ACTES-SUD-programme-mars-avril-2024_arts et beaux livres by Actes Sud Issuu

Diffusion ACTES SUD Mars avril 2024

Arts et Beaux-livres TOUS LES VISUELS PRESENTÉS DANS CE DOCUMENT SONT PROVISOIRES & PEUVENT NE PAS REFLÉTER LA FINALITÉ DES PROJETS ÉDITORIAUX

Les visuels qui n’apparaissent pas sont toujours en cours de développement

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photographie ROBERT RYMAN, LE REGARD EN ACTE

RYM AN RYMAN

ROBERT ROBERT

Collectif sous la direction de Claire Bernardi

LE REGARD EN ACTE

25 × 29,5 CM 144 PAGES 95 PHOTOGRAPHIES EN COULEUR OUVRAGE RELIÉ GENCODE : 9782330189129

COÉDITION ÉDITIONS DES MUSÉES D’ORSAY ET DE L’ORANGERIE/ACTES SUD mars  PRIX PROVISOIRE : 39 €

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“Je ne pense pas mes peintures comme abstraites, parce que je n’abstrais rien. […] Je m’implique avec un espace réel, la pièce même, une lumière réelle et une surface réelle.” Interview de Robert Ryman dans ART21, 

obert Ryman naît en 1930 à Nashville (Tennessee). Saxophoniste, passionné de jazz, il se destine à une carrière de musicien et se rend à New York. Les débuts sont difficiles et il trouve un emploi au MoMA en tant que gardien de salle. Son intérêt pour la peinture grandit au contact des maîtres modernes comme Cézanne et Matisse et des acquisitions contemporaines, notamment Rothko. Dans les années 1950, il se consacre entièrement à la peinture et s’oriente rapidement vers la formule du “carré blanc”, réduisant l’œuvre à ses composantes essentielles. Ryman fait alors varier le support de ses œuvres, leur mode d’attache sur le mur ou encore la manière d’appliquer la peinture. Cinq ans après sa mort, le musée de l’Orangerie rend hommage au peintre américain. Sa démarche, jugée parfois austère dans sa simplicité, a souvent été associée au courant minimaliste. Elle demande aujourd’hui à être regardée pour elle-même. Ce catalogue qui réunit les plus grands spécialistes de l’artiste offre un regard renouvelé sur son travail et questionne les notions de surface, de limite de l’œuvre, d’espace dans lequel elle s’intègre et de lumière avec laquelle elle joue. Les auteurs sont : Claire Bernardi, Yve-Alain Bois, Susan Dunne, Guillaume Fabius, David Gray, Suzanne Hudson, Nick Nguyen, Alfred Pacquement, Denys Riout.

Repères Points forts • Première grande exposition de l’artiste en France depuis sa mort en 2019. • Exposition au musée de l’Orangerie, Paris, du 6 mars au 8 juillet 2024. • Coédition avec les éditions du musée d’Orsay. Liens avec le fonds • Robert Ryman, coédition avec la Collection Lambert (Actes Sud, 2020). • À rapprocher des artistes minimalistes de la collection Lambert : Sol LeWitt (Actes Sud, 2019).

T EMEN ÉVÉN

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Visuel provisoire - Diﬀusion Actes Sud

LE LABO

« Avant tout chose, j’ai voulu comprendre comment les choses fonctionnaient », déclare Ryman. « Comprendre ce que fait la peinture, comment fonctionnent les pinceaux, ce qui se passe quand on réunit tout ça, comment les couleurs réagissent entre elles, et la composition. » 1 Il évoque ici ses débuts, avant que, ayant opté pour le blanc, il ne soucie plus de la façon dont les couleurs interagissent. Mais a-t-il jamais fait autre chose que chercher à comprendre comment les choses fonctionnent ?

YVE-ALAIN BOIS

Chacun sait que Ryman n’a pas suivi de cursus artistique ; sa formation a consisté à regarder les œuvres de la collection du Museum of Modern Art (New York), où il a travaillé comme surveillant pendant sept ans. Il s’est mis à peindre en 1953, quelques mois seulement après avoir décroché cet emploi : « Il y avait un petit magasin de fournitures d’art au coin de la rue. J’y ai acheté deux cartons entoilés, un peu de peinture à l’huile […] et quelques pinceaux, me disant que j’allais essayer et voir ce que ça donnerait. » 2 Ce fut d’abord un simple passe-temps, car Ryman

Les titres de Ryman ont une fonction purement mnémotechnique (« C’est bien de savoir de quel tableau on parle. » [CAT. 62] ) La plupart ont été donnés de manière fortuite, non programmée : ils n’ont d’autre but que de faciliter leur identification tout en limitant les associations superflues. Évoquant par exemple le titre General qu’il a donné à une série de tableaux réalisés en 1970 à la laque et à la peinture Enamelac sur coton, Ryman déclare l’avoir choisi parce que « c’était le nom de l’endroit d’où provenait l’acier […] Ça s’appelait General Quelque Chose, General Fabrication, un truc de ce genre. Mais c’est aussi un nom très courant, et qui ne veut pas dire grand-chose. » 5 Notons que les tableaux en question, contrairement à la série Standard réalisée à la même époque, n’ont pas été peints sur acier : le titre ne décrit pas, c’est un terme générique appliqué à un objet. 6 Test (1986) fait exception à la règle : le nom est passe-partout, certes, mais il est descriptif ; il donne une indication quant à la façon de regarder le tableau. Ou, pour le dire autrement, la description reste générique – toutes les œuvres de Ryman pourraient porter ce titre – mais ce que teste le tableau est spécifique : il interroge entre autres, bien évidemment, ce

1 Cité dans Babara Lee (?) Diamonstein, « Robert Ryman », Inside New York’s Art World, New York, Rizzoli, 1979, p. 331. 2 Cité dans Nancy Grimes, « Robert Ryman’s White Magic », Art News, vol. 185, n° 6, été 1986, p. 89. 3 Le courtes mémoires de Ryman ont été publiées dans Maurice Poirier et Jane Necol, « The 60’s in abstract: 13 statements and an essay », Art in America, vol. 71, n° 9, octobre 1983, p. 123. 4 Voir Yve-Alain Bois, « Surprise and Equanimity », in Robert Ryman,

LE LABO DE RYMAN

DE RYMAN

ambitionnait encore de devenir musicien de jazz professionnel (ce pour quoi il était venu à New York) ; et si la peinture devint sa seule activité dès 1961, ce n’est qu’en 1965, se rappelle-t-il, qu’il cessa « d’être un étudiant » 3. Ou, plus précisément, « d’être un étudiant anxieux », puisque l’assurance avait ﬁni par s’installer en lui, et avec elle ce que j’ai appelé ailleurs son équanimité 4. Ryman incarne l’autodidacte (l’éternel étudiant, donc) par excellence, et c’est ce qui explique son insatiable curiosité, sa patience, sa propension à chercher la petite bête. Durant près d’un demi-siècle, pour sa délectation et la nôtre, il a cherché sans relâche à comprendre comment les choses fonctionnent en peinture, et comment elles continuent de fonctionner quand on en modiﬁe les modalités.

Untitled, 1959

Huile et gesso sur papier 23 × 23 cm (cadre 30,1 × 30,1 cm) CAT. 5

« J’ai utilisé des cadres, des cadres en scotch ou en papier […] parce qu’ils font partie du tableau. Ce n’est pas quelque décoration. Ils [Les cadres] sont là pour une raison, pour tirer le tableau sur le mur et ne pas le conﬁner. Mes cadres ne conﬁnent jamais mes peintures. »

Robert Ryman interview by Paul Cummings, 1972, Archives for American Art, Smithsonian Institute.

Untitled, 1958

Pair Navigation, 1984/2002

Caséine et graphie sur papier 18 × 18 cm (cadre 23,2 × 23,2 cm) CAT. 92

Peinture au polymère synthétique sur ﬁbre de verre et bois, chevilles et tiges aluminium Panneau : 1,6 × 120,7 × 120,7 cm — Ensemble : 22,9 × 120,7 × 120,7 cm CAT. 37

Untitled, 1958

Untitled, 1959

Caséine et graphie sur papier 18 × 18 cm (cadre 23,2 × 23,2 cm) CAT. 92

Huile sur lin, 21 × 21 cm CAT. 93

Untitled, 1958

Untitled, 1959

Caséine et graphie sur papier 18 × 18 cm (cadre 23,2 × 23,2 cm) CAT. 92

Huile et gesso sur papier 23 × 23 cm (cadre 30,1 × 30,1 cm) CAT. 5

Xavier Canonne, Ann Paenhuysen, Rick Sauwen, Geneviève Michel, Virginie Devillez, Kurt Deboodt, Raoul Vaneigem, Paul Aron, Patricia Allmer, Philippe Dewolf.

Le surréalisme en Belgique Histoire De Ne Pas Rire

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22 x 28,5 cm 288 pages 240 illustrations 49 € Relié ISBN FR 978-94-6230364-5

Histoire de ne pas rire. Le surréalisme en Belgique est le catalogue scientifique et richement illustré de l’exposition éponyme qui se tiendra au Palais des Beaux-Arts dès le 21 février 2024. Il est le fruit des contributions de divers auteurs spécialisés en littérature, beaux-arts et cinéma traitant le surréalisme en Belgique dans toutes ses spécificités. Contemporaine et distincte du groupe surréaliste en France, l’activité surréaliste en Belgique s’est développée sur près de soixante ans, couvrant trois générations. Cette longévité exceptionnelle tient au fait que ses acteurs se sont autant attachés à opérer une transformation du monde par le langage et la représentation qu’aux préoccupations esthétiques de leur temps. Si nous connaissons bien l’œuvre de René Magritte, celle d’un petit groupe d’artistes mené par Paul Nougé, et comptant parmi ses membres Marcel Mariën, Jane Graverol, Tom Gutt et Rachel Baes entre autres, gagne tout autant à l’être tant pour leur importance au sein de ce mouvement d’avant-garde au niveau national que pour l’originalité de leur production. Élaborés dans le contexte des cent ans du surréalisme (1924–2024), l’exposition et son catalogue Histoire de ne pas rire. Le surréalisme en Belgique sont l’occasion de mettre en lumière l’activité plastique, littéraire et poétique de ce groupe d’artistes moins connus mais tout aussi importants pour le surréalisme que René Magritte, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Paul Delvaux ou encore Giorgio De Chirico. Xavier Canonne, spécialiste du surréalisme en Belgique, est le commissaire de l’exposition Histoire de ne pas rire. Le surréalisme en Belgique. Il est aussi directeur du Musée de la Photographie de Charleroi et professeur d’histoire de l’art à l’École supérieure des Arts plastiques et visuels (ESAPV) de Mons. Accompgagne l’exposition au Palais des Beaux-Arts du 21 février au 16 juin 2024 (Détail technique : l’idée est d’estampiller la typo sur un "glossy" black foil, créant un beau contraste avec le papier Wibalin.) Fonds Mercator S.A. Rue du Midi 2 - 1000 Bruxelles (Belgique) Tél. +32 (0)2 5482535 / Fax +32 (0)2 5021618 pv@fondsmercator.be

I. Le début (1924–1930)

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Variétés, 1929. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent

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I. Le début (1924–1930)

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Marie n°1 - Journal bimensuel pour la belle jeunesse - Xavier «Adieu à Marie», Jun-26. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {118}

Protestation, 22 mars 1932. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {117}

E.L.T. Mesens, Alphabet sourd aveugle, 1933. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {36}

Portrait de Camille Goemans, ca. 1935. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {49} {117}

Robert de Smet, Portrait de E.L.T. Mesens. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {234}

E.L.T. Mesens, Période, 1924. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent

{234}

le savoir ou parfois même en le dissimulant : il fait du neuf avec du vieux. Dans cette éthique du réaménagement perpétuel se dessine une morale de la modestie et du labeur : la morale d’un ouvrier des lettres collaborant à l’œuvre collective dans la mesure de ses possibilités. Cette conception matérialiste de l’écriture se situe aux antipodes de l’expression personnelle13 : tout y est conscience et difficultés surmontées. Nougé accepte et même recherche la contrainte qui met l’esprit en difficulté et l’oblige à se dépasser : « La défiance que nous inspire l’écriture ne laisse pas de se mêler d’une façon curieuse aux sentiments des vertus qu’il faut bien lui reconnaître. Il n’est pas douteux qu’elle ne possède une aptitude singulière à nous maintenir dans cette zone fertile en dangers, en périls renouvelés, la seule que nous puissions espérer de vivre. L’état de guerre sans issue qu’il importe d’entretenir en nous, l’on constate tous les jours de quelle manière elle le peut garantir »14. Pour Nougé, la poésie est une arme de combat, et non une façon d’exprimer ses sentiments ou son individualité. Il estime que l’homme ne peut atteindre sa véritable mesure que dans un monde transformé, autrement dit dans une société communiste instaurée par la révolution prolétarienne. En attendant, l’art ne peut représenter que la société bourgeoise et capitaliste qui le génère. L’originalité profonde de Nougé en tant que communiste est qu’il préconise d’agir sur l’esprit de l’homme pour développer ses possibilités et celles de l’univers, pour le transformer. C’est donc son lecteur qu’il veut « déranger », il veut « troubler ses petites ou ses grandes habitudes, pour le livrer à lui-même »15. Son écriture se fait réécriture pour rendre conscientes nos habitudes de langage et d’idées, les stéréotypes qui constituent le quotidien de notre vie et de notre pensée, et qui reflètent l’agencement d’un monde à transformer. De là découle son exigence d’efficacité : l’écriture doit produire sur chacun un effet bouleversant qui pousse à la réflexion et mène à une transformation. Le groupe de Bruxelles se constitue sur les bases établies par Nougé : ses complices adoptent les mêmes principes, et appliquent sa théorie des objets bouleversants et de l’imitation perverse à d’autres disciplines artistiques, non sans y imprimer leur marque personnelle. Profondément marqué par la révolution d’Octobre, Nougé aurait participé à la fondation du Parti communiste belge en 192016. Il a toutefois déjà quitté le parti lors du début de ses activités, en novembre 1924, car il se rend compte assez vite que son champ d’action n’est pas la politique.

Avec ses complices, il se rapproche des surréalistes parisiens qui partagent le même objectif, comme le confirme André Breton dans une conférence prononcée à Bruxelles le 1er juin 1934 : « L’activité de nos camarades surréalistes en Belgique n’a pas cessé d’être parallèle à la nôtre, liée étroitement à la nôtre […]. Magritte, Mesens, Nougé, Scutenaire, Souris sont de ceux dont, en particulier, la volonté révolutionnaire (indépendamment de toute considération d’entente totale avec nous sur un autre plan) a été pour nous à Paris une raison constante de penser que l’entreprise surréaliste peut, par-delà l’espace et le temps, contribuer à réunir efficacement ceux qui ne désespèrent pas de la transformation du monde et la veulent aussi radicale que possible »17. Soucieux d’internationaliser le mouvement, Breton englobe d’autorité le groupe de Bruxelles18 dans le surréalisme. Nougé n´a consenti à cette assimilation que « pour les commodités de la conversation »19, en raison de ces fins identiques. Les moyens, eux, diffèrent : aucun appel au rêve et au merveilleux chez les Bruxellois, tout reste dans la réalité et le contrôle ; plutôt qu’à l’imagination, ils ont recours à l’invention ; plutôt qu’à l’originalité et à la personnalisation, leur préférence va à l’effacement, à la discrétion, à l’anonymat20. En 1929, Nougé écrivait déjà à Breton : « J’aimerais assez que ceux d’entre nous dont le nom commence à marquer un peu, l’effacent. Ils y gagneraient une liberté dont on peut encore espérer beaucoup »21. En 1934, dans un contexte d’urgence politique, il met l’accent sur l’efficacité de cette discrétion dans le domaine politique : « [L’anonymat] est une nécessité liée au caractère exceptionnel des moyens employés et non une manière de se mettre à couvert. […] L’anonymat est un instrument de travail nouveau à la disposition de ceux qui pensent à l’avènement de la révolution mondiale comme à une obligation vitale »22.

13 Dans la droite ligne d’Isidore Ducasse : « La poésie personnelle a fait son temps de jongleries relatives et de contorsions contingentes », Ducasse 1870-I, p. 13. 14 Nougé 2017, p. 37. 15 Nougé 2017, p. 561. 16 Peu après la Première Guerre mondiale, il s’engage aux côtés de War Van Overstraeten dans les Jeunes Gardes socialistes, aile gauche radicale du Parti ouvrier belge, qui compte bon nombre de sympathisants anarchistes. Exclu du POB pour cause de soutien à la Révolution russe, Van Overstraeten fonde en 1920 la section belge de la Troisième Internationale, à laquelle Nougé se rallie (Bussy 1993, p. 7). 17 Breton 1986, p. 7. 18 On ressent dans cette dénomination la forte influence de Van Overstraeten, qui, lors de sa rupture avec le POB en décembre 1919, fonde le « Groupe communiste de Bruxelles » et préconise l’anonymat, notamment pour les contributions à L’Ouvrier communiste, organe du groupe qui deviendra le Parti communiste de Belgique dans le courant de l’année 1920 (Michel 2011, p. 20). 19 Nougé 2017, p. 569. 20 Paul Nougé a emprunté divers pseudonymes : Paul George, Clarisse Juranville, Paul Lecharantais, Anicet ou Ganchina. 21 Nougé 2017, p. 91. Ce souhait, qui lui était d’ailleurs destiné, sera repris par Breton dans son Second Manifeste du surréalisme (1930), où il demande « l’occultation profonde du surréalisme ». 22 Nougé 2017, p. 155.

Ce parti pris a été si bien respecté par Nougé qu’à l’heure actuelle rares sont ceux qui connaissent son existence et son rôle – central et essentiel – dans le « surréalisme » en Belgique. UNE VIE EN ÉCLATS En dépit de sa rigueur et de la réputation de cohérence sans faille que lui a faite son héritier spirituel et éditeur éclairé, Marcel Mariën, on peut distinguer plusieurs phases dans la vie et dans les écrits de Paul Nougé, indissociables de l’activité du groupe de Bruxelles.

Fig. 4

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III. le Rendez vous de chasse (1930–1935)

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Marcel Mariën, La traversée du rêve, 193845. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent

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René Magritte, L’avenir des statues, 19••. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent

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René Magritte, Le vrai visage de Rex. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {120}

René Magritte, L’Enculeur / L’Imbécile/L’Emmedeur, 1946. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent {54}

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V. La guerre et les réformes (1943-1947)

René Magritte, Le retour de flamme, 1943. Collectie Museum voor Schone Kunsten, Gent

{54}

Davy Depelchin, Jean-Philippe Huys, Lise Vandewal, Daan van Heesch, Sarah Van Ooteghem

Ensor & Bruxelles

Si l’artiste belge James Ensor (1860-1949) est à tout jamais associé à sa ville natale côtière d’Ostende, c’est dans l’effervescence de Bruxelles, la capitale, qu’il s’est épanoui en tant qu’artiste et s’est imposé comme une figure centrale de l’avant-garde européenne. Jusqu’au tournant du siècle, le jeune peintre, établi à Bruxelles en 1877, a considéré cette ville comme son second foyer.

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21,5 x 26 cm 208 pages 288 illustrations 35.00€ Broché ISBN FR 978-94-6230368-3

Ce livre richement illustré explore l’attractivité de Bruxelles, entraînant le lecteur dans un voyage à travers les lieux, rencontres et événements qui ont façonné Ensor, tant comme artiste que comme être humain. Avec Ensor pour guide, la capitale belge apparaît comme un creuset où se mêlent bourgeois prospères et bohèmes en difficulté, critiques conservateurs et artistes rebelles, théâtres animés et cafés obscurs. L’ouvrage présente également plus de deux cents oeuvres d’Ensor, provenant des collections de la Bibliothèque Royale de Belgique et des Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique. Ces collections exhaustives, qui remontent aux années 1890, constituent les plus anciens fonds publics du « peintre des masques ». Daan van Heesch est le conservateur en charge du Département des Estampes et Dessins de la Bibliothèque Royale de Belgique (KBR) Bibliothèque Royale de Belgique (KBR), Bruxelles (22 février 2024 – 2 juin 2024) Fonds Mercator S.A. Rue du Midi 2 - 1000 Bruxelles (Belgique) Tél. +32 (0)2 5482535 / Fax +32 (0)2 5021618 pv@fondsmercator.be

afb. 29 James Ensor, Huis op de Anspachlaan te Brussel, 1888. Drogenaald, 134 × 85 mm. Brussel, KBR, inv. S.II 53357 (cat. 97).

daan van heesch

afb. 30 James Ensor, Bijstandstraat te Brussel, 1887. Drogenaald, 130 × 90 mm. Brussel, KBR, inv. S.II 53356 (cat. 94).

james ensor: made in brussels

afb. 39 James Ensor, De intrede van Christus in Brussel in 1889, 1888–1889. Olieverf op doek, 252,6 × 431 cm. Los Angeles, J. Paul Getty Museum, inv. 87.PA.96.

De lampenist

de lichtwerking toen al voor de schilder een aandachtspunt was. Op vlak van de technische uitvoering is Ensor duidelijk schatplichtig aan Guillaume Vogels. dd

1880 Olieverf op doek, 151,5 × 91 cm. Gekocht van de kunstenaar, Oostende, 1895. Brussel, KMSKB, inv. 3294.

Tegen 1890 ontwikkelde Ensor een idiosyncratische stijl. Zijn schilderkunst van tien jaar eerder getuigt echter nog van zijn zoektocht naar een idioom. Hoe trefzeker Ensors halen met het paletmes ook waren, De lampenist is het werk van een jonge kunstenaar die zijn inspiratiebronnen moeilijk kan loochenen. Een rechtopstaande jongensfiguur op groot formaat geschilderd, roept Manets Fluitspeler (1866) op, maar eveneens de beeldopbouw van Zurbarán (1598–1664). De keuze om een volksjongen die lampen onderhoudt tot onderwerp te maken, kan dan weer worden gekoppeld aan het sociaalrealisme. Het sombere kleurenpalet bouwt eveneens op die traditie voort, ook al geven de witte toetsen op de lampen en de luminescentie van de muur in de achtergrond aan dat

Houtskool op papier, 725 × 600 mm. Gekocht van John Streep, Amsterdam, 1951. Brussel, KMSKB, inv. 6582.

De lampenist ca. 1886–1888 Grafiet en zwart potlood op papier, 230 × 300 mm. Gekocht op veiling bij Galerie de Paris, Brussel, 23 november 1974, lot 176. Brussel, KMSKB, inv. 8246.

catalogus

Knaap 1882 Rood en zwart krijt op papier, gekleefd op karton, 223 × 169 mm. Legaat van Louis Lazard, Brussel, 1958. Brussel, KMSKB, inv. 6839.

Zittende jongen 1880

10.

Studie van een Chinese man 1880 Houtskool en contépotlood op papier, 760 × 615 mm. Gekocht van Sophie van der Meersch (antiquariaat Paul van der Perre), Brussel, 1981. Brussel, KBR, inv. F 36179.

Tussen 1880 en 1883 creëerde Ensor zijn zogenaamde ‘Oostende types’: grote schilderijen en houtskooltekeningen van alledaagse individuen die hij tegenkwam in de straten van de Belgische badstad (cfr. cat. 6, 9). Deze bijzondere studie daagt onze vooropgezette ideeën over de ‘Oostende types’ uit, omdat ze niet een lokale figuur afbeeldt, maar eerder een Chinese man.

schilderijen en tekeningen

De identiteit van het model is niet bekend, maar de tekening kan in verband worden gebracht met de oosterse artikelen die in de winkels van Ensors familie werden aangeboden. Op een bepaald moment dreef de familie Haegheman bijvoorbeeld handel met de Anglo-Chinese familie Taen. De Chinesische Handlung van deze koopmansfamilie was in Dresden gevestigd en begon in 1880 met de import van thee en andere levensmiddelen. Later werd het handelsaanbod uitgebreid met Chinese en Japanse objecten, de zogeheten chinoiserieën die ook in de winkels van de familie Haegheman werden verkocht (cat. 11). In 1891 trouwde Ensors zus Mitche met Alfred Taen Hee Tseu, een telg van de familie, die in Berlijn een tweede zaak had opgericht. Hoewel deze tekening waarschijnlijk te vroeg is om met de familie Taen in verband te worden gebracht, getuigt het blad van de aanwezigheid van Chinese handelaars in Ensors Oostende en van de vroege relaties die zijn familie met hen onderhield. dvh

44.

België in de negentiende eeuw 1889/1890 Potlood en kleurpotlood op geprepareerd paneel, 160 × 212 mm. Gekocht van Paul van der Perre, Brussel, 1950. Brussel, KBR, inv. 27367.

Op 2 augustus 1888 beschreef Ensor aan Ernest Rousseau jr. een ‘gruwelijk visioen’ waarin België ten onder gaat aan een verschrikkelijk monster. Uit de buik van dit ‘verachtelijke wezen’ weerklonk het gejammer van zijn slachtoffers, waaraan het monster geamuseerd toevoegde: ‘Lang leve België in de negentiende eeuw. Ik ben doctrinair. Ik loop zonder te bewegen’. Een jaar later kregen deze ideeën vorm in de tekening België in de negentiende eeuw en de ets Doctrinaire voeding (cat. 166). In de tekening kijkt koning Leopold II neer op zijn onderdanen als een onverschillige god. In de straten van België

116

wordt gestreden voor ‘algemene dienstplicht, verplicht onderwijs en algemeen stemrecht’. De socialistisch geïnspireerde demonstratie wordt brutaal neergeslagen door een Belgische militie. De reactie van de koning is verward: ‘Wat wilt u? Bent u niet tevreden? Een beetje geduld, geen geweld. Ik zie wel dat er iets is, maar ik weet niet waarom. Ik onderscheid het niet erg goed.’ Deze woorden zijn ontleend aan een fabel van Jean-Pierre Claris de Florian, Le singe qui montre la lanterne magique (1792), waar ze worden uitgesproken door een niet al te slimme kalkoen. Met deze scherpe satire in rood en blauw potlood presenteert Ensor zijn kijk op de sociale onrust en politieke onwil van zijn tijd. België in de negentiende eeuw werd tentoongesteld op de salon van Les XX in 1891 en behoort tot de provocatiefste werken die de kunstenaar heeft voortgebracht. dvh

catalogus

45.

Romeinse zegetocht 1890/1891 Potlood en kleurpotlood op geprepareerd paneel, 365 × 458 mm. Gekocht van Joseph Van Overloop, Antwerpen, 1938. Brussel, KBR, inv. S.IV 29334.

Deze tekening werd in 1891 tentoongesteld op de salon van Les XX als een Triomphe romain. Volgens Ensor was het een réduction dessinée naar een groter paneel, dat niet meer bekend is. De voorstelling is een parodie op een ceremoniële parade die in het oude Rome werd gehouden ter ere van een succesvolle militaire campagne of overwinning. Een soldaat in de rechterbenedenhoek draagt het embleem van Les XX. Ensor beschreef zijn verloren gegane Triomphe romain in een brief die hij op 18 augustus 1890 naar Mariette Rousseau stuurde. Volgens de kunstenaar was de voor-

schilderijen en tekeningen

stelling ‘fantasmagorisch’ en bevatte het werk ‘vreemde volkeren, Olifanten en giraffen, leeuwen die strijdwagens trekken, eenhoorns en nijlpaarden, Indische krijgers die op Struisvogels rijden, tumultueuze Boogschutters, zwaar steigerende cavalerie, barokke muzikanten, bezorgde en bange bevolkingsgroepen, Auguren die elkaar aankijken zonder te lachen’. Slechts enkele van deze details zijn zichtbaar op de getekende verkleining in KBR. Een ets van hetzelfde onderwerp werd enkele weken voor de opening van Les XX bij Joseph Bouwens in Brussel gedrukt (afb. 34). Een voorbereidende tekening ervan wordt bewaard in het Musée du Louvre (inv. RF 39526). In 1894 werd de prent als cadeau aangeboden bij een abonnement op het satirische magazine Le Diable au Corps. dvh

117

71.

De dood en de maskers ca. 1920–1925 Contépotlood en kleurpotlood op papier, 248 × 344 mm. Gekocht van Joseph Van Overloop, Antwerpen, 1932. Brussel, KBR, inv. S.IV 241.

72.

Figuren voor een affiche van La Gamme d’amour (naar De Intrede van Christus in Brussel in 1889) ca. 1925–1929 Olieverf op doek, 86,5 × 71 cm. Legaat van Alla Goldschmidt-Safieva, Brussel, 1990. Brussel, KMSKB, inv. 11167.

Dit schilderij is een van de acht gekende schilderijen die een detail van De intrede van Christus in Brussel in 1889 als een op zichzelf staande compositie weergeven. Het opschrift

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‘La Gamme d’amour / ballet / musique / de / James Ensor’, aangebracht op een banier, plaatst de twee gemaskerde, karikaturale personages echter in een ander daglicht. Tussen 1907 en 1911 werkte Ensor aan een pantomimeballet. De kunstenaar schreef zelf de muziek en het scenario. Tegelijk ontwierp hij de kostuums en de decors. Het is een dramatisch liefdesverhaal met maskers, kinderen en stukken speelgoed als protagonisten. Er is een duidelijke link met de totaalkunst die de Brusselse compagnie Le Diable au Corps in de tweede helft van de jaren 1890 opvoerde als schaduwspel. Enkele van Ensors vrienden (Charles Vos, Eugène Demolder, Théo Hannon) speelden er overigens een centrale rol. Na vergeefse pogingen om La Gamme d’amour op te voeren in Parijs, klonk de compositie uiteindelijk voor het eerst in zijn definitieve vorm in Brussel in 1920, in de context van de Ensortentoonstelling in de Brusselse Galerie Georges Giroux. Op de eerste opvoering met decor en choreografie was het wachten tot 1924. dd

catalogus

schilderijen en tekeningen

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Anne Vanderstraete & François Neyt

L'Univers Songye. Passions et collections

Édité par les spécialistes incontestés du sujet avec les contributions de dix auteurs distingués, Le Monde des Songye est l’ouvrage ultime sur la culture, la sculpture, les masques et les pièces en fer forgé des Songye (R.D.C.). Cet ouvrage richement illustré propose une nouvelle approche de l’étude des chefs-d’oeuvre Songye, des styles des différentes régions, de l’identification des maîtres de l’art Songye et de la spécificité des masques Kifwebe. Il analyse l’esthétique et les symboles des Songye, les fonctions et pouvoirs religieux et magiques des objets, la représentation des animaux chez les Songye, leurs armes, l’histoire de la collecte des objets Songye sur le terrain, et l’influence des Songye sur l’art moderne, avec un gros plan sur Basquiat.

x 32 x 25 cm – ĐŽĨĨƌĞƚ ĚĞ ůƵǆĞ x 2 x 208 pages x 300 illustrations x 150 € x Relié x ISBN FR 978-94-6230ϯϯϰͲ8

L’ouvrage renferme un grand nombre de photographies inédites et spécialement commandées d’oeuvres d’art Songye appartenant à des collections privées et publiques, ainsi que des photographies historiques prises sur le terrain. Auteurs: Dieter Buchhart, Jacques Cuisin, Kevin Dumouchelle, Lance Entwistle, Bernard de Grunne, Susan Kloman, François Neyt, Alexis Maggiar, Constantine Petridis, Anne Vanderstraete Photographie : Commande spéciale à Hughes Dubois COVER TBC Edited by the unchallenged specialists of the subject and with the contributions of ten distinguished writers, World of Songye is the ultimate publication on Songye (D.R.C.) culture, sculpture, masks and iron forging. The lavishly illustrated book brings a new approach to the study of Songye masterpieces, to the styles of the various regions, to the identification of Songye master artists and to the specificity of Kifwebe masks. It analysis Songye aesthetics and symbols, the religious and magical functions and powers of the objects , the Songye representation of animals, its weapons, the history of collecting Songye artifacts on the field, its influence on modern art and develops a focus on Basquiat. The book displays a large number of unpublished and specially commissioned photographs of Songye works of art from private and public collections, and of historic field photographs. Fonds Mercator S.A. Rue du Midi 2 - 1000 Bruxelles (Belgique) Tél. +32 (0)2 5482535 / Fax +32 (0)2 5021618 pv@fondsmercator.be

TABLE DES MATIÈRES

Volume I

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Chefs-d’œuvre Songye – François Neyt Les différents styles Songye – François Neyt Les maîtres Songye – Bernard de Grunne Un bestiaire Songye - Jacques Cuisin L’exposition de Frans Olbrechts en 1937 - Alexis Maggiar Une figure communautaire nkishi des Songye: un mémoire - Lance Entwistle Une brève histoire des masques Kifwebe des Songye – Bernard de Grunne Un masque Songye atypique à Bâle - Costa Petridis À propos de l’esthétique Songye et de l’art moderne – Susan Kloman Karel Plasmans, un collectionneur exceptionnel - François Neyt Les collectes de Paul Timmermans en Afrique - Karel Timmermans

Volume II

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La puissance de la statuaire, de l’esthétique et de la symbolique de la statuaire Songye – Anne Vanderstraete Le forgeron : un acteur clé des épopées Songye et Luba– Anne Vanderstraete Contre réponses: Deux figures Songye au NMAA – Kevin Dumouchelle En ligne de mire de 1910 à 1960: Cinquante ans de statuaire nkishi Songye documentés par la photographie de terrain – Bernard de Grunne Constant de Deken et Lusambo – François Neyt Fonds Mercator S.A. Rue du Midi 2 - 1000 Bruxelles (Belgique) Tél. +32 (0)2 5482535 / Fax +32 (0)2 5021618 pv@fondsmercator.be

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Le père Gaston Heenen – François Neyt Le fétiche Lindi au Musée de Namur – François Poncelet Arts et artistes africains / Basonge – Fisher /Himmelheber Une découverte insolite: Pyrros Economidès – François Neyt Les figures de pouvoir de Basquiat – Dieter Buchhart

AUTEURS : François Neyt: Professeur émérite de Philosophie et de Littérature à l’Université Catholique de Louvain. A enseigné les cultures et arts africains à l’Université Officielle du Congo. Moine bénédictin, il a été Prieur du Monastère Saint-André de Clerlande (1976-1988), et Président de l’Alliance Inter-Monastères (19972012). Membre honoraire de l’Académie Royale des Sciences d’Outre-Mer de Belgique. Anne Vanderstraete – Van Cutsem: Historienne de l’art, auteure de publications sur les bijoux ethniques et co-commissaire d’expositions au Musée Dapper à Paris. Commissaire et auteure des expositions Magic of Women au Wereldmuseum de Rotterdam et Coins, objects of Trade au Musée Barbier-Mueller à Genève. Dieter Buchhart: Docteur en histoire de l’art et restauration. Conservateur et théoricien de l’art viennois. Depuis 1999, il est critique d'art, a publié de nombreuses monographies et réalisé de nombreuses interviews pour Kunstforum International et d'autres revues d'art. De 2007 à 2009, il a été directeur de la Kunsthalle Krems. Dans ses recherches, il se concentre sur l'art des environs de 1900 et l'expressionnisme, ainsi que sur l'art de 1980 à l'art contemporain. Jacques Cuisin: Conservateur en chef et restaurateur au Muséum national d'Histoire naturelle de Paris. Diplômé de l'Université de Bourgogne en ÉcologieOrnithologie en 1989, qualification supérieure en Conservation préventive du patrimoine culturel (Université de Paris I, 2002). Kevin Dumouchelle: Docteur en Histoire de l’art à la Columbia University NY en 2017. Conservateur, Smithsonian National Museum of African Art. Ancien chef du Départment des Arts d’Afrique et des Îles du Pacifique, Brooklyn Museum. Lance Entwistle: Marchand d’art à Londres et Paris, spécialisé dans les chefs-d’oeuvre des Arts d’Afrique et d’Océanie. A contribué au développement de grandes collections publiques et privées. Susan Kloman: Marchande d’art spécialisée dans les chefs-d'œuvre des arts d'Afrique, d'Océanie et des Amériques. Précédemment Directrice internationale pour l'art africain et océanien chez Christie's. Et auparavant chez Sotheby's. Fonds Mercator S.A. Rue du Midi 2 - 1000 Bruxelles (Belgique) Tél. +32 (0)2 5482535 / Fax +32 (0)2 5021618 pv@fondsmercator.be

Alexis Maggiar: Directeur international pour les arts d’Afrique, d’Océanie et des Amériques chez Christie’s. Précédemment Directeur chez Sotheby’s. Exspécialiste à la Galerie Alain de Monbrison à Paris Constantine Petridis, Doctorat 1997, Université de Gand, Belgique, est président et conservateur du Département d’Art africain et d’Art indien des Amériques à l’Art Institute of Chicago, et ancien conservateur d’art africain au Cleveland Museum of Art, ainsi que professeur adjoint d’histoire de l’art à la Case Western Reserve University. Membre correspondant de l’Académie Royale Belge des Sciences d’Outre-Mer. Auteur régulier à l’Université de Yale.

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Barbara Van der Wee, Françoise Aubry, Benjamin Zurstrassen

LA MAISON ET L’ATELIER DE VICTOR HORTA. 20 ans de restauration. Barbara Van der Wee

Victor Horta (1861-1947) est considéré comme l'architecte belge le plus important du mouvement Art nouveau. Sa maison privée à Bruxelles, construite en 1901, est un rare exemple de ce mouvement architectural qui a connu une brève apogée au tournant du siècle dernier. En 1990, Barbara Van der Wee s'est vu confier la tâche difficile de restaurer la maison - dont le concept architectural d’origine avait été compromis au fil des ans par d'innombrables rénovations – pour la transformer en maison-musée. Dans ce livre, elle raconte sa rencontre avec l'architecture de la maison et les différentes manières dont elle a exploré la maison de Victor Horta, ainsi que son œuvre, ses pensées et ses rêves. Grâce à ce récit personnel et au texte de Françoise Aubry (directrice du musée depuis plus de 30 ans), le lecteur apprend comment Horta est devenu un pionnier virtuose de l'Art nouveau. En outre, le lecteur en vient à comprendre comment, un siècle plus tard, Barbara Van der Wee a développé, progressivement et presque empiriquement, sa propre philosophie et son approche personnelle de la restauration de cet extraordinaire élément du patrimoine architectural bruxellois.

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26,5 x 17 cm 160 pages 100 illustrations 40.00€ Relié ISBN FR 978-94-6230357-7

1. Description unique du processus de création de la maison privée du célèbre architecte Victor Horta à Bruxelles et des modifications qu'il y a apportées par la suite. 2. Remarquable collection de textes et de photographies originaux sur la maison. 3. Documentation complète de l'exploration par Barbara Van der Wee des différentes phases de la construction et du processus de détermination de la phase la plus appropriée pour la restauration. 4. Description et illustration de l'ensemble du processus de restauration qui s'est déroulé sur 20 ans. 5. Textes originaux de Barbara Van der Wee et de Françoise Aubry - directrice du musée Horta depuis plus de 30 ans sur l'histoire du bâtiment et la philosophie de la restauration. En partenariat avec le Musée Horta. Françoise Aubry est responsable pour de nombreuses expositions temporaires au Musée Horta (dont la dernière, en cours, sur Horta et la lumière). L'architecte Barbara Van der Wee dirige l'équipe d'architectes Barbara Van der Wee Architects, Studio for Architecture and Conservation, basée à Bruxelles. Depuis 1988, elle s'est spécialisée dans la restauration, la réutilisation adaptative et la réhabilitation des monuments des 19e et 20e siècles, avec une attention particulière pour divers bâtiments Art Nouveau conçus par l'architecte Victor Horta. Fonds Mercator S.A. Rue du Midi 2 - 1000 Bruxelles (Belgique) Tél. +32 (0)2 5482535 / Fax +32 (0)2 5021618 pv@fondsmercator.be

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Textes : Nathalie de Merode

LADAKH LOINTAIN

Photographies : Anne-Marie Gillion Crowet

Ce livre conserve la mémoire photographique de trois séjours passés au Ladakh entre 1979 et 1981. À peine les frontières ouvertes, Anne-Marie et Roland Gillion Crowet, entraînant leur fille Nathalie, se sont lancés sur les pistes de ce pays mythique qui mène au « toit du monde ». Les clichés sélectionnées et réunies sont l’œuvre d’une photographe amatrice. Et c’est ce qui en fait des témoignages exceptionnels. Collectionneuse d’art premier, fascinée par les cultures extra-européennes, Anne-Marie Gillion Crowet a fait de ces photographies le théâtre de rencontres exceptionnelles avec les habitants du Ladakh encore attachés à leur traditions séculaires.

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32 x 24 cm 600 pages 800 illustrations 80€ Relié ISBN FR 978-94-6230370-6

Pour comprendre ces photographies, Nathalie de Mérode, leur fille qui avait pris part aux trois voyages, s’est immergée dans l’ample documentation consacrée à ce pays des confins. La culture, la religion, la structure sociale, la vie quotidienne et l’histoire sont convoqués pour permettre à chaque lecteur de se transformer en voyageur. Par son texte, dynamique et informé, l’auteure ouvre la porte au lecteur d’une compréhension de ce « Lointain Ladakh ».

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photographie PHOTO POCHE

ANDERS PETERSEN [Nouvelle édition] Photographies d’Anders Petersen Introduction de Christian Caujolle

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oète d’un monde souvent noir, raisonnable à sa manière parce qu’excessif, Anders Petersen est en constante prise de risque”, écrit Christian Caujolle à propos de ce grand photographe suédois. En 1978, Anders Petersen (né en 1944) se révèle par la publication de Café Lehmitz (Schirmer / Mosel, 1978) série devenue culte, récemment rééditée par Prestel (2023). Il chronique avec tendresse et précision du quotidien d’un bar de Hambourg où se retrouvent paumés, prostituées, marins et marginaux. Attaché à l’humain, à son énigme, à sa solitude et à la complexité des émotions qu’il a su mettre en évidence aussi bien à l’hôpital psychiatrique qu’en prison ou à la maison de retraite, Anders Petersen explore ces mondes clos de l’intérieur. Élève de Christer Strömholm, père de la photographie suédoise, il revendique la dimension documentaire de son travail. Avec son écriture au grain puissant et aux contrastes forts, cette distance qui lui est propre, se tenant à la fois en dehors et en dedans du cadre, il prend des portraits de la réalité ordinaire. Ainsi, il révèle dans des situations de marginalisation, une intensité et une vérité rares des sentiments. En 2003, Anders Petersen est nommé photographe de l’année lors des Rencontres d’Arles. Son journal photographique (en cours depuis vingt ans) City Diary (Steidl, 2012) est récompensé en 2012 par le Prix du livre Paris Photo-Aperture Foundation.

, ×  cm  pages  photographies en noir et blanc ouvrage broché photo poche n°  gencode :  mars 2024 prix provisoire : , 

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Repères Points forts • Nouvelle édition entièrement remaniée et enrichie des derniers travaux d’Anders Petersen. • Un grand nom de la photographie suédoise. • Première édition chez Actes Sud : 7 500 ex. vendus. • Pour découvrir la photographie suédoise dans la collection Photo Poche : Christer Strömholm (no 106, 2006), mentor d’Anders Petersen ; JH Engström (no 167, 2021), son collaborateur et ami. Mots-clés • Photographie suédoise / intime / asile / prison / relations humaines / documentaire / portrait / marginalisation / hôpital psychiatrique / humanité / Hambourg / café Lehmitz / prostituée

Né en 1953, Christian Caujolle est critique d’art, journaliste, photographe et directeur artistique du Château d’Eau (Toulouse). Ancien responsable de la photographie à Libération, il est l’un des fondateurs de l’Agence vu et a été directeur artistique de la galerie du même nom. Il est notamment l’auteur des introductions des Photo Poche n° 107 et 132, Agence VU’ galerie (2004) et Tendance ﬂoue (2011).

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photographie PHOTO POCHE

GIANNI BERENGO GARDIN [Nouvelle édition] Photographies de Gianni Berengo Gardin Introduction de Giovanna Calvenzi

ianni Berengo Gardin (né en1930), considéré comme l’un des plus grands photographes italiens, est, à plus de 94 ans, le témoin infatigable de la seconde moitié du xxe siècle en Europe. Mais il a surtout sillonné son pays et recueilli quantité d’histoires des petits et grands changements qui l’ont traversé. Peu marqué par la vision néoréaliste qui dominait en Italie au temps de ses premiers pas, il choisit très tôt de témoigner, exclusivement en noir et blanc, sans parti-pris politique, de la réalité des ouvriers, des déracinés du Sud (I teroni) mais aussi des marginaux, des Roms et des internés psychiatriques. Malgré son appartenance déclarée à l’école humaniste, nourrie des images d’Henri Cartier-Bresson, il n’a jamais cherché l’image singulière, capable de synthétiser l’événement, mais il a cultivé le besoin d’approfondir, d’entrer dans les détails. Les livres ont toujours été son terrain de prédilection, d’abord imposé avec une certaine difficulté à ceux qui lui passaient commande, ensuite de façon naturelle, presque inévitable. Il en a fait plus de 250. Pour lui, ce qui compte n’est pas tant “comment” on photographie que ce que l’on photographie. C’est une déclaration d’une grande humilité, prononcée comme une vérité indiscutable, et c’est la clé pour comprendre la qualité, simple et complexe, humaine et professionnelle de ce maître italien.

12,5 × 19 CM 144 PAGES 64 PHOTOGRAPHIES EN BICHROMIE OUVRAGE BROCHÉ PHOTO POCHE N° 102

GENCODE : 9782330189136

mars 

Repères Points forts • Nouvelle édition, ventes précédentes : 3 554 exemplaires vendus. • Grande ﬁgure humaniste italienne, à rapprocher de son confrère italien Mario Giacomelli (que nous devrions rééditer prochainement, 4 473 exemplaires vendus). Liens avec le fonds • Robert Doisneau (Actes Sud, 2000, rééd. 2008) : 13 609 exemplaires vendus. • Sabine Weiss (Actes Sud, 2021) : 8 492 exemplaires vendus. • Willy Ronis (Actes Sud, 1997, rééd. 2005) : 16 601 exemplaires vendus.

Critique et historienne de la photographie, Giovanna Calvenzi a été rédactrice photo au sein du comité de rédaction de plusieurs magazines italiens. En 1998, elle a été directrice artistique des Rencontres internationales de la photographie à Arles, en 2002 commissaire invitée de Photo España à Madrid et en 2014 déléguée artistique du Mois de la photo à Paris. Depuis 2013, elle est responsable des archives Gabriele Basilico à Milan.

PRIX PROVISOIRE : 14,50 €

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arts ALFRED LATOUR, UN REGARD SUR LA FORME Collectif

n regard sur la forme présente l’œuvre et les recherches menées entre 1928 et 1964 par Alfred Latour, membre de l’Union des artistes modernes, dans deux de ses médiums de prédilection : la photographie et le dessin pour imprimés textiles. On y découvre l’imbrication subtile des médiums, comment le motif d’un imprimé pensé pour la mode trouve sa source dans le regard du photographe, comment les natures mortes photographiées inspirent un dessin au crayon et donnent naissance aux structures complexes et répétitives qu’impose l’impression au cadre à plat. Tous ces gestes trouvent une origine dans la parfaite maîtrise de la gravure, de la bichromie, de l’espace de la planche, de la répétition du motif et du génie graphique. À l’époque de ses recherches, la photographie et le design textile n’avaient pas le statut qui leur est accordé aujourd’hui. C’est là où Alfred Latour s’inscrit dans une mouvance moderne, celle des “formes utiles” : il impose la reconnaissance esthétique de ces disciplines – revendication qui culminera avec la production des toiles de Fontenay (1948-1952), imprimées en multiples exemplaires et élevées au statut de tentures murales, avec la même qualité décorative qu’une peinture, une gravure ou une affiche. Au-delà de l’interaction et de la diversité des techniques, on comprend que le talent de Latour s’exprime de façon singulière dans chacune d’elles, composant une œuvre plurielle et cohérente.

22 × 28 CM 192 PAGES 130 ILLUSTRATIONS EN COULEUR OUVRAGE RELIÉ GENCODE : 9782330189389 avril  PRIX PROVISOIRE : 29 €

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Marion Falaise est responsable scientiﬁque des collections arts décoratifs et arts graphiques du musée des Tissus et des Arts décoratifs de Lyon. Matthieu Gafsou est photographe. Aziza Gril-Mariotte est professeure des universités et chercheuse à l’umr Telemme, directrice générale du musée des Tissus et des Arts décoratifs de Lyon. Daniel Rouvier est conservateur en chef et directeur du musée Réattu d’Arles.

Repères Points forts • Suite du cycle sur Alfred Latour publié avec la Fondation Alfred latour, monographie sur le designer textile : Alfred Latour, les gestes d’un homme libre (Actes Sud, 2018) et Alfred Latour, photographies. Cadrer son temps. (Actes Sud, 2018). • Sortie en lien avec une exposition au musée Réattu d’Arles qui se déplacera ensuite au musée des Tissus et des Arts décoratifs de Lyon. Liens avec le fonds • Regards sur le patrimoine textile (Actes Sud, 2009). • Savoir & faire : les textiles (Actes Sud, 2020) : 1 974 exemplaires vendus.

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cinéma MÉMOIRES Bertrand Tavernier Avec la contribution de Thierry Frémaux

éalisateur incontournable du cinéma français, défenseur amoureux et acharné du septième art, Bertrand Tavernier a entrepris en 2020 d’écrire ses Mémoires.

Si sa mort un an plus tard, le 25 mars 2021, l’empêchera de mener la tâche à son terme, les quelque 700 pages de ce volume, couvrant la vie du metteur en scène jusqu’au milieu des années 1980, n’en constituent pas moins un document unique et passionnant.

Repères Points forts • Les mémoires d’une ﬁgure majeure du cinéma français. • Un témoignage unique sur les débuts de la cinéphilie. • Une histoire, en creux, du cinéma français des années 1960 et 1970.

De son enfance lyonnaise à l’aventure du Nickel Odéon, le ciné-club où commencera de s’exercer sa cinéphilie, de ses années d’attaché de presse à ses premiers pas en tant qu’assistant de Jean-Pierre Melville, de la mise en scène de L’Horloger de Saint-Paul à celle d’Un dimanche à la campagne, ces Mémoires interrompus racontent une vie dans et pour le cinéma.

14,5 × 24 CM 672 PAGES OUVRAGE BROCHÉ GENCODE : 9782330190286

COÉDITION INSTITUT LUMIÈRE/ACTES SUD

AVRIL 2024

PRIX PROVISOIRE : 26 €

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cinéma

ertrand Tavernier est un réalisateur, scénariste et producteur français, président de l’Institut lumière. Né à Lyon, le 25 avril 1941 et disparu le 25 mars 2021 à Saint-Maxime, il est le fils de l’écrivain et résistant René Tavernier. Après-guerre, il s’installe avec sa famille à Paris, et termine ses études secondaires au Lycée Henri IV où il se lie d’amitié avec Volker Schlöndorff. Ils découvrent ensemble la cinémathèque de la Rue d’Ulm. Cinéphile passionné, il commence pour gagner sa vie, par collaborer à des hebdomadaires et revues de cinéma, tels que Cinéma 60, Les Lettres françaises, Combat puis Positif. Il est le seul qui parvient à écrire aussi bien à Positif qu’aux Cahiers du cinéma d’Eric Rohmer. En 1960, il devient assistant de Jean-Pierre Melville sur le tournage de Léon Morin, prêtre, puis attaché de presse pour le producteur Georges de Beauregard dès 1961, travaillant avec Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Agnès Varda. Il réalise son premier long métrage en 1973, à Lyon. Intitulé L’Horloger de Saint-Paul et adapté de l’œuvre de Georges Simenon, le film est récompensé par le Prix Louis-Delluc et l’Ours d’argent à Berlin, et marque sa rencontre avec Philippe Noiret qui deviendra son acteur fétiche (Que la fête commence, Le Juge et l’assassin, Coup de torchon, La Vie et rien d’autre, La fille de d’Artagnan). Éclectique, il aborde plusieurs genres cinématographiques, de la comédie dramatique (Un dimanche à la campagne, Daddy Nostalgie) au film de guerre (Capitaine Conan) en passant par le film historique (La Vie et rien d’autre, Laissez-passer, La Princesse de Montpensier) ou le polar (L.627, L'appât, Dans la brume électrique). Il parle aussi bien du jazz (Autour de minuit) que des instituteurs en zones défavorisées (Ça commence aujourd’hui) et tourne de nombreux documentaires : La guerre sans nom, De l’autre côté du périph et le dernier, sorti à l’automne 2016, Voyage à travers le cinéma français, particulièrement salué par la critique. Il a déclaré à plusieurs reprises qu’il a fait tous ses films pour apprendre , pour découvrir un monde, une époque qu’il ignorait. Passionné par l’écriture, il va redonner leur chance à de grands scénaristes et dialoguistes restés sur le bord du chemin comme Jean Aurenche et Pierre Bost. ( parce qu’ils avaient écrit en 1942 Impatience et Révolte ), faire débuter au cinéma Jean Cosmos mais aussi le policier Michel Alexandre, la comédienne Christine Pascal et Colo O’Hagan. Cinéaste engagé et profondément enraciné dans l’époque, il cristallise dans ses films son combat contre les travers de la société et son engagement contre l’injustice, la guerre, le racisme, la peine de mort. Nommé dix-neuf fois aux Césars, cinq lui sont décernés : deux Césars du meilleur réalisateur (1976 et 1997), deux du meilleur scénario original ou adaptation (1976 et 1977) et un pour la meilleur adaptation (1985). Il obtient le Prix de la mise en scène à Cannes pour Un dimanche à la campagne et le prix du meilleur film policier à Beaune pour Dans la brume électrique. En parallèle, il co-dirige depuis 1994, avec Thierry Frémaux, la collection d’ouvrages sur le cinéma coéditée par Actes Sud et l’Institut Lumière (Conversations avec Billy Wilder de Camerone Crowe, Conversation avec Claude Sautet de Michel Boujut, Hollywood, la cité des femmes d’Antoine Sire, Au travail avec Eustache de Luc Beraud, entre autres) ; il est lui-même l’auteur de plusieurs livres sur le cinéma dont le célèbre Amis Américains : Entretiens avec les grands Auteurs d'Hollywood. Chez Actes Sud, il dirige aussi la collection L’Ouest le vrai dans laquelle il fait redécouvrir les plus grands romans western qui ont, pour la plupart, fait l’objet d’adaptations au cinéma. Il fait traduire et découvrir, dans cette collection, de magnifiques romans inédits de WR Burnett, Ernest Haycox, Tom Lea, AB Guthrie..

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musique FAITES VOS JEUX ! LA VIE MUSICALE DANS LES CASINOS FRANÇAIS (XIXE-XXE SIÈCLES) Ouvrage collectif dirigé par Martin Guerpin et Étienne Jardin

n joue beaucoup au casino, mais pas seulement de l’argent : pour attirer le public, ces établissements ne lésinent pas sur les moyens et offrent aux musiciens de nombreux espaces d’expression. Apparaissant au milieu du xixe siècle dans les stations balnéaires et thermales, les casinos français ont joué un rôle important – et pourtant ignoré – dans le développement artistique du territoire français jusqu’à la fin du xxe siècle. Ce livre collectif aborde l’activité musicale dans ces établissements sur le temps long et propose des approches très diverses du sujet. Des études sur un lieu précis y côtoient l’analyse de parcours individuels d’instrumentistes et la programmation de certains genres (comme le jazz, le ballet, l’opéra, la musique contemporaine ou le punk) ou d’œuvres spécifiques (notamment celles de Mozart ou de Wagner). Certains chapitres permettent également de faire le point sur la législation des spectacles dans les établissements de jeux, l’architecture des bâtiments et leur fonctionnement économique. L’imaginaire des musiques de casino (chez Marcel Proust ou au cinéma) se voit aussi ausculté. La compilation de ces recherches inédites offre un large panorama du phénomène. En s’appuyant sur les exemples de Deauville, Cabourg, Vichy, Saint-Malo, Cannes, Boulogne-sur-Mer, Aix-les-Bains, Les Sables-d’Olonne, Royan ou encore Aix-enProvence, ce livre propose, enfin, une histoire de la musique en France qui ne reste pas obnubilée par Paris.

16,5 × 24 CM 448 PAGES 30 ILLUSTRATIONS EN NOIR ET BLANC OUVRAGE BROCHÉ GENCODE : 9782330189198

COÉDITION PALAZZETTO BRU ZANE/ACTES SUD AVRIL 2024

PRIX PROVISOIRE : 45 €

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Repères Points forts • Premier livre sur la musique dans les casinos français. • Style musicaux abordés très divers : opéra, ballet, musique symphonique, création contemporaine, jazz, rock. • De nombreuses villes étudiées (Deauville, Cannes, Aixles-Bains, Boulogne-sur-Mer, etc.). • Couvre une large période historique (du milieu du XIXe siècle jusqu’à la ﬁn du XXe).

Ancien élève de l’École Normale Supérieure de la rue d’Ulm et du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Martin Guerpin est maître de conférences en musicologie à l’Université Paris-Saclay. Ses travaux portent sur l’histoire française et européenne du jazz et des musiques populaires, sur les processus d’américanisation par les arts, et plus généralement sur les relations entre musique et identité (xixe-xxie siècles). Étienne Jardin est directeur de la recherche et des publications du Palazzetto Bru Zane – Centre de musique romantique française (Venise). Docteur en Histoire de l’École des hautes études en sciences sociales, ses travaux portent sur la vie musicale au xixe siècle. Il a cofondé la revue Transposition. Musique et sciences sociales et dirigé plusieurs ouvrages collectifs (parus chez Actes Sud, Brepols et Peter Lang). Il a publié Exposer la musique. Le festival du Trocadéro (Paris 1878) en 2022 chez Horizons d’attente.

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