Rebelle: La mujeres en el rock by adriana.carr

Adriana Carrada Zúñiga Recopiladora

Mérida, Yucatán, México 2020 9

Rebelle: Las mujeren en el rock Recopilador: Adriana Carrada Zúñiga

Obra editada e impresa por Adriana Carrada Zúñiga D.R © Universidad del Valle de México Calle 79 500, Sin Nombre de Col 27, 97302 Mérida, Yuc. www.rebelle.com.mx Tel. (999) 236 8796 ISBN: 224-342-87492-9-4 Prohibida la reproducción parcial o total de esta obra por cualquier medio, sin permiso escrito del titular de los derechos. Coordinación de la obra Sonia Olvera Carrasco Cuidado de edición y revisión de textos Iiana Zúñiga Toscano Mario Javier Celis Gutierrez Diseño de interiores, cubierta y fotografía Adriana Carrada Zúñiga

HQ 1452 .C46 2020

Editado e impreso en Mérida-México Made and printed in Merida-Mexico

Rebelle: las mujeres en el rock/2020 Adriana Carrada Zúñiga, coordi nador, c2020. Mujeres-Rock-Historia-FeminismoMúsica ISBN 978-607-8424-11-5

Prólogo E

n uno de los rincones de mi habitación hay una biblioteca con algunas de las biografías e historias de los artistas y las bandas más importantes en la historia del rock n’ roll. Parados verticalmente en las repisas hay una buena colección de historias y relatos que hablan de la vida, muerte, adicciones, anécdotas e inspiraciones de aquellos íconos claves en cada una de las etapas a través de las cuales el rock se asoció de alguna manera con un sonido, una estética y unos mensajes revolucionarios que incitaron a las personas a salir de un conformismo y emprender así la búsqueda de nuevas emociones; más relaciones humanas, más música y pasión. Hay libros de Elvis Presley y de Chuck Berry. Sin guardar ninguna clase de orden cronológico también hay una antología de Jim Morrison; libros que comparan a The Beatles con The Rolling Stones; el punto en común es que en estos anaqueles de madera todos los libros hablan sobre las proezas de los hombres. Las mujeres sí están en las páginas, pero de otra manera. De hecho, son una parte sumamente importante en las historias de esos hombres.Las mujeres aparecen como las musas que generan la inspiración para la composición de canciones o grandes clásicos; como los demonios que aterran en los sueños a las agobiadas estrellas; como los amores imposibles, como la engendración perfecta de la belleza; como la manzana de la discordia que agita sentimientos de envidia, rencor y celos entre los miembros de una banda y pueden provocar incluso su separación. Es debido a la coyuntura social y cultural de los años 60’s que las mujeres comienzan a tener una mayor participación en los escenarios –además de Janis Joplin se puede nombrar también a Grace Slick de la banda Jefferson Airplane-. A partir de dicha década, la cultura se revela por medio de un malestar intranquilo, una inconformidad que no solo se materializa a través de protestas pacíficas sino también por medio una especie de rabia contenida que encontraba en la música, nuevas posibilidades para la liberación. Y, claro está, esta liberación también se expresaría en una mayor igualdad de género –fraternidad, eliminación progresiva de las barreras sociales- que les permitiría encontrar a las mujeres nuevos canales para expresar su arte a un nivel masivo. Un rasgo característico de las mujeres del rock, si uno se atreviera a buscar algún elemento común, en sin duda alguna la deconstrucción de los estereotipos convencionales que se han formulado en las sociedades patriarcales. Se ponen en juego rasgos de producción artística autónoma, disruptivos, que se valen de la belleza y la sugestión femenina, pero sobre todo de su talento innovador como medio para crear nuevos símbolos de liberación. En el fondo, lo que las mujeres han hecho por el rock, resulta ser sin lugar a dudas tan brillante y tan significativo como lo que han hecho bandas como The Beatles, The Doors o Nirvana: plantarse ante el mundo con la resolución ilimitada de proyectar nuevas oportunidades de creación; enrostrarle a la sociedad una serie de abusos y vicios que debían ser suprimidos mediante una vocación artística que se abría paso entre las nuevas generaciones; reformular el orden común de las cosas, disociar y disgregar, volcar todos los instintos y emociones en una canción. Sacudirse ante la presión de escenarios sociales cegados por el conformismo para generar nuevas maneras de vivir, de provocar, de sugerir, de incitar, de seducir, de inspirar, de amar y de odiar, también, pero por encima de todas las cosas, de crear.

Índice 01

La historia del rock

Los géneros del rock

Primeras notas .......................18 Antecesores La distorsión

Mujeres en la escena

Los 60´s

La rebellion femenina .........51

Janis Joplin ........................68 De los bares a los esc narios Little girl blue Stevie Nicks ........................74 La bruja del rock El ícono femenino Patti Smith .........................80 Espíritu libre La sacerdotisa del rock

Debbie Harry .....................90 Feminista en los 70’s Blondie Joan Jett .......................94 Original riott girl Icono del punk

Del rock & roll al grindcore ...27 Heavy metal Glam metal Trash metal Death metal Black metal

Los 70´s

Pat Benatar ......................100 In the heat of the night La voz del rock Bjork

......................106 Artista del futuro La inspiración

Los 80´S Lita Ford ......................116 The runaways En las cuerdas Doro Pesch .......................120 La voz en el metal Pionera del heavy metal Siuouxie Sioux ...................128 La hora de la bruja Nacimiento del rock gótico Shirley Manson ..................134 Garbage La voz del rock alternativo

Los 90´s Amy Lee ......................144 De la música clásica al rock Evanescence

Los2010 Tatiana Shmaylyuk .............200 Jinjer Los dos lados de la música

Brody Dalle .......................150 Spinerette El punk rock

Taylor Momsen ..................204 De actriz a cantante The pretty reckless

Dolores O´riodan ................154 Una voz única y vibrante The cranberries

Alissa White-Gluz ..............210 Arch enemy The agonist

Lzzy Hale .......................160 El hard rock y los Grammys Halestorm Alanis Morrissette ..............164 Now is the time Música y productora

Bibliografía

Los 2000 Karen O ......................174 Yeah yea yeahs Un sonido diferente Simone Simons .................178 Epica La sinfonía y el metal Angela Gossow ..................184 Arch Enemy Los guturales Candace Kucsulain ............188 Walls of jericho Cada vez más rudas Cristina Scabbia ................192 Lacuna coil Los 100 mejores vocalistas del metal

......................219

a L oria t ih sdel k c o r

CAPÍTULO 1

“Forever, forever, you’ll stay in my heart And I will love you Forever and ever we never will part Oh, how I’ll love you Together, together, that’s how it must be To live without you Would only be heartbreak for me” Aretha Franklin - i say a little prayer

Los antecesores del rock El término rock and roll era en su origen un término náutico usado por los marineros durante siglos. Se refiere al “rock” (movimiento hacia atrás y delante) y roll (movimiento hacia los laterales) de un barco.

numerosas generaciones de esclavos africanos que habían llegado a Norteamérica siglos atrás, permanecían viviendo en precarias condiciones, apartados y segregados. Tal como sus antepasados. Aquella población estaba esparcida a lo largo del territorio, pero tenía una presencia mucho mayor en el sur de Estados Unidos, particularmente en el estado de Misisipi. Un estado históricamente asociado a la tierra, la agricultura y la ganadería.

Por esos años incluso, más de la mitad de la población de Misisipi correspondía a afroamericanos. En ese ambiente, y siempre con mucho trabajo por hacer, aquella población sufrida, violentada y segregada, lograba distraerse de aquel e conoce como Rock a un conjunto de géneros vaentorno de miserias con la música. Ahí surge el blues. La múriados de música popular, descendientes más o mesica del alma. Y también, el padre del rock and roll. La mezcla nos del Rock n’ Roll original nacido en los Estados Unidos en de R&B(rhythm and blues), gospel, folk, country, jazz y blues, la década de 1950, como fruto de una fusión entre la música entre otros, son los géneros que hicieron posible el nacimiento Country y el Rhythm and Blues. Típicamente, el Rock es un gédel rock and roll. Aunque lo que convirtió al rock en lo que es nero reconocido por la predominancia de la guitarra eléctrica, hasta nuestro días, fue la unión de las culturas y el aporte de con canciones de compás 4/4 y una estructura verso-estribillo. diversas razas, continentes, influecias y experiencias completaPero en su evolución particular es difícil hoy en día dar con camente diversas. Mientras que el góspel fue un canto entonado racterísticas realmente comunes. de esperanza religiosa, evangélica, que nació con la comunidad negra norteamericana, especialmente con Aretha Franklin, Sam En líneas generales las temáticas de sus canciones apuntan a Coke y Jake Hess.Por otra parte, el country también sirvió para lo social, lo político y también el amor y la emoción, haciendo gestar el rock al sur de EUA, donde era tocado principalmente por énfasis sobre todo en aspectos como la composición, la perforinmigrantes irlandeses, como su gran exponente Hank Williams. mance en vivo y la originalidad. Los diversos estilos del Rock Además de otros exponentes destacados como Hank Snow, Roy han servido a lo largo de las décadas de representación y esAcuff, Ernest Tubb, Jimmie Rodgers, etc. píritu a diversos colectivos urbanos o “tribus”, e incluso a movimientos sociales de distinta naturaleza, llegando a convertirse Mediados de la década del 50’ y a la gente en Estados Unidos le paa la vez en bandera contracultural y antisistema, vehículo de la recía simpático escuchar a Bo Diddley, Little Richard o Chuck Berry denuncia social y los reclamos de las minorías, y también en un (conocido por las generaciones más actuales por el cover que Marrepresentante de la cultura estadounidense y su conquista ecoty McCfly hace de su clásico “Johnny B.Good”, en nómica, política y social del mundo durante décadas de comporVolver al Futuro). Pero ellos seguían siendo netamiento imperialista. gros. Y en ese entonces, ese hecho limitaba la naciente popularidad del género. Se requería La historia del rock and roll, tiene una serie de antecedentes, una figura blanca para expandir los horizontes sin embargo, los principales nos llevan a las bases rítmicas del rock a todos los estratos sociales. Paray el desenfreno de la música del continente negro. Silelamente un joven de Memphis, Tennessee tuémonos en el Estados Unidos post segunda guerra daba sus primeros pasos en la música. Elvis mundial, a mediados del siglo XX. Si bien la esAaron Presley (1935-1977). ”That’s all right” clavitud había sido abolida oficialmente por fue la primera grabación de Elvis, en 1954. Abraham Lincoln en 1865, las sucesivas y Y aquel fue el punto de inflexión.

Aretha Franklin, cantante estadounidense de Soul.

REBELLE: Las mujeres en el rock

Ya no habría vuelta atrás. El rock and roll llegaba para quedarse. A pesar de escandalizar a los más conservadores por sus movimientos, inauditos para la época, Elvis se convertía, por su voz, su carisma, su look y su sensualidad en el único e indiscutido “Rey del Rock”. En esta época, comienza una rebelión juvenil producto de varias circunstancias históricas y sociales. Luego de Guerra, las generaciones jóvenes eran pasivas y escépticas. Europa, se convirtió en un mundo de niños y ancianos. Al terminar la década de los ‘50, estos niños se transformaron en adolescentes y jóvenes y comenzaron a trabajar en la sociedad de consumo que imperaba en ese entonces en el viejo continente y en Estados Unidos. Para poder integrarse al ritmo de este nuevo tipo de sociedad, se desempeñaban en talleres de mecánica, gasolineras o repartiendo leche. Pero no todos estos muchachos tenían la posibilidad de ganar dinero. De este grupo surge la primera actitud de rebeldía: el “gamberrismo”. Los gamberros rechazaban el sistema al no poder llevar el ritmo impuesto por los consumistas. Aparecieron las primeras actitudes resentidas, manifestadas en el ataque a objetos que simbolizaban la sociedad. Solían juntarse en pandillas con motos, recorriendo las ciudades velozmente como signo de energía y vitalidad, en especial para molestar a la gente formal. También se les llamó coléricos por sus actitudes agresivas. Luego este término pasó a significar rebelde. Este tipo de jóvenes tuvo que identificarse con alguna forma cultural o, mejor dicho, “contracultural” con la cual comunicarse, eligiendo al rock como medio musical y estético de expresión. Esta rebeldía se atenúa en los años setenta y en la actualidad tiene variadas expresiones. Estos grupos se han valido del contacto personal y no masificado, ropas estrafalarias y de las drogas para criticar a la sociedad. Por esto es que a muchas personas les choca la música desafiante, las

Imagen central Elvis Presley “El rey del rock” 1964

Primeras notas

insólitas vestimentas o la ambigüedad sexual de ciertos músicos del género. Sin embargo, a otros les atrae, pues es una apertura a nuevas emociones, un método de escapismo o entretención y una proyección de lo que uno quisiera hacer o ser. Finales de los 50’ un desadaptado joven del puerto inglés de Liverpool, esperaba pacientemente la llegada de los marineros en busca de su máxima pasión: la música. Ellos eran los que traían las últimas novedades discográficas desde el otro lado del Atlántico. Este joven, llamado John Lennon, era un fanático de Elvis. Y ese fanatismo lo llevó a cumplir un sueño anhelado por muchos: formar su propia banda de rock and roll. Así, John dio vida a los “Quarrymen.” La leyenda cuenta que en uno de esos conciertos asiste de público Paul McCartney, quien a poco andar se integraría a la banda, pese a que en un principio, Lennon dudó, por encontrarlo muy “sobrado”. Le gustó sí, que Paul supiera afinar la guitarra, cosa que él, no sabía. McCartney tenía un amigo menor que él, se llamaba George Harrison, quien también fue aceptado por Lennon. La formación la completaba Stuart Sutcliffe, íntimo amigo de Lennon, en el bajo, McCartney tocaba la batería. Pero como todos sabían que Stuart no era músico, sino que pintor y estaba ahí únicamente por ser el mejor amigo de John, terminó saliendo de la banda en buenos términos. Por ese entonces ya habían cambiado su nombre a “The Beatles”. Entraba a la banda Ringo Star y el mito comenzaba. “Love me do”, en 1962 fue su primer sencillo y todo el mundo se ponía a sus pies. The Beatles, son considerados hasta nuestros días, la banda (no sólo de rock) más importante en la historia de la música. Su influencia es incomparable, al igual que sus ventas. Más de 1500 millones de discos en todo el mundo. Pero los 60’ no fueron sólo de Los Beatles. The Rolling Stones, The Who, Janis Joplin, “Jimi” Hendrix, Creedence o The Doors fueron bandas tremendamente influyentes, convirtiendo al rock and roll en el estilo de música favorito de las generaciones más jóvenes. La década termina con el festival de música más recordado hasta nuestros días: Woodstock. Acá puedes escuchar el audio de “Piece of my heart”, de Janis Joplin y aquí la actuación de Jimi Hendrix con “Voodo child”.

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la distorsión del sonido Luego de sentir esos nuevos sonidos, tan eléctricos y frenéticos que las bandas de rock británico llevaron al país del norte, los artistas y la industria reaccionó a ese agujero que habían dejado las estrellas de una década atrás.

partir de los años 60 el rock and roll tuvo un importante desarrollo y evolución que se expresó a través de una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos y estilos que convirtió el rock and roll en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo. El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre la música negra. La popularización del rock and roll sirvió para que muchos músicos, pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockeros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma la realidad social de su entorno en la canción “Johnny B. Goode”. No es sino a partir de los años 1960, cuando el rock and roll decae y deja de ser el ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes en los 50, dando paso al género denominado rock o música rock, que marcaría un hito entre la naciente generación joven de los 60. Sin embargo, del rock and roll nacieron distintos subgéneros como el rockabilly, doo wop o el hard rock, y fenómenos como el de los Teen Idols o los Girl Groups, estos últimos patrocinados principalmente por Phil Spector y de él han derivado géneros como el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el glam, y entre todos ellos siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n’ roll. Así, Lennon definió al Glam, como “rock n’ roll con pintalabios”, y a algunos artistas de hard rock o heavy metal como Motörhead o AC/DC les agrada definirse como músicos de rock n’ roll.

Jimmy Page, Led zeppelin.

Primeras notas

A estas agrupaciones se unen Bob Dylan, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Led Zeppelin entre otros que son hoy en dia grupos bastante escuchados entre la comunidad que gusta de estos artistas y estilo de música; así con más grupos sumergidos al género terminaba la década con los subgéneros rock psicodélico y rock progresivo y se iniciaban los ‘70.

Overdrive (sobrecarga) es el término empleado en el rock para denominar la distorsión controlada del sonido de los instrumentos, normalmente guitarras eléctricas, con el fin de dotarles de cierta riqueza o un sonido más característico de la música moderna. Se dice que dicho sonido empezó a popularizarse por parte de Kinks. Otros lo atribuyen a The Who debido al sonido roto producido por sus amplificadores rotos tras los golpes en el escenario.

Una nueva era se inicia a partir del año 1970 donde más estilos se unirían a los ya existentes. Aquí siguen Led Zeppelin, Deep Puple junto a Black Sabat además de otros grupos surge el Heavy Metal. Paranoid álbum de Black Sabat inaugura y planta las bases para el nuevo estilo. Ahora, en torno a este genero existe una frase bastante conocida, que surge en esta década, “Drogas, Sexo y Rock and Roll” que se asienta a través de la gira (American Tour) realizada por los Rolling Stones en 1972.

Jimmy Hendrix tocando en un show.

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Nacen otras bandas como Queen, con el Hard Rock, Rock Progresivo y el Glam Rock así también Ramones se inicia con el Punk Rock. Entre los géneros citados, la agrupación norteamericana Aerosmith salta a la fama en el universo de la música introduciéndose en una mezcla entre Hard Rock y Funky. En esta década, la de 1970, van emergiendo varios grupos nuevos como Iron Maiden y nuevos estilos como el Rock Electrónico, el Rock Gotico, Industrial, todo esto en la etapa final de la década de 1970 e inicios de 1980. A partir de los años ’80, el rock sufre un cambio con el surgimiento del estilo Neo-progresista, derivado del Rock Progresivo. Este estilo se caracteriza por ser más melódico y las letras que hacen parte de este, son sentimentales. Algo que también se une a la música es una vestimenta con peinados propios de la época. Bon Jovi, Europe, Michael Jackson, Madonna, Duran Duran y Guns N’ Roses, artistas y agrupaciones ganan renombre en esta época con numerosos éxitos. También aparece el Rock Cristiano, interpretado por bandas cuyos participantes son cristianos. El Trash Metal se inicio con grupos como Metallica, Megadeth, Slayer, Sepultura y Pantera entre otros más. Una nueva era se inicia con la llegada del año 1990, donde nacen los estilos Black Metal, Death Metal, Rock Fusion, unión del Rock, Metal, Punk y fusión con los estilos rap y funk. Así también tiene continuidad el Grunge, con el lanzamiento del álbum “Nevermind” de

Ozzy Osbourne y Tony Iommi, Black Sabbath.

Primeras notas

la agrupación estadounidense, Nirvana. Más tarde se unen Nickelback, The Smashing Pumpkins. El año 2000 se alista en la historia del rock agregando a nuevas bandas musicales dentro de la corriente. Nuevas bandas de rap metal como Rage Against The Machine, Linkin Park y Limp Bizkit. Otros géneros y grupos que se unen a la historia son el Nu metal, con System of a Down. El Pop Rock Alternativo, con agrupaciones como Coldplay, Muse, también Linkin Park, Green Day y Evanescence entre otros. Devino además una oleada con el Pop-Punk, dentro de este se introdujeron bandas como The Offpring, Blink 182, Sum 41 y el mencionado grupo norteamericano Green Day. Muchos tantos grupos son los que forman este estilo de música que combina sentimiento, filosofía y cultura, el Rock, un género que puede absorber otros tantos y formar nuevos adaptándose a las épocas y perpetuándose en la historia, en los oídos de mucha gente, en el pensamiento y en el corazón de numerosos amantes de la música, pero por sobre todo del Rock.

El concierto más impresionante y multitudinario de METALLICA tuvo lugar en Moscú (Rusia) el 28 de septiembre de 1991 en el mítico festival itinerante Monsters Of Rock (mira el video más abajo). La edición de 1991 del festival con origen británico registró una asistencia de 500.000 personas, aunque algunas fuentes engordan esta cifra hasta llegar a casi las 2 millones de personas.

Metallica, Moscú, 1991.

CAPĂ?TULO 2

s o L eros n k e g el roc d 27

“She a classy, flashy lassy Imitation sapphire shine Two faced liar, full of fire But I know the flame is mine” Judas Priest - Rocka Rolla

EL HEAVY METAL Cada género de metal posee un rasgo característico, dentro del mundo de la música metal, es común conseguir bandas que han logrado distinguirse por ciertas características, de modo que se puede reconocer el género al que pertenecen. Así mismo existen bandas que mezclan varios géneros y subgéneros que hacen de su sonido una mezcla única.

mer-on, tapping y el sweep-picking principalmente. Además, es muy importante el riff, el power chord y sobre todo el solo que definen a una canción y al subgénero en la que se interpreta. También el guitarrista cumple un rol importante en el heavy metal que en ocasiones provoca una tensión amistosa con el vocalista, para definir quién es el frontman de una agrupación.

Por otro lado, y como ya se mencionó anteriormente, una banda puede tener a dos guitarristas; uno líder y otro rítmico, pero hay casos donde es uno solo o en situaciones específicas pueden ser incluso tres. Además, en algunas bandas los guitarristas aplican el término twin-guitars (guitarras gemelas en nuestro idioma) donde ambos pueden ser líderes, tocando simultáneamente un solo o intercalando su participación dentro de este. Una de las primeras bandas que aplicó dicho concepto fue Wishbone Ash, sin embargo, varios críticos sitúan a Judas Priest y a Scorpions como las agrupaciones que realzaron y engrosaron dicha técnica.

egún el historiador de música Ian Christe su definición provendría del lenguaje hippie; heavy sería un sinónimo de potente o profundo y metal describiría un estado de ánimo como la pesadez.9En ese sentido la palabra heavy haría referencia a las bandas que tocaban con una amplificación mayor a lo que interpretaba la música popular de mediados de los sesenta. En cuanto a su contexto musical las primeras reOtro de los elementos importantes es la voz que de acuerdo al ferencias al heavy metal sería el álbum debut de Iron Butterfly crítico Simon Frith; “el tono de la voz es mucho más importante llamado precisamente Heavy, y su primer uso en las líricas de que las letras de las canciones”. una canción sería en “Born to Be Wild” de los estadounidenses Steppenwolf publicado en junio de 1968. La voz se caracterizó en un principio por ser aguda, con un gran uso del vibrato y una amplitud enorme de octavas. Algunos de los Desde un principio el heavy metal se caracterizó por poseer guicantantes que cumplen con dichos factores son Ian Gillan de Deep tarras fuertes y distorsionadas, junto a ritmos enfáticos. Los soPurple, Bruce Dickinson de Iron Maiden y el fallecinidos del bajo y la batería son más densos de lo habitual y las do Ronie James Dio, voces, generalmente, agudas. por ejemplo. La típica formación de una banda consta de un baterista, un bajista, un guitarrista líder, un guitarrista rítmico y un cantante que en ocasiones puede ser instrumentista. También puede incluir a un teclista para engrosar el sonido en los conciertos en vivo o en las producciones de estudio. La guitarra eléctrica y la potencia que proyecta a través de la amplificación ha sido históricamente el elemento clave del género, cuyo sonido proviene de un uso combinado de altos volúmenes y una gran distorsión. A lo largo de los años los guitarristas han innovado en las técnicas y efectos que produce el instrumento como el tresillo, seisillo, palm mute, bend, ham-

Otra de las técnicas que se utiliza y que no poseen todos los cantantes es el falsete, algunos de ellos tienen un dominio perfecto de esta técnica sin afectar su voz como por ejemplo Rob Halford de Judas Priest y King Diamond. Con el pasar de los años algunos vocalistas emplearon un tono más rudo y más alejado a la agudeza propia del género.

Judas Priest twin guitars.

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Uno de los primeros fue Lemmy Kilmister de Motörhead, que incluyó una voz rasposa y que fue un punto clave en los posteriores cantantes del thrash metal, death metal y black metal. Estos se caracterizan por tener una voz gutural; una técnica que utiliza sonidos graves, similares a gruñidos y que en ocasiones provoca una difícil comprensión de las letras de sus canciones. A pesar de que las voces del metal son principalmente masculinas, las mujeres también han incursionado en el género como es el caso de Kim McAuliffe de Girlschool y la alemana Doro, considerada como la “reina del heavy metal”. Por su parte, el bajo, los teclados y la batería cumplen un rol importante en la sección rítmica. El bajo proporciona una gama de sonidos bajos que son cruciales en la música, que varían en complejidad desde ser solo acompañamiento rítmico a participar en la interacción de la guitarra líder y rítmica. Al igual que los guitarristas, el bajista puede utilizar algunas técnicas en las cuerdas. En ciertas situaciones también el bajista suele ser el músico principal de una agrupación como en Motörhead por ejemplo. En cuanto a la batería, esta debe crear un ritmo fuerte y constante basándose en la velocidad, potencia y precisión. Una de las características propias del batería del metal es la utilización del cymbal choke, que es tocar los platillos y silenciarlos rápidamente con la mano. En adición a ello la configuración del número de tambores, bombos y platillos es normalmente mayor a lo que se emplea en otros tipos de música rock. Por último, los teclistas pueden engrosar el sonido de una canción con el órgano, los sintetizadores y los teclados propiamente tal. Su sonido se efectúa en su gran mayoría como acompañamiento rítmico para dar un ambiente más oscuro El contenido temático del heavy metal ha sido durante mucho tiempo un objeto de críticas, cuyas opiniones van de que sólo son temas juveniles y banales a que son defensores del ocultismo, el fascismo, el nihilismo, el militarismo y de la misoginia. De acuerdo a algunos críticos, el disco Paranoid de Black Sabbath sería el precursor de las letras oscuras, cuyas líricas van desde el trauma personal en “Paranoid” y “Fairies Wear Boots” a temas de guerras

Doro Pesh en los 80´s, la reina del Heavy Metal.

Los géneros del rock

como en “War Pigs”. Con la llegada de los ochenta y con la creación de los respectivos subgéneros, dichos conceptos fueron abordados con mayor especificación como es el caso del metal extremo (violación, aniquilación, guerra, suicidio, corrupción política, e inquisición, etc), el glam metal (sexo, orgías, fiestas, drogas y prostitución) y en la Nueva ola del heavy metal británico (velocidad, motocicletas, mitología y ciencia ficción). En los noventa y los dos mil el Nu Metal y el Metal Industrial también tratarían sobre angustia existencial, maltrato infantil, codicia corporativa, sensacionalismo en los medios y las consecuencias del mal uso de la alta tecnología. A pesar de la diversidad de conceptos que tratan las bandas, estas no estuvieron ausentes de problemas legales y políticos. Durante los ochenta el organismo Parents Music Resource Center pidió al Congreso de los Estados Unidos regular los contenidos de la industria deL heavy metal. Crearon la lista Filthy Fifteen, (las quince asquerosas), canciones que según ellos debían ser censuradas. Este incidente dió origen a la creación de las famosas etiquetas “Parental Advisory”.

En algunos países musulmanes el heavy metal se ha denunciado como una amenaza a los valores tradicionales de la religión. En ciertos estados como Marruecos, Egipto, Líbano y Malasia, se han dado casos de músicos y fanáticos del género que han sido arrestados y encarcelados por tratar, o según sus legislaciones “defender” los temas ya mencionados.

Protestas en contra del heavy metal.

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GLAM METAL Se destacaban por sus cabelleras de colores largas y despeinadas, así como sus trajes de colores, algunos de cuero, de colores vistosos y zapatos de tacón o botas con abalorios brillantes, lentejuelas, plumas y todo lo que se viera llamativo.

on los años, el heavy metal fue transformándose y mutando en nuevos géneros musicales. Como el boom artístico que fue, el metal de los años 70 se vio influenciado por una gran cantidad de bandas y de músicos de diferentes regiones que fueron transformando y moldeando a la nueva corriente musical con nuevos sonidos, nuevas narrativas y nuevas características. El glam metal, también conocido como hair metal, es un subgénero musical del heavy metal que combina aspectos sonoros del heavy metal tradicional, hard rock, punk y del pop, con la apariencia visual del glam rock. El glam o glam metal influenciado en imagen por el glam rock original de los ’70 como David Bowie, Kiss, New York Dolls o Alice Cooper, surge a fines de los ’70 en Los Ángeles, California. Tuvo mucha popularidad durante toda la década de 1980 y principios de los ’90. Algunas de sus bandas más representativas fueron Mötley Crüe,London, Loudness, Keel Twisted Sister, Poison, Ratt, Europe, W.A.S.P. y Stryper.

Por aquel mismo tiempo y hasta mediados de la década siguiente, varias bandas de rock como por ejemplo Led Zeppelin, The Byrds, Frank Zappa, The Doors y Love tocaron en los diversos clubes del Sunset Strip como el Whisky a Go Go, The Roxy, Pandora’s Box, London Fog, Rodney’s English Disco, Gazzari’s, Troubadour, The Starwood y Rainbow Bar and Grill, atrayendo a un público más joven y con ganas de pasarla bien.

La escena glam metal nació en una franja ubicada en la calle Sunset Boulevard en West Hollywood, al norte de Los Ángeles, conocida como Sunset Strip. Desde los años 1920 este sector de la ciudad se llenó de bares, restaurantes y casinos, que atrajo la atención de un público adulto principalmente porque podían consumir alcohol en las habitaciones traseras de los recintos durante el período de la ley seca, conocida popularmente como “la prohibición”.

En los años ochenta, el glam metal se posicionó como uno de los estilos musicales más vendidos en los principales mercados mundiales. La apariencia visual de los músicos, los hooks de las canciones y sobre todo las power ballads, ayudaron a que varias producciones consiguieran los primeros lugares de las listas musicales y obtuvieran algunas certificaciones discográficas.

En la década de los sesenta fue un punto de encuentro para la contracultura y artistas del folk rock, como también fue el escenario de los disturbios ocurridos en noviembre de 1966 que enfrentó a la policía con los hippies.

Imagen Horizontal The Twisted Sisters

Los géneros del rock

Sin embargo, a principios de los noventa el subgénero perdió inesperadamente su popularidad, debido a los excesos de los músicos y a los nuevos estilos musicales que irrumpieron en los medios de comunicación estadounidenses. Un factor importante en el declive del glam metal fue la aparición del grunge, que con una estética simple y con letras orientadas al descontento social, conquistó los gustos musicales del público. El glam metal combina el sonido del heavy metal tradicional con elementos del hard rock, el punk e influencias del pop. Muchas de las bandas principales del subgénero enfatizaron el riff y el shred de la guitarra eléctrica típicos del heavy metal, pero la mayor atracción del glam era el hook tomado del arena rock. El uso de la armonía se vio notablemente en las power ballads; canciones lentas y emotivas que poseían una introducción suave,

Femme Fatale es una banda femenina de glam rock, activa de 1987 a 1990 y del 2013 hasta la fecha. Originalmente de Albuquerque, Nuevo México, la banda se trasladó a Los Ángeles donde firmaron contrato discográfico con MCA Records. Con ellos lanzaron su primer álbum en 1988.2. La banda se deshizo en 1990.

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rios como joyas y cintas para el pelo, todo esto acompañado por un maquillaje bien elaborado. El aspecto visual de las bandas llamó la atención de los productores televisivos de la MTV, cuyo establecimiento coincidió con el desarrollo del subgénero. A su vez, varios músicos se hicieron bastante famosos en los años 1980 debido a su desenfrenado estilo de vida; rodeado de drogas, alcohol, prostitutas y de masivas fiestas nocturnas, que fue ampliamente cubierta por la prensa sensacionalista.

pero gradualmente aceleraban el ritmo para terminar con un sonido pesado como el caso de November Rain de Guns and Roses y Still Loving You de Scorpions. Aunque por supuesto no todo era baladas. La música durante estos años también se caracterizó por un rock pesado cargado de actitud, muchos solos, muchos riffs y grandes improvisaciones.Estos se convirtieron en los sencillos más exitosos comercialmente del subgénero, porque llamó la atención de un público que no había encontrado ninguna atracción anteriormente por el heavy metal, debido en parte a sus letras sobre el amor y la lujuria y porque a menudo iban dirigidas a una mujer en particular.

La apariencia por lo general varía mucho con cada banda. Desde un punto de vista general, podría decirse que todos utilizaban maquillaje, crespándose el pelo y utilizando ropa colorida, de cuero, o ajustada. Eran muy usadas las bandanas y los pañuelos, las camisas de seda, las botas texanas, los colgantes o los brazaletes y predominaban los diseños de animales tales como el leopardo.

Por otro lado, estéticamente se vio influido por el glam rock de la década de 1970 como el uso del cabello largo y voluminoso; ropa colorida como camisas y chalecos de leopardo pegadas a la piel, botas de vaqueros apretadas, pantalones de elastano o de cuero y acceso-

Mötley Crüe.

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Cabe mencionar que algunas bandas tenían su estilo propio para vestirse. Un ejemplo de esto es el grupo Kiss, que se caracterizaba por usar pintura facial distintiva de cada uno de sus integrantes, cabello alborotado y zapatos de plataformas altas. El Glam Metal fue sin duda un movimiento con mucha fuerza y con mucho alcance, sin embargo, la fama que obtuvo hizo que muchos de sus protagonistas se ahogaran en su propio ego y empezaran solo a pensar en el éxito, en el dinero y en las drogas. De esa manera, el Glam Metal se empezó a ver afectado a finales de los 80 por un vacío conceptual y empezó a consumirse desde adentro por la superficialidad que lo caracterizó en sus últimos años. La sociedad demandaba un cambio artístico y exigía una nueva movida musical que se alejara del lujo y del show y se acercara más a los problemas sociales y al verdadero sentir de la gente. Una de las razones significativas del final del glam metal fue la aparición del grunge, subgénero del rock alternativo que surgió en Seattle casi al mismo tiempo que la escena angelina tenía la atención de los medios. Con una estética simple y con letras orientadas al descontento social, bandas como Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam y Nirvana conquistaron los gustos del público. Poco a poco el glam perdió ante estas nuevas agrupaciones, hasta el punto que las power ballads, una de las fórmulas más exitosas en la década de los ochenta y principios de los noventa, ya no llamaba la atención de los jóvenes. El glam metal nos dejó discos que transformaron la manera de asimilar el rock, nos dejó una manera diferente de componer canciones, caracterizada por cambios rítmicos radicales y la presencia de solos en la mayoría de instrumentos, pero más allá de todo, el glam metal nos demostró la fuerza económica y el poder social que puede llegar a tener esta música.La época de oro de los rockstar desapareció hace ya más de 20 años, no obstante, hoy en día se sigue sintiendo la fuerza de aquella música hipnotizante.

KISS.

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TRASH METAL Si hay que señalar un género importante a la hora de definir el Thrash, antes incluso que el Heavy, ese es el Punk.

a importancia del Punk en la formación del Thrash es casi tan grande como la del Metal. La rabia, la velocidad y la adrenalina serían los conceptos que las bandas de Thrash beberían de este género para poder formar su nueva escena a partir de la escena Heavy inglesa, menos agresiva y con mucha épica. Igual que el Punk surgió como respuesta ante la ingente cantidad de grupos elitistas que hicieron del Rock algo excesivamente sofisticado (hola Rock Progresivo), el Thrash nacido en Estados Unidos sería la respuesta de ese país contra el Heavy británico. Las principales características que diferencian al Thrash de la rama tradicional del Heavy Metal son esos ritmos más acelerados y cortantes como cuchillos, guitarras de riffs rápidos y solos vertiginosos e imposibles, bajos de guitarra discretos, rotundas baterías que comienzan a introducir el doble bombo al terreno metalero y voces más extremas y furiosas. Este sonido se desarrolló en Estados Unidos a finales de los setenta y comienzos de los ochenta, donde los aficionados escuchaban continuamente discos de la NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal ) y adoptaron la personalidad Punk para elaborar su estilo. Desde sus inicios, el thrash metal se ha considerado como la respuesta de los metaleros más duros contra el metal más comercial de los 80, en especial las bandas de glam metal como Motley Crue, Ratt y Twisted Sister, a las que los grupos underground acusaban de haber vendido el heavy metal a los medios de communicación masivos solo para ganar fama y popularidad, razón por la cual los llamaban posers, “hair bands” o también “light metal”. El thrash pasó por una serie de etapas, la primera fue la etapa en la que surgió el thrash, en este periodo se lo podría llamar speed metal, las bandas por lo regular se caracterizan por tener un sonido todavía muy parecido al heavy y al punk y por lo regular este sonido no era muy técnico, teniendo también un sonido algo primitivo, contaba con producciones de bajo presupuesto, por lo cual la mayoría de los discos de esta época eran muy sucios y crudos. Esta etapa tuvo dos grupos, los que estaban más del lado del heavy y otros que hacían cosas más extremas. El primer grupo era más melódico y la voz se parecía más a la del heavy pero más agresiva y no tan entonada, contaba con muchos ritmos de

Imagen central Concierto de Megadeth.

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heavy metal en los instrumentos, ejemplos de bandas en esta tendencia son los primeros discos de Metallica, Overkill, Megadeth, Whiplash, Anthrax, Metal Church, Nasty Savage, Artillery y Mortal Sin. El segunda es casi igual pero usaba una voz más violenta más grave y a veces algo rasgada, riffs más agresivos y crudos con distorsiones más enfermas, letras más extremas tocando sobre todo temas satánicos o violencia extrema, baterías mucho más rápidas y atascadas, muchos de estos grupos son las principal influencia para el metal extremo sobre todo para el death y el black, los primeros discos de bandas con esta tendencia son el claro ejemplo de Venom , Slayer, Kreator, Onslaught, Sodom, Hellhamer y Exorcist. La segunda etapa fue cuando el thrash tomó forma y fue también su época de oro. Los riffs ahora se volvieron más densos, la ejecución de los instrumentos mejoró bastante, teniendo una mayor técnica, la voz por lo regular ya no se parecía a la del heavy, era más agresiva, el bajo ya no era tan audible y la distorsión de este es diferente siendo mayor a la de la otra etapa haciendo que el bajo suene muy golpeado, la batería tuvo sus cambios con partes donde se escuchaba algo lenta pero con el doble bombo a todo pero sin olvidar las partes rápidas heredadas de la otra etapa, también con mejores redobles. Las letras aquí hablaban más sobre temas de política, guerra, inconformidad, violencia y una producción mucho mejor a la anterior generación existiendo bandas bastante limpias. En esta etapa fundamental hubo 3 grupos: el primero fue el thrash con todavía mucha influencia del heavy, teniendo la mayoría de elementos de la generación pasada, pero con riffs más pesados, mejor técnica en todos los instrumentos, batería más elaborada con ritmos muy bien hechos y no recurriendo tanto al clásico tarola, platillo con

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Nervosa es una banda femenina de Thrash Metal originaria de Sao Paulo, Brasil. La banda tiene grandes influencias de la vieja escuela como SLAYER, SEPULTURA y EXODUS, mezcladas con las aportaciones originales y características de cada una de las componentes.

bombo, muchos de estos grupos son de las más grandes influencias para el power. Los máximos exponentes de esta etapa son Metallica, Megadeth, Testament, Metal Church, Nasty Savage, Anthrax, Voivod y Onslaught. El segundo grupo, es el thrash clásico, mucho más agresivo que el grupo anterior, este sonido es el más característico del thrash y por lo regular el tipo de temática en las letras clásicos (guerra, política, rebeldía, etc). Los máximos exponentes de esta etapa son Overkill, Exodus, Kreato, Destruction, Deathrow, Nuclear Assault, Sodom, Necronomicon, Dark Angel, Death Angel, Possessed. El tercer grupo es la parte más extrema, estas bandas se caracterizan por contener riffs mucho más pesados, densos y ser lo más extremo que había en esos tiempos, fue de las principales influencias para el death metal. Aunque también influenciaron un poco al black metal (el caso de Celtic Frost). Este tipo de música realmente no era muy popular a excepción de Slayer. Algunas bandas con este sonido son Slayer, Possessed, Celtic Frost, Pentagram, Sepultura, Terminal Death, Rigor Mortis, Nihilist. La tercera etapa tuvo cosas buenas y malas, una de ellas fue que el thrash a nivel comercial empezó a perder mucha fuerza, sobre todo por el surgimiento del grunge, las disqueras comenzaron a preferir el sonido fresco del grunge y muchas bandas empiezan a sacar álbumes en un intento por comercializarse adaptándose a la moda de la época, como el caso de Metallica, Anthrax, Sepultura. Por otro lado, a pesar de que empieza la decadencia del thrash, surge el death metal, y muchas bandas empiezan a combinar estos sensacionales sonidos. Este hibrido suena muy bien y es muy parecido al grupo tres de la etapa anterior, pero con

Metallíca en cpncierto.

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una distorsión en las, una batería muy parecida a la del thrash metal, un bajo de death metal y voces más parecidas al thrash aunque un poco más rudas, aun teniendo riffs más melódicos que el death metal tradicional. Algunos grupos característicos fueron Sepultura, Cancer, Massacre, Incubus y algunos grupos que después se convertirían en death metal.A finales de esta etapa surgió una corriente que para muchos es propiedad exclusiva Pantera.

Este sonido se caracteriza por una distorsión llamada gloove en guitarras, voces agresivas principalmente gritos rabiosos mínimamente guturales y no rasgados, batería muy diferente a la del thrash tradicional, más pareciéndose a ritmos más tradicionales como el del heavy metal, pero más extrema ocasionalmente acompañada de doble bombo y redobles clásicos del rock, este thrash es más lento y a pesar de ser muy agresivo es muy digerible y es fácil de comercializar.

Imagen iquierda Kerry King, Slayer.

Imagen derecha Dimebag Darrell, Pantera.

A la segunda mitad de los 90’s el thrash prácticamente desaparece, sobre todo a la carencia de sonidos nuevos, las bandas empezaron a migrar hacia otros estilos de metal.

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DEATH METAL El Death Metal es un subgénero del Metal derivado del Thrash Metal. Este, y el Black Metal, son los 2 subgéneros más pesados dentro del Heavy Metal y dentro de la música en general, dejando aparte todas las variantes como el hardcore como Grindcore, Thrashcore, Deathcore.

l Death Metal normalmente se identifica por su extrema brutalidad. Las voces guturales (llamadas en inglés growls) son ásperas y frecuentemente incomprensibles. De hecho, los fans de la banda Pan-Thy-Monium estuvieron años preguntándose por qué las letras de las canciones no venían en los álbumes, hasta que años después Dan Swanö, líder de la banda, confesó en una entrevista, que no había letras porque no existían: en su día habían decidido que el cantante usara su voz tan solo como un instrumento. Además, el Death Metal es un estilo caracterizado por unos tempos muy abruptos, con unas baterías muy rápidas. La letra de sus canciones están relacionadas con el apocalipsis, la muerte, visiones y profecías impopulares del mundo, de violencia explícita, vida extraterrestre o de ultratumba, problemas mentales y físicos en el hombre, enfermedades, a veces se hablan temas sobre ramas de la ciencia y religión de una manera detallada, así mismo letras más maduradas sobre denuncia política, la filosofía o la mente humana. También son tópicos y frecuentes los temas relacionados con los asesinos en serie, las psicopatías, el canibalismo y la necrofilia. Las voces guturales son el primer rasgo identificativo del Death Metal, pero por sí solo no sirve para definir el género, pues incluiría a álbumes como “Welcome to Hell” del grupo de Thrash/Heavy Metal Venom, donde la voz puede ser considerada “gutural” sin que se pueda decir de la música que sea lo que hoy llamamos “Death Metal”. Los pioneros del Death Metal sueco de los 80’s fueron Therion, Tiamat e Hypocrisy entre los más grandes que se pueden encontrar. Muchos fans sitúan el nacimiento del Death Metal aproximadamente en el año 19831984, debido al sonido y trabajo de la banda de Florida, Obituary, que por aquel entonces se llamaban Xecutioner.

Therion es una agrupación sueca de metal.

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Este grupo sacó varias demos que pueden ser consideradas Death Metal. Obituary, Death y Morbid Angel crearon el Death metal, para muchos son las bandas más importantes del estilo, los grupos que más potenciaron la escena. Desde Europa, en 1983 formados como Black Death, los ahora conocidos y míticos Darkthrone comenzaron sacando varias demos desde 1984 hasta 1989 de Technical Death Metal, en 1990 Darkthrone mostró su primer álbum Soulside Journey, un trabajo de más puro Death Metal, técnico y atmosférico. También desde Europa aparece Bolt Thrower y Rotting Christ a mediados de los ochenta y ambos pioneros del Death Metal, y desde Holanda, Asphyx, y Gorefest e Hypocrisy desde Suecia a finales de los ochenta. Por otra parte, la banda de California Possessed lanzó en 1985 el álbum Seven Churches, un álbum que oscila entre el thrash y death metal, muy sucio y acelerado que se considera una de las grandes influencias. Un trabajo a considerar también es Scream Bloody Gore de Death, letras características del género, sonido muy al estilo Death, voz gutural típica, es otra de las grandes influencias al género. Otros grupos importantes fueron los brasileños Sepultura, que en sus cuatro primeros discos mostraban un Thrash metal con alta influencia del Death. Celtic Frost es otro grupo a destacar, con sus dos primeros discos dieron otro paso de gigante, aun sin ser Death Metal. Este primer “death metal”, reconociendo su aportación, empujaron el estilo, hacia algo que fuera realmente diferente que su padre, el thrash metal. Bajo esta situación, el concepto moderno de “death metal” -el momento en que se separa del heavy y el thrash- se encuentra entre 1989 y 1990, cuando la banda Death y otros ya han madurado. Exactamente como ocurriera en la creación del heavy metal moderno por Iron Maiden y otros grupos, que fueron influenciados por la energía juvenil a finales de los ‘70. El desarrollo caótico, e incluso confuso, que ocurrió en esta época es ilustrado perfectamente por la banda Napalm Death, muchas veces clasificada como un grupo “grindcore”. El grupo reconoce la gran influencia en sus orígenes que supusieron las demos de Death, mientras que simultáneamente era parte de la escena hardcore punk. Sin embargo, los propios Napalm Death cambiaron drásticamente de dirección sobre el año 1990, dejando el grindcore (y a muchos de

Obituray

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En la escena de Suecia los grupos le dieron un toque muy particular al estilo, teniendo un sonido de la guitarra muy melódico y con arpegios de gran complejidad, usando el sonido agudo de la guitarra y los tremolo riffs de forma habitual. Bandas importantes son Dissection, Entombed, Dismember, Soilwork, Arch Enemy, Dark Tranquillity, Vomitory, At the Gates, Necrony e Hypocrisy.

los miembros de la banda) y en su disco de 1990 “Harmony Corruption” hicieron algo que se podría calificar como “death metal”. De hecho, el álbum de 1989 de Terrorizer, tiene signos de la mezcla entre el hardcore punk y el thrash metal, con miembros de la banda de Florida Morbid Angel y los nuevos componentes de Napalm Death co-componiendo. Una vez la escena Death Metal ya tenía definidas todas sus características, el estilo se desarrolló en poco tiempo, naciendo diversas bandas y obteniendo el estilo cierta fama.

La escena de Nueva York se basaba en los ritmos tribales y el punk Neoyorquino consiguiendo un sonido más seco y bombástico que el sonido de Florida. Una de estas bandas es Cannibal Corpse, con más de 1.000.000 de discos vendidos. Más bandas Suffocation, Immolation o Incantation.

En la escena de Florida se dieron muchas bandas en la costa de Florida, las más comerciales y con sonido melódico, de este modo vendieron cientos de discos. Se puede nombrar a Death, Morbid Angel o Deicide, siendo el álbum “Deicide” el más vendido del con unos 500.000 discos por todo el mundo. Autopsy también son otra banda a destacar de la escena, con sus letras tratando temas sociales y mutilaciones orientales, aparte de desmembramientos de películas snuff.Obituary es otra de las pioneras del Death Metal. Otras bandas eran Vital Remains, Atheist, Cynic o Malevolent Creation. También los Industrial Death Daath.

La escena de Los Ángeles surgió a finales de los 80; esta escena se forja sobre el año 1990, gracias a los primeros trabajos de unos brutales Fear Factory que tuvieron varias variaciones en su estilo musical, y que en su último trabajo han sabido recuperar la esencia de sus inicios. Sus características son el Death Metal muy brutal y a veces melódico.

Arch Enemy.

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gurath, Mortuary, Pyphomgertum entre otras siendo reconocidas a nivel mundial, (sobre todo Shub Niggurath que es una de las bandas con más culto en el Mundo). El sonido del Death Metal mexicano se caracteriza por la velocidad de sus guitarras y alta calidad técnica. El grupo de México que en la actualidad encabeza el movimiento, por discos editados y giras por el país y América Latina, es sin lugar a duda Transmetal, pero también bandas como Disgorge (que es otro grupo mexicano de Brutal Death y es considerado uno de los grupos más brutales de la historia del Death Metal),Rottenness, Balam Akab, entre otras que han tenido giras por Europa y en caso específico Disgorge que firmo con una disquera Europea y aparte es una banda de culto en Europa siendo una de las bandas más importantes de México actualmente. Dentro de la escena de Death Metal “Hecho en México” se pueden encontrar bandas como: Mictlan, Pulverized, Sarcoma (Guadalajara), Sarcoma (Tampico), Genocide, Axon, Prohibitory, Mourn Code, D Necropsy, Warcrusher, bohinum y aunque realmente, no son mexicanos, sino exmiembros de Brujería, el grupo Asesino, quien su cantante es mexicano. La escena de Polonia ha sido la última escena importante en surgir, y se puede decir que ha revitalizado el estilo. Algunas de las bandas más importantes son Trauma, Dead Infection, Vader, Decapitated, o Behemoth, que empezaron haciendo Black metal, pero en sus últimos discos se han vuelto completamente Death Metal. El estilo polaco tiene mucho de black metal y de doom, con ritmos ultra pesados. La escena de Noruega es otra escena Death de importante valoración, el lugar del Black Metal no solo tiene bandas de ese estilo, en esta escena encontraremos grupos de alta calidad como Thou Shalt Suffer, Zyklon, Old Funeral, Cadáver Inc., Mortem (luego conocidos como Arcturus) y los primeros trabajos de Darkthrone entre otros. La escena de Grecia fue tan importante como la de Florida, la escena Death Metal de Grecia es una de las más antiguas, contiene algunas bandas desconocidas, utilizan un género de rasgos Death mezclados con Black, muy técnicos y progresivos a la vez de melódicos o sinfónicos, la banda más representativa de esta escena es Rotting Christ. A finales de los años 80 y principios de los 90, la escena mexicana aportó al mundo bandas de culto como Hemophilia (Mty), Anarchus (Grindcore), Cacofonia, Cenotaph, Shub Nig-

Behemoth.

Arch Enemy es una banda de death metal sueca, conocida por ser una de las primeras en tener una mujer como su voz principal y cabeza de la banda. Primero fue Angela Gossow y después en su lugar Alissa White-Gluz.

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BLACK METAL En este género, se prioriza la creación de atmósferas en las composiciones, sobre la complejidad técnica. Por eso mismo, la baja calidad de producción y posproducción es un elemento importante que las primeras bandas utilizaron y sigue vigente, con motivo de que, según Varg Vikernes: ‘’Una producción demasiado limpia, no lograría transmitir el sentimiento de frialdad ni desolación esenciales en el Black Metal’’

l Black Metal tradicional tiene características musicales bien definidas: la voz, es rasgada y aguda, conocida como shriek (“chillido” en inglés), las guitarras son rápidas y los riffs son repetitivos, la técnica usual es el tremolo picking y los blast beats son el recurso más usado en la batería, y el bajo por su parte, es un instrumento que pasa a segundo plano y es prácticamente inaudible. El satanismo, ya sea simbólico o como auténtico dogma de fe, es utilizado conceptualmente por bandas de Black Metal como estandarte de protesta e inconformidad contra el cristianismo, que ha oprimido las raíces paganas y politeístas de Escandinavia. Al ser un subgénero oscuro, los sentimientos que explora este, van desde el odio, pesimismo, melancolía y misantropía principalmente. El Black Metal tiene la particularidad de ser la vertiente del Metal que combina y adapta con más facilidad estilos externos sin perder su sonido distintivo; incorporando flautas, saxofones, arpas, violines, teclados, incluso instrumentos étnicos/folclóricos, lo que ocasiona que estas combinaciones y evoluciones den lugar a diferentes subgéneros del mismo. La temática de las letras de Black Metal es amplia; podemos encontrar bandas que hablan de la destrucción ambiental (Wolves in the Throne Room), el ocultismo y misticismo (Nightbringer), el apocalípsis (1349), la obra de J.R.R Tolkien (Summoning), la Francia medieval (Peste Noire) la exaltación de la naturaleza (Immortal), la soledad del cosmos (Midnight Odyssey), el hinduismo y rituales védicos (Cult of Fire), la psique humana (Akhlys), enfermedades mentales (Woods of Infinity), negatividad (Hypothermia) mitología egipcia (Anubi), satanismo ortodoxo y teología (Novae Militiae) hasta otras que narran historias, donde la violencia y la guerra son los fundamentos principales (Marduk).

Mahem, banda de black metal.

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Cabe destacar, que los integrantes de muchas agrupaciones utilizan pseudónimos elaborados a partir de nombres cabalísticos o mitológicos, de modo que no es posible conocer sus verdaderos nombres ni sus identidades. Algunos optan por no hacer pública las letras de sus canciones, y tocar en vivo no está contemplado en su proyecto musical; esto es, en parte, porque los one-man band (bandas de un solo hombre) son relativamente comunes en esta escena musical. Comúnmente se identifica el comienzo del black metal con la aparición en escena del movimiento del black metal noruego a lo largo de los años 1990. Fue durante este período cuando el desarrollo del black metal se hizo patente; sin embargo, el origen del género hay que situarlo un poco antes, y en varios lugares. Antecedentes como Angel Witch y su tema “Baphomet”. Fueron los ingleses Venom quienes con su demo de 1979 prepararon el camino para la oleada de black metal que debía venir. Welcome to Hell, disco de 1981, fue un disco bien producido pero pobremente grabado con actitud agresiva y explícitamente satánico. Con su segundo disco, del año 1982, titulado Black Metal, dieron el nombre al género y supuso una gran influencia para la creación del black metal, tanto por letra o estética entre otros factores.

Existen dos corrientes polémicas dentro del género, la primera de ellas es el Unblack Metal: que se trata del típico sonido del Black Metal tradicional, con la atenuante de utilizar letras cristianas; y es rechazado por los amantes del género al argumentar que se trata de una contradicción, ya que es inconcebible que una corriente musical que nació como protesta al cristianismo, lo glorifique con sus letras. Y la segunda corriente, es el Black Metal Nacionalsocialista, que igualmente es Black Metal tradicional, con letras fascistas y afines al separatismo racial. No es predominante, pero tampoco es inexistente y se trata de un tópico incómodo que muchos pasan por alto.

Mercyful fate, 1995.

En 1977 se funda la banda italiana Death SS, gracias a sus actuaciones teatrales en escena, que contaban con temáticas satanistas y de horror, más su estética, que incluía el uso de uno de los primeros remanentes al posterior corpse paint, ayudaron junto con la banda danesa Mercyful Fate al desarrollo de las puestas en escena tan características del género musical. El grupo suizo Hellhammer también supuso una influencia notable, lanzando en 1983 la demo Satanic Rites.

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También son destacables las bandas Destruction y Sodom, ambas procedentes de Alemania, que en cuyos primeros trabajos a mediados/principios de los años ochenta desarrollaron elementos musicales de notable influencia en el desarrollo y evolución del black metal. Destruction, banda alemana de trash metal formada en 1982, editó Sentence of Death en 1984 con una temática satánica que sentó precedente para la siguiente generación de bandas de los años noventa y principios del siglo XXI. Alrededor del globo, más concretamente en Sudamérica, existieron bandas como Sarcófago, Parabellum, y Reencarnación, sobre quienes se especula fueron citadas como fuente de inspiración por el difunto Euronymous, de la banda Mayhem. Los italianos Bulldozer, los canadienses Blasphemy, los japoneses Sabbat y sobre todo, el grupo estadounidense VON, aportaron con sus estilos musicales entre el thrash, death y black; y sus letras de corte satánico, los elementos necesarios para el crecimiento del naciente género. Otras bandas como Witchfynde de Inglaterra utilizan en veces este género. Durante los años 1990 el género alcanzó su máximo esplendor en la región escandinava, cuna del mismo, especialmente en Noruega, donde apareció un movimiento conocido como True Norwegian Black Metal famoso por la importante trascendencia musical, temática y estética dentro del género de las bandas que se incluyeron en el mismo, especialmente las bandas que formaron parte del conocido como Inner Circle. El denominado “auténtico black metal noruego” se caracteriza musicalmente por melodías extrañas, frías, desoladas, sombrías y a veces épicas, todo lo cual hace que sea un sonido muy rico en atmósfera. Sin embargo, esta escena musical también alcanzó gran trascendencia debido a diversos casos en los que auspició, promovió o se vio envuelta en su-

Imagen central Mercyful Fate introduce el maquillaje corporal a la escena.

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cesos de trascendencia criminal, como la quema de recintos religiosos a principios de los años 1990 y por otros casos violentos. Fueron grupos como Mayhem, Burzum, Darkthrone y Emperor, creadores del Inner Circle, los que tomaron los conceptos de minimalismo instrumental, voz gutural rasgada y los convirtieron en el camino a seguir. Además, estas bandas aumentaron notablemente la ideología del black metal; el Inner Circle era una organización dedicada a erradicar el cristianismo en Noruega y devolver las creencias y valores paganos. Sus miembros quemaron varias iglesias de gran importancia y antigüedad en territorio noruego entre otros actos. El Inner Circle se disolvió en 1993 tras el asesinato de Aarseth, y el encarcelamiento de Vikernes, aunque siguieron ocurriendo sucesos violentos en Noruega.

Dark Funeral, Old Man’s Child, Arcturus y Borknagar entre otros. Posteriormente grupos como Aborym usarían sintetizadores y teclados en mayor cantidad como base para crear el Industrial black metal. Surgen otras bandas de tercera generación como Gehenna, Lucifugum, Armagedda, Dødheimsgard, God Seed y Keep of Kalessin que contrariamente al black metal de tenencia comercial, continúan con la tendencia underground y con un estilo musical más pesado que otras bandas anteriores. Fue la banda Mercyful Fate la que introdujo por primera vez la pintura corporal en una banda de heavy metal, más concretamente en el rostro de su líder King Diamond. Cabe señalar que esta clase de maquillaje conocido como corpse paint (en español, «pintura cadavérica»), warpaint o facepaint ya había sido utilizada por bandas de rock como Arthur Brown, Alice Cooper, Kiss, Misfits y Death SS, utilizando este recurso escénico para atraer mayor atención sobre su música.

Por esa época también se fundaron bandas como Beherit e Impaled Nazarene en Finlandia, escena sin mayor trascendencia en aquellos años. En Noruega se forman Immortal, Ulver, Carpathian Forest, Thorns y Gorgoroth, bandas que continúan con el mensaje de guerra propuesto por Mayhem.

Esto provocó disputas entre el grupo Kiss y King Diamond, tras lo cual este último se vio forzado a modificar su diseño para no asemejarse al de Gene Simmons, bajista y vocalista de Kiss.A esto hay que añadir una vestimenta negra; con escasas excepciones. También se utilizan camisetas que hacen alusión a otras bandas, el uso frecuente de muñequeras, brazaletes y cinturones de cuero, con clavos de diferentes tamaños (algunos hasta de 20 cm) o municiones, a las cuales se les añaden complementos como colgantes, anillos, cruces invertidas y otra clase de joyería de plata, generalmente con alusiones a aquellos elementos propios de la idolatría de los grupos o su ideología.

También destaca la escena sueca, con un sonido mucho más limpio que las producciones noruegas y que también dio mucho que hablar, sus más notables exponentes fueron Marduk, Dark Funeral, Abruptum, The Black, Arckanum, entre otras. Estas bandas destacaron por sonidos llenos de ferocidad y sentimientos muy anti-cristianos. Y por último (desde la misma Suecia) Dissection, que pese a que no tenía mucha crudeza en su composición, como sus colegas suecos antes nombrados, su sonido es recordado como uno de los mejores que se han creado, oscuridad, agresividad y mucha melodía.

Storm fue una banda nacida en Noruega en el año 1993, en pleno auge de la segunda oleada del Black Metal en Noruega, tenía a artistas de gran envergadura tales como Gylve “Fenriz”, S. Wongraven “Satyr”, y Kari R., Kari es una artista noruega de gran trayectoria musical.

Las bandas de segunda generación comenzaron a introducir nuevos elementos. Fueron los noruegos Emperor quienes añadieron teclados a su estilo musical (sin caer precisamente en el black metal melódico, variación que es muy popular actualmente, y que ha sido seguida por grupos como Limbonic Art, Graveworm, Mystic Circle, Satyricon, Dimmu Borgir,

CAPÍTULO 3

s e r e j u m en la a n e c s e 51

“I don’t give a damn ‘bout my reputation You’re living in the past it’s a new generation A girl can do what she wants to do and that’s What I’m gonna do An’ I don’t give a damn ‘bout my bad reputation” Joan Jett & the Blackhearts- Bad Reputation

cuestión de género Desde su nacimiento en los años 50, el mundo de la música rock ha sido un claro exponente del dominio masculino en la industria musical. No obstante, esta manifestación artística ha supuesto todo un campo trabajo en cuanto a la construcción de la identidad femenina para aquellas artistas que se han abierto camino en esta disciplina. Desde su nacimiento en los años 50, el mundo de la música rock ha sido un claro exponente del dominio masculino en la industria musical. No obstante, esta manifestación artística ha supuesto todo un campo trabajo en cuanto a la construcción de la identidad femenina para aquellas artistas que se han abierto camino en esta disciplina. La música ha sido desde tiempo inmemoriales una expresión del sentimiento humano. Dicha expresión, que puede tomar muchas formas, se convierte a su vez en un reflejo del contexto social y político de los cuales ha nacido. La música rock emerge, así, como una expresión cultural que surge a mitad de siglo XX y que, desde entonces, ha pasado a formar parte del imaginario social de la cultura occidental. Nacida como una respuesta juvenil a las necesidades de una época en una sociedad en la que la mujer mantiene una posición secundaria, este estilo musical se asocia a una iconografía claramente masculina. El acceso de las mujeres a este mundo has sido lento y no exento de dificultades. La mayor de ellas ha sido la creación y reivindicación de una identidad femenina dentro de este género musical, a través de la deconstrucción de los estereotipos tradicionales de feminidad que provienen de las sociedades patriarcales y que se han perpetuado en la música rock. Comenzaremos por contextualizar el nacimiento del rock. Este movimiento musical atiende a una realidad social que se encuadra en la sociedad estadounidense de posguerra.

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial y durante el gobierno de Harry S. Truman (1945-1953), Estados Unidos se embarca en una etapa de prosperidad económica favorecida por la depresión de los países europeos afectados por la guerra y el auge del sistema de la nueva sociedad de consumo derivado de la producción en masa y la mejora de las técnicas industriales tras la guerra. Pero, a su vez, el miedo por la amenaza del desarrollo de la Unión Soviética provoca en los dirigentes del país norteamericano la necesidad de instaurar una política de control y contención.

Esta política deja patente la obsesión del gobierno norteamericano por mantener el control absoluto sobre la sociedad como medida de desarrollo de la nación y, por consiguiente, mediante la unidad de la nación, afianzar su posición como líder en la política y la economía mundial. En este punto es necesario preguntarse: ¿cuál es el papel de la mujer en la sociedad estadounidense en aquel periodo? Para entender su situación, hemos de remontarnos a los años de la Segunda Guerra Mundial. Durante el conflicto muchos hombres han de incorporarse al frente, y con ello, gran número de puestos de trabajo se quedan vacantes y pasan a ser desempeñados por mujeres.

Además, la industria armamentística y metalúrgica, así como otras tantas, requieren más cantidad de mano de obra. Es en ese momento cuando la mujer se incorpora de pleno al plano laboral. Pero cabe destacar que no sólo pasan a estar empleadas chicas jóvenes, solteras y de clase baja, como antes del conflicto bélico, sino que la gran mayoría son mujeres de mediana edad, casadas y de clase media, lo cual supone un cambio social bastante considerable.

Asimismo, para comprender su significado, hay que analizar las consecuencias que éste conlleva. En ese momento se trata de una cuestión de necesidad

“we can do it” publicidad que invitaba a la mujer a unirse a la vida laboral.

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para la nación, pero este requisito traerá consigo una alteración en la definición de los roles de género en Estados Unidos. A pesar de incorporarse al plano laboral, las mujeres siguen estando discriminadas en cuestiones como los salarios o los cargos a ocupar. A su vez, este hecho sigue considerándose una forma de colaborar en los gastos del hogar, un aporte extra al dinero que el marido gana. Por tanto, en ese momento aún no se valora como una forma de liberación e independencia socialmente aceptada para las mujeres, ya que la mujer trabaja estando casada para hacer un hogar más cómodo, para conseguir un estándar de vida más alto para la familia. Las mujeres no son percibidas como seres autónomos, sino que su rol está bien definido dentro del contexto del matrimonio: ser esposa y madre son las aspiraciones más nobles que la sociedad ofrece para una chica joven. Cualquier otra elección de vida, es decir, permanecer soltera, vivir independiente o compartir vivienda con una pareja sin estar desposada pase a considerarse como un fracaso o como una actitud amoral e indecente. Este modelo de familia impuesto en los años cincuenta se inscribe dentro de la política llevada a cabo por el gobierno norteamericano después de la Segunda Guerra Mundial. Una vez que los hombres vuelven a recuperar su empleo el gobierno ve imprescindible restaurar el status quo y lograr que las mujeres dejen de lado su ambición laboral y regresen al hogar. Para conseguir este propósito se recurre a diferentes facetas de la sociedad, tales como los medios de comunicación, el consumismo o el trabajo de los psicólogos.

Marchas feministas en los años 60, Estados Unidos.

La rebelión femenina

Ha de recordarse el relevante papel que las revistas y la televisión –medio que empieza a estar al alcance de las familias americanas en aquella época– juegan en la transmisión de ideas. Como comentan Chafe y Sitkoff, las revistas glorifican el papel de esposa y madre y brindan esta opción como único camino hacia la felicidad para la mujer. La industria del consumo, que crece espectacularmente en esos años, presenta la imagen de una esposa feliz rodeada de electrodomésticos que hacen su vida más fácil y productos de belleza que la hacen aparecer atractiva ante su marido. Citando a Chafe y Sitkoff, como resultado de esta influencia, la mujer se encuentra “in a ‘comfortable concentration camp’ prevented from discovering who she really was by a society which told her only what she could be” (Chafe, 1991). Sólo hay, por consiguiente, un camino muy delimitado para la mujer en los años cincuenta: el ideal femenino está indudablemente definido, como la precursora del movimiento feminista Betty Friedan apunta en su conocida obra The Feminine Mystique (1963).

El término rock ‘n’ roll es acuñado por primera vez por el disc-jockey de Cleveland Alan Freed en su programa de radio “Moondog Rock’n’Roll Party”, que retransmite música negra a una audiencia compuesta principalmente por adolescentes blancos, como apunta Piero Scaruffi en su libro A History of Rock and Dance Music 1955-2008.

Una vez expuesto el contexto en el que surge la música rock, es necesario centrarse en este estilo musical y los motivos de su expansión y significación en la sociedad en la que nace, para después analizar el papel de la mujer en relación a él. Como el propio Mailer comenta en su artículo “The White Negro”, existe incredulidad hacia los conceptos tradicionales de compañerismo, familia y amor. El nihilismo causado por los conflictos bélicos hace que estos intelectuales vuelvan su vista hacia nuevas fuentes de inspiración, como es la cultura afro-americana que, paradójicamente, sigue sufriendo la segregación por parte de la sociedad blanca. Como Mailer señala, la juventud blanca adopta, así, su música puesto que ésta da voz a la rabia y los diferentes sentimientos que van desde la alegría hasta la lujuria. No es casual, por tanto, que la música rock provenga de la confluencia de dos estilos: el rhythm and blues y la música country. La influencia de la música negra en este estilo se hace patente en el propio término puesto que, etimológicamente, rock and roll1 deriva de la jerga Black English como un eufemismo para “sexual intercourse”, es decir, rela-

Marcha feminista por paga igualitaria.

REBELLE: Las mujeres en el rock

ción sexual, como se recoge en el Online Etymology Dictionary. En una sociedad en la que el consumo es uno de los pilares fundamentales, la música se convierte en un artículo más de consumo que llega a millones de hogares estadounidenses a través de la radio y la televisión. He ahí donde radica gran parte de la popularidad y la influencia de este género hasta nuestros días.

los jóvenes gozan de una relativa libertad que conlleva un conflicto generacional con sus padres. Esta brecha entre la generación de posguerra y la posterior se verá perfectamente ilustrada en películas como Rebel without a Cause (1955), protagonizada por quien ha de convertirse en todo un mito para los adolescentes de la época, el malogrado James Dean. Es en ese contexto en el que los adolescentes empiezan a sentirse atraídos por la música y la estética rock, por ser un estilo fresco y desenfadado. A través de artistas blancos como Jerry Lee Lewis y Elvis Presley, se empieza a popularizar este género entre los jóvenes blancos de clase media. No obstante, hemos de centrarnos en las connotaciones masculinas que la música rock, conlleva.

Aun así, no se deben olvidar otros aspectos de carga social que popularizan este género entre los más jóvenes. Por primera vez después del conflicto mundial, los adolescentes se ven inmersos en una sociedad de bienestar. Sin las presiones que sus antecesores tuvieron,

Imagen central “Rebeldes sin causa”.

La rebelión femenina

Por oposición a los atributos tradicionalmente femeninos de pasividad, de inhibición, de lo relacionado con el ámbito doméstico, el rock se traduce en acción, rebeldía y expresión.

que el rock es sinónimo de la sexualidad masculina. En sus propias palabras, “rock has become synonymous with a male defined sexuality” (Whiteley, 1997). Este vínculo con el carácter masculino borra cualquier relación entre este tipo de música y la representación de la sexualidad femenina.

Tomando esto en consideración, la mujer representa todo a lo que amenaza al rebelde y a lo que este se opone, como comenta Simon Reynolds en su libro The Sex Revolts. Gender, Rebellion and Rock ‘n’ Roll. Por otra parte, la música rock posee una enorme carga sexual que simboliza, no obstante, la sexualidad masculina. En la introducción a su libro Sexing the Groove. Popular Music and Gender, la crítica británica especializada en música Sheila Whiteley afirma, citando a Simon Frith,

Como la crítica Norma Coates apunta en su artículo “Revolution Now”, “Sexuality in rock has, until recently, been conflated with male sexuality, therefore erasing any expression of the lower body of the female, and female sexuality” (Coates, 1997). Así pues, la presencia femenina en la música rock desde el punto de vista de los hombres se reduce a la

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perspectiva mostrada por los artistas masculinos, con frecuencia en relación a la visión de la mujer como objeto sexual que satisface el deseo masculino, como concluye Coates. En cuanto a las letras de sus canciones, nombres como “Little Red Rooster” , “(I Can’t Get No) Satisfaction”, o “Under My Thumb” ponen de manifiesto la actitud sexual dominante masculina de la que hacen gala. Imágenes relacionadas con el pene, el apetito insaciable o la dominación masculina son algunos de los contenidos que se extraen de dichas letras. Este modelo de sexualidad agresiva se ve incrementada, incluso, por la presencia de un enorme falo hinchable en sus actuaciones en directo hacia finales de los años sesenta, como Whiteley comenta. La visión de la mujer como un mero objeto que está siempre dispuesto a satisfacer las necesidades del hombre es la imagen recurrente en las canciones de los grupos en cuestión. Esta idea se ve totalmente encarnada en la figura de la “groupie”, surgida al amparo de la liberación sexual femenina de los años sesenta. Dicho término define a las chicas que, fascinadas por los cantantes y músicos de las bandas de moda, los persiguen a todas partes y cuyo objetivo fundamental es aquel de conseguir intimar con sus ídolos, prestándoles todo tipo de servicios sexuales como culminación de sus expectativas. Uno de los ejemplos más conocidos de ello es Marianne Faithful, pareja de Mick Jagger. Como el escritor y crítico musical Gary Herman comenta en su libro Historia trágica del Rock. Escándalos, vicios y dramas de los grandes mitos del rock que no pudieron sobrevivir a su fama, la determinación de la modelo por convertirse en novia de alguno de los miembros de la famosa banda es tal que, en sus propias palabras, “yo me acosté con tres de ellos, y decidí que el vocalista era el mejor” (Herman, 2009). Esta circunstancia se encuentra en sintonía con el momento en el que se escribe la novela, en pleno apogeo de la revolución sexual. Este hecho nos remite al movimiento feminista surgido en la década de los sesenta desde la contracultura que pretende reivindicar los derechos de igualdad social para las mujeres. Autoras de la Generación Beat como Diane di Prima, hacen uso explícito del sexo en su novela de carácter autobiográfico Memoirs of a Beatnik (1968). Otro ejemplo se encuentra en la obra de la escritora Lenore Kandel, quien publica en 1966 su polémico The Love Book, un libro de poemas censurado y llevado a juicio por obscenidad, según comenta Ronna C. Johnson en su artículo “Lenore Kandel’s The Love Book: Psychedelic Poetics, Cosmic Erótica, and Sexual Politics in the

Imagen central Integrante de Motley crue rodeado de las llamadas “groupies”.

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Mid-Sixties Counterculture”. En él, al igual que en Memoirs of a Beatnik, se habla sin tapujos de la sexualidad femenina. Johnson comenta que estos libros, especialmente el de Kandel, retan las convenciones sociales sobre la pasividad de las mujeres y promueven la igualdad sexual así como la expresión de la subjetividad femenina, estableciendo “the proto-feminist dimensions of Beat” (Johnson, 2004). Esta circunstancia será el caldo de cultivo de la creación de una identidad femenina que se hará patente a través de la obra de artistas posteriores. No obstante, la liberación sexual de las“groupies” es en realidad un espejismo para las ansias reivindicativas de la población femenina, pues la actitud de dichas seguidoras sigue representando la sumisión femenina a la sexualidad masculina. Otra de las bandas que se caracterizan por tener una cohorte de seguidoras dispuestas a satisfacer sus deseos sexuales es Led Zeppelin, como anteriormente se mencionó. La pose sensual masculina y la voz desgarradora y potente de su cantante, Robert Plant5 , exponente máximo de “cock-rocker”, se ven reforzadas por las letras de la banda, caracterizadas por un alto contenido sexual explícito: “I’m gonna make you sweat, gonna make you groove” (“Black Dog”), o “Squeeze me baby, till the juice runs down my leg. The way you squeeze my lemon, I’m gonna fall right out of bed” (“The Lemon Song”). De nuevo podemos comprobar la posición de la mujer, percibida desde un punto de vista masculino, sin nada más que aportar que sus beneficios sexuales. Los grupos que acabamos de mencionar, así como tantos otros que se popularizan a lo largo de la década de los sesenta y de los setenta, cosechan de inmediato el favor del público y de la crítica. Por contra, el nacimiento y la evolución de las mujeres en la música rock es mucho más costoso y presenta muchas más dificultades, dadas las trabas sufridas por las mujeres en aquellos entonces- si bien hoy día seguimos estando en desigualdad en el terreno musical como en tantos otros. No obstante, existen ejemplos de resistencia y reivindicación femenina dentro de este género musical. A través del análisis de la figura de algunas artistas representativas, podremos demostrar como éstas desafían la imagen de la mujer que las bandas y artistas masculinos ofrecen y proponen nuevos modelos que definen el carácter femenino. Uno de los mayores problemas que la mujer artista encuentra es la reconciliación de las esferas pública y privada, como Whiteley comenta en la introducción a Women and Popular Music. Si bien el ámbito de la mujer ha estado tradicionalmente reducido a la privacidad del hogar, el hecho de ser artista supone adoptar el rol tradicionalmente masculino.

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El éxito o el fracaso parecen depender en esta primera etapa de la música rock de la capacidad de la mujer de combinar ambas esferas de manera equilibrada, sin perder la identidad femenina. No es el caso de Janis Joplin, la primera artista que vamos a analizar aquí, y probablemente la artista femenina por excelencia de la música rock de la década de los sesenta. Los años de la contracultura, como así se han denominado frecuentemente, ven el surgir de los movimientos por los derechos civiles y, como se ha mencionado anteriormente, entre ellos se encuentra el feminismo. No obstante, queda un largo camino para que las artistas femeninas consigan hacerse un hueco sin necesidad de adoptar actitudes masculinas. Como Whiteley comenta, “to achieve success, it seemed that women had to take men on their own game, and within the arena of rock this involved drink, drugs and sexual promiscuity” (Whiteley, 2000). Janis Joplin, nacida en el estado de Texas en 1943, posee una de las voces más profundas del panorama musical. Su mezcla de blues y rock, así como su pasión a la hora de interpretar, la hacen inconfundible. Sin embargo, siempre se verá marcada por la falta de aceptación de su

“Little girl blue” es una canción compuesta por Janis Joplin en la cual habla de sus sentimientos de soledad y tristeza a lo largo de su vida. El dulce tono de su voz da la impresión que ella estuviera cantando como la pequeña e indefensa niña que fue.

Janis Joplin en Texas.

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propio físico, que no encaja en los patrones tradicionales de belleza femenina. Al ocupar el puesto de cantante, se convierte en el blanco de las miradas de la audiencia, cuyas expectativas se ven rotas por su carencia de atractivo.

visión que se ofrece en las letras de las bandas de rock masculinas, como anteriormente comentábamos. A pesar de los intentos de la cantante por integrarse en un ámbito masculino, la dualidad del hecho de ser mujer en un mundo masculino como es el contexto de la música rock en esos años, supone una fuente de frustración y ansiedad.

Joplin, además, subvierte la imagen prototípica de mujer, adoptando cualidades masculinas en sus actuaciones en forma de movimientos salvajes, patadas y puñetazos en el aire, y contoneos bruscos. Se convierte, así, en una mujer que podemos definir como no femenina o, en otros términos, “activa”, en oposición a la imagen tradicional de mujer “pasiva”,

Este hecho la lleva a buscar la autoafirmación a través de la promiscuidad sexual, así como a un consumo excesivo de estupefacientes, que finalmente acabaría con su vida. Podemos concluir, entonces, que la dualidad que caracterizan la personalidad de la artista, por un lado, su puesta en escena y sus actitudes masculinas en cuanto al sexo y la forma de relacionarse con los demás, y por otro su sicología femenina, suponen un lastre del que la cantante no es capaz de deshacerse. No obstante, esta combinación le otorga, al mismo tiempo, el orgullo de ser probablemente la primera mujer artista de la música rock que desmitifica el rol tradicional femenino. Si bien Janis Joplin se asocia a la contra-

Imagen izquierda Janis Joplin en concierto.

Imagen derecha Janis Joplin junto a Jimmy Hendrix.

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cultura de la década de los sesenta en términos de los movimientos de liberación sexual, existen artistas femeninas que se acercan a esta época desde la protesta social, a través de la música rock-folk6 . Estas dejan a un lado los instrumentos eléctricos y basan su música en los sonidos acústicos, y la suavidad de la melodía, caracterizada por voces dulces y armónicas – en oposición a la fuerza desgarradora con tintes soul de las voces de Janis Joplin o Aretha Franklin -, así como en una creciente introspección que este estilo musical permite. La novedad de las artistas que se inscriben dentro de este género mu-

sical, tales como Joan Baez, Judy Collins, Carole King7 o Joni Mitchell, es que manifiestan un creciente interés por la expresión individual, así como por las relaciones personales.

Imagen izquierda Cantante y compositora Joan Baez, 1970.

Imagen derecha Joni Mitchell, cantante y artista canadiense.

Según Whiteley, este análisis introspectivo de sí mismas dota a estas artistas de un espacio para crear y discutir la identidad femenina. Este estilo, que se sigue desarrollando en los años setenta, ayuda a reforzar por tanto la posición de las artistas dentro de la escena musical. Tomaremos como ejemplo para exponer algunas ideas fundamentales sobre este periodo a la cantante y compositora Joni Mitchell. Nacida en 1943 en Alberta, Canadá, Joni Mitchell es considerada, por su temática y las preocupaciones que refleja en su música, una artista cuasi feminista, aunque ella nunca se haya querido identificar como tal. Ella ofrece un modelo de identidad femenina que se basa en la representación de problemas asociados con el universo femenino, como pueden ser la sexualidad, la reproducción

La rebelión femenina

Hay autoras, como Tharp y MacCallumWhitcomb en This Giving Birth. Pregnancy and Childbirth in American Women’s Writing, que apoyan la relación entre creación artística y maternidad, puesto que afirman que constituyen roles complementarios. Lo que es indiscutible es que este tema es totalmente novedoso en el contexto de la música rock masculina, centrada en otros aspectos que difieren por completo de la intimidad la que las artistas femeninas manifiestan en su imaginario. Como hemos expuesto hace un instante, Joni Mitchell es una mujer artista que apuesta por definir y encontrar un modelo de identidad femenina. A través de la introspección, el análisis de los sentimientos, la relación con los demás, la cantante crea un universo femenino en el que se cuestiona su identidad como mujer. La exploración de sí misma como artista y como mujer anticipa, según Whiteley, el énfasis del postfeminismo por salvar la distancia entre la mente y el cuerpo, y reconciliar y aceptar las frustraciones que el hecho de ser mujer le suponen.

y el hecho de ser madre. En sus letras se reflejan, a menudo, numerosas dudas y contradicciones que surgen de la cuestión de género y de su propia identidad como mujer, por ejemplo, ¿en su famoso tema “Who am I?”. Otras veces la cuestión se centra en la dicotomía entre libertad y dependencia, como en su tema “All I want”. Cabe destacar que, en ambos temas, la figura central es la mujer como sujeto representado por el pronombre personal de primera persona “I”, mostrando el interés en la búsqueda de identidad femenina a través de las canciones. Otro de los temas tratados por este tipo de artistas es la maternidad. En su versión de “Eli’s Song”, se establece un vínculo entre madre e hija, creando un universo femenino que excluye la presencia masculina. Muchas autoras han tratado este tema, y existen opiniones contrapuestas con respecto a las implicaciones que la maternidad conlleva en la creación de una identidad femenina.

Si los años setenta se caracterizan por la introspección y la búsqueda íntima de la feminidad a través de las letras y las melodías, la década de los ochenta se ve marcada por aspectos muy distintos. Por una parte, la propia conciencia sobre la sexualidad femenina, que después de dos décadas se muestra de forma más obvia y con más fuerza en la puesta en escena de muchas artistas como Debbie Harris, Cindy Lauper o Madonna. Al mismo tiempo, surge una tendencia a desafiar los estereotipos de género a través de identidades femeninas andróginas, que cuestionarán los modelos tradicionales de feminidad. Un claro ejemplo de ello es Annie Lennox, la cantante del dúo Eurythmics. Por otra parte, la era del videoclip, que constituye

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un instrumento extraordinariamente poderoso, dado el carácter motivador la imagen, así como la capacidad de difusión que posee. Así pues, las artistas encuentran una nueva vía gráfica de expresión a su alcance para crear una identidad femenina, como veremos en el caso de Madonna. La “Reina del Pop”, como se le ha denominado en contadas ocasiones, inicia su carrera a principio de la década de los ochenta. Desde el principio, se apoya en una imagen visual muy característica – no se debe olvidar que Madonna crea un estilo imitado por sus innumerables seguidoras, y por un jugoso número de artistas posteriores, como Britney Spears, Christina Aguilera, o la más actual Lady Gaga- que reforzará a través de videoclips. Madonna juega con la seducción de una pin-up – se oxigena el pelo y lo peina al más puro estilo Marilyn Monroe, se viste como Gilda – así como con la sexualidad femenina, combinando estereotipos femeninos tradicionales como virgen y prostituta. Si nos remitimos a una de sus primeras canciones y a su videoclip, “Like a virgin”, se ven perfectamente reflejados ambos conceptos. Por una parte, la novia vestida de blanco virginal, esperando a ser poseída, simbolizando la rendición tradicional al hombre; por otra, el deseo del cuerpo femenino que quiere experimentar la sexualidad, representado por el león. La artista manipula las imágenes para crear una dualidad sexual que enriquece la identidad femenina. Madonna hace uso de la dualidad de nuevo a través de la ambigüedad sexual. A menudo se viste con ropas de hombre o adopta actitudes atribuidas al género masculino. Un claro ejemplo de ello es la canción y el videoclip de “Open your Heart”. La letra muestra a un personaje que seguro de sí mismo, que afirma su determinación por conquistar a la persona amada, “Don’t try to run, I can sep up with you, nothing will stp me from trying to catch you”.

Madonna 1980.

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En el video, la cantante adopta una actitud voyerista, convirtiéndose en espectadora de un show erótico, subvirtiendo así los roles de género. La crítica de cine Laura Mulvey afirma en su libro Visual and Other Pleasures que el cuerpo femenino es siempre el objeto de deseo masculino a través de la mirada. En el caso de este video, la identidad femenina se convierte en el sujeto de la acción, rompiendo así las convenciones en cuanto a roles de género. Otro ejemplo se encuentra en su canción “Express yourself”, un canto a la libertad de expresar los deseos y de llevarlos a cabo. Como Whiteley comenta, Madonna aparece combinando elementos del vestuario masculino y femenino – un sujetador negro bajo un traje sastre –, y portando un monóculo, un elemento que invita a pensar en el voyerismo de nuevo. Como se ha comprobado, Madonna se caracteriza por combinar opuestos y aunar elementos tradicionalmente masculinos y femeninos para redefinir la imagen de la mujer. Tomando como punto de partida el erotismo, la artista se centra en la sexualidad femenina, a la que atribuye cualidades como poder y ambigüedad, manipulando elementos visuales que refuerzan estas ideas a través de sus videos. Finalmente, subvierte los roles de género, dando paso a una identidad fe-

Madonna fue imagen de la conocida marca de refrescos en 1989, pero el anuncio acabó censurado debido a la polémica que supuso al día siguiente el lanzamiento de su vídeo Like a prayer, en el que aparecían cruces en llamas y besaba a un joven negro.

menina plural y más compleja, que se adapta a la sociedad cambiante y dinámica de los años ochenta y noventa. Como hemos podido, la música rock ha experimentado una evolución desde sus inicios en los años cincuenta hasta nuestros días. Si bien ha sido un 999 género inicialmente de difícil acceso para la mujer, con el tiempo las artistas femeninas se han hecho un hueco en la industria musical del rock. Aunque las bandas masculinas han mostrado una imagen femenina estereotipada, en relación a la satisfacción del deseo sexual masculino, hemos comprobado a través de diversos ejemplos de mujeres que han hecho su incursión en la música rock que la identidad femenina ha evolucionado. Analizando la temática, la actitud, y la puesta en escena de artistas pertenecientes a diferentes décadas – Janis Joplin en los sesenta, Joni Mitchell en los setenta, y Madonna en los ochenta -, se ha demostrado cómo éstas se han rebelado contra los patrones tradicionales sobre la mujer y han propuesto una identidad femenina más compleja y profunda.

Madonna marcó toda una generación con su estilo y apariencia.

CAPÍTULO 4

s o l ntas e s e s 67

“Oh honey, go on and sit right back down, I want you to count, oh count your fingers, Ah my unhappy, my unlucky And my little, oh, girl blue. I know you’re unhappy, Ooh ah, honey I know, Baby I know just how you feel” Janis Joplin- Little Girl Blue

la revolución La década de los 60 fue de los jóvenes y de la mujer, el romper con todo lo pasado.

entro de la moda surgió la minifalda, hoy en día una prenda ineludible en el guardarropa de toda mujer joven; fue como una bomba sobre todo para personas tan renombradas como la famosa Coco Chanel. La minifalda, era una forma de rebelarse y a su vez de revindicar; en la misma época, dentro de la misma corriente también aparecía el pantalón femenino, no solo en el campo o para hacer deporte, sino para la ciudad y el día a día de la mujer. Hasta las revistas se interrogaban acerca de la moralidad de las mujeres solo por el hecho de llevar estas prendas. En los años 70 llegó la tendencia hippie con pantalones acampanados y las maxifaldas. Todos estos cambios hacían a las mujeres más rebeldes y contestatarias, ya que todas tenían algo en común, el afán por romper con el pasado y no parecerse en nada a sus predecesoras. La época de los 60 además de ser de los jóvenes y la mujer, también fueron de los derechos de los negros en Estados Unidos, la independencia de África y la puesta al día de la Iglesia Católica. La mujer había entrado de lleno en el mercado laboral, pero las tareas domésticas aún recaían casi exclusivamente sobre ella, había comenzado un gran cambio, pero quedaba mucho por luchar en favor de la mujer entre otras cosas. Llegó el gran éxito de los Beatles. Dieciocho naciones africanas alcanzaron su independencia, el muro de Berlín fue la línea que separó el mundo de delante y detrás de la Cortina de Hierro, en EE. UU se aprobó la píldora anticonceptiva y en 1967 el cirujano Christian Barnard realizó el primer trasplante de corazón; el soviético Yuri Gagarin dio la vuelta entera a la tierra, convirtiéndose en el primer hombre del espacio. El 3 de febrero de 1966 el vehículo espacial soviético Luna 9 se

posó suavemente en la superficie lunar y por fin el hombre llegó a la luna un 21 de julio de 1969 con los astronautas Armstrong, Aldrin y Collins. Tenemos que mencionar la llegada de la televisión como un medio de entretenimiento e información, además del final de la censura y restricciones para el nuevo cine occidental, y los hippies se reorganizaban en comunas y colectivos en el campo. Todos estos cambios generacionales eran aceptados por todos los jóvenes de esta época, pero en su mayoría poco entendidos e incluso ridiculizados por las personas mayores, como el pelo largo para los hombres y el vestuario practico y cómodo de las camisetas decoradas con mensajes de propaganda y los famosos vaqueros que se convirtieron casi en uniforme durante esta generación.

Con la guerra de Vietnam surgieron polémicas manifestaciones entre partidarios y opositores, surgió la fiebre del rock`nroll y un aumento progresivo de las drogas recreativas, ya que todos los cambios traen consigo cosas buenas y malas. En 1961 cerca de 50.000 mujeres se unieron a la Huelga de Mujeres por la paz y en contra de las armas nucleares que marcharon por 60 ciudades de Estados Unidos como protesta.

El regreso a la naturaleza era un lema constante sobre todo en las personas jóvenes, el primer Día de la Tierra en 1970 fue muy importante para llamar la atención a todos los problemas ambientales en la cultura joven y por fin entre 1960 y 1970 se adoptaron prácticas como el reciclaje y la ganadería orgánica, además del interés por todo lo ecológico.

protesta femenina por el uso de las mini faldas.

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janis joplin De los bares a los escenarios El legado dejado por la sonriente mujer, rompió esquemas machistas, musicales y de cultura en los años ’60. Su poderosa interpretación, construida por una intensa voz y profunda poesía,la llevó a coronarse como la indiscutible “Reina del Rock and Roll”.

on un mensaje que hasta la fecha permanece intacto, la chica de Texas continúa conmoviendo a quien escucha su música sin distinción de tiempo y espacio. Janis Joplin (19 de enero de 1943 – 4 de octubre de 1970) cantante de rock y blues. Nació en Port Arthur, Texas, Estados Unidos. Su padre Seth trabajó en una refinería, y Dorothy era una talentosa cantante que brindaba shows en su instituto. Su familia hacia parte de una comunidad religiosa llamada la Iglesia de Cristo, pero sus padres sabían que a Janis le molestaba asistir allí. En su adolescencia comenzó a conocer la música afroamericana gracias a un grupo de amigas negras de su escuela. Tuvo acceso a los discos de Bessie Smith, Ma Rainey o Lead Belly, desde ahí creció el interés de Janis por cantar. Comenzó participando en un coro, y a la par ampliando sus influencias musicales con artistas como Odetta, Billie Holiday y Big Mama Thornton. Aunque a su madre no le gustaba, Janis comenzó a asistir a los bares de Luisiana donde reproducían los mejores discos de música afroamericana; de blues y jazz. Se convirtió en una verdadera amante de este género. Luego de graduarse de la escuela ingresó a Lamar State College of Technology en Beaumont, aunque no completó sus estudios. En su universidad siempre fue vista como una joven blanca diferente, su estilo era muy peculiar y en ocasione era víctima de rechazo. Decidió ingresar a Bellas Artes en la Universidad de Texas en Austin, y comenzó a cantar de forma habitual en bares. Participó frecuentemente con la banda Waller Creek Boys. Rápidamente ganó popularidad, pero también empezó a ingerir alcohol. Estuvo un periodo en Austin en donde vivió de la música y se hizo seguidora del movimiento beatnik, movimiento que le dio la vida al famoso movimiento hippie. En este momento, actuaba como solitas en lugares como Coffee Gallery.

Janis Joplin en su infancia.

Los sesentas

Con gran esfuerzo Janis logró grabar su primer «jingle» publicitario para un banco, interpretado sobre la melodía de Thls land is your land de Woody Guthrie.

otros músicos, y hasta se reencontró con su exnovio, miembro de The Grateful Dead). A partir de 1964 comenzó a producir canciones. Pero el alcohol y ahora la droga, especialmente la metedrina, comenzaron a causar estragos en su salud física y emocional, llegó a pesar tan solo 35 kilos. Luego, conoció a Peter LeBlanc de quien se enamoró perdidamente, en 1965 le anunció a su familia que se casaría con él. Pero, al tiempo LeBlanc la abandonó; esto marcaría su vida terriblemente.

El contacto fue hecho gracias al empresario musical Chet Helms, que había quedado encantado con sus espectáculos tejanos. En 1963 se trasladó a la ciudad de San Francisco. Tuvo el privilegio de conocer

Janis Joplin en su ciudad natal.

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Little Girl Blue De regreso a San Francisco, encontró una fuerte escena musical en aumento: en el Longshoreman’s Hall tocaban The Charlatans, The Marbles y Great Society. En el Avalon Ballroom, actuaban t, el grupo al que Janis Joplin ingresaría. El grupo estaba conformado por el bajista Peter Albin, los guitarristas Sam Andrew y James Gurley y el batería Dave Jetez, en ese momento el grupo estaba dividido, pero su manager ideó la forma

para que el grupo continuara y además aceptara una voz femenina, que sería la de Janis Joplin. Con la agrupación Janis publicó el disco titulado Janis/Early Performances, editado en 1975. Luego de un tiempo Janis Joplin se dio cuenta que la Big Brother, era demasiada indisciplinada desde un punto de vista instrumental: a menudo desafinaban, y, frecuentemente, estaban fuera de tiempo. Así que Janis, no tardó en asumir con carácter y decisión la dirección del grupo.

Imagen izquierda Janis como integrante de Big Brother and The Holding Company.

Imagen derecha Janis Joplin y su vida en San Francisco.

Los sesentas

La cantante se convirtió en una de las principales atracciones de San Francisco, junto a Grateful Dead, Country Joe and The Fish y Quicksilver Messenger Service. Janis sabía transmitir al público una gran dosis de emociones y sentimientos, expresando auténtica pasión y tormento con una música influida por las frustraciones de su vida íntima. A principios de 1967, el grupo firmó con la compañía Chicago Mainstream y grabó su primer álbum, titulado Big Brother and The Holding Company, publicado hasta el Festival Pop de Monterey de agosto de 1967, donde Joplin logró un gran éxito personal. Este primer álbum, que mostraba a Joplin y a su banda en directo, fue un fiel reflejo del talento de esta agrupación y también de la prometedora carrera de Janis. Tres de sus temas se volvieron muy populares: All is loneliness, Light is faster than the sun y Bye bye baby. Monterey le abrió a la banda las puertas de la gran industria discográfica. A finales de 1968 salió el segundo álbum, Cheap thrills. En Columbia tuvieron éxito, también en la Costa Este, en el Anderson Theatre de Nueva York. Janis Joplin, fue capaz de reinventar la melódica ‘Summertime’, de George Gershwin, en clave dramática, y aportó notablemente en la composición y producción de I need a man to love, compuesta junto a Sam Andrew. En los temas Ball and chain y Piece of my heart, logró expresar todo su sentimiento de vulnerabilidad y su falta de amor. En este momento, surgieron conflictos entre la cantante y los demás integrantes. Entonces, Joplin decidió separarse del grupo al sentirse limitada y sentir que su grupo no tenía la capacidad de innovar ni en el estudio ni en tarima.

Janis joplin inicia su carrera como solista.

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Por otro lado, sus compañeros aseguraban que quería robarse el show y que no podían lidiar con su comportamiento violento cuando se drogaba. Nació entonces la agrupación flower-power. Pero luego de varias reestructuraciones, el grupo cambió su nombre a The Kozmic Blues Band, incluía a Bill Kingal en el órgano, Brad Campbell en el bajo, Ron Markovitz en la batería, además del saxofonista Terry Clements y el trompetista Marcus Doubleday. The Kozmic Blues Band, no alcanzó la altura de The Big Brother.

En ese momento, Janis, empezó a dar pasos en falso. El deseo de experimentación la llevó a aproximarse al «Memphis-Detroit sound», pero el debut en directo de la nueva agrupación, llevada a cabo a finales de 1968, en la Stax Volt Convention de Memphis, fue un fracaso. The Kozmic Blues Band continuaron sin potencia ni unidad en los siguientes conciertos, esto generó grandes dudas sobre el futuro de la talentosa cantante tejana. La cantante decidió darse un descanso, así que brindó un hermoso concierto en New York.

Janis Joplin para su disco Peral.

Los sesentas

En febrero de 1970, viajó con una amiga a Río de Janeiro, se alejó de las drogas y conoció a David Niehouse, estuvieron viajando por todo el Brasil como dos típicos beatniks y al volver a San Francisco, vivieron juntos. Posteriormente con una vida más organizada y estable, Joplin vuelve a la música esta vez a ser parte de la Full Tilt Boogie Band de Albert Grossman. Su pareja aburrido de estar en un mismo lugar le invitó a viajar por el mundo, pero ella prefirió quedarse en San Francisco con su nueva banda. Joplin conoció a Seth Morgan de quien se enamoró. A finales de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. Tras la grabación salieron a festejar con la banda a un bar. Pero, al día siguiente, el 4 de octubre de 1970. Janis fue encontrada muerta a un lado de su cama. Había fallecido por la madrugada, a causa de una sobredosis de heroína sumamente concentrada que había mezclado con alcohol. Desafortunadamente, era una persona a la que le gustaban los excesos y eso le ocasionó una muerte bastante prematura, pues tan solo contaba con 27 años.

La canción “Buried Alive in the Blues” quedó inconclusa con la trágica muerte de la cantante, fue finalmente incluida como un tema instrumental en Pearl, a manera de un homenaje póstumo.

Janis Joplin en us últimos conciertos.

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stevie nicks La bruja del rock Con más de 20 éxitos en los Top 40 de las listas discográficas, es una de las pocas artistas de rock que ha mantenido una carrera como solista, al mismo tiempo formando parte de una banda muy exitosa.

tephanie Nicks nace el 26 de Mayo de 1948 en Phoenix, Arizona donde vivían sus padres Jess y Barbara Nicks. A la edad de 4 años comenzó prácticas de baile y canto. Además, su abuelo, quien era cantante de música country, le enseño a cantar las partes femeninas de las mismas. Eventualmente la llevaba a que cantase con él en sus presentaciones. A medida que su padre Jess, que trabajaba como ejecutivo en el área de alimentos, iba adquiriendo más éxito con su carrera, se trasladaban a menudo, llegando a vivir en Albuquerque, Nuevo México, cinco Años en El Paso, dos en Salt Lake City, Utah, Los Ángeles y San Francisco. De niña Nicks tuvo una familia en la que su madre le inculcó el aprecio a los cuentos de hadas y a la fantasía y su abuelo, un cantante de country de poco éxito, le enseñó a cantar cuando tenía cuatro años. Cuando Stephanie cumple 16 años sus padres le regalaron su primera guitarra y ese mismo día compuso su primera canción llamada “I’ve loved and I’ve lost. Nicks conoció a su futuro compañero en la música y el romance Lindsey Buckingham, mientras asistía a la escuela Menlo Atherton. Años después se volvieron a encontrar y Buckingham recordó la buena voz de Nicks y junto con Javier Pacheco y Calvin Roper formaron una banda llamada Fritz que se hizo popular por sus presentaciones en vivo entre 1968 y 1972. Fueron teloneros, entre otros, de Jimi Hendrix y Janis Joplin. La banda eventualmente se separó pero Nicks y Buckingham continuaron escribiendo y grabando como dúo lanzando el álbum ‘Buckingham Nicks en 1973. A pesar de su provocativa cubierta que mostraba una fotografía de la pareja desnuda, el álbum no fue exitoso. De todos modos llamó la atención del baterista Mick Fleetwood que estaba buscando un nuevo guitarrista

Stevie Nicks a sus 16 años.

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para su banda Fleetwood Mac. Fleetwood Mac es una banda de rock nacida en 1967 en Londres, que a lo largo de su carrera ha sufrido constantes cambios en su alineación y ha tenido diversos períodos de popularidad. Fue fundada por los vocalistas y guitarristas Peter Green y Jeremy Spencer, el bajista Bob Brunning y el baterista Mick Fleetwood. Con la posterior llegada de John McVie y Danny Kirwan. El apellido de John McVie combinado con el de Mick Fleetwood fue escogido para titular la banda y junto a él son los únicos músicos que han estado en toda la carrera de la agrupación inglesa. En conjunto con sus primeros trabajos, se situaron como una de las bandas más importantes del boom del blues británico de fines de los sesenta y principios de los setenta. Fleetwood estaba interesado sólo en Lindsey Buckingham para reemplazar a su exguitarrista Bob Welch, pero Buckingham dijo que sólo se uniría a la banda si también invitaban a Nicks, lo cual fue aceptado.

La canción “Dreams” originalmente fue lanzada en 1977 como parte del aclamado álbum Rumours el cual fue catalogado en el número 7 de los mejores discos de la historia según la revista Rolling Stone este 2020

Stevie Nicks llegando a Fleetwood Mac.

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El ícono femenino El nuevo conjunto lanzó el álbum Fleetwood Mac en 1975 para el que Nicks aportó varias canciones incluyendo “Rhiannon” y “Landslide”, originalmente escritas para el segundo álbum de Buckingham Nicks. La unión entre el dúo y la veterana banda demostró ser exitosa, y un revitalizado Fleetwood Mac logró su primer #1 en la lista Billboard 200 y vendió más de 5 millones de discos. Con su voz, sus composiciones y su estampa, Nicks fue una pieza clave en el más que exitoso ciclo de la banda representado por los álbumes Fleetwood Mac, Rumours y Tusk. Stevie ha sido nominada para ocho premios Grammy como artista en solitario, manteniendo el récord de mayor número de nominaciones a la Mejor Vocal Rock Femenina sin conocer la victoria. También ha sido nominada a nueve premios Grammy competitivo como miembro de Fleetwood Mac, ganando el Premio Grammy 1978 por Álbum del Año por Rumours, y recibió el Grammy Hall de la Fama 2003. A finales de 2004, Nicks comenzó a visitar centros médicos del Ejército y la Marina en Washington, DC. Durante su visita a los heridos en servicio, Nicks tomó la determinación de encontrar un objeto que pudiera dejarle a cada soldado que les levantara el ánimo, los motivara y les diera algo para cada día. Eventualmente decidió comprar cientos de iPod Nano y cargarlos con música, artistas y listas de reproducción seleccionadas a mano por ella misma, y autografiarlos para obsequiarlos. Ahora ofrece regularmente estas muestras de su aprecio, llevando a sus amigos más cercanos para compartir la experiencia. En 2006, Nicks celebró una reunión para recaudar fondos para sus obras de caridad. Muchos de sus compañeros hicieron contribuciones.

Nicks continúa desarrollando esta labor filantrópica. “Yo lo llamo un iPod de los soldados. Tiene todas las cosas locas que yo escucho, las colecciones que he estado haciendo desde los años 70 para ir en el camino, cuando estoy enferma ... O el par de veces en mi vida que he estado realmente deprimida, la música es lo que siempre me saca de la cama.“ “Así que, cuando Mick (Fleetwood) y yo fuimos de habitación en habitación entregando estos pequeños iPods, nos contaron sus historias. Mick se convirtió en su alta y amorosa figu-

Fleedwodd Mac.

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ra paterna, absorbiendo cada palabra que decían, manteniendo la calma e inspirándolos. Flotamos en una habitación a otra a través de los pasillos de los 2 hospitales durante un período de tres días. Entregamos todos nuestros iPods. Justo antes de salir para DC,

Stephen Tyler y Joe Perry vaciaron sus bolsillos y nos dieron USD 10.000 para mí.

Imagen izquierda Stevie visitando hospitales militares.

Imagen derecha Entrega de los IPods para los militares.

En mis ojos pasaron de ser las estrellas de rock más cool a ser grandes hombres generosos, y como mi agente de prensa, Liz Rosenberg, dijo, todos los soldados que regresan heridos deben recibir un iPod. Será una parte integral de su recuperación. “Debido a su estética neogótica, al simbolismo y misticismo de sus letras y a su éxito, se ha rumoreado

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mucho sobre su vinculación con la brujería y la Wicca. Ella misma ha contribuido con esa imagen, dando recitales en Halloween y vistiendo como bruja en eventos públicos.

Nicks apareció en la siguiente temporada de la serie llamada Apocalypse volviendo a interpretar su papel de bruja blanca en la serie. En una entrevista que dio en recientemente para la revista Rolling Stone dijo que una de las cosas que quería hacer era sacar un nuevo álbum y que cuando el aquelarre se volviera a reunir en una futura temporada, volvería a hacer su papel de bruja blanca. No obstante, en numerosas entrevistas ha declarado no ser devota de ninguna religión concreta, aunque admite su gusto por lo mítico y lo gótico.

A propósito de esto, grabó en 1998 la canción Crystal para la película Practical Magic, en la que Nicole Kidman y Sandra Bullock interpretan a dos jóvenes brujas. Nicks también apareció en la serie de televisión American Horror Story: Coven, interpretando a una bruja blanca del aquelarre.

En una entrevista dijo: “Gasté miles de dólares en ropa negra y tuve que dejar de usarla porque mucha gente se asustó. Eso es realmente injusto. Yo pienso en la gente, pero la gente saca sus propias conclusiones acerca de lo que soy o en lo que creo”.

En dicha serie, Nicks cantó algunas de sus canciones, fuertemente vinculadas a la historia de las brujas protagonistas.

Stevie Nicks habla de los rumores sobre ser bruja.

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Innumerables artistas han citado a Nicks como fuente de influencia e inspiración musical. Algunos de ellos son Beyoncé, Echosmith, Courtney Love, las Dixie Chicks, Mary J. Blige, Sheryl Crow, Adele, Florence Welch, Taylor Swift, Vanessa Carlton, Lorde y Harry Styles. The Dixie Chicks hizo una versión de su clásico de 1975 “Landslide”, que se convirtió en número uno en varios países. Según BMI, “Landslide” es una de las canciones más emitidas en las radios de Estados Unidos desde su lanzamiento. Nicks interpretó la canción junto al grupo en la edición del show Divas de 2002. También la banda de rock alternativo Smashing Pumpkins hizo una versión acústica de la canción que se presentó en su álbum de 1994 Piscis Iscariote. The Corrs y Years & Years han versionado su canción “Dreams” y Courtney Love hizo lo mismo con “Gold Dust Woman”. “Edge of Seventeen” fue utilizada como fondo musical por Destiny’s Child para su canción “Bootylicious”, de 2001. Nicks apareció en el videoclip. También en el episodio de MTV Making The Video, en el que expresó su admiración por la canción y el grupo. La actriz y cantante estadounidense Lindsay Lohan también interpretó “Edge of Seventeen” en su segundo álbum de estudio A Little More Personal, de 2005. Deep Dish cumplió sus “sueños” de trabajar con Nicks en 2005 cuando Nicks ofreció volver a grabar las voces en un remezcla de su canción número uno “Dreams”. La versión de Deep Dish llegó al número dos en la lista Billboard Hot Dance Airplay, además de proporcionarle a Nicks su tercer éxito entre los mejores 40 del Reino Unido. El 31 de enero de 2010, Nicks tocó con Taylor Swift en los 52º Premios Grammy. Swift, que describe a Nicks como uno de los héroes de su infancia, la presentó al público diciendo: “Es un cuento de hadas y un honor compartir el escenario con Stevie Nicks”.

Stevie Nicks posando para la revista Rolling Stone.

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patti smith Espíritu Libre Con más de 20 éxitos en los Top 40 de las listas discográficas, es una de las pocas artistas de rock que ha mantenido una carrera como solista, al mismo tiempo formando parte de una banda muy exitosa. Patti Smith (30 de diciembre de 1946) cantautora y poeta. Nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos. Su madre, Beverly estuvo ligada a la música, se dedicaba a cantar jazz, mientras su padre, Grant, era empleado de la planta de la multinacional Honeywell. Fue bautizada con el nombre de Patricia Lee Smith. Cuando era niña se trasladaron a Deptford Township, Nueva Jersey, la crianza que le dieron a Patti era regida por la religión ya que sus padres eran testigo de Jehová. En la adolescencia decidió alejarse de los preceptos religiosos, agotada por la estricta y rígida educación. En su adolescencia prefirió dedicarse a seguir a su ídolo Mick Jagger, de The Rolling Stones, y también a Bob Dylan, tenía una cantidad de discos, para Patti esto resultaba mejor que ir a fiestas o reunirse con sus amigas. En ese momento, la familia tenía una difícil situación económica, por eso al salir del colegio de Deptford Township, la joven tuvo que buscar un trabajo en una fábrica. Mientras trabajo allí, tuvo una relación sentimental efímera y fugaz que le dejó un hijo, que luego fue dado en adopción. Luego de conseguir algunos ahorros la joven comenzó a estudiar, pero en 1967 dejó los estudios universitarios en Glassboro State Teachers College para trasladarse a la ciudad de Nueva York.

Imagen horizontal Patti Smith 1969

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Entró a trabajar a una joyería en donde conoció al fotógrafo Robert Mapplethorpe. Posteriormente, este hombre fue su fotógrafo oficial cuando se creó Patti Smith Group. En 1969 viajó a París con su hermana, para sustentarse comenzó a actuar en las calles y a hacer arte de performance. Cuando Smith regresó a Nueva York, se ubicó en un hotel y comenzó a frecuentar los clubes de la ciudad, como el CBGB y el Max’s Kansas City.

Imagen izquierda Patti Smith, escritora de poesía.

Smith apareció con Jayne County en la obra de teatro de Jackie Curtis, Femme Fatale. Simultáneamente fue miembro de un proyecto de poesía de St. Mark, la década de los 70 se dedicó a pintar, escribir y actuar. Gracias a los performance conoció a Allen Lanier, del grupo de rock Blue Öyster Cult, él la invitó a participar en la grabación de varias canciones, incluyendo Debbie Denise, Career of Evil, Fire of Unknown Origin, The Revenge of Vera Gemini, y Shooting Shark. Durante estos años, Smith fue periodista musical, escribiendo sobre rock en varias revistas, entre ellas la revista musical Creem. De este modo, se hizo famosa en los ambientes artísticos de las ciudades estadounidenses, en algún momento le ofrecieron ingresar al

Imagen derecha Patti Smith concierto en 1974.

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mundo de la música, pero ella no estaba convencida, prefirió seguir con el periodismo musical. También realizó tres libros de poesía. En 1974, cambió de parecer y decidió formar un grupo musical con Lenny Kaye y Richard Sohl al piano. Grabó su primera pieza, Piss factory, más que una canción fue un monólogo acerca de la alienación en las fábricas. Este tema ha sido calificado como uno de los más logrados de la cantante, a pesar de su inexperiencia. Gracias a Piss factory la cantante logró acceder a la industria discográfica. Por ejemplo, Clive Davis, presidente de Arista, escuchó la canción y, sorprendido por la calidad del producto, contrató a Patti en 1975. Patti Smith resultaba especial por su figura andrógina que destrozaba los estereotipos del rock que pretendían lanzar sólo a mujeres sexys.

Rápidamente se publicó su primer álbum, Horses, su impacto fu tal que se transformó muy pronto en un himno de aquel período. Pero en general todas las canciones del álbum son interesantes, aunque en un principio las ventas fueron escasas. Lo admirable de esta cantante es que logró representar las contradicciones de una cultura rock en busca de nuevos límites y talentos. Entre 1975 y 1979, Patti Smith desarrolló una carrera admirable. En ese momento, siguió acompañado del guitarrista Lenny Kaye, el colaborador más apreciado de Patti Smith.

Foto promocional de álmub Horses.

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El grupo regresó a los estudios de grabación para preparar el nuevo álbum, Radio Ethiopia, un disco dedicado a Jim Morrisson, Arthur Rimbaud, ídolos de Patti. En el mundo comercial este disco fue bien acogido por el público y la crítica, lo que generó que la figura de Patti Smith se convirtiera cada vez más en el centro de atención de los oyentes. La cantante tuvo que suspender por un tiempo la actividad musical debido a una lesión en la rodilla generada por una caída desde un escenario en el curso de un concierto en Florida, Patti Smith se dedicó a escribir y posteriormente a publicar el libro de poemas llamado Babel. Este periodo de receso también fue utilizado para trabajar en Easter, publicada en 1978, bajo la producción de Jimmy Lovine, quien realizó varios trabajos con Tom Petty y Bruce Springsteen. Patti participó en el disco Because the night, que rápidamente se transformó en un éxito internacional. Realmente esta mujer fue objeto de admiración en el mundo del rock de fines de los setenta, sus canciones frenéticas emparentadas con el punk y textos de gran valor poético impactaban a los oyentes. Sin embargo, Patti Smith alcanzó su máxima popularidad con el álbum Wave, producido por Todd Rundgren.

Último concierto antes de retirarse de los escenarios.

Una vez publicado el álbum Wave, consiguió ser el disco del grupo que más ventas consiguió, y además, ocupó el puesto número 18 de las listas estadounidenses y el 41 de las del Reino Unido. El disco estaba dedicado a su amor por Fred Smith y era un adiós también para sus seguidores. El propio título dejaba entrever esa decisión, ya que una de las acepciones de wave es decir adiós con la mano, saludar.

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Pero inesperada y sorpresivamente Patti anunció su retirada; el primero de marzo de 1980 al quedar embaraza de su esposo Fred «Sonic» Smith, ex guitarrista de MC5, se trasladó a Detroit y se dedicó al cuidado de su hijo. Durante algunos años no se supo nada de Patti Smith. Fue hasta 1988, cuando, grabó y publicó el álbum Dream of fire, el responsable de la cubierta fue su gran amigo Robert Mapplethorpe, falleció pocos meses después. Patti Smith completa el trayecto de una artista singular, a pesar de su retiro fue capaz de realizar explosiones de auténtica genialidad. Cuando en 1988 volvió a escena, su voz seguía siendo poderosa y expresiva, pero el contexto había cambiado y ya no generaba el mismo furor entre los rockeros. Reapareció en 2004, cuando lanzó al mercado Trampin’ era básicamente un tributo a su madre, que había fallecido dos años antes. Continuo participando en festivales, también en 2005 grabó y lanzó Horses/Horses. Por su gran trabajo Smith fue nombrada comandante de la Orden de las Artes y las Letras, de manos del ministro de cultura de Francia. El 12 de marzo de 2007 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock, logró que le dedicó a su marido fallecido. Al año siguiente, se editó un álbum en vivo con Kevin Shields, The Coral Sea.

Imagen izquierda Patti Smith regresa con Trampin’, 2004.

Imagen derecha Patti Smith se une al salón de la fama.

CAPÍTULO 5

s o l ntas e t e s 89

“In a flash of recollection of oriental pride She threw him to the side Got the address, gave the door a knock What happened next caused quite a shock She was standing, looking out the door He was kicked to the floor Don’t know much more” Blondie- Kung Fu Girls

las protestas

“No se nace mujer, se llega a serlo. Ningún destino biológico, físico define la figura que reviste en el seno de la sociedad la hembra humana” Simone de Beauvoir.

sión y represión sexual que en sus primeros años realizó planteos y acciones radicalizadas en defensa de la libertad sexual y rechazando la persecución a gays, lesbianas, travestis y transexuales. La revuelta de Stonewall de 1969 marcó un antes y un después; fue la primera gran acción en que la comunidad LGTB luchó contra la policía y se enfrentó a un sistema que los perseguía sistemáticamente.

acia fines de 1960, en medio de huelgas económicas y políticas, luchas contra la opresión nacional, manifestaHacia 1970, nacen varios agrupamientos de mujeres en ciones estudiantiles, de las minorías negras y homosexuales y un EE.UU, como NOW (Organipoderoso movimiento contra la guerra imperialista en Vietnam, las zación Nacional de Mumujeres irrumpieron en la vida política internacional. Un número jeres) del feminiscada vez mayor de mujeres participa, entonces, en campañas por mo liberal y el derecho al aborto y los anticonceptivos, por instalaciones sufiel radical cientes de guarderías, contra toda restricción legal a la igualdad. WLM (MoDenuncian el sexismo en la política, el trabajo, la educación, los vimiento de medios de comunicación y la vida cotidiana. Liberación de las Mujeres), Surge así lo que se conocerá como el feminismo de la “Segunda entre otros. TamOla”, la respuesta a las transformaciones en las relaciones entre los bién participan del géneros debido a los cambios económicos y de configuración de nuevo movimiento de las fuerzas de trabajo que se da en los países centrales, luego de la mujeres, partidos de izquierda Segunda Guerra Mundial. como el Socialist Workers Party (SWP). En estos grupos se organizan mujeres También en los ghettos negros se producen revueltas masivas por de clase media y estudiantes en mala igualdad de derechos, en los que comienzan a cuestionarse su yor medida que trabajadoras. De las opresión. Surgen mujeres dirigentes que visibilizarán la situación de mismas entrañas de Stonewall surlas mujeres trabajadoras y pobres negras, las más oprimidas entre gen activistas como la travesti de los explotados. Las mujeres comienzan a trabajar fuera de la casa y origen latino Sylvia Rivera, quien las familias tradicionales cambian rápidamente. funda en 1970 S.T.A.R. (Acción de Travestis Callejeras RevoluEso produce un cuestionamiento a los valores y la forma de vida cionarias), una organización detradicionales. En este contexto, el movimiento feminista experimendicada a combatir la situación de ta un importante ascenso ya que después de más de treinta años, criminalización que atravesaban las mujeres volvieron a cuestionarse su ubicación en la sociedad y las personas trans en la época. comenzaron a organizarse para combatir. En estas movilizaciones que se desarrollaban también en Europa en países como Miles de mujeres se movilizan en Inglaterra y Francia, se “exigían guarderías gratuitas, deEuropa y mayoritariamente en EEUU recho al aborto, el control de la cantidad de hijos, el por estas y otras consignas, logrando pago de igual salario por igual trabajo, etc. imponer la reglamentación del derecho al aborto y conquistado ciertas demanEsta época significó también el renacimiento das en algunos sectores del ámbito laboral. de un amplio movimiento contra la opre-

Protestas por derechos LGBT.

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Debbie harry Feminista en los 70’s a pesar de ser una cantante de fama mundial, Hatty habla de la dificultad de ser una mujer de éxito en un mundo eminentemente masculino como el ambiente rock y ‘new wave’ del Nueva York de la segunda mitad de los 70.

ebbie o Deborah Ann Harry (1 de julio de 1945, Miami, Florida, Estados Unidos), es una cantante estadounidense conocida mundialmente por ser la vocalista de la popular banda Blondie. Nacida como Angela Trimble el 1 de julio de 1945 en Miami, Florida, fue adoptada cuando tenía tres meses por Richard Smith Harry y Catherine Peters, propietarios de una tienda de regalos en Hawthorne, Nueva Jersey, recibiendo el nombre de Deborah Ann Harry. Debbie se enteró de su adopción cuando tenía cuatro años y a finales de la década de 1980 buscó a su madre real, quien se negó a tener algún contacto con ella. Harry ingresó en la Hawthorne High School y se graduó en 1963. Más tarde se graduó del Centenary College en Hackettstown con un grado de asociado en artes en 1965. Antes de empezar su carrera en la música, se trasladó a Nueva York a finales de los años 1960 y trabajó como secretaria en una oficina de BBC Radio durante un año. Más tarde se desempeñó como camarera en el club nocturno Max’s Kansas City, en una discoteca en Union City y en un club de Playboy como conejita. A finales de la década de 1960 inició su carrera musical en la banda folk rock The wind in the willows, sin mayor éxito comercial. También trabajó como conejita en el club Playboy. Fue a mediados de la década de 1970 cuando conoció al guitarrista Chris Stein, entonces perteneciente a la banda The Morticians, y juntos fundaron Blondie, que en un par de años después se convertiría en una importante e influyente banda musical.

Debbie Harry fotogafiada por Andy Warhol

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Junto a Clem Burke, Jimmy Drestri y Gary Valentine, sacaron a la luz sus primeros trabajos Blondie (1976) y Plastic Letters (1977). De este album se sacó el single Denis que fue número 1 en el Reino Unido. A partir de este momento, para Blondie y Deborah Harry todo son éxitos. En 1978 sacan Parallel Lines y en 1979 Eat to the beat, donde consiguen varios numeros uno en USA y Reino Unido y muchos otros países. Con canciones como Heart of glass, Atomic , Dreaming o Call me (de la película American Gigolo) llegan a lo más alto de las listas. Debbie se convierte en uno de los íconos sexuales de la época. Su imagen va desde la pin-up que le da lo mismo interpretar rock en el club neoyorkino CBGB’s que estar bailando disco en el archiconocido Studio 54. Será reconocida por Madonna como una de sus mayores influencias de stilo. Cuando ella supo de ese comentario, respondió: Sí, es agradable que Madonna diga eso de mi, pero preferiría un cheque. En 1980 Blondie edita Autoamerican y realizan una gira mundial al año siguiente para promocionar The tide is high y Rapture (número 1 en Estados Unidos, además, la primera canción hip hop interpretada en la historia por una mujer no afroamericana o latina). Después de su separación de Blondie en 1981, Deborah Harry dedica su tiempo al cine y a la canción, pero esta vez en solitario. Después de un retorno fallido de Blondie con The Hunter (1982), la banda se disuelve y comienza el trabajo de Harry como solista con la inestimable ayuda de su compañero Chris Stein. En la década de 1980 y hasta la actualidad, destacan en su filmografía las peliculas ‘Hairspray’ (1988, John Watters), ‘Videodrome’ (1983 - David Cronenberg), ‘Heavy’ (1993), ‘Six ways to sunday’ (1998) y ‘My life without me’ (2003), dirigida por la española Isabel Coixet (traducida en España como Mi vida sin mí). Además, ha aparecido en gran cantidad de películas, series de TV, eventos, anuncios publicitarios, entre otras cosas.

Blondie en concierto.

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Blondie y más Sus trabajos musicales como solista son : Koo koo (1981), Rockbird (1986), Def, Dumb, & Blonde (1989) y Debravation (1993), además de múltiples colaboraciones con Iggy Pop, Andy Summers y los Fabulosos Cadillacs, entre otros muchos. En 1994, se une a The Jazz passengers, un grupo de jazz, con el que saca un disco Individually Twisted y ofrece una gira de conciertos, además de un CD grabado en directo del concierto del festival de jazz de Vitoria en 1995. En 1998 se anuncia la reunión de Blondie frente a una rueda de prensa mundial y sacan No exit (1998) con un éxito rotundo y redondo de ventas y un clásico en las tiendas de discos con el éxito Maria . A sus 54 años, Deborah Harry entra en el Libro Guinness de los récords, como la mujer de más edad en conseguir un número 1 en el Reino Unido, y la banda Blondie por aparecer en las listas número 1 durante tres décadas consecutivas. Después de un tour mundial y un año de silencio, Blondie regresa a la escena en 2003 con The curse of Blondie , cuyo single Good Boys tuvo menor éxito que su anterior regreso. En 2005, por su larga trayectoria y todos sus éxitos, Blondie ingresa en el Salón de la Fama del Rock, y anuncia su retirada de la música con una gira en Estados Unidos, que más tarde es cancelada y cambiada por una gira en el Reino Unido en el verano del 2007. Después de la separación de Blondie en 1982, Harry dedica su tiempo al cine y a la música, pero esta vez en solitario. Publicó los siguientes álbumes como solista entre las décadas de 1980 y 1990: KooKoo (1981), Rock-

Portada de Platic Letters, Blondie.

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bird (1986), Def, Dumb & Blonde (1989) y Debravation (1993), además de múltiples colaboraciones con Iggy Pop, Andy Summers y los Fabulosos Cadillacs, entre otros muchos. A sus 54 años, Deborah Harry entra en el Libro Guinness de los récords, como la mujer de más edad en conseguir un número 1 en las listas, gracias a ‘Maria’, y Blondie también por aparecer en las listas número 1 durante tres décadas consecutivas: 1970, 1980 y 1990.15 Deborah anunció a la prensa su regreso como solista, y después de la gira que hizo junto a Cyndi Lauper llamada True Colors Tour, anunció para septiembre de ese mismo año el lanzamiento de su último disco, Necessary Evil, cuando ya contaba con 62 años. Su single de presentación fue “Two Times Blue”, una hermosa composición pop rock, que llegó al número 5 en las listas Dance de Estados Unidos. En el Fashion Rocks de 2008 cabe destacar su participación junto a la cantante Fergie, de The Black Eyed Peas. Juntas demostraron su calidad vocal en el escenario; fueron aplaudidas por el público constantemente por su presentación de “Call me”.

En 1980 el artista plástico Andy Walrhol hizo una serie de fotografías a la artista de Blondie, Debbie Harry. Los archivos fueron encontrados en una serie de disquetes almacenados que estaban sin clasificar porque el museo de Andy Wrhol no tenía la antigua tecnología que era necesaria para leerlos.

Debbie Harry, 1976.

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joan jett Ícono del punk Considerada por muchos como la Reina del Rock n’ Roll y Madrina del Punk, Joan Jett, logró sobresalir en una industria meramente dominada por hombres.

oan Jett es una de las figuras femeninas más importantes de la historia del rock. Bandas como Bikini Kill, Shonen Knife, L7, Yeah Yeah Yeahs, Kittie, The Donnas o Hole declararon públicamente la influencia de Joan en su música. Además, fue ubicada en el puesto 87 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, una de las dos únicas mujeres en la lista. Durante su carrera muchas veces ha sido denominada con títulos como la Reina del Rock ‘n’ roll, Abuela del Punk o también considerada por algunas vocalistas de punk como la Riot grrrl original. Joan Jett ha sido vegetariana durante más de veinte años y apoya el bienestar de los animales de granja en la organización Farm Sanctuary. Bajo el nombre de Joan Marie Larkin, un 22 de Septiembre de 1958 en Pennsylvania, la ahora conocida mundialmente como Joan Jett, cantante, compositora, guitarrista, productora y ocasionalmente actriz estadounidense, vio la luz para convertirse en un ícono del rock, con una pasión innata por la música que descubrió a muy temprana edad. Obtuvo su primera guitarra a los catorce años. Tomó algunas lecciones pero pronto renunció a las mismas porque el instructor insistía en enseñarle canciones de música folk. Su familia se mudó a West Covina, California, en el condado de Los Ángeles, lo que le brindó la oportunidad de continuar aprendiendo música. Poco después sus padres se divorciaron y ella cambió su nombre a Joan Jett, tomando el apellido de soltera de su madre como su nombre profesional y legal.

Jackie Fox, Lita Ford y Cherie Currie fueron contratadas por el mánager Kim Foley para completar la formación, creando la alineación clásica de la banda. Inicialmente Currie era la vocalista principal de la banda, aunque Jett compartía las voces, tocaba la guitarra rítmica y escribía la mayoría de canciones junto a Ford, West y Currie. La banda grabó cinco discos, de los cuales Live in Japan fue su producción más exitosa en términos de ventas.

Jett se convirtió en una de las fundadoras de la banda femenina de hard rock The Runaways, junto a la baterista Sandy West.

Joan Jett conforma su grupo The Runaways a los 16 años.

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música con seriedad. The Runaways se separó en el año 1979. En 2010 se estrenó en los cines la adaptación de la vida de The Runaways con Kristen Stewart interpretando a Joan Jett, Dakota Fanning en el papel de Cherie Currie y Michael Shannon en el papel del mánager Kim Fowley. El reparto para la película fue completado por Stella Maeve en el papel de Sandy West, Scout Taylor-Compton en el papel de Lita Ford y Alia Shawkat en el papel ficticio de Robin. Devastada pero optimista, Joan decidió viajar a Inglaterra para trabajar en su carrera como solista con Paul Cook y Steve Jones, ambos miembros de Sex Pistols, poco después decidió así mismo incursionar como productora y actriz en una película basada en The Runaways llamada “We’re all crazee now!”, tiempo en el cual conoció al Kenny Laguna y Ritchie Cordell, quienes le ayudaron a darle forma a su primera producción hecha en solitario. Después de ser rechazada infinidad de veces por incontables casas discográficas, enojada y llena de frustración, Joan decidió fundar Blackheart Records en 1980, convirtiéndose en la primera mujer en ser dueña de una compañía discográfica independiente. Por sorpresa, Jett recibió ayuda de nada más y nada menos de The Who para la grabación del álbum que llevó como nombre «Bad Reputation» con un sonido muy singular entre punk rock, hard rock y ligeros toques de new wave.

La agrupación compartió escenario con bandas como Cheap Trick, Ramones, Van Halen y Tom Petty and the Heartbreakers, encontrando éxito especialmente en tierras japonesas. Con un éxito prometedor, Joan, Con la asistencia de Mientras estaba de gira en 1976, Jett escuchó por primera vez la canción “I Love Rock Laguna, decidió formar la banda The Blackhearts , ‘n Roll” en la serie de televisión británica Arrows. Mientras que The Runaways eran muy con quien ganó su primer gran sencillo en 1981 con populares en Europa, Japón, Australia, Canadá y en Sudamérica, ellas no tuvieron el “I Love Rock-n-Roll”, sumándoseles tiempos después mismo éxito en Estados Unidos. Parte de eso se debió a que en este país la prensa grandes piezas como “Do You Wanna Touch Me”, musical no estaba acostumbrada a que una banda de mujeres adolescentes hiciera

Joan jett con su grupo “the Runaways”.

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“I Hate Myself for Loving You”, entre otros; Laguna recuerda, “Le dije a Joanie que se olvidara de tener una banda de soporte, pues había suficiente dinero para ella, pero no para una banda. Ella me dijo que necesitaba una banda. Y creo hasta el día de hoy que el concepto de los Blackhearts lo que hizo grande a Joan Jett”.

ocultar el hecho de que solo tenía 15 años en ese momento. Ryan recomendó al guitarrista Eric Ambel. La última adición a la alineación fue el baterista Danny “Furious” O’Brien.

Joan publicó un anuncio en LA Weekly donde decía que estaba buscando tres hombres buenos. John Doe de la banda X fue escogido como bajista. Mencionó a otro músico, Gary Ryan, quien adoptó su nombre artístico al unirse a Blackhearts en 1979, en parte para

Esta alineación brindó varios recitales en el club nocturno Golden Bear en Huntington Beach, California y en el Whisky a Go Go en Hollywood antes de iniciar

Imagen izquierda Joan Jett con Debbie Harry.

Imagen derecha Joan Jett en su carrera de solista.

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una gira europea que constaba de algunos conciertos en Holanda e Inglaterra. Laguna despidió a O’Brien al finalizar la gira y al regresar a Norteamérica, Jett, Ryan y Ambel se trasladaron a Long Beach, Nueva York. Llevaron a cabo algunas audiciones y Lee Crystal, miembro de las bandas Boyfriends y Sylvain Sylvain, se convirtió en el nuevo baterista. Luego, la banda recorrió los Estados Unidos construyendo lentamente una base de admiradores, pero luchando por mantenerse financieramente a flote.

A lo largo de la década de 1980, la banda pudo seguir dando conciertos debido a que Laguna aprovechó avances de proyectos externos. Jett y Laguna usaban fondos propios para imprimir copias del álbum Joan Jett. Laguna al final no pudo dar abasto tras la demanda del disco. Eventualmente, un viejo amigo suyo y fundador de la discográfica Casablanca Records, Neil Bogart, hizo un trato con Laguna y firmó a Jett en su nueva discográfica, Boardwalk Records, re-lanzado el álbum con el nombre de Bad Reputation.

Joan jett and the Blackhearts.

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La original Riott Girl Un concierto en The Palladium en 1981 en la ciudad de Nueva York se convirtió en el punto de quiebre que impulsó la carrera de Joan. Descrito por la prensa musical como el concierto definitivo de la banda, este recital ayudó a convertir a Nueva York en el fortín de la agrupación. Este impulso llevó a Jett al estudio nuevamente para grabar el disco I Love Rock ‘n Roll. Ambel fue reemplazado por el guitarrista local Ricky Byrd durante la grabación. El primer sencillo del álbum fue la canción homónima, escrita y grabada originalmente por los británicos Arrows, la cual encabezó la lista de éxitos Billboard Hot 100 por siete semanas seguidas a comienzos de 1982. Jett publicó Album y Glorious Results of a Misspent Youth, seguidos de una lista de éxitos Top 40 en línea y de grandes giras compartiendo escena con bandas como The Police, Queen y Aerosmith.

Mientras colabora con numerosos artistas en proyectos musicales, en la actualidad, Jett dedica la mayor parte de su tiempo a causas sociales, en especial a la protección de animales, siendo vocera de PETA mientras fomenta el veganismo.

Joan Jett nombrada “the original riott girl”.

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The Blackhearts fue una de las primeras bandas angloparlantes en brindar conciertos en países de Sudamérica como Venezuela presentándose en el Poliedro de Caracas los días 1 y 2 de agosto y otros países centroamericanos como Panamá y República Dominicana ese mismo año. Joan Jett & the Blackhearts se convirtió en la primera banda de rock en tocar varias noches seguidas en el teatro Lunt–Fontanne en Broadway, rompiendo récords de ventas de taquilla en ese momento. Su siguiente lanzamiento, Up Your Alley, fue certificado como multi-platino. Este álbum contiene el reconocido sencillo “I Hate Myself for Loving You”, que logró escalar a la posición n.º 8 en la lista Billboard Hot 100. Más adelante fue publicado The Hit List, un álbum de versiones de bandas como AC/DC, ZZ Top, The Doors y Sex Pistols, entre otras. Durante esta época Jett co-escribió la canción “House of Fire”, que fue incluida en el álbum Trash de Alice Cooper en 1989. Fuera de su propia música, Jett trabajó como productora para grupos como Bikini Kill, L7, así como otras bandas con presencia de rockeras influenciadas en el punk-glam. Joan disfrutaba también tener presencia en diversos filmes con pequeños papeles, y más recientemente fue mentora de Kristen Stewart con quien trabajó muy de cerca en la filmación de la película «The Runaways» dandole consejos para capturar la verdadera esencia de Jett. Tras ser incluida en El Salón de la Fama del Rock y formar parte del Top 100 de mejores guitarristas de todos los tiempos, la tan aclamada «Original Riot Grrrl», ha sido de las pocas mujeres que ha conquistado el mundo de la música con su actitud desafiante y su controversial gusto por el punk, cerrándole la boca a todos los que desconfiaban de su talento e ingenio, sirviendo de influencia a más de una generación de mujeres rockeras.

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pat benatar In the heart of the night Una intrincada mezcla de linajes corre por sus venas que pronto se convertirá en una mezcla explosiva.

atricia Mae Andrzejewski nació en Brooklyn, Nueva York el 10 de enero de 1953.

Los progenitores paternos eran polacos y llegaron a los Estados Unidos a finales del siglo XIX desde Cracovia y Varsovia. Los antepasados maternos eran en lugar de origen inglés, alemán e irlandés y llegaron a América en 1600. Pat pasó los primeros años de su vida en Lindenhurst, Long Island, donde vivió una infancia feliz a pesar de las malas condiciones de su familia. Su padre, Andrew Andrzejewski, trabajó en Dayton T. Brown Sheet Metal Works, donde más tarde fue ascendido a capataz. Su madre, Mildred Knapp , trabajó hasta mediados de la década de 1960 para implantes electrónicos y luego abrió una tienda de esteticistas. Mildred ya poseía el deseo de convertirse en cantante. Había cantado en el Coro de la Ópera de Nueva York, pero su matrimonio primero y después el embarazo pronto la alejaron de su sueño. Quizás sea por esto que su familia nunca desanimó a Pat de estudiar música.

A los creadores del popular videojuego, Guitar Hero, se les ocurrió la grandiosa idea de incluir “Hit Me With Your Best Shot” y “Heartbreaker” en títulos importantes de la franquicia Guitar Hero III: Legends of Rock y Guitar Hero World Tour respectivamente.

Pat Benatar para su album “shadows of the night”.

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Comenzó a cantar en la escuela primaria participando en proyectos comunitarios y en coros de iglesias. Estudió en forma privada en la escuela secundaria y continuó en la escuela secundaria. Dennis Benatar, se convirtió en su esposo a la edad de 19 años. Por la noche trabajaba como cantante en restaurantes y clubes locales como segundo trabajo. Es en este período que tienen lugar las primeras experiencias de cabaret en Long Island hasta que Pat fue elegida para “ The Zinger “, un musical de ciencia ficción compuesto por Harry Chapin , donde interpretó el papel de Zephir y cantó la canción “Shooting star” (incluida en “Vagabundeos sincrónicos”). El siguiente paso al circuito de cabaret de Manhattan requirió que Pat cambiara la configuración clásica de su voz para cantar más pop y rock en su set. Aquí tuvo lugar el primer encuentro afortunado de Benatar, el de Rick Newman, el fundador de Catch una estrella en ascenso, un club en el Upper East Side de Nueva York que envió cantantes al escenario y que ha sido la incubadora de muchos grandes talentos como Billy Crystal y Robin Williams. Aquí Pat se ganó un espacio permanente en el que interpretó un repertorio que solía tener cierto éxito,

Imagen izquierda Pat Benatar y “hit me with your best shot”.

Imagen derecha Pat Benatar y su imagen rebelde.

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pero en octubre de 1977 sucedió algo extraordinario cuando Pat fue invitada a una fiesta de disfraces para Halloween.

Con esta nueva clave, el impacto del programa aumentó hasta tal punto que se convenció a Terry Ellis y Chris Wright de Chrysalis Records de que dejaran a Pat entrar en su compañía discográfica.

El vestido de vampiro que llevaba cambió mágicamente su vida. Esa noche en el Catch una estrella en ascenso subió al escenario vestida con mucho delineador de ojos negro, un corpiño negro corto y medias negras. La audiencia quedó encantada. Por primera vez, su enérgica voz capaz de alcanzar un ancho de 4 octavas se combinó con una mirada igualmente vigorosa.

En 1978, Pat todavía no tenía una banda permanente, por lo que el productor Mike Chapman se propuso encontrar un músico arreglista que pudiera formar una banda de acompañamiento. Se le propuso a Neil Giraldo , conocido como Spyder, quien había sido miembro de algunos grupos, incluida la banda de Rick Derringer.

Imagen izquierda Pat en concierto 1977..

Imagen derecha Pat Benatar con su esposo Neil Giraldo.

Nacido de padres sicilianos el 29 de diciembre de 1955 en Cleveland, Ohio, Neil Thomas Giraldo fue la persona adecuada en el momento adecuado. La chispa que estalló entre Pat y Neil fue explosiva y marcó el futuro de la pareja de una manera completamente positiva.

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Los álbumes posteriores “ Precious time “ (1981), que ve a Neil Giraldo por primera vez como productor, y “ Get Nervioso “ (1982) vendieron millones de copias . Con pleno éxito, exactamente el 20 de febrero de 1982, Pat y Neil sellaron la chispa que había encendido entre ellos 4 años antes con su boda en Maui en las islas hawaianas. Su relación romántica fue fundamental para influir en las futuras elecciones musicales. El sólido vínculo entre ellos comenzó a generar tensiones con la disquera que intentaba manipular la imagen pública del cantante.El ambiente rockero de la época estaba claramente dominado por una jerarquía dominada por hombres y Pat Benatar fue el primero en romper el molde. La impresión que transmitió fue la de ponerse a la altura de sus compañeros de banda, sin dominar a los demás ni ser la fantasía sexual tan aclamada en esos días. Chrysalis se enfocó mucho en presentarle un corte más agresivo y sexy, una mirada que Benatar podía disfrutar cuando era soltera divorciada.

La extraordinaria vena compositiva de Neil dio sus primeros pasos con la canción “We live for love” que en 1980 escaló rápidamente las listas estadounidenses. Con el primer álbum “In the heat of the night” (1979) Pat y la banda al principio desconocían por completo el éxito que iban a encontrar. El álbum alcanzó el estatus de multiplatino gracias a los otros sencillos de éxito “ Heartbreaker “ y “ You better run “. En agosto de 1980 Benatar lanzó su segundo álbum “ Crimes of Passion “.Sus sencillos emblemáticos “Hit me with your best shot” y “Treat me right” le permiten a Pat ganar el premio Grammy a la mejor voz femenina de rock en la 23ª Entrega Anual de los Grammy. Este fue solo el primero de los 4 Grammys que Pat recibió en 4 años consecutivos y que la dieron a conocer a nivel mundial.

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Pero según Pat, el rock es algo que expresa la forma de ser de uno, los sentimientos de uno; así que su afecto por Neil, su matrimonio y el deseo de crear una familia cambiaron su vida. En este sentido, el disco “Get Nervioso”, en el que las tensiones con Terry Ellis de Chrysalis alcanzaron su clímax, representó una encrucijada. En esta fase se lanza “ Live from earth “ , el primer álbum en vivo, grabado en Francia y California durante la gira de 1982 y 1983. El disco contiene uno de los sencillos más bellos de la carrera de la cantante, “ Love is a campo de batalla ”respaldado por el video dirigido por Bob Giraldi y transmitido por la ahora famosa y predominante cadena de televisión musical MTV .

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La voz del Rock 1984 fue un año de mucha suerte: Pat quedó embarazada de su primera hija, Haley Egeana que nació el 16 de febrero de 1985. La pareja pasó 8 meses trabajando con un espíritu nuevo, relajado y feliz en el siguiente álbum. “ Tropico ” de hecho, sin duda, refleja las nuevas sensaciones y estará entre las más melódicas de la carrera de Pat. El sublime “Desierto pintado” y el más conocido “Pertenecemos” son un ejemplo. Con “Tropico” se dio un salto cualitativo gracias a las innovaciones en los arreglos y en la dinámica musical y el potencial vocal de Pat sacó todos los beneficios posibles. Diciembre de 1985 está marcado por 2 eventos, la participación de Pat en el proyecto “ Sun City “ que reúne a 50 artistas contra el apartheid, y el lanzamiento del álbum “ Seven the hard way “ con una reanudación de las tensiones con la discográfica. Destacan el exitoso sencillo “Invincible” de la película “The Legend of Billie Jean” y el dulce “Run between tha raindrops”, que será re-presentado unos años más tarde en una maravillosa versión en vivo en “Synchronistic wanderings”. El siguiente álbum “ Wide awake in Dreamland “ se lanzó en 1988 y pronto alcanzó el estatus de oro gracias a obras maestras como “All fired up” y el tributo a Bob Marley “One love”. La nueva fuerza creativa del disco, que nació directamente en Soul Kitchen de Spyder, el estudio de Neil y Pat, fue un acicate para experimentar con nuevas vías. De hecho, surgió la idea de concebir un disco de blues y gracias a la colaboración con The roomful of blues rhithm session en 1991 se lanzó “ True love ”.

“True love” fue sin duda un ejemplo de música retro-swing que se adelantó a su tiempo y que posteriormente ganó terreno en todo el país.

Es un episodio único en la carrera de Pat Benatar que la separa claramente de los estilos musicales pasados y futuros, pero que sacó a la luz aún más su talento vocal.

El álbum alcanzó el estatus de Oro , el cuarto para Pat Benatar. Dos años más tarde, “ Gravity’s rainbow “ reintrodujo una modernización del sonido. El disco, que fue el último acto con Chrysalis, no obtuvo los éxitos comerciales de los anteriores pero fue muy apreciado por la crítica gracias a temas intensos como “Every time I fall back” y “Kingdom Key”.

Pat Benatar, Los Angeles, 1979..

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El título del disco refleja el carácter contemplativo de las canciones de amor que lo componen, entre las que destaca la hermosa “ Strawberry wine ”. En 1999, en correspondencia con el vigésimo aniversario del debut de Pat Benatar en el panorama musical, se publicó “ Synchronistic wanderings “, la única entre las innumerables recopilaciones de éxitos que nunca debe faltar en manos de un admirador de la cantante. Una colección de 3 CD que reúne muchas piezas nunca antes publicadas. Pasarán 6 años desde “ Innamorata “ para asistir al lanzamiento del último disco original “ Go” con la discográfica Bel Chiasso . “Go” presenta el equilibrio adecuado entre canciones cautivadoras y vigorosas, dignas de la primera forma de Pat Benatar, como “I don’t” y baladas pop melódicas como “Please don’t leave me” y “Brokenhearted”. El 30 de octubre de 2008, Pat Benatar tuvo el honor de ser incluida en la celebridad del Long Island Music Hall of Fame . Es una organización que quiere inspirar en cada persona el deseo de explorar y celebrar la música en todas sus formas y nace con el objetivo de preservar la herencia musical de Long Island a través de las generaciones futuras. Otros artistas que han recibido el mismo reconocimiento en el pasado son Billy Joel, Barbra Streisand, Simon and Garfunkel, Cindy Lauper y Mariah Carey. Esta es la declaración que hizo Pat en el evento: El 12 de marzo de 1994 nació Hana Juliana, la segunda hija de la pareja y luego de un descanso planeado para el feliz evento Pat y Neil regresan a actuar en vivo en Japón, Australia y Estados Unidos también acompañados de grupos como Fleetwood Mac y la Steve Miller Band. En 1997 Pat firma un contrato con la nueva compañía discográfica CMC International para el lanzamiento de “Innamorata”.

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“Mis padres se mudaron a Long Island en 1956 cuando yo tenía 3 años. Soñaban con una vida mejor para nuestra familia, y eso era exactamente lo que construimos. No teníamos mucho, pero teníamos una gran vida, mucho amor y risas. Nunca he olvidado de dónde vengo,nunca olvido que una chica de un pequeño pueblo, en realidad tuvo la oportunidad de vivir sus sueños y compartirlos con tanta gente”.

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BJORK La artista del futuro Artista islandesa ante la que es imposible permanecer indiferente. Incitante en un afán experimental con dance-pop vanguardista, ritmos electrónicos de club/dance y disposiciones heterogéneas de jazz, ambient o funk, este último tan vinculado al ritmo y los sonidos de baile, esencia de la música de Björk,

jörk nació en el barrio de Oslin en Reikiavik. Su madre es Hildur Rúna Hauksdóttir, una conocida ecologista en Islandia y su padre, Guðmundur Gunnarson, un electricista. Sus padres se separaron cuando Björk tenía dos años. Su padrastro, Sævar Árnason, guitarrista del grupo local Pops y conocido como “el Eric Clapton islandés”, la alentó a estudiar música y a componer. A la edad de tres años empezó a cantar piezas del musical The Sound of Music (conocido entre el público hispanohablante como Sonrisas y lágrimas y La novicia rebelde). La familia se mudó a Breiðholt, en las afueras de Reikiavik para llevar un estilo de vida hippie. Su infancia estuvo expuesta a las influencias de diferentes estilos musicales como el rock de Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric Clapton, por parte de su padrastro, así como Simon & Garfunkel, por parte de Hildur y la música clásica y el jazz por parte de abuelos. Cumplidos los 5 años ingresó en el conservatorio, graduándose a los 15 como pianista clásica. A los nueve años estuvo interesada en el dúo estadounidense Sparks cuyo disco Kimono My House, junto al álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de los Beatles se convirtieron en sus primeras adquisiciones discográficas. Para este momento también demostró interés por los hermanos Johnny y Edgar Winter así como en Yoko Ono. Su carrera musical comenzó a la edad de once años cuando en una fiesta escolar interpretó la canción de I Love To Love y uno de sus instructores envió la grabación a Radio One, una emisora de radio de Islandia. La grabación fue transmitida por todo el país; al escucharla un representante de la compañía discográfica Skífan se puso en contacto con los padres de Björk, pero al ver que la compañía no ofrecía las garantías deseadas, firmaron con Fálkinn.

Imagen central Fotografías para el álbum Utopia.

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Con la ayuda de su padrastro en guitarra junto a Björgvin Gíslason, Pálmi Gunnarson en el bajo y Sigurdur Karlsson en batería, grabó en 1977 su primer álbum, llamado Björk, el cual contenía una selección de versiones en islandés de canciones de artistas como los Beatles y Stevie Wonder, así como también temas de canto y música. Al salir a disgusto con la discográfica decidió romper el contrato y comprar un piano de cola, alejándose temporalmente de la escena musical. La música punk empezó a tener influencia sobre Björk; a los catorce años creó una banda de punk íntegramente femenina con el nombre de Spit and Snot, un precedente de la ideología riot grrl, pero más independiente. En Spit and Snot, Björk ocupó el lugar de la batería. Brevemente le siguió una banda de jazz fusión llamada Exodus en 1979 en la que se encontraban Ásgeir Sæmundsson y Þorvaldur Þorvalsson con los que logró una grabación casera y una aparición en la televisión islandesa, el tipo de música de Exodus era básicamente punk con elementos pop. En 1981 junto al exbajista de Exodus Jakob Magnússon formaron otra banda, Tappi Tíkarrass , y lanzaron un álbum en 1982 con el título de Bítið Fast Í Vítið. Su álbum Miranda fue lanzado en 1983. El grupo desarrolló un estilo after-punk con referencias a Siouxsie and the Banshees y la primera etapa de The Cure. Björk entró en otra banda en 1983. Después de componer y ensayar durante dos semanas se presentaron con el nombre de KUKL (Hechicero, en islandés). Aunque el estilo de KUKL era de un tipo de rock gótico oscuro con el estilo de Killing Joke y referencias vanguardistas del after-punk de The Fall. Björk lo definió más tarde, no sin humor, como jazz-punk-hardcore existencial. Mientras realizaban una gira en Islandia se presentaron con la banda británica Crass, y visitaron posteriormente el Reino Unido en una serie de presentaciones con Flux of Pinks Indians. La banda se separó y Björk acompañó a Gulli Óttarsson bajo el nombre de The Elgar Sisters, nombre adoptado en honor al compositor clásico Edward Elgar. Grabaron 11 canciones para un álbum, pero este quedó en la nada. Mientras tanto, en el verano boreal de 1986 varios miembros de KUKL dieron lugar a la formación de The Sugarcubes, con la excepción de Óttarsson.

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La inspiración El 8 de junio de 1986 Björk dio a luz a Sindri Eldon Þórsson, fecha que también es citada como el nacimiento oficial del grupo Sykurmolarnir, nombre que finalmente sería traducido a su equivalente en inglés: The Sugarcubes (Los Terrones de Azúcar). Para ese momento Einar Örn y Þór Eldon estaban al frente de una nueva organización llamada Smekkleysa u oficialmente conocida como Bad Taste, un sello discográfico contracultural que fomentaba el trabajo artístico de jóvenes islandeses. Poco después del nacimiento de Sindri, Björk tuvo un papel en la película The Juniper Tree y dos años más tarde, Björk y Þór se separaron, aunque siguieron siendo amigos. El primer sencillo de los Sugarcubes Ammæli (Birthday, en su versión al inglés), se convirtió en un gran éxito en Inglaterra, dejando una buena impresión con el surrealismo expresado con la letra y el extravagante concepto sonoro general. La suerte de los Sugarcubes empieza a decaer cuando en 1989 lanzaron su segundo álbum llamado Here Today,

Bjork a los 16 años.

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Tomorrow, Next Week!, título que proviene de una frase del libro El viento en los sauces, escrito por Kenneth Graeme. Mientras que el éxito de los Sugarcubes iba decayendo, Björk participó en otros proyectos: bajo el nombre de Betula Jónasson tocó el clarinete en Hljómsveit Konráðs B (La Banda de Konráð B, en islandés), grupo derivado de Caviare, el dúo de Siggi Baldursson y Magga Örnólfsdóttir. The Sugarcubes vuelven a reunirse en Nueva York junto al productor Paul Fox para preparar su álbum Stick Around For Joy, que fue editado en febrero de 1992 y precedido por el sencillo Hit. Stick Around For Joy es el álbum más famoso con el cual Björk se daría a conocer definitivamente en la escena musical británica, pero a pesar del éxito alcanzado, las tensiones aumentaron entre Björk y Einar Örn y para finales de ese año, salió a la venta un álbum con remixes titulado It’s-It, el último lanzamiento antes de que la banda se separase. Después de la separación de los Sugarcubes, Björk se mudó a Londres y comenzó a pensar cómo seguir con su carrera solista desde cero. Con este fin, empezó a trabajar con el productor Nellee Hooper (ex Soul II Soul), quien ya había producido para Massive Attack, entre otros. De su colaboración surgió el primer hit solista a nivel internacional de Björk: el hi-tech de Human Behaviour. Su primer álbum oficialmente solista se llamó Debut, llamado así porque significaba el inicio de una nueva etapa, si bien ya había trabajado anteriormente como solista.

plares, terminaría alcanzando los 4.7 millones en todo el mundo, una cifra modesta en comparación a megaestrellas legendarias del rock, pero una cifra extraordinaria para un artista de la escena alternativa. Björk grabó luego la canción Play Dead, que es parte de la banda sonora de la película The Young Americans; esta canción no estaba contenida en el lanzamiento original de Debut, pero apareció luego en las siguientes ediciones del disco.

Debut fue llamado álbum del año por New Musical Express, y seguidamente llegó al disco de platino en los Estados Unidos.Los temas más comerciales del Debut fueron “Venus As A Boy” y “Violently Happy”, que posicionan al álbum en el tercer puesto de ventas en el Reino Unido; y si bien la discográfica One Little Indian esperaba vender cerca de 20.000 ejem-

Hacia finales de 1994 logra una mayor popularidad gracias a una serie de presentaciones, en MTV unplugged modeló ropa para el diseñador francés Gaultier, apareciendo en la película Prêt-à-Porter y estuvo a cargo de la canción que da nombre al álbum Bedtime Stories de Madonna. “Bed Time Story” fue escrita junto a Nellee Hooper y Marius De Vries, con la producción de Hooper y Madonna. También colaboró con el músico francés Hector Zazou para su álbum Chansons des Mers Froides con la canción “Vísur Vatnsenda-Rósu” y fundó la compañía Björk Overseas Ltd.

Bjork 1986.

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premio concedido por la Real Academia de Música de Suecia, por “su música y letras profundamente personales, sus arreglos precisos y su voz única”. En varias ocasiones Björk ha sido catalogada como una de las voces más destacadas de la música contemporánea. El conteo de la cadena MTV “MTV’S 22 Greatest Voices in Music”, catalogó a la islandesa como la octava voz más prodigiosa del entorno pop.

En 2002 se pone a la venta “Greatest Hits”, una compilación con sus mejores canciones. El 30 de agosto de 2004 lanza el álbum “Medúlla”. En 2005 aparece su trabajo “Drawing Restraint 9”, y en mayo del 2007 aparece su sexto álbum de estudio al que tituló “Volta”. En junio de 2011, se lanza “Crystalline” el primer sencillo de su álbum “Biophilia”. El 13 de agosto de 2004 participa en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004 ante una audiencia estimada de 3.000 millones de televidentes en todo el mundo. Nominada al Oscar a la mejor canción por la película Dancer in the Dark, obtuvo otras trece nominaciones al Grammy, el galardón a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes y en 2010, es galardonada con el Polar Music Prize,

Por su parte, diversos músicos también han hecho mención de sus cualidades vocales, entre estos Jared Leto, quien destaca la singularidad de su timbre y la extensión de su registro vocal; Amy Lee, señala la influencia vocal que Björk tuvo en ella; y el compositor clásico John Tavener la reconoce “más inteligente que la mayo-

Juegos olimpicos 2004.

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ría de los cantantes clásicos”. El crítico de música clásica del The New Yorker, Álex Ross, cuenta a Björk entre las voces más privilegiadas de esta época y en su libro “Listen to This”, la equipara con Maria Callas. La organización National Public Radio incluyó a Björk en su especial “50 Great Voices”, refiriéndose a su voz como ”celestial”. En el sistema SATB, que sirve para catalogar las voces populares, Björk está clasificada como soprano, siendo evidente en algunas de sus canciones e improvisaciones, los sistemas de clasificación de bel canto no se muestran muy eficientes en cantantes populares, otorgándole un posible timbre de soprano dramática caracterizado por su timbre, su agilidad entre notas agudas y color metálico, evidenciados sobre todo en los últimos años con una madurez vocal posterior en los años 40. Su extensión, teniendo como referencia do3 central, abarca desde un Sol 2, registrado en la canción “Pneumonia” incluida en Volta—, a un la5 bemol, con la llamada “voz de cabeza” de la canción «Bath» —incluida en DR9. En muchas actuaciones en directo, Björk hace uso de técnicas como el Belt o el registro de silbido, consiguiendo notas de hasta más de una octava en relación a su nota más aguda, famosa entre las cantantes llamadas divas, como Yma Sumac, Minnie Riperton, Mariah Carey, Christina Aguilera y afines. Otra de las características de las grabaciones y actuaciones en directo de la cantante y compositora es la existencia de improvisaciones melódicas que la misma cantante define como Gibberish, algo que consiste en extensiones de la melodía creadas con su voz, o en alargar palabras y sílabas sin que tenga coherencia con lo que está siendo cantado, esto es bastante común en cantantes de estilos Blues, Soul, R&B y en estilos folclóricos.

Bjork siempre se ha distinguido por su estilo único.

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CAPÍTULO 6

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“I went to a party last Saturday night I didn’t get laid I got in a fight uh-huh It ain’t no big thing Late for my job and the traffic was bad Had to borrow 10 bucks from my old man uh-huh It ain’t no big thing” Lita Ford- Kiss Me Deadly

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la tercera ola

El feminismo tiene una historia reciente pero sin duda intensa y apasionante. Apenas tres siglos en los que la condensación de acontecimientos es tan notable y el avance tan vertiginoso, sobre todo en los últimos años, que podemos distinguir ya tres olas en la evolución de este movimiento.

en un mundo también crecientemente globalizado. En este movimiento fueron fundamentales los anticonceptivos porque le otorgaron el poder del control de la natalidad (y la liberación del goce sexual, no atado a la reproducción) y el divorcio se hizo ley en muchos países. Caen las vendas del “amor para toda la vida” y aparecen otras opciones para mujeres rebeldes. Las mujeres son candidatas reales en el mundo político, aunque su porcentaje es sensiblemente inferior al de los hombres.

sta Tercera Ola feminista, iniciada en los años sesenta Los retos para esta Tercera Ola del feminismo son múltidel siglo XX, tuvo como punto de partida dos obras ples: desde lograr la sororidad entre mujeres que, por sus de autoras occidentales, El segundo sexo de la francesa Simone diferentes orígenes nacionales, étnicos, religiosos, etc. tiede Beauvoir y La mística de la femineidad, de la estadounidense nen también formas muy diversas de entender sus luchas, Betty Friedan. Introdujo nuevas vías de lucha, por ejemplo, contra hasta lograr responder a discursos como el de la filósofa los estereotipos femeninos en la comunicación, el arte y la publiChristina Hoff Sommers, quien cree que el discurso de las cidad, y se pide ya de forma explícita la abolición del patriarcado: académicas de género actuales está muy desconectado de la hay que ir más allá de reivindicaciones concretas al derecho al realidad de millones de mujeres, algo de lo que se acusó duravoto o la educación para intentar desmontar toda una estructura mente al feminismo de la Segunda Ola, y quien afirma también social desigual. que el feminismo actual es de lamento y victimismo. Cuestiones como la sexualidad o la violencia demuestran hasta A estas críticas se unen las viejas luchas contra sistemas políqué punto el lema “lo personal es político” permite explicar los priticos, sociales y económicos que, meros años de esta Tercera Ola. Sin embargo, lo que nos interesa en pleno siglo XXI, siespecialmente es su evolución a partir de los años ochenta del siguen siendo profunglo XX, con la entrada en esta Ola de los feminismos decoloniales, damente patriarcales. que introdujeron nociones de raza, religión o etnia. Corrientes como En otro contexto y tres los feminismos negros, islámicos o indígenas latinoamericanos pusiglos después del fesieron de manifiesto que el modelo hegemónico de mujer construiminismo de la Primera do hasta entonces, blanco, occidental, europeo y de clase media Ola, todavía queda muno las representaba. cho por hacer. Se hacía imprescindible, por tanto, introducir el debate en torno al multiculturalismo y las formas de hacer feminismo de mujeres afro, musulmanas, chinas o, en torno al tema de la sexualidad, lesbianas, bisexuales… Nunca más se podría hablar ya de feminismos en singular: el plural se convertía en imprescindible. En definitiva, se dejan a un lado el esencialismo y las estrictas definiciones de épocas anteriores para abogar por teorías y pensamientos más flexibles, capaces de reconocer la creciente diversidad de las sociedades

1980, las mujeres pedían equidad en los empleos.

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lita ford The Runaways En el complicado mundo del hard rock y el metal las mujeres han tenido, desgraciadamente, poco espacio para demostrar sus dotes artísticas. De las más conocidas por haberse labrado una carrera profesional han sido Joan Jett, Tina Turner, Wendy O. Williams, Doro y Lita Ford.

ita Rossana Ford nacida el 19 de septiembre de 1958 es una guitarrista, actriz, vocalista y compositora de heavy metal estadounidense de origen inglés que fue la guitarrista principal de The Runaways a fines de la década de 1970 antes de embarcarse en una exitosa carrera en solitario. en la década de 1980. El sencillo de 1989 “ Close My Eyes Forever “, un dúo con Ozzy Osbourne , sigue siendo la canción más exitosa de Ford, alcanzando el número 8 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos . Lita Ford nació de padre británico (Harry Lenard Ford) y madre italiana (Isabella Benvenuto) en Londres, Inglaterra. Cuando estaba en segundo grado, se mudó con su familia a los Estados Unidos y finalmente se instaló en Long Beach, California. Inspirada por el trabajo de Ritchie Blackmore con Deep Purple , comenzó a tocar la guitarra a la edad de 11 años. En 1975, a los 16 años, Ford fue reclutada por el empresario discográfico Kim Fowley para unirse a la banda de rock femenina The Runaways . La banda pronto consiguió un contrato de grabación y lanzó su primer álbum en 1976. La banda obtuvo una gran atención de los medios y The Runaways se convirtió en un exitoso acto de grabación y gira durante su apogeo a fines de la década de 1970. La guitarra solista de Ford se convirtió en un elemento integral del sonido de la banda hasta su eventual ruptura en abril de 1979. En 1977, los conflictos internos estallaron dentro de los Runaways, quienes para ese momento ya se habían separado del productor Fowley, la cantante Cherie Currie y el bajista Jackie Fox .

Lita Ford en su carrera de solista.

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Los ochentas

El vocalista y guitarrista Joan Jett quería que la banda cambiara a un sonido punk rock más influenciado por los Ramones , mientras que Ford y el baterista Sandy West querían seguir tocando las canciones orientadas al hard rock por las que la banda se había hecho conocida. Sin ninguna facción dispuesta a comprometerse, la banda finalmente se separó en abril de 1979. En 1982, Ford firmó con Mercury Records y se dispuso a iniciar una carrera en solitario. Su álbum debut en solitario, titulado Out for Blood , fue lanzado en 1983 y fue una decepción comercial. Su siguiente lanzamiento, Dancin ‘on the Edge (1984) logró un éxito moderado y la popularidad de Ford comenzó a aumentar. Dancin ‘on the Edge incluyó el sencillo “Fire in My Heart”, que alcanzó el Top 10 en varios países fuera de Estados Unidos. El sencillo de seguimiento, “Gotta Let Go”, funcionó mejor, alcanzando el número uno en las listas de Mainstream Rock. Ford dijo en una entrevista que grabó un álbum inédito con RCA Records y que Tony Iommi no actuó en él. Ford firmó con RCA Records , contrató a Sharon Osbourne Management y resurgió con un sonido pop-metal más amigable con la radio . En 1988, lanzó su álbum de mayor éxito comercial, Lita, de producción propia . El álbum contó con varios sencillos incluyendo “ Kiss Me Deadly “, “Back to the Cave”, “ Close My Eyes Forever “ y “Falling in and Out of Love”, una canción coescrita por Nikki Sixx de Mötley Crüe . La balada “Close My Eyes Forever”, un dueto con Ozzy Osbourne , sigue siendo su canción más exitosa, alcanzando el puesto número 8 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos . Ford siguió el éxito de Lita con el álbum Stiletto (1990). Stiletto contó con los singles “Hungry” y “Lisa” (una canción dedicada a su madre). Sin embargo, el álbum no pudo igualar el éxito de su lanzamiento anterior. El siguiente lanzamiento de Ford fue Dangerous Curves (1991), que incluía su último sencillo hasta la fecha, “Shot of Poison”. El último álbum de Ford antes de una larga pausa de grabación fue Black en los registros alemanes ZYX . En 1985 Lita fue nominada para el Grammy por “Mejor performance femenina de rock” con la mencionada Gotta Let Go, junto con Wendy O. Williams y Pia Zadora.

Lita Ford de 16 años, como gutarrista de The Runaways.

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En las cuerdas

calentamiento antes del festival Rocklahoma bajo el nombre de Kiss Me Deadly, en el área de Nueva York.Lita estuvo casada con Chris Holmes (W.A.S.P.) de 1989 a 1992 y estuvo involucrada con Nikki Sixx (Mötley Crüe) y Tony Iommi (Black Sabbath). Actualmente, está divorciada de Jim Gillette (Nitro).

En 1988, con Sharon Osbourne como mánager, Lita alcanzó sus mayores éxitos, “Close My Eyes Forever” (dueto con Ozzy Osbourne, marido de Sharon) y “Kiss Me Deadly”, provenientes del álbum Lita.

En junio de 2008, Ford resurgió con una nueva banda con Stet Howland (WASP) a la batería, tocando varios conciertos de preparación bajo el sobrenombre de Kiss Me Deadly antes de Rocklahoma en Pryor, Oklahoma. En junio de 2009, realizó una gira por los Estados Unidos y Europa con una nueva alineación en sus últimos 14 muestra que consta de ex Guns N’ Roses guitarrista Ron ‘Bumblefoot’ Thal , baterista Dennis Leeflang y Deepfield bajista PJ Farley. Después de una larga pausa de grabación, Ford lanzó el nuevo álbum Wicked Wonderland el 6 de octubre de 2009, en el sello JLRG Entertainment. En mayo de 2011, Ford prometió lanzar un “álbum de regreso real” más adelante en el año

Su siguiente lanzamiento fue llamado Stiletto. Este disco contiene los sencillos “Hungry” y “Lisa” (el segundo fue dedicado a su madre quien falleció de cáncer). Sin embargo, este álbum no fue tan exitoso como su anterior trabajo. Su siguiente lanzamiento fue Dangerous Curves. Este álbum recuperó parte del éxito de sus discos anteriores. Bajo el sello ZYX Records grabó Black, el cual no pudo repetir el éxito del mencionado Dangerous Curves. Ford aparece en la película de 1992 Highway to Hell, representando a “The Hitchhiker”. A mediados de junio de 2008, Ford y su banda en solitario realizaron varios conciertos de

Lita Ford de gira.

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con el baterista Chuck Spradlin, diciendo que Wicked Wonderland , inspirado en el nu metal de 2009 , era demasiado de un proyecto colectivo con su exmarido Jim Gillette . “Mucha gente me ha dicho que quiere un álbum real de Lita Ford, y sé lo que quieren decir. Lo van a conseguir”, dijo en ese momento.

Robert Plant vió tocar a Lita Ford cuando se encontraba en The Runaways y le ofreció ser guitarrista para su banda, Led Zeppelin. Sin embargo la proposición no fue mas que eso ya que nunca se cocnretó.

El álbum Living Like a Runaway fue lanzado en junio de 2012 en SPV / Steamhammer Records . Fiel a su palabra, el álbum estaba mucho más en línea con su trabajo anterior. El título también es una celebración, ya que Ford había resuelto recientemente diferencias con sus ex compañeros de banda de Runaways. Durante 2014, la revista Guitar Player Magazine le otorgó el premio The Certified Legend Award . En 2016, Ford lanzó el álbum Time Capsule , una colección de canciones que descubrió en viejas cintas analógicas de los años 80 con grabaciones que había hecho con Billy Sheehan , Gene Simmons , Bruce Kulick , Robin Zander , Rick Nielsen , Dave Navarro , Rodger Carter y Jeff Scott Soto .

Lita y Tiny Iommy.

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DORO PESCH La voz en el metal Esta rubia de origen alemán, llena de curvas y vestida de cuero fue una de las primeras cantantes de metal en los 80, cuando los hombres dominaban este tipo de música.

orothee Pesch nació en Düsseldorf, Alemania el 3 de junio de 1964, la única hija de Walter, un conductor de camión, y Barbara Pesch. El primer acercamiento de Doro a la música rock fue con la canción “Lucille” de Little Richard, la cual cantaba cuando apenas tenía tres años de edad. A la edad de diez años aprendió a tocar el piano y empezó a trabajar en su voz, influenciada por bandas de glam rock de la época como T. Rex, Sweet y Slade. En 1980, inició su carrera en una agrupación llamada Snakebite. La primera grabación de dicha banda con Doro fue un demo promocional de muy baja calidad. Cuando la agrupación de desintegró en 1981, Doro cantó en las bandas Beast y Attack, antes de formar Warlock con Peter Szigeti, Rudy Graf, Thomas Studier y Michael Eurich en 1982. En 1983, Doro Pesch decide abandonar” Snakebite” para incorporarse a una banda de Düsseldorf llamada “Warlock” con integrantes muy jóvenes, llena de fuerza y con muchas ganas de triunfar. La banda no dejo de realizar números conciertos y giras por todo el territorio alemán. “Warlock” consiguió una base muy sólida, sobretodo entre los numerosos fans alemanes. Con esta gran aceptación, “Warlock” saca al mercado discográfico su primera demo. La discográfica independiente (Mausoleum) apuesta por la banda y comienza la elaboración de su primer álbum para noviembre. A principios del año 1984, “Warlock” saca a la luz “Burning The Witches” que refleja una gran fuerza. En 1985, “Warlock” consigue firmar con una discográfica mucho más importante (Phonogram). En los estudios Country Lane de Munich y bajo la dirección de Henry Staroste y Rainer Assman, la banda edita su segundo trabajo que llevará el nombre de “Hellbound” y en unas de

Doro Pesch para snakebite.

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sus actuaciones por Reino Unido en el Candem Palace de Londres, se graba su primer video en directo “Metal Racer”. Phonogram, edita un maxisingle tan sólo en Alemania e Inglaterra, “You Hurt My Soul”.

La incombustible Doro Pesch ha querido comentar cómo fueron sus inicios y el apoyo que recibió de Gene Simmons. “Conmigo se portó muy bien, fue muy profesional. Fue mi mentor y el de muchos de nosotros. Estuvimos componiendo canciones en Nueva York y grabamos en Los Angeles, en el Fortress Recorders Studio donde Kiss grabó Hot in the Shade”.

En ese mismo año, Rudy Graf decide abandonar la banda y es sustituido por Niko Arvanitis. En 1986, “Warlock” comienza a trabajar en su tercer álbum, de nuevo bajo la dirección de Henry Staroste. En agosto se editaría “True As Steel”. Ese mismo año, “Warlock” era una de las bandas en el cartel del “Monsters Of Rock” en Castle Donnigton (Inglaterra). Doro Pesch fue la primera mujer en subir a su escenario. Tras el arrollador éxito de la banda, la cadena MTV produce el nuevo video de su tema “Fight For Rock”. De nuevo se producen cambios en la banda, Peter Szigetti y Frank Rittel abandonan, y son sustituidos por Tommy Bolan y Tommy Henriksen.

Sesión fotográfica de Doro Pesch.

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Pionera del Heavy Metal En 1987, “Warlock” se traslada a Nueva York y comienza la elaboración de su cuarto álbum, bajo las órdenes de Joey Balin en los estudios Power Station. En septiembre ve la luz uno de los más destacados y reveladores trabajos de la banda “Triumph And Agony”. Un antes y un después, sucede a la banda con este magistral trabajo. El propio grupo produce “All We Are”, un himno para el rock; y la balada por excelencia “Für Immer”. ese mismo año, la banda se pone en ruta por toda Europa, siendo teloneros del mítico grupo de heavy Dio. También en América, en su única gira “Warlock” comparte cartel con míticas bandas como: Megadeth, Sanctuary, Power Metaller y Seattle. Tampoco se pueden evitar nuevos cambios en la banda, Micha Eurich (batería) y Niko Arvanitis (guitarra) son sustituidos por Bobby Rondenelly y Jon Devin. Pese a los éxitos acontecidos, para Doro Pesch son momentos duros. La discográfica decide que el nombre de la banda “Warlock” sea sustituido por el de “Doro”. Son momentos difíciles para ella. La banda tenía que comenzar una nueva etapa en su carrera musical. En 1989, bajo la dirección y producción de Joey Balin, en el mes de febrero se edita su primer álbum como Doro, que llevaría el nombre de “Force Majeure”. Se producen para la MTV nuevos videos de los temas “Hard Times” y “A Whiter Shade Of Pale”. En 1990, Doro Pesch contacta con Gene Simmons (bajista de la mítica banda notrteamericana “Kiss”) para que le apoye en su nuevo proyecto. La banda ha decidido abandonarla y ha de comenzar una nueva etapa, ahora sí, en solitario. Doro entra en Fortress Recorders de Hollywood, utiliza músicos de sesión para la grabación de su nuevo y diferente trabajo con connotaciones al estilo Kiss muy significativas.

En mayo, se edita su álbum que lleva el título de “Doro”. Se editan dos videos “Unholy Love” y “Rare Diamond”. Doro cambia su estilo e imagen a la que nos tenía acostumbrados en “Warlock”. En 1991, se pone a la venta el recopilatorio “Rare Diamonds”, el cuál es la propia Doro quién elige los temas que se incluirán. También sale al mercado un recopilatorio de los mejores videos editados que llevará el mismo nombre. Mientras tanto Doro continuaría trabajando y componiendo sin descanso.

Doro Pesch como vocalista de Warlock

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Tras una larga búsqueda de productores, Doro decide marcharse a Nashville. Allí contacta con Barry Beckett un productor no muy conocido en el círculo del rock. Comienzan a grabar en los estudios Digital Recorders y en agosto nace un nuevo álbum que llevaría el título “True At Heart”.

De este trabajo, surgió el video clip de la canción “Fall For Me Again”. Entre los años 1991 y 1993, Doro no deja de trabajar muy duro y sin descanso. Es en febrero de 1993, cuando sale al mercado otro de los grandes trabajos en solitario de Doro Pesch que marcaron otra nueva etapa “Angels Never Die” en él queda reflejado todo su talento y valentía al forjar su carrera musical dejando atrás todos los comentarios. Grabado en los estudios Ocean de New Jersey y bajo la producción y dirección de Jack Ponti.

Imagen izquierda Fotografía para revista musical.

Imagen derecha Doro Pesch en el escenario de Warlock.

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Con este nuevo trabajo, Doro toca estilos desde el rock melódico al mejor estilo americano sin olvidartambién las tiernas baladas y multitud de coros. Doro produce su videoclip “Bad Blood” y European MTV Awards le concede el premio al mejor videoclip contra el racísmo. Tras el evento, Doro Pesch patrocina campañas y realiza numerosos anuncios contra el racismo y la intolerancia. Durante el mismo año, sale a la luz un nuevo videoclip al más puro estilo country titulado “Last Day Of My Life”. Ya a finales del año 1993, Doro sorprende a todos sus fans lanzando un video en directo de la gira alemana que llevaría el nombre de “Doro Live”. En 1995, se edita un recopilatorio que lleva el nombre de “A Whiter Shade Of Pale”. Mientras se ultiman los detalles del quinto trabajo de Doro Pesch en solitario. Producido por Jack Ponti y grabado en los estudios Ocean, deja atrás el estilo americano. Doro rompe los esquemas hasta ahora conocidos y sorprende con una nueva imagen y sonido (rozando lo sensual y erótico). Este trabajo llevo el nombre de “Machine II Machine” . “Machine II Machine-Electric Club Mixes”. Se lanzaron dos videos: “Ceremony” y “In Freiheit Stirbt Mein Herz” una balada en alemán. Un estilo muy radical que no le favoreció demasiado, y no obtuvo la aceptación esperada pero que debemos entender como una etapa más de Doro en su andadura musical. El contrato firmado con la discográfica Polygram por diez años, expira. Se rompe la negociación y Doro busca nueva discográfica, esta vez es Wea. De nuevo son momentos duros para Doro Pesch. En 1996, Doro debuta con la Warner Bros. En el año 1998, sale su nuevo trabajo “Love Me In Black”. Vemos a una Doro diferente pero aceptada de nuevo por todos sus fans incondicionales. Este álbum significo un nuevo resurgir y una nueva oportunidad para ella. Se grabo tan sólo un videoclip “Love Me In Black” con cierto aire oriental.

Imagen central Doro Pesch es la voz principal de su nueva banda, DORO.

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La nueva discográfica no desperdicia la gran aceptación y el éxito recuperado por Doro Pesch y lanzan varias recopilaciones “Doro –The Best Of- “y “Doro-The Ballads“. Ya entrado el año 1999, se lanza una recopilación de los mejores temas de la banda “Warlock” que llevaría el nombre de “Earthshaker Rock”. Tal vez de nuevo, las cosas no marcharon del todo bien para Doro, la discográfica decide romper el contrato. Tras el “Love Me In Black Tour”, Doro firma con la discográfica SPV- Steamhammer y con Knoch Records para USA. Doro Pesch, comienza a trabajar en un nuevo proyecto. Entre los años 1999 y 2000, Doro no deja de actuar en varios eventos sin descanso. Actúa en Metal Meltdown II (Doro vuelve a EE.UU, después de diez largos años), Bang Your Head Festival, Wacken Open Air Festival. Durante el año 2000, acontece la muerte de su padre. Un duro golpe para Doro, ya que estaban muy unidos. Doro saca fuerzas y decide dedicar su nuevo proyecto a la memoria de su padre Walter Pesch. En septiembre del 2000, “Calling The Wild” ve la luz; con dos versiones (europea y americana). Dedicado a su padre, es recibido con una gran aceptación y muy buenas críticas. De este trabajo, se editan dos singles “Ich Will Alles” y “White Wedding”. Sus videos “Burn It Up” y “White Wedding”. Doro visita España ese mismo año presentando la gira “Calling The Wild tour 2001”, quedando muy unida a ese país y agradecida en todo momento al apoyo incondicional de sus fans españoles. Tras la finalización de la gira, Doro no descansa y comienza la grabación de su nuevo álbum “Fight”. Continua con la misma discográfica, pero, Doro Pesch produce su nuevo trabajo. En 2002, se edita un DVD “Doro Pesch and Warlock: Live – Leyends Of Rock Collector’s Edition”. Por fin, Doro vuelve a sorprender con su nuevo trabajo “Fight” poderoso y salvaje, con baladas como “Undying” y rápido como “Always Live To Win”, la propia “Fight”, con versiones como “Legends Never Die”, estribillos en castellano “Salvaje” y con participación de Pete Steele en “Decent”. De nuevo, Doro Pesch recibe muy buenas críticas y se consolida como la “Diosa del Metal Alemán”. Mientras tanto continua muy unida a España, realizando varios conciertos de la gira “Fight

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Tour” y asistiendo a todos los eventos acontecidos como “Lorca Rock” en Murcia. En el año 2003, se edita el doble DVD “Für Immer Forever, para Siempre”. Doro da las gracias a todos sus fans en este doble trabajo, lleno de emociones, sensibilidad y entrega. Doro desprende simpatía y amor hacia los fans, siempre atenta y agradecida a ellos. Se produce un cambio de discográfica a finales de año y Doro última detalles del contrato con Afm-Records. En 2004, sale a la venta “Let Love Rain On Me” incluyendo un video de su tema “Unholy Love”. Desde hacía mucho tiempo, Doro tenía un tema pendiente y sorprende con “Classic Diamonds” un gran trabajo con la Classic Night Orchestra, también editado en DVD. Sin descano, Doro Pesch asiste a numerosos eventos y no para de concertar entrevistas, es sin duda, uno de sus mejores momentos profesionales. Doro ve reconocido todo su talento, trabajo, dedicación y esfuerzo durante todos estos años. En el 2005, se edita “In Liebe Und Freundschaft-For Love And Friendship- “con cuatro canciones y un videoclip grabado en el festival “Bang Your Head 2005” de su tema “All We Are”. También en ese mismo año se edita “We´re Like Thunder” dedicado a Regina Halmich (que ya participó en la sesión fotográfica promocional de “Fight”). Ya en el año 2006, Doro continua con la misma discográfica Afm-Records y saca su nuevo trabajo “Warrior Soul”. Con temas como “You´re My Family” donde plasma todo su agradecimiento a los numerosos fans de todo el mundo. Un disco que mantiene la línea del anterior disco “Fight” en donde de nuevo se cuidan los pequeños y grandes detalles. Portadas muy trabajadas y presentan una Doro guerrera y con mucha fuerza. “Warrior Soul” llega a ser banda sonora de una película titulada “Anuk” en la cual Doro participa en algunas escenas.

Imagen central Poster promocional para festival donde participa Warlock.

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En ese mismo año, se edita coincidiendo con los 20 años de carrera musical de Doro Pesch un DVD con el título “DORO-20 Years A Warrior Soul”.Doro ha sido un gran ejemplo a seguir para todas las mujeres en el rock, siendo la primera en ganarse el respeto y el honor por todo su trabajo y espíritu de superación que ha demostrado siempre en su carrera musical desde sus inicios. Doro Pesch no descansa y en 2007, edita “All We Are-The Fight” y “Anthems For The Champion-The Queen” éste último de nuevo en honor a Regina Halmich, gran amiga y admirada por la propia Doro. En 2008, Doro edita “Celebrate-The Night Of The Warlock” muy pegadiza con estribillos repetitivos y “Herzblut” una preciosa balada en alemán (también editado videoclip). Un anticipo de lo que iba a ser su nuevo álbum. Ya en el 2009, de nuevo con Afm- Records Doro sorprende con nuevo trabajo “Fear No Evil”. Desde “Fight” hasta ahora Doro ha seguido fiel a un estilo muy potente y cuidando mucho los pequeños y grandes detalles como por ejemplo sus portadas. Un excelente trabajo que está recibiendo las mejores críticas y gran aceptación por parte de todos sus fans incondicionales. “Fear No Evil” es un acertado trabajo que recuerda en algunos momentos a esa Doro que lleva siempre con ella sus raíces con “Warlock”. 25 años de lucha constante dejándose la piel en cada escenario y entrega en cada uno de sus conciertos, Doro Pesch es un ejemplo de fuerza, tenacidad y superación. Doro se ha consolidado como la indiscutible “Diosa del Metal” abriendo las puertas a las nuevas generaciones de mujeres artistas que aman el Rock.

Doro Pesch renunció conscientemente a una familia e hijos para dedicar todo su tiempo a su carrera musical y admiradores. La letra de la canción “You Are My Family”, que empieza el álbum Warrior Soul, ejemplifica esta decisión.

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Siouxsie Sioux La hora de la bruja Sin duda Susan ha logrado posicionarse dentro de las voces de mujeres más icónicas del rock gracias a su poder, estilo, rebeldía y ganas de llevar la música a cabo en su vida.

usan Janet Ballion nació en Southwark, al sureste de Londres, Inglaterra en 1957, siendo la menor de tres hermanos. Asistió al Mottingham Secondary Modern School, un colegio para chicas en Bromley, Kent. Su padre murió de cirrosis debido a su alcoholismo cuando Siouxsie tenía 14 años de edad. A mediados de los años 1970, la periodista Caroline Coon acuñó el término Bromley Contingent para describir a un excéntrico grupo de adolescentes devotos a los Sex Pistols. Siouxsie era una de las integrantes de Contingent, junto al otro miembro fundador de Banshees, Steven Severin. El primer concierto de Siouxsie lo realizó con su improvisada banda Suzie and the Banshees, en el 100 Club Punk Festival organizado por Malcolm McLaren en septiembre de 1976. La banda no se sabía canciones ni había ensayado; improvisaron a medida que Siouxsie recitaba poemas y rezos de memoria. Para Jon Savage, ella era “diferente a ninguna otra cantante de antes o contemporánea distante, totalmente moderna”. Esto supuso el comienzo de una nueva era para las mujeres en la música.

Su álbum debut The Scream se lanzó en 1978. NME se considera uno de los mejores discos debut de la historia junto a Horses de Patti Smith. Nick Kent, crítico de esa misma revista dijo que “la banda suena como un híbrido entre Velvet Underground junto a la ingenuidad de la época Tago Mago de Can, si eso es posible. Sin duda, el típoco sonido de grupo de rock de tres instrumentos nunca se ha utilizado de forma tan poco ortodoxa con resultados tan asombrosos”.

En 1977, cambió su nombre artístico e hizo una extensa gira por Inglaterra junto a su amigo y bajista Steven Severin, bajo el nombre de Siouxsie and the Banshees. Su primer sencillo, « Hong Kong Garden», apareció un año después, cargado de sonidos de xilófono, que entró directamente en el Top 10 de la lista británica.

En 1979 lanzaron Join Hands. The Banshees se embarcaron en una gira promocional, pero en septiembre Morris y McKay abandonaron después de una discusión, por lo que tuvieron que buscarles reemplazo urgente. El mánager de la banda llamó a Budgie, ex-The Slits, al que hicieron una prueba. En vista de que no encontraban sustituto para McKay, Robert Smith de The Cure, banda que en ese momento hacía

Los críticos lo describieron como “una narración brillante e intensa, algo así como disparos de cámara desde la ventana de un tren de alta velocidad japonés, cargardo con una guitarra original y tóxica que hacía mucho, mucho tiempo que no se oían”.

Siouxsie Sioux, 1989.

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de teloneros de The Banshees, se ofreció a tocar con ellos hasta que encontrasen un sustituto definitivo. En 1980 lanzaron Kaleidoscope, que marcó un cambio de dirección musical gracias a la llegada de John McGeoch, considerado “uno de los guitarristas más innovadores e influyentes de los últimos treinta años”. Melody Maker definió el exitoso sencillo «Happy House» como “grandioso pop” con “guitarra líquida” y otras canciones como «Red Light» contienen gran cantidad de electrónica. Kaleidoscope amplió el espectro de oyentes de la banda y llegó a entrar en el Top 5 en el Reino Unido. En 1981 lanzaron Juju,el cual alcanzó el puesto número 7 de las listas de música británicas. Guardian calificó los sencillos «Spellbound» y «Arabian Knights» como “maravillas del pop”.

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En 1991 llega Superstition, su disco más comercial y poco después Tim Burton elige a Siouxsie & The Banshees para la canción estrella de su Batman Vuelve. En 1995 editan el algo más discreto The Rapture y en 1996 la banda se separa.

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Nacimiento del Rock En esta época, durante las sesiones de grabación, Siouxsie decidió formar un proyecto paralelo junto al batería Budgie, The Creatures, para hacer música más basada en la percusión. La primera grabación del dúo fue un EP llamado Wild Things. En 1982 lanzaron el A Kiss in the Dreamhouse, muy bien recibido por la crítica especializada británica.

Richard Cook de NME dijo que “The Banshees logra un nuevo pop increíble y efectivo, sin tener teoría ni reparos. Dreamhouse es un logro intoxicante. Prometo que esta música te dejará sin aliento”. En 1983, Siouxsie grabó su primer disco con The Creatures Feast en Hawái. El álbum incluye el sencillo «Miss the Girl». En el verano, Siouxsie y Budgie volvieron a entrar en listas con “Right Now”, una canción de Mel Tormé; The Creatures hicieron arreglos de la canción añadiendo una sección de instru-

Imagen izquierda Siouxsie Sioux para promoción de a Kiss in the Dreamhouse.

Imagen derecha Siouxsie Sioux en gira, 1983.

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mentos de viento-metal. Después con Banshees y el guitarrista Robert Smith de The Cure, versionó la canción de The Beatles « Dear Prudence», llegando al puesto número 5 de la lista británica de sencillos. Junto a Smith realizó otros dos discos: Nocturne, grabado en vivo en Londres y Hyæna de 1984. Los discos de 1986 y 1987, Tinderbox y Through the Looking Glass, entraron ambos en el Top 15 de las listas británicas. Peepshow salió en 1988 y fue considerado por los críticos como uno de sus mejores discos en años. El sencillo « Peek-a-Boo» marcó un cambio de rumbo de sus trabajos previos, utilizando rock con toques de hip-hop por medio de samples. NME alabó la canción diciendo que era como “una banda oriental de música hip hop con trompas tirándose pedos y un acordeón pegadizo”, y aclamado por Melody Maker como “una mezcla brillante inesperada de acero de la calle y disturbios pop”. Poco después, en 1989, Siouxsie reformó The Creatures junto a Budgie y grabó Boomerang en España. En su reseña, Simon Reynolds dijo que fue su “música más innovadora y vigorosa desde A Kiss in the Dreamhouse”. En 1991 lanzó Superstition que fue bien recibido por la crítica, y participó en el primer festival de Lollapalooza. Del álbum se extrajo «Kiss Them for Me», donde experimenta con instrumentación asiática. El instrumentista Talvin Singh participó tocanda la table y aportando coros. « Kiss Them for Me» llegó al puesto número 23 de la lista Billboard Hot 100. En 1992 grabó el sencillo «Face to Face», que supuso un descanso hasta el lanzamiento en 1995 de The Rapture. Después de la gira de presentación del disco, Siouxsie anunció la separación de Banshees en una rueda de prensa. A mediados de los años 1990, Siouxsie participó de varias colaboraciones con otros artistas.

Siouxsie Sioux y Robert Smith

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Grabó un dueto con Morrissey en 1994, en el sencillo «Interlude», grabada inicialmente por Timi Yuro en los años 1960. En 1995, grabó la canción «The Lighthouse» que aparece en el disco del francés Hector Zazou, Chansons des mers froides. Para ello Siouxsie y Zazou adaptaron el poema “Flannan Isle” del poeta inglés Wilfred Wilson Gibson. En febrero de 1998, el exmiembro de la banda Velvet Underground, John Cale, la invitó a participar en un festival llamado “With a Little Help From My Friends” que se llevó a cabo en Paradiso en Ámsterdam.

El concierto se emitió en la televisión holandesa y contó con un dueto de Siouxsie y Cale inédito llamado « Murdering Mouth».Gracias a esta colaboración decidieron hacer una gira veraniega compartida por Estados Unidos, en la que cantanban juntos “Murdering Mouth” y la canción de Cale “Gun”. En 1999, Siouxsie y Budgie lanzaron Anima Animus, el primer disco de The Creatures desde la separación de Banshees, incluyendo los sencillos « 2nd Floor» y « Prettiest Thing»:

Foto para la disquera, 1990.

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The Times describió Anima Animus como “hipnótica e inventiva”. La cantante hizo una colaboración con Marc Almond con la canción «Threat Of Love». En 2002, se le incluyó en el puesto número siete de las “mejores artistas de rock femeninas” elaborada por la revista Q de 2002. Universal Records puso a la venta la primera recopilación de Banshees The Best of Siouxsie and the Banshees. En 2003, compuso y cantó la canción del álbum Kish Kash de Basement Jaxx el cual fue ganador de un Premio Grammy. Poco después, Siouxsie lanzó al mercado el último disco de The Creatures, ¡Hái!, grabado parcialmente en Japón. Peter Wratts escribió en Time Out: “Su voz es el instrumento dominante aquí, serpenteando alrededor de la batería”. Un año después, por primera vez comenzó una gira en solitario donde combinaba canciones de Banshees y Creatures; se grabó un DVD en directo titulado Dreamshow en el concierto de septiembre de 2004 en Londres, junto a Millennia Ensemble. Salió a la venta en agosto de 2005 y llegó al primer puesto de la lista de DVD musicales del Reino Unido. Su primer álbum en solitario Mantaray se lanzó al mercado en septiembre de 2007 con los sencillos «Into a Swan» y «Here Comes That Day». En 2008, Siouxsie participó en la banda sonora de « The Edge of Love» compuesta por Angelo Badalamenti, colaborador frecuente de David Lynch, interpretando la canción “Careless Love”. Posteriormente, en los World Soundtrack Awards la cantante interpretó otra canción del compositor: « Who Will Take My Dreams Away». Después de un año de gira, realizó su último concierto en Londres en septiembre de 2008, material con el que se grabó el DVD Finale: The Last Mantaray And More Show, lanzado en 2009.

Maquillaje fuertemente inspirado en David Bowie.

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shirley manson La voz del rock alternativo Shirley Manson fue el icono de una generación. La chica de Garbage: fuerte, rebelde, con su melena de un rojo rabioso como seña de identidad.

hirley Ann Manson nació en Edinburgo el 26 de agosto de 1966, hija del genetista John Mitchell Manson y de la cantante Muriel Flora. Para escoger su nombre, sus padres se inspiraron en la novela Shirley de Charlotte Brontë. Empezó a estudiar piano a la edad de 7 años, más tarde acudió a la Escuela de Música de la Ciudad de Edimburgo donde también formó parte del grupo de teatro. Aunque la situación económica de su familia era desahogada, Shirley no tuvo una infancia y una adolescencia feliz, debido a que en la escuela los demás niños se metían frecuentemente con ella. Se burlaban de su aspecto y por ser pelirroja. A veces, regresaba a casa ensangrentada y magullada por culpa del acoso. Los interminables acosos y burlas le condujeron a una profunda depresión y se empezó a lesionar ella misma. La canción Only Happy When It Rains se cree que está basada en esos terribles abusos, sin embargo la misma Shirley Manson ha desmentido esto en varias ocasiones. Los abusos terminaron cuando Manson empezó a mostrar signos de rebeldía, ausentándose frecuentemente de su último año de estudios. Shirley comenzó a fumar marihuana, a consumir alcohol y a robar en pequeñas tiendas. A pesar de mostrar esa actitud rebelde, Manson tenía la ambición de convertirse en actriz. Sin embargo, fue rechazada por el Conservatorio Real de Escocia tras presentar audiciones. Trabajó brevemente como voluntaria en la cafetería de un hospital y como dependienta en una tienda antes de pasar cinco años trabajando en la tienda de ropa Miss Selfridge.

Shirley Manson con su imagen rebelde.

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La primera experiencia musical de Manson ocurrió cuando cantó brevemente con las bandas locales de Edinburgo The Wild Indians y Autumn 1984. Martin Metcalfe del grupo Goodbye Mr. Mackenzie se acercó a Manson para ofrecerle que se vinculara a su banda. Shirley se convirtió en un miembro prominente del grupo, tocando los teclados y cantando los coros. El grupo firmó un contrato discográfico con Capitol Records en 1987 y publicó su primer álbum Good Deeds and Dirty Rags. En 1990 el grupo se vinculó con Parlophone, otra subsidiaria de EMI. Sin embargo, tras el fracaso en las listas de éxitos de dos sencillos de la banda publicados por la dis-

quera, Parlophone se negó a lanzar el segundo álbum del grupo, Hammer and Tongs. Gary Kurfirst, mánager de Talking Heads y Debbie Harry, compró el contrato la banda y publicó su segundo álbum a través de su propio sello Radioactive Records, una filial de MCA Records. Su estancia en Radioactive fue corta tras no poder ubicar otro de sus sencillos en las listas de éxitos.

Imagen izquierda Shirley Manson, en Goodbye Mr. Mackenzie.

Imagen derecha Portada de disci para Goodbye Mr. Mackenzie.

El grupo continuó escribiendo material y Manson tuvo la oportunidad de grabar voces principales en varias pistas planificadas para el tercer álbum de la banda. Aunque MCA no tenía ningún deseo de cumplir sus compromisos con Goodbye Mr. Mackenzie, el sello expresó interés en grabar un álbum con Manson, y después de escuchar varios demos, Kurfirst firmó un contrato con Manson en su discográfica como solista, con el resto de The Mackenzies actuando como su banda de respaldo. El contrato de Manson la obligó a grabar como mínimo un álbum.

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Manson admitió que se sintió intimidada ante Vig, productor de bandas que la cantante admiraba como Nirvana, Sonic Youth y The Smashing Pumpkins. Vig además afirmó que la desorganización de la audición y el problema de los estadounidenses para entender el acento escocés de Manson generaron problemas de comunicación entre ambas partes.

Garbage Grabando bajo el nombre Angelfish y usando algo del material recién escrito con Goodbye Mr. Mackenzie, Manson y el grupo grabaron las canciones que conformarían el álbum Angelfish en Connecticut con Chris Frantz y Tina Weymouth de Talking Heads. Inicialmente fue publicado el sencillo “Suffocate Me”, seguido de “Heartbreak To Hate” en 1994. Angelfish recorrió los Estados Unidos, Canadá, Francia y Bélgica, abriendo conciertos para la banda Live en una gira por Norteamérica.

Al final de la gira en vivo, la banda Angelfish se separó y Manson regresó a los estudios Smart para realizar un segundo intento, quedándose en esta oportunidad con el puesto definitivamente. Shirley coescribió y coprodujo el álbum debut de Garbage con el resto de la banda.

El vídeo de la canción “Suffocate Me” tuvo alguna rotación en el canal MTV. El productor y músico Steve Marker tuvo la oportunidad de ver el vídeoclip y pensó que Manson sería un gran cantante para su nuevo proyecto musical, Garbage, que también contaba con la participación de los productores Duke Erikson y Butch Vig. Butch Vig invitó a Manson a los estudios Smart para que cantara en un par de pistas. Después de una audición sin éxito, regresó con la banda Angelfish.

Así, Garbage, publicado en agosto de 1995 y titulado de forma homónima, llegó a vender más de 4 millones de copias, impulsado por una serie de sencillos exitosos como “Only Happy When It Rains” y “Stupid Girl”. Manson rápidamente se convirtió en el rostro público de la banda. Manson se convirtió en la compositora principal de Garbage para su segunda producción discográfica, Version 2.0, disco que logró igualar el éxito de Garbage tras su lanzamiento en mayo de 1998.

Shirley Manson como nueva vocalista de Garbage.

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Las letras de Manson se volvieron más abiertamente políticas para el cuarto disco de Garbage, Bleed Like Me de 2005, que logró éxito comercial especialmente por el sencillo “Why Do You Love Me”. La banda entró en un hiato prolongado en octubre de ese mismo año. En 2007 regresó a los escenarios para realizar una pequeña presentación en una feria benéfica para recaudar fondos para el tratamiento médico del baterista Wally Ingram. También grabaron nuevo material y un vídeoclip para promover el álbum recopilatorio Absolute Garbage. Garbage regresó al estudio en 2010 para escribir y grabar material para un quinto álbum, titulado Not Your Kind of People, publicado en mayo de 2012, lo que puso fin a la pausa de siete años de la banda desde el lanzamiento de Bleed Like Me. Strange Little Birds fue la siguiente producción de la banda, producido de manera independiente al igual que Not Your Kind of People. El estilo musical alternativo de Garbage fusiona varios géneros, entre los que se incluyen la música electrónica, el rock industrial, el punk, el grunge, el Durante la gira de dos años en apoyo del disco, Manson sirvió como modelo para Calvin Klein, convirtiéndose en un ícono del rock alternativo por su voz, su puesta en escena y su forma de vestir. Manson vivió en hoteles durante los períodos de grabación de los primeros discos de la banda. Más adelante grabó con Garbage la canción oficial de la película de James Bond The World Is Not Enough, convirtiéndose en la tercera escocesa en cantar un tema de Bond después de Lulu y Sheena Easton. En el vídeoclip de la canción, Shirley interpreta a un androide asesino que implanta una bomba en su cuerpo para destruir un teatro. Mientras se preparaba para la grabación del tercer disco de Garbage durante el año 2000, Manson se convirtió en uno de los primeros artistas de alto perfil en escribir un blog en línea. Además decidió mejorar su interpretación de la guitarra para la próxima gira de la banda. Su tercer álbum, Beautiful Garbage, presentó las letras más directas y personales de Manson hasta la fecha. El álbum no se vendió tan bien como sus predecesores, pero la agrupación realizó una exitosa gira mundial como soporte. Durante un concierto en el Festival de Roskilde, Shirley tuvo problemas con su voz. Luego descubrió un quiste de pliegue vocal y tuvo que someterse a una cirugía correctiva.

Garbage, 1996.

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Shirley incursionó también en la actuación, apareciendo en la serie “terminator: The Sarah Connor Chronicles” como un robot que se hacía pasar por humano.

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trip hop y el shoegaze, registrando cambios constantes en su sonido a medida que su carrera avanza. Gran parte del éxito de la banda se debió a la imagen pública de Shirley, quien se convirtió en la cabeza visible de la agrupación y en su miembro más reconocible.

los personajes interpretados por Shirley Manson desde que Garbage se formó en 1995. En otras épocas, ella podría haber sido una Shirley Bassey, una Dusty Springfield o una Chrissie Hynde. Hay un poco de cada una de ellas en su voz”. Jen Crothers de Green Left Weekly, en una reseña sobre Garbage, comentó que “Manson, vocalista y guitarrista, tiene una voz poderosa que se eleva y se sumerge como un pájaro.

Manson posee un rango vocal contralto, destacado por sus cualidades distintivas así como su puesta en escena emotiva. Elysa Gardner de Los Angeles Times declaró que “una de las características más atractivas de Garbage es una fuerza de la naturaleza: la voz de Manson, que puede transmitir una multitud de emociones sin mostrarse melodramática”.

Puede ser tierna o psicótica al mismo tiempo”. Al revisar una presentación de Garbage en vivo de 2012, Catherine Gee de The Daily Telegraph señaló que Manson “sigue siendo una intérprete notable cuyo distintivo gruñido contralto aún puede erizar los vellos de la nuca”. En una crítica de Garbage, Stephen Thomas Erlewine de AllMusic describió la voz de Manson como “delgada y airosa”, mientras que Mike Diver de la BBC

Al revisar una actuación de Garbage en vivo, Jon Pareles de The New York Times comentó: “Tentadora, amante, sufriente, ruda: esos han sido

Shirley Manson en los escenarios, 2012.

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Los ochentas

A los diecinueve años, Shirley descubrió a Patti Smith, específicamente el álbum Horses, que tuvo un “fuerte impacto” en ella. Se inspiró para aprender a tocar la guitarra por Chrissie Hynde y aprecia el estilo de Debbie Harry de Blondie. Aunque sus influencias musicales son en mayor medida femeninas, ha citado a David Bowie como un músico masculino inspirador. Manson también creció escuchando a Nick Cave, Frank Sinatra, The Clash, The Sugarcubes, Cocteau Twins, Iggy and the Stooges y The Velvet Underground.

afirmó que “incluso en su punto más vulnerable, Manson siempre mantiene el control”. Los primeros recuerdos musicales de Manson están relacionados con su madre, quien cantó con una banda cuando Shirley era una niña. Estuvo expuesta a los registros clásicos de jazz cuando creció y ha trabajado en su carrera con artistas del género con Nina Simone, Cher, Peggy Lee y Ella Fitzgerald. En su adolescencia era fanática de los álbumes The Scream y Kaleidoscope de Siouxsie and The Banshees y aprendió a cantar escuchando esos discos. Más tarde afirmó que “muchas de las canciones de esos dos álbumes fueron los primeros amores de mi vida”. La vocalista Siouxsie Sioux era su heroína musical. Manson escribiría más tarde el prólogo del libro Siouxsie & The Banshees: The Authorized Biography.

Artistas posteriores como Amy Lee, Lady Gaga, Florence Welch, Taylor Momsen, Marissa Paternoster, Skylar Grey y Marina Diamandis, entre otras, han declarado su admiración por Shirley Manson y la han considerado una influencia musical y de estilo.

Garbage.

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CAPÍTULO 7

s o l entas v o n 143

“How can you see into my eyes like open doors? Leading you down, into my core Where I’ve become so numb, without a soul My spirit’s sleeping somewhere cold Until you find it there, and lead it, back, home” Evanescence- Bring Me To Life

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falso feminismo

florecieron, proporcionando a las mujeres jóvenes nuevas plataformas para la autoexpresión. La cultura de las niñas fue reclamada y celebrada por el movimiento Riot Grrrl , la revista Sassy , sitios web como gURL.com , iniciativas gubernamentales, músicas feministas subversivas y películas independientes. Las brechas entre hombres y mujeres en la educación “esencialA finales de la década, sin embargo, se reveló que la mente han desaparecido para la generación más joven”, declaró un promesa de igualdad para las mujeres era algo entre informe de 1995 del Centro Nacional de Estadísticas Educativas una falsa esperanza y un cruel engaño. Resultó que la paridad era una paradoja: cuantas más mujeres asumían el poder, más poder se les quitaba a través de una cultura as hijas del feminismo de la segunda ola alcanzaron la popular nociva que celebraba la hostilidad abierta hacia mayoría de edad y eligieron nuevos caminos inaccesilas mujeres y comercializaba su sexualidad e inseguridad. bles para sus madres: retrasar el matrimonio y los hijos , seguir Los movimientos feministas fueron cooptados. Pronto, las una educación superior, unirse a la fuerza laboral y asumir la inmujeres crearían su propia cosificación sexual . dependencia y las identidades fuera del hogar.

Al final, la década de 1990 no hizo avanzar a las mujeres y las Durante más de un siglo, la edad media para contraer matrimonio niñas; más bien, la década estuvo marcada por un esfuerzo de las mujeres osciló entre los 20 y los 22 años, pero en 1990 casi impactante y acelerado por subordinarlos. A medida que las saltó a 24. En 1997 llegó a los 25. Posponer el matrimonio y los mujeres ganaban poder, o simplemente se presentaban en púhijos liberó a las mujeres sexualmente; también les dio un mayor blico, la sociedad las rechazaba reduciéndolas a horribles fanpoder económico y allanó su entrada en carreras dominadas por tasías sexuales y estereotipos misóginos. Las carreras, la ropa, los hombres . Casi la mitad de las mujeres casadas encuestadas los cuerpos y las familias de las mujeres fueron ensartados. Nada en 1995 informaron ganar la mitad o más del ingreso familiar total, estaba fuera de los límites. lo que llevó al patrocinador del estudio a declarar: “Las mujeres son las nuevas proveedoras”. Las mujeres pioneras de los 90 fueron criticadas por una sociedad profundamente sexista. Por eso los recordamos como perras, no El avance de los noventa pareció basarse en los ochenta, una décomo víctimas del sexismo. cada de pioneros sagrados en diversos campos. Sally Ride viajó al espacio . Geraldine Ferraro consiguió la nominación a la vicepresiEl sesgo de la perra de los 90 es tan omnipresente, tan entretejido en dencia de un partido político importante. Alice Walker y Toni Morritodos los aspectos de la narrativa de los 90, que en realidad puede son ganaron premios Pulitzer por su ficción épica centrada en las ser difícil de detectar. Las historias de mujeres notables en los años mujeres. Madonna rompió barreras en la música , el entretenimiento 90 sugieren casi invariablemente que eran putas, putas, basura, mojiy la cultura popular. Por fin, el sueño de la igualdad de género se gatas, “erotomaníacas”, aduladores, idiotas, estafadores, cascanueces haría realidad. y súcubos. El sueño, como sabemos, no se realizó. Pero un vistazo rápido a Estos desprecios estaban tan arraigados en el diálogo cultural sobre las los años 90 sugeriría que las mujeres estadounidenses efectivamujeres que muchos de nosotros nunca nos hemos detenido a cuestiomente lograron un progreso significativo durante la década narlos. Hablé con más de cien mujeres sobre sus recuerdos de los 90, y la El feminismo cultural de los noventa también avanzó. El mayoría de ellas también internalizaron la perversidad de los 90. Las hismovimiento “Girl Power” prometió que el progreso de torias de mujeres de los 90 se han convertido en una mitología sexista, una las mujeres también llegaría a las niñas. Las subhistoria errónea que les quita el poder a las mujeres, tal como se pretendía culturas independientes definidas por fanzines, que hiciera. De hecho, las réplicas de la bitchificación de los 90 se propagan música, arte y sitios web creados por niñas a la sociedad contemporánea.

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amy lee De la música clásica al rock Sus influencias van desde música clásica a artistas modernos como Björk, Depeche Mode, Nirvana, Tori Amos y Plumb.

ació el 13 de diciembre de 1981 en Riverside, California en los Estados Unidos. Hija de John Lee, un DJ y personalidad de TV, y Sara Cargill. La familia de Amy son todos cristianos y tiene un hermano, Robbie, y dos hermanas, Carrie y Lori. Amy Lee tuvo una hermana menor que murió en 1987 a los 3 años de edad de una enfermedad no identificada. Se informó que las canciones «Even in death» del álbum Origin y «Hello» del álbum Fallen fueron escritas en honor a su difunta hermana, al igual que la canción «Like You» de The Open Door. Amy tomó clases de piano durante nueve años. Su familia se mudó a varios lugares, incluyendo Florida e Illinois, y finalmente se instalaron en Little Rock, Arkansas, donde Evanescence nació. Ella asistió a la Middle Tennessee State University a estudiar teoría musical y composición, y luego dejarlo para centrarse en Evanescence. En una entrevista con Lee dice que las primeras canciones escribió se llamaban «Eternity of the Remorse» y «A Single Tear». La primera la escribió cuando tenía once años de edad y quiso ser una compositora clásica, y la segunda cuando se encontraba en octavo grado.

Fallen es el único CD de Evanescence que debe considerarse “oficial“. El resto solo se trata de CDS demos, incluyendo Origin, que tiene todo el aspecto de un álbum pero que la banda niega admitir como tal; esto puede deberse a que solo fue lanzada a nivel local y en cantidades muy limitadas.

Amy Lee, 2000.

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Lee tiene un estilo reconocible, marcado por su uso ocasional de maquillaje gótico y el gusto por la ropa de estilo victoriano. Ella también diseña su propia ropa, incluyendo los utilizados en el video musical de «Going Under», el vestido que llevaba en los Premios Grammy de 2004, y el vestido usado para la portada de The Open Door. Después de diseñarlos, escogió al diseñador japonés h.NAOTO para hacerlo por ella. En los conciertos, lleva un corsé y medias de red, así como faldas largas y botas hasta las rodillas. Ella en un momento tenía un piercing en la ceja izquierda, como es visible en la portada de Fallen. Muchos fanes alaban la negación de Lee a imitar a otras celebridades que usan la «atracción sexual» en su música. En 2006 la revista Blender la listó como una de las mujeres más atractivas del rock junto con cantantes como Joan Jett, Courtney Love y Liz Phair.

Imagen izquierda Amy Lee en el escenario.

Imagen derecha El estilo único de Amy Lee.

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Evanescence Evanescence fue fundada por la cantante, pianista y compositora Amy Lee y el exguitarrista y compositor principal Ben Moody. Los dos se conocieron en 1994 en un campamento juvenil cristiano en Little Rock, en donde Ben Moody escuchó a Amy Lee tocando «I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That)» de Meat Loaf en el piano. El grupo ha utilizado nombres como «Childish Intentions» y «Stricken», hasta que Amy eligió la palabra «Evanescence». Bajo este nombre comenzaron a grabar en 1997 una canción llamada «Understanding», la primera de otras 8 canciones que formaron parte de su primer EP en 1998, Evanescence EP, del cual solo existen 100 copias originales. Un año más tarde, lanzaron otro EP llamado Sound Asleep (conocido también como Whisper EP), en el cual se incluía una nueva versión de «Understanding», además de la versión original de «Whisper». De este EP sólo se vendieron 50 copias originales en menos de 24 horas entre amigos y admiradores locales en Little Rock, según Bradley S. Caviness de Bigwig Enterprises. En 1999, por iniciativa de Moody, se sumó al grupo el teclista David Hodges, quien hasta su salida del grupo colaboró junto a Lee y Moody en la composición de las canciones y participó en algunos temas como vocalista de fondo. La incorporación de David Hodges al grupo coincidió con el inicio de la grabación del tercer trabajo de la banda, Origin. Con 11 canciones y 2 outtakes, Origin fue lanzando al mercado el 4 de noviembre de 2000 con una pequeña edición de 2,500 copias. En este disco se encuentran canciones como «My Inmortal», «Whisper» e «Imaginary», las tres incluidas en Fallen, su primer álbum de estudio.

Imagen izquierda Entrevista de Amy Lee acerca de Evanescence.

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De estas canciones, «My Immortal» fue la única que no sufrió inicialmente cambios en su producción; es decir, la versión de Origin y Fallen es la misma. Posteriormente, una versión remasterizada de «My Immortal» fue producida y utilizada para el video musical de este sencillo. El 22 de octubre de 2003, Moody dejó la banda citando «diferencias creativas». En una entrevista meses después, Amy dijo: «…Habíamos llegado a un punto en el que, si algo no cambiaba, no habríamos sido capaces de hacer un segundo disco.» También dijo: «Finalmente somos una verdadera banda, no sólo Ben [Moody] y yo y algunos otros puestos juntos.» El exguitarrista de Cold, Terry Balsamo, reemplazó a Moody en la banda, tanto en la guitarra como escritor junto a Lee. Durante una entrevista con la revista Spin en octubre de 2008, Lee señaló que estaba escribiendo nuevas canciones. Citando influencias de la música folk y la música celta, dijo que sus escritos actuales le hacen sentir que está regresando a sus «raíces más viejas». No dio fecha de lanzamiento, pero dijo su razón para este nuevo camino, «tengo que demostrar que soy más que un caballo que solo sabe hacer un truco.» Lee afirmó durante una entrevista con The Gauntlet en octubre de 2008 que no sabía si iba a comenzar una carrera en solitario, diciendo que estaba «en un punto donde no sé lo que pasará». Señaló que Evanescence todavía estaba como una banda, pero encontró que gira en una monotonía. Reiteró que seguiría escribiendo canciones, aunque no sabía aún cuál sería el propósito. El tercer álbum de la banda (homónimo) fue lanzado el 11 de octubre de 2011. El 6 de agosto de 2014 Amy Lee anuncia su nuevo y primer álbum como solista Aftermath que es la banda sonora para la película War Story.

Imagen derecha Amy Lee y Ben Moody.

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El álbum fue lanzado el 25 de agosto del mismo año. El 30 de septiembre de 2016, Amy lanza el disco de música infantil “Dream Too Much”, el cual llama mucho la atención de los críticos y fanes al representar un gran giro en su carrera. Lee explica que el disco es un proyecto dedicado a su hijo Jack Lion en el que estuvo involucrada su familia. En el 2000, Lee fue la vocalista invitada en dos de las canciones del ex-teclista de Evanescence David Hodges: «Breathe» (The Summit Church: Summit Worship) y la inédita «Fall Into You». También realizó los coros de «Missing You», una canción de Big Desmal de su álbum début Believe, y cantó los coros en dos canciones con el supergrupo The Damning Well, aunque su voz fue retirada de la versión final debido a problemas de sello discográfico. Colaboró con su novio en aquel entonces Shaun Morgan en la canción «Broken» del álbum de Seether Disclaimer II. La canción formó parte de la banda sonora de la película de 2004 The Punisher. En 2004, Lee afirmó estar trabajando en la música para el filme The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe, pero la música fue rechazada por el estudio por ser «demasiado oscura». Sin embargo, los productores de Narnia declararon que nunca se le preguntó a Lee si quería componer toda la música para la película, ésta fue escrita por Harry Gregson-Williams, y «no hay música de Evanescence planeada para la banda sonora». Si bien hubo cierta especulación que una de las canciones supuestamente había sido cortada y utilizada en varias pistas de The Open Door, Lee declaró que no era verdad salvo para aquella parte del que es utilizado para la última pista del álbum, «Good Enough». Lee se convirtió en el presidente estadounidense de Out of the Shadows en 2006. Esta organización es una fundación internacional que tiene como objetivo de proporcionar educación sobre la epilepsia.

Imagen central Evanescence.

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El hermano menor de Lee, Robby, fue diagnosticado de esta condición. También la cantante hizo una aparición breve en el video musical de Johnny Cash «God’s Gonna Cut You Down» a finales de 2006. A medida que cada celebridad aparece en la filmación se le permitió elegir lo que estaría haciendo para el video, Lee eligió aparecer dejando flores en una tumba. La escena fue grabada en el Iglesia de la Trinidad en Manhattan, en la que llevaba un abrigo de terciopelo negro que anteriormente pertenecía a Tim Burton. En febrero de 2007, MTV lanzó MTV Unplugged: Korn para TV y radio, donde Lee colaboró con la canción «Freak on a Leash». La canción fue lanzada como primer sencillo del álbum. En noviembre de 2007, VH1 produjo un falso documental del estilo de Behind the Music, titulado Rock Band Cometh: The Rock Band Band Story, para promocionar el videojuego Rock Band. Lee es una de las varias celebridades que hacen un cameo en el programa. En junio de 2008, National Music Publishers’ Association otorgó a Lee el 2008 Songwriter Icon Award, que «reconoce a compositores destacados por su logro personal». En septiembre de 2008 para Walt Disney Records fue lanzado Nightmare Revisited, en el que Lee canto una versión de «Sally’s Song». Este álbum contiene nuevo material y versiones de las canciones del soundtrack original de The Nightmare Before Christmas. Lee realizó interpretaciones en vivo de «Sally’s Song» durante la premier de Nightmare Before Christmas en Hollywood, California el 17 de octubre y para el 13 de octubre en The Tonight Show.

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brody dalle El punk Rock Con más de 20 éxitos en los Top 40 de las listas discográficas, es una de las pocas artistas de rock que ha mantenido una carrera como solista, al mismo tiempo formando parte de una banda muy exitosa.

ació el 1 de enero de 1979 en Melbourne, Australia. Era la cantante, compositora y guitarra de la banda de punk rock The Distillers. El padre de Brody es inglés y su madre es descendiente de polacos e italianos. Sus padres se separaron cuando ella era muy joven pero su madre se casó y tuvo otro hijo. La vida de Brody siempre fue difícil. Cuando era pequeña fue expulsada de cuatro escuelas y fue enviada a una institución católica para chicas. Las estrictas reglas de ese lugar no afectaron su comportamiento antisocial y autodestructivo, al contrario, lo incentivaron. En su adolescencia, Brody solía cortarse y tomar drogas (aunque en una entrevista con la revista The Face en 2004, negó tomar drogas habitualmente) intentando encontrar una salida para su ira. La inestable relación con su madre tocó fondo cuando en una pelea intentaron estrangularse una a otra en la cocina de su casa. Al final de su adolescencia, Brody formó una banda llamada Sourpuss, con la que consiguió varios fans y llegó a tocar junto con Beastie Boys y Sonic Youth en un festival en Somersault, Australia. Allí conoció a Tim Armstrong, cantante de la banda Rancid cuando tenía 16 años y se enamoraron casi instantáneamente. A pesar que Tim es 13 años mayor y que ella mintió sobre su edad, se casaron cuando Brody tenía 18 años. Se mudó con Armstrong de Melbourne a Los Angeles, California y fundó The Distillers.

Brody Dalle en Los Ángeles.

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The Distillers lanzaron su álbum debut homónimo en el año 2000, recibiendo elogios y comparaciones con Hole, con Dalle siendo comparada a menudo a Courtney Love y luego a PJ Harvey. Para la grabación de su segundo álbum Sing Sing Death House la banda tenía una nueva formación y en el momento de su tercer álbum Coral Fang Dalle era entonces el único miembro original restante. La banda experimentó éxito con varios sencillos del álbum y tocaron en el Lollapalooza. En 2001, Dalle también hizo un cameo en el video musical de New Found Glory «My Friends Over You» con su entonces esposo Tim Armstrong, así como Travis Barker y Rob Aston.

Imagen izquierda The Distillers.

Imagen derecha Brody Dalle para Sing Sing Death House

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Diploid Love es el álbum debut en solitario de Brody Dalle , líder de The Distillers y Spinnerette . La descarga digital se lanzó el 28 de abril de 2014 en los Estados Unidos y el 29 de abril en Canadá, seguida del CD y el disco de vinilo el 19 de mayo. El sencillo principal, “Meet the Fetus / Oh the Joy”, fue transmitido de forma gratuita en SoundCloud el 9 de febrero antes de ser lanzado a iTunes el 17 de febrero.

El 8 de agosto de 2008 se posteó en el blog de la banda que los fanes podrían escuchar la canción del nuevo álbum en el sitio oficial de la banda, llamada “Valium Knights”. Recientemente, Brody Dalle ha grabado canciones en vivo con Queens Of The Stone Age la canción titulada “Driving Song”. Su primer álbum de estudio, autotitulado Spinnerette, fue lanzado en Estados Unidos y el Reino Unido en el 2009, donde solamente se ha conocido un video oficial titulado “Baptized By Fire”.

Spirinette Después de la ruptura de The Distillers, Dalle comenzó a trabajar en un nuevo proyecto llamado Spinnerette con Alain Johannes de Eleven. El 11 de diciembre de 2008, la banda lanzó su primer EP titulado Ghetto Love, acompañado con un video dirigido por Liam Lynch. La banda firmó con Sire Records negociando su camino con el demo que salió en su página de internet llamado “Cause of the Swirls”. La banda firmó con Athem Records. A principios de 2008 el nuevo material de Spinnerette salió como libre descarga en su página de internet y en su sitio oficial del MySpace. El álbum completo salió el 17 de junio de 2009.

Brody Dalle, Spirinette

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Dalle también ha tocado en canciones de la banda Eagles of Death Metal bajo varios seudónimos y apareció en la canción «Weigh on My Mind» en el álbum de debut de Transplants en 2002. También ha realizado apariciones vocales en la canción «You Got a Killer Scene There, Man» de Queens of the Stone Age en su álbum de 2005 Lullabies to Paralyze y también apareció en la canción «Muppet N.A.M.B.L.A» de Leftöver Crack de su álbum de 2004 Rock The 40 Oz: Reloaded. En

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2009, hizo una aparición en la misma canción que su esposo, Josh Homme, en «Bargain Healers» del artista francés Nosfell en su álbum homónimo. En 2011, Brody Dalle participó en una canción de Boots Electric llamada «Boots Electric Theme».

Algunos títulos de canciones que se han mencionado son «Meet The Foetus», «I Don’t Need Your Love», «Dressed In Dreams» y «Carry On». El álbum fue producido por Alain Johannes y contó con apariciones de Shirley Manson de Garbage, Nick Valensi de The Strokes y Emily Kokal de Warpaint. Para promover el álbum, Dalle está programada para ser el acto soporte de Nine Inch Nails y Queens of the Stone Age en su gira por Australia y Nueva Zelanda en marzo de 2014.

En noviembre de 2012, Dalle anunció en Twitter que estaba trabajando en un álbum en solitario, con Alain Johannes y Michael Shuman de Queens of the Stone Age y Shirley Manson de Garbage. En noviembre de 2013, Dalle anunció que ella había firmado a Caroline Records una división de Universal Music Group con la intención de lanzar su álbum debut en principios de 2014.

El 11 de febrero de 2014, Dalle lanzó el primer sencillo de su álbum solista debut, Diploid Love, titulado «Meet The Foetus / Oh The Joy» con coros por Shirley Manson.

Brody Dalle en los escenarios.

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dolores o’riordan Una voz única y vibrante Con poco más de 20 años de edad se convirtió en la reconocida líder de The Cranberries.

olores Mary Eileen O’Riordan nació el 6 de septiembre de 1971 en Ballybricken, condado de Limerick. Era la menor de nueve hermanos, de los cuales dos, murieron en su infancia. Sus seis hermanos son Terence, Brendan, Donal, PJ, Joseph y Angela. u padre, Terence, era granjero, pero quedó imposibilitado para trabajar debido a una lesión cerebral causada por un accidente en motocicleta en 1968. Su madre, Eileen, era proveedora de alimentos para escuelas. Dolores estudió en la escuela Laurel Hill Coláiste FCJ de Limerick. En ese tiempo, los O’Riordan vivían en un área agrícola, en una casa muy pequeña, con tan solo dos habitaciones para los nueve integrantes de la familia. En el año 1974, con tan solo 3 años de edad, Dolores ya mostraba su amor por la música, ya que se la pasaba cantando en su casa, colegio e iglesia, que eran los lugares que más frecuentaba. En 1983, a los 12 años, Dolores escribió su primera canción, que tituló «Calling». Hablaba sobre su primer amor, un hombre mucho mayor que ella y que, además, era su profesor en el colegio. En la escuela, la pequeña Dolores siempre fue considerada como una niña rara y la apodaron The girl who writes songs (‘la chica que escribe canciones’). Nunca tuvo muchos amigos. Gozó de una infancia ampliamente influenciada por música religiosa, siendo seguidora del catolicismo comenzó su carrera cantando en iglesias, logrando popularidad en su ciudad natal. El pop formó una parte muy importante de sus gustos; le encantaba escuchar la música de grupos como Duran Duran y The Smiths, y admiraba a Sinéad O’Connor y a Patsy Cline.

Imagen central Dolores en los 90´s.

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The Cranberries Dolores entró a formar parte de The Cranberries en 1990, en sustitución del vocalista Niall Quinn. Pronto pasó a entrar en la parte creativa de la banda al componer canciones junto a Noel Hogan, guitarrista de la banda. El grupo se hizo mundialmente conocido con «Zombie», una canción que denunciaba la situación en Irlanda del Norte, región del Reino Unido que ha sufrido enfrentamientos armados entre católicos y protestantes durante décadas. Posteriormente conseguirían otros grandes éxitos con canciones como «Ode to My Family», «When you’re gone», «I Can’t Be with You», «Salvation», «Free to Decide», «Promises», «Animal instinct» y «Just my imagination», y varias más que fueron grandes éxitos; pero sus primeros pasos los dieron con «Dreams» y «Linger», clásicos de la música en inglés. Dolores O’Riordan comenzó su carrera con grandes enfrentamientos con la prensa sensacionalista británica, que la maltrató durante varios años, especialmente en 1996, cuando se dijo que Dolores sufría de anorexia. Tuvo una fractura en la rótula que la obligó a suspender la gira Free to decide world tour. La situación se resolvió cuando en 1999 publicó el disco Bury the Hatchet ( “Entierra el hacha de guerra”, modismo inglés que significa “hacer las paces”), título que dejaba bien claro su intención de partir desde cero. Sus canciones son muy autobiográficas. Uno de sus mayores momentos de fama lo tuvo cuando interpretó el «Ave María» de Schubert, con Luciano Pavarotti, en el concierto Pavarotti & Friends: Together for the children of Bosnia (1995), canción que posteriormente formaría parte de la banda sonora de la película La Pasión de Cristo (2004). En este concierto también cantó «Linger», junto a Simon Le Bon, del grupo Duran Duran, y el tema «Nessun dorma!» con todos los artistas, al final del concierto. Dolores firmó contrato con la compañía discográfica independiente Sanctuary Records, y lanzó su disco como solista en mayo de 2007.

The Cranberries en 1995.

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El álbum lleva por nombre Are you listening? Según las palabras de Dolores, este disco «es completamente diferente a The Cranberries. No habría escrito algo tan oscuro y personal como esto con los chicos». Dolores O’Riordan debió cancelar siete presentaciones debido a una enfermedad, terminando anticipadamente la gira, que incluyó Asia, Europa y América, sumando casi cincuenta presentaciones. El recibimiento de los hispanohablantes fue muy grato para ella, declara Dolores: «Tengo muchos recuerdos agradables. He prometido volver el próximo año a Sudamérica, a lugares como Argentina, Chile, Brasil, Perú. Me han dejado totalmente asombrada. Lamento mucho no haber venido antes con mis compañeros de siempre, The Cranberries». En junio de 2007, Sanctuary Records fue adquirida por Universal Music Group. Por esto, la promoción del segundo sencillo, «When we were young» de Are you listening? fue suspendida, aun cuando ya se había grabado el videoclip. Según Don Burton, no habían podido comunicarse con los representantes de Universal para intentar llegar a un arreglo. Cabe destacar su participación en la película Click: en la escena del casamiento del hijo de Adam Sandler en la película, Sandler y Kate Beckinsale bailan su canción de

El cuarto disco de The Cranberries, Bury The Hatchet (1999), es un título referente a las críticas que recibió en 1996 tras suspender la gira Free To Decide World Tour. En aquel entonces se rumoraba que sufría de anorexia, sin embargo, esto jamás se confirmó.

amor, «Linger», cantada por una banda y de vocalista, Dolores. En agosto de 2009, O’Riordan publicó su segundo álbum como solista, titulado No baggage, y su primer sencillo se tituló «The journey». Este nuevo álbum supuso una nueva inmersión en sus vivencias personales, con sonidos experimentales y con temas muy intimistas. Este mismo año se une con Andy Rouke y Ole Koretsky para sacar a la luz canciones con la banda D.A.R.K. Un día después de la publicación de No baggage, en una entrevista radiofónica, la cantante anunció el regreso de The Cranberries después de seis años y medio de inactividad. En la entrevista explicó que en el mes de noviembre empezaría la gira mundial en Estados Unidos y Europa. También se anunció un nuevo disco de la banda, titulado Roses, que se grabaría en los meses de abril y mayo de 2011, para ser lanzado finalmente en febrero de 2012. Sin embargo, en esta etapa el grupo se encontró con muchos problemas. En octubre de 2013 se dio a conocer la noticia que Dolores O’Riordan emprendía acciones legales contra su compañero Noel Hogan, coautor de la mayoría de canciones de la banda.

The Cranberries y su disco no need to argue.

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No obstante, el caso fue archivado en julio de 2015 y el motivo no fue divulgado. En abril de 2017 el grupo lanzó un nuevo disco, Something Else, consistente en versiones acústicas de los éxitos del grupo además de tres canciones nuevas. En adelante, siguieron trabajando en la grabación de un nuevo álbum, tarea que se interrumpió debido a la inesperada muerte de la cantante. En enero de 2019, un año después de la muerte de Dolores, los demás componentes de The Cranberries anunciaron el lanzamiento de un nuevo y último sencillo, All Over Now, la última canción que Dolores escribió y alcanzó a grabar en vida. Sin embargo, disponían de material suficiente procedente de las sesiones de grabación como para dar forma a un nuevo disco. De hecho, contaban con la parte vocal de 11 temas. Después de consultar con la familia de Dolores, decidieron terminar y publicar el álbum como tributo a la cantante. Vio así la luz In the End el 26 de abril de 2019, disco póstumo de la banda que, una vez finalizado su trabajo, se disolvió.

Imagen izquierda Dolores, 2005.

O’Riordan fue criada como católica. Ella guardó vestigios de su fe en su vida adulta, afirmando que había dejado cicatrices, que estaba «incrustada». Su madre es una católica devota que eligió el nombre de su hija en referencia a la Virgen de los Dolores.O’Riordan era también una gran admiradora del papa Juan Pablo II. Ella lo había visto durante su visita a Irlanda cuando tenía ocho años y cuando fue invitada a cantar para él en el Vaticano en 2001, lo describió como el momento más gratificante de su vida. «Me alegré de ver el interior del Vaticano», dijo. «Pero lo mejor fue llevar a mi madre a conocer al papa. Se quedó boquiabierta. Era encantador, muy santo. Pensé que realmente se preocupaba por los pobres y yo estaba loca por él».

Imagen derecha Dolores en sus últimos conciertos.

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con la familia. La investigación fue cancelada inesperadamente en esa fecha y reprogramada para el 6 de septiembre, día en que se anunció que su fallecimiento se debió a un accidente por ahogamiento en la bañera al haber ingerido una gran cantidad de alcohol previamente. El presidente irlandés Michael D. Higgins fue de los primeros en rendirle homenaje. Pronto empezaron a surgir tributos del mundo de la música, entre otros, los de Dave Davies (de The Kinks), Hozier, Ciro Pertusi, Kodaline, The Corrs o Bono (de U2) junto a Johnny Depp. El Taoiseach de Irlanda, Leo Varadkar, así como el presidente polaco Andrzej Duda también le rindieron homenaje. Posteriormente, los Avett Brothers grabaron un cover de la canción “Linger”. El 28 de enero, un coro infantil de Nueva York cantó la canción “Dreams” en memoria de O’Riordan. Entre los planes para su funeral estuvo un servicio religioso reservado para su familia y sus amigos más cercanos. Un acto de tres días con O’Riordan en cámara ardiente en un ataúd abierto se realizó del 20 al 22 de enero en la iglesia de San José en su pueblo natal, donde se escucharon sus canciones, mientras que fotografías de la cantante en los escenarios, y una con el papa Juan Pablo II, fueron ubicadas en las paredes.

También actuó para el papa Francisco en 2013 en el concierto anual de Navidad del Vaticano y dijo que si no hubiera tenido una vida como cantante, se habría convertido en misionera. El 15 de enero de 2018, con 46 años, la artista falleció de forma repentina en Londres, donde se hallaba realizando sesiones de grabación para una nueva versión de Zombie con la banda estadounidense de metal Bad Wolves. El lugar de su deceso fue en el hotel London Hilton on Park Lane, ubicado en el barrio Mayfair al occidente de Londres. La causa de su muerte no se hizo pública inmediatamente, aunque la Policía Metropolitana de Londres dijo que por el momento no se consideraba sospechosa. Los resultados de la autopsia se darían a conocer en abril, por el momento no se harían públicos y solo se compartirían

Foto Promocional para The Cranberries.

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El 23 de enero fue enterrada después de una misa en la iglesia católica de Saint Ailbe, en Ballybricken, condado de Limerick; comenzó con la canción Ave María, cantada por O’Riordan y Luciano Pavarotti. Al final del servicio se escuchó la canción de The Cranberries «When You’re Gone». Entre los asistentes a su entierro estaban su madre, Eileen, sus tres hijos, Taylor, Molly y Dakota, y el padre de estos, el exesposo de O’Riordan, Don Burton; su hermana, Angela, y sus hermanos Terence, Brendan, Donal, Joseph y PJ; los miembros de The Cranberries, Noel Hogan, Mike Hogan y Fergal Lawler; el exjugador de rugby Ronan O’Gara,53 y su novio Olé Koretsky. Dolores fue enterrada junto a su padre en Friarstown, condado de Limerick.

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lzzy hale La voz de Halestorm Conocida principalmente por ser la voz de la banda Halestorm, Lzzy Hale es una de las mejores voces de la época.

lizabeth “Lzzy” Hale ha estado componiendo y tocando música desde 1997, cuando tenía 13 años. Junto con su hermano pequeño, Arejay, empezó a tocar el piano a los 5 años de edad; más tarde, Lzzy se pasó al keytar y Arejay a la batería. Lzzy aprendió a tocar la guitarra a los 16 años. En 1999, los dos hermanos lanzaron un EP titulado Don’t Mess With the Time Man, marcando la primera aparición de Lzzy como artista de grabación y cantante principal. Siendo su primer disco Forecast For The Future grabado junto a sus padres el mismo año. Los dos hermanos comenzaron a aprender piano a temprana edad, Lzzy Hale comenzó con 5 años y posteriormente se dedicó al teclado y Arejay se inició con tan sólo 2 años en la percusión. Lzzy empezó a tomar clases de guitarra a los 16 años y luego los hermanos lanzaron su primer EP titulado (Don’t Mess With the Time Man) en el año 1999. En la primera presentación de Halestorm, el padre de Lzzy y Arejay tocaba el bajo antes de que Josh Smith se uniera al grupo en 2004 y el guitarrista Joe Hottinger se unió al grupo en el año 2003. El grupo firmó un contrato con Atlantic Records el 28 de junio de 2005 y publicó un EP en vivo titulado One and Done. Su álbum debut fue lanzado el 28 de abril de 2009 y la canción “I Get Off” fue el primer single del álbum, la cual sólo se transmitió en la radio. Tanto la canción y el video musical de su segundo single, “It’s Not You”, fue lanzado a finales de noviembre de 2009. A principios de 2010, la banda lanzó un video musical promocional de su canción “Love/Hate Heartbreak “.

Lizzy Hale en el escenario con Halestorm.

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El 16 de noviembre de 2010, Halestorm dio a conocer un CD/DVD en vivo titulado Live in Philadelphia 2010, que fue grabado en el TLA de Filadelfia a principios de 2010. A partir de diversos mensajes de Twitter, principalmente de Lzzy Hale, se supo que Halestorm estaba grabando demos para su próximo álbum.

En diciembre de 2009, Lzzy fue portada de la revista Revolver junto a la vocalista de la banda Landmine Marathon, Grace Perry, como una de las “Mujeres más sexies de la música metal”.

Halestorm es bien conocido por sus extensas giras, a menudo realizan hasta 250 conciertos al año. Desde 2006 se han realizado giras con muchos grupos de hard rock y heavy metal como Chevelle, Seether,

Lzzy Hale famosa por su sonido en la guitarra.

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Staind, Papa Roach, Trapt, Three Days Grace, Theory of a Deadman, Buckcherry, Disturbed, Shinedown, Avenged Sevenfold, Megadeth, Hellyeah y Heaven & Hell, entre otras. Desde entonces Lzzy no solo ha tenido éxito como cantante principal de Halestorm, sino que también ha colaborado con bandas famosas como Shinedown, Black Stone Cherry, Seether y Adrenaline Mob. El 21 de julio de 2010 tocó con su banda Halestorm la canción «Familiar Taste Of Poison» en el programa televisivo Late Night with Jimmy Fallon.

En 2012, en el Carnival of Madness Tour, tocó la canción de Halestorm «Break In» junto con la cantante de Evanescence, Amy Lee. En ese mismo evento interpretó en el Alter Bridge Fortress tour, «Watch Over You» con Myles Kennedy. El 24 de enero de 2012, Halestorm lanzó el EP Hello, It’s Mz. Hyde, un adelanto de cuatro canciones de su siguiente álbum de estudio. Su segundo álbum The Strange Case Of... fue lanzado el 10 de abril de 2012

Halestorm en un festival de musica.

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en EE.UU., 9 de abril en el Reino Unido y el 17 de abril en Italia. En mayo de 2012, Halestorm hizo historia por convertirse en la primera banda con una mujer al frente en colocarse en el número uno de la lista de Active Rock con su single “Love Bites (So Do I)”. En el mismo mes Gibson Guitars creó una guitarra signature de Lzzy Hale.En 2013, apareció en la versión de «Close My Eyes Forever» original de Lita Ford, incluida en el álbum homónimo de la banda Device liderada por el cantante David Draiman.

Lzzy se ha convertido recientemente en una de las muchas artistas que aparecen en el disco tributo al cantante Ronnie James Dio titulado Ronnie James Dio This Is Your Life, lanzado el 25 de marzo de 2014, con la canción número 5 del disco, «Straight Through The Heart».En 2014, Lzzy participó en la canción «Shatter Me» del disco “Shatter Me” de la violinista Lindsey Stirling. Asimismo, en 2014, en el CMA Music Festival, Lzzy y Eric Church cantaron a dúo el último hit de Eric, «That’s Damn Rock & Roll».

Halestorm.

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alanis morrissette

Now is the time

Con la frescura de los 22 años y el impulso de la cadena de videoclips MTV, una canadiense de pelo largo y sonrisa franca revolucionó la música.

lanis Nadine Morissette Feuerstein nació en Ottawa, Canadá, el 1 de junio de 1974. Es hija de dos profesores de una escuela militar: Alan Morissette, de origen franco-canadiense, y Georgia Feuerstein, de origen judeo-húngaro. Tiene dos hermanos, uno mellizo, llamado Wade, y otro mayor llamado Chad. De pequeña le gustaba el ballet y la música, y a los seis años comenzó a tomar clases de piano. A los once años participó en una emisión de televisión para niños llamado You can’t do that on television, de Nickelodeon. Ese mismo año escribió su primera canción, posteriormente lanzada como sencillo: «Fate stay with me», producido con el dinero ganado en el programa de TV. La voz de Alanis Morissette está considerada como mezzosoprano ligera con una extensión vocal de 2 octavas y media (C3-F#5). Alanis sorprendió después de usar su gran potencial en su disco Flavors of Entanglement, en el que alcanza una de las notas más bajas y altas de toda su carrera. Morissette grabó su primera demo llamada Fate Stay with Me, producida por Lindsay Thomas Morgan en Toronto, dirigida por Rich Dodson de la banda de rock clásico canadiense, Los Stampeders. En 1991 MCA Records Canadá lanzó el álbum debut de Morissette, Alanis, únicamente en Canadá. Morissette coescribió cada canción del álbum con su productor, Leslie Howe.

Alanis, 1992.

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El álbum fue certificado como platino, y su primer sencillo, “Too Hot”, alcanzó los veinte primeros puestos en RPM. Sus sencillos siguientes “Walk Away” y “Feel Your Love” ingresaron al top 40 de su país. La popularidad de Morissette, por su estilo de música y su apariencia, en particular su cabello, la llevó a ser conocida como la Debbie Gibson de Canadá;. Sus comparaciones con Tiffany también fueron comunes. Durante el mismo período, Morissette estuvo presente en los opinión de los conciertos del rapero Vanilla Ice. Morissette fue nominada tres veces en 1992 a los Juno Awards.

En 1992, lanzó su segundo álbum de estudio, Now Is the Time, que incluía baladas y letras más reflexivas. Morissette coescribió varias de las canciones del álbum con su productor, Leslie Howe y con Serge Côté. Al igual que su antecesor, fue lanzado sólo en Canadá y produjo los sencillos “An Emotion Away”, “No Apologies” y “(Change Is) Never a Waste of Time”. Fue un fracaso comercial, sin embargo, supuso una venta de un poco más de la mitad de las copias de su primer álbum. Tras esto, Morissette finaliza su contrato con MCA Records Canada.

Imagen izquierda Alanis para MTV.

Imagen derecha Concierto 1994.

Morissette debutaría mundialmente con Jagged Little Pill. De este álbum, con bases de música pop post-grunge, guitarras distorsionadas, baterías de pop y programaciones, surgió su primer sencillo: «You Oughta Know». Si bien con dicho sencillo se esperaba alcanzar ventas de apenas 250.000 copias, «You Oughta Know», comenzó a escucharse en

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las radios y discotecas de EE. UU. y el sencillo superó los 20 millones de copias, lo cual llevó a que MTV comenzara a pasar el vídeo de la canción sin parar. Posteriormente llegarían «All I Really Want» y «Hand in My Pocket», y más tarde su mayor éxito: «Ironic». La expresividad de su música despertó elogios por una parte de la crítica y dio lugar a un movimiento de seguidores repartidos por varios países. Obtuvo varios premios, entre ellos 4 Grammys: Álbum del año, Mejor álbum Rock, Mejor Interpretación femenina de Rock y Mejor canción de Rock. Además se alzó con tres premio Billboard al igual que discos de platino en varios países, y el disco de diamante por haber superado los 10 millones de copias en EE. UU. (16 millones en la actualidad). Con los lanzamientos del quinto y sexto sencillo, «You Learn» y «Head over Feet», Jagged little pill logró mantenerse dentro de los primeros 10 puestos del Top 200 de la Billboard por más de un año. Morissette a la edad de 21 años ya había superado las 32 millones de copias vendidas y realizó una gira mundial con más de 300 presentaciones, incluyendo países de Sudamérica. Gracias a esto, Jagged Little Pill logró posicionarse como el 12.° álbum más vendido de la historia y el segundo álbum más vendido de la historia por parte de una artista femenina solo superada por Come On Over de Shania Twain y The Bodyguard de Whitney Houston.

agged Little Pill vendió más de 43 millones de copias, por lo que es álbum debutante más vendido de cualquier artista en la historia.

Alanis Morrissette, ganadora de premios Billboard.

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La inspiración El éxito de Morissette es considerado como el disparador del crecimiento de muchas artistas femeninas, como Shakira, Tracy Bonham, Meredith Brooks, Patti Rothberg, Avril Lavigne, Marilina Bertoldi y Pink. Al terminar la gira, Morissette viajó a la India donde, entre otras lugares, visitó el hospital de la Madre Teresa de Calcuta. En su viaje también obtuvo la inspiración necesaria para la grabación del nuevo álbum. A su retorno, colaboró en los nuevos álbumes de Dave Matthews Band y Ringo Starr, participó en el festival por la liberación del Tíbet y formó parte de la banda de sonido de la película City of Angels, con la canción «Uninvited», que le llevó a ganar 2 premios Grammy más. En noviembre de 1998 salió a la venta su cuarto álbum: Supposed Former Infatuation Junkie. El disco presentaba un estilo roquero, post-grunge y más introspectivo, que se servía en sus nuevas canciones de arreglos orquestales, bases electrónicas, pianos y sintetizadores, y mostraba una inclinación por los sonidos folk y orientales. En este álbum, además de la armónica, Morissette tocó el piano y la flauta. Algunos de sus sencillos alcanzaron nuevamente los primeros puestos de las listas de éxitos: «Thank U» y «So Pure». Otros de los sencillos editados fueron «Unsent» y «Joining You». Si bien no alcanzó el éxito de su predecesor, Jagged Little Pill, el álbum vendió aproximadamente 9 millones de copias alrededor del mundo. Durante 1999 Morissette estuvo de gira - donde nuevamente visitó Sudamérica -, fue invitada a participar en el 30.º aniversario del Festival de Woodstock y dedicó también parte de su tiempo a participar en la película Dogma, interpretando a Dios, y haciendo una aparición en la banda sonora de la película con la canción «Still».

También colaboró en el proyecto The Prayer Cycle, de Jonathan Elias. A finales de 1999, Morissette editó un álbum acústico, Alanis Unplugged, que presentaba un recorrido íntimo por su producción adulta. Incluía también algunas canciones nuevas como «No Pressure Over Cappuccino» y la versión de The Police «King of Pain», todo ante el público reunido en la Academia de Música de Nueva York. El mismo contaba también con una destacada versión acústica de «That I Would Be Good», y se centraba en su voz y en sus arreglos musicales. Formó parte de la serie de conciertos de MTV, MTV Unplugged, y fue lanzado días después de que la cadena musical MTV televisara el show. Posteriormente el video de la mencionada «That I Would Be Good» entraría en rotación habitual de dicho canal musical.

Alanis Morrisette, 1995.

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A mediados de 2017, comenzó a trabajar en su próximo material de estudio. En agosto de 2017, en el podcast de Anna Faris Unqualified, Morissette reveló el nombre de una nueva canción llamada «Reckoning». A principios de octubre de 2017, en su propio podcast, detalló una nueva canción llamada «Diagnosis», en la que describe la depresión posparto. Más tarde, en un concierto tributo a Linkin Park en honor a Chester Bennington, fue invitada a interpretar «Castle of Glass» y una nueva canción suya llamada «Rest». En marzo de 2018, hizo una vista previa de otra nueva canción de su álbum llamada «Ablaze», dedicada a sus hijos. En agosto de 2019, reveló que estaba trabajando con Alex Hope y Catherine Marks en su próximo álbum aún sin título. Meses después confirmó oficialmente el álbum Such Pretty Forks in the Road en diciembre de 2019, a su vez estrenó «Reasons I Drink» y la canción «Smiling» durante una presentación en el Teatro Apollo de la ciudad de Nueva York el 2 de diciembre. A principios de 2020, aparece en el álbum Manic de Halsey con el tema «Alanis ‘Interlude». El 5 de febrero de 2020, reveló que su próximo álbum fue mezclado por Chris Dugan. El 16 de abril de 2020, Morissette anunció que el álbum sería pospuesto para una fecha posterior debido a la pandemia de COVID-19. También confirmó que el tercer sencillo del álbum sería «Diagnosis». El álbum Such Pretty Forks in the Road fue publicado el 31 de julio de 2020.

Imagen central Alanis Morrissette en concierto 1999.

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CAPÍTULO 8

s o l MILES S O D 173

â&#x20AC;&#x153;Making a final judgment Based on your bias will never bring you forward Terror should never guide you For even the fearful can take a beating in the endâ&#x20AC;? Epica - Martyr of the free world

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nuevo feminismo

tercera ola en Manifesta: Young Women, Feminism And The Future (2000), Jennifer Baumgardner y Amy Richards sugirieron que el feminismo podría cambiar con cada generación e individuo: El hecho de que el feminismo ya no se limita a los ám-

Nacidas en las décadas de 1960 y 1970 como miembros de la Generabitos en los que esperamos a verlo, tal vez significa que ción X y basadas en los avances de los derechos civiles de la segunda las mujeres jóvenes de hoy realmente han cosechado ola , las feministas de la tercera ola abrazaron el individualismo y la lo que el feminismo ha sembrado. Criadas después del Título IX y William Wants a Doll, las mujeres jóvenes saliediversidad y buscaron redefinir lo que significaba ser feminista

ron de la universidad o la escuela secundaria o dos años de matrimonio o su primer trabajo y comenzaron a desafiar odría decirse que el mayor desafío al feminismo de la parte de la sabiduría recibida de los últimos diez o veinte tercera ola fue que los logros del feminismo de la seaños de feminismo. No estamos haciendo el feminismo de gunda ola se daban por sentado y no se entendía la importanla misma manera que lo hicieron las feministas de los secia del feminismo. Baumgardner y Richards (2000) escribieron: “ tenta; ser liberado no significa copiar lo que vino antes, sino o cualquier persona nacida después de principios de la década encontrar el propio camino, un camino que es genuino para de 1960, la presencia del feminismo en nuestras vidas se da por la propia generación. sentada. Para nuestra generación, el feminismo es como el flúor. Apenas nos damos cuenta de que lo tenemos, es simplemente en Las feministas de la tercera ola utilizaron narrativas personael agua “. les como una forma de teoría feminista. Expresar experiencias personales dio a las mujeres un espacio para reconocer que no Básicamente, la afirmación era que la igualdad de género ya se estaban solas en la opresión y discriminación que enfrentaban. había logrado, a través de las dos primeras oleadas, y los nuevos El uso de estas cuentas tiene beneficios porque registra datos intentos de impulsar los derechos de las mujeres eran irrelevantes personales que pueden no estar disponibles en los textos históe innecesarios, o tal vez incluso empujaron el péndulo demasiado ricos tradicionales. lejos a favor de las mujeres.

La ideología de la tercera ola se centró en una interpretación más postestructuralista del género y la sexualidad. Las feministas postestructuralistas vieron binarios como hombre-mujer como una construcción artificial creada para mantener el poder del grupo dominante. Joan W. Scott escribió en 1998 que “los postestructuralistas insisten en que las palabras y los textos no tienen significados fijos o Por lo tanto, el feminismo de la tercera ola se centró en la concienintrínsecos, que no existe ciación : “la capacidad de uno para abrir la mente al hecho de que la una relación transparente dominación masculina afecta a las mujeres de nuestra generación, o evidente entre ellos y las es lo que necesitamos”. ideas o las cosas, no hay correspondencia básica o últiLas feministas de la tercera ola a menudo se dedicaban a la ma entre el lenguaje y el “micropolítica” y desafiaban el paradigma de la segunmundo”. da ola sobre lo que era bueno para las mujeres. Los defensores del feminismo de la tercera ola dijeron que permitía a las mujeres definir el feminismo por sí mismas. Al describir el feminismo de Este problema se manifestó en los acalorados debates sobre si la acción afirmativa estaba creando igualdad de género o castigando a los hombres blancos de clase media por la historia biológica que habían heredado.

Marchas a favor del aborto, 2004.

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Karen O Yeah yeah yeahs Considerada por muchos como la Reina del Rock n’ Roll y Madrina del Punk, Joan Jett, logró sobresalir en una industria meramente dominada por hombres.

aren Lee Orzolek (Corea del Sur, 22 de noviembre de 1978), más conocida como Karen O, es la vocalista y líder del grupo de indie / garage punk Yeah Yeah Yeahs. Su padre es un polaco y su madre una mujer coreana. Se mudó a Estados Unidos, donde creció en Englewood, Nueva Jersey. Asistió a la Universidad Oberlin, pero se transfirió a la Universidad de Nueva York, donde estudió en la Tisch School of the Arts. Karen O. es mejor conocida por ser la líder y vocalista de Yeah Yeah Yeahs. También se ha destacado por su sentido de la moda, con trajes extravagantes diseñados por su amiga Christian Joy. A principios de su carrera era aclamada por el público por su manera de ser en el escenario. Karen O y Brian Chase se conocieron como estudiantes en la universidad de Oberlin College en Ohio en los últimos años de los 90’s cuando Chase era un estudiante de Jazz. Tiempo después Karen se trasladó a la universidad de Nueva York y fue en un bar local donde conoció a Nick Zinner donde formaron una conexión instantánea. ron siendo teloneros de bandas como The Strokes y The White Stripes, ganando gran público por su carismática vocalista y su desempeño sobre el escenario.

Karen O y Nick Zinner formaron un dúo acústico llamado “Unitard” pero decidieron tomar un camino más punk por la escena que sucedió en ese tiempo en Ohio. Tocaron algunas canciones, pero el baterista se retiró y fue cuando Karen O llama a Brian Chase para integrarse a la banda. El nombre de la banda fue inspirado en que muchos neoyorquinos, al momento de contestar, respondían con “Yeah Yeah”. En el primer ensayo, escribieron muchas canciones y, rápidamente, termina-

A finales del 2001, los Yeah Yeah Yeahs, lanzaron su EP homónimo debut. Y, fue a principios del 2002, que la banda entró en mundos internacionales, apareciendo en South by Southwest, recorriendo los Estados

Karen O en los escenarios.

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En 2010, la revista Rolling Stone, clasificó “Maps” en el lugar 386 dentro de “Las 500 mejores canciones de todos los tiempos”. El vídeo de “Y Control” fue dirigido por Spike Jonze. En el 2004, la banda lanzó su primer DVD Tell Me What Rockers to Swallow. El DVD, incluye un concierto grabado en The Fillmore en San Francisco, todos los vídeos de la banda y varias entrevistas. En noviembre de 2009, NME colocó al disco Fever to Tell en el N.5 de los mejores álbumes de la década. Su segundo álbum, Show Your Bones, fue lanzado el 28 de marzo de 2006. Karen O, confesó que este álbum es lo que sucede cuando uno coloca su dedo en un enchufe para la luz, acreditando al niño maravilla Drake Barrett de 9 años de edad. El primer sencillo del álbum es “Gold Lion”, y fue lanzado el 20 de marzo de 2006, alcanzando el número 18 en la lista de popularidad del Reino Unido. Se ha señalado que “Gold Lion” suena muy similar a “No New Tale To Tell”, de la banda alternativa Love and Rockets. La banda, estuvo de gira por Europa y Estados Unidos durante gran parte del 2006 y, también, por varios países de Latinoamérica, como México, Argentina, Chile.

Unidos y Europa e interpretando su propia gira por el Reino Unido. Durante estos principios, se les apodaba como los salvadores del punk. En 2003, la banda lanzó su álbum Fever to Tell, que recibió gran cantidad de comentarios positivos y admiración por parte de industrias musicales, vendiendo más de 750,000 copias en todo el mundo. Su tercer sencillo, “Maps”, se reprodujo de manera brutal por todas las estaciones de radio alternativas internacional.

Karen O en sesión de moda.

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En diciembre de 2006, el álbum fue nombrado el segundo mejor álbum del año por la revista NME, así como “Cheated Hearts” que fue votado por el público como la mejor canción, quedando en el puesto número 10. La revista Rolling Stone, lo nombró el álbum número 44 entre los mejores 100 del 2006, mientras que la revista Spin, lo alineó en el número 31 de sus 40 mejores álbumes. El siguiente álbum del trío Neoyorquino, fue lanzado en abril de 2009 y lleva por nombre It’s Blitz!.

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Un sonido diferente El grupo, hablo sobré su nuevo material, diciendo que sonaban diferentes a sus anteriores trabajos, pero que todavía son los Yeah Yeah Yeahs. Se tenía previsto lanzarlo el 13 de abril, pero después de una filtración en Internet el 22 de febrero, el sello de la banda, Interscope, adelanto la fecha de salida para reducir el impacto en línea. El álbum cuenta con tres sencillos: “Zero”, la cual es descrita como la mejor canción para abrir un álbum. “Heads Will Roll” y “Skeletons”. It’s Blitz!, fue nombrado como el segundo mejor álbum del año por la revista Spin y el mejor tercer álbum del 2009 por la revista NME, junto con “Zero” y “Heads Will Roll”, que aparecen como las mejores canciones del año. Karen ganó el premio como la mujer más sexy sobre el escenario de Spin en el 2004 y 2005. En el 2006 fue declara como la mujer más sexy del Rock por Blender. En 2007 Karen es colocada en la posición número 3 entre las mejores mujeres del Rock de Spin y en el 2010 ganó un premio como la mujer más caliente de la música de la Revista NME. Fue nominada a un Golden Globes por la banda sonora de la película Donde viven los monstruos y también fue nominada en Chicago Film Critics Association Awards. El 10 de diciembre de 2006, un álbum casero titulado The KO At Home se filtró accidentalmente en Internet. El álbum, originalmente era un regalo personal a Dave Sitek de la banda de TV on the Radio de Nueva York, fue descubierto dentro de una maleta de Dave Sitek dejado en un cuarto de Hotel en Nueva York. Rápidamente se filtraron en Internet las 14 pistas del disco y un escaneo de la portada del disco: Una fotografía de Karen O, con un poema de Oscar Wilde escrito en la parte posterior de la fotografía.

Karen O es tambien conocida por su estilo e influencia en la moda.

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En el 2009 contribuyó en coros, gritos de animales y diferentes sonidos en las canciones Gemini Syringes, I Can Be A Frog y Watching the Planets de la banda The Flaming Lips. En 2011 presto su voz a la canción Pinky’s Dream de David Lynch. En el 2012 colaboró con el grupo experimental Swans con la canción Song for a Warrior. También presta su voz en la canción GO! en Santigold’s. En el 2009, Spike Jonze lleva la pantalla grande el libro infantil Donde viven los Monstruos donde Karen O. junto a Carter Burwell realizan todo el soundtrack de la película llevándola a ser nominada a un Golden Globes y un Grammy. Tim Burton en el 2012 llama a Karen O para que se integre en la banda sonora de la película Frankenweenie colaborando con la canción Strange Love.

Además de su aportación paa la película Frankenwinnie, Karen O anteriormente ha colaborado en temas para diversos soundtracks de peliculas como en las cintas Where The Wild Things Are y The Girl With The Dragon Tattoo, entre otras.

También ha tenido diferentes participaciones musicales en otras películas, como en Jackass 3D y en la película The Girl with the Dragon Tattoo con una versión de la canción Immigrant Song de Led Zeppelin junto a Trent Reznor. Su última participación en película fue con versión The moon song para Her (Ella) de Spike Jonze, siendo nominada al Oscar 2014 como mejor canción original. En octubre del 2012, Karen O. lanza a la luz lo que bien podría ser un nuevo álbum como solista, sin embargo, declaró que era una representación de su vida. Stop The Virgens es una Ópera prima donde Karen O desde el 2007 lleva escribiendo canciones en secreto pero es hasta el 2012 donde se anima a darlas a conocer junto a su amigo K.K. Barrett. Karen declaró que esta Ópera prima es una representación de su vida, de lo que le ha pasado desde que se integró al mundo de la música. Este trabajo solo se pudo observar en la Ópera de Sídney. Es una persona alejada de los medios de comunicación, al igual que su banda Yeah Yeah Yeahs; es rara la ocasión en la que dan entrevistas o hablan de sus vidas privadas y cuando lo hacen es por medio de teléfono o revistas. Sin embargo, se sabe que Karen O. le escribió la canción Maps a su exnovio Angus Andrew donde le pedía que no la dejara, muchos críticos dicen que Maps es el significado de My Angus Please Stay (Mi Angus por favor quédate) pero Karen no ha declarado nada. También estuvo en una relación con el productor Spike Jonze. Actualmente está casada desde 2011 con el director Barnaby Clay.

Karen O, 2006.

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simone simons EPICA Con una de las voces más increíbles en la música, Simone Simons se ha convertido en una de las cantantes más reconocida en la nueva escena del metal.

imone nació en Hoensbroek una ciudad neerlandesa en el municipio de Heerlen al sureste de la provincia de Limburgo.

Hija de Cecile y John Simons, tiene una hermana dos años menor, llamada Janneke que nació el mismo día que ella. Sus intereses por la música comenzaron a temprana edad, alrededor de los 9 años. Empezó tocando instrumentos como la flauta mientras se iniciaba como cantante, a los 14 años tomó clases de canto del género pop y jazz. A los 15 años escuchó el álbum Oceanborn de Nightwish y quedó fascinada con el estilo del grupo, por lo que comenzó a estudiar canto clásico. Ella posee un rango vocal de mezzosoprano aunque ha experimentado mucho su voz desde el lanzamiento del álbum The Divine Conspiracy. En 2016 la revista estadounidense Revolver posicionó a Simone en el puesto No.11 de las mujeres más sexys del Hard Rock y Heavy Metal. Simone Simons se unió a la banda Epica en 2002 y en ese momento ya estaba de novia con Mark Jansen (compositor, guitarrista, coros guturales y el escritor de la mayor parte de las letras de Epica), pero la relación terminó debido a que ya no había confianza mutua y desde el año 2005 mantiene una relación amorosa con el teclista de Kamelot (Grupo con el cual hizo una colaboración en 2005) Oliver Palotai, quién también reemplazó al tecladista de Epica Coen Janssen en el Design Your Universe World Tour.

Imagen central EPICA, 2006.

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La sinfonía y el metal Simone reconoce que no ha participado en ninguna audición de música clásica, pero que tampoco le importaría, ella indicó: “Mi profesor de canto tiene un coro y salieron dos conciertos para Navidades y me pidió que le echara una mano, pero nunca he cantado nada de ópera, ni clásica, ni nada parecido. Si alguna vez surgiera algo así y tuviera tiempo para hacerlo lo haría, pero por ahora tengo el tiempo ocupado con Epica”. También desveló en una entrevista realizada en el primer DVD de Epica We Will Take You With Us, que nunca le gustó el jazz y que la música clásica es lo que ella adora. Epica es una banda neerlandesa de metal sinfónico y de Opera ,fundada en el año 2002 por el compositor, guitarrista y vocalista Mark Jansen después de su salida de After Forever. Su música mezcla la voz mezzosoprano de Simone Simons acompañada con guitarras melódicas y contundentes, usando voces guturales, orquestas, coros, y en ocasiones letras y pasajes en latín, con un concepto filosófico en sus canciones. El estilo de la banda también muestra sonidos cercanos al metal progresivo que han mejorado significativamente en los últimos discos, encontrando así por ellos mismos, el propio estilo de su música. En 2003 la banda lanzó su álbum debut The Phantom Agony, bajo el sello discográfico Transmission Record. En 2005 su segundo álbum Consign to Oblivion fue lanzado y debutó en el No. 12 en las listas de ventas Neerlandesas. Su tercer álbum de estudio The Divine Conspiracy debutó en el No. 9 en Países Bajos y fue lanzado bajo el sello discográfico Nuclear Blast, debido a que la anterior firma se declarara en quiebra.

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La primera parte del CD es sobre el lado malo del alma de los seres humanos, ya sabes: la gente que es avara, que cae en adicciones a drogas, todas las fallas que cometemos los humanos, y esta persona muere asesinado porque tiene una fuerte opinión sobre el islam. Hay una canción, la balada, “Safeguard to Paradise”, que trata de esa persona, Theo van Gogh, que era una persona muy agradable, pero hablaba de más».

Con motivo del lanzamiento del tercer disco de estudio de la banda neerlandesa, The Divine Conspiracy, Simone reveló, en una entrevista en la página web Live4metal, que se trataba de un álbum conceptual basado en historias reales. Simone desvela que «tiene algo que ver con la religión. Es sobre Dios, él tiene pruebas para la humanidad, él crea muchas religiones con diferentes dioses, y al final es para darnos cuenta de si la gente en verdad es consciente de que todo se trata de una sola cosa: hay un dios, todos los que aspiran a un dios diferente es, a fin de cuentas, lo mismo.

En el 2008 tuvo un recital en Miskolc junto con la banda donde pudo cantar temas clásicos y también temas de pico kameloot arreglos de orquesta, a lo cual Simone aseguró que fue “el mayor proyecto musicalmente hablando para nosotros.

Entonces, de alguna manera todas las religiones tienen similitudes y es solamente una religión grande, y la gente la adaptó al transcurrir los años. Cada canción y todas y cada una de ellas tienen algo que ver con el concepto. Hay un personaje principal que está pasando por la vida y se topa con diferentes tipos de religiones, y vive también los aspectos malos sobre ello y también los aspectos buenos.

Normalmente no tocamos con una orquesta real y tenemos los arreglos que están en el álbum sobre pistas de fondo. Ahora todo se fue y tuvimos que escuchar cuidadosamente a la orquesta. El sonido de la orquesta real y lo que nosotros usamos para tocar es muy diferente y tuvimos que poner un poco más de atención.

EPICA para su disco The Divine Conspiracy.

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y exhibiéndose en salas de cine por algunos países de Europa. La banda lanzó su sexto álbum de estudio titulado The Quantum Enigma en marzo de 2014 siendo el primero con el bajista Rob van der Loo, el álbum se posicionó en el No.4 de los charts de Países Bajos siendo el más exitoso de la banda hasta el momento. En junio de 2015 la agrupación anunció su propio festival llamado Epic Metal Fest en el cual participaron diferentes bandas de la escena del metal, el mismo año Epica recibió el premio Music Export Award por ser la banda de metal holandesa con el mayor éxito internacional en los últimos años. Roy Khan, exvocalista de Kamelot, participa en uno de los temas de Consign to Oblivion, y Simone hizo lo propio participando en un tema de Kamelot. Simone aseguró que “conocíamos su música antes de que Epica existiera, y utilizaron el mismo estudio que nosotros para grabar su último disco. Nosotros habíamos cambiado el nombre del grupo a Epica justo cuando ellos estaban grabando su disco llamado Epica. Fue grandioso estar en el escenario con tantos músicos. La música cobro vida y fue un sentimiento mágico. Para mí el interpretar las canciones clásicas fue también muy especial ya que yo tengo entrenamiento clásico, pero nunca les mostré a los fanes de Epica lo que puedo hacer”. Su cuarto álbum de estudio Design Your Universe se lanzó en 2009, y fue un éxito comercial y tuvo una excelente recepción por parte de la crítica y de los fanes, el álbum debutó en el No.8 de las listas de ventas en Países Bajos y entró en las listas de ventas en la mayoría de los países de Europa, más tarde la banda realizó una gira mundial Design Your Universe World Tour que constó de aproximadamente 200 espectáculos. Su quinto álbum de estudio Requiem for the Indifferent fue lanzado en 2012, y con más de 5,000 copias la banda hizo su debut en el conteo más importante de Norteamérica el Billboard 200, el álbum entró en más de veinticinco charts en todos el mundo incluyendo Japón. pica se ha convertido en una de las bandas más importantes en su género, también es una de las bandas más populares del metal sinfónico. En marzo de 2013 celebraron el 10.º aniversario en el Klokgebouw de Eindhoven, Holanda llamado Retrospect, en noviembre del mismo año el show fue lanzado en DVD debutando en la posición No.7 en Holanda

Concierto de EPICA.

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Aparte de haber sacado su nombre de un álbum grabado por la banda Kamelot, la vocalista Simone Simons es esposa del tecladista del grupo, Oliver Palotai, a quién se involucró sentimentalmente desde el 2005. En ese año la vocalista hizo una colaboración con el grupo Kamelot en el tema The Haunting.

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Desde entonces hemos tenido ese vínculo con ellos y a las dos bandas nos ha venido bien porque gente que los conocía a ellos y a nosotros no, se fijó en nosotros, y viceversa. A veces ha habido gente que se ha confundido debido al nombre tras el disco de Kamelot y gente que llevaba la camiseta de Kamelot de ese disco pensando que en realidad

llevaba una camiseta de Epica, pero desde aquel momento Kamelot supieron de nuestra existencia”. Además de Epica, actualmente trabaja en un proyecto de jazz llamado Sons of Seasons junto a Oliver Palotai. Ha colaborado con la banda Primal Fear, prestando su voz en la canción Everytime It Rains, primer dueto en la historia de la banda germa-

EPICA 2009

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na. Dentro de sus participaciones figura su voz en Aina y Ayreon en su canción “Web Of Lies”. También colaboró en la Ópera Rock Equilibrio de la banda Xystus con el papel de Lady Sophia. Recientemente aportó con su voz al nuevo disco de la banda Kamelot en algunas canciones y la mayoría de los coros.

Imagen izquierda Simone Simons.

Imagen derecha EPICA 2013.

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angela gossow Los guturales Angela Gozzow ha dejado su marca en la historia de la música con su entrega y talento tanto en Arch Enemy y sus otros proyectos personales.

ngela Nathalie Gossow (nacida el 5 de noviembre de 1974) es una vocalista alemana, mejor conocida como la ex vocalista principal de la banda sueca de death metal melódico Arch Enemy. Sus otras bandas anteriores incluyen Asmodina y Mistress. Angela Gossow nació de padres cristianos ortodoxos en Colonia, Alemania, y tuvo tres hermanos. Cuando tenía 17 años cuando sus padres se divorciaron. Surgieron más problemas financieros cuando su negocio quebró. Ser anoréxica y bulímica aumentaba aún más sus males. Fue en este momento que decidió mudarse de casa y unirse a la banda de metal Asmodina. Después de graduarse, se incorporó a una empresa de publicidad como aprendiz, especializada en marketing. Simultáneamente comenzó a estudiar economía. En 1997, la banda Asmodina se separó y Gossow formó otra banda: Mistress. Gossow es una de las primeras entre un pequeño número de mujeres en liderar como vocalista de death metal. Tiene un rango vocal de mezzosoprano, con un gruñido de muerte. Ella usa gritos de cuerda falsa. Sus principales influencias son Jeff Walker de Carcass, David Vincent de Morbid Angel , Chuck Billy de Testament , John Tardy of Obituary , Chuck Schuldiner of Death , Dave Mustaine de Megadeth y Rob Halford de Judas Priest . Gossow se describe a sí misma como una persona ambivalente que ama lo extremo y quien gozó de una niñez salvaje y maravillosa con tres hermanos en el campo, hasta que decidió convertirse en una ado-

Angela Gossow.

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lescente enojada que con tan sólo 16 años de edad logró, en sus propias palabras: «disgustar perfectamente a mis altamente cristianos padres».

En 1997 Asmodina se desintegró y fundó su propia banda, Mistress. Fue entonces que empezó a escribir para una revista de música en línea que abarcaba el rock y el metal, lo que le dio la oportunidad de conocer en una entrevista a la banda Arch Enemy durante su gira Burning Bridges de 1999 en Bochum, Alemania.

En 1991 se incorporó a su primera banda de death metal: Asmodina. El matrimonio de sus padres al igual que su negocio se fue a la bancarrota. Poco después y con sólo 17 años de edad huyó de su casa. Debido a estos eventos y al alto nivel de alienación que vivía en la escuela, Angela comenzó a sufrir graves trastornos alimenticios como lo son la anorexia y bulímia. Malestares a los cuales ha superado por completo.

Arch Enemy es una banda sueca de death metal melódico formada en Halmstad en 1995. En sus inicios exploró el death metal original, pero sufrió una transformación musical después del cambio de integrantes que tuvo, y comenzó a hacer un death metal más melódico, que sigue haciendo actualmente. Sus letras hablan de rebelión y suelen criticar a la sociedad y a la religión cristiana La banda es procedente de Suecia, formada en 1996 por el guitarrista Michael Amott junto al vocalista Johan Liiva. La banda ha publicado diez álbumes de estudio, dos en directo, tres EP y dos DVD. La banda fue originalmente liderada por Johan Liiva.

Imagen izquierda Angela para una revista en el 2003.

Imagen derecha Concierto de Arch Enemy.

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Arch Enemy

Poco después, justo antes de su primera gira por Japón, perdió su voz por gritar sin la técnica adecuada, le diagnosticaron nódulos por lo que tuvo que tomarse un descanso de 6 meses y volver a aprender las técnicas de gritar, hablar y respirar.

Gossow quien siempre estaba en busca de una oportunidad para su banda, aprovechó esta ocasión para darle un demo de Mistress a Christopher Amott. Los chicos de la banda quedaron sorprendidos al escuchar su voz, y Chris guardó el demo.

Angela Gossow tocó el acordeón durante 6 años y la guitarra durante un par de años, es zurda y vegana, debido en gran parte a su alergia a los lácteos. Amante de la lectura, películas, el arándano, los anacardos, ensaladas, bagels y las «space cookies» (galletas con marihuana).

En el otoño del año 2000, Arch Enemy estaba buscando un vocalista para reemplazar a Johan Liiva, por lo que preguntaron a Gossow si estaría interesada en audicionar para la banda, a lo que Angela contestó con un rotundo: «¡FUCK YES!» Unas semanas más tarde se encontraba en el estudio Fredman grabando su primera canción, Enemy Within, era noviembre del 2000 y Angela Gossow se convirtió en la nueva cantante de Arch Enemy, después de renunciar a su trabajo y sus estudios de economía.

Se proclama como no creyente y en contra de la religión organizada. Cree en el amor, en la responsabilidad y no cree en los hombres políticos, sin embargo, vota. Le asustan las pérdidas, la muerte, la guerra, el terror y el crimen, pero dice que no le asustan las arañas. Gossow proporciona la voz para el personaje recurrente Lavona Succuboso en el

Arch Enemy en concierto.

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Dejó la banda en marzo de 2014 para dedicarse a otros intereses. Angela también es mánager de Amaranthe desde 2018. Hicieron algunos pasos enormes desde entonces (Firmar con Nuclear Blast, The Great Tour con Sabaton y también ha colaborado con la banda en su canción Do or Die de su nuevo álbum Manifest, el cual fue lanzado el 2 de octubre de 2020. Angela Gossow ha sido franca y muy abierta con sus puntos de vista durante toda su carrera, reflejándolos generalmente en la letra de sus canciones. Ella es atea y políticamente se considera una anarquista verde liberal , pero vota “para asegurarse de que la derecha no obtenga su voto”. Gossow es vegano por razones de salud, éticas y ambientales. Ella Vapes cannabis y lo acredita para una mejora significativa en su asma , y ha apoyado su legalización. Gossow es abstemio y no fumador.

programa de televisión animado Metalocalypse. Según una entrevista con Musiikki TV en el Frostbite Festival 2009, Gossow hizo la voz invitada en el álbum Demonized de Astarte, en la canción “Black at Heart”. Gossow aparece en el segundo DVD de Melissa Cross, The Zen of Screaming 2, lanzado por Melissa Cross. ¡Además de aparecer en las portadas de muchas de las principales revistas, también fue votada como “mejor cantante” y “estrella brillante” en el Burrn! premios de la revista en 2002. Desde 2008 ha sido directora de Spiritual Beggars. Gossow expresó recientemente su interés en comenzar un nuevo proyecto de metal extremo en 2018 después del ciclo de gira de Arch Enemy para Will to Power, diciendo: “Sí, quiero hacer un nuevo proyecto de metal extremo, pero esto sucederá después de Arch Enemy y trabajar con Alissa [White -Gluz] concluirá y el mundo entero navegará en aguas más tranquilas. Supongo que será en 2018, cuando concluyamos la primera serie de recorridos y todo lo demás. Lo haré cuando llegue el momento”.

Arch Enemy, 2007.

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Mike Amott quería un sonido más rápido y directo, una voz más demoníaca, y por supuesto lograr abrirse en el mercado occidental; y qué mejor al ser unas de las pocas bandas de death metal melódico con una mujer en la voz. Así, con estos cambios de formación, entran a grabar su nuevo trabajo, Wages of Sin, que vería la luz en abril de 2001.

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Candace KUCSULAIN Walls of Jericho Con su carrera musical y sus participaciones en concursos de levantamiento de pesas, Candace Kucsulain es una de las mujeres mas rudas de la escena.

andace Ryan Kucsulain nació en Anchorage, Alaska, Estados Unidos, el 2 de agosto de 1980 y actualmente es una músico estadounidense. Conocida mayormente por su nombre de matrimonio Candace Puopolo, es la vocalista de la banda de metalcore Walls of Jericho. Kucsulain desde joven se sintió atraída por la música, cantando dos años en una banda de death metal/metalcore llamada Apathemy. Metalcore es un género musical que mezcla elementos del hardcore punk con el metal extremo. El término, es un acrónimo de heavy metal y hardcore punk. Al parecer el término obtuvo su significado actual a mediados de los años 1990 (para describir a bandas como Earth Crisis, Deadguy e Integrity), las bases del género fueron establecidas en los inicios de 1989 con el trabajo de Integrity.

With Devils Amongst Us All es el tercer álbum de estudio de la banda de metalcore Walls of Jericho. El primer vídeo del álbum publicado fue “A Trigger Full Of Promises”, que también ha llegado a ser su canción más conocida.

La fusión del metal con el hardcore ya había existido años antes en diferentes formas, como el crossover thrash con una mayor influencia del hardcore punk (también conocido como hardcore «de la vieja escuela») y el thrash metal de finales de los años 1980. El metalcore se distingue de otras fusiones del punk metal por su énfasis en los breakdowns: lentas e intensas partes que conducen al mosh.

Candace en concierto a beneficio.

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Cada vez más rudas

Walls of Jericho es conocida no solo por ser la banda de Chris Rawson, sino también porque ha logrado equilibrar la vieja escuela hardcore y thrash metal con una ferocidad y dedicación sin igual por muchos de sus contemporáneos.

Para el año 1998, asiste a una audición para Walls of Jericho, banda que buscaba vocalista para ese entonces. Candace es seleccionada y junto a la banda alcanza reconocimiento mundial. Walls of Jericho es una banda de metalcore de Estados Unidos formada en 1998 en Detroit, Míchigan.

En abril de 1999, la banda publicó un EP 7” a través de Underestimated, que fue seguido poco después por otro CD que contiene dicho EP y

walls of Jericho, 2000.

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demos, titulado A Day and a Thousand Years, que fue publicado por Eulogy Recordings y Genet. Gracias a sus giras internacionales sumados sus EP logran firmar con Ferret y Truskill Records. Se firmó un acuerdo con este último, lo que resultó en la creación de su primer álbum de larga duración, de diciembre de 1999, The Bound Feed The Gagged. Después de otra serie de giras en 2001, Wes Keeley abandona la banda para estudiar en Seattle, Washington. Tras tres años de éxito, el 2001 la banda se toma un receso, durante el cual Candace contrae matrimonio con Frankie Puopolo, guitarrista de la banda Death Before Dishonor. La banda se reúne de nuevo el año 2003 y con Candace como su vocalista continúan haciendo música, con cuatro desde su reunión. Tras el descubrimiento de cáncer cerebral de su hermano, el año 2013 Candace comenzó a entrenar para dedicarse al levantamiento de pesas para juntar fondos y beneficios para niños con cáncer y enfermedades terminales. Pero dos años más tarde volvieron, con un nuevo baterista, Alexi Rodríguez, integrante de la banda crust/hardcore Catharsis con energía renovada para crear música juntos. Su siguiente álbum, All Hail The Dead, apareció a principios de 2004 a través de Truskill Records. Rodríguez repentinamente dejó la banda en diciembre, pero la búsqueda de un sustituto en esta

Walls of Jericho en 2003, después de su separación.

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ocasión fue mucho más fácil, ya que no se esperaban que su viejo amigo y exbaterista de Premonitions of War, Dustin Schoenhofer, se les uniera a principios de 2005. Una cadena de espectáculos con Bullet for My Valentine se realizó en la primavera de 2006, además de tocar con All That Remains y Unearth, antes de que la banda participara en la segunda etapa del verano en el Ozzfest. Grabado en Cleveland con el productor Ben Schigel (Zao, Chimaira), su tercera larga duración, With Devils Amongst Us All, se publicó ese mismo verano.

Imagen izquierda Candace y su increíble físico para competir.

Imagen derecha Ozzfest 2006.

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cristina scabbia Lacuna Coil Figura en el puesto 94 dentro del listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.

ristina Adriana Chiara Scabbia nacida el 6 de junio de 1972 en Milán, es una cantante contralto italiana vocalista del grupo de metal gótico Lacuna Coil. Además, es columnista de la popular revista musical Revolver.s conocida por la versión de À Tout le Monde de la famosa banda de thrash metal Megadeth. Cristina empieza a cantar en 1991, mientras que los trabajos aún considerarse como el fin y el camarero, tocando géneros soul y, sobre todo, bailar. Participar, de hecho, gracias a algunos amigos dj, algunos temas de baile, italiano de la época de muestreo de su propia voz. Luego viene la de metal, gracias al encuentro con Marco Coti Zelati , el bajista de Lacuna Coil. Con esto comienza a cantar con la banda, pero sólo como un cantante de la voz de la vocalista Andrea Ferro, luego se convierte en parte de ella a todos los efectos, así como el vocalista Andrea Ferro. Lacuna Coil se inicia en Milán en 1994, cuando el guitarrista y compositor Marco Coti Zelati y su amigo, Andrea Ferro, forman la banda Sleep of Right. Coti tocaba la guitarra, Ferro el bajo, a los cuales se unen Raffaele Zagaria como guitarrista y Michelangelo como baterista. Cuando Coti empieza a tocar el bajo Andrea Ferro se concentra en su rol de vocalista. Luego de la partida de Michelangelo se les unió Claudio Leo como segunda guitarra y Leonardo Forti como baterista. En ese momento se incorpora Cristina Scabbia, pero sólo como una cantante de apoyo; pero cuando ven lo bien que complementa con la banda se convierte en la voz principal junto con el vocalista Andrea Ferro. En 1996 el grupo graba dos canciones («Shallow End» y «Frozen Feeling»)

Cristina Scabbia, 2005.

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bajo el nombre de Ethereal, las cuales son enviadas a distintos sellos europeos, luego de lo cual firman con el sello Century Media Records. En ese momento deciden cambiar su nombre al de Lacuna Coil, ya que existía una banda llamada Ethereal. Su nombre es una mezcla de palabras del inglés y el italiano, que puede interpretarse como «vacío en espiral». En 1997 graban un EP llamado Lacuna Coil, con seis canciones nuevas que no incluyen las que habían grabado bajo el nombre de Ethereal, por considerar

Imagen izquierda Cristina para Century Media, 2000.

que ya no encajaban con el nuevo estilo. La banda se une al grupo de metal gótico Moonspell en diciembre de 1997 en una gira promocional europea. Raffaele Zagaria, Claudio Leo y Leonardo Forti abandonan la banda luego de solo tres de doce presentaciones. Lacuna Coil continúa en la gira, con ayuda del guitarrista Anders Iwes de Tiamat y el baterista Markus de Kreator. En enero de 1998, incorporan a Cristiano Migliore de la banda Thy Nature, y a Cristiano «Criz» Mozzati de Time Machine.En marzo del mismo año la banda inicia su segunda gira europea con la banda neerlandesa The Gathering y Siegmen. Durante la gira Steve Minelli, de la banda Node, toca la guitarra luego de que el nuevo guitarrista de Lacuna Coil, Cristiano Migliore se hiriese. Además, Alice Chiarelli colaboró como teclista.

Imagen central Promoción para Lacuna Coil.

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En agosto Lacuna Coil participa por primera vez en un festival: Wacken Open Air. La banda empieza a sobresalir, por lo que deciden incorporar un segundo guitarrista en vez de un teclista. Esto recién sucede luego de terminar la grabación de su primer álbum de estudio. En octubre de 1998, Lacuna Coil regresa a Woodhouse Studio en Alemania y una vez más, con el productor Waldemar Sorychta, graban su primer álbum titulado In A Reverie. En enero de 1999 la banda finalmente completa su alineación luego de que Marco «Maus» Biazzi es incorporado para tocar la segunda guitarra, y en febrero del mismo año tocan el primer show para promocionar su álbum In A Reverie en la avenida Rolling Stone en Milán. A inicios de 2000, Lacuna Coil y Waldemar Sorychta vuelven al estudio, esta vez en Ventimi-

glia (Italia), para grabar un nuevo EP titulado Halflife, el cual contenía cinco canciones y un cover, «Stars», de la banda inglesa de pop Dub Star. En este EP la banda por primera vez usa técnicas de grabación digital. Entre las canciones se encuentra una canción totalmente en italiano, llamada «Senzafine». El 20 de marzo del mismo año Halflife es oficialmente lanzado, siendo un total éxito para la banda.

Imagen derecha Lacuna Coil para el sencillo Senzafine.

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ingresan al Woodhouse Studio en Alemania y empiezan la grabación del álbum que les traería el éxito global. Durante mayo de 2002, luego de dos intensos meses de producción, lanzan el álbum Comalies, el cual más pesado y dinámico que su producción anterior, Unleashed Memories. La canción «Comalies» es cantada en inglés e italiano. Las ventas de Comalies sobrepasan las 60 mil copias, y la banda regresa al estudio para grabar algunas canciones acústicas para una realización especial de Comalies para conmemorar una de los logros más grandes de la banda: Ozzfest. En julio de ese año se revela al público que Comalies supera las 100 mil ventas en los Estados Unidos situando a Lacuna Coil como el mayor artista de la discográfica Century Media y, llegando a las 250 mil copias, la banda con más ventas de la música italiana. Así, la banda ocupa la posición número 194.º de las listas de Billboard de julio de 2004 por vender 5818 copias en una semana. Además, el sencillo «Swamped» se incluyó en la banda sonora de la película de terror Resident Evil: Apocalypse. Al terminar la gira en Estados Unidos la banda vuelve a Italia. Cristina Scabbia inmediatamente regresa al estudio de grabación para trabajar en la canción «I’m That», un dueto con el famoso cantante italiano Franco Battiato, para su álbum Dieci Stratagemmi que fue lanzado bajo la firma Sony Records. En 2004 Century Media termina el año anunciando que no sólo Comalies fue el álbum más vendido hasta aquella fecha de la discográfica, vendiendo cerca de 150 mil copias solamente en los Estados Unidos, sino que también el álbum batió todos los récords anteriores de la Century Media. También lanzan un nuevo sencillo del álbum, «Swamped» el cual es prontamente escuchado en más de 100 estaciones de radio en Estados Unidos y el video para este sencillo es lanzado a finales de mayo de 2004.

Cristina como vocalista de Lacuna Coil.

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Las 100 mejores vocalistas del metal La banda participa en la gira estadounidense Ozzfest, fundada por Sharon Osbourne y organizada por su esposo Ozzy Osbourne, que dura desde julio hasta septiembre de 2004. La edición del 2002 de Comalies para el Ozzfest es lanzada e incluye versiones acústicas de varias de sus canciones, así como los vídeos de los sencillos de la banda, «Heaven’s A Lie» y «Swamped». De hecho, es la primera mujer, y única hasta ahora, que ha tocado en el escenario principal del Ozzfest, el festival más famoso de América patrocinado por Ozzy Osbourne, así como la primera mujer en obtener una portada especial en una revista, al mismo nivel que sus colegas masculinos en revistas importantes como Revolver, Terrorizer, Metal Hammer en todo el mundo. En julio de 2005, Century Media relanza todos los álbumes y EP anteriores a Comalies de Lacuna Coil, con nuevas portadas y extras; y el 24 de septiembre anuncia que el nuevo álbum sería titulado Karmacode. Los festivales continúan durante los meses de verano, la banda sigue tocando la nueva canción y el 22 de octubre en el Metal Female Voices Fest en Bélgica, la banda toca otra nueva canción. El día siguiente, la prensa internacional es invitada a una sesión especial en el Galaxy Studios en Mol, Bélgica, en donde la banda revela seis nuevas canciones: «What I See», «Fragile», «In Visible Light», «Fragments of Faith», «Within Me» y «Our Truth». A inicios de 2006, el primer sencillo en tres años de la banda, «Our Truth» es incluido en la banda sonora de la película Underworld: Evolution. «Our Truth» es posteriormente lanzado en Europa como sencillo en marzo, siendo bien recibido por las críticas, y entrando en el puesto

Cristina junto a Simone Simons.

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19 en España y el Top 40 en Reino Unido. La popularidad de la banda crece en Reino Unido, y el éxito de su presentación en el Download Festival en junio, resulta en su primera gira británica en octubre de 2005, Evening with Lacuna Coil (Noche con Lacuna Coil), la cual constó de 5 fechas, empezando en Londres y terminando en Halloween en el Wulfrum Hall en Wolverhampton. En junio, en el Metal Hammer Golden Gods Awards, Cristina Scabbia recibe el premio Metal Icon, siendo la primera mujer en hacerlo. El primer DVD en vivo de Lacuna Coil fue lanzado en noviembre de 2008, titulado Visual Karma (Body, mind and soul). El CD y DVD es una retrospectiva de la etapa de Karmacode.

Comalies es el tercer álbum de estudio de Lacuna Coil, lanzado el 8 de octubre de 2002 y producido por la disquera Century Media. De este álbum se extrajeron los sencillos Swamped y Heaven’s A Lie.

Shallow Life es el quinto álbum de estudio de la banda. Fue lanzado el 20 y 21 de abril de 2009 en Europa y América del Norte respectivamente. A principios de 2012 lanzan Dark Adrenaline. En 2007 Cristina hace un dúo con Dave Mustaine en la nueva versión de «A Tout Le Monde», esta nueva versión se llama «A Tout Le Monde (Set Me Free)» y está incluida en el álbum de Megadeth United Abominations. También en 2007 participó en la canción «S.O.S. (Anything but Love)» de Apocalyptica, incluida en su álbum llamado Worlds Collide. Desde 2006 participa en el proyecto Rezophonic, y junto con otros artistas que participan en este proyecto. En 2008 actuó junto con el cantante de Aura en la canción «Stop!» durante la edición 58.ª del Festival de San Remo. En 2018 Cristina Scabbia fue jurado durante la 5ª edición de la versión italiana del programa de talento musical “La Voz”.

Cristina para The Voice Italia, 2018.

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“When their prejudice let us down We stand firmly on our ground Don’t let their school make a fool of you Because the teachers may be fools too” Jinjer - Teacher, Teacher!

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la cuarta ola La cuarta ola está considerada como continuación histórica de la primera ola del feminismo marcada por la reivindicación del voto para las mujeres con el movimiento sufragista en la segunda mitad del siglo XIX.

violento” expresado según la filósofa y teórica feminista con la violencia en sentido amplio: como violación, como acoso, como maltrato, como asesinato, como desigualdad económica y laboral, como pornografía, como prostitución, como trata… Hoy habría que añadir otros fenómenos de este poder sexualmente expresado, como la práctica de los vientres de alquiler.

La periodista argentina Florencia Alcaraz, del colectivo Ni Una Menos, iniciado en 2015 y que logró convocar a segunda ola con el movimiento de liberación que se una manifestación masiva en Buenos Aires contra los fedesarrolló a lo largo de los años 70 y 80 del siglo XX minicidios señala la vinculación del feminismo a los movinculada a otras demandas, como los derechos reproductivos y vimientos sociales en esta Cuarta Ola “Es un feminismo sexuales. La tercera ola cuya conceptualización inicial se atribupopular, que se construye de abajo hacia arriba, que tiene ye a la escritora y activista feminista Rebecca Walker cuando en un componente muy vinculado a los movimientos sociales 1992 publicó en la revista Ms: “Becoming the Third Wave”, una y que habilita a muchas más a ser feministas” “Se corrieron tercera ola vinculada a la diversidad que implica el “ser mujer”, en los márgenes y los límites y el feminismo logró llegar a mutérminos de clase y étnicos. chísimas más mujeres”.

La conceptualización continúa perfilándose en la actualidad. La Cuarta Ola feminista se articula a través de la creación de Como movimiento de carácter internacional, además de definirse contenidos audiovisuales y escritos de carácen torno a la reacción unánime frente a la violencia patriarcal, se ter filosófico, político, ecocaracteriza por la diversidad de debates alrededor de la desigualnómico, social, dad de las mujeres y la falta de reconocimiento de sus Derechos ecológico y cultuFundamentales en los diversos ámbitos de las distintas sociedaral; académicos o des a nivel mundial. Se manifiesta de forma reivindicativa a través no, y de la difusión de convocatorias a nivel nacional o internacional con importantes de los mismos a tramanifestaciones en las calles. vés de las redes sociales y los medios de coLa Cuarta Ola feminista recupera a las mujeres como sujeto polítimunicación tradicionales. co, señala la filósofa Alicia Miyares y entre los principales objetivos se sitúa el completar la agenda inconclusa de la paridad, que no se ha extendido más allá de la paridad en la representación política: periodistas, deportistas, científicas, académicas, editoras, juristas, actrices, etc.

Frente al desarrollo de un neoliberalismo caracterizado por frenar los avances legislativos y de políticas públicas encaminados a conseguir la igualdad de derechos para las mujeres la Cuarta Ola del feminismo se configura La británica Prudence Chamberlain señala que el objetivo central como una respuesta socio-política, filosófica, ecode la Cuarta Ola es la justicia para las mujeres y de manera nómica y cultural que se suma al movimiento asociatiparticular la denuncia contra el acoso sexual y la violencia vo generando espacios que invitan a reflexionar, debatir hacia las mujeres. y proponer soluciones prácticas y medidas legislativas que protejan la igualdad de las mujeres, sus derechos Luisa Posada Kubissa, considera que la Cuarta fundamentales y ayuden a erradicar la violencia machista Ola es un movimiento reactivo y una rebelión en todas sus manifestaciones a nivel global. contra la configuración del “patriarcado

Protestas de 2019.

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tatiana shmaylyuk Jinjer Tatiana Shmaylyuk Górlovka, Ucrania, nació el 15 de marzo de 1987 es una cantante ucraniana, conocida como la vocalista y compositora de la banda de metalcore Jinjer.

atiana tiene sus inicios en la música en la infancia, tomando como influencia más cercana su hermano, el cual es guitarrista de una pequeña banda ucraniana. Tras escuchar a artistas como Nirvana, The Offspring y, en particular, Otep, en donde los vocales son realizados por una mujer, es donde Tatiana decide encaminarse por la música ligada al rock/heavy metal. Para el año 2010, Tatiana ingresa a la banda Jinjer una banda ucraniana de metal progresivo formada en el año 2009, tras la salida del vocalista anterior, Maksym Fatullaiev. En la banda, la cantante ha podido demostrar sus habilidades como tal, en donde mezcla el canto con voz limpia y guturales extremos. Tras el lanzamiento el mismo año de sus primeros sencillos, “Hypocrites and Critics” y “Objects In Mirror Are Closer Than They Appear”, la banda alcanzó mayor reconocimiento y popularidad, lo que favoreció para que Jinjer pudiese grabar su primer EP llamado, Inhale, Don’t Breathe el año 2012 y su primer álbum de estudio, Cloud Factory, el año 2014.

De ahí sólo permaneció el guitarrista Dmitriy Oksen, fundador de la banda, hasta el año 2015. En aquella época lanzaron su EP debut: O.I.M.A.C.T.T.A. Probablemente el real punto de partida de la banda, según sus propias palabras, fue cuando Tatiana Shmaylyuk reemplazó al vocalista anterior. Si bien en un principio su intención fue ayudar a sus amigos solo por un tiempo, su participación se volvió permanente. Casi al mismo tiempo se unió a la banda el guitarrista Roman Ibramkhalilov.

Desde entonces, Tatiana, junto a Jinjer, han realizado diversas giras a nivel mundial y compartiendo giras con artistas como Arch Enemy y Cradle of Filth. Ya para el año 2018, tras adquirir contrato con Napalm Records, logran reeditar su álbum Cloud Factory emitido cuatro años antes. Por último, sacan un nuevo álbum de estudio, titulado Macro, en 2019.En sus primeros años la banda no contó con una formación estable.

En 2010 grabaron y publicaron en Internet los primeros dos singles con Tatiana como vocalista: Hypocrites and Critics y Objects In Mirror Are Closer Than They Appear, gracias a los cuales la banda ganó popularidad y sus primeros seguidores a nivel local.En verano de 2011 la banda

Jinjer en concierto, 2014.

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consiguió la estabilidad necesaria para dedicarse por completo a la música. El bajista Eugene Abdiukhanov se unió en ese entonces y tomó las riendas de la gestión y promoción de ésta, con lo que Jinjer comenzó a ganar popularidad en la escena metalera underground de Ucrania. El año 2012 ganaron el MUZTORG challenge, una competición de bandas de todos los géneros organizada por una tienda de música internacional. Gracias a esto pudieron grabar un nuevo EP: Inhale. Do Not Breathe y lanzar su primer video oficial Exposed as a liar. La actividad de conciertos de la banda aumentó considerablemente gracias a esto. En el club BINGO club en noviembre de 2012 filmaron un nuevo video de la canción Scissors. A fines de ese mismo año el sello de origen griego The Leaders Records contactó a la banda para ofrecerle realizar oficialmente, como álbum, el disco Inhale. Do Not Breathe.

Imagen Izquierda Tatiana en el escenario, 2012

Tatiana tiene una selección de discos que escucha dependiendo de su estado de ánimo: “Frank” de Amy Winehouse para llorar, “Damnation” de Opeth y “A Natural Disaster” para el enojo, “Natty Dread” de Bob Marley para la tristeza y “Wrath” de Lamb of God para la ira.

Imagen derecha Tatiana en concierto cantando Inhale,Do not Breathe.

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Los dos lados de la música

Tatiana tiene el paquete completo de dinámicas vocales que incorporan la gran cantidad de influencias que tiene a su disposición.

La habilidad vocal de Shmaylyuk, el alcance y el comando escénico, la ubican no solo en una clase propia, sino en una posición para rivalizar con algunos de los mejores hombres del heavy metal.

Su presencia de escenario es seductora y a la multitud los mantiene totalmente asombrados a través de su confianza, belleza, personalidad y talento. Su energía y pasión son innegables. Sin embargo, no nos dejemos engañar, la música de Jinjer está lejos de ser suave y adorable.

Si bien proporciona una voz limpia y potente, que después pasa a la perfección con su habilidad en guturales que parecen venir del mismísimo inframundo, su impresionante versatilidad vocal es incuestionable y lo expone con perfección en el live session de su afamado tema “Piscis”.

Shmaylyuk y la pandilla te golpearán con una furia y una actitud incitante al moshpit, con la misma facilidad con la que pueden pasar a momentos más profundos.

Imagen izquierda Tatiana combina sus voces de manera muy particular en la música de jinjer.

Imagen central jinjer, 2019.

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El cambio paralelo entre estos muy diferentes estados de ánimo y contrastantes estilos es uno de los aspectos de la música que lo hace tan impresionante y entretenido.

Shmaylyuk no es simplemente una cantante de metal femenina, sino más bien una líder certificada, sin asfixia por las expectativas o las limitaciones percibidas de su género, en una arena dominada por hombres.

Como representante y modelo a seguir para las mujeres en el metal, no hay duda de que Shmaylyuk tiene mucho de qué enorgullecerse.

Tanto las mujeres como las niñas pueden sentirse orgullosas e inspiradas por su ejemplo.

Ella exuda no solo confianza y clase en sí misma y en su feminidad, sino que también eleva el listón de lo que un cantante de metal, hombre o mujer, puede ser capaz de hacer.Sus talentos son muy variados y van más allá de los reinos del metal solo.

Tras sacar su quinto álbum “Macro”, el pasado 25 de octubre del 2019, Tatiana junto con Roman, Eugene y Vladislav visitarán la CDMX en diciembre 2020 y así podremos apreciar de primera mano y en vivo el talento que hacen de Jinjer y Tatiana Shmaylyuk únicos.

Imagen derecha Tatiana en su ultimo concierto del 2019.

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taylor momsen De actriz a cantante De la cara de la dulce niña del grinch a los escenarios junto a artistas del rock como Marilyn Manson, Taylor Momsen definitivamente es uno de los cambios más radicales en la histosia del metal.

s hija de Michael y Collette Momsen, y tiene una hermana menor llamada Sloane Momsen. Tiene ascendencia rusa. De pequeña, asistió a la escuela Our Lady of Lourdes y fue educada como católica. Terminó la secundaria dos años antes, admitiendo que era un tanto aburrida y «que no iba a necesitar de trigonometría debido a que era una artista». Su carrera profesional comenzó a los tres años de edad en una publicidad para Shake ‘N’ Bake. Obtuvo el papel de Honey Bee Swan en la película The Prophet’s Game en el 2000. Su primer gran papel fue el de Cindy Lou Who en El Grinch. Después de eso, consiguió el papel de Julie Moore en We Were Soldiers en 2002, el cual también aparecía su hermana Sloane. También ese año hizo el papel de Alexandra en la película Spy Kids 2: The Island of Lost Dreams. Ese mismo año, se presentó a la audición para el papel principal de Hannah Montana, y estuvo entre las tres preferidas, pero el personaje fue adjudicado a Miley Cyrus. Momsen actuó como Gretel en la película Hansel & Gretel y en Saving Shiloh en 2006, como también en la película Walt Disney Pictures, Underdog, haciendo de Molly. En 2007, Taylor protagonizó a Jennifer en la película Paranoid Park, de Gus Van Sant y a Madison Kramer en Spy School en 2008. Con cinco años, grabó la canción «Christmas, Why Can’t I Find You?» para la banda sonora de El Grinch.

Momsen, 2017.

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En 2002, grabó «One Small Voice y «Rudolph The Red-Nosed Reindeer» para el álbum recopilatorio, School’s Out! Christmas. En 2007, fue elegida para el personaje de Jenny Humphrey en la serie de The CW, Gossip Girl. Momsen solo apareció en cuatro episodios de la cuarta temporada debido a las giras con su banda, The Pretty Reckless. Tras esto, dejó de participar en la serie desde el décimo capítulo de la cuarta temporada. El 16 de agosto de 2011, Momsen dijo a la revista Elle que abandonaba la actuación para enfocarse en su carrera musical. A pesar de haber abandonado la actuación participó en el último capítulo de Gossip Girl haciendo una breve aparición.

Imagen izquierda Taylor aparece en una alfombra roja como parte de The Pretty Reckless.

Imagen derecha Taylor Momsen para El Grinch.

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Heidi Montag grabó «Blackout», una canción escrita por Momsen. De acuerdo con Momsen, escribió la canción cuando tenía solo ocho años, y la grabó como una demostración con un productor. Montag sacó la canción como un único single digital, con el videoclip grabado por su esposo Spencer Pratt. Momsen comentó tras la grabación: «Estoy como: Bien, estoy cantando una canción de niña de ocho años, pero está bien. Es gracioso porque no la he vendido, ni nada y recibí esta llamada: ¿Has escrito esta canción para Heidi Montag? Y me quedé como; ¿Qué?». La canción fue incluida en un álbum de Montag, Superficial. Momsen dijo «con la música puedo ser yo misma», y añadiendo «Actuar es fácil. He estado haciéndolo por mucho tiempo, y me encanta. Pero estás haciendo un personaje. La música es más personal, porque tú la escribes y estás envuelto en cada uno de tus pasos». En marzo de 2009 Momsen dijo en una entrevista para la revista OK! Magazine que su banda, The Pretty Reckless, había firmado un contrato con Interscope Records. Ella cantó, tocó la guitarra acústica y escribió todas las canciones junto con Kato Khandwala y Ben Phillips en el álbum. Además fueron la banda soporte de The Veronicas en su Revenge is Sweeter Tour en la primavera de 2009.

El cuarto sencillo de la banda, titulado «Kill Me»,41fue lanzado en diciembre de 2012 y fue incluido en el último episodio de Gossip Girl.

Taylor deja Gossip Girl y se enfoca en su carrera musical.

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The Pretty Reckless The Pretty Reckless es una banda estadounidense de hard rock originaria de Nueva York, integrada actualmente por Taylor Momsen (voz y guitarra rítmica), Ben Phillips (guitarra líder y coros), Mark Damon (bajo) y Jamie Perkins (batería). En 2010, la banda firmó con el sello discográfico Interscope Records y lanzó su álbum debut titulado Light Me Up, que debutó en el sexto puesto en el Reino Unido y resultó en el top-100 en varios países; de este se extrajeron tres sencillos, entre ellos el más relevante fue «Make Me Wanna Die» que debutó primero en el UK Rock Chart. Taylor Momsen, una cantante estadounidense, trabajó por dos años con varios productores antes de conocer a Kato Khandwala, quién la presentó con Ben Phillips, junto al cual comenzaron a escribir canciones antes de contratar a otros tres músicos para formar la banda The Reckless, nombre que finalmente tuvieron que cambiar debido a problemas de marca. Momsen comentó que le gustaba Khandwala porque compartían la misma visión de rock, por lo que le resultó fácil trabajar con él. La banda tocó su primer concierto el 5 de mayo de 2009 en The Annex en Nueva York. Después de siete conciertos, los miembros contratados dejaron la banda. Para reemplazarlos, más tarde se unieron a la banda John Secolo en la guitarra, Matt Chiarelli en el bajo y Nick Carbone en la batería. Grabaron algunos demos a principios de 2009 y más tarde se encargaron de ser el acto de apertura para los conciertos de The Veronicas en su gira North American Tour. En 2010, Secolo, Chiarelli y Carbone dejaron la banda. Debido a esto, Ben Phillips se encargó de la gui-

tarra líder y se unieron Mark Damon en el bajo y Jamie Perkins en la batería, mientras que Momsen se dedicó a, además de cantar, ser la guitarrista rítmica. El 20 de diciembre de 2009, la banda lanzó una nueva canción titulada «Make Me Wanna Die», ésta se convirtió en el primer sencillo de la banda y fue estrenada oficialmente el 30 de marzo de 2010.

Taylot tiene un estilo único en los escenarios.

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El álbum debut de la banda, Light Me Up se lanzó el 30 de agosto de 2010 y debutó sexto en el Reino Unido, y décimo octavo en Irlanda. Mientras tanto, el 11 de diciembre del 2012 se lanzó el nuevo single, titulado «Kill Me», y el 17 de junio de 2013 se lanzó «Follow Me Down», ambos singles pertenecientes al segundo álbum de estudio de la banda llamado Going To Hell lanzado el 17 de marzo de 2014 con gran éxito. Un video viral para promocionar el mismo se estrenó el 13 de mayo de 2010. La versión oficial se estrenó el 21 de septiembre de ese mismo año. El sencillo fue incluido en el soundtrack y en los créditos de la película, Kick-Ass. El 9 de abril de 2010, la banda se presentó en el Warped Tour durante junio y julio de 2010 para promocionar su EP homónimo, The Pretty Reckless. Asimismo, tocaron en el festival de música, The Bamboozle el primero de mayo de 2010. El segundo sencillo, «Miss Nothing» fue lanzado el 24 de julio de 2010. Finalmente, Light Me Up fue lanzado el 27 de agosto de 2010. El álbum recibió en su mayoría críticas positivas, alcanzando el número 2 en iTunes. El primer sencillo lanzado oficialmente en Estados Unidos fue «Just Tonight», el cual fue el tercero en Australia y el Reino Unido. The Pretty Reckless anunció su primera gira propia Light Me Up Tour, empezando en octubre de 2010, continuando en diciembre y siguiendo desde febrero hasta fines de marzo de 2011 abarcando países norteamericanos y europeos. El 2 de junio de 2011, se anunció que participarían en el Soundwave Revolution, sin embargo luego fue cancelado. El 27 de julio de 2011, Taylor anunció a través de Twitter que serían teloneros de Evanescen-

The Pretty Reckless, 2019.

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ce en octubre y principios de noviembre de 2011. Y el 11 de noviembre, anunció que también lo serían de Guns N’ Roses en su Chinese Democracy World Tour por Norteamérica a fines de dicho mes. La banda anunció una gira por Sudamérica en agosto y septiembre de 2012; que incluyó fechas en Brasil, Argentina y Chile. Asimismo, la gira fue llamada The Medicine Tour, y agregaron fechas en Norteamérica para marzo, abril y mayo de 2012. Se lanzaron vídeos musicales para «You» y «My Medicine» en VEVO el 16 de febrero de 2012 y el 9 de marzo de 2012, respectivamente. El 6 de marzo de 2012, un nuevo EP titulado Hit Me Like A Man fue lanzado en Amazon, el cual contiene tres nuevas canciones junto con dos en vivo. Durante 2012, grabaron la canción «Only You» para la versión Target de la banda sonora de la película Frankenweenie. En noviembre de 2019, Momsen reveló en Instagram que la banda estaba trabajando en su cuarto álbum de estudio con Matt Cameron de Pearl Jam y Soundgarden. En febrero de 2020, Momsen confirmó la finalización del álbum y reveló su título, Death by Rock and Roll. El álbum se lanzará en 2020. En mayo de 2020, la banda firmó con Fearless Records. El primer sencillo, que es la canción principal del álbum, fue lanzado el 15 de mayo de 2020. La próxima gira de la banda comenzará en septiembre de 2020, después de haberse retrasado desde mayo de 2020 debido a la pandemia de COVID-19.

Taylor Momsen con Marilyn manson, 2018

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alissa white-gluz The Agonist Una de las voces más deseadas en el metal; Alissa brilla por sus impresionantes notas y su talento en los escenarios . Su talento se ha extendido por el mundo junto a The Agonist y Arch Enemy

lissa White-Gluz es una cantante canadiense, conocida por ser la actual vocalista de la banda de death metal melódico Arch Enemy, y exvocalista y miembro fundadora de la banda canadiense de metalcore The Agonist. Su estilo vocal incluye tanto voz gutural como voz limpia.Alissa en una entrevista dijo que le gustaría usar voz melódica en futuros trabajos en Arch Enemy. En cuanto a su participación con Kamelot su voz varió desde el canto popular, gutural y lírico, en el cual asume un rol mayoritariamente de corista y apoyo de mezzosoprano en las partes vocales femeninas de la banda, dice que al cantar con Kamelot siente que está actuando en una obra de teatro en el cual interpreta un papel. Alissa ayudó a dar a conocer a la banda The Agonist gracias a su estilo de canto, pero también en parte a su imagen, ya que ha aparecido en 2 ediciones de la revista «Revólver» gracias a su apariencia. Además, trabaja activamente

Arch Enemy en concierto.

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con PETA, siendo ella una amante de los animales. Otra característica es que pertenece al movimiento straight edge y lleva una vida vegana desde los 15 años, siendo vegetariana de nacimiento. Ha participado como invitada en la banda Synastry en la canción In Your Eyes y en la banda The Plasmarifle con la canción From the Trail of Ashes, al igual ha sido invitada de la banda de thrash metal Testament en la canción Into the Pit, y en la banda de metal sinfónico Delain en la canción The Tragedy Of The Commons. También participó como artista invitado en el álbum de Kamelot, Silverthorn en el tema Sacrimony, Y recientemente en su nuevo álbum Haven, en el tema Liar Liar (Wasteland Monarchy). The Agonist es una banda canadiense de death metal melódico formada en el 2004. Sus letras reflejan una conciencia por el medio ambiente, por los derechos de los animales, dilemas sociales y en especial, la situación mundial actual, con una crítica especial hacia los Estados Unidos y su política exterior. La banda se forma en el 2004, en Montreal, Quebec, Canadá, el 14 de agosto de 2007 se edita su primer álbum Once Only Imagined. A partir de este inician una gira por Estados Unidos junto a Sonata Arctica, God Forbid, Overkill, Epica, Visions of Atlantis y Enslaved, producido por Chris Donaldson, guitarrista del grupo de death metal Cryptopsy. El 28 de agosto de 2007 se estrena el video de la canción “Business Suits And Combat Boots”, dirigido por David Brodsky, el cual llega hasta la sex-

Alissa es ahora la vocalista de Arch Enemy.

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ta posición del ranking de videos de MTV2’s Headbanger’s Ball. En 2009 se publicó su nuevo álbum Lullabies for the Dormant Mind. El 27 de septiembre de 2009 pisan por primera vez Latinoamérica haciendo su primer show en la Ciudad de México, y también visitaron Colombia, Venezuela, Japón, China y Europa para la promoción de Lullabies for the Dormant Mind. Luego de una gira con los grupos Epica y Scar Symmetry, en diciembre de 2010 anunciaron a través de su sitio en MySpace que estaban produciendo un álbum para ser lanzado en el 2011. A finales de 2011, The Agonist participó en el “Pandemonium over North America” en una gira con Kamelot, Alestorm y Blackguard (excepto el guitarrista Danny Marino, quien no pudo hacer la gira con la banda y fue reemplazado por el exguitarrista de Catalyst, Justin Deguire). Durante la gira, la banda lanzó un EP titulado The Escape que contenía dos canciones nuevas programadas para aparecer en el tercer álbum de larga duración de la banda y fue mezclado por Tue Madsen quien es conocido por su trabajo con The Haunted, Dark Tranquility y Suicide Silence. The Escape se encontró disponible en iTunes a través de preventa desde el 3 de septiembre de 2011. La vocalista Alissa White-Gluz dijo en una entrevista que la música de la banda se ha vuelto más madura, no necesariamente más pesada o más melódica. Se refirió al decir que hay más ‘clásicos’ como las influencias de Pantera y Radiohead. Ella dijo a la revista Lithium Magazine que el nuevo disco podría ser «bueno para alguien con un gusto musical de mente abierta, o malo para alguien que sólo le gusta la canción “Thank You, Pain”». El proceso final de grabación del álbum se llevó a cabo tras la conclusión de la gira de Kamelot.

Alssa, no more regrets en vivo.

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Arch Enemy The Agonist anunció el 5 de marzo de 2012 en YouTube antes de un show en Montreal que su disco recién terminado se llama Prisoners y está programado para ser lanzado para principios de 2012 a través de Century Media Records y está siendo producido por el productor Christian Donaldson. El 17 de marzo de 2014, se anuncia oficialmente el ingreso de Alissa a la banda de Death metal melódico Arch Enemy, donde desaparece su voz limpia y se anuncia su separación con The Agonist, aunque Alissa quería estar en ambas bandas al mismo tiempo pero los miembros de The Agonist no aceptaron.

Imagen izquierda The Agonist.

Imagen derecha Concierto a beneficio, 2016.

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Las canciones escritas por Alissa en War Eternal fueron “As The Pages Burn”, “No More Regrets”, “Time Is Black”, “On And On” y “Avalanche”, de las cuales se hizo un vídeo oficial de “No More Regrets” y un vídeo lírico de “As The Pages Burn”; el resto fueron escritas por Michael Amott y se hicieron vídeos de “War Eternal”, “You Will Know My Name” y “Stolen Life”. Alissa hizo covers en el álbum de la canción “Breaking The Law” de Judas Priest y “Shadow On The Wall” de Mike Oldfield. Aunque Alissa utilizara voces en limpio en The Agonist, los integrantes de la banda prometieron que todo serían guturales y high screams, y fue así en todas las canciones, aunque en “Avalanche” se puede escuchar de fondo una parte del estribillo con Alissa cantando en limpio. “As The Pages Burn” fue la primera canción escrita por Alissa y de la que se hizo un vídeo lírico; otras canciones que escribió fueron “No More Regrets” de la cual se realizó un vídeo oficial, “Time Is Black”, “On And On” y “Avalanche”, ella misma declaró que la mayoría de las canciones que escribió para War Eternal se le venían a la mente al levantar a las 3 o 4 de la madrugada debido a una terrible pesadilla.

Sus abuelos fueron prisioneros en campos de concentración en la Segunda Guerra Mundial, pero pudieron escapar. Esta historia inspiró la canción “First Day in Hell” del álbum “Will to Power” de 2017.

Imagen central Alissa ha sido considerada una de las mejores voces del metal.

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Las canciones restantes fueron escritas por Michael Amott y toda la música también fue escrita por él y en ocasiones de la ayuda de Nick Cordle y Daniel Erlandsson. El álbum cuenta con dos pistas adicionales que son versiones de “Breaking The Law” de Judas Priest (edición japonesa) y “Shadow On The Wall” de Mike Oldfield. Todas las canciones fueron grabadas en Suecia como se indica al final del álbum original. Tras el éxito de War Eternal, la banda inició una gira mundial. Los miembros de Arch Enemy decidieron grabar de manera profesional su actuación en Wacken 2016. Esta grabación se publicó en 2017 con el nombre de “As The Stages Burn!”, tanto en CD como en DVD. Poco después, compusieron y grabaron un nuevo álbum de estudio. A finales de 2017 salió a la venta su disco Will To Power. Para promocionarlo, la banda grabó videoclips para tres de sus canciones: “The World Is Yours”, “The Eagle Flies Alone” y “The Race”. En palabras de Michael Amott “el álbum tiene un gran equilibrio entre los tradicionales Arch Enemy y nuevas influencias llegadas con los nuevos miembros”. Una particularidad del disco es que, por primera vez en su historia, han grabado una balada Actualmente Arch Enemy se encuentran presentando su nuevo disco por diversos países.

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Cuando pensamos en rock, es fácil imaginar a bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath, Rolling Stones; es decir, bandas masculinas. Y aunque nadie puede negar el impacto que tuvieron en la industria, es importante que también le demos su lugar a las mujeres que lideraron bandas en este género. Ya sea por sus voces, sus atuendos o inclusos sus trágicas historias, hay reconocer que el rock no sería lo mismo sin algunas bandas femeninas que rompieron los estándares. Todos y cada una de ellas tuvieron que trabajar, luchar y ser más duras solo para ser aceptadas en los mismos términos que sus compañeros masculinos. Y cuando lo lograron, rompieron las reglas, los récrords y reinventaron los géneros que ingresaron en sus propios términos. REBELLE: Las mujeres en el rock primera reimpresión 2020 se terminó de imprimir en Noviembre de 2020, en Quick Digital, Calle 5 Número 124 por 8 y 10 Col. Montecristo, C.P. 97133 Mérida, Yucatán, México. TEL: (999) 944 1369 https://quickdigital.com.mx/

El tiraje fue de un ejemplar en papel couché mate importado de 150g. en CMYK para los interiores, total de páginas 227. La cubierta se imprimió en pasta dura, en laminado mate; encuadernado a mano. Impreso en Mérida, Yucatán, México Printed in Merida Yucatan, Mexico

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Rebelle: La mujeres en el rock

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Bibliografía

Alissa White-Gluz

Taylor Momsen

Tatiana Shmaylyuk

Cristina Scabbia

Candace Kucsulain

Simone Simons

Angela Gossow

Alanis Morrissette

Karen O

Lzzy Hale

Dolores O´riodan

Los 90´s

Brody Dalle

Siuouxie Sioux

Doro Pesch

Shirley Manson

Lita Ford

Bjork

Pat Benatar

Patti Smith

Janis Joplin

La rebellion femenina

Joan Jett

Stevie Nicks

Los géneros del rock

Debbie Harry

La historia del rock