"Orígenes", exposición colectiva.

DIEGO BENÉITEZ

DIEGO CANOGAR

GUSTAVO DÍAZ SOSA

CARLOS I. FAURA PABLO LAMBERTOS LANTOMO

ROLDÁN LAUZÁN DAVID LECHUGA DIDIER LOURENÇO

JOSÉ R. LOZANO

R. MARTÍN DE LUCAS PEPE PUNTAS

MARTA S. LUENGO MÁRIA SVARBOVÁ

ORIGENES

ORร GENES Exposiciรณn Colectiva

11/09 - 11/10

La galería BAT alberto cornejo tiene el placer de abrir la nueva temporada 2019/2020 con la exposición colectiva “Orígenes”, con la que presentamos nuevas incorporaciones, mostramos la obra de nuestros artistas emergentes y recuperamos obras de autores ya consagrados en España.

Esta exposición colectiva reúne la obra de Diego Benéitez, Diego Canogar, Gustavo Díaz Sosa, Carlos I. Faura, Pablo Lambertos, Lantomo, Roldán Lauzán, David Lechuga, Didier Lourenço, José Ramón Lozano, Rubén Martín de Lucas, Pepe Puntas, Marta Sánchez Luengo y Mária Švarbová.

La galería BAT propone un encuentro con distintas personalidades y formas creativas, pero con el mismo objetivo: la continua relación entre el arte y la creación. En “Orígenes” confluyen obras de varios artistas - icónicos para la galería - a partir de las cuales se puede tomar consciencia de lo que representa para nosotros el arte contemporáneo.

La pintura, la escultura y la fotografía son las protagonistas de este encuentro en el que nos dejamos llevar a través de una multiplicidad de soportes, técnicas y resultados artísticos. Un recorrido desde los orígenes de la galería BAT hasta nuestros días.

BAT gallery alberto cornejo has the pleasure of opening the new season 2019/20 with the “Origins” collective exhibition, in wich we present new additions, show the work of our emerging artists and recover the work of those already consecrated in Spain.

This collective exhibition brings together the work of: Diego Benétiez, Diego Canogar, Gustavo Díaz Sosa, Carlos I. Faura, Pablo Lambertos, Lantomo, Roldán Lauzán, David Lechuga, Didier Lourenço, José Ramón Lozano, Rubén Martín de Lucas, Pepe Puntas, Marta Sánchez Luengo and Mária Švarbová.

The BAT gallery proposes a meeting with different personalities and creative forms, but with the same objective: the continuous relationship between art and creation. In Origins come together works of various artists - iconic for the gallery - from which we can become aware of what contemporary art represents for us.

Painting, sculpture and photography are the protagonists of this meeting in which we let ourselves be carried through a multiplicity of supports, techniques and artistic results. A journey from the origins of the BAT gallery to the present day.

DIEGO BENÉITEZ, 1986

Diego Benéitez (Zamora, 1986) empezó su carrera en el mundo del arte urbano. Recibió formación artística y desde 2010 lleva en activo cómo pintor, exponiendo en ferias y galerías tanto nacionales como internacionales.

La pintura de Benéitez es un diálogo antagónico casado por una línea de horizonte que convierte en una abstracción pictórica su paisaje. Consigue crear una atmósfera melancólica gracias a los colores sosegados y las finas líneas que caracterizan su obra, a través de las cuales el pintor juega con nuestra intuición y percepción. Asimismo, las piezas nos conducen a ver escenarios imaginados donde descansar y poder convivir, donde la armonía se hace plástica.

Galardonado con más de una quincena de premios nacionales en su disciplina, el artista ya goza de un reconocimiento nacional y entra pisando fuerte en la esfera internacional, representado en ferias como Art Karlsruhe (Alemania), París Art Fair (Francia), Lausanne Art Fair (Suiza) o Art Medellín (Colombia).

Donde sin sueño te sueño, 2019. Óleo sobre tabla. 120 x 120 cm.

Cuanto mรกs te miro, 2019. ร leo sobre tabla. 120 x 120 cm.

Sobre un matiz, 2019. Ă“leo sobre tabla. 100 x 100 cm.

DIEGO CANOGAR, 1966 Diego Canogar, escultor y grabador, nace en Madrid el 16 de mayo de 1966. En 1986 inicia sus estudios de Bellas Artes, licenciándose por la Universidad Complutense de Madrid en 1992.

Tomando como fuente de inspiración la naturaleza y la geometría, Diego Canogar se convierte en uno de los escultores más eclécticos de nuestros tiempos. Gracias al juego de luces y sombras que emana de sus piezas, el espacio se convierte en el mejor aliado del escultor, proyectando así construcciones poliédricas acompañadas de una elegancia indiscutible en el plano escultórico.

Cuenta con más de 20 exposiciones individuales y otras 120 colectivas nacionales e internacionales a lo largo de 22 años. Son varias galerías alrededor de todo el mundo las que lo representan como artista y cuenta con la presencia en importantes colecciones nacionales. Fue desde 2008 presidente de la asociación Mínimo Tamaño Grande, coordinando exposiciones de escultura colectivas itinerantes en la comunidad de Madrid.

Enroscada nebula III, 2016.

Hierro soldado y patinado. 90 x 97 x 48 cm.

Bi forma, 2018.

H. s. y patinado en รณxido. 50 x 33 x 22 cm.

Enlacces, 2018.

H. soldado y patinado. 61 x 45 x 22 cm.

GUSTAVO DÍAZ SOSA, 1983 El pintor Gustavo Díaz Sosa es licenciado por la Academia de Bellas Artes San Alejandro en Cuba con medalla de Oro en el 2002. Profesor de la Cátedra de pintura de Bellas Artes en San Alejandro, se vino a España becado por Arteleku, San Sebastián. Estudió en diferentes talleres de grabado, litografía y serigrafía, 2004-2007.

Díaz Sosa es un artista de esta era. Muchas de sus piezas narran la problemática de la existencia del hombre y sus encrucijadas personales con los caminos que toma su propia vida. A través de paisajes arquitectónicos manchados de color, el artista cubano pretende hacer reflexionar al espectador sobre su propio destino, y hacia dónde lo conduce. Las líneas que atraviesan las piezas de lado a lado nos transmiten esa inestabilidad en la vida de todo ser humano, lo frágil que se torna todo cuando aparece la duda, el cuestionamiento y la autocrítica. Su método de análisis de la realidad entronca con la visión centroeuropea que nace en Kafka.

La relación del individuo con el Estado y con la sociedad de masas, los esfuerzos tántricos para erigir torres de Babel que desmitifican el cielo o la aceptación de la muerte en la mesa como una tertulia más forma parte de su trabajo. Sus primeros referentes de donde extrae Díaz Sosa el utillaje, la libertad y el trazo de la mancha fueron Joseph Beuys y Anselm Kiefer.

De la serie “Huérfanos de Babel”, 2018.

Técnica mixta sobre lino. 195 x 114 cm.

Serie “De Revelaciones a enc.”, 2019.

T. mixta sobre lino. 120 x 195 cm.

Y la luz resplandece sobre las tinieblas, 2019.

TĂŠcnica mixta sobre lino. 200 x 200 cm.

CARLOS I. FAURA, 1988

Escultor madrileño licenciado en Bellas Artes por la Universidad Francisco de Vitoria de Madrid.

Carlos Iglesias Faura alude en su obra a la poética del vacío de los huecos e interioridades que constituyen el verdadero sostén de la forma y propone a través de la estética de sus obras un espacio habitable. De este modo, sostiene con solidez la filosofía de formular un espacio consciente que no genera vacío, ni ausencia de contenido sino un aliento donde nos permite apreciar recovecos de la obra y concebir nuevos conceptos. En una etapa ya madura, Faura presenta un elenco de piezas a través de las cuales disfrutar de la elegancia, la forma y la simetría.

El vacío se transforma en discurso y se establece entre los ángulos para estimular el tránsito que permite el despliegue del tiempo en el espacio, la formulación de la perspectiva y, en definitiva, la creación de la experiencia. Faura ha realizado exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional.

Magnus Videri, 2016.

Hierro. 75 x 69 x 38 cm.

Magnus Videri, 2016.

Hierro. 75 x 69 x 38 cm.

Magnus Videri, 2016.

Hierro. 75 x 69 x 38 cm.

PABLO LAMBERTOS, 1978

El pintor Pablo Lambertos comenzó especializándose en fotografía, disciplina en la que alcanzó gran reconocimiento. Estudió en la Escuela de Fotografía e Imagen C.E.U. San Pablo-Cardenal Herrera de Valencia y luego concluyó su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de San Carlos, Valencia.

Posteriormente, dirigió su carrera hacia la pintura, experimentando con materiales como el metacrilato y usando colores muy vivos sobre fondos neutros, lo que confiere un fuerte impacto visual a sus obras.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, y entre los premios recibidos podemos destacar el 1er premio de la Cámara de Comercio de Murcia o el 1er premio Crea Joven del ayuntamiento de Murcia.

Nube rosa, 2018.

Mixta sobre metacrilato. 150 x 150 cm.

Tres sobrinas, 2018.

M. sobre metacrilato. 100 x 120 cm.

Doble W, 2016.

M. sobre metacrilato. 62 x 200 cm.

LANTOMO Antonella Montes, más conocida como Lantomo, es una artista de procedencia italiana y arquitecto de formación. Estudió la carrera en la Universidad de Roma aunque actualmente reside en Barcelona mientras realiza el Máster de Escenografía y diseño de exposiciones. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, llegando a exponer en ciudades como Beijing o Barcelona.

Tras una larga temporada en China, hecho que influyó mucho en el desarrollo de su técnica, decidió entregarse a su pasión.

El dibujo es su herramienta de expresión, directo y descifrable.

Lantomo deja aflorar en su obra las indudables influencias de su paso por China, una experiencia vital que transforma en retratos delicados y sutiles, donde se despeja el motivo principal hasta reducirlo a la más mínima expresión sin renunciar en absoluto al impacto del mensaje. Como la autora explica, la inspiración de sus piezas comienza en composiciones chinas y japonesas tradicionales, que ella desnuda de decoraciones vegetales y ornamentos artificiosos para dejar las miradas intensas, rotundas, y el mensaje explícito del color.

Line in the dark, 2019.

G. y pastel sobre papel montado en panel a madera. 100 x 70 cm.

She’s gone again 1, 2019.

G. sobre papel encolado a madera. 100 x 73 cm.

She’s gone again 2, 2019.

G. sobre papel encolado a madera. 100 x 73 cm.

ROLDÁN LAUZÁN, 1987

Roldán Lauzán es un joven artista que se dio a conocer en el escenario del Arte Contemporáneo Cubano hace alrededor de cinco años, después de culminar sus estudios en la Academia de Bellas Artes Eduardo Abela.

Ha participado en exposiciones colectivas como PINTURA FRESCA II, en la Galería Habana, SABOR METÁLICO, en la Galería Villa Manuela, PIPOL en la Galería Artis718, entre muchas otras; todas ellas en la Habana. Su obra ha sido expuesta en Ferias Internacionales como ART KARLSRUHE en Alemania, ART BODENSEE en Austria y SCOPE ART FAIR en Estados Unidos. También ha colaborado con más de 35 publicaciones para editoriales cubanas y extranjeras.

Su interés principal es invitar al espectador a considerar y a contemplar la idea de la dualidad del ser, fundiendo en un mismo personaje los dos extremos que todos llevamos dentro.

Viento de Agosto, 2018.

Hojas de plata y รณleo sobre tela. 150 x 125 cm.

Season III, 2019. Óleo sobre tela. 140 x 140 cm.

MelancolĂ­a, 2018. Ă“leo sobre tela. 135 x 105 cm.

DAVID LECHUGA, 1950

El escultor David Lechuga nació en Madrid, ciudad en la que realizó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas y en el Círculo de Bellas Artes. Obtuvo varias becas para poder continuar sus estudios, entre las que destaca la Beca en el Hoger Instituut Voor Schon-Kunsten, en Bélgica.

Es un artista conocido por sus esculturas talladas en madera policromada inspiradas en el arte cubista y surrealista.

En ellas representa cualquier cuerpo vivo llegando a realizar agrupaciones de cuerpos antropomórficos, plasmando escenas mitológicas y cotidianas, con referencias al arte primitivo africano, entre otros.

Ha realizado infinidad de exposiciones, tanto individuales como colectivas, en diferentes galerías y museos, entre los que se encuentra el Reina Sofía o el Municipal de Arte Contemporáneo.

Tangueando con loro gritรณn, 2010.

Madera policromada. 144 x 52 x 39 cm.

BaĂąista, 2004.

Bronce. 44 x 20 x 13 cm.

Matapollos, 2010.

Madera policromada. 105 x 34 x 34 cm.

DIDIER LOURENÇO, 1968

Didier Lourenço nació en 1968 en Premià de Mar, Barcelona. A la edad de 19 años comenzó a trabajar en el taller de litografía de su padre, donde aprendió el oficio de la litografía. Lourenço hizo del taller su rincón para aprender y para hacerse un lugar también sobre el lienzo y el papel. Repartió su tiempo entre pintar y realizar litografías para él y para artistas profesionales. A lo largo de su carrera ha hecho innumerables exposiciones, tanto individuales como colectivas, exponiendo en galerías nacionales e internacionales como Nueva York, Seattle, Los Ángeles, Hong Kong, Puerto Rico, Nueva Orleans, Nashville, Sudáfrica, Las Vegas, Miami, Singapur, entre otros.

Sus obras están compuestas por pinturas figurativas llenas de matices y ricas texturas con algunos destellos y salpicaduras de color puro que otorgan a su obra una riqueza digna de contemplar. En esta línea de exploración de las costumbres humanas, Didier ha dedicado algunas de sus piezas a representar escenas de la vida cotidiana. A modo de viñetas historiadas, sin perder su toque de ingenuidad e inocencia, el artista recopila escenas universales en las que todos podemos vernos reflejados y en las que se tratan temas como la convivencia, la soledad o la intimidad.

Rodando 2, 2017. Ă“leo sobre lienzo. 75 x 150 cm.

Llego, 2017. Ă“leo sobre lienzo. 97 x 146 cm.

Night call, 2017. Óleo sobre lienzo. 97 x 130 cm.

JOSÉ RAMÓN LOZANO, 1983

José Ramón Lozano (Ceuta, 1983) es un artista licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada que trabaja en la pintura figurativa a través de cuadros de gran formato que elabora con la técnica de acrílico a partir de fotografías que realiza ex profeso a sus modelos para la creación de las obras.

El tema predilecto de José Ramón Lozano es el retrato, que trata de un modo especial, pues lejos de pretender captar las individualidades del modelo, el artista reduce estas a manchas de color que desarticula en unos rostros abstractos desposeídos de emoción alguna, ya que esta ha sido traspasada al espectador al contemplarlos.

Ahora, con un foco de atención en las Vanitas tan reconocidas a lo largo de la Historia del Arte, Lozano hace una reinterpretación de las mismas, pero con su inconfundible trazo. Su obra ha sido objeto de varias menciones, pudiéndose ver su trabajo en numerosas galerías del panorama nacional e internacional.

Sin título II, 2018.

Acrílico sobre tela. 120 x 120 cm.

Vanitas nÂş12, 2019.

AcrĂ­lico sobre tela. 146 x 162 cm.

Vanitas 004, 2018.

AcrĂ­lico sobre tela. 195 x 195 cm.

RUBÉN MARTÍN DE LUCAS, 1977

Rubén Martín de Lucas es ingeniero de Caminos Canales y Puertos por la Universidad Politécnica de Madrid, pero declinó ejercer esta profesión para dedicarse por completo a la pintura. Las conexiones entre la pintura, la ingeniería y el arte urbano han confluido en un trabajo personal que tiene como eje fundamental el paisaje y su comportamiento asociado, es decir, los vínculos y modelos de comportamiento que generamos respecto al territorio.

Martín de Lucas fue miembro fundador del colectivo Boa Mistura, grupo multidisciplinar de artistas con raíces en el arte urbano que ha realizado proyectos Brasil, Panamá, México, Noruega, Argelia, Georgia y Sudáfrica, así como con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, La Casa Encendida y CAC Málaga.

Entre las menciones recibidas por este artista, debemos destacar: 1º Premio del XVII Certamen de Pintura, Ciudad de las Palmas de Gran Canaria. Premio Adquisición IV Bienal de Pintura y Escultura, Diputación de Burgos. 1º Premio IX Certamen Fundación Barceló en Palma de Mallorca.

Jardín para un salvaje III, 2019.

Acrílico, ceras y óleo sobre tabla. 180 x 180 cm.

Nuevo desierto VI y Nuevo desierto VII, 2019. Ă“leo sobre tabla. 30 x 40 cm.

Wild Garden 7, 2017.

Ceras, รณleo y esmalte sobre tabla. 90 x 120 cm.

PEPE PUNTAS, 1961

El artista Pepe Puntas inició su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba, y continuó los estudios en la Facultad de Bellas Artes “Santa Isabel de Hungría” en Sevilla, donde se especializó en Talla Madera.

Su obra se caracteriza por estar hecha mediante la técnica del esgrafiado. Pepe Puntas dibuja escenarios mordientes y cómicos a la vez, con trazos que se antojan burdos y disparatados, reflejo del contexto actual de la vida que llevamos marcada por la crisis.

A lo largo de su extensa carrera ha recibido diversos reconocimientos y premios. Su obra está presente en importantes colecciones estatales como el IVAM (Instituto valenciano de Arte Moderno) o el Ministerio de Asuntos Exteriores, y ha participado en importantes proyectos artísticos.

That, 2019.

Técnica mixta sobre madera. 200 x 160 cm.

To make someone blush, 2019.

Técnica mixta sobre madera. 200 x 157 cm.

Campiña, 2019.

Técnica mixta sobre madera. 65,5 x 64,5 cm.

MARTA SÁNCHEZ LUENGO, 1972

La artista Marta Sánchez Luengo se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, con la especialidad de Escultura.

Desarrolla su trayectoria artística en la escultura, en la cual el gran protagonista es el ser humano observado en sus diferentes realidades. En sus esculturas, comparten importancia el estudio de la figura y el contexto en el que ésta se presenta. La creación y uso de la escena se ha convertido en una constante en su trabajo; desde ahí nos habla de la complejidad de las circunstancias en que se ha de desarrollar el ser humano como persona, integrando la vida social-urbana con la íntima-personal.

Ha realizado exposiciones a nivel nacional e internacional, con presencia en destacadas ferias de arte. Ha sido galardonada con diversos premios y menciones en distintos certámenes, así como su inclusión en colecciones privadas y públicas.

ÂżA dĂłnde voy?, 2015.

Resina epoxi policromada/hierro. 25 x 50 x 25 cm.

De ida y vuelta, 2011.

Resina epoxi policromada/hierro. 33 x 95 x 18 cm.

Al otro lado I, 2015.

Bronce y hierro. 168 x 50 x 30 cm.

MÁRIA ŠVARBOVÁ,1988

La artista Mária Švarbová estudió restauración y arqueología, aunque su medio artístico favorito siempre fue la fotografía. Desde 2010 hasta nuestros días Mária siguió creciendo artísticamente, llegando a tener un gran reconocimiento internacional.

Está representada en prestigiosas galerías en Estados Unidos, Francia y ahora en España y ha trabajado para revistas de gran impacto como Vogue, Forbes o The Guardian.

Además, ha obtenido importantes premios, entre el que podemos destacar el Hasselblad Master 2018. Sus obras, con su estilo limpio y directo, no solamente nos muestran la figura humana sino que captura el sentido de la psicología del sujeto.

Sus obras, con un estilo limpio y directo, nos muestran la figura humana, que se aleja del retrato tradicional y, con la atención centrada en la experimentación del espacio, el color y la atmósfera tan característica que Švarbová consigue dar a sus fotografías.

Snow Pool, Garden, 2017.

Impresiรณn digital sobre papel. 90 x 90 cm.

Border II, 2018.

Impresiรณn digital sobre papel. 70 x 70 cm.

Origins, she 12, 2017.

Impresiรณn digital sobre papel. 50 x 50 cm.

ORÍGENES EXPOSICIÓN COLECTIVA 11/09 - 11/10

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