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Octubre 2014 MX $87 / 7USD
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EL MUNDO DEL BUEN GUSTO
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n o . 6 4 | O c T U B R E 2 014
museografía: n U evaS fOrMaS De pre S e n tar el art e
un mundo diseñado: D el DiSeñO D e l a pOSgUerra a l preSente
transformación infinita
la Carta editorial No. 64 | Transformación infinita | Octubre 2014
“Diseño es donde la ciencia y el arte llegan a un punto de equilibrio.”
—Robin M ath e w
“Todo está diseñado. Pocas cosas están bien diseñadas”, dijo el ilustrador estadounidense Brian Reed, quien seguramente pasó largas horas frente a su computadora en busca de inspiración antes de diseñar logos, identidades corporativas e ilustrar los videojuegos que ostentan su apellido en el ciberespacio. Y es que, como dijo otro gran diseñador gráfico, Massimo Vignelli, “la vida de un diseñador es una vida de lucha: lucha contra la fealdad”. Pues bien, entendiendo que todo es diseño, este número de La Revista lo dedicamos al buen diseño en todas —o la mayoría— de sus facetas, desde propuestas gráficas hasta las más destacadas producciones industriales, donde el diseño juega un papel tan importante como el de la tecnología. México está cada vez más y mejor posicionado en este sector pues, si sumamos ingenio, creatividad y una naciente obsesión por la buena calidad industrial, nos colocamos en la cúspide del diseño mundial. Hace seis años un grupo de jóvenes apasionados se dieron a la tarea de reconocer lo “Hecho en México” bajo la lupa del buen diseño, creando Design Week México, un espacio donde, durante una semana se ofrecería una selecta degustación del acontecer nacional en el campo del diseño industrial y de interiores, convocando a los más sobresalientes profesionistas en éstas disciplinas. Hoy, con un acierto anual, este festival creativo se coloca entre los principales del mundo, pues la apuesta de nuestro diseño ha hecho olas en todos los puntos cardinales del mundo del diseño. Y como “cereza en el pastel”, esta entrega tiene a la Gran Bretaña como invitado de honor, pues son ellos, quizá, los patriarcas del gremio. En una plática íntima, Emilio Cabrero y Jaime Hernández Encontra nos relatan este apasionante recorrido, y nos adelantan los pormenores de lo que promete ser una semana extraordinaria, ¡de puro diseño! Como digno pueblo marino, la Gran Bretaña siempre ha observado más allá de sus costas asimilando influencias extranjeras e incorporando culturas foráneas a su propio acervo e identidad. Al mismo tiempo, su gente ha buscado en su interior y desarrollado una inventiva fuera de serie y un muy poderoso sentido de independencia. Ambas características explican la manera en que diseñadores e ingenieros británicos han sabido abordar la problemática de su tiempo: a esto se refiere el diseño. Y como cualquier diseño comienza con la idea de que existe una
mejor solución para todo, los diseñadores británicos parecen tener un don para acercarse de una forma pragmática a los problemas para encontrar “una mejor manera”, un perfecto balance entre forma y función. Las cualidades distintivas del diseño “Made in Britain” nacen de la Revolución Industrial del siglo xviii y del movimiento de “Arts and Crafts” del xix. Tal vez sea este balance entre ingeniería y oficio lo que conformó de manera rotunda el diseño británico. Con el diseño en boga, aparecen en México cada vez más equipos creativos que buscan formas diferentes de expresarse, de comunicar y ser un referente de calidad. Un gran ejemplo es el estudio de diseño amoATO, donde el papel se vuelve arte y luego objeto: formas geométricas que se pliegan formando objetos, máscaras, sillas, en fin, una especie de origami multicolor que prueba que cuando hay pasión las posibilidades son infinitas. Y para dar cuenta de lo extrañas que resultan las costumbres dedicadas a embellecer y perfeccionar el cuerpo presentamos un recorrido por la exposición que el Museo modo presenta actualmente: Diálogo con el espejo. La belleza, ¿una obligación? La pregunta es una provocación y un incordio, como bien lo analiza Julieta García en nuestras páginas, pues “nadie quiere sentirse obligado a la belleza: la gente sólo quiere sentirse bella”. La muestra, bajo la curaduría y selección de Ana Elena Mallet, explora con delicadeza, buen humor y empatía la pléyade de objetos y rituales dedicados desde hace siglos a crear la ilusión de una mejoría física en las mujeres que quieren conservarse de buen ver. La evolución del diseño gráfico es cualitativa, y en nuestras páginas presentamos una breve —pero muy bien curada— selección del arte tipográfico y del oficio del diseño gráfico, que ha coordinado el equipo de arte de La Revista en un texto que nos lleva de la mano por ese oficio que empezó con Gutenberg y que hoy nos sorprende en todas partes. Sin importar si se diseña para el papel o para una pantalla táctil de tres metros, el fin es transmitir un mensaje de manera eficiente. En éste, como en todos los ejemplos del universo del diseño, la maestría, creatividad y buen juicio son primordiales. Esperamos transmitir a usted nuestro mensaje. Después de todo, como dijo sir Alec Issigonis “un camello es un caballo diseñado por un comité”.
@marcelamaya
Caran d’Ache, Casa de la Alta Escritura, presenta su nueva edición limitada creada en colaboración con la Casa Lalique. La colección Cristal reúne varios oficios artísticos en sus tres instrumentos de escritura: Cristal & Diamantes engastados en oro sólido, Cristal negro y Cristal blanco en cerámica. Caran d’Ache. Excelencia Swiss Made desde 1915.
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carandache.com
el Contenido
No. 64 | Transformación infinita | Octubre 2014
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C Centrales 36 El perfil amoATO
58 Diseñando en presente
42 La plática con Design Week
66 Las formas particulares de la museografía
por Andrea Villanueva Tres diseñadores se unieron para convertir sus ideas en exquisitas formas creadas con papel. Ésta es su historia.
por Marcela Aguilar y Maya Los fundadores de Design Week México nos cuentan todo sobre la sexta edición del festival de diseño favorito de todos.
50 British Design
por Marcela Aguilar y Maya El Reino Unido suele estar a la vanguardia en cuanto a diseño. Descubra cómo la Segunda Guerra Mundial dio paso a este éxito.
por Julieta García González / Cynthia Márquez El diseño gráfico suele darse por sentado, siendo en realidad una de las disciplinas más importantes para nuestra vida diaria.
por Santiago Oria Un museo no es sólo un espacio donde se colocan objetos para ser vistos, el arte de la museografía va mucho más allá. Conózcalo.
el Contenido No. 64 | Transformación infinita | Octubre 2014
A aBrIDOres 10 LMC
p.14
Conozca el nuevo must en comida francesa y visite a Ai Weiwei.
14 El Blog
Celebre los 450 años del nacimiento de Shakespeare y conozca las novedades en productos de belleza.
28 De la A a la Z
El diseño es una disciplina que tiene la cualidad de meterse en nuestra vida diaria.
F FInales 74 La Galería
El MODO presenta una reflexión sobre la belleza a través del tiempo.
80 La Mesa
Descubra qué es lo que ha hecho de los Restaurantes Suntory todo un clásico.
84 El Coleccionista
Continúa la historia del papel moneda que tanto nos ha facilitado la vida.
86 Periferias
Siempre las situaciones más sencillas resultan ser las que más nos sorprenden.
88 El Libro
Carolina Herrera cambió el rumbo de la moda venezolana. Conozca su historia.
p.74
el Directorio No. 64 | Transformación infinita | Octubre 2014
Dirección Eduardo Sanmiguel Director general Marcela Aguilar y Maya Directora asociada
Editorial Santiago Oria Probert Director editorial santiago@aeditores.com Julieta García asesora editorial julieta@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial andrea@aeditores.com
Arte Cynthia Márquez Directora de arte cynthia@aeditores.com Yair Orozco Diseñador gráfico yair@aeditores.com Fernanda Carrasco editora de foto fernanda@aeditores.com
Comercial Eva Feldman ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com Gabriela García ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com Ivonne Miranda ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com Diego Rivera ejecutivo de cuenta diegor@aeditores.com
Suscríbase por un año
al (55) 5281 0568 y reciba mensualmente, en su domicilio, La Revista.
Colaboradores Diana Amador | Michel Bellego | Daniel Benítez | Ignacio Galar Yurex Omazkin | Rodrigo Rivero Lake | Ana Terán
Consejo Editorial Carmen Cordera | Allan Fis | Bruno Newman | Mónica Patiño | Ricardo Salas Gonzalo Tassier
Información para anunciantes: ventas@aeditores.com
Las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial.
Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001
La revista el mundo del buen gusto es una publicación de a editores, Leibnitz 20, piso 8-801, Col. Anzures, C.P. 11590, México, D.F. Teléfonos: 5281 1778 y 79. La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de vida de A Editores. Revista mensual. número 64, octubre 2014. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30. Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.
Foto: Manuel Curiel
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ABRIDORES
“A mí dadme lo superfluo, que lo necesario todo el mundo puede tenerlo” —Oscar Wilde
Living Mexico City por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Cortesía
Museo de Antropología
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Decía Bob Marley que “algunas personas sienten la lluvia, otras simplemente se mojan”. Una cosa es cierta, el querido Bob no vivía en la Ciudad de México, pues este otoño está siendo una continuación muy mojada de nuestro verano defeño. Y con las tardes de los fines de semana limitadas a actividades bajo techo, la opción de asistir a museos y ver extraordinarias exposiciones se convierte en la elección ideal. El Museo Nacional de Antropología, además de su excepcional colección permanente —nunca me cansaré de recorrer sus salas—, hoy tiene una muestra temporal del controversial artista contemporáneo chino, Ai Weiwei, dedicado a los signos del zodiaco chino, unas monumentales cabezas que escoltan la escalera central del museo. Ai Weiwei es el artista más prestigioso de China, pero también el más perseguido por sus feroces críticas al Partido Comunista: “El problema más grave de China”, dice, “es la falta de libertad de expresión. Como consecuencia no hay libertad para que la información fluya y tampoco salud mental para hablar en público o en privado. La sociedad está muerta. No puedes ser crítico, no puedes apasionarte, no puedes tener responsabilidad ni ir a ningún sitio”. Desde 2011, cuando fue confinado casi tres meses en una cárcel secreta, no puede salir de su país porque se enfrenta a un kafkiano proceso judicial por evasión de impuestos, pornografía y hasta bigamia. En su estudio de Pekín vive vigilado por cámaras de la policía, sin embargo su obra sale, se expone y se aplaude en los principales museos y galerías de arte contemporáneo del mundo entero. Este mes regresa, por sexta vez, Design Week, la increíble labor que reúne lo mejor del diseño “Hecho en México”, desde mobiliario, objetos y propuestas en decoración. Jaime Hernández Encontra y Emilio Cabrero encabezan esta labor titánica que año tras año tiene más fórum, más reconocimiento internacional y mucha más repercusión no solamente dentro del ámbito del gremio del diseño en nuestro país. Una de las principales atracciones es la denominada “Design House”, que como su nombre lo indica, se trata de una gran casa que se reparte
Design House
Antara Fashion Hall Paseo Arcos Bosques Paseo Interlomas Antea Querétaro
crateandbarrel.com.mx
cratebarrelMX
Muebles y artículos para el hogar
Crate and Barrel México
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Eileen Gray Rèmede SPA, St. Regis
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entre las firmas más sobresalientes del diseño de interiores del país y que se interviene, habitación por habitación, por cada uno de los diseñadores. Así, hay una sala clásica junto a un cuarto de tele über moderno, una cocina country y alguna habitación high-tec, que colinda con otra minimalista. La asignación de los espacios se hace mediante un sorteo entre los despachos de diseñadores, cosa que presenta un gran reto para los participantes. Pero para los espectadores es una delicia recorrer espacios que evocan tantos estilos, materiales, objetos de arte y fórmulas particulares de decoración. Esto, unido a conferencias, exposiciones en el Museo Tamayo y el Museo de Arte Moderno, programación de cine —este año se estrenará el documental de la afamada diseñadora de los años cincuenta Eileen Gray—, y una muestra de up and coming designers en el parque Lincoln de Polanco, originalmente montado con contenedores de carga a manera de showrooms, el Design Week es una extraordinaria manera de acercarse al diseño y talento creativo de México. Este año, además, el Reino Unido funge como país invitado, trayendo consigo un panel de conferencistas, expositores y muestras de diseño británico de primera. ¿Lo mejor para una tarde de lluvia capitalina? Refugiarse en el Rèmede SPA del hotel St. Regis, en pleno corazón de Reforma. Yo siempre he tenido una debilidad muy particular por los masajes súper apapachadores, de esos que te das cuando sales de paseo, y que son parte del atractivo y la ensoñación del mismo viaje. La verdad nunca se me había ocurrido dedicarle una tarde cotidiana a una de estas experiencias hedonistas, y hoy se ha convertido en una verdadera adicción. Cada vez que puedo hago check in en el St. Regis y me voy de “viaje” imaginado. La vista desde el lounge del hotel es nada menos que fuera de serie y la experiencia relajante incluye pasar un delicioso rato en la alberca o el jacuzzi, viendo llover desde dentro. No puedo dejar de mencionar que la oferta gastronómica de la colonia Roma sigue creciendo y sofisticándose. Hace pocas semanas abrió sus puertas Maison de Famille, que, como su nombre bien lo indica es la casa de la gran familia del restaurante Champs Elysées de antaño en Reforma y la calle de Amberes. Paquita Avernin está a la cabeza, y esta buena nueva gastronómica tiene a toda una generación de sibaritas urbanos festejando y brindando por un clásico de la Ciudad de México que renace con la misma calidad que lo hizo el mejor restaurante de la capital durante décadas. Sus platillos típicos como el paté de berenjena, riñones al coñac, pescado con salsa bernesa —inigualable— así como los mejores ostiones, quesos y, por supuesto, vinos franceses, son un gran motivo para celebrar. Y así, con cuaderno bajo el brazo lleno de direcciones, apuntes y anécdotas, sigo este recorrido interminable de descubrir —y redescubrir— rincones deliciosos de esta ciudad. Sitios cotidianos, diferente mirada. Continuará...
Maison de Famille
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ABRIDORES
el Blog por: La Redacción fotos: Cortesía
pág. 014 Octubre es un mes lleno de diseño y lo celebramos con objetos e historias para todos los gustos.
Baccarat por Starck Celebrando 250 años en París Baccarat celebra dos siglos y medio de existencia con una muestra en el Petit Palais. El visitante tendrá la oportunidad de descubrir cerca de 500 excepcionales piezas como el florero monumental “Negus”, el tocador y silla de la Duquesa de Berry y los floreros “Simon”, creados para la Exposición Universal de París en 1867. La muestra se presentará del 15 de octubre de 2014 al 4 de enero del 2015 en París.
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Sólo en Casa Palacio
Casa Palacio C.C. Antara, Ejército Nacional 843, Polanco, México, D.F. | casapalacio.com.mx |
casa_palacio
Una vez más Philippe Starck la da a la tradición Baccarat un giro moderno y aprovecha el éxito de la nueva tienda principal de la marca en París, en especial del candelabro de cristal negro. Starck juega con la luz y los contrastes usando cristales tanto negros como transparentes y le da su toque de diseño a una pieza que de otra forma sería absolutamente tradicional. El diseñador ha presentado para la marca colecciones como Darkside y Crystal Dream, con artículos que van desde sillas y floreros hasta el increíble espejo “Dis-moi, Miroir…” que toma su nombre del que aparece en Blanca Nieves, cuento de los hermanos Grimm. Pero es la colección Zénith la que más ha sorprendido por ser de la que se desprende, precisamente, el candelabro “Black Zénith”, pieza emblemática de la Casa Baccarat y que ha engalanado hermosos espacios con su color. Transforme por completo una habitación con esta creación que inconfundiblemente es de Philippe Starck.
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ABRIDORES
duradero, → Color cortesía de Clinique clinique.es |
Karmina Palace Deluxe
todo incluido… → Barceló Hasta las mejores playas 01 800 BARCELO | barcelo.com
Clinique |
De venta en tiendas departamentales
Clinique se impuso el reto de desarrollar un lipstick mate de larga duración que evitara los inconvenientes de fórmulas ya existentes. Pocos creían que fuera posible pero la marca lo logró y con un enorme éxito: Long Last Soft Matte Lipstick está ahora disponible tras tres años en desarrollo. Este nuevo producto logra su cometido de ser mate, pero al mismo tiempo resulta húmedo, cómodo, no reseca y no se corre. En pruebas de uso mantuvo el 60% de su color y cobertura después de horas en que las afortunadas que lo probaron bebieron café, hablaron y comieron sin que éste se corriera o ellas se mancharan. Para crear esta fórmula, se muelen los pigmentos en cetil octanoato, un ingrediente que desarrolla el color a su máxima intensidad, posteriormente se incorporan cápsulas pequeñas de sílice poroso para sellar el color. La hidratación de larga duración viene de un derivado de miel de abeja, mientras que un polímero especial, originalmente desarrollado para uso quirúrgico, ayuda a proteger los labios de la pérdida de humedad. Pero todo esto no serviría de nada si los colores no fueran espectaculares, la buena noticia es que son perfectos para diferentes tonos de piel y todos los gustos. Un acierto más de Clinique.
México ofrece algunos de los mejores destinos turísticos del mundo y Hoteles Barceló están presentes en ellos. Los hoteles del grupo se han convertido en el lugar idóneo para ir de vacaciones en familia, organizar reuniones de negocios, celebrar bodas y hasta lunas de miel. Pero en realidad lo que menos importa es el motivo de su estancia, ya que en Barceló la diversión está garantizada para todos: usted puede elegir entre deportes y dinámicas en piscinas o en la playa, programas infantiles, shows en vivo de clase internacional y más. El programa Barceló todo incluido es una excelente opción, ya que no sólo disfrutará de las amenidades con que cuenta el hotel, sino que también podrá probar cualquiera de los diversos restaurantes y bares que estarán a su disposición las 24 horas del día en cualquiera de los hoteles que elija. No pierda la oportunidad de probar lo mejor de sus especialidades en la cocina japonesa, mexicana y española, además de exquisitos cortes y, por supuesto, mariscos. Barceló Hotels & Resorts es el destino ideal para realizar cualquier tipo de evento que planee, gracias a sus salones de convenciones equipados con la mejor tecnología y servicios. Además sus playas lo vuelven un paraíso frente al mar donde podrá realizar elegantes bodas enmarcadas por románticos escenarios naturales. Fundación Barceló Es importante recalcar la labor de la Fundación Barceló, una institución sin fines de lucro creada por la familia Barceló Oliver en 1989. Desde su nacimiento en 1989, la Fundación Barceló desarrolla actividades en torno a las áreas de
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salud, educación, cooperación al desarrollo y cultura, entre otros. Sus proyectos incluyen al Programa AMI, destinado a mejorar la salud de los más necesitados, las actividades que persiguen el incremento de la calidad educativa y la
concesión de microcréditos, principalmente a las mujeres. La Fundación Barceló busca ayudar a quien más lo necesite; los programas de actuación de la Fundación Barceló se dirigen preferentemente a países de África y América Latina.
Todos los colores Los tonos nuevos del Long Last Soft Matte Lipstick: • Suede • Crimson • Mandarin • Peony • Petal • Magenta • Beauty • Plum
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tiempo de Hermès: → Es Dressage L’heure Masquée Masaryk 422, Polanco, México, D.F. | hermes.com |
Hermes
Muchos se preguntaban con qué sorprendería Hermès a los fanáticos de la relojería tras la presentación del Le Temps Suspendu hace algunos años. La respuesta llegó a principios de 2014 con el nuevo Dressage L’heure Masquée. Tal como el primero, este nuevo reloj enfrasca esa filosofía de Hermès de aprovechar lo momentos que realmente cuentan, de divertirse pero sin dejar de lado la elegancia. La aguja de las horas se esconde bajo la de los minutos y aparece únicamente cuando se acciona el pulsador integrado en la corona. De manera fugaz, captura el momento y desaparece en cuanto se libera el pulsador. De igual modo actúa el segundo huso horario, que desde su ventanilla participa en el mismo juego del escondite. Esto sucede gracias a un
ingenioso juego entre rastrillo, piñón y rodajes: al pulsar, la leva de las horas hace salir de su cobijo a la aguja, que pasa a marcar la hora con total exactitud en la esfera. El segundo huso horario, directamente conectado al calibre de base, se ajusta con el pulsador situado al otro lado de la corona. Con un mecanismo exclusivo patentado, el calibre H1925 de cuerda automática lleva el sello de la manufactura Hermès de principio a fin. Sin importar la versión que elija, tendrá un reloj con correa aligátor mate habano con hebilla desplegable de seguridad; la diferencia será, entonces, al decidirse entre la caja de oro rosa, con una edición limitada a 500 piezas, o la de acero, de la cual hay mil piezas. Cualquiera que sea su elección, no se arrepetirá.
CARACtERíStICAS téCniCas Calibre tipo: Mecánico de cuerda automática, manufactura Hermès H1925 Reserva de marcha: 45 horas Rubíes: 28 Frecuencia: 28.800 alternancias por hora (4 Hz) Decoración: Platina con acabado perlado y acaracolado, puentes y masa oscilante satinados y filigrana de H Diámetro: 26 mm (11 1/2’’’) Grosor: 3.7 mm Funciones: Horas, minutos, segundo huso horario, función “hora oculta” / Pulsador integrado en la corona, que permite desvelar la aguja de las horas y la ventanilla del segundo huso horario / Ajuste del segundo huso horario mediante pulsador a las 9 Mecanismo Mecanismo “hora oculta” Diámetro 32.5 mm Grosor 2.7 mm Rubíes 18 Componentes 95
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Black Rose Precious Face Oil El elixir de Sisley
sisley-cosmetics.com |
Sisley-Paris
Black Rose Precious Face Oil, primer aceite de tratamiento facial lanzado por Sisley, fue diseñado para combatir la resequedad cutánea, ya sea por genética, por envejecimiento o por condiciones climáticas. Fieles a su tradición botánica, de altísima calidad y de texturas placenteras, los laboratorios Sisley elaboraron un aceite seco satinado con una acción preparatoria, nutritiva y antiedad. Ricos en Omega 3 y 6, los aceites de ciruela y de camelina preparan las células epidérmicas para que asimilen mejor los principios activos de la fórmula. Una vez que la piel está preparada, un potente cóctel de activos de origen vegetal —como el karite o la padina pavónica — con propiedades nutritivas, regenerantes y protectoras le aporta los elementos esenciales para que se mantenga joven y llena de vitalidad. La base de la fórmula, el extracto de Rosa Negra, aporta una textura extremadamente delicada. Además, se combina con los aceites esenciales de Rosa búlgara y Magnolia, con propiedades tonificantes y calmantes. En cada aplicación, el acorde floral del Huile Précieuse à la Rose Noire despierta los sentidos con una sutileza exquisita. Más que un tratamiento, este lujoso elixir ofrece una suavidad infinita, sensaciones únicas y enorme eficacia para que con solo con unas gotas la piel luzca una apariencia más hermosa y rejuvenecida.
Cúbica Arquitectos → CLa Casa Moderna Paseo de los Laureles 458-604, Bosques de Las Lomas, México, D.F. (55) 5259 3216 | ccubicaarquitectos.com | C Cubica Arquitectos
Los perfumes de sisley Aunque la marca francesa es conocida por sus excelentes tratamientos faciales, sus perfumes —así como los productos
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que los acompañan— no deben dejarse de lado. Eau du Soir, Eau de Campagne, Eau de Sisley y Soir de Lune son los nombres de las fragancias que ofrece Sisley.
Andrea Cesarman, Emilio Cabrero y Marco Coello de C Cúbica Arquitectos crean un nuevo capítulo para una familia joven. Un proyecto dinámico en las Lomas de Chapultepec para un estilo de vida moderno. Caracterizado por su doble altura y volúmenes abiertos, la casa actúa como un oasis en una ciudad caótica. Un muro de concreto inclinado deja la calle atrás para llegar a un espacio abierto y accesible donde el hall de entrada sirve como conexión entre los dos volúmenes principales. La idea de este proyecto era dividir los espacios; la planta alta es el espacio privado para los papás con una terraza con vista panorámica de la ciudad y los volcanes; y la planta baja para actividades familiares. Concreto, acero, cristal, madera de parota y muros de stucco se unen para crear el espacio ideal. La pareja disfruta del ecléctico estilo mexicano con su arte y mobiliario. Mezclando diseñadores emergentes mexicanos con clásicos modernos como la lámpara Tolomeo y sillones de Cassina. Así como nuevos favoritos con el estudio basado en Brooklyn, Apparatus. El tranquilo jardín y alberca acercan el retiro de fin de semana al hogar citadino, disfrutando una vista del jardín de todos los cuartos de la casa. La cocina abierta es el corazón de la casa y la familia, donde cocinan comida vegana que crece en su propio huerto urbano a un lado del jardín.
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ABRIDORES
Bally y su nuevo director de diseño Pablo Coppola —argentino de nacimiento y con experiencia en casas como Tom Ford, Alexander McQueen, Dior, Burberry y Cèline— es el nuevo director de diseño de Bally. Coppola fue elegido por el ceo Fréderic de Narp por su ntendimiento de la marca y su habilidad para canalizar la energía de un equipo en una visión más fresca para el futuro de Bally. Graduado del Institut Francais de la Mode de París, Coppola se desempeñaba antes de unirse a Bally como director de accesorios en Tom Ford. El enfoque de Coppola para Bally incluye un renovado enfoque en la innovación y el trabajo artesanal.
→ Bally El poder de la piel bally.com |
Bally |
@bally_swiss
Bally abrió el pasado mes de septiembre su primera flagship store en México como parte de su expansión mundial y renovación. Sobre la mítica avenida Masaryk y como parte de la creciente oferta de marcas de lujo en nuestro país, Bally ofrecerá aún más productos de los que ofrecían en tiendas departamentales. El nuevo ceo de Bally,
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Fréderic de Narp, aseguró que México es un gran mercado para ellos y por eso lo eligieron como punta de lanza para entrar a Latinoamérica. En una superficie de 250m2, la nueva tienda se erige para exhibir las colecciones de hombre y mujer de la marca que van desde los conocidos y amados zapatos, hasta la línea de bolsas y
maletas, así como una renovada línea de accesorios y ready to wear que completan la nueva cara de la marca. Bally reafirma su compromiso de ser una marca moderna, con una construcción de gran calidad, suiza de origen pero de reputación global y está lista para satisfacer a los exigentes consumidores mexicanos.
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Man in Black → Bulgari La trilogía está completa bulgari.com |
Bulgari
Bulgari introduce Bulgari Man Black, la tercera entrega de la trilogía de Bulgari Man, compuesta también por Bulgari Man y Bulgari Man Extreme. Con notas especiadas, la fragancia captura la esencia de ese hombre moderno con una relación cercana a los antiguos dioses romanos. Dentro de un frasco de ébano reluciente, Bulgari Man Black está diseñado para ser usado por un hombre que encarna una masculinidad moderna e inconfundible. Albeto Morillas, maestro perfumero y creador de Bulgari Man in Black, describe como raro el hecho de usar el nardo en una fragancia masculina, ya que éste es comúnmente usado en perfumes para mujer, pero al contrarrestarlo con el cuero, el ámbar y resinas preciosas, el resultado es un aroma muy atrayente y seductor. La cabeza de Bulgari Man in Black se antoja adictiva con tonos brillantes y especiados: el ron y el ámbar contrastan con la especia misteriosa, creando una tonalidad inusual y vibrante. De ahí, la fragancia evoluciona hacia un cuerpo emocional y poderoso, mostrando el magnetismo del nardo y la virilidad del cuero: es aquí donde se nota la masculinidad única y moderna. Por último, llegamos a una base compuesta por el benjuí, la madera Kasi y el particular aroma a tabaco del frijol Tonka. Bulgari Man in Black es una creación de personalidad fuerte para el hombre contemporáneo, seguro de su magnetismo.
→ Birkenstock Alemanes con paso firme birkenstockmexico.com |
BirkenstockMexico |
@BirkenstockMex
En 1774 en un pequeño pueblo alemán, Johann Adam Birkenstock es registrado como zapatero en los archivos de la iglesia del pueblo. Un siglo después, Konrad Birkenstock, su nieto, desarrolla el concepto que cambiaría la forma de los zapatos hasta esa época: a pesar de que la planta del pie es curva, en aquel entonces todo el calzado tenía plantillas planas. Konrad concluyó que de tener una plantilla anatómica que reflejara la forma del pie, el calzado ofrecería mayor confort. Muy pronto, diseñó el primer calzado con plantilla anatómica a base de contornos que
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sería usada por los zapateros de la época en la producción de calzado hecho a la medida. El estilo del calzado Birkenstock es único: su estructura, colores, texturas y formas se han convertido en un emblema. La firma alemana tiene más de 240 años en el mercado, y fue justo en este 2014 que las sandalias Birkenstock se posicionaron a nivel mundial como el calzado del verano. Por suerte, fue también este año que varias tiendas de la marca abrieron en México, así que no hay pretexto para ya no tener un par. O uno de cada color.
Los 30 años de las arizona Reconocido como un ícono representativo de las últimas tres décadas, el modelo Arizona de Birkenstock celebra su trigésimo aniversario en el 2003. En la actualidad, es uno de los modelos más exitosos de Birkenstock y la carta de presentación de la marca.
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Cervantino 2014 → Festival 42 años de cultura en Guanajuato festivalcervantino.gob.mx | Del 8 al 26 de octubre de 2014, Guanajuato, Guanajuato |
Shakespeare 450 y Frontera(s) son los dos ejes temáticos que llevan de la mano esta edición del Festival Cervantino 2014. Para celebrar que han pasado 450 años del nacimiento del escritor inglés, uno de los más grandes en la historia, un homenaje tomará la forma de su obra: Mucho ruido y pocas nueces en versión del grupo francés Compagnie Hypermobile y Julio César, fragmentos en versión del director y actor italiano Romeo Castellucci; dos adaptaciones de Romeo y Julieta, así como dos versiones de Sueño de una noche de verano, además de charlas y conferencias sobre su obra y su relación con Cervantes. El otro tema, Frontera(s), fue pensado con el objetivo de reflexionar sobre los límites que se impone el ser humano, desde las físicas y territoriales hasta fronteras ideológicas, morales, económicas o de género. Esta reflexión se presentará en forma de espectáculos que van desde óperas hasta espectáculos multimedia. Una gran sorpresa es el Proyecto Ruelas, que presenta adaptaciones de obras de Shakespeare creadas por compañías teatrales integradas por habitantes de cuatro comunidades marginadas del estado de Guanajuato y que serán presentadas en plazas a lo largo y ancho del estado. Por si esto fuera poco, este
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cervantino.festival |
@cervantino
año también se presenta la Academia Cervantina, en que 25 músicos menores de 35 años trabajarán con los mejores músicos del mundo en un proyecto pedegógico que busca formar nuevos instrumentistas. El público podrá disfrutar de su avance en conciertos gratuitos.
InvItADoS DE Honor
Japón y Nuevo León mostrarán su riqueza cultural con espectáculos que incluyen, por parte de Japón, la danza contemporánea del grupo Pulse, projection mapping de Rhizomatics+Elevenplay o la música barroca del Bach Collegium Japan, además de la presentación del gran violinista Ryu Goto con la Orquesta de la Universidad de Guanajuato; por su parte, Nuevo León presentará a su Compañía de Danza Folclórica, el festival de expresiones urbanas Callegenera con pláticas y talleres, y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León acompañará al reconocido pianista Abdiel Vázquez. Este mes, como cada octubre, Guanajuato vuelve a convertirse en el centro cultural de México y el mundo, y habiendo algo para todos los gustos, no debe perdérselo.
¿El más grande de todos los tiempos? Una pregunta imposible de responder, pero la asombrosa capacidad de Shakespeare para representar lo bueno y lo malo del ser humano en sonetos, comedias y tragedias lo pone en un lugar tan alto que algunos incluso dudan de su existencia. El Festival Cervantino de este año, a través de su obra, le rinde un merecido homenaje al nacido en Statford-upon-Avon el 23 de abril de 1564. Obra que todos, de una manera u otra, deben conocer.
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El diseño y sus manías
Ilustraciones: Daniel Benítez
Las fronteras del arte Si buscamos una definición académica, el diseño es el arte de ordenar y componer elementos de la misma clase para formar un todo, con un sentido y un fin determinado. Aunque muchos lo pongan en duda, es un arte, uno que evoluciona con los años, se adapta a las nuevas tecnologías y determina, sin que nos demos cuenta, las estética que nos rodea en nuestra vida cotidiana. Recientemente, las técnicas, los materiales y los conceptos se han integrado a nuestro día a día y se han hecho mucho más populares; ya todos sabemos un poco de diseño (o al menos eso creemos) y nos hemos vuelto cada vez más exigentes, más extravagantes y mejores compradores y observadores. Pero este arte lleva en el mundo mucho más tiempo de lo que imaginamos, hubo quienes hicieron grandes hazañas del diseño sin siquiera saberlo. Aún tiene mucho que enseñarnos de su pasado, su presente y la forma en que cambiará nuestro futuro.
por: Diana Amador
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Museos y galerías, y el mismo público, han hecho siempre una distinción entre las facetas de trabajo de Andy Warhol, porque uno es el artista y otro es el ilustrador. Una de sus obras más famosas, “Latas de Campbell”, es una serie sucesiva de 32 lienzos con la pintura de una sopa enlatada. Para muchos, no se trataba de arte, sino una pieza de diseño con una técnica más elaborada. La discusión, en realidad, viene de mucho más atrás, a comienzos del siglo xvi cuando en Inglaterra se crearon dos escuela oficiales: The school of Desing, dedicada a educar a quienes crearan objetos útiles para la sociedad, y The Royal Academy, dedicada a las tradicionales Bellas Artes. Si bien el enfrentamiento era meramente teórico, las diferencias cobraron más fuerza al debatir sobre si se
debía enseñar o no a dibujar la figura humana. Se decidió que los artistas debían trabajar con las figuras reales, pero los diseñadores sólo podían usar figuras geométricas y abstracciones. El lío creció tanto que se nombró un Comisionario Artístico Oficial, Richard Redgrave, determinó que los artistas imitarían a la naturaleza, mientras que los diseñadores la abstraerían; había “artistas nobles” y “artistas ornamentales”. La evolución de la historia del arte dejó atrás esos conceptos, ahora cualquier figura o material puede ser tanto arte como diseño. Si acaso lo que los sigue distinguiendo es la intención de quien lo hace. ¿Será que con su latas de sopa Warhol quería criticar el consumismo, el capitalismo y sus creaciones en masa? ¿O sólo quería decorar un muro?
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La esencia de las cosas Aunque no lo parezca, en cada rincón de nuestras vidas hay un resquicio de orden y, por supuesto, de diseño. Si todavía no puede distinguir en dónde nos han invadido, aquí una pequeña clasificación.
Urbano Busca satisfacer necesidades del espacio colectivo, debe incluir el sistema de convivencia, la política, la administración pública, y los materiales que utiliza no son sólo de construcción, sino también los recursos económicos, las disposiciones legales y las actividades específicas de la población.
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Arquitectónico Todo diseño relacionado con la proyección y la construcción de edificios y obras de ingeniería, así como la ambientación y decoración de edificios.
Industrial Su principal objetivo es resolver las relaciones formales-funcionales de los objetos producidos industrialmente. O sea, se encarga de todo lo que está hecho en serie y sirve en términos prácticos.
Textil Se especializa en las técnicas específicas de tejido y la elaboración de productos textiles como fibras e hilos. No se trata de moda como tal, pero sí de uno de los pasos en el proceso de esa industria.
Interiores Hobbie de muchos y profesión otros tantos que se encargan de la distribución del espacio y la luz dentro de una construcción. Su labor va desde el diseño de mobiliario, utensilios domésticos o decoración de locales comerciales hasta montaje de exposiciones y escenografías teatrales.
Gráfico Se trata de todo tipo de composiciones —planos, dibujos, carteles, portadas de libros, periódicos y revistas, fotografías, proyectos de propagandas, etcétera— que tienen como objetivo el comunicar un mensaje. Es quizá el más común y el peor pagado.
Sonido No es sólo unificar imágenes y video, es un elemento narrativo importantísimo. Diseñar un buen sonido va mucho más allá de una gran explosión en una película, eso es sólo el proceso técnico utilizado para lograr contar una historia con ese sonido. No es un ingeniero, sino un artista.
La geometría y lo sagrado No es cosa de hippies, sino ciencia pura. Los cánones estéticos están íntimamente ligados a la simetría y el compás que hay en la naturaleza, nosotros sólo tratamos de imitarlo. El misterio de la belleza es tan grande, que a lo largo de la historia se le ha relacionado con las divinidades. La forma de comunicarse con dios, dicen, es la geometría. Así surgió el concepto del número divino o divina proporción, que suena mucho más poético. Se trata de un número algebraico irracional, (o sea que su representación deci-
mal no tiene fin) que representa la proporción entre dos segmentos de una recta. Y ésta se encuentra en las hojas de los árboles, en los pétalos de una rosa, en los caracoles y en el rostro de las modelos de Victoria’s Secret. Tanto grandes como pequeñas civilizaciones han utilizado los principios de proporción y distribución para rituales, altares y lo que se conoce como arquitectura sagrada. Stonehenge, en Gran Bretaña, es el más famoso ejemplo. Son cuatro circunferencias concéntricas, con un camino
que las cruza a lo largo de tres kilómetros de longitud: los distancias entre los monolitos es constante y proporcional; al centro se encuentra la Piedra del sacrificio. Se han encontrado más de 300 enterramientos en la zona. Otro ejemplo mucho menos mórbido son los famosos jardines zen, que con figuras geométricas busca transmutar las energías negativas de un lugar en benéficas. Estas formas generan una armonía que favorece la conexión entre nosotros y el lugar que habitamos.
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Sofá Jethro de Hebra Studio
Aretes antiguos de Amandina
Esqueleto+Lapa de Goyo
Inspirado en diseños vintage, este sillón ofrece estilo, comodidad y un diseño muy particular. El estudio Hebra puede hacer las combinaciones de colores que más le gusten, usando las telas de su elección.
Con técnicas artesanales de Yucatán, estas joyeras se especializaron en el uso de filigrana, largos y delgados hilo de metal —casi siempre oro y plata— que forman delicadas siluetas.
Inspirados en la creciente necesidad de trabajar desde casa, Goyo Estudio lanzó toda una colección de muebles para que su oficina sea tan linda y funcional como necesita. Este escritorio y cajonera en madera de maple y superficies de vidrio es el mejor ejemplo.
hebrastudio.com
amandinajoyeria.com
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Ramírez de Mob Irene menta de MiTú
El diseño y la moda no son lo mismo, pero se parecen. MiTú es una línea de calzado hecho a mano en México; son muy pocas piezas con diseños exclusivos y altamente funcionales, que pueden ser usados en cualquier temporada.
Los indispensables Para este número buscamos objetos de diseño puramente mexicanos que demuestran que esta disciplina está en todas partes, incluyendo nuestro país.
mitucalzado.com
Un librero que por momentos parece no serlo, es un clásico del estudio Mob. Aunque parece que todo el tiempo está a punto de derrumbarse, sirve como divisor de espacios en un departamento. Pueden hacerlo de nogal, fresno o tzalam, según prefiera. mob.com.mx
Detroit square stool de Studio Roca
Chuun de Christian Vivanco
Mostros de Óscar Nuñez
Aunque está en la sección de cojines, este artefacto es un pequeño taburete de 45 cm2, ideal para espacios pequeños. Usted elige los colores y el tejido está hecho a mano.
No es una silla y no es un perchero, sino todo al mismo tiempo. Esta pieza de Christian Vivanco está inspirada en los árboles y hecha con madera.
Aunque forman una colección de muebles hecha para niños, es difícil resistirse a este diseño sonriente de Óscar Nuñez, hecho de fresno y laca, del color que más que le guste.
christianvivanco.com studioroca.com
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Diseñador por un día Para quienes creen que tienen un artista o diseñador viviendo dentro de sí pero ese talento creativo no llega hasta sus manos, existen nuevas herramientas capaces de fabricar lo que manualmente es imposible, como las impresoras 3D. Y si el talento creativo necesita un empujoncito, aquí cinco sitios que pueden darle algunas ideas para crear sus propios objetos de deseo.
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cubehero.com Aquí puede encontrar diagramas, modelos y piezas para impresora. Lo que lo hace distinto es el foro abierto de discusión y preguntas, en el que cualquier diseñador, improvisado o experto, puede participar.
fabster.com Un sitio un poco para presumir y otro tanto para inspirarse. Aquí puede compartir fotografías de sus creaciones, dando todos los detalles técnicos, incluyendo el tipo de impresora que usó. Compartir el modelo y el instructivo de cómo lo hizo es opcional.
en3d.org Este sitio español ofrece cientos de modelos en 3D y la mayoría se descargan de forma gratuita y sin necesidad de registrarse. Hay muchos juguetes, artículos deportivos, joyas y hasta esculturas.
thingiverse.com Es una comunidad de diseñadores frustrados, pero muy creativos. La página es impulsada por MakerBot que también fabrica las impresoras. No sólo hacen sugerencias, sino que su catálogo es alimentado por miles de usuarios que comparten consejos y manuales.
bld3r.com Funciona como una red social —con un formato similar a Pinterest— sobre impresiones en tercera dimensión. Puede acceder a centenares de modelos descargables, tutoriales e incluso comprar piezas de alguien con las mismas ideas que usted pero mejor desempeño.
Dime dónde vives y te diré qué casa necesitas Tener un techo bajo el cual dormir ha sido un dilema para el hombre desde que ese techo era una cueva. Con el paso del tiempo, las técnicas y materiales de construcción han evolucionado para cumplir más necesidades que el refugio y descanso. No sólo la estética y el presupuesto son determinantes en el diseño de una casa sino también, de manera determinante, el clima donde uno vive. En climas extremadamente fríos es importante mantener ese equilibrio, con una casa semi enterrada y cubierta de hierba en el techo, por ejemplo, con un jardín lleno de árboles espesos que nos protejan del viento. El caso más extremo, por supuesto, es un iglú, que significa literalmente “casa de nieve”; un refugio formado por bloques de nieve dispuestos en forma de cúpula. Estas viviendas son utilizadas por los esquimales que los habitan temporalmente para cazar en Alaska y Antártida. En el caso contrario, cuando el calor es una tortura constante, son mejores los techos
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altos, las ventanas amplias y mucha vegetación en los alrededores. No es gratuito que las primeras viviendas fuera de las cuevas, hayan sido sobre los árboles. Si hay grandes depósitos de agua cerca, ese es un elemento más a integrar a la arquitectura y a la comodidad. En Tailandia hay un mercado completamente dentro del agua, pues los vendedores usan sus propias casas flotantes como locales. Menos folclóricos pero más comunes son los palafitos, viviendas construidas sobre pilares sumergidos en lagos, ríos o lagunas. Este tipo de viviendas se encuentra en países como Chile, Argentina, Belice, Benín, Perú, Francia y Venezuela y otros. Lo cierto es que el clima y la sobrepoblación ya son fenómenos homogéneos en las grandes ciudades, por lo que los rascacielos que recuerdan a las colmenas con departamentos de 30 metros cuadrados o menos, son las viviendas más comunes en un mundo donde el medio ambiente ya parece ser lo de menos.
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Literatura, diseño...y marketing En 2012, el escritor estadounidense Barry Eisler se lanzó contra su propia editorial. No era un tema de regalías, se trataba de la portada de Fault Line, que le parecía inerte, vacía y sin vida. Se molestó tanto por la elección de Belfond, la editorial de la versión francesa de su quinta novela, que publicó una carta abierta acusándolos de usar una imagen que apuntaba sólo al 2% de los potenciales lectores. “Diferentes mercados tienen diferentes sensibilidades, pero la imagen que han elegido no es que viole la sensibilidad de un mercado particular, sino que viola los fundamentos del márketing como tal”, decía. A Eisler le preocupaba que nadie quisiera comprar su libro con esa portada tan aburrida, pero lo que despertó su furia fue que le parecía una imagen que no tenía nada que ver con la historia que contaba. Fault Line es la crónica de dos hermanos, un soldado y un abogado, marcados por una tragedia familiar obligados a reencontrarse por una conspiración. La historia tiene sexo, acción, locaciones exóticas y una hermosa mujer iraní. La portada, en cambio, tenía la puerta de un garage y un par de cámaras de vigilancia. Esa portada, decía el autor, no refleja la obra, no se la vendía a posibles lectores. El afamado Stephen King escribió algo similar en Entertainment Weekly, sobre Fieldwork, novela de Mischa Berlinski y publicada por Farrar, Straus y Giroux. Primero se deshace en elogios a la obra y después critica las portadas y títulos elegidos por los editores, como un atentado contra el autor y contra su propia industria. No se debe juzgar un libro por su portada, pero sabemos que la mayoría de los lectores lo hace.
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Un sueño postergado Si el gobierno de Barcelona cumple su promesa de terminar la construcción del Templo de la Sagrada Familia en 2016, se habrán tardado 144 años en culminarla. Y eso aún está por verse. La primera piedra fue puesta en 1882, por el arquitecto Francesc de Paula Villa que tenía pensado un diseño neogótico. Un año después, luego de pelearse con el Ayuntamiento, el catalán Antoni Gaudí se hizo cargo. Él es uno de esos personajes que parecen de ficción, no sólo por su genio sino por su capacidad creativa en tantas y tan diversas disciplinas. Se conoce más su faceta como arquitecto, pero también diseñó muebles, objetos, hizo algo de urbanismo, paisajismo y, dicen, era un gran cocinero.
Gaudí dedicó gran parte de su carrera a construir el Templo, su trabajo era tan intenso y minucioso, que los últimos años de su vida los pasó en el taller de esta construcción y no trabajaba en ningún otro proyecto. En 1926 su esfuerzo se vio truncado por un tranvía. Gaudí murió atropellado, cuando sólo había terminado el 65% del proyecto. En 2011 las autoridades locales anunciaron que el arquitecto Jordi Faulí terminaría la obra que consumió al menos 15 años de la vida de un genio, al que ni siquiera le pagaban por hacerlo. Dos años después, el mismo arquitecto se ha quejado de la lentitud con la que fluyen los recursos. El sueño de Gaudí sigue siendo eso, sólo un sueño.
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amoATO: geometría, papel y color por: Andrea Villanueva fotos: cortesía de amoATO
El estudio de diseño amoATO comenzó como un experimento entre amigos tras terminar la escuela. Hoy, se trata del despacho de arte en papel más reconocido de México y además se encuentra en crecimiento en el área del interiorismo y diseño de muebles. Conozca la historia de estos tres amigos que hacen maravillas en papel.
“Nahual” para Pineda Covalín.
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Cuando un maestro decide quién integrará un equipo para un trabajo en clase, los resultados pueden ser desastrosos. Pero el caso de Raymundo, Saraí y Melissa es completamente opuesto. Tras ser elegidos por su profesor para trabajar en equipo durante el 4º semestre de la carrera de Diseño Industrial, se volvieron inseparables —tanto dentro como fuera de las aulas— y al graduarse, durante una cena navideña en 2009, decidieron llevar su amistad a otro nivel y convertirse en socios. Entonces decidieron ser parte de la incubadora de empresas del Tec de Monterrey y comenzar un despacho de diseño a principios de 2010. En un principio, al desarrollar el plan de negocios, su idea era abarcar, si no todas, muchas de las áreas del diseño — textil, industrial, gráfico— pero poco a poco se dieron cuenta de que no era posible hacer todo bien y se decidieron por el interiorismo, diseño de muebles y el que es ahora su producto estrella, instalciones y arte en papel. Tras colaborar con Kris Goyri para la muestra de Bárbara Berger, Bijoux, en el Museo Franz Mayer en 2011 —con cabezas de animales de papel que adornaban la colección de alta costura y joyas de Berger—, su marca despegó de tal forma que tuvieron que dejar la incubadora de empresas, “como nos dijo nuestra asesora, ‘el mejor signo de que lo hicieron bien es que ya no tienen tiempo para venir’”, cuenta Raymundo.
Fue entonces que decidieron dedicarse al 100% a su empresa, con la filosofía de decir prácticamente a todo que sí. Así también surgió la necesidad de ponerle nombre: querían algo mexicano, jovial y divertido que expresara su filosofía. amoATO viene de la canción del mismo nombre, que entre sus estrofas incluye la frase “qué quiere usted”. Y así asegura Saraí que es, “vamos con un cliente y de acuerdo a sus necesidades hacemos una propuesta”. Después del éxito en la exhibición en el Franz Mayer todo comenzó a darse de manera orgánica. “Hay muchos despachos de diseño en México, nuestra asesora [en la incubadora] nos decía, ‘necesitan algo que los distinga’, estábamos entonces pensando en hacer algo en papel y tras la exhibición a mucha gente le interesó ese trabajo”. Aún sorprendidos por el éxito, los diseñadores cuentan que los primeros clientes que les empezaron a llegar se los deben a esa primera exhibición. En un principio los clientes buscaban a amoATO por el papel, sobre todo el primer año. Swarovski fue de los primeros, habiendo sido patrocinador de la exposición de Bárbara Berger decidieron llamarlos de nuevo.
Pa r a l a in s ta l a ción Tessella, en el Hotel W los diseñadores utiliz aron má s de 5 mil Piez a s tri a ngu l a r e s Pa r a formar l a tessell a coloc ada en el lobby del Hotel
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Mesas “Constantine” de su primera colección de muebles.
Del papel a la maDera
“Cuando cumplimos un año”, cuenta Saraí, “el W nos invitó a los W Happenings, fue el primer evento de diseño y nos dieron la oportunidad de hacer lo que quisiéramos y ahí presentamos la primera colección de mobiliario”. Fue una buena oportunidad para presentar un proyecto que no era una colaboración con alguna otra marca, sino algo propio de amoATO. El hotel se convirtió poco después en uno de sus clientes, ya que ahora tiene unas mesas que adquirió tras la remodelación, siendo el único mobiliario de diseñadores mexicanos. Dicha colección se llama Tessella y está inspirada en el mismo trabajo de papel que los ha hecho obtener el reconocimiento. Una de las piezas más atractivas es una silla que en la tapicería lleva las mismas formas triangulares del papel, esos pliegues que recuerdan figuras de origami. Tienen también muebles modulares que pueden colocarse de diferentes maneras, y dependiendo de cómo se acomoden la pieza evoca épocas diferentes. Además, la firma ha creado y diseñado mobiliario personalizado, aunque siempre con diseños que se basan prácticamente siempre en lo que han creado antes con papel. “Ha pasado que hacemos algo en papel y la gente dice eso me encanta y lo quiero para mi casa”, cuentan. “Pero es de papel y nosotros lo tratamos de traducir a otro producto”. 38 | la revista
Otra cosa que lleva amoATO en su adn es la colaboración, siempre se han sentido atraídos hacia ese tipo de trabajo y es el estilo que quieren proyectar, mucho más allá de que las marcas los vean como simples proveedores. Al trabajar con marcas —ya sea Tane o Domino’s Pizza— buscan acercarse a la gente creativa de la empresa para crear un resultado que deje satisfecho a todas las partes. Lo mismo sucede cuando trabajan con despachos de arquitectura: Muro Rojo y Studio Roca son algunas de las colaboraciones que tienen en su haber. Estas colaboraciones buscan ser, por supuesto, multidisciplinarias y les dejen un aprendizaje.
Display de TANE en Zona Maco.
Hacer Del Diseño un negocio
La parte creativa y de diseño la piensan entre los tres socios y quizá ésta sea la parte más sencilla, la que más se disfruta. Pero el talento por sí solo no es suficiente, además de la parte creativa que comparten, cada uno tiene sus propias responsabilidades: Melissa se encarga de toda la parte de administración y de finanzas; Saraí se encarga de la producción y ver proveedores y Raymundo está a cargo del área comercial y atender a los clientes. Es un poco caótico, dicen, llevar una empresa que haga muchas cosas y acotarse es lo que les ha ido dando resultado, a pesar de que cada uno de los proyectos son muy diferentes.
Colaboraciones entre las marcas con las que ha colaborado amoato se encuentran las siguientes: • • • • • • • •
casa dragones domino’s Pizza el Palacio de Hierro Julio Pineda covalín swarovski tane tanya moss
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Saraí Noguez
Melissa Falcón
Raymundo Botello
Fecha y lugar de nacimiento 1986, ciudad de méxico Proyecto favorito de amoATO bijoux, fantasías en moda y Joyería Persona que admira del mundo del diseño Patricia urquiola
Fecha y lugar de nacimiento 24 de abril de 1981, ciudad de méxico Proyecto favorito de amoATO bijoux, fantasías en moda y Joyería Persona que admira del mundo del diseño yves behar
Fecha y lugar de nacimiento 6 de noviembre de 1984, ciudad de méxico Proyecto favorito de amoATO tessella en el Hotel W Persona que admira del mundo del diseño ronan & erwan bouroullec
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Muestra Bijoux Barbara Berger en el Museo Franz Mayer.
Por el momento amoATO no vende sus productos en tiendas, aunque en algún momento la colección estuvo en la Galería Mexicana de Diseño durante un verano. Los muebles hoy en día son distribuídos por Diseñado Por, que exporta diseño mexicano a Europa, y la forma más sencilla es comprar directamente con ellos. Tienen, por supuesto, la inquietud de tener su colección de muebles en una tienda, ya sea en línea o física, pero todavía no saben cuándo lo lograran por la impresionante carga de trabajo que tienen. El trabajo en papel ocupa la mayoría de su tiempo, ya que es algo muy demandante y todo es hecho a mano. A pesar de que tienen tres personas trabajando con ellos, cuando se trata de proyectos grandes han llegado a contratar hasta 20 más para lograr entregar el trabajo a tiempo. Uno de estos enormes proyetos fueron escaparates de navidad del 2013 de Casa Palacio, para los cuales crearon piezas muy complejas y muy 40 | la revista
grandes. Para la marca de ropa mexicana Julio crearon los escaparates de primavera 2013 en sus 110 tiendas, incluyendo las que tiene la firma en Colombia. Cuando comenzaron nunca se imaginaron que tendrían tanto trabajo, pero la clave ha sido tomar riesgos y aceptar proyectos que implican un gran compromiso con las marcas. Al ser todo hecho a mano, es echarse un paquete grande y en un principio eran solamente ellos tres. “Nunca hemos dicho ‘¿podremos?’”, y puede que ésa sea la clave de su éxito: pensar en grande. Uno de los retos más grandes que tienen en este momento como empresa es el de un hotel en Cancún que están remodelando por completo y es el primer proyecto de tal magnitud que han conseguido. Varias cosas para Palacio de Hierro, Domino’s Pizza y eventos como el Abierto Mexicano de Diseño y Design Week. Para el Centro Cultural Pedro López Elías, un
complejo sustentable y ecológico en Tepoztlán, crearon hicieron piezas en papel de personajes literarios. Para celebrar los 70 años de Tane diseñaron los escaparates, además de ser parte del diseño de la exhibición de aniversario de la joyera en el Franz Mayer. Así, todo lo que hacen —tanto en papel como otros materiales— y el ambiente que los rodea es un reflejo de lo que son como diseñadores y personas, incluso el trabajo de herrería de la casa de la Roma que usan como estudio tiene formas que parecen hubieran sido creadas en origami. amoATO es una empresa que ha ido creciendo de una forma tan orgánica como los mismos árboles de los que viene el papel.
iNFO amoatostudio.com FB: amoATOstudio
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“Unamos nuestros corazones” para Domino’s Pizza.
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Design Week México: Seis años comunicando lo mejor del “Hecho en México” por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Ignacio Galar
El diseño mexicano está más avanzado de lo que muchos creen y Design Week ha sido parte esencial de ese desarrollo. Platicamos con sus creadores, Emilio Cabrero y Jaime Hernández Encontra, quienes nos contaron de qué se trata y hacia dónde va esta iniciativa. 43
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Por sexto año consecutivo, la Ciudad de México se viste de gala para recibir a los exponentes más destacados dentro del gremio del diseño industrial, así como su vínculo con el interiorismo, la arquitectura y las artes plásticas. Bajo la batuta de Emilio Cabrero y Jaime Hernández Encontra, y junto con Andrea Césarman y Marco Coello, Design Week México es un evento más que consolidado y con extraordinaria repercusión internacional dentro del mundo del diseño. Este año tiene como país invitado al Reino Unido, precursor innegable de esta cofradía creativa a nivel mundial, que trae consigo un gran pull de diseñadores que, durante una semana, compartirán con México su fantástica inventiva e innovación dentro del mundo del diseño. Marcela aguilar y Maya: ¿Cuál es la historia detrás del Design Week? JaiMe Hernández encontra: El
concepto de Design Week como tal es muy joven; son tendencias, iniciativas, ferias que se presentan en las capitales más importantes del mundo. El primer “Festival de Diseño”, como tal, fue en Tokio a mediados de los años ochenta, y fue la primera vez que se juntó en un solo lugar un tradeshow de producto y diseño de interiores, donde reunieron a los principales diseñadores de Japón para entender hacia dónde se dirigía el diseño local y ver de qué forma podían interactuar entre ellos. Este concepto aparece muy al estilo del Salone del Mobile en Milán, Italia, que era y sigue siendo el más reconocido, aunque éste último, a diferencia de los Design Weeks, tiene un objetivo comercial. En el año 2003 apareció el Festival de Diseño en Londres, que es propiamente la primera Design Week estructurada como ahora: tiene exposiciones, showrooms, conferencias y toda una serie de eventos que surgen paralelamente. Otro festival que está dando de qué hablar muy favorablemente, es el Paris Design Week, que se organiza en torno a un evento comercial, que es Maison Object y, de hecho, son los mismos organizadores. Como ves, todos son eventos muy jóvenes, entre Londres, Estocolmo, Nueva York, París… La Design Week de México —que cumple ahora 6 años— está entre las primeras. eMilio cabrero: Los que le dan forma al Design Week como tal, es decir, como un evento anual, calendarizado, son los ingleses. El London Design Festival es el precursor de estos “festivales” como los conocemos hoy, y Sir John Sorrell —quien viene ahora a México a dar una 4 4 | la revista
conferencia con nosotros— es su fundador. Cabe mencionar que las industrias creativas en Inglaterra son muy importantes, no solamente en el diseño como tal, sino en la moda, escenografía, y demás vertientes creativas, por lo que su gobierno les ha dado mucho apoyo y mucha difusión. También fueron ellos quienes comenzaron estas colaboraciones con los diseñadores emergentes, con las pequeñas empresas, con los museos, y hasta las calles. Es decir, se trata de una integración del diseño con el arte, con el interiorismo, la arquitectura, la música… pues todos están dentro del mismo espectro. En México este tipo de colaboraciones dentro de las diferentes vertientes del arte se dieron mucho en los años cincuenta, con personajes como Mario Pani, José Villagrán, Mathias Goeritz… Con proyectos donde se integraban artistas plásticos con arquitectura y diseño de mobiliario, inclusive. Ahora está todo mucho más segmentado, pero nos hemos dado cuenta de que la gente busca regresar a estas colaboraciones, a trabajar de una forma mucho más integral, pues un artista puede trabajar con un diseñador textil y un escultor con un arquitecto, por poner un ejemplo.
¿Cuál es el génesis de Design Week México? ec: Crear vínculos de colaboraciones en-
tre profesionales de un mismo gremio que antes no lo hacían. Al principio empezamos solamente con la intervención de la casa, que llamamos Design House, pues era el mejor ejemplo de cómo mostrar las artes aplicadas y su potencial. Ahí se mostró quiénes eran los profesionales y no los empíricos.
¿En qué se diferencia Design Week México, de las demás? JHe: Que
no estamos ligados a ninguna feria comercial como las demás, no estamos anclados en torno ni en función, a un tradeshow. Design Week México es solamente una plataforma para el diseño.
¿Qué busca Design Week México? JHe: Buscamos ser una plataforma de apo-
yo y difusión para el diseño, tanto nacional como internacional en México, pues también es importante que el consumidor local sepa que no tiene que viajar para conseguir las mejores marcas de renombre internacional, sino que aquí en México las tienes. Pero sobre todo dar a conocer la nueva escuela de los jóvenes diseñadores mexicanos que vienen con un enorme furor y creatividad. Éste es un lugar de encuentro entre los diseñadores y el consumidor, así como ponerlos en contacto con posibles inversionistas, que, al visitar estos showrooms, conocen el talento creativo de estos jóvenes, y que de otra manera no se daría a conocer, pues es la mayoría de los casos son personas que aún no tienen tiendas formales ni espacios de venta como tal. ec: Nosotros empezamos nada más con las ganas de hacer algo. La pregunta que nos hacíamos era, ¿si tú no revalidas tu gremio, quién lo va a hacer? Y siempre tuvimos muy claro que el mejor lugar para hacerlo eran las plataformas de los museos, pues son estas instituciones las que le dan mayor seriedad a los eventos, y ningún otro evento de este tipo cuenta con dos de los museos más importantes de la ciudad: el Tamayo y el Museo de Arte Moderno.
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¿Qué repercusión ha tenido el Design Week México en el exterior? JHe: Mira,
a pesar de que es un evento relativamente joven —seis años—, ya ha dado mucho de qué hablar de forma positiva. Lo más importante ha sido, en mi opinión, el reposicionar a México dentro de la esfera internacional de diseño, que la gente en otros países vea a México como la fuerza creativa que es. En el momento que se organiza este evento con una estructura sólida y formal, con un énfasis en la cultura, los personajes que vienen de fuera —conferencistas, por ejemplo—, se quedan con el ojo cuadrado al darse cuenta del alcance y de la magnitud e importancia del evento, además de la gran oferta cultural y gastronómica que hay en México y que desconocían.
¿Los mayores retos? ec: Lo más importante que hemos apren-
dido de Design Week México, es que siempre ha estado editado. Hemos 46 | la revista
podido mantener el control para que no nos rebase, y siempre hay una propuesta de diseño, con expositores de mucha calidad, pues aunque en gustos se rompen géneros, la calidad es indiscutible. En el 2011 que hicimos la exposición de la “Fábrica Mexicana” en el Museo de Arte Moderno, aprendimos muchísimo de la labor de la edición, pues había muchos objetos que no cumplían con la calidad que se requería para la exposición. JHe: Ha sido un proceso difícil: tuvimos que tocar muchas puertas, puesto que era un concepto que no se conocía en México. Por otro lado, lograr la colaboración con los museos fue una labor ardua. ¡Y bueno, de los patrocinios ni se diga!
¿En qué momento se encuentra Design Week México, a seis años de su creación? En una etapa de consolidación, de madurar los eventos para que cada vez estén mejor coordinados y editados. También es muy importante para nosotros, los organizadores, el que se esté refrescando constantemente, que haya ec:
siempre propuestas diferentes. Nos damos cuenta que quienes organizamos estos Design Weeks, en todas partes del mundo, estamos remando hacia el mismo lado: crear vínculos, puentes de encuentro y conexión y poder hacer intercambios creativos. Ésta es la principal razón por la que decidimos tener un país como invitado en cada entrega, para compartir las experiencias. JHe: Es muy importante ver cómo México se está “subiendo” al mismo nivel en cuanto a diseño que las grandes capitales del diseño internacional: Milán, Londres, París, Tokio, Estocolmo o Nueva York.
México, como fábrica creadora de diseño, ¿en qué momento se encuentra? ec: Hay
mucha propuesta: desde diseño industrial, arquitectura, de interiores… Hay muchísimo talento y estamos en un súper nivel internacional. En cuanto a producción, se está comenzando a dar un cambio en la percepción del cliente, no de decidir la compra por una determinación de origen, sino por diseño y
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calidad. El consumidor final comienza a distinguir la verdadera factura de calidad, y la producción nacional se ha puesto a la altura de ese consumidor. JHe: El diseño mexicano está en un momento de efervescencia y, al mismo tiempo, de madurez, donde los diseñadores comienzan a sentirse cómodos con sus propuestas, mismas que forman ya parte de la propuesta mundial del diseño; ya no se sienten ajenos ni a los materiales, ni a las técnicas de producción. Ya somos parte de un movimiento global.
¿Hay acaso un retorno al proceso artesanal de producción, o se está industrializando más? ec: Yo
pienso que es más bien una reinterpretación de las tradiciones, pero desde un punto de vista de diseño contemporáneo. Y esto se traduce a que, además del arte objeto y las piezas únicas, también se pueda tener una producción comercialmente más atractiva. JHe: También hay muchos diseñadores extranjeros que están explorando en México con nuevas formas de producción y materiales pata llegar a nuevos públicos, además de que comienzan a buscar colaboraciones con diseñadores mexicanos.
¿Qué vamos a ver en esta sexta edición de Design Week México? ec y JHe: Tenemos
la presentación del pabellón efímero del Museo Tamayo, que el año pasado hizo Tatiana Bilbao y ahora estará a cargo de Alejandro Castro. También, como cada año, se presenta Design House, con colaboraciones en los espacios de artistas y galerías por primera vez y también por vez primera habrá dos colaboraciones de despachos extranjeros con nacionales: Tom Dixon con Studio Roca, y Sally Azar con un invitado sorpresa.
Sir John Sorrell Caballero desde 2008, John Sorrell ha sido elegido por varios primer ministros para promover la creatividad británica por todo el mundo. Es director del Festival de Diseño de Londres, que él mismo fundó en 2003 además de presidente de la Universidad de las Artes en Londres. Junto con su esposa Frances fundó en 1999 la Fundación Sorrell que busca inspirar la creatividad en jóvenes y ayudarlos a desarrollar una carrera en alguna industria creativa. Ha trabajado para el gobierno y la iniciativa privada, pero siempre a favor del diseño y las artes, gracias a esto tiene cinco doctorados honorarios en diseño y uno en filosofía. Además de sus tres hijos y el diseño le interesa el Arsenal Football Club.
El fin de semana tendremos el simposium de diez conferencias espectaculares entre el Museo Tamayo y el Museo de Arte Moderno, así como la ruta del diseño, los contenedores en el parque Lincoln de Polanco, dentro de los cuales viene una delegación de diseñadores británicos y una comitiva también de diseñadores de Brooklyn. Habrá unas intervenciones de los estudiantes de diseño de las cinco principales universidades en los espejos de agua del parque, así como la serie de documentales en el Teatro Ángela Peralta. Y como el Museo de Arte Moderno cumple 50 años, también estamos haciendo la curaduría de la exposición de Pedro Ramírez Vázquez que se va a inaugurar en este marco de actividades. Y por último, para la clausura tendremos la premier mundial de una película que se llama “The Price of Desire”, que cuenta la vida de la aclamada diseñadora Eileen Gray.
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DE S igN WEEk Mé x iCo 2014 octubre 15-19 Miércoles 15: inauguración museo tamayo Jueves 16: inauguración design House Viernes 17: Eventos en museo tamayo y museo de arte moderno Sábado 18: diseño en parque lincoln Domingo 19: diseño en parque lincoln FB: design Week mexico @mxdesignWeek designweekmexico.com
El disEño mExicano E s tá E n u n mom E n to dE EfErvEscEncia y, a l m i s m o t i E m p o , dE madurEz, dondE los disEñadorEs comiEnz an a sEntirsE cómodos c on s u s p r op u E s ta s , misma s quE forman ya p a r t E d E l a p r op u E s ta m u n di a l dEl disEño —Jaime Hernández Encontra
Va a ser una semana increíble, digna del momento que está viviendo la creatividad mexicana y el diseño en México. ¡Gracias Design Week México! 47
L i b r os | r ev i sta s | d i s e 単 o | c o n t e n i d o
Experiencias a la medida El Reino Unido siempre ha estado a la vanguardia en cuanto a diseño se refiere, pero tras la Segunda Guerra Mundial éste despegó hasta convertirse en lo que es hoy. Marcela Aguilar y Maya nos cuenta todo lo que hay que saber. p. 50
Diariamente estamos rodeados de diseño gráfico, es tanta su influencia en nuestra vida que llegamos a olvidar que está siempre ahí, diciendo algo. Un texto creado en conjunto por nuestros equipos de arte y editorial. p. 58
Un recorrido por los detalles del trabajo museográfico nos lleva a explorar los museos más impresionantes del mundo, aquellos que fueron creados para mejorar la experiencia de los visitantes y, finalmente, transformarlos. p. 66
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British Design: el made in UK que ha conquistado el mundo por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Cortesía del Museo Victoria & Albert
1. Beat Shade Wide Pendant, diseño de Tom Dixon. 2. Silla BA, diseño de Ernest Race.
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Magistralmente montada en el Museo Victoria & Albert de la capital británica, esta exposición traza los pasos del diseño británico de 1948 a 2012. A través de los objetos expuestos se puede entender cómo los diseñadores han reaccionado a las difíciles fuerzas económicas, políticas y culturales que les rigen hasta nuestros días. Son ellos quienes han creado algunos de los objetos más vistosos, originales y tecnológicamente innovadores del mundo que hoy habitamos.
British Design
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En 1948 la ciudad de Londres fue anfitriona de los primeros Juegos Olímpicos tras la Segunda Guerra Mundial. “Los juegos de la austeridad”, como fueron conocidos, se llevaron a cabo en medio de una grave crisis económica y en una ciudad devastada por el bombardeo, pero fueron a la vez la plataforma para la reconciliación y la reconstrucción. El impacto que tuvo la Segunda Guerra Mundial — social, económica y físicamente— en la Gran Bretaña fue inmensa, y la labor de reconstrucción dominó los años de la posguerra. El deseo de modernidad y de reedificación cambió a la nación por completo, cimentándose una preocupación de mantener las tradiciones como
nunca antes, y, mientras las grandes ciudades veían hacia el futuro, las poblaciones de la campiña volteaban con añoranza el pasado. El Festival of Britain en 1951 y la coronación de la reina Isabel II en 1953, expusieron las tensiones que había entre modernidad y tradición en el reino, pues mientras el festival promovía una visión utópica y progresista, el espectáculo de la coronación reafirmaba los valores tradicionales y las estructuras de poder.
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Era una muestra de que el diseño industrial no es un oficio impráctico ni idealista. El diseño industrial, de hecho, tiene el vínculo más estrecho con el confort y la felicidad de nuestra vida diaria. El buen diseño puede proveer nuestras casas y lugares de trabajo con objetos placenteros que, combinados con buena manufactura, sirvan un propósito conveniente y estético para su uso. —sir Stafford Cripps
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Tradición y modernidad: el nacimienTo del diseño conTemporáneo
Como otras naciones tras la guerra, la Gran Bretaña necesitaba que sus empresas volvieran de la producción militar a manufacturas comerciales. Era un gran reto dada la escasez de materia prima, y fue aquí donde la creatividad británica entró en escena: Ernest Race diseña la silla BA en 1945, hecha totalmente de aluminio reciclado de aviones dañados. Éste y otros 4 mil diseños fueron incluidos posteriormente en la muestra “Britain Can Make It” del Victoria & Albert Museum, en 1946. Los críticos rebautizaron esta muestra como “Britain Can’t Have It” debido a la escasez de recursos de los británicos que hacía que solamente extranjeros pudieran adquirir las piezas. A pesar de las críticas, la exhibición hizo mucho a favor del ánimo y la valorización del diseño local, alentando a jóvenes productores y diseñadores de la época a seguir creando objetos innovadores. El Presidente de la Cámara de Comercio, sir Stafford Cripps, dijo en su momento que la exhibición “era una muestra de que el diseño industrial no es un oficio impráctico ni idealista. El diseño industrial, de hecho, tiene el vínculo más estrecho con nuestra vida diaria. El buen diseño puede proveer
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nuestras casas y lugares de trabajo con objetos placenteros que, combinados con buena manufactura, sirvan un propósito conveniente y estético para su uso”. Un acercamiento similar para educar a las masas sobre la importancia del diseño se llevó a cabo en el Festival of Britain, descrito por el historiador David Thomson como un “festival popular de idioma moderno”, una celebración de los más sobresalientes logros nacionales en los campos de la ciencia, tecnología, diseño industrial, arquitectura y artes plásticas. Patriota y con un sentido de orgullo nacional, este festival —que duró un año entero— fue visto como un importante estímulo a la moral, un “tónico para la nación”. Después de dos guerras devastadoras, la Gran Bretaña veía un futuro esperanzador. Muchos estudiantes recién graduados del Royal College of Art se vieron alentados no solamente por los novedosos diseños ahí expuestos, sino por el mensaje subyacente del festival: el buen diseño importa. Tras el apabullante éxito del Festival of Britain y durante los años que le siguieron, un nuevo estilo en diseño comenzó a surgir con un estilo contemporáneo inconfundible: limpio y de altísima calidad. Aparecieron nombres como Robin Day, Lucienne Day, David Mellor, Robert Welch, Terence Conran y Robert Heritage, quienes producían objetos que expresaban a la perfección este nuevo estilo estético, un reflejo de la creciente confianza que se sentía en la Gran Bretaña, especialmente tras la coronación de Isabel II y la nueva era Isabelina. Era cierto que los años sombríos de austeridad quedaron atrás, remplazados por una sociedad de consumo, novedosos empleos, y un gusto por lo moderno. La situación mejoraba y, de a poco, se empezó a filtrar en los hogares ingleses un nuevo consumismo que llevaría gradualmente a la modernidad: una clase media pudiente coqueteaba con el diseño contemporáneo, volviendo las casas más informales y flexibles en cuanto a estilo. Las antiguas reglas de convivencia se volvían menos rígidas y la decoración de los espacios reaccionaba, volviendo la cara hacia el diseño principalmente escandinavo. El foco del diseño cambió de reconstrucción a revolución.
de las escuelas de arTe a las calles
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Diseño en las alturas El avión de pasajeros supersónico Concorde, de manufactura anglo-francesa, es uno de los diseños más importantes del siglo xx. Combinando las facultades de la empresa gala Aérospatiale, y de la British Aircraft Corporation, fue construido gracias a las investigaciones del ala triangular delta wing, y energía turbo jet. El diseño del interior de la nave también era extraordinario al haber sido creado por un equipo de estrellas del diseño que incluye a Tibor Reich, Terence Conran y Royal Doulton. Tras su vuelo inaugural en 1969, el Concorde era el estandarte de la “era espacial”. A pesar de ello solamente se fabricaron 20 naves, pues los pedidos se colapsaron tras la crisis económica de 1970. Aunque el proyecto como tal representó una pérdida financiera para los inversionistas, la “era del Concorde” es un parte aguas en la historial mundial del transporte.
En los cincuenta nace un nuevo diploma en arte y diseño, una de las muchas innovaciones de la Gran Bretaña para impulsar el entrenamiento de artistas y diseñadores y seguir estando a la vanguardia en cuanto a creatividad en Europa. Algunos aplaudieron estas nuevas iniciativas del gobierno, mientras que muchos otros protestaron: en 1968 los estudiantes del Hornsey College of Art objetaban la separación de las materias académicas y vocacionales del programa de la escuela, así como la imposición de programas que limitaban la creatividad. A pesar de la controversia, las escuelas británicas de arte y diseño en Londres, Newcastle y alrededores, prosperaron enormemente. El Royal College of Art se convirtió en el epicentro del British Pop, inspirado principalmente por ideas iconoclastas de artistas independientes. Estos estudiantes fueron los primeros en influenciar, mediante el diseño de productos, la forma de vida de toda una generación, haciendo que este estilo permeara fuera de los salones de clases e incluso de las fronteras británicas. 2
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1. Terence Conran. 2. Set de cubiertos, diseño de David Mellor. 3. Kodak Instamatic 100, diseño de Kenneth Grange.
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Sunday Times, 1967. Inauguración de la tienda Habitat, 1964. Aspiradora Cyclon, diseño de James Dyson. Silla Polyprop, diseño de Robin Day. Set para té y café, diseño de Robert Welch.
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A partir de los sesenta, los graduados de las escuelas de arte han tenido una enorme influencia en la cultura consumista británica. Desde la decoración de las tiendas hasta el diseño de moda, revistas, portadas de discos y películas, el estilo subversivo de los diseñadores británicos se puede percibir en todas las áreas de nuestra vida diaria. Esta aproximación al diseño, de una forma inquieta y atrevida, tuvo una particular relevancia durante la época de crisis económica y recesión de los setenta, donde creó una especie de culto, de identidad clandestina que cautivó a diseñadores y críticos de todas partes del mundo. Este estilo british surgió de los límites poco claros que existían entre la actitud cool de los artistas y profesionales del arte y diseño, y la atrevida e irreverente diversidad de la cultura de sus calles.
diseño pop y la youth Culture
Si los vientos del cambio habían traído un ánimo patriota con el festival en los años cincuenta, los sesenta eran una ráfaga de optimismo y creatividad. Las agencias de publicidad del Soho en Londres eran una máquina de ideas y campañas publicitarias, convirtiendo a la capital británica en el epicentro de los swinging sixties. La historiadora del diseño Fiona MacCarthy lo explica: “Todo era nuevo, repentino, súbito. Había un aire de imprudencia, un poco de insensatez, quizá, pero el ánimo de entusiasmo era innegable. El estilo de la época era colorido, jovial, ostentoso y enérgico”. Este nuevo espíritu pop zeitgeist fue impulsado definitivamente por el lanzamiento, en 1962, del suplemento a colores del Sunday Times, el primero en su tipo. En su esfuerzo semanal por ganar lectores, a publicación llenaba sus páginas de contenido novedoso y estimulante a la vista. Atrás habían quedado ya las publicaciones serias y de autodenominado “buen gusto”. A mediados de los sesenta, dos tercios de la población británica tenía un televisor en casa, lo cual aceleró la necesidad de consumo. Los británicos estaban ya aburridos del racionalismo sensible que le había caracterizado, y buscaban opciones poco costosas en mobiliario, optando por un estilo de vida mucho más casual que las generaciones anteriores. La apertura de la tienda Habitat en 1964, del ya conocido diseñador Terance Conran,
Foto: Terence Donovan
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marcó un parte aguas en el consumismo de la época. El espacio asemejaba a una bodega, y estaba repleto de artículos de cocina, mobiliario y un sin fin de accesorios. Este emporio fashionista hizo más por cambiar los gustos y costumbres de la sociedad británica que siglos de tradición. Durante esa misma década siguieron surgiendo destellos geniales en el campo del diseño, con prodigios como Kenneth Grange y su diseño de la cámara Kodak Instamatic, la silla Polyprop de Robin Day, o el set para té de Robert Welch. Todos ellos tenían en su ADN una misma obsesión por la calidad indiscutible, diseño sorprendente y el matrimonio perfecto entre forma y función. Quizá el diseño más representativo de este movimiento sea el coche Mini, diseño de Alec Issigonis, que en su forma perfecta y tamaño diminuto representa el espíritu juguetón, irreverente, joven y liberal de ese Londres. Fue en este momento de grandes cambios sociales donde el trabajo de los diseñadores británicos hizo eco al cambio que el gobierno proponía: de una doctrina funcional a otra más abierta, libre, donde la creatividad y el buen diseño reflejaban el anhelo de una nueva sociedad de consumo informada y exigente.
en la ingeniería de barcos y puentes en 1840, hasta el desarrollo de códigos computarizados durante la Segunda Guerra Mundial y la invención de la World Wide Web en 1980. Los últimos 50 años han sido fundamentales en este sentido, y la cultura de diseño tecnológico ha evolucionado creando innovaciones en el terreno de financiamientos, comercialización, venta y mercadotecnia. En los años cincuenta y sesenta, los diseñadores británicos eran conocidos por su pragmatismo a la hora de crear nuevos objetos al ser comparados con sus contrapartes alemanes, americanos e italianos. Se instalaron nuevas y mejores fábricas de textiles, coches y aeroplanos en la Gran Bretaña, convirtiéndose, poco a poco, en especialistas dentro del sector tecnológico, electrónico y musical.
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innovación y creaTividad
La innovación ha caracterizado al diseño británico desde la introducción de las máquinas giratorias del 1780, así como 55
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En este momento nacen los Design Council Awards, que reconocían todo tipo de objetos de diseño, desde radios, calculadoras, amplificadores, hasta a los personajes innovadores que las hacían suceder. Pero para fines de los setenta, las presiones políticas y económicas de la isla comenzaron a limitar la fuerza productora y el Made in Britain comenzó a disminuir drásticamente. Afortunadamente, en años recientes esta manufactura de grandísima calidad ha comenzado a resurgir.
el rescaTe high teC
La burbuja embriagante del pop explotó dramáticamente con la crisis petrolera de 1973, y con ella gran parte de la economía. El diseño da un giro más racional y surge una búsqueda en el terreno de la tecnología. Diseños industriales, como la silla Omstak de Rodney Kinsman o la Supporto de Fred Scott, son testimonio de una época neomoderna. La producción británica optaba entonces por reducir la inversión antes destinada a la experimentación de nuevos materiales, y apostar por productos francos y conservadores ante un futuro incierto y un clima económico inestable. Paradójicamente fue en los años setenta cuando se apuesta por una nueva producción artesanal, la antítesis del movimiento de producción high tec que se había visto anteriormente. El regreso del arts and crafts y las piezas únicas son quizá la primera aproximación al diseño sustentable, como hoy le conocemos. Es en este momento también donde surgen diseñadores “rebeldes” que comienzan a experimentar con materiales de bajo costo, desdeñando al sistema de consumo y las etiquetas de lujo. Diseñadores emergentes que optan por un estilo rudo, crean movimientos como el Creative Salvage Movement, e incorporan un nuevo lenguaje estético al mundo del diseño. Creadores como Tom Dixon, Ron Arad y Mark Brazier-Jones comienzan a crear objetos desde otros objetos: objects-trouvés. Es la era de Margaret Tatcher, las inversiones regresan a la Gran 56 | la revista
Bretaña y con ellas la apuesta en el campo del diseño y la tecnología. La década de los noventa dio a luz a otra gran generación de diseñadores que, aunque residentes de Londres, comenzaron a trabajar para firmas internacionales, exportando diseño a todos los rincones del mundo. Estas superestrellas del diseño, como Ron Arad, Ross Lovegrove, Tom Dixon, Sam Hecht y Jasper Morrison, han sido enormemente influyentes en la cara del diseño actual. Otro gran diseñador británico que ha cambiado el mundo con sus productos es James Dyson, cuyas aspiradoras revolucionaron el mercado mundial. Más conocido aún es Jonathan Ive, quien trabaja en los Estados Unidos y es la fuerza creativa detrás de todos los productos Apple. El movimiento Cool Britania de finales de los noventa, centró la atención global en la renovada energía creativa de la Gran Bretaña, desde la música Brit Pop, las instalaciones de arte YBA, y su diseño de vanguardia. El recién electo gobierno de Tony Blair afianzó todo lo británico, haciendo campañas publicitarias donde se resaltaban las personalidades de alto perfil del país. La Gran Bretaña estaba de moda en el mundo entero. Los arquitectos británicos comenzaron a edificar torres emblemáticas en las grandes metrópolis del globo, dejando un indiscutible sello de Made in Britain. El refinamiento histórico que llevan en su ADN, aunado a la inversión en tecnología y el indiscutible buen diseño y sentido común, ha hecho que la educación británica en este sector sea la más cotizada, buscada y copiada. Y mientras el diseño británico continúa en expansión, su huella se posiciona cada vez más, tanto en educación como en la práctica, afianzando así sus atributos inherentes: resolución, belleza y calidad. Es la fórmula exacta entre industria y oficio, y es la habilidad que tienen los diseñadores británicos para encontrar ese preciso punto de fuerzas contrapuestas, lo que los ha hecho ultimadamente grandes y a sus creaciones, exquisitas.
Todo era nuevo, repentino, súbito. Había un aire de imprudencia, un poco de insensatez, quizá, pero el ánimo de entusiasmo era innegable. El estilo de la época era colorido, jovial, ostentoso y enérgico.
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el diseño briTánico hacia el fuTuro
Mientras surgen nuevas tecnologías, también se modifica la manera en que los objetos se producen en la Gran Bretaña como en todo el mundo. Incluso el concepto de “objeto” está cambiando. A medida que las técnicas y los materiales emigran de una disciplina a otra, las fronteras del diseño se mueven y así también los antiguos conceptos de moda, textiles, mobiliario y diseño de productos en general. Además, las preocupaciones ambientalistas impulsan a la manufactura hacia el terreno de lo “hecho a mano”, factor que impacta de manera contundente no solamente los objetos, sino también las preferencias del mercado. Podría afirmarse que la nueva generación de diseñadores británicos le está dando la espalda a las ideas modernistas y postmodernas, pues la mayoría de estos jóvenes diseñadores siguen caminos totalmente nuevos en terrenos dentro del arte y la ciencia, conceptos y objetos, el ámbito del aficionado y en lo profesional. En una nación con esta fuerte tradición creativa, solamente el tiempo dirá cuál es el siguiente capítulo dentro de un terreno tan fértil como lo es el British Design, y por consecuencia, el diseño en general.
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1. Supporto chair, diseño de Fred Scott. 2. Equipo de audio inalámbrico para Harman Kardon y Apple, diseño de Jonathan Ive. 3. Classic Mini, diseño de Alec Issigonis.
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British Design from 1948-2012: Innovation in the Modern Age Del 31 de marzo al 12 de agosto del 2012, el museo Victoria & Albert de Londres presentó la muestra que recorre el arte y diseño gráfico de la posguerra. La exhibición presentó más de 300 objetos de diseño —tanto de la colección del Victoria & Albert como de colecciones regionales— en cinco secciones representativas de distintas épocas. De ésta surgió el libro del mismo nombre que ahonda en la historia de esta disciplina que silenciosamente ha transformado al mundo.
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Diseñando en presente Introducción: Cynthia Márquez Fichas: Julieta García Selección: Cynthia Márquez y Yair Orozco
De los caracteres deliciosamente impresos en Holanda a las líneas de código detrás de pantallas retina display desplegando toda clase de información en una estructura compleja en la que interactúan datos, gráficos en 3D y video en alta definición; aquí una muestra de qué implica, cómo se ve y quiénes están haciendo el diseño del presente. Gutenberg, considerado por Jeff Jarvis como el primer emprendedor del ámbito tecnológico con un start-up más revolucionario que cualquiera que haya surgido en Silicon Valley, murió endeudado tras haber arriesgado todo su capital —y otro tanto que le pidió prestado a Johann Fust— en la puesta en marcha de la primera imprenta en Occidente. Era una empresa que imprimía biblias y toda clase de documentos para la Iglesia católica y que, aunque no llegó a ser rentable para el viejo Gutenberg, lo fue después para muchos otros, llegando a convertirse en pieza fundamental del engranaje de la máquina del desarrollo económico de la mano de la publicidad y los medios de comunicación impresos, contribuyendo a la prosperidad de todas aquellas empresas que surgieron con la Revolución Industrial. He ahí los trazos de un origen —mucho menos romántico de lo que muchos imaginan— de la profesión del diseño gráfico, una disciplina que ha evolucionado al compás de las necesidades del sistema de producción actual y de las tecnologías a su alcance. Esto ha hecho de la especialización una necesidad que exige de los diseñadores una capacidad de estar al día no sólo en el manejo de un software 58 | la revista
cada vez más sofisticado, sino también de venderse como un “producto” único en el mercado que elabora soluciones únicas para la multiplicidad de clientes de un mundo globalizado a quienes cada vez les resulta más difícil diferenciarse de su competencia; por otra parte, la especialización ha dado paso a la diversificación de este quehacer: diseño editorial, digital, de información, interactivo, de campañas, de familias tipográficas, de experiencia y hasta diseño generativo. No importa si se diseña para el papel o para una pantalla táctil de tres metros, los principios armónicos, de proporciones, selección tipográfica, forma y función deben ser dominados por el diseñador para alcanzar la meta básica: transmitir el mensaje de manera eficiente. La selección de diseñadores y despachos presentados aquí no pretende ser una lista definitiva de quién es quién en el mundo del diseño, sino una pequeña muestra del talento, la versatilidad y la sofisticación que ha alcanzado la profesión en nuestros días; sirva esto como un documento que da testimonio de la heterogeneidad y el nivel de exigencia del mercado actual y las diferentes soluciones a su alcance en 2014.
C Dirección de arte, diseño editorial y tipog ráfico
DiseñanDo en presente
> Non-Format
non-format.com El dueto formado por Kjell Ekhorn y Jon Forss (de Noruega y Reino Unido respectivamente) es algo así como el Simon & Garfunkel del diseño: su trabajo tiene rasgos minimales, casi acústicos, que pueden estallar de pronto en algo cercano a lo sinfónico; sólo han probado ser super versátiles. Se dice de ellos que son un caso de 1+1=3 (o más) y hay una profunda admiración en el medio por lo que han logrado con clientes que parecían más bien cuadrados: Coca Cola, Gap, ibm, Sony… ¶ Consideran el diseño —como muchos de los incluidos en esta lista— un trabajo integral. Y eso es lo que ofrecen. Desde dirección de arte hasta creación de tipografías específicas, pasando por diseño puro y duro, animación y visuales. Merecedores de todos sus premios.
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Diseño editorial (libros de literatura)
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> Chip Kidd
chipkidd.com El mago de las portadas es, también, adicto a Batman y a los superhéroes. Para el estadounidense, la atracción debe ser inmediata. Esto puede ser por la fascinación que sintió en la infancia por las historias veloces que proponían los cómics. ¶ Kidd es capaz de la reinterpretación y de la traducción de un lenguaje a otro. Puede contar una historia con algunos trazos y hacerla creíble y hasta deseable. Algunos de los autores más notables miran enriquecido su trabajo con las propuestas de Kidd: de Oliver Sacks a John Updike, pasando por Bret Easton Ellis, Corman McCarthy, John LeCarré y un buen número de autores contemporáneos.
> Martin Pecina
Lettering y caligrafía
book-design.eu No hay que confundirlo con el político checo, aunque también ha organizado cambios revolucionarios. Su enfoque son los libros y tiene la virtud notable de conocerlos y hacerlos desde todos sus ángulos. Porque Pecina es, además, autor. Y es capaz de interpretar los contenidos para dar un paso más y hacer que el libro mismo, como objeto, haga declaraciones por su cuenta. ¶ Este hombre es un hacedor de libros en el sentido más estricto. Su poemario Perverse, de 2010, es un ejemplo de lo íntegro y asombroso que es su trabajo: con figuras geométricas y signos de puntuación, representa zonas erógenas del cuerpo haciendo aún más llamativa y peculiar su propuesta.
> Sawdust
> Jessica Hische
> Marian Bantjes
La dupla inglesa creada por Rob González y Jonathan Quainton se especializa en crear tipografías e identidades a la medida de lo que su clientela requiere (no se trata de cualquier hijo de vecino: los contratan Wired, FastCompany, Esquire…). Su meta suele ser, según sus palabras, “desafiar las convenciones y preconcepciones que hay en torno a la tipografía tradicional, manteniendo claridad y legibilidad”. ¶ Ambos se ríen cuando los clientes les expresan la necesidad de que la letra se lea porque eso es, precisamente, una parte fundamental de su propuesta. Al final (o al principio) saben comunicar y transformar simples palabras en algo con peso, textura, volumen.
Esta jovencísima (1984) tipógrafa norteamericana parece una muñeca antigua, de porcelana. Su apariencia no es relevante por otra razón que por la sincronía que hay entre ella y sus creaciones. Sus trazos dan la idea de algo muy reciente que sueña con el pasado o de un sueño del pasado trasladado al futuro. Es versátil, siempre y cuando se mantenga en un espacio donde pueda ser fácilmente identificable. Cada uno de sus trabajos es sin duda muy personal y está dotado de una energía a la vez femenina, juvenil y universal. Una de sus más recientes campañas es para Starbucks: con mirar la tipografía garigoleada en miel, betún y espuma, usted podrá tener una idea de por qué esta mujer impacta.
Intrincada: así la describien algunos críticos. En su página web, la biografía de la canadiense asegura que el diseño que comenzó a hacer hacia 2003 era “muy personal, obsesivo y a veces sencillamente raro”. Su trabajo se trata, en realidad, de la reproducción de patrones mentales repetitivos (hermanos de la obsesión) que abrevan del pasado tanto como del presente, de Oriente Medio, Londres, París… Patrones siempre cíclicos, casi fractales. ¶ Jamás concursa para ganarse premios, pero suele ser jurado en los mismos. Además, pinta desde el mismo estado circular y fascinante con el que diseña (pintó, después de una visita al dentista, una acuarela con dientes en espiral, numerados y nombrados) y escribe.
madebysawdust.co.uk
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jessicahische.is
bantjes.com
DiseñanDo en presente
C Diseño editorial (libros de arte)
> Irma Boom
irmaboom.nl Esta holandesa es considerada la diosa del diseño de libros. De hecho, algo más parecido a Shiva que a un dios condescendiente y compasivo. De entrada, se niega a suponer que existan clientes (porque entonces habría que “servirlos”, cosa a la que se niega). Así que hay quien comisiona un trabajo y quien lo ejecuta. ¶ Es Boom uno de los mejores ejemplos de la reproducción, a través del diseño, de la forma en que funciona el cerebro. Sus libros permiten ver el proceso mismo del diseño, de manera clara y precisa. Ha hecho libros gigantes y libros mínimos porque es capaz de poner en cada uno la dosis adecuada de información y de vaciar en ellos, grá de manera apropiada, un esquema mental, visual y gráfico sin importar el tamaño.
> Atelier Dyakova atelierdyakova.com Sonya Dyakova es una rusa afincada en Londres con el gran talento de usar los recursos a su alcance para ejecutar su trabajo de manera inédita; pese a que suena a perogrullada, no siempre es común en el diseño. Hizo la dirección de arte y el rediseño de la revista Frieze, publicación oficial de la feria de arte del mismo nombre. Trabaja constantemente también para Phaidon, una suerte de Meca en publicaciones elaboradas de manera artística. ¶ Entre sus clientes también existen firmas (como la Fundación Cartier) que buscan asociarse a algo elegante, que transmita la sensación de belleza que sólo una obra de arte logra.
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Diseño de infor mación
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> Francesco Franchi
francescofranchi.com En un mundo obsesionado con la información —más aún, con la “nueva” información— el diseño de las noticias es materia para una discusión erudita. El italiano, diseñador e infógrafo, ha refrescado las posibilidades para ofrecer desde la comidilla diaria hasta el análisis sesudo de algunas publicaciones periódicas. ¶ Franchi es periodista, así que conoce las entrañas de lo que se puede y debe comunicar. Tal vez por lo mismo, sus infografías son capaces de contar una historia a partir de abstracciones. Ha trabajado para publicaciones como la revista New York, para el diario Independent, para Monocle, para la New York Times Magazine… y la abrumadora lista sigue.
> David McCandless informationisbeautiful.net
Diseño de familias tipográficas
Dice el creador de Information Is Beautiful: “me interesa todo lo que sea extraño e interesante”. También dice que una de sus pasiones es “visualizar información”: datos duros, hechos concretos, ideas, materias, temas, asuntos, estadísticas, preguntas… Añade: “todo esto, con el mínimo de palabras”. ¶ El diseñador y escritor, con base en Londres, propone un regreso al origen y le pasa la batuta al sentido rey en los humanos: la vista. Su genio estriba en hacer conexiones peculiares, en atar cabos y en ofrecer temáticas desde un ángulo que resulta fascinante, del cual no se puede quitar la mirada.
> Commercial Type
> Luc(as) de Groot
> Fred Smeijers
Los ingleses Paul Barnes y Christian Schwartz iniciaron una sociedad en 2007. Para entonces, cada uno tenía ya un bagaje laboral que incluía rediseños de grandes publicaciones o dirección de arte para títulos como Newsweek, Gentleman y Esquire, además del diseño de fuentes a la medida para distintas corporaciones y publicaciones del mundo entero. ¶ Su actitud desenfadada y su trabajo cuidadoso los llevó a que la revista Wallpaper los nombrara parte de la camada de jóvenes “más influyente” del Reino Unido. Han desarrollado familias tipográficas para algunos de los medios más sonados del planeta. Viven en Nueva York y a sus filas se ha unido Miguel Reyes, tipógrafo orgullosamente mexicano.
El tipógrafo holandés exige el paréntesis en su nombre, tal vez porque su trabajo es el de un orfebre y tiene muy claro que todos los símbolos del alfabeto tienen un peso y un valor determinados. Es el autor de tipografías que parecen haber estado ahí desde tiempos inmemoriales; para empezar, Calibri. Thesis es la fuente por la que es más reconocido y con justa razón: es una amplia y nutrida familia tipográfica. ¶ En sus inicios, a finales de los años ochenta, Luc (su nombre real) hacía tipografías a mano con una precisión que aún hoy, en tiempos hipertecnologizados, sorprenden. Su pasión por el trazo específico de letras que conformarán palabras es evidente y agradecible. Su nueva aventura son las tipografías arábigas.
Holandés, por supuesto. Heredero de una tradición que honra la luz, el volumen, el espacio y el orden. Este decano de la tipografía digital —con 30 años de experiencia en el ámbito— se siente orgulloso de crear fuentes diseñadas “para las necesidades contemporáneas” pero respetando “valores tradicionales”. Sus palabras lo dicen muy bien: “[Mi trabajo] está igualmente distanciado del de quienes son esclavos de lo nuevo y del de quienes simplemente tratan de recrear el pasado”. También ha diseñado logotipos que ahora resultan icónicos, como el de Philips. ¶ Es profesor e investigador, porque su pasión es el conocimiento que transmite desde y para la palabra escrita (en forma puramente tipográfica).
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Las dos revistas que ponen a editores y diseñadores de rodillas, como imágenes sagradas, surgieron de la mente prodigiosa de este hombre, diseñador, editor y reportero. Mientras se reponía de heridas de guerra que le dejaron dañada para siempre la mano derecha (sí, es héroe de guerra), Brûlè se dedicó a mirar revistas y a transformarlas en su cabeza. ¶ Su primer “bebé” fue Wallpaper, que modificó para siempre la manera de ver, hacer y entender las revistas. Abandonó ese proyecto para lanzar, poco después, Monocle. Esta última publicación deja claro que la primera fue un ensayo para obtener mejores réditos en el mundo editorial. Por si fuera poco, dirige una agencia creativa que todo el tiempo da de qué hablar.
> Nick Millington nickmillington.com
Es bien conocido en el medio editorial como el “mago”, una persona con un don innegable. La gente de Bloomberg lo contrató para darle un giro a su revista y ¡shazam!, los negocios se hicieron divertidos. Su trabajo como diseñador y director de arte ha llegado a influir incluso en los mismos contenidos: dar información monetaria, del mercado, puede ser atractivo. Más pronto que tarde, las publicaciones de este tipo comenzaron a cambiar, tratando de seguir los veloces y polémicos pasos de Turley. En busca de una nueva aventura Turley se lanzó a lo que él llamaba “el vacío” de mtv. Ahí, su asombrosa capacidad para conjurar imágenes y dar en el clavo visual está por romper, nuevamente, barreras.
C Diseño editorial y dirección de arte (revista)
winkreative.com
richardturley.tumblr.com
> Tyler Brûlé
> Richard Turley
DiseñanDo en presente
Joven y con sentido del humor, Millington es un director de arte, diseñador e ilustrador que parece llevarse muy bien con el mundo. Sus propuestas son vigorosas —es colorido, no le teme a llenar todos los espacios disponibles— y parecen abrevar de un tiempo pretérito, cuando había que llamar la atención con pocos recursos. ¶ Su trabajo al frente de Esquire le ha ganado premios y reconocimientos. Trabajó también en Mr. Porter, Culture y hace proyectos aislados de publicidad que tienen ese toque entre irónico y campechano que le da a su tema (el estilo de vida) un giro más que interesante.
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D i s e ñ o g e n e ra t i v o, i n t e ra c t i v o y visualización de datos
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CENTRALES
> Variable
variable.io El polaco Marcin Ignac se define a sí mismo como un artista y un ingeniero fusionados en una persona. Esto no se aleja mucho de la realidad. Ignac estudió ciencia computacional y luego se matriculó en comunicación multimedia en una academia de artes. Es programador, diseñador y un analista feroz. Con los datos más duros y, en apariencia, menos atractivos, este hombre es capaz de lograr imágenes poderosas cargadas de significado. El ejercicio visual con el que revisa los mercados asiáticos de combustibles es una de las formas más poéticas de ver el caos, la interacción, la avaricia y el capitalismo. Sus trabajos interactivos se mueven siempre al ritmo de la música electrónica porque… ¿por qué no?
> Karsten Schmidt
Diseño digital
Diseño de Identidad
postspectacular.com “Me temo que no soy una persona muy linear”, dijo el diseñador en una entrevista. La gente se refiere a él como un virtuoso y como una suerte de gurú del diseño generativo, la programación y el diseño interdisciplinario. Su pieza Forever —una instalación de luces generadas por computadora, previa programación— fue un éxito rotundo en Londres porque es parte de un lenguaje compartido, a la vez humano y extraño. El nombre de su compañía (PostSpectacular) apela a sus intereses: se refiere a lo que sucede antes, durante y después de un espectáculo, donde la participación de todos está arriba y abajo del escenario. Su trabajo es inusual, bello, metafísico.
> Scandinavian Design Group
sdg.no El colectivo escandinavo apuesta por la limpieza y la sencillez. Aunque su gama de trabajo es muy amplia, es en la creación de identidad cuando realmente sobresale. El cuidado que imprimen a cada una de las facetas involucradas en el proceso de identificar a una marca con una imagen (y un color, etcétera) es notable en un medio que puede engolosinarse con las herramientas a su alcance. Las soluciones elegantes que ofrecen a sus clientes hablan de un equipo que prueba la filosofía y la semiótica para aplicarlos a logotipos, paquetes, ideas.
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> Nieal Grewal
niealgrewal.com Grewal es una figura icónica en el mundo del lujo. Es ya una suerte de marca en sí. Ha trabajado como director de arte para Vogue, Elle y Tatler y entre sus clientes se encuentran Revlon, Chanel y Armani. Cuenta en su haber con la dirección artística de Mr. Porter, la tienda-revista por excelencia, que resume el elusivo tono de las revistas femeninas de los años noventa con la mirada depurada del siglo xxi en una mezcla que alucina, especialmente porque es un sitio dirigido a hombres. Una leyenda que está por ahí, vivita y coleando.
DiseñanDo en presente
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Multitalento designboom.com
D av i D B Y r n e
Peter MenDelsunD
Willey quería ser pintor pero, dice, no tenía las agallas para serlo, tal vez por su sordera. Cuando sus intentos académicos en el campo fallaron, salió del edificio universitario en el que estaba y llegó al departamento de diseño. Ahí se instaló para darle al mundo un poco de su genio total. Diseñador, artista, tipógrafo, pensador, ilustrador, editor, director de arte… Willey es el creador de una revista llamada Port: revolucionaria, estética, maravillosa.
Byrne es uno de esos genios que pisa la tierra una vez cada tantos siglos. Sus capacidades y talentos son imposibles de describir porque exigen de la gente (de su público) participación e interacción. Hace música, teatro, cine, arte, ensayos, esculturas, radio, objetos varios. Entre sus monerías está el diseño (a pesar de haber abandonado sus estudios en la Rhode Island School of Design). Diseña desde un punto de vista conceptual: ¿cómo se lee un libro?, ¿cómo se usa un rack para bicicleta?, ¿cómo se deberían usar? Es un hombre excedido, que vale la pena conocer más a fondo.
No hay que juzgar a un libro por su portada… salvo que la haya pensado y ejecutado Mendelsund. Durante décadas, este hombre fue pianista. Luego, casi por accidente, terminó realizando portadas para libros que son irresistibles: lo que haya detrás de esa portada será bueno. Su trabajo no sólo es paradigmático en lo visual —lo es también desde el punto de vista filosófico. Sus libros Cover y What we see when we read (divertidos, fascinantes y profundos) lo han colocado en la cúspide del pensamiento asociado a la lectura y la visión.
Animación y Motion Graphics
artcom.de Andreas Wiek, Joachim Sauter y Dirk Lüsebrink lideran un estudio interactivo que funciona desde mediados de los años ochenta. El colectivo se fundó cuando un grupo de diseñadores, arquitectos y artistas de la Universidad de las Artes en Berlín se juntó con un grupo de hackers de ChaosComputerClub. ¶ El grupo no tiene fines de lucro. Trabaja los siguientes formatos: autoactivo, reactivo e interactivo. Esto se refiere a objetos, instalaciones, arquitecturas y entornos. Su filosofía es interesante porque dicen que los mueve siempre el contenido, no la innovación tecnológica; es decir, el formato se pone al servicio del mensaje.
Shawn Brackbil
> ART+COM
M at t W il l e Y
George Baier IV / The New Yorker
Hay algunas figuras que son totémicas en el diseño y hay algunas otras que son una especie de contestación a lo totémico: figuras vitales, polémicas, distintas, que provienen de otros bagajes y tradiciones, lo que le da al diseño un sentido nuevo. Aquí, sólo tres:
> Dvein
dvein.com El colectivo catalán es la vanguardia personificada. Hacen piezas visuales, interactivas, fílmicas y comerciales —ya sea por separado o todo a la vez. Les gusta explorar lo raro, lo que parece un poco fuera de lugar, y juegan con entregarle al público que tienen cautivo (en los comerciales, por ejemplo) imágenes que resultan inquietantes o perturbadoras. Lo mórbido y extravagante les resulta apetecible, pero tienen una estética que lo convierte en algo a lo que uno no se puede resistir. Estos chicos exploran las fronteras de lo tolerable.
> Vallée Duhamel
valleeduhamel.com El estudio creado por el diseñador Vallée y la artista plástica Duhamel se ha propuesto enfrentar el mundo del diseño con un “ánimo experimental y juguetón”. Con comerciales, pequeños filmes, imágenes móviles e interactivas, los diseñadores han creado un mundo lúdico, naíf y estéticamente deseable. Su trabajo suele involucrar comida (que se destruye), figuras geométricas, gatos, peces, colores pastel y neutros. Ofrecen en sus piezas la posibilidad de disfrutar con los distintos niveles que adopta cada uno de sus mensajes.
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Las formas particulares de la museografía por: Santiago Oria
Foto: tokyowing2.wordpress.com
Los museos son una institución cultural por excelencia, pero también un medio de comunicación único por sus contenidos y por sus maneras tan singulares de expresarlos. Los profesionales encargados de crear estas experiencias —desde arquitectos hasta diseñadores y todo a su alrededor— son grandes talentos que han colocado a la disciplina museográfica en el lugar al cual verdaderamente pertenece: el arte.
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La experiencia de cualquier visitante a un museo, su transformación tras haber sido expuesto a una multiplicidad de influencias en un espacio moldeado expresamente para comunicar algo en específico, está relacionada directamente con lo exhibido, claramente, pero también con la manera en que fue diseñada la información, así como con las múltiples maneras en que ésta fue presentada, tomando en cuenta detalles fundamentales que parten desde la arquitectura del lugar y su (intrínseca) relación con el entorno, hasta el más sutil de los acabados. La relación cuidadosa y coherente que debe existir entre todos los aspectos que involucran cualquier exhibición, como un todo, involucra una sinergia entre la ubicación misma de la sede, el museo como espacio físico, cada una de sus galerías y la obra expuesta. En la perfecta combinación de estos elementos radica el éxito de estos refugios del conocimiento, mismo que sólo puede ser medido en la mutación de la gente que los visita y en la consecuente promoción que de ellos hacemos, de viva voz, cuando sin saber explicar el porqué con razones lógicas y bien definidas, invitamos al otro a sentirse como nosotros. El contenido de cualquier museo es en sí una experiencia transformadora que pasa, quizá, más por lo afectivo que por lo racional, que es más fundamental que el mero conocimiento ya que incluye una concientización del mundo que nos rodea, de nuestros valores y actitudes, de nuestro sentido de tolerancia, por lo que expresarlo requiere de instrumentos únicos.
Así, cada museo es un instrumento de comunicación con características propias, y también una institución cultural cuyo fin es preservar, coleccionar, investigar y brindar una forma de educación informal incapaz de ser alcanzada con otros medios. Tomando en cuenta todos estos aspectos y complejidades, es poco decir que cada museo representa, en sí mismo, entretenimiento, aprendizaje, descubrimiento (sobre todo de nosotros mismos, en nuestra humanidad más fundamental), interés, curiosidad e iluminación.
El origEn dE las idEas
La diversidad museográfica es notable, tanto en los temas como en las audiencias a las cuales dirigen sus contenidos. La consecuencia es un sin fin de experiencias que, impulsadas por el talento e ingenio de los museógrafos (Alexander Pope dijo que “el verdadero ingenio es la naturaleza hermosamente vestida. Lo que fue pensado muchas veces, pero nunca tan bien expresado”), así como su oportunismo para ofrecer contenidos en el momento exacto, aquel en el que resultarán más relevantes. Ortega y Gasset habló de que él es él y su circunstancia, la trascendencia de cualquier mensaje —museo— gira en torno a su situación en el mundo. Por otro lado, estas ideas, conceptos y tiempos deben ser aterrizados con la intención de que nuestros sentidos puedan disfrutarlos al máximo, tomando en cuenta no solamente el deleite estético que
ofrecen, sino el real valor de la autenticidad: los usuarios/visitantes deben saber que aquello que están enfrentando es verdadero en su máxima expresión. Deben saber que es cierto.
alrEdEdor dE la arquitEctura
La presencia de un museo se conoce y reconoce desde su aproximación, comenzando su muy particular proceso de comunicación a partir de elementos tan aparentes como orientación, forma o color —una obviedad tan clara pero a la vez tan complicada de conseguir—, que preparan a uno para lo que vendrá desde la distancia. La impresión visual de museos como el Guggenheim (ya sea en Bilbao o Nueva York), por ejemplo, nos alerta sobre las piezas contemporáneas y vanguardistas que habitan dentro de sus irregulares paredes. Pero una arquitectura, más allá de ser el mejor cartel de una exposición o una obra que admirar por sí misma, debe conciliar con su espacio y ser fiel y coherente a su entorno. Si bien muchas construcciones han sido adecuadas para convertirse en galerías o recibir exposiciones, la edificación de nuevos museos es una forma de arte única que debe jugar con la iluminación, la movilidad y la belleza —entre muchos otros elementos—, además de respetar el espacio a su alrededor. Una genialidad en este respeto por el entorno es el Benesse Art Site Naoshima, en Japón. 67
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CENTRALES
Benesse House.
BEnEssE art sitE naoshima
En el mar interior de Seto, en la costa sureste de Japón, un conjunto de islas conocidas como Benesse Art Site Naoshima destacan entre todas las demás, en el mundo quizá, por el tratamiento artístico y arquitectónico que desde hace más de 20 años el gobierno de la isla de Naoshima y la Corporación Benesse le han brindado. En 1989, bajo la cuidadosa supervisión del eminente Tadao Ando, abrió el Naoshima International Camp, un espacio público en el cual se pudiera experimentar el hermosísimo paisaje de islas y puertos de Setouchi. A partir de ese momento un sinnúmero de obras de arte fueron instaladas de manera permanente alrededor de toda la isla (incluyendo la gran calabaza que habita soitaria un muelle desierto), se inauguró el hotel/museo Benesse House (Naoshima Contemporary Art Museum) y el museo Oval (también diseñados por Ando), comenzó el Art House Project, en el cual 68 | la revista
siete casas abandonadas en la humilde zona residencial de la isla son intervenidas, los baños tradicionales japoneses, enteramente adornados y de uso público, conocidos como “I♥湯”(I Love You), el museo Ando, el museo de Lee Ufan y, quizá la joya entre las joyas, el Chichu Art Museum. Chichu Art Museum se construyó en 2004 y es, podríamos decirlo, una obra de arte que alberga obras de arte. El diseño que Tadao Ando ideó para este espacio está basado en la relación del hombre con el entorno, por lo que irrumpir el paisaje con grandes edificaciones estaba fuera de cualquier planteamiento, así que el arquitecto nacido en Osaka (1941), utilizando esencialmente concreto, más acero, cristal y madera, construyó un museo al límite —de la superficie y de las posibilidades— que se aprecia y disfruta por debajo del horizonte. Aún más impresionante es saber que sus galerías subterráneas está iluminadas únicamente con la luz del día, salvo la obra de
James Turrell que utiliza la luz artificial como obra de arte en sí. En la gran galería que contiene obras de Monet, pertenecientes a su colección de “Lirios”, la luz se desliza por las paredes blancas, inmaculadas como el suelo de pequeños mosaicos. El espacio artístico intervenido y diseñado para la obra de Walter de María es igualmente extraordinario, ya que solamente una gran esfera con más de dos metros de diámetro y 27 pilares de madera adornan el salón. La magia sucede al ver pasar el día pues las sombras, reflejos e impresiones dramáticas se transforman constantemente. Esta obra —el diseño de la galería en sí— es nueva e irrepetible a cada instante. Además de Naoshima, las islas de Teshima e Inujima también están intervenidas en menor medida, pero lo suficiente para ser consideradas, las tres, gracias a su diseño, arquitectura y buen gusto, Art Islands.
L as formas particuL ares de L a museografía
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Chichu Art Museum.
disEñando El Espacio
Un aspecto fundamental en el goce de una galería y responsabilidad imperante de los más destacados museógrafos, está en programar experiencias consecuentes y acumulativas para los usuarios. Dentro de las ideas más decimonónicas se pensaba que las exposiciones debían tener un recorrido lineal, acercando a las personas por medio de conocimientos subordinados uno tras otro a la historia que se estaba contando. Hoy en día este modelo sigue vigente, pero la libertad de movimiento, de acuerdo a los intereses propios de cada persona, a su curiosidad, se ha convertido en el arma fundamental de los contadores de historias por la vía museográfica. A final de cuentas, las conexiones que permanecen y mejor funcionan son las que uno mismo genera. Esta movilidad depende tanto de los objetos (densidad, tamaño, detalle, etc.) como de la intención de comunicación de los museógrafos, impecables diseñadores de
experiencias, los cuales deben decidir de entre varias formas o modos de atención del usuario, como podrían ser: contemplación (los objetos son presentados como entes independientes, que hablan por sí mismos, ante un usuario pasivo que se permite involucrarse intelectual y emocionalmente), comprensión (son piezas que se relacionan entre sí, que pueden ser “contempladas” pero que obligan al visitante a buscar un sentido, a generar relaciones), descubrimiento (el individuo explora objetos y colecciones, satisfaciendo su curiosidad, descubriendo entre contenidos) e interacción (aprendizaje cinestético que se detona por la experiencia real, tangible de los objetos o conceptos que se presentan). Muchos museos del mundo comienzan a apostar por incluir más de un modo dentro de sus paredes, robusteciendo la experiencia y satisfaciendo la gran diversidad de curiosidades entre su público. En estos momentos es importante destacar el diseño
industrial que acompaña cada una de estas experiencias en las galerías, ya que lo exhibido puede ser distinto en dimensión, tamaño o uso, funcionar como interactivo o espacio de estudio, utilizarse por niños y adultos, pero su presentación debe ser siempre coherente con esta intención y con la arquitectura general del inmueble.
la ExpEriEncia pErfEcta
Grandes arquitectos, diseñadores, pensadores, curadores, museógrafos y otros especialistas se han dedicado através del tiempo a diseñar estas experiencias exactas y útiles para sus usuarios. Perfeccionan el aprovechamiento que los museos, como el medio de comunicación que representan, con las características únicas que abarcan, uso e intervención del espacio, control sobre la iluminación, manejo de color y materiales, presencia de acabados, estructuras y, sobre todo, un diseño de la información coherente e inteligente. 69
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Aquí nos permitimos hacer una breve selección que incluye representantes y obras representativas de la museografía en todo el mundo, además del ya citado Tadao Ando, que destacan por sobre todos por la experiencia transformadora que ofrecen:
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Saadiyat Cultural District Abu Dhabi
La museografía como destino. Ocupando una superficie total de 27 kilómetros cuadrados, el distrito cultural de Saadiyat busca ampliar la experiencia museográfica para consolidarla como estilo de vida, ya que entre su oferta también incluye hospitalidad, lujo, comercio, educación y gastronomía. Factores todos que giran alrededor de los más grandes museos que puede imaginar el hombre. Este proyecto sin precedentes, el cual quedará listo el próximo 2015, será posicionado como un centro global de cultura apoyado por su capacidad para recibir visitantes y exposiciones de cada rincón del mundo, las cuales encontrarán refugio en instituciones icónicas y representativas de la mejor arquitectura y los más altos estándares museográficos. 70 | la revista
Dichas instituciones están comandadas por el museo de Louvre, que será el primer museo universal dentro del mundo árabe (diseñado por Jean Nouvel); el Guggenheim, también diseñado por Frank Gehry y futura sede de lo mejor del arte contemporáneo; el Centro de Artes Escénicas, que dará cabida a la diversidad de músicas, danzas y representaciones teatrales del mundo, diseñado por Zaha Hadid; el Museo Nacional Zayed, museo nacional de los Emiratos Árabes Unidos que contará la historia de la región y de sus relaciones con el mundo (será diseñado por Norman Foster); el Museo Marítimo, cuya creación quedó a cargo de Tadao Ando, así como muchas otras galerías, ferias y pabellones que nutrirán la oferta y colocarán a Abu Dhabi en el ombligo de la cultura.
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Getty Center Los Ángeles
El Getty Center es, como museo, la representación de la totalidad, una “ciudad” que ha dado la bienvenida a cerca de 20 millones de personas y que en su arquitectura, diseño y principios es innovadora hasta en el más fino de sus discursos. Hogar del J. Paul Getty Museum, un instituto de investigación, otro de conservación y una fundación, el conjunto de estos programas consolidó un nuevo esquema en filantropía destinado a la salvaguarda y difusión de nuestro legado artístico. Utilizando siempre como referencia la experiencia del visitante —quien recorre un mundo en su visita— y la armonía de sus instalaciones con el entorno, el centro cuenta con amplísimos jardines, uno de ellos diseñado por el artista Robert Irwin, terrazas, vistas a las montañas y al océano que los rodea, más otros parajes que se conservan en su estado más natural y que pueden ser recorridos en un tranvía ecológico exclusivo de la organización. En el Getty Center la arquitectura, los espacios, la movilidad, servicio, exposiciones, ofertas educativas e incluso gastronómicas son coherentes unas con otras. Ofreciendo comodidades para que el visitante utilice su tiempo de acuerdo a intereses personales, abriéndole las puertas para regresar y explorar nuevos espacios y actividades, haciendo de la cultura, gracias a un buen trabajo museográfico, parte de la cotidianeidad de Los Ángeles.
3
Tate Londres, Liverpool y St. Ives
El Tate está reconocido como una institución de excelencia, pero superándose a sí misma a cada instante, se ha consolidado como una gran entidad capaz de ofrecer diversidad e inclusión para todo tipo de audiencias. Cuando apenas abrió sus puertas, en 1987, Tate era un pequeño espacio con una colección mínima de artefactos. Hoy, cuenta con cuatro grandes centros culturales —sin contar otras galerías menores—, una colección de arte británico que incluye más de cinco siglos de historia y cerca de 70 mil piezas categorizadas de acuerdo a los más delicados matices. Las diferentes sedes de Tate comprenden el ahora llamado Tate Britain, Tate Modern, Tate Liverpool y Tate St. Ives, cada una dotada de personalidad única pero manteniendo los principios museológicos que los rigen, involucrándose constantemente en nuevos proyectos que van desde remodelaciones y ampliaciones arquitectónicas que son, en sí, objetos contemplativos y experienciales, más investigación, colaboración con otras instituciones, programas de enseñanza para niños y adultos por igual o creación de publicaciones. Destacándolos, el eje rector de dichos proyectos —también en constante cambio y transformación de acuerdo a los tiempos— es moderno y humano por excelencia, abierto al debate y a nuevas ideas, diverso en voces y perspectivas, generador de tendencias y esencialmente provocador para sus audiencias. 71
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CENTRALES
4 El museo de las civilizaciones, en Quebec, es un claro ejemplo del dominio en la intención y en el lenguaje museográfico. Más allá de la impresionante arquitectura de Moshe Safdie, el propósito y la coherencia en la ejecución de contenidos que se encuentra en el mcq es destacable. En palabras de su director general, el mcq va más allá de las ideas preconcebidas o las tendencias pasajeras, ya que interpreta, analiza y diferencia para poder revelar aquello que es esencial. 72 | la revista
Musées de la Civilisation Quebec Otra de las características que distinguen el proyecto cultural de la familia de sedes parte de Musées de la Civilisation, es su capacidad para reinterpretarse en cada proyecto y aceptarse como un ente en constante movimiento, ya que son conscientes de que su audiencia, y el conocimiento en general, también están en constante evolución. Así, basan sus exhibiciones en procesos interactivos, en la generación de conocimiento, en la transformación de sus
usuarios y en su valor único dentro de la saturación de ofertas culturales. mcq es ante todo un espacio social, está diseñado para ser un punto de encuentro que no presenta respuestas concretas, sino que entiende la duda e incertidumbre de la raza humana para promover el desarrollo de la conciencia, del intelecto, de la felicidad, y comunica estos valores a cada instante, en cada detalle, creando por consecuencia una experiencia —y una transformación— acorde.
L as formas particuL ares de L a museografía
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Blur Building Yverdon-les-Bains
Mención especial al Blur Building, un museo que es en sí una instalación, arquitectura atmosférica que conjuga la fuerza de la naturaleza con la imaginación del hombre. En esta obra de Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio, el agua del lago Neuchatel, en Suiza, se filtra y procesa en 35,000 boquillas de presión para crear una fina niebla, la cual es regulada tomando en cuenta factores como temperatura ambiental, viento y humedad, para producir una nube artificial que al ser recorrida elimina tanto la visibilidad como la capacidad auditiva, dejando al usuario indefenso ante su experiencia. El Blur Building es el opuesto a la alta definición, un experimento de dependencia en el cual, sin embargo, existe total libertad de movimiento, una construcción de agua que se bebe, que se respira y se habita; en el más puro de los sentidos una experiencia transformadora.
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Centre Pompidou París y Metz
Para muchas personas el Centre Pompidou puede ser el parteaguas de los museos modernos. La idea de crearlo surgió en 1969 con la intención de ofrecer a la sociedad parisina un centro cultural multidisciplinario totalmente novedoso en su formato. Para la construcción de este recinto, se levantó una convocatoria mundial que a la postre fue ganada por el italiano Renzo Piano junto al inglés Richard Rogers —quienes pasaron de ser virtuales desconocidos de la época a premio Pritzker en pocos años—, los cuales crearon un espacio de interacción entre las muchas ramas de la cultura contemporánea: arte, diseño, literatura, música y cinematografía. El centro inaugurado en 1977 y, tal como la define el italiano, es una gran nave espacial de vidrio, metal y estructuras tubulares de color (que a su vez obedecen a un código creado por los arquitectos), cuyas galerías son enteramente modificables haciendo uso de paneles móviles. Siguiendo este concepto y valores, en 2010 se abrieron las puertas de su institución hermana, el Centre Pompidou-Metz, diseñado por el también ganador del Pritzker, Shigeru Ban, quien incorpora nuevos materiales y procesos de construcción para crear espacios que puedan alojar, por igual, artes audiovisuales, proyectos arquitectónicos, diseño, danza, teatro y música. 73
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FINALES
la Galería por: Julieta García González fotos: Cortesía del MODO
Modos de ser bella Una exposición
¿Cómo ha cambiado la belleza con los años? ¿Es necesario que las mujeres se adapten a los patrones establecidos? ¿Quién los instaura? En el Museo del Objeto del Objeto (modo) se plantean, a través de una muestra cuidadosamente armada, éstas y otras preguntas relativas a la apariencia física.
“Para ser bella hay que sufrir”, dice el adagio popular. Esto, que suena un poco al delira-
do mandato de una madrastra, no se aleja tanto de la realidad. Han sido especialmente las mujeres quienes han sometido su cuerpo (y su espíritu, a veces) a distintos métodos de tortura para lucir según el patrón de belleza de la época. Aquí va un dato para quien no lo sepa y guste de escandalizarse: los primeros implantes de busto fueron de madera o de cristal. Las intrépidas damas que apostaron por la generosidad física circulaban, pues, con pechos que podían astillarse o quebrarse. Sobra decir que sus vidas no fueron ni ejemplares ni duraderas y que la infección, la ruptura, el desgarre y el desastre fueron parte suya en el breve tiempo en el que lucieron senos abundantes. Desde los pies de loto que deformaron las extremidades chinas hasta las tablas que modificaban los cráneos en Egipto y la América precolombina, las costumbres que alteran la apariencia y la fisiología de las personas han sido la constante. El ideal de la belleza es eso, la idea abstracta e inalcanzable de algo que parece posible pero que no lo es. Algunos cuantos elegidos encarnan ese ideal, pero aún ellos deben hacer esfuerzos por mantenerse así y vencer la memoria de los años impresa en su cuerpo. Hay que depilar y depurar, hay que apretar y contener, hay que elevar y esponjar, hay que suavizar y humectar. El inútil proyecto de la belleza es la juventud,
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pág. 074 Descubra la forma en que vemos la belleza y redescubra un clásico de la comida japonesa en la ciudad.
MODOS DE SER BELLA: UNA EXPOSICIÓN
que se aleja con cada segundo que pasa y que, como dijo Oscar Wilde, se desaprovecha en los jóvenes. Las mujeres, pues, en esa persecución sin fortuna, gastan sus energías y sus dineros, con más fe que resultados.
UNA COLECCIÓN
Para dar cuenta de lo extrañas que resultan las costumbres dedicadas a embellecer y perfeccionar el cuerpo está la exposición que el modo presenta en estos meses: Diálogo con el espejo. La belleza, ¿una obligación? La pregunta es una provocación y un incordio. Nadie quiere sentirse obligado a la belleza: la gente sólo quiere sentirse bella. Eso —que es fácil bajo la mirada del amante— se vuelve prácticamente imposible frente al espejo, en la soledad del baño, al despertar un lunes por la mañana. La muestra, bajo la curaduría y selección de Ana Elena Mallet, explora con delicadeza, buen humor y empatía la pléyade de objetos y rituales que se ha dedicado
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desde hace siglos a crear la ilusión de una mejoría física en las chicas que quieren conservarse de buen ver. El modo ofrece también una visión sobre la mercadotecnia asociada a nuestra fantasía. Los productores de cremas, pastas, pinzas, medias, ungüentos, sostenes, esmaltes, tubos, tintes, peines, perfumes, champús, gafas, polvos, sombreros y menjunjes variados se han adaptado a un deseo que no sólo no ha disminuido con el paso de las décadas, sino que se ha exacerbado, convirtiéndose en la regla que confirma la regla. Mallet y el museo se dedicaron a catalogar y disponer, de manera muy obvia, material que en el último par de siglos ha ayudado a que las señoras sigan en la carrera interminable por la belleza y la juventud. Lo divertidas que pueden parecernos, vistas en retrospectiva, las revistas de moda que aplauden a señoritas con pechos como cucuruchos y lo ridículas que se ven esas pinzas para hacer rulos, están ahí, además, para que reflexionemos
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sobre lo que hoy nos concierne. La nanotecnología no garantiza una eterna adolescencia ni la sofisticación de los nombres franceses es el pase automático para una belleza de cartel. Hay en esta exposición todos los botones de muestra. Paquetes de uñas postizas conviven con rastrillos; hay talcos y polveras que nos recuerdan un tiempo pretérito en el que los polvos alisaban el rostro, quitándole los defectos. También hay sombreritos coquetos y peculiares, plumas que aderezaron peinados que ahora no imaginamos, lacas para el cabello y polvos dentales que prometían una dentadura brillante (y más incómoda de obtener que la de ahora). También hay frascos y pomos de cosas indescifrables —o descifrables a medias, porque la explicación ahonda la duda y el desasosiego. Los zapatos son, de tan añejos, algo deseable que parece reciente; las medias producen sospecha y la larga colección de esmaltes para las uñas, envidia. La visión crítica de la curadora no empaña el rescate nostálgico de un tiempo cuya inocencia resulta refrescante; su filtro es importante en más niveles: ayuda a regresar la mirada al propio cuerpo y, sobre todo, a preguntarse por qué el organismo femenino es sujeto de tanto desatino. Es una pregunta de género, que dista de ser resuelta de forma sencilla o directa. La muestra puede ser un arranque para la reflexión.
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Belleza mortal Durante el Renacimiento, en Francia e Italia, las mujeres querían obtener un cutis de porcelana. Si no lo tenían de suyo, lo buscaban a toda costa. Algunas se ponían claras de huevo sobre la piel del rostro —que se volvía tirante y rígida— para dar una apariencia de lisura y brillantez. Pero esa fue una moda pasajera que se sustituyó por otra mucho más peligrosa: el arsénico. Polvos de arsénico molido con otras sustancias (talco, posiblemente polvo de almendras, a veces plomo) se un-
taban sobre el rostro que, con el uso constante, se volvía pálido, de labios extremadamente rojos. Naturalmente, las mujeres que lo empleaban comenzaban a sentirse mal de forma más o menos rápida —lo mismo que sus amantes. Más de una muerte se le atribuye a la palidez forzada de las damas de la corte o de las prostitutas que se untaban grandes cantidades de polvos para blanquearse. A pesar de ello, la costumbre prevaleció durante décadas.
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PATRONES: NUEVOS, REPETIDOS Y GASTADOS
¿Qué es la belleza? ¿Qué implica ser bella? En las vitrinas y aparadores del modo se ensaya una respuesta compleja: depende del tiempo, de la edad, de los avances sociales y culturales, del dinero, de la apuesta mercadológica, del momento histórico… “Beauty is in the eye of the beholder”1, reza una frase que se ha repetido en distintos formatos desde la Grecia clásica. El amor y las feromonas, la simpatía y la salud, el deseo y la complicidad, la disponibilidad y el buen gusto para el vestir son herramientas que suman belleza a las personas sin importar los años que tengan o su condición. Pero eso no es suficiente para quien desea ser deseada, para quien quiere ser querida, para las personas que necesitan que la reafirmación de sí mismas pase por sus propios cuerpos. La muestra del modo sirve para revisar eso y para ver cuáles son los patrones que hemos seguido desde hace mucho tiempo. La belleza es, parecen decirnos las marcas y sus anuncios, de piel clara y pestañas rizadas. También es delgada, aun-
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que en la delgadez haya matices según el tiempo. La belleza es higiénica y está dotada de pechos, nalgas, caderas y piernas que están torneados y firmes. Una y otra vez, a lo largo de años y años, se recurre a frases que invitan a aclarar la piel, a añadir al busto un tamaño que no tiene (porque sobra o falta), a ofrecer piernas lisas, axilas prístinas y labios carmesí. Estos patrones gastados, vistos en su conjunto, son un elemento más que sirve como punto de reflexión. ¿Por qué seguirlos todavía? Pareciera que la belleza que las mujeres buscan con los productos que la prometen es más para sí mismas que para alguien ajeno. Esa suerte de servidumbre es lo que más intriga de todo el asunto. ¿Por qué? Una vez más, el modo retoma objetos cotidianos para plantear cuestiones de fondo y prepara el terreno para una discusión colectiva. Ahora, es más íntima. Es un diálogo con el espejo. 1. “La belleza está en quien la mira” podría ser una traducción literal de la frase. En realidad, se refiere a que la belleza está en igual medida en quien mira y en quien es mirado.
INFO Colima 145, Roma, México, D.F. T. (55) 553 9637 Horario Abierto de miércoles a domingo de 10 a 18 hrs. Facebook: MuseoModo Twitter: @MuseoMod
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la Mesa
por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de Suntory
Grupo Suntory: doble estilo japonés Restaurantes Suntory ofrece la auténtica y tradicional comida japonesa y Restaurante and Lounge SHU, una innovadora comida tipo fusión japonesa-internacional.
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g r u p o s u n to ry: d o b l e e st i lo j a p o n é s
Hace más de 40 años se inauguró en la Ciudad de México uno de los
primeros restaurantes japoneses de nuestro país en la colonia Del Valle. Desde entonces, su calidad y refinada tradición culinaria han situado a Suntory entre los más destacados restaurantes de México. Ha sido tal su éxito que además de su primera sede tienen varias sucursales: Interlomas, las Lomas, Guadalajara y Acapulco. El éxito de la marca Suntory en México ha sido tal que ha llevado a expandir sus propiedades en otras partes de nuestro vasto planeta, ya que usted puede, incluso, encontrar una sucursal de Suntory en Honolulu, Hawaii. A través de los años, el grupo ha innovado su distinguido concepto cultural para poder ofrecer un sabor excepcional para el paladar mexicano pero sin dejar de lado el arte y las delicias de la alta cocina de Japón. Muchos se preguntan qué es lo que ha hecho de Suntory un clásico, cómo es que este restaurante ha sobrevivido la llegada de múltiples cadenas de
comida japonesa. La respuesta es simple, Suntory no intenta, siquiera, competir con la oferta de rollos. Los ingredientes que se utilizan aquí van mucho más allá de camarón, surimi y arroz, hay platillos con cola de langosta, ribeye de la más alta calidad, callo de hacha y pescados —salmón, robalo, atún— espectaculares. Los tepanyakis, del ingrediente que elija, no tienen comparación. Estos platillos son parte de la cocina japonesa tradicional y son acompañados de un ambiente cálido, familiar, de tradición. Al ser pioneros de la cocina de este tipo en nuestro país y, por lo tanto un referente, el equipo pone especial atención a la calidad y frescura de sus ingredientes, así como a la presentación de los platillos que se sirven diariamente. Entre las exquisitas especialidades se encuentran los favoritos de los clientes de toda la vida: el tepanyaki de ribeye o mariscos, el fresquísimo sashimi, unas almejas a la mantequilla sin igual, yakimeshis, Sushi Dragon Roll, en fin, hay de todo para todos.
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INFo S uNtory Del Valle: (55) 5536 9432 al 37 Lomas: (55) 5202 4711 Interlomas: (55) 5290 4420 al 24 Guadalajara: (33) 3630 4324 al 29 Acapulco: (744) 4848 088 suntory.com.mx FB: Restaurantes Suntory twitter: @suntoryrest
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Para no perder la originalidad y estancarse, Grupo Suntory envía constantemente a sus chefs ejecutivos a Japón para capacitarse y descubrir las nuevas tendencias de la comida y presentación de la misma. Teniendo el grupo también restaurantes en Singapur y Shanghái, la cocina es una mezcla de culturas maravillosa. Y así como los chefs se capacitan y actualizan, el personal que brinda el servicio en las mesas tiene un trato amable y profesional. Los meseros, capitanes y gerente siempre buscan consentir al máximo al cliente. Además, en la mayoría de los restaurantes Suntory se cuenta con salones privados para alguna cena romántica entre parejas o para tratar asuntos importantes de negocios que lo transportaran a un entorno intimo, de tranquilidad donde podrá también degustar de la amplia selección de bebidas de la casa.
Bebidas Suntory Suntory también cuenta con su propia marca de bebidas, las cuales son recomendables y están disponibles en sus sucursales. Éstas son algunas de las bebidas que se ofrecen: • • • • • • •
Whisky Hibiki Whisky Yamazaki Whisky Hakushu Licor Plum Dew (ciruela japonesa) Midori (licor de Melón) Sake Oro Shochu (Nanko y Wanko) destilado de Camote y Cebada • Cerveza Suntory The Premium Malts
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cuarenta años en méxico Hacen de grupo suntory la autoridad en comida japonesa tradicional. no Hay tepanyaki como el de suntory ni ambiente como el que se vive en sHu.
g r u p o s u n to ry: d o b l e e st i lo j a p o n é s
INFo SHu Santa Fe: (55) 5292 4834 al 39 Acapulco: (744) 422 2001 al 03 shu.com.mx FB: restaurante shu twitter: @shurest
A domicilio y banquetes Si usted es ya fanático tanto de Suntory como de SHU y quiere disfrutar de la comida en su casa pregunte por el servicio a domicilio y el de banquetes. ¿Qué puede ser mejor que servir a sus invitados una deliciosa cena tradicional japonesa?
sHu (sofisticated Human unit)
SHU abrió sus puertas por primera vez en abril del 2005 en Santa Fe y posteriormente, en febrero del 2008, en Acapulco. Aunque ofrece la experiencia culinaria excepcional característica del grupo restaurantero Suntory, el ambiente es muy diferente al de los restaurantes Suntory tradicionales. Pese a que se trata de una atmósfera que busca la reunión entre amigos, parejas y familias, SHU cuenta en sus dos sucursales con una arquitectura, diseño y concepto moderno, lujoso y con mucho glamour. Las áreas de restaurante, bar, lounge, terraza para fumar y privados tienen un estilo diametralmente distinto a su predecesor pero igual invitan a visitarlo. En cuanto al menú, el platillo principal sí es el tepanyaki pero éste se ve acompañado por nuevos platillos de fusión japonesa-internacional que son tan innovadores como el mismo lugar. La iluminación de las campanas
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en las mesas de tepanyaki así como el performance del agua son, junto con la comida, la atracción principal del restaurante. Además, la oferta de bebidas del bar es amplia y al contar con un DJ y un ambiente moderno, se ha ido convirtiendo en un nuevo clásico. Definitivamente, de tal palo tal astilla.
calidad asegurada
Si usted es ya un cliente asiduo a Suntory, lo invitamos a probar SHU para extender su experiencia. Y ya sea que los visite por primera vez o décima en el mismo año, no importa si decide pedir un foie gras de ganso en Interlomas, una sopa miso picante en Guadalajara o un plato de mariscos frescos en el SHU de Acapulco, le aseguramos que la experiencia de visitar un restaurante de Grupo Suntory lo dejará complacido —tanto por sabor como por servicio. No por nada se les considera clásicos.
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el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake
El papel moneda II É sta e s l a se gund a parte en l a hi st o ria d e e s a m arav illo s a i d e a , l a cre a ció n d el pap el mo ned a . C o n o z c a m á s s o bre l a m a gi a que e xi ste en p o d er d arle a un p ed a z o d e pap el l a fa c ultad d e un valo r re c o n o cid o, a cep tad o cie g amen te : un v erd ad er o a c t o d e fe .
n sus principios, durante los tiempos de la pax romana que cubriría a toda la cuenca del Mediterráneo, después de la conquista por la espada, los ricos, militares o poderosos de cada región, siguiendo las festividades concurrían a las estupendas fiestas hechas en las capitales de sus comarcas o llegaban por caminos a la misma Roma, cumpliendo y haciendo real la frase de “todos los caminos conducen a Roma”, y para costearlo, durante el cumplimiento de su intinerarium se les expedían vales por cobrar a lo largo del camino. Siglos más tarde, los cruzados harían lo mismo haciendo cobrables esos vales entre grupos familiares o asociaciones de comerciantes establecidos por las rutas transitadas, siendo éstos los antecedentes de los cheques de viajero. Los cambiantes de los mismos serán, por lo tanto, los primeros bancos. ❡ Volvamos a China durante los principios de la dinastía Ming a fines del siglo xiv de nuestra era. Ha caído el antiguo imperio Mongol de los Tang, se establece una nueva dinastía, los Ming, con el ascenso en 1368 de Tzu Yuanzhang, rudo caudillo de extracto militar que, con poder absoluto, buscaría la estabilidad de sus recién obtenidos dominios, fomentando en su propio beneficio el nivel cultural y económico del pueblo. De esta sencilla forma, con la impresión de los billetes que se hicieron por primera vez durante su mandato, obligaba al pueblo a aprender a leer y sumar, por lo menos lo básico que era el valor escrito en el billete o papel moneda, pues en él se representaba la cantidad de piezas de bronce de las que su
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valor sería. La cantidad fijada de barras de cobre allí impresa era su valor y cambio por ese papel que se denominaría entonces como papel moneda. ❡ Al calce del mismo billete aparecerá escrita una advertencia para evitar con ello lo que todos los gobiernos emisores de papel moneda enfrentan incluso al día de hoy: la falsificación. Así llevaba todo billete la frase “Falsificar entraña la muerte. El denunciante recibirá 250 hang de plata y todas las propiedades del delincuente”. En esa época en China eran letrados uno de cada cuatro habitantes, nivel altísimo comparado con la Europa del siglo xv. Así, esos pedazos de papel hechos de la corteza del árbol de la Morera —pues así se decretó que se hicieran— serían portadores en su allí mencionado valor, de una forma de contrato de aceptación casi ilimitado de duración, pues no presenta ningún papel moneda en la historia ningún término implícito, sino que el gobierno emisor se considerará a sí mismo eterno, decretando los valores fijados de cambio y pago en su impresión. ❡ Al menos en una forma gráfica, ya que durante mi transitar por esta maravillosa experiencia —que es el estar consciente y presente—, he aprendido que el valor que ejerce el papel moneda durante nuestras vidas puede ser total, relativo o ninguno, ya que hemos sufrido devaluaciones y depreciaciones. ❡ Y lo mismo les sucedió en China durante este primer gobierno de la triunfante nueva dinastía de los Ming. El gobierno no pudo mantener una paridad del papel moneda impreso con la realidad económica del momento, pues lo emitieron sin límite y careciendo de un banco central regulador. Por lo tanto, su valor cayó hasta un 150% en tan sólo quince años,
el coleccionista
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Papel moneda de la República de Indonesia.
llegando a perder casi en su totalidad su valor. Para 1425 fue totalmente abolido el uso del papel moneda en toda China. ❡ En carne propia he sufrido varias devaluaciones, donde el valor dado al papel moneda se transformaría vertiginosamente con los cambios impuestos a su valor, cambio y paridad con respecto a otras monedas. Imaginé también esta total pérdida del valor de un papel moneda cuando me ofrecieron en India maletas llenas de billetes rusos que portaba uno de los últimos eslabones de los ejércitos zaristas —denominados también blancos— quienes durante la Revolución fueron orillados hasta tener que salir huyendo con su derrota por Pakistán. Esos acaudalados nobles rusos sacaron enormes fortunas en maletas llenas de billetes que al triunfo de la revolución bolchevique perdieron todo su valor, quedaron entonces esos hombres con ilusas fortunas sin cambio adquisitivo alguno, conservando tan sólo valor como papel por kilo o como billetes coleccionables, a un valor muy inferior a su denominación. Aquí me recordé este pasaje que es de mis preferidos en la literatura de oro española, de la Vida es Sueño de Pedro Calderón de la Barca, que dice: “Sueña el rico en su riqueza, que
más cuidados le ofrece, sueña el pobre que padece su miseria, y su pobreza, sueña el que a medrar empieza, sueña el que afana y pretende sueña el que agravia y ofende y en el mundo en conclusión, todos sueñan lo que son, aunque ninguno lo entiende.” ❡ Aunque las tarjetas de crédito y la temida fiscalización actual parece dejarán en desuso a este aquí tratado objeto que es el papel moneda, éste seguirá rigiendo, no solamente como un estabilizador económico que da funcionamiento al estado mismo, sino como el símbolo del contrato que la ilusión del dominio y la ambición del hombre han creado con esto que denominamos billetes, pues sus poseedores consideran tener poderes que les beneficien y protejan, creándose lo que se denomina un estatus más alto o privilegiado, dando con ello fuerza a su poseedor y creando, por desgracia para el sistema económico actual, tanta disparidad en su posesión. Conferirá con ello una dependencia del control de la libertad sobre aquellos que requieren de este ilusorio elemento que es el papel moneda para poder solventar sus funciones primarias y básicas de supervivencia.
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Periferias
por Ana Terán
ilustración: Yurex Omazkin
Así de simPle
Las cosas que suelen marcarnos más son aquellas situaciones inesperadas que llegan en el momento oportuno. Una llamada, algo que vemos por ahí, una caída… Esas sorpresas que pueden cambiarnos la vida.
Lo inesperado irrumpe siempre. Como cuando el timbre de mi celular quebrantó el silencio durante la grabación: lo había dejado cargándose, no en modo vibración —para desgracia mía— porque creí que no hacía falta: estábamos en una de esas arrugas del ajado rostro del país —sin señal aparente en el indefinible territorio Telcel— filmando una entrevista a una familia de tejedoras de Ahuiran, un recóndito poblado en Michoacán. Tenía que pasarme a mí, que considero un delito que el abominado sonido interrumpa un concierto, el flujo de una conversación, o que Hacienda me despierte al amanecer para invitarme a cumplir con mis obligaciones fiscales. Uf. Justo es decir que aprovechábamos la tregua concedida por el estrépito de un aguacero torrencial, y por el tañer de la única campana de la iglesia que arrancaba cada media hora como si su misión no fuera congregar parroquianos sino marcar el tiempo a trancos. Supe después que tañían en señal de duelo: despedían a un integrante apreciado por la comunidad. Me precipité a apagarlo sin acordarme del par de escalones que me separaban del único enchufe en esa casa de cemento casi en tinieblas, envuelta en una neblina que se colaba puertas adentro, fría, pero entibiada por la calidez de una estirpe de mujeres de todas las edades imaginables: desde una bebé de meses arrebujada en un rebozo en las espaldas de una hermosa joven, pasando por una cría de nueve años que devanaba, por un cuarteto de madres y abuelas sentadas frente a sus telares, hasta llegar a la entrevistada, la bisabuela y voz
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cantante del clan —en purépecha y castellano (la única que lo hablaba decentemente)— que raya en los 80. Me fui de bruces, claro está. Con el peso de la imprudencia y el ridículo a cuestas. El estruendo de mis huesos debió haber rebotado en las cuatro paredes porque instantes después descubrí dos pares de zapatillas, rojas y verdes, delante de mis ojos. No sé qué me afligía más: si la vergüenza, si la integridad de mi esqueleto o la de mi iPad donde momentos antes consultaba mis notas. Había ido a parar debajo de una mesa. Me puse en pie con un dolor agudo en la rodilla. La de zapatillas verdes se afanaba en subir la pernera derecha de mis jeans y, apenas la tibieza de sus manos se posó donde dolía, como por milagro, empecé a sentir alivio. Cuando me repuse, por no maldecir delante de ellas, dirigí a mi equipo una disculpa en inglés, “Sorry I fucked it all up...” y lo inesperado volvió a dejarnos boquiabiertos: “No you didn’t”, me contestó la joven con la hija en sus espaldas, ataviada a la usanza tradicional, como las demás: enaguas de colores brillantes ribeteadas de encaje blanco y una blusa bordada con una delicadeza que envidiaría cualquier atelier de alta costura. Inspeccionó el iPad y sin la menor traza de acento me aseguró que no se había dañado. Era verdad. E iluminada por una sonrisa más dulce que mordaz, dijo, siempre en inglés: “Es que crecí en Seattle con mis padres, vine de vacaciones a visitar a mi abuela... y me enamoré”. Ni falta hacía preguntarle si era feliz. Se le notaba a leguas. Tampoco si añoraba el oropel del gabacho. Así de simple.
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el Libro
por: La Redacción
casa Palacio
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casa_palacio casa_palacio
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Carolina Herrera: una historia de elegancia
no cualquiera tiene la suerte de asistir a un desfile de Balenciaga a la edad de 14 años como Carolina Herrera. Quizá por esa suerte, no es de sorprender que la venezolana desarrollara un amor por la moda que la llevaría a crear una increíble carrera en dicha industria. El libro de Alexandra Kotur —importante editora de Vogue— con introducción de Hamish Bowles, incluye testimonios (muy) personales de Mario Testino, Anna Wintour, André Leon Talley, Calvin Klein y las mismas hijas de Herrera. Estos textos están acompañados de fotografías —tanto públicas como privadas— que ilustran la interesante vida de la diseñadora desde su juventud en Caracas hasta sus días en La Fábrica de Andy Warhol o Studio54 con Bianca y Mick Jagger. La historia de Carolina Herrera es mucho más que la de una diseñadora de moda, es la de una vida interesantísima que no debe dejar de conocer. 88 | la revista