado del ser humano. Gran parte de los espectadores actuales se encuentran demasiado acostumbrados a las historias de príncipes y dragones con finales de cuento que les alejen de lo que erróneamente hoy se considera la realidad. Y es que, si se piensa fríamente, en el fondo el estancamiento de la sociedad representada en este filme es muy similar a lo que sucede en la época actual. Es cierto que, con respecto a la adaptación de la obra de los hermanos Strugatski, la actualidad ha mejorado en limpieza y modales, pero he aquí lo que sucede en el fondo de Qué difícil es ser un dios. Un planeta que desea vivir eternamente en la putrefacción, negando la posibilidad de que los poetas, artistas e intelectuales ofrezcan nuevos caminos para permitir progresar al hombre. Los ciudadanos de este extraño lugar llamado Arkanar prefieren vivir entre basura que arriesgarse a pensar que son seres individuales, diferenciados, y
replantearse la responsabilidad que como especie tienen en este mundo. ¿No está sucediendo hoy lo mismo? La cultura es relegada a pequeñas salas con un reducido número de público mientras los grandes teatros, auditorios, museos o cines se llenan de espectáculos vacíos y superficiales. El diferente es marginado, aniquilado en ocasiones, para que la masa sea lo más homogénea posible y ninguno de sus miembros tenga la descabellada idea de pensar por sí mismo, de dar la espalda al circo. La gran producción futurista de Aleksei German no utiliza sus recursos para ofrecer bellas estampas con batallas heroicas, ni siquiera apuesta por la narración como clave de la historia. Por encima de todo, es arte. Es una bofetada al espectador contemporáneo para que vuelva a la realidad, que en el fondo puede parecer un infierno, pero está llena de oportunidades de cambio. “Todos somos felices pero no nos enteramos”, señala el personaje de Mia Farrow en Sombras y niebla (Woody Allen, 1992). Una película que, como hace German, presenta una sociedad que se divide,
LA PESADILLA HUMANA DE LOS INSTINTOS PRESEN COMO UN CRUCE ENTRE PELÍCULAS DE DAVID CRO INFIERNO EXTRAÑAMENTE BELLO EXPERIMEN 38 | THE WAY OUT MAGAZINE
NTE EN QUÉ DIFÍCIL ES SER UN DIOS PODRÍA VERSE ONENBERG COMO INSEPARABLES O SPIDER Y ESE NTADO EN EL CINE DE ALEXANDER SOKUROV THE WAY OUT MAGAZINE | 39
se enfrenta y olvida el objetivo por el que estaba luchando. La frase sobre la felicidad que Farrow atribuye a su padre es tan real como la teoría de Arthur Schopenhauer acerca de la imposibilidad de ser felices. La idea de Farrow defiende que siempre lo somos pero toda esa absurda estructura que irónicamente llamamos civilización no nos permite pensar en ello. En cambio, en el
ciarnos. En el extremo opuesto, se encuentra el conocimiento (o lo que se pueda alcanzar de él). Este ofrece una sensación de plenitud eterna, no se diluye cuando un elemento se caduca. A pesar de ello, es rechazado.
caso de Schopenhauer, creemos serlo cuando saciamos una necesidad, pero sólo es un espejismo, la realidad es que enseguida volveremos a ser infelices porque requerimos otra cosa. Aunque parezcan planteamientos opuestos, ambos atribuyen la infelicidad del ser humano a los objetos banales por los que luchamos cada día y que carecen de la importancia suficiente para sa-
películas de David Cronenberg como Inseparables o Spider y ese infierno extrañamente bello experimentado en el cine de Alexander Sokurov. Pero además existe un gobierno, gente que decide el camino que debe tomar la masa que reside en sus dominios. En este punto German se encuentra con otro filme de corte histórico titulado El último valle, dirigido por
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La pesadilla humana de los instintos presente en Qué difícil es ser un dios podría verse como un cruce entre
James Clavell y estrenado en 1970. En plena guerra de los 30 Años, un profesor y un grupo de soldados deben convivir junto a un pueblo que ha vivido tranquilo gracias a sus singulares condiciones geográficas. Sin embargo, a pesar de vivir aislados de la guerra gran parte del año, los habitantes y sus dirigentes se hallan en un clima de corrupción muy similar al
del exterior. No hay grandes monarcas ni altos cargos eclesiásticos dirigiendo su destino, como sucede con los soldados, pero han aceptado sin rechistar el gobierno del más fuerte. En definitiva, un mundo como el descrito en el libro de los Strugatski parece lejano en la superficie, pero se encuentra presente cada día y quizá incluso más reforzado que en épocas anteriores.||
LA GRAN PRODUCCIÓN FUTURISTA DE ALEKSEI GERMAN ES UNA BOFETADA AL ESPECTADOR CONTEMPORÁNEO PARA QUE VUELVA A LA REALIDAD THE WAY OUT MAGAZINE | 41
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¡Recíclame si puedes! POR JUAN PABLO VICENTE
Pisar sobre seguro. Podría resumirse en esa frase, la búsqueda de todo productor de Hollywood a la hora de decidir dar luz verde a un nuevo filme. Revivir éxitos pasados sería un sueño y tranquilidad para consuelo de muchos de ellos. Por eso, no es extraño que su nueva norma cinematográfica sea hacer remakes o secuelas de un éxito anterior. Para llegar a nuevas generaciones, la tendencia más eficaz es crear una obra de otro éxito preexistente. No en vano, los últimos 15 años han seguido esa misma línea con un aluvión de secuelas, remakes y una nueva moda: el reboot. La fórmula del reboot se mueve más por un absoluto reseteo de la historia que, a diferencia del remake, no tiene que respetar los elementos importantes de la historia original. En otras palabras, se trata de partir el inicio de una historia desde cero. Fue en 2005 cuando Christopher Nolan recicló la denostada saga de Batman, para construir la historia del superhéroe desde un pun-
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to de vista más oscuro y realista. El éxito del Caballero Oscuro derivó a una trilogía aclamada por público y crítica, por lo que no fue extraño que otros estudios contemplarán la idea del reinicio como una gran opción. Con la misma finalidad, los problemas para una posible cuarta entrega de Spiderman se disiparon al resolver drásticamente la trilogía e iniciar (ya dos veces) un reboot de la historia. El mismo patrón ha seguido con James Bond, Pesadilla en Elm Street, Star Trek y el reciente reinicio de Los 4 fantásticos entre otros títulos. Ante dicha práctica, se confirma que el reboot es la herramienta más rápida para intentar de nuevo recuperar una historia ya trillada y añadir un nuevo rumbo para el público. Sin embargo, paralelamente y marcadas por su efecto, se está enmarcando un nuevo tipo de secuelas que, en el fondo, son reinicios o continuaciones creados para llegar a nuevas generaciones. ¿Y qué películas son reinicios en forma de secuelas?
¿Por qué no utilizar el mismo esquema que ya triunfó en el pasado para llegar a un nuevo público? Frank Marshall, Patrick Crowley, Christopher Raimo, Thomas Tull y Steven Spielberg debieron pensar precisamente en ello cuando se reunieron en los estudios de Universal Pictures y decidieron sacar del baúl una cuarta entrega de Parque Jurásico, o para los millennials, Jurassic World. Un título bien pensado si lo que se pretende es desmarcar la anterior trilogía y dar un nuevo empaque a los dinosaurios. Ante el taquillazo masivo de Spielberg, ¿existe una nueva tendencia de Hollywood? Hacer secuelas reavivando el factor nostálgico y, a la vez, centrándose en nuevos espectadores, no es algo nuevo. Sirvan de ejemplo Indiana Jones y el Reino de la calavera de cristal, El origen del Planeta de los simios, Scream 4, Superman returns, American Reunion, o la actual Terminator: Génesis cuyos argumentos han tanteado esa dirección aunque no con afortunado éxito en todos los casos.
Reafirmar este nuevo método de reciclaje se acepta analizando lo que Hollywood tiene entre manos para los próximos años: secuela-reboot de los Cazafantasmas, Gremlins, Batman, Linterna Verde; revisión de cuentos clásicos como La Bella y la Bestia, El libro de la selva, Dumbo; o el spinoff de Harry Potter Animales fantásticos y dónde encontrarlos. Star Wars: Episodio VII es, sin duda, la secuela-reboot más clara de todas. Esta nueva moda déjà vu parece que viene para quedarse. Bien pensado su target es amplio. Para los nostálgicos, un tributo de la original. Para la nueva generación, crear el hype que en su día marcó a sus progenitores. ¿Falta de ideas? Quizá. ¿Afán recaudatorio? Seguro. Al margen de reivindicar nuevas historias, mientras el objetivo de los productores sea rehacer, reiniciar, continuar o hacer un remix de una vieja gloria respetando la esencia de la original... ¡Bienvenido reboot, bienvenida sea la nostalgia!||
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KUCHIFM
DIEGO RUIZ
JUGANDO CON LA LUZ
WEB
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FLICKR
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OCHO DESCONOCIDOS
MISMO DESTINO POR BELEN BELMONTE
Sense8 es el nuevo proyecto de los Hermanos Wachowski (Matrix) para Netflix. Se trata de una serie de ciencia ficci贸n -驴qu茅 si no?- estadounidense, escrita y producida por los hermanos, que se estren贸 el pasado 5 de junio.
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la serie gira en to mental y emocional de diferentes pa
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s difícil hablar de Sense8 sin quedarse en las primeras impresiones. Es complicada porque la trama está compuesta de varios hilos que siguen inconexos al final de los 12 capítulos de la primera temporada. Quizá sea ese el principal obstáculo que ha encontrado la crítica a la hora de hacer valoraciones poco concienzudas. El argumento de la serie gira en torno a la conexión mental y emocional de ocho individuos de diferentes partes del mundo a partir del suicidio de Angelica Turing, de la que poco más se llega a conocer y, sin embargo, es el origen de muchas de las visiones que los protagonistas tienen. Es un vínculo extrasensorial que no sólo lleva a los sensers
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a comunicarse los unos con los otros, sino que también les conduce, a medida que pasa el tiempo, a transportarse involuntariamente junto a otros compañeros a la otra punta del mundo y a compartir sus habilidades. Aunque los enlaces comienzan siendo entre dos sujetos, los ocho protagonistas acaban por interrelacionarse, hasta el punto de llegar a disfrutar de una orgía senser. El mensaje de Sense8 no se queda sólo en un anecdótico compartir de superpoderes entre elegidos, sino que se intentan implicar en la serie cuestiones tan controvertidas como la política, la religión, las creencias y tradiciones culturales, la familia y las construcciones sociales de identidad, sexualidad o género.
orno a la conexión de ocho individuos artes del mundo Lejos de tratarse de una serie basada en un mundo de ficción, cada uno de los personajes, que responden a personalidades tipo, muestran realidades cotidianas, abarcando un amplio espectro de la sociedad. En este punto es donde muchos han expresado sus reservas, y es que, es cierto que los personajes tienen algo de cliché. Hay un poli de los buenos y honrados, una joven islandesa reservada y presa de sus traumas, también participa una ejecutiva asiática que lleva sobre sus espaldas la presión de ser mujer y exitosa en los negocios, una india que se ve atrapada entre la tradición religiosa y el deseo, un africano que sueña con ser como Jean Claude van Damme... En representación española está
Miguel Ángel Silvestre que da vida a Lito, un famoso actor mexicano que tiene que lidiar entre vender una amistad o confesar ante la opinión pública su secreto; también existe presencia alemana, un joven sensible maltratado por su padre desde pequeño, y por último está Noemi, una hacker transexual de San Francisco. El denominador común de todos ellos podría ser una nobleza y una moralidad superior a la de las personas de su entorno, por lo que tienen que vivir resignados, aguantando las injusticias de su tiempo y su cultura, con un sentido de la responsabilidad superior. Todos los elegidos aparte de enfrentarse a sus complicadas situaciones personales y lidiar con el des-
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LA TRAMA DE SENSE8 ESTÁ COMPUESTA DE VARIOS HILOS QUE SIGUEN INCONEXOS AL FINAL DE LOS 12 CAPÍTULOS concierto de sus visiones, apariciones, la incomprensión de quienes les rodean y la inevitable sospecha de que están perdiendo la cabeza, tienen que hacer frente a la persecución de Whispers y su organización. a presencia de estos sujetos con poderes les incomoda y no sólo hay una motivación personal, sino también una multinacional e intereses de una élite que preserva el llamado Orden Mundial. Obviamente, en 12 capítulos no se puede ofrecer nada más que una simple presentación de algo que es complejo, pero si hay algo que es llamativo, y quizá reprochable, es la ausencia de frases contundentes. Los diálogos son demasiado corrientes y colisionan con las expectativas del público, dejando una sensación de insatisfacción, lo que saca
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a relucir lo trillado de los personajes. Luces y sombras. Existen algunos convencionalismos y la esperanza de que Sense8, a diferencia de otras, mejore con el paso del tiempo. Independientemente de la vara de medir que tenga cada uno sabiendo quienes son sus creadores, se les puede aplaudir por haber difuminado, para mantener el gusanillo, la barrera entre ficción y realidad. Así, para contento de los espectadores y desgracia de la crítica, fueron los protagonistas de la trama quiénes anunciaron a través Twitter y cantando el cumpleaños feliz, el pasado 8 de agosto, la renovación con Netflix para la segunda temporada. Este es el día en que nacieron todos los sensers.||
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sobrevivir al futuro POR ALEJANDRA GARCÉS
La Humanidad vive por encima de sus posibilidades. Las producciones audiovisuales reconocen el mantra como algo habitual, con un boom cada vez mayor de series que pretenden adivinar un futuro siempre incierto. Hay apuestas de todo tipo en una mesa de jugadores donde solo el tiempo tiene algo que ganar. Eso sí, todos los grandes quieren apuntarse a ser el Nostradamus 2.0. El huerto seriéfilo de los últimos años está plagado de ciencia ficción y distopías, desde la ya resabida y funcional convivencia con extraterrestres en Defiance (de Rockne O’Bannon) y Falling Skies (producida por Steven Spielberg) hasta la investigación en técnicas de clonación en la exitosa Orphan Black (creada por Graeme Manson y John Fawcett). Esta última, protagonizada por la canadiense Tatiana Maslany y con tres temporadas ya a sus espaldas, expone los límites éticos de la clonación humana y todo lo que ello conlleva en la identidad de las personas humanas que la sufran. Los avances tecnológicos (realistas
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o no) tienen un gran protagonismo en varias de las obras recién estrenadas. La nueva serie de Halle Berry, Extant, hace hincapié en la convivencia entre humanos y robots así como el diseño de personas reales antes de nacer. También producida por Steven Spielberg (se le acabó el juego de los dinosaurios), va camino de una tercera temporada. De robots también trata Real Humans (creada por Lars Lundström), una producción sueca que terminó en 2014 pero con remake pendiente en EE.UU. por su buena acogida de la crítica. Plantea un futuro con unos robots que conviven con los humanos, creados a su imagen y semejanza para ser una mano de obra dócil. El giro se traduce en una inesperada revolución de un grupo de estos robots que reclaman su identidad como seres vivos y denuncian los abusos a los que son sometidos. Stephen King no iba a ser menos y también se animó a producir para la pequeña pantalla una serie homónima basada en su novela La
cúpula, que no consiguió todo lo que se propuso. Cancelada el 31 de agosto por la CBS, sólo consiguió subsistir tres temporadas. La serie de J.J. Abrams, Revolution, también fue cancelada por la NBC tras malos datos de audiencias. Sin embargo Abrams no se rinde y quiere darles a sus seguidores un buen final para la serie (Lost, ejem): lo hará en versión cómic ya que no le dejan más pantalla. The 100 y The Man in the High Castle están basadas en sendas novelas homónimas. La primera, creada por Jason Rothenberg en 2014, explora la vuelta de un grupo de humanos a la Tierra después de haber sido destruida por una guerra nuclear en un futuro cercano. Renovada para una tercera temporada, The 100 ya ha emitido 29 episodios y parece que se mantiene. The Man in the High Castle recrea una realidad alternativa que, de forma inevitable, despierta la curiosidad de potenciales espectadores: la Alemania nazi y Japón ganan la Segunda Guerra Mundial, por lo que se reparten el territorio de Estados Unidos e incluso se atreve a introducir a un
envejecido HItler que va perdiendo energía. Producida por Amazon Studios y escrita por Frank Spotnitz (Expediente X), su estreno está programado para noviembre de 2015. Sin duda, una de las más rompedoras (y angustiosas) historias distópicas que se han emitido en los últimos años han sido las de la británica Black Mirror. Creada por Charlie Brooker, con solo siete episodios ha conseguido causar pánico al mirar la pantalla negra del móvil e imaginar todo lo que se viene encima gracias a la fantástica tecnología que mejora las vidas humanas. Robots, políticos virtuales, relaciones de pareja con pantallas y secretos inconfesables en una buhardilla o en la retina son algunos de los ingredientes de la tiranía tecnológica que presenta Brooker. La tercera temporada, aún a medias, queda pendiente de plasmar en la pequeña pantalla. Quizá Brooker (y Channel 4) prefiere dejar que sean los propios espectadores quienes escriban su próximo guión.||
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