La Revista 67

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ABRIL / MAYO 2015 MX $87 / 7USD

EL MUNDO DEL BUEN GUSTO

P. 2 8

P. 9 2

PELAGIC LIFE: SUSTENTABILIDAD Y TURISMO PARA EL MAR ABIERTO

THE NEW YORKER: CONOCIENDO A LOS ILUSTRADORES QUE MARCARON ÉPOCAS

N O . 67 | A B R I L / M AY O 2 015

EXPERIENCIAS ESTÉTICAS

Masaryk 460, Tel. (55) 5281 88 36 • El Palacio de Hierro Interlomas, Tel. (55) 52 90 51 03 • El Palacio de Hierro Guadalajara, Tel. (33) 36 11 37 56 • La Boutique Palacio Cancún, Tel. (998) 840 71 01

GEORGE CLOONEY AND EINSTEIN’S CHOICE.

la Carta editorial No. 67 | Experiencias estéticas | Abril / Mayo 2015

En nuestras vidas hay ciclos, reflejo fiel del universo del que formamos parte; algunos se miden en lapsos cortos, otros mucho más largos. Sobre la relatividad del tiempo Einstein explicó mucho, siempre con ironía y enorme sentido del humor, afirmando que “desde que los matemáticos han invadido mi teoría de la relatividad ni yo mismo la entiendo”. A seis años del nacimiento de esta publicación —hasta hoy mensual—, hemos decidido alargar su periodicidad convirtiéndola, a partir de hoy, en un número bimestral. La edición que tiene en sus manos es nuestro ejemplar inaugural donde combinamos dos temas, el arte y la ecología, logrando una revista más rica en contenido, tan visual como siempre y, estamos seguros, más sólida y acorde con las exigencias mediáticas de la industria editorial. Hoy es un nuevo nacimiento para La Revista.

La relación arte-naturaleza ha marcado las prácticas artísticas y las teorías estéticas a lo largo de la historia.

No obstante este binomio ha variado mucho y ha significado en cada época algo diferente: en la Grecia antigua el arte imitaba a la naturaleza, durante el Romanticismo se alababa a la naturaleza por su carácter sublime, mientras que en el Impresionismo fue puesto el énfasis en la luz y la temporalidad de la naturaleza. Al mismo tiempo la humanidad ha abusado de la naturaleza explotando sus recursos con fines de enriquecimiento individual, se ha alejado de la misma devastándola y ciñéndola a las demandas de una nueva forma de vida. Arte, hombre y naturaleza, ¿podremos encontrar la manera de convivir?

En nuestras páginas recorremos a grosso modo la historia del arte en un artículo concreto y lleno de anécdotas históricas titulado “Arte y Concepto: ideas en torno a la historia reciente del arte”, donde Pablo Martínez Zárate nos lleva de la mano por las manifestaciones artísticas “una maraña de laberintos sinuosos, entrecruzados unos con otros, donde no sólo la sensibilidad y el genio, sino también la política, la economía y demás fuerzas ajenas al creador y su obra operan para determinar el devenir de la creación artística”. De ahí, de manera casi vertiginosa llegamos a la era del arte digital, una “continuación de la línea evolutiva” en la historia del arte. Artistas que

han cambiado el lienzo por pantallas de ordenador, desde donde crean mundos y realidades fantásticas demostrando que la imaginación es la última frontera. También en el terreno del arte echamos un vistazo a las portadas más icónicas de la revista The New Yorker, publicación que durante décadas ha plasmado con humor la vida neoyorquina, y en la que han colaborado extraordinarios ilustradores y artistas, narrando a través de sus portadas nuestro momento histórico.

Un ejemplo es el artista contemporáneo Rodolfo Choperena, quien en palabras de la curadora Bárbara Perea aborda “la composición de cada imagen, jugando con la exposición, el desplazamiento y la adición de elementos cromáticos específicos y se acerca más a la pintura que a la fotografía, tradicionalmente entendida”. Y es que Choperena se deja guiar por los colores y temperamentos, creando formas que son ecos de la realidad.

Y como si de un auténtico hombre invisible se tratara, Liu Bolin, reconocido mundialmente y sancionado en ocasiones por el gobierno de su país, retrata paisajes urbanos en donde una figura humana parece desaparecer, pues en su discurso afirma que la sociedad no se da cuenta de los problemas que vive día a día, es decir, se hace invisible. Con gran técnica, un poco de humor y mucha vena estética, Liu Bolin es uno de los más importantes exponentes del arte contemporáneo chino.

Además, no hay nada más hermoso que sumergirse en la profundidad de las aguas de los océanos de México, Santiago Oria Probert nos adentra en un mundo pelágico lleno de diversidad, “una colección de vida marina compuesta de tiburones, mantas, picudos, delfines, ballenas, tortugas y otras especies que viven bajo una constante amenaza”. Sin embargo, haciendo uso de uno de los clichés más conocidos, estas amenazas también pueden ser entendidas como oportunidades y eso es justo lo que las personas de Pelagic Life están logrando: transformar la desaparición de especies en santuarios naturales, la pesca furtiva en turismo de lujo y la indiferencia en consciencia pura. Finalmente, proteger al planeta es la mayor obra de arte que podemos crear como civilización.

@marcelamaya

el Contenido No. 67 | Experiencias estéticas | Abril / Mayo 2015

C CENTRALES 28 México pelágico: conservando la inmensidad

por Santiago Oria Probert La vida en mar abierto es sumamente rica. Descubra el secreto mejor guardado de los tiburones de la mano de Pelagic Life.

38 Eco-fashion: lujo al servicio del planeta

por Andrea Villanueva El negocio de la moda de lujo no tiene porqué estar peleado con el cuidado de nuestro planeta. Aquí una exploración de las alternativas.

46 El Perfil: Liu Bolin

por Andrea Villanueva Uno de los artistas contemporáneos más importantes del momento visitó la Ciudad de México y nos contó todo sobre su obra.

54 El Perfil: Rodolfo Choperena

por Marcela Aguilar y Maya Platicamos con el fotógrafo mexicano que transforma el movimiento en imágenes, jugando con la luz y alterando los sentidos.

60 La Plática: Rosa Lladró

por Marcela Aguilar y Maya La directora y heredera de la fábrica de porcelana más famosa del mundo visitó México para presentar una figura especial.

66 El Perfil: Jis

por Santiago Oria Probert Esta es la historia de un monero mexicano que hace un poco de todo para hacer reir a la gente y crear consciencia.

p.28

p.72

C CENTRALES 72 El Portafolio: Alexandra Farias

92 The New Yorker

82 Arte digital

100 Arte y concepto

por Santiago Oria Probert Presentamos la obra de una joven fotógrafa que representa las diferentes realidades de México a través de su cámara.

por Santiago Oria Probert El arte del siglo XXI debe utilizar todos los recursos tecnológicos a su alcance, acercándose cada vez más a los terrenos de la ciencia y la ingenieria.

por Andrea Villanueva La revista neoyorquina por excelencia tiene una tradición de 90 años de portadas ilustradas. Repasamos estas obras de arte “desechable”.

por Pablo Martínez Zárate El arte que siguió a las vanguardias dejó atrás su apego a lo figurativo y transformó la idea de la estética y la belleza tradicional.

el Contenido No. 67 | Experiencias estéticas | Abril / Mayo 2015

A ABRIDORES

p.112

14 LMC Las jacarandas nos anuncian que oficialmente ha llegado la primavera a la ciudad.

16 El Blog

Disfrute la primavera con una muestra de fotografía y un exquisito mezcal.

28 De la A a la Z

El planeta nos sorprende con todo lo que nos ofrece. Aquí algunas ideas para seguir disfrutando de él.

p.128

F FINALES 106 El Destino

La Ruta de los Siete Lagos es uno de los mejores destinos de Argentina.

112 La Mesa

Robert de Niro y el chef Nobuyuki Matsuhisa inauguraron el Nobu Polanco.

116 El Motor

Conozca el más reciente lanzamiento de Mercedes-Benz.

120 La Galería

La última exposición del modo hizo un recorrido por la historia de la fotografía.

p.120

124 El Coleccionista Descubra la historia (para muchos desconocida) del gran Morelos.

126 Periferias

Las historias que pueden o no ser ficción suelen ser las que más nos intrigan.

128 El Libro

Dressing for the Dark comparte los mejores secretos para vestir impecable de noche.

NOW OPEN

Masaryk 201, Polanco, MĂŠxico D.F.

GrupoHabita

GrupoHabitaHotels

GrupoHabita

el Directorio No. 67 | Experiencias estéticas | Abril / Mayo 2015

Dirección Eduardo Sanmiguel Director general Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial Santiago Oria Probert Director editorial santiago@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial andrea@aeditores.com

Arte Yair Orozco Director de arte yair@aeditores.com Fernanda Carrasco Edición fotográfica fernanda@aeditores.com

Comercial Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Suscríbase por un año

al (55) 5281 0568 y reciba bimestralmente, en su domicilio, La Revista.

Colaboradores Diana Amador | Michel Bellego | Daniel Benítez | Ariel Carlomagno María José Céspedes | Ignacio Galar | Thais Herrera | Pablo Martínez Zárate Yurex Omazkin | Rodrigo Rivero Lake | Ana Terán

Consejo Editorial Ausbert de Arce | Carmen Cordera | Allan Fis | Julieta García | Bruno Newman | Mónica Patiño | Ricardo Salas | Gonzalo Tassier | Ignacio Urquiza

Información para anunciantes: ventas@aeditores.com

Las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial.

Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001

La revista el mundo del buen gusto es una publicación de A Editores, Durango 332-103, Col. Roma Norte, C.P. 06700,, México, D.F. Teléfonos: 5281 1778 y 79. La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de vida de A Editores.

Revista mensual. Número 67, abril/mayo 2015. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30.

Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.

Foto: Undine Pröhl

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ABRIDORES

“A mí dadme lo superfluo, que lo necesario todo el mundo puede tenerlo.”

—Oscar Wilde

Living Mexico City

Condesa d.f.

por: Marcela Aguilar y Maya | @marcelamaya fotos: Cortesía

Chef Alejandro Sánchez, Candela Romero

Candela Romero

14 | la revista

Llega la primavera y la ciudad se pinta color jacaranda, en un paisaje digno de postal. Lo curioso es que este paisaje urbano tan de aquí no tiene más de sesenta o setenta años.

La jacaranda es oriunda de Brasil, pero se da estupendamente en la meseta central de la República Mexicana, en especial en nuestra ciudad crecen abundantes en los camellones de la Condesa, algunas zonas de la del Valle, en CU y Mixcoac. A muchos le molestan porque “ensucian” las calles, pero a mí me parece la mejor forma de celebrar la primavera y me doy a la tarea de buscar cafecitos y restaurantes con terraza, pues, cual cerezos en flor de Japón, las jacarandas embellecen la urbe contemporánea con su ramaje que asemeja nubes púrpuras en el cielo. Y así, con ánimo de primavera, esta ciudad se disfruta como nunca.

En plan gastronómico abrió sus puertas en el hotel St. Regis de la Ciudad de México, el nuevo clásico para sibaritas y socialités capitalinos: Candela Romero. Pertenece al grupo de los creadores de Millesimé —el evento gastronómico de origen español más importante del mundo—, por lo que promete ser extraordinario. El chef Alejandro Sánchez ostenta una estrella Michelin, el único con este reconocimiento que vive y trabaja en México. Durante las pruebas de menú, dejó a los comensales con el mejor sabor de boca… ¡literal! Funciona sólo con reservación y cuenta con una sección que es restaurante y otra que es un bistró de tapas, además de una terraza, un salón privado y una barra con muy buena vibra. Me encanta que abran nuevos lugares con propuestas originales, y sobre todo con comida sobresaliente, pues no cabe duda que la ciudad se consolida cada vez más como un fuerte destino gastronómico.

También re-abrió sus puertas el clásico francés Le Bouchon, a una cuadra de donde se encontraba originalmente, en el corazón de Polanco. Bajo la batuta de Daniel Hening, Le Bouchon es la sede indiscutible de la comunidad ex pat francesa de la ciudad de México, y la sopa de cebolla sigue siendo la mejor.

Recientemente las oficinas de esta casa editorial se mudaron a la colonia Roma, y yo, personalmente, no podría

Condesa D.F.

Foto: Undine Pröhl

Gabriel de la Mora, Catalogue of the exhibition

ser más feliz. ¡Qué mejor forma de disfrutar la oferta cultural de la zona que en época de jacarandas! Esta zona está plagada de lugarcitos donde tomar un buen café o comer rico, pues definitivamente el peatón es el ciudadano más valorado de la zona, seguido por el que desplaza en bici. En cada cuadra hay algún cafecito “con onda” y uno de mis favoritos es el Rococó, en pleno Parque España, donde la variedad de sabores artesanales es una maravilla.

Otra delicia de lugar es el muy internacional Condesa d.f. que, curiosamente, se ha vuelto un auténtico “hotel de barrio”. Desde que trabajo a la vuelta de la esquina me doy cuenta de que en las mañana somos algunos habituales los que ocupamos sus mesitas día a día. Además de que es un espacio súper agradable y que nunca ha pasado de moda, quiero enfatizar la delicia de su cocina. De verdad es fuera de serie. A diez años de haber abierto sus puertas —¡y su increíble roof terrace!—, el menú acaba de reinventarse gracias a la sazón nata de los chefs Romain Fouquet y Trevor La Presle, que combinan ingredientes locales con la fusión de sabores México-Asia-Francia. Al trabajar cerca, de verdad quiero ir diario y probar algo diferente.

En otro tema, el 15 de abril de celebra el Día Mundial del Arte, fecha elegida en honor al natalicio de Leonardo Da Vinci y cuya misión es que todas las artes, de forma gratuita, lleguen a la comunidad en calles, parques, museos, jardines, teatros, donde las exposiciones de pintura, instalaciones, música, conciertos, ballet, literatura, cuentacuentos, etc. interactúen con la comunidad creando una gran fiesta mundial. El Día Mundial del Arte fue declarado por la Asociación Internacional del Arte con el fin de promover conciencia de la actividad creativa en todo el mundo.

En las galerías de la colonia Roma la oferta artística y cultural se viste de gala, presentando muestras que están al mejor nivel internacional. Mi favorita, quizá, sea la expo de la OMR, en la Plaza Río de Janeiro, donde se muestra hasta abril del 2015 lo más reciente de Gabriel de la Mora.

La muestra, titulada Función, presenta la obra obsesiva del artista quien, a manera de archivista, reúne gran cantidad de objetos desde suelas de zapatos usadas y pedazos de cascarón de huevo, hasta lijas de cajetillas de cerillos. Cada material presenta la evidencia del paso del tiempo, el uso y desgaste de la vida. Al descontextualizar objetos descartados, de la Mora crea una sintaxis visual con la que se puede comprender el lenguaje detrás del objeto cotidiano.

Y así, bañados por la luz violeta de las jacarandas —y uno que otro aguacero—, la Ciudad de México recibe la primavera entre arte, cultura, diversión e inmejorable gastronomía. …to be continued.

Candela Romero

Centro Cultural Universitario Tlatelolco

Café Rococó

Condesa d.f.

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el Blog por: La Redacción fotos: Cortesía

La primavera pinta verde con consejos para vivir mejor, fotos históricas y productos para disfrutar más la vida. ©Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía de la Fundación Cartier-Bresson

ABRIDORES

pág. 016

Refugiados haciendo ejercicio, campo de Kurukshetra, Punjab, India, 1947.

Henri Cartier-Bresson Nacido en Chanteloup, Francia en 1908, desde niño comenzó a tomar clases de pintura y dibujo.

Muy joven se interesó en el surrealismo y visitaba los cafés en que André Breton compartía sus ideas. En 1932 descubrió la cámara Leica y nunca más la volvió a dejar. En 1940 fue tomado como prisionero de guerra y tras tres intentos escapó en 1943. Viajó por todo el mundo tomando fotografías y dirigió un par de películas además de asistir a Jean Renoir.

En 1947 fundó Magnum junto con Robert Capa, George Rodger, David Seymour y William Vandivert.

Murió a los 96 años en Montjustin acompañado de su esposa Martine Franck y su hija Mélanie, con quienes fundó la Fundación Henri Cartier-Bresson.

16 | la revista

Henri Cartier-Bresson Un viaje por el siglo XX

Hasta el 17 de mayo de 2015 | Juárez s/n, Centro, México, D.F. |

(55) 5512 2593 | bellasartes.gob.mx

Curiosamente al fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson no le gustaba en lo absoluto ser fotografiado, pero es una suerte que estar del otro lado de la cámara fuera su fascinación. Henri Cartier-Bresson. La mirada del siglo XX, que se presenta en el Museo del Palacio de Bellas Artes, es la primera gran retrospectiva del artista tras su muerte en 2004 y se da 80 años de su primera muestra en este recinto. Curada por Clément Chéroux, la muestra presenta 398 piezas —incluyendo además de fotografías, collages, pinturas, dibujos, películas, revistas y periódicos— en orden cronológico que describen la trayectoria de uno de los cronistas más importantes del siglo pasado. La exposición se divide en tres momentos: de 1926 a 1935, marcado por su contacto con el surrealismo y sus pasos iniciales en la fotografía; el segundo hasta 1946, con su compromiso político, su trabajo para la prensa comunista, su incursión en el cine y los avatares de la guerra; y el último periodo, el de la creación de la agencia fotográfica Magnum (1947) que concluye a principios de los años setenta, cuando interrumpe su actividad como reportero. Tal como lo indica el nombre de la muestra, la mirada de Cartier-Bresson cuenta una comprensiva historia del siglo XX.

EL BLOG

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and Intense → Bold Johnnie Walker johnniewalker.com |

JohnnieWalkerMx |

@JohnnieWalkerMx

Mattia Biagi Tras estudiar arte y diseño en Milán decidió migrar a Los Ángeles.

Fue justamente en esa ciudad, en los pozos de chapopote de La Brea, que encontró la inspiración para sus obras más recientes.

Johnnie Walker es una marca clásica que nunca deja de innovar y cada una de sus variantes tiene una personalidad única. Entre las más importantes se encuentran Black Label y Double Black, que son las dos variantes de Johnny Walker con mayor porte. La campaña Bold & Intense presenta este par de productos, considerados los más intensos de la casa, en una nueva luz y con mayor intensidad que nunca: Black Label, la mezcla original de la familia, considerada “el Everest de los whiskies” y Double Black que lleva las características y notas clásicas de Black Label a otro nivel de intensidad en el ahumado. En esta campaña los protagonistas son Mattia Biagi —un artista que ha encontrado en el color negro la inspiración para transformar objetos utilizando el chapopote como recurso creativo— y la música interpretada por Gin Wigmore, quienes se unen con el whisky para transmitir un momento donde el sabor y la intensidad lo son todo. La representación gráfica más cercana del sabor de Black Label y Double Black.

Gin Wigmore Virginia Wigmore, mejor conocida como Gin Wigmore, nació en Auckland, Nueva Zelanda y en 2009, con tan sólo 22 años de edad sacó a la venta su primer disco.

Saab Le Parfum → Elie Edición limitada eliesaab.com | De venta en el Palacio de Hierro

Las notas aromáticas Elie Saab ofrece aromas gloriosos: en la salida se presenta el aroma del higo, trabajado en un acorde sedoso como la piel azulada del fruto,

revela una plenitud inédita. Su untuosidad está acentuada por la esencia de mandarina y sus notas anuncian la Flor de Azahar emblemática de la línea Elie Saab Le Parfum. En el corazón

se encuentra la Flor de Azahar acompañada del jazmín blanco y el acento exótico de la flor de Frangipani . Por último, las notas contienen un acorde de ámbar especiado por un aroma de cedro.

Para celebrar su colección primavera-verano 2015, la maison Elie Saab —que lleva el nombre del diseñador libanés— lanza una primera edición limitada olfativa, Elie Saab Le Parfum, Resort Collection 2015. Inspirado en un mundo que evoca los tonos de azul de la ribera de la costa Amalfitana, así como sus veranos salados y los esbeltos yates que surcan la superficie del mar, el frasco evoca el reflejo del sol en la superficie del agua y propone un viaje por mares de un azul intenso, con infinitos y fascinantes matices. El perfumista Francis Kurkdjian ha elaborado esta composición olfativa, floral, solar y afrutada, que rebosa de sensualidad golosa y destila una elegancia irresistible. En perfecta sintonía con la Alta Costura, el envase de Resort Collection retoma los códigos de las siluetas de la marca, realzadas siempre por un cinturón fino. En este caso se trata de una banda de luz que alterna un degrade de azul —azul intenso, aguamarina, turquesa, lapislázuli— y un oro delicado. Una fragancia que más que eso es una invitación al viaje.

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ABRIDORES

1800 Milenio → Tequila Una experiencia sensorial 1800tequila.com |

1800 Tequila | De venta en La Europea y City Market

Tequila 1800 presentó su versión 1800 Milenio como un homenaje a la experiencia sensorial que todo buen tequila debe ofrecer.

Se trata de un tequila extra añejo, 100% de agave azul que, al ser seleccionado en plena madurez, cuenta con matices cobrizos y dorados. Su proceso de elaboración respeta el proceso original de la maduración en barricas de roble americano. Tras un prolongado añejamiento los más finos tequilas son seleccionados cuidadosamente por el Maestro Tequilero para que finalicen su proceso con 4 meses más en barricas de roble francés. La combinación de maderas ayuda a dar cuerpo a 1800 Mileno y ofrece una suave combinación entre el dulzor del agave y el de la madera, dejando un prolongado sabor a frutas y especias, notas de higo y miel de abeja, donde en su final predomina la canela.

Tequila 1800 Milenio promete revolucionar la forma en la que percibimos los sabores del tequila.

Un nombre y un número El nombre de Tequila 1800 proviene del primer en año en que se fabricó el tequila, todo lo que rodea a la marca esta lleno de simbología. Un ejemplo es su empaque, ya que la icónica botella con forma triangular está inspirada en las pirámides de los mayas. Además de tener distintas variedades que se ven representadas en sus etiquetas, cada año Tequila 1800 invita a artistas reconocidos, como alguna vez lo hizo Jean-Michel Basquiat, para intervenir su empaque.

18 | la revista

nuevo de Dove → Lo Aroma karité y vainilla dove.com.mx |

Dove | De venta en tiendas de autoservicio

Dove siempre se ha caracterizado por dar un cuidado absoluto a la piel y ahora presenta un nuevo ingrediente que enamorará tanto a sus sentidos como a su piel. Existen pocos productos con ingredientes que además de ayudar y proteger la piel sean agradables para los sentidos, por eso Dove eligió el aroma karité y vainilla para su jabón de tocador y crema corporal. Éstos, además de nutrir y humectar la piel, le brindan la suavidad necesaria y dan un agradable aroma. La barra limpia, humecta y cuida la piel sin resecarla, mientras que la crema corporal, con su exclusivo DeepCare Complex, combina nutrientes naturales con un rico aceite para ayudar a mejorar la piel gradualmente desde las capas más profundas. Los ingredientes de esta nueva variante, aceite de karité y vainilla, tienen propiedades asombrosas como el proporcionar una importante cantidad de vitamina E y ofrecer antioxidantes. Además, a estos dos ingredientes se les suma la glicerina, un poderoso ingrediente que ayuda en la humectación de la piel, ayudando a repararla y protegerla de irritaciones. Así, cada mujer puede transformar su rutina de cuidado personal en un placer diario.

Sobre Unilever Con más de 120 años de existencia, Unilever es uno de los proveedores líderes en el mundo en cuanto a productos de consumo.

Tiene operaciones en más de 100 países y ventas en 190, además de tener más de 171 mil empleados. Está presente en México desde hace más de 60 años, y genera en el país un estimado de 5 mil empleos. Entre sus marcas más reconocidas en el mercado mexicano se encuentran Pond’s, Knorr, TRESemmé y St. Ives.

EL BLOG

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Country Club → Amanali & Náutica (55) 5393 1666 | amanali.com.mx

Amanali Country Club & Náutica —el gran desarrollo ubicado a tan sólo 40 minutos de la Ciudad de México, en Tepeji del Río, Hidalgo— es mucho más que un fraccionamiento en el cual vivir, es un concepto pensado para personas que disfrutan de la naturaleza y al mismo tiempo del lujo con las más modernas instalaciones y el clima ideal. En una superficie total de 300 hectáreas, Amanali ofrece una infraestructura de primer mundo, con su representativo campo de golf. El campo, diseñado por la prestigiada firma Schmidt & Curley presenta un gran reto para los amantes del golf con sus 18 hoyos par 72 y 7,320 yardas de marcas negras. Éste fue planeado en armonía con la topografía de la región y hermosas vistas al lago, resultando en un juego lleno de retos en sus pastos de Bermuda Grass y Bent Grass. Por su parte, el Club Náutico —localizado a la orilla de la presa

Requena con casi cinco kilómetros de litoral colindante— ofrece una amplia variedad de deportes acuáticos.

El proyecto está diseñado por el reconocido arquitecto Mario Schjetnan, mientras que la Casa Club, que cuenta con todos los servicios y un excelente restaurante, fue proyectada por el despacho Legorreta + Legorreta y actualmente se encuenta en un proceso de ampliación.

Amanali es ya un proyecto consolidado con la urbanización al 95% y 120 casas construidas. La comunidad que se está creando es absolutamente familiar y tranquila, segura con modernos sistemas de acceso y vigilancia con dispositivos de última generación, además de que todas sus instalaciones eléctricas y de servicios son subterráneas con una urbanización de la mejor calidad. Un excelente lugar para invertir y vivir.

Club Náutico Además del campo de golf de 18 hoyos diseñado por Schmidt & Curley, conozca el Club Náutico, dé un vistazo a su concepto de deportes acuáticos, disfrutando de la hermosa vista mientras practica: • Kayak • Ski acuático • Natación • Veleo • Juegos acuáticos infantiles • Tirolesa • Esferas acuáticas

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ABRIDORES

Caviar → Léman Del incomparable Caran d’Ache carandache.com |

Caran d’Ache| De venta en Berger Joyeros y Peyrelongue Chronos

La nueva Léman Caviar de Caran d’Ache no solamente es hermosa, también causa impresión. Como cualquier producto de la casa, tiene un diseño y una forma excepcionales y más aún al ser parte de la colección Couleur de Léman que crea una nueva pieza única cada año. El estreno del 2015 guarda su magia en la sutileza del grabado, el cual captura los colores de los granos de caviar y la sombra azafrán del alba sobre el lago Léman. Llamada simplemente Caviar,

es un instrumento de escritura de lujo y glamour, con brillantes reflejos que cambian la forma en que pensamos en una pluma.

El tan solo sostenerla es una experiencia hedonista.

Técnicamente las cuatro distintas versiones de la pluma son excepcionales: creadas con un grueso latón y recubiertas con bronce y rodio —uno de los materiales más resistentes de la tierra— son producidas a mano en los talleres de la compañía en Ginebra.

Cien años de emociones El 2015 es un año sumamente especial para la maison Caran d’Ache, ya que marca el aniversario número cien del negocio familiar afincado en Suiza. Durante todo el año se llevarán a cabo eventos y se revelarán productos que celebran la coherente evolución de Caran d’Ache desde sus inicios en los lápices de grafito y color hasta la marca de lujo que es hoy. Como un tributo a los cien años de apoyo

20 | la revista

a la expresión artística la Colección de Aniversario consistirá en nuevas versiones de sus icónicos modelos Technograph, Fixpencil, Prismalo, Ecridor, and 849 en cantidades limitadas. Entre los eventos de festejo se presentará la exhibición Les Caran d’Ache de Picasso en Interlaken y habrá un concurso nacional de dibujo. Celebre con ellos en la página web carandache.com/100.

La pluma fuente puede usarse con una bomba o cartucho de tinta y está disponible en cuatro anchos (fino, medio, ancho y extra ancho); el bolígrafo tiene un mecanismo de rotación de alta precisión que entrega tinta que nunca lo manchará; el bolígrafo estilo roller puede utilizar dos tipos de cartucho y el lápiz mecánico utiliza puntillas de 0.7 mm de diámetro. Cualquier coleccionista deseará tener una (o cuatro) Léman Caviar de Caran d’Ache.

EL BLOG

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→ Sibarita El viaje del mezcal mezcalsibarita.com |

Mezcal Sibarita | De venta en La Europea y City Market

Ya no es novedad o sorpresa alguna que una persona pida un mezcal. Por eso cada vez hay más marcas y etiquetas. Sibarita es una de ellas, pero no es una marca cualquiera. Se trata un proyecto joven —y de jóvenes— que surgió de una verdadera pasión por la cultura detrás del mezcal.

Mezcal Sibarita es una bebida que satisface la creciente demanda del líquido ancestral a la par que ofrece un producto premium con un sabor suave y refinado. Se trata de un proyecto creado por cuatro amigos, quienes fundaron Casa Sibarita en el Valle de Santiago Matatlán, Oaxaca —la capital del mezcal y la tierra en que crece el agave Espadín de la más alta calidad. Este poblado se encuentra a unos 45 minutos de la ciudad de Oaxaca y su economía depende primordialmente de la producción mezcalera.

Mezcal Sibarita es un mezcal joven premium en su esencia. En cuanto a sus características, un experto afirmaría que su juventud proviene del color cristalino, notaría el olor a campo y la presencia desnuda del agave; mientras que quien lo prueba —sin saber nada de mezcales— diría que es ligero, que pasa fácil y hasta que el primero deja con ganas del segundo. Las dos percepciones son correctas, pero un mezcal es mucho más que su ficha técnica. Mezcal Sibarita es un acompañante para pasar un buen rato y también un impulsor de las cosas bien hechas creadas por una generación nueva, una generación que busca una identidad propia.

Es por eso que Sibarita se identifica con la música, la noche, los viajes y el disfrutar de estar vivo. Todas esas cosas por las que vale la pena brindar.

El primer agave Cuenta la leyenda que una noche Quetzalcóatl, el viento cósmico, convenció a la virgen Mayahuel para que bajara de los cielos y se uniera a él para formar un árbol de dos ramas.

Enfurecida por la noticia, la abuela de Mayahuel (un demonio de estrellas), bajó del cielo para romper las ramas y dárselas a los demonios para comer. Una vez que se fueron los demonios satisfechos, Quetzalcóatl rescató los restos de Mayahuel y los quemó. De estos restos creció el primer agave.

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ABRIDORES

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De la A a la Z

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Vacaciones sin impacto ambiental

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No queremos arruinarle el viaje, pero cada vez que toma un avión lanza toneladas de co2 al aire. Si quiere equilibrar el impacto ecológico de sus paseos, le presentamos dos increíbles opciones para hospedarse sin hacer más daño a la naturaleza.

Al rescate del planeta Tierra Great Ocean Ecolodge

Ilustraciones: Daniel Benítez

Se trata de un hotel de cuatro estrellas y un centro de conservación ubicado en Cabo Otway, Australia. Se trata de un negocio dedicado a la conservación de la biodiversidad y de sistemas ecológicos. El lugar está diseñado para ser completamente susten-

Nuestro paso por el mundo deja mucho más que huellas en el camino. Conscientemente o sin darnos cuenta, vamos dejando una estela de contaminación en cada unas de nuestras actividades diarias, desde el traslado al trabajo hasta nuestra larga ducha o la carne de res que termina echada a perder en el refrigerador o que no podemos dejar de comer.

El calentamiento global pasó de ser un mito lejano que causaba debates inertes a una amenaza real, constante, que se cierne sobre nosotros, en esa frágil capa que nos protege de los intensos rayos del sol. En el lado opuesto han surgido nuevas corrientes y tendencias de consumo que promueven la conservación, la sustentabilidad y el bajo impacto ambiental. Este mes presentamos una guía básica para que sepa cómo dejar de contaminar, o hacerlo menos, que conozca todos los términos necesarios y empiece a llenar su vida cotidiana de verde, mucho verde.

por: Diana Amador

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table utilizando energía solar incluso para calentar el agua, recolección de agua de lluvia y un comedor orgánico. Es un claro ejemplo de una forma de vida con prácticas y tecnologías verdes. greatoceanecolodge.com

Couran Cove Island Resort, Australia Este lujoso resort en una isla cuenta con unas exclusivas cabañas en medio de la selva, llamadas eco cabins, que han sido construidas y decoradas con materiales reci-

clados. Es ideal para quien quiere disfrutar la experiencia de dormir, literalmente, en medio de la selva. courancove.com.au

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No basta con tener conciencia ecológica, hay que tener también un vocabulario para entender y compartir la cultura verde. Aquí presentamos términos básicos para salvar al mundo

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Hablar en verde

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• Biodegradable: es una sustancia o material que puede descomponerse a través de procesos biológicos realizados por la digestión de ciertos microorganismos. Esto no significa que tirar la basura en la tierra sea como no tirarla.

• Reciclable/Reciclado: son materiales que ya fueron usados y tienen las cualidades para reutilizarse con funciones nuevas o como materias primas para fabricar nuevos productos.

• Sustentable: se refiere a las condiciones sociales, económicas, educativas, jurídicas y éticas, que permiten el incremento de las riquezas en beneficios de la sociedad sin afectar al medio ambiente, para garantizar el bienestar de las siguientes generaciones. Esto significa sacrificar algo de recursos, comodidades y tiempo, en nombre del futuro del mundo.

• Orgánico: es toda una cultura de consumo en el que los alimentos o los materiales naturales no han sido intervenidos por ningún agente químico y se han desarrollado de acuerdo a su curso natural.

• Ecológico/Ecofriendly: significa que ese producto que está consumiendo, ese hotel donde se hospeda o ese pantalón que acaba de comprar, tuvo un impacto mínimo en el medio ambiente al ser producido y llevado hasta sus manos.

• Efecto Invernadero/Calentamiento global: aunque todos hablan de él, pocos entienden qué significa. Se trata de un proceso en el que la atmósfera es más permeable a la reducción solar de onda corta entrante que a la radicación de onda larga saliente procedente de la Tierra. Es decir, la capa que protege al planeta deja entrar más calor del que permite salir.

• Recursos renovables: son bienes que hay en la Tierra y no se agotan, como el aire o la luz solar. Se reproducen solos y no necesitan intervención humana.

• Recursos no renovables: son aquellos bienes que existen en cantidades limitadas. En su mayoría son minerales como el petróleo, el oro, el platino, el cobre, el gas natural y todos esos combustibles que solemos usar sin medida.

• Energía alternativa: son las opciones que existen para evitar la quema de combustibles fósiles. Es energía que se renueva constantemente como la solar, la eólica, la fuerza hidráulica, la biomasa, o la geotérmica.

Para lavar y no ensuciar el mundo En la batalla contra la mugre, podemos cometer el error de esparcir aún más suciedad pero una muy creativa neoyorquina encontró la solución. Lauren Singer, quien estudió ciencias ambientales en la Universidad de Nueva York, se decidió a vivir una vida sustentable y lleva dos años sin producir ningún tipo de basura. Empezó a fabricar sus propios productos libres de químicos como pasta de dientes, desodorante y detergente para la ropa y después creó The Simply Co. Los detergentes de hoy

están llenos de productos que dañan al ambiente: existen 85 mil tipos de químicos industriales que se utilizan para fabricarlos y la mayoría no han sido probados para ver si son seguros.

Quienes hacen estos productos de limpieza no tienen siquiera la obligación legal de incluir la información sobre sus ingredientes en el empaque. El detergente casero que ella produce está hecho con tan sólo tres ingredientes: bicarbonato, sosa y jabón de castilla, y saldrá a la venta este año.

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ABRIDORES

InCycle de Puma

Tapetes Bi Yuu

Greenfrog

Puma, la marca alemana de ropa deportiva, lanzó esta colección que tiene la certificación Cradle to Cradle (de la cuna a la cuna). El concepto es producir, sin contaminar, tenis y ropa biodegradables que, una vez usados, puedan ser devueltos a las tiendas para ser reciclados.

Esta marca de tapetes surge con el propósito de difundir el trabajo artesanal y la estética de las comunidades indígenas.

Además, se rige bajo el principio de sustentabilidad, utilizando tintas naturales mientras que la lana es una fibra natural, reciclable y biodegradable.

Aquí encontrará de todo, y todo verde.

Desde productos para mascotas y autos, hasta artículos de limpieza personal y del hogar, hechos siempre con ingredientes no contaminantes y envasados en botellas biodegradables. greenfrog.com.mx

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SPENSAB

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biyuu.mx

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es-eu.puma.com

SPENSAB

Faber-Castell

Para verdaderos artistas o quienes intentan serlo, pero con conciencia ecológica, esta empresa vende productos escolares y materiales de dibujo y escritura de alta calidad con certificado fsc, es decir, usan madera de bosques reforestados y barniz no tóxico

Dr. Organic

Los indispensables No necesitamos dejar de disfrutar la vida para ayudar a salvar al planeta (o dañarlo menos). Estos innovadores productos lo ayudarán a vivir como le gusta sin dañar nuestro medio ambiente.

Es una marca de productos de belleza muy popular en el Reino Unido y en Irlanda. Están hechos con materiales orgánicos crudos, naturales y ecológicos que no dañan la piel ni el ambiente. drorganic.co.uk

faber-castell.com.mx

Alubike

Bamboo Life

Ecobutik

Esta marca de bicicletas eléctricas tiene su línea E-bike Alubike Ecofriendly, para rodar por la ciudad. Su batería de litio ahorra energía al máximo y puede usarla en distancias de hasta 40 kilómetros.

Estas tiendas, que están por toda la Ciudad de México, también venden vía internet toda clase de accesorios hechos con bambú; desde lentes hasta mochilas, pasando por bocinas y relojes.

Esta cadena de tiendas mexicana produce alimentos orgánicos, artículos de higiene personal, productos del hogar y papelería, todo elaborado con materiales biodegradables y de bajo impacto ambiental.

alubike.com.mx

bamboo-life.com ecobutik.com

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Consejos para una vida más sustentable Toda evolución empieza por un pequeño cambio. Si se preocupa por el calentamiento global, la sequía o las inundaciones, puede emprender la batalla a favor del planeta, aún en su propia casa. Estos son algunos consejos para hacer de su hogar un organismo sustentable.

CI LEC ÓN

1.- Cambie los focos ordina ordinarios y de luz amarilla por unos ahorradores de luz blanca que, además, darán mejor iluminación.

2.- Lleve sus propias bolsas al súper mercado, así no consumirá las de plástico y, eventualmente, se producirán menos.

3.- Minimice al máximo el uso de baterías o cambie todas por pilas recargables que, además, significarán un gran ahorro en sus finanzas.

4.- Si planea redecorar su casa compre pisos y muebles hechos con maderas de bosques reforestados y con tapicería de fibra natural.

5.- Instale un control termostático a la caldera y/o radiador. Controlar la temperatura del ambiente correctamente ayuda a reducir el consumo de energía.

6.- Al momento de cocinar tape el recipiente. Esta sencilla acción, además de reducir el tiempo de preparación, significa un ahorro en el consumo de gas, lo que a su vez representa menor combustión en el ambiente.

7.- No compre agua embotellada. Es mejor adquirir un recipiente que se rellene y pueda llevar con usted a todos lados. Así reduce el número de envases convertidos en basura y la producción de los mismos.

8.- Al tirar la basura, no sólo separe orgánica e inorgánica.

Ponga en un espacio aparte los materiales que pueden ser reutilizados como vidrio, latas de aluminio y papel.

¿Quiere una piel? Compre vintage o falso Sabemos que hay lujos que dañan al planeta pero que la mayoría de las mujeres no pueden dejar: entre ellos el de las compras. Pero cuando se trata de un abrigo o algún otro artículo de piel la controversia se incrementa aún más. A pesar de que algunos países como

Inglaterra han prohibido la producción de estos artículos de lujo por temas humanitarios, aún se ve en pasarelas y tiendas de lujo la tendencia de llevar ya sea un accesorio o todo un atuendo con el pelaje de un pobre animal como la chinchilla, el mink o hasta el

oso. ¿Pero qué se puede hacer cuando uno no quiere sacrificar ni su estilo ni a un animal? Esta pregunta tiene dos respuestas.

La primera es muy sencilla.

Comprar pieles falsas. Debe creernos cuando le aseguramos que hay excelentes imitaciones que engañarán hasta al más

conocedor. La segunda es, digamos, un área gris por si las imitaciones no lo convencen: compre pieles vintage, es decir usadas previamente así el daño ya estaba hecho y no se fomenta la producción de nuevos artículos. ¿Ya lo convencimos?

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ABRIDORES

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C ARTNE

C ARTNE

Un día (sin carne) a la vez

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N O LO GÍ

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Como si la familia McCartney no fuera suficientemente cool gracias a la música y la moda, se les ocurrió una campaña por el vegetarianismo llamada Meat Free Monday. Esta iniciativa consiste en algo tan sencillo como no comer carne de ningún tipo al menos un día a la semana.

Según Paul y su hija Stella —conocidos por su activismo a favor de causas ecológicas— esto tendría un impacto en el retraso del cambio climático a largo plazo. Saben que si alguien se quita el bocado de ternera de la boca no cambiará al mundo, pero aseguran que si millones de personas se suman al menos una vez a la semana, podrían disminuir las consecuencias ecológicas que tiene el criadero, producción y distribución de la carne de animales. Según la onu, la ganadería es responsable del 18% de las emisiones de efecto invernadero. Además de que las vacas por sí mismas producen grandes cantidades de gas metano, que supera 21 veces el efecto invernadero del dióxido de carbono.

Para promover la causa, la conocida diseñadora de modas lanzó dos playeras para difundir esta campaña en GapKids, hechas con algodón orgánico.

N O LO GÍ

Tecnología a favor del medio ambiente Quienes han hecho de su teléfono inteligente una extensión de su propio cuerpo, pueden usarlo para llevar una vida más sustentable y armoniosa con la naturaleza. Estas son las cinco aplicaciones que pintarán su vida de verde.

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Green Tips: Es una aplicación para principiantes. Ofrece consejos “verdes” para que seas una persona responsable en el cuidado del planeta, desde instrucciones para usar eficientemente la energía en tu casa, hasta cómo ahorrar agua en la regadera.

GoGreen Brinda consejos diarios sobre el cuidado del ambiente y formas de consumo responsable.

Cada vez que abra la aplicación encontrará un nuevo consejo “verde”. Lo interesante es que también permite medir su grado de compromiso con la sustentabilidad. Las mediciones ayudan a ver en qué mejoramos y qué debemos corregir.

iRecycle: La basura es uno de los mayores problemas del mundo moderno y aprender a reusarla y separarla, es asunto de todos. Con esta aplicación aprenderá a distinguir entre lo que es reciclable y lo que no, además de consejos para no tirar los objetos después del primer uso.

Fuel Calculator: Esta aplicación es para los más avanzados, con ella toma una fotografía con el celular y de inmediato, según la luz del cielo y algunos algoritmos, indica el nivel de contaminación.

Quizá no solucione el problema, pero al menos estará consciente de las afectaciones que pueden tenerse con la contaminación ambiental.

Zero Carbon: Esta aplicación será como su guardián de la ecología. Según el análisis de sus actividades diarias, desde trayectos en auto hasta cigarros fumados, le dirá sus emisiones de co2 al ambiente. Le permite además comparar sus emisiones con las de otros usuarios y ofrece formas sencillas para reducirlas.

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Coseche su propia ensalada

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Migraciones

Salmón

Las migraciones masivas de animales juegan un papel muy importante en nuestros ecosistemas naturales. No se trata sólo de animales buscando un mejor lugar para vivir, sino de la prueba de que los hábitats del planeta están interrelacionados.

Una de las migraciones más impresionantes es la del salmón, que destaca por su habilidad de atravesar tanto agua salada como agua dulce durante su viaje. El salmón es capaz de viajar cientos de millas tierra adentro por ríos y canales, e incluso asciende miles de metros por riachuelos en las montañas para regresar a las aguas en las que nació.

Mariposa monarca

Ñus

La mariposa monarca norteamericana es conocida por su ruta de cada invierno, que lleva a millones de ejemplares a California y a México. Su travesía es de 5 mil km y parte en el otoño antes de que llegue el mortal frío. Su especie es la única que realiza semejante travesía, e incluye a tres o cuatro generaciones. En México, el Santuario de la Mariposa Monarca se encuentra entre los estados de México y Michoacán.

Cada año los ñus africanos viajan en manadas en busca de pasturas más verdes.

Pero no viajan solos, van acompañados por unas 200 mil cebras y 500 mil gacelas, seguidos por algunos de los depredadores más terribles de la sabana. Esta migración es un gran espectáculo, ya que todas estas manadas cruzan ríos infestados de cocodrilos mientras que los leones merodean por ahí.

Tortuga marina

Libélulas

Algunas tortugas viajan en mar abierto, cruzando el Océano Pacífico entre Indonesia y los Estados Unidos, y recorren distancias de más de 19,312 km en 647 días. Una de sus más grandes proezas es navegar de regreso a la playa en la que nacieron para desovar.

Viajan de 14 mil a 18 mil km en una ruta que abarca de la India a las Maldivas, las Seychelles, Mozambique y Uganda, y de regreso. Al parecer, las libélulas siguen las lluvias, de la temporada de monzones en la India hasta la temporada de lluvias en el este y sur de África.

Si las verduras del súper mercado despiertan sus sospechas, si le teme a los insecticidas y a la contaminación del agua con que las riegan, qué mejor que sembrar sus propias lechugas. Es una verdura que se adapta a diferentes climas y crece con facilidad.

Estos son los pasos básicos para producir el corazón de su ensalada: 1.- Vaya a cualquier tienda de jardinería y compre las semillas de la variedad de su preferencia.

2.- Elija el lugar para su huerta: si quiere tener lechuga fresca durante todo el verano y hasta el otoño, plante las semillas en interiores.

3.- Prepare bandejas para las semillas con tierra muy húmeda y musgo triturado y déjelas germinar. También puede fabricar su propia bandeja con un cartón de huevos vacío.

4.- En las siguientes cuatro o seis semanas verá los primeros brotes y entonces hunda las semillas en la tierra con sus dedos.

5.- Coloque la bandeja donde reciba el sol, manténgalas húmedas y espere a que florezcan sus lechugas.

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México pelágico:

conservando la inmensidad por: Santiago Oria Probert fotos: Cortesía Pelagic Life

Es quizá una cuestión de percepción alterada, consecuencia no sólo de la falta de comunicación sino de manera muy importante de la mala información. En cualquier caso, es un hecho innegable que el mundo pelágico es para la gran mayoría de las personas un mundo desconocido al cual, sin motivos reales, le guardamos temor.

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De manera simplista, el mundo pelágico se entiende a partir de su origen etimológico, cuyo significado está relacionado con el mar abierto, esa gran superficie de agua que no luce arrecifes de coral o hermosas playas, sino que se consolida como una inmensidad azul que abarca todo nuestro horizonte, ocupando dos terceras partes de nuestro planeta y hospedando a una gran cantidad de especies, incluyendo a más de 200 variantes de tiburón. La mayoría de ellas en peligro de extinción.

A pesar de la vastedad, sólo un poco más del 10% de la vida marina conocida es nativa de este ecosistema (vale recordar que este espacio gigante está poco explorado y aún nos resulta desconocido). Eso sí, entre sus habitantes se cuentan los más grandes y veloces, aquellos que pueden sumergirse hasta profundidades inalcanzables para el hombre o los que realizan las migraciones más largas del reino animal. Haciendo caso omiso de esta grandeza, pocas veces al imaginar animales o ecosistemas nuestras visiones nos remiten al mundo pelágico.

La falta de información, la ignorancia sobre aquello que vemos tan lejano, tan infinito e inacabable (conceptos que durante muchos siglos justificaron pescas furtivas) es una de las razones por las cuales una gran parte de la 3 0 | la revista

vida pelágica está pronta a desaparecer, pero no es la única. Otra, quizá más absurda pero igual de imponente, es la mala información, la manipulación mediática que desde 1975, cuando Steven Spielberg presentó su película Tiburón, invade las noticias y programas de ficción presentando ataques de tiburones como la máxima amenaza para la humanidad, sin mencionar que caerse de la silla o de la cama causa más muertes al año que un ataque de estos animales, al igual que los venados, perros, caracoles y otras muchas especies.

Hablando específicamente de México, sabemos que tiene descuidado a su mundo pelágico con toda la mega diversidad que alberga; una colección de vida marina compuesta de tiburones, mantas, picudos, delfines, ballenas, tortugas y otras especies que viven bajo una constante amenaza. Sin embargo, haciendo uso de uno de los clichés más conocidos, estas amenazas también pueden ser entendidas como oportunidades y eso es justo lo que las personas de Pelagic Life están logrando: transformar la desaparición de especies en santuarios naturales, la pesca furtiva en turismo de lujo y la indiferencia en conciencia pura.

MÉXICO PEL ÁGICO: CONSERVANDO L A INMENSIDAD

PELAGIC LIFE

Los fundadores y primeros socios de Pelagic Life son todos instructores de buceo, personas que están involucradas con el mar desde jóvenes.

Producto de su enamoramiento con los fenómenos que descubrían en cada excursión y, por qué no decirlo, de una tremenda curiosidad por ver más, por saber más, decidieron comenzar un grupo de exploración y documentación al cual cada uno aportaba sus muy particulares talentos, unidos siempre por una pasión y un objetivo común: el mar abierto.

Un par de años después, en el año 2012, este conjunto de intereses, preocupaciones y talentos profesionales tan diversos como complementarios, derivó en una organización mexicana sin fines de lucro que está llamando la atención de la comunidad nacional e internacional por medio de espectaculares imágenes que documentan el mundo pelágico, pero sobre todo predicando con la valentía y el compromiso con el que se hacen cargo de su proyecto.

Con dichas características como estandarte, Pelagic Life está quitando el velo bajo el cual se escondía uno de los problemas ambientales más urgentes de nuestra era, haciendo pública la realidad de nuestros océanos y la necesidad de proteger la biodiversidad marina en México, una de las más importantes en el mundo.

Su trabajo, es importante destacar, no afecta en lo absoluto la economía de las poblaciones pesqueras que habitan los litorales, mismas que han notado a través de los años cómo sus esfuerzos son cada día mayores mientras que sus recompensas se presentan siempre más escasas. Una parte importante de la organización es demostrar a los pescadores que, por ejemplo, un tiburón vivo vale mucho más que uno muerto. El turismo sustentable es posible y generoso.

Los métodos de Pelagic Life son curiosos. Por un lado se dedican a la exploración y documentación de la vida pelágica utilizando imágenes y video en alta definición, un recurso quizá convencional y hasta obligado.

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Pero al mismo tiempo se sumergen lado a lado y sin una jaula de por medio con tiburones blancos, meten la mano en el hocico de tiburones vivos enganchados y lastrados a una boya para liberarlos del anzuelo y del cautiverio. Incluso invitan al público a experimentar con ellos la vida pelágica, a nadar junto a tiburones, peces vela, ballenas, tortugas y mantas sabiendo que la perspectiva de estos turistas nunca será la misma, que tras empaparse en los tesoros oceánicos de México el respeto de las personas por este ecosistema cambiará definitivamente.

Hasta aquí la visión quizá romántica de la historia, para compensarla es necesario conocer la profesionalidad y respeto que tienen hacia su proyecto, la seriedad con la cual justifican su existencia y plan de crecimiento, el compromiso con su idea de promover el desarrollo sustentable dentro de las comunidades que dependen de la vida pelágica y de impulsar el consumo responsable de las especies marinas en México.

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AL LLAMADO DEL TIBURÓN

En el 2011 (este fue uno de los detonantes para la formalización del proyecto), mientras el equipo de Pelagic Life estaba persiguiendo la corrida de la sardina en el mar abierto de Baja California y con la intención de fotografiar y tomar video del marlín rayado, los integrantes de la organización descubrieron una operación de pesca de tiburón que estremeció sus ideas y transformó radicalmente el pensamiento del grupo.

Al llegar a la comunidad de Punta Arena, cientos de cadáveres de tiburones yacían en la costa, sus aletas arrancadas colgaban también por cientos y los muchos pescadores de la zona vivían en condiciones de pobreza abrumadoras. Más desconcertante aún fue descubrir una pequeña boya a la cual seguía 32 | la revista

sujeto un tiburón mako, todavía con vida pero condenado a la misma suerte. La gente de Pelagic Life ofreció pagar el costo del tiburón a cambio de la oportunidad de liberarlo y en esta negociación explicaron el potencial económico del eco-turismo a partir del nado con tiburones, ofreciéndolo además como una opción sin riesgos. Así comenzó “Al llamado del tiburón”.

El objetivo de este proyecto era el de comprar a los pescadores 100 de estos tiburones, entre los que se encontraba incluso algún gran tiburón blanco, a un precio premium tomando en cuenta el valor de mercado de estos animales muertos y ofreciendo un extra. Para conseguir los fondos pidieron a través de los canales de la organización y de las redes sociales apoyo a donadores, quienes

por 200 pesos podían “adoptar” y salvar a un tiburón. El resultado fue espectacular; superaron con claridad sus metas económicas y pudieron avanzar a la siguiente etapa, mucho más complicada.

Una vez realizada la negociación con los pescadores surgió un nuevo problema: al comprar los tiburones los pescadores dejaron de hacerse responsables por ellos, lo que obligaba a los miembros de Pelagic Life, si querían cumplir con su propósito, a liberar a los animales, lo que significaba lanzarse al agua, sumergirse sin tanque, quitar el anzuelo del hocico de los tiburones vivos y dejarlos ir libremente. Lo hicieron únicamente con unas pinzas (los videos liberando a los tiburones, algunos mayores a los dos metros, se encuentran en su página de internet).

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Al mismo tiempo, lograron que algunos de los pescadores que habían crecido en la zona, pero que nunca se habían metido al agua con estos animales, conocieran el proyecto y entendieran las ventajas que tiene el ecoturismo sobre la pesca.

Esta alegría fue efímera. En los subsecuentes viajes las condiciones climáticas no les permitieron liberar más tiburones y los líderes entre los pescadores, temerosos por perder su única fuente de recursos, les informaron que ya no les iban a permitir seguir con el proyecto. Una vez más el proceso de negociación y concientización debía comenzar.

Cerca de dos años después de comenzar el proyecto los líderes ya habían aceptado el proyecto e incluso comenzaron a sumergirse para entender la experiencia que les habían platicado; las personas de la SEMARNAT accedieron a realizar un es-

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tudio sobre la vida marina en la zona y a considerar el proyecto de turismo sustentable de Pelagic Life; recibieron fondos para hacer una investigación exhaustiva; el objetivo de implementar actividades de nado con tiburones que desplacen la pesca incontrolada en la zona está cada vez más cerca de realizarse.

Partiendo de su concepto original de documentar los impresionantes fenómenos de la fauna pelágica los integrantes de Pelagic Life transformaron su misión, ya que además ahora desarrollan estrategias para modos de vida sustentables entre los pescadores. “Al llamado del tiburón” fue un gran primer paso, ya que como ellos mismos aceptan, salvar a esos 100 tiburones no es suficiente para salvar al ecosistema, pero sí para generar consciencia y llamar la atención de los tomadores de decisiones.

Así, es claro reconocer el éxito.

“Podemos y debemos proteger el mar abierto mexicano sustituyendo la pesca descontrolada con el ecoturismo sustentable en colaboración con las comunidades locales.”

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Proyectos actuales Entre los proyectos de Pelagic Life para este 2015, destacan las etapas de evolución de “Al llamado del tiburón”, en las cuales están llevando turistas a bucear las aguas de Bahía Magdalena, desarrollando una operación de turismo en ese mismo puerto, creando infraestructura que se refleja en beneficios tangibles para la gente. Además están creando Sea Food Chart, una aplicación móvil que funcionará como guía de consumo responsable de especies marinas, un recurso tan valioso como necesario en nuestros días.

ECOTURISMO SUSTENTABLE

La necesidad de alternativas responsables y sustentables en cualquier industria no está en duda, sin embargo su validez y aplicación real representa para muchos un escenario impreciso, pero como la mejor forma de demostrar viabilidad es poniendo en marcha los proyectos, Pelagic Life, además de su constante investigación, exploración y documentación, también ofrece a las personas la oportunidad de viajar con ellos, de sumergirse y conocer de la mano de un experto el mar abierto mexicano.

El objetivo de este esfuerzo es implementar viajes de eco-turismo sustentable, de nado con tiburones, que acercan al público a una nueva realidad a la vez que permiten a los pescadores obtener más ganancias de las que tenían antes, demostrándoles de forma tangible que un tiburón vivo vale más que un tiburón muerto.

En los últimos 20 años el ecoturismo basado en la observación de la mega fauna marina se ha desarrollado con éxito en diferentes destinos alrededor del mundo, consolidándose como una actividad de moda. A partir de ésta se han desarrollado una serie de servicios turísticos conexos, siendo el avistamiento de mamíferos marinos uno de los más importantes (un estudio en la observación de ballenas estimó que esta actividad se realiza en 119 países e involucra cada año alrededor de trece millones de personas, generando 2.1 miles de millones de dólares en gastos de operación y mantenimiento).

Actualmente el buceo libre con tiburones ha tomado importancia entre aquellos que gustan de una opción de aventura alternativa. El fortalecimiento de este interés tendrá como consecuencia la creación de santuarios, áreas protegidas con recursos humanos y financieros dedicados a la conservación.

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México Pelágico Durante el 2014, aprovechando el material que tenían producto de sus esfuerzos e investigaciones de muchos años, Pelagic Life presentó su primer largometraje documental, en el cual muestran la realidad del mar abierto mexicano con todos su matices y protagonistas, dejando al espectador asombrado por la belleza de un mar territorial desconocido y afectado por las condiciones de vida de los pescadores en los litorales. El documental llegó a la pantalla grande durante el 2014 y a la fecha se encuentra disponible en la página mexicopelagico.org.

Dependiendo de las especies que deseen ser observadas, las expediciones de Pelagic Life encuentran diferentes destinos, la mayoría de ellos ubicados en las penínsulas de Baja California y Yucatán, pero existe una sede que destaca sobre las demás: Bahía Magdalena (MAGBAY).

Ubicada en Puerto San Carlos, en la Baja California Sur, esta zona presenta una diversidad de vida única, en la cual es constante la presencia de tiburones azules, mako, silkies e incluso martillo, además de ballenas que van desde las pequeñas piloto hasta la gran ballena azul, así como tortugas, delfines, mantas, etcétera.

En las excursiones, que rondan los cuatro días de duración, se ofrecen a los turistas inmersiones, hotel, comidas y transportación 36 | la revista

desde La Paz, pero sobresalen los detalles de exclusividad (para disfrutar y aprovechar al máximo las condiciones, los viajes se limitan a grupos de seis a ocho personas) y de calidad, ya que los viajes se realizan con los mismos integrantes de la organización, expertos en la zona y en la vida marina, quienes además te pueden involucrar con el proyecto.

Las recomendaciones de viaje, así como las fechas abiertas para las próximas excursiones están publicadas en su página, en la cual también se comparten imágenes y videos que nos dan una probadita de la experiencia, una experiencia inimaginable hasta que no se está en el agua, hasta que no se percibe la inmensidad, hasta que el corazón no late víctima de la emoción, hasta que no se vive el mundo pelágico.

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P E L AGIC LIFE pelagiclife.org Facebook: PelagicLife Twitter: @PelagicLife Instagram: Pelagic_Life

Donaciones Todos aquellos que deseen realizar una donación (deducible de impuestos) pueden hacerlo directamente en la página pelagiclife.org. Ahí podrán suscribirse a un sistema de donaciones mensuales que parten desde los 50 pesos o realizar donaciones únicas que servirán para dar vida a investigaciones, exploraciones y documentación del más frágil y más hermoso ecosistema de nuestro país.

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Eco-Fashion: Lujo al servicio del planeta por: Andrea Villanueva

La moda sustentable ya no es algo hecho con basura, sino un artículo que puede ser del mayor lujo u otro de precio accesible pero hecho con producción consciente del entorno. Aquí un repaso de los diseñadores y marcas que con sus iniciativas buscan crear un mundo mejor y más elegante.

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ECO-FASHION: LUJO AL SERVICIO DEL PL ANETA

GLOSARIO Algunos de estos términos son complicados o pueden confundirse entre sí.

Como sabemos que es difícil distinguir entre éstos, decidimos crear una pequeña guía.

Fibra animal Aquellas fibras que vienen de mamíferos como ovejas y conejos, entre ellas alpaca, lana merino y pieles.

Fibras naturales Se obtienen de todo tipo de fuentes como frutas, hojas y madera. Entre ellas se encuentra el algodón.

Fibras vegetales Se trata de fibras que provienen de los tallos, hojas o semillas de cualquier planta.

En muchos casos son técnicas antiguas que han sido redescubiertas como alternativas más ecológicas que la industria contaminante del algodón.

Hecho a la medida La razón por la que se considera esta práctica sustentable es que uno obtiene exactamente lo que quiere y la prenda tiene un ciclo de vida mayor.

Local En un mundo globalizado como en el que vivimos, comprar productos hechos en México no solamente apoya a la economía local, sino que evita el daño al medio ambiente por los traslados.

Recursos naturales Son los elementos que utilizan los seres humanos para mantenerse con vida. Se dividen en dos grupos: renovables y no renovables.

Ropa antigua Ropa que fue producida antes de los años veinte.

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Seda libre de crueldad La seda común se crea al hervir los capullos, matando a los gusanos al instante.

La seda libre de crueldad permite que los gusanos salgan del capullo, permitiendo su ciclo de vida completo.

Tela de bambú Al ser la planta que más rápido y en más países crece, así como su resistencia a plagas, es ideal para crear telas. Se dice que la tela creada con la fibra de la pulpa de bambú es una mezcla entre cashmere y seda.

Vegano El término vegano en moda se refiere a todos los productos que se han creado sin usar ningún tipo de producto que provenga de animales.

Incluyendo, por ejemplo, pegamentos.

Vegetariano A diferencia de los productos veganos, estos solamente incluyen aquellos que no fueron creados con piel o tejidos de animales pero pueden contener otros elementos que podrían ser provenientes de animales.

Vintage Es un término que recientemente se ha utilizado para nombrar cualquier prenda de segunda mano, aunque en realidad se refiere a ropa y accesorios creados entre 1920 y 1975. Es popular entre aquellos que buscan ser responsables ya que elimina desperdicios y busca reparar y reusar en vez de tirar y comprar más.

Viscosa Es el rayón más común y suele ser una tela compuesta por celulosa regenerada proveniente de la pulpa de la madera o algún otro origen vegetal.

La moda es considerada uno de los aspectos más superficiales de la vida moderna. Aunque muchos la vean como una expresión de arte y otros como un mal necesario, la realidad es que está presente en nuestras vidas nos guste o no. Además de ser la obsesión de muchas mujeres — y cada vez más hombres—, la industria de la moda es un negocio multimillonario (en un estimado, tan sólo el sector de moda femenino generó más de 620 mil millones de dólares) que crea miles de empleos en muy distintos ámbitos que comienzan en el diseño y terminan en las tiendas, pasando por producción y distribución.

Para quienes son amantes de ella, o viven de la industria, pero además se preocupan por el medio ambiente y la sustentabilidad, esta obsesión presenta un dilema. Al vivir en un mundo en que todo cambia rápidamente, la oferta de ropa y accesorios no es la excepción, prestándose a la compra indiscriminada y el desperdicio. Es por eso que en los últimos años han surgido iniciativas de todo tipo enfocadas en hacer del mundo de la moda uno mucho más sustentable: moda ecológica, moda sustentable, moda verde, eco-fashion, moda responsable.

En realidad no hay un término que sea cien por ciento correcto o uni-

versalmente aceptado para definir una compañía, diseñador, marca o prenda que cumpla con ciertos criterios de sustentabilidad y responsabilidad social, lo que sí existe es un creciente interés en este ámbito.

Al tratarse de una industria que se basa en el deseo y no en necesidades, la moda y el lujo son conceptos que podrían considerarse opuestos a lo sustentable y responsable. Es por eso que es tan difícil concebir la idea de una marca que cubra ambas características. De hecho, la máxima utopía de la moda es crear una prenda en la que no se dañó el ambiente o a un ser humano pero que aún así generó un ingreso.

Casar la estética con la ética, dice la eco activista Livia Firth (de quien hablaremos más adelante). Porque de eso es de lo que se trata la moda sustentable. No es dar trabajo por darlo, o vender productos hechos con materiales reciclados que a nadie le parecen atractivos. No, un producto verde/responsable tiene que ser eso además de tener un diseño atractivo y una calidad excepcional. Porque si no es así, no tiene ningún sentido producirlo.

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Stella McCartney, Primavera-Verano 2015.

STELLA MCCARTNEY, LA REINA DE LA SUSTENTABILIDAD

Cuando se habla de lujo y sustentabilidad, el primer —y quizá único— nombre que viene a la mente es el de la diseñadora británica. Y es que mucho más allá de lograr hacerse de un nombre gracias a sus diseños y no solamente a su apellido —como muchos pensaban—, McCartney ha logrado mantener su negocio en las esferas más altas del mercado del lujo al mismo tiempo que dirige una compañía en absoluta armonía con el medio ambiente. Y sí, generando (muchos) ingresos.

Stella McCartney es hija del ex Beatle Paul McCartney y su difunta primera esposa, Linda; tal como sus padres, la diseñadora es vegetariana quizá desde siempre. En 1995 se graduó de la prestigiosa Central St Martins y en 1997 fue nombrada directora creativa de la casa francesa Chloé. Poco después, el conglomerado Kering (antes conocido como 40 | la revista

PPR) le ofreció una sociedad 50/50 para crear su propia línea y en 2001 presentó en París su primera colección, dejando por fin de lado la idea de que había llegado hasta ahí por llevar un apellido famoso. Pero, ¿qué fue exactamente lo que la diferenció de otras marcas? Entre otras cosas, su nulo uso de pieles de cualquier tipo.

El compromiso de la diseñadora —y su enorme compañía— con la sustentabilidad es evidente en cada uno de los productos que componen sus colecciones.

Parte del ADN de la marca es precisamente ser una compañía responsable, honesta y moderna. Y es moderna porque evita, precisamente, los clichés relacionados con la sustentabilidad: si a uno no se lo dijeran ni siquiera se enteraría de la responsabilidad ambiental en los productos. Eso es un verdadero lujo.

Por ejemplo, los lentes de sol están hechos, en parte, con semillas, aceite de

ECO-FASHION: LUJO AL SERVICIO DEL PL ANETA

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Al hablar de lujo y sustentabilidad, el nombre más importante es, sin duda , el de la británica Stella McCartney.

Stella McCartney, Resort 2014.

ricino y otros materiales naturales renovables. Otra innovación son las suelas de zapato biodegradables que se crean con un plástico de nombre APINAT, que al ser desechadas en una composta se degradan.

Y para demostrar que la sustentabilidad es sexy, Stella creó una línea de lencería que utiliza metales reciclados para las varillas y algodón orgánico. Por si eso no fuera suficiente, la avanzada tecnología que se usa para producir los sostenes los hace delgados y livianos como ningún otro. Incluso en su colaboración con Adidas, la compañía de McCartney exige a la marca deportiva utilizar materiales sustentables y renovables. No hay compañía de lujo más moderna que ésta.

Stella McCartney, Resort 2015.

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Gracias a la venta en línea y recaudación de fondos para proyectos novedosos, en los último años han surgido inumerables marcas independientes con enfoque sustentable.

INDEPENDIENTEMENTE SUSTENTABLE

Al ser parte de un enorme conglomerado y gozar desde un principio de enorme fama, puede parecer fácil para una compañía del tamaño de Stella McCartney tener todas estas políticas de ahorro de energía y pago justo. ¿Cómo es entonces que existen decenas de marcas pequeñas que también lo logran?

La tendencia del DIY (que significa hágalo usted mismo) tiene ya cierto tiempo circulando por el mundo y una de sus aspiraciones es crear productos a pequeña escala y de manera local. Gracias a la venta en tiendas en línea como Etsy y a la recaudación de fondos en páginas de crowdfunding como Kickstarter, pequeños creadores se han convertido en compañías establecidas que dan trabajo a varias personas más.

La lista de nombres es casi interminable, pero hay algunas que destacan por su calidad, diseño y compromiso. Entre éstas se encuentra Kowtow, de Nueva Zelanda, que tiene sus fábricas en Kolkata, India, donde paga a sus empleados salarios justos, les da un bono para renta y transporte gratuito, además de trabajar únicamente con algodón orgánico. Mina + Olya, por su parte, nació en San Francisco cuando dos amigas enamoradas del cuidado del medio ambiente sintieron que no había suficiente oferta de ropa sustentable y con diseños atractivos. Sus vestidos son perfectos para mujeres que trabajan en el mundo corporativo pero no son aburridas en lo absoluto. Amour Vert y Svilu son otros nombres a tener en cuenta.

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Kowtow.

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Amour Vert.

El tema de los accesorios sustentables es uno de los más relevantes por el uso de pieles. Ha sido difícil encontrar, a través del tiempo, un material que ofrezca la sensación de lujo de la piel sin verse barato, que sea sustentable y al mismo tiempo elegante. Con estas inquietudes en mente nació en 2012 la marca Freedom of Animals, en realidad el nombre puede confundir un poco y parecer algo hippie, pero los bolsos no tienen absolutamente nada de eso. Solamente lujo sustentable que nadie pensaría que es poliuterano.

Freedom of Animals.

Consejos de Stella McCartney para salvar al mundo Es una realidad que todos queremos ayudar a cuidar nuestro planeta (aunque la flojera se interponga en el camino), por eso la diseñadora comparte cuatro sencillos consejos que pueden tener un gran impacto en la salud de la Tierra: • Donar a instituciones benéficas o personas conocidas la ropa que ya no usamos y esté: tan sólo en el Reino Unido, más de un millón de toneladas de ropa se tiran a la basura. Al donar estas prendas, alguien más las puede disfrutar y no contaminan tanto.

• Su guardarropa es más limpio cuando es verde: un gran impacto ambiental sucede cuando uno lava y seca su ropa. Lavar en agua fría y colgar para secar en lugar de utilizar la secadora son acciones que además de ayudar al ambiente conservarán en mejor estado sus prendas.

• Remendar las prendas no es un asunto del pasado: deshacerse de una prenda por un pequeño hoyo o un cierre roto no tiene ningún sentido. Sobre todo si es una de sus prendas favoritas. Es mucho mejor busca un sastre que lo repare y hasta puede quedar mejor.

• El detalle está en la bolsa: ¡pero no en la de diseñador!

Se trata de invertir un poco en una bolsa reusable que no pese y pueda tener siempre a la mano. Se estima que utilizamos más de 500 mil millones de bolsas de plástico al año. Un exceso completamente innecesario.

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LUJO ESTABLECIDO

Regresando al tema de las marcas de lujo más reconocidas —que suelen ser muy criticadas—, es importante hablar de las acciones de enormes grupos como Kering que, aunque pequeñas en escala, son importantes por ser iniciativa de las compañías que marcan el rumbo de la moda. A través de acciones como evaluar a sus proveedores al menos cada dos años y buscar mejorar la eficiencia en todos sus procesos, el grupo dueño de Stella McCartney y otras importantes marcas de lujo como Alexander McQueen y Gucci busca estar a la vanguardia.

Entre las acciones más representativas del conglomerado está la búsqueda por dar a Saint Laurent una imagen más eco. Desde la entrada de Hedi Slimane como director creativo, todas las cajas y bolsas de compra se crean con un cartón 100% certificado por el Forest Stewardship Council con pulpas libres de cloro y 100% reciclables. Además, en sus tiendas utilizan luces LED que optimizan la energía y se ha comenzado un proyecto para optimizar la calefacción, ventilación y aire acondicionado.

Por su parte, Gucci recientemente lanzó una línea de lentes de sol creados usando un material denominado Madera Líquida — compuesto por fibra de madera de bosques sustentables y cera natural— que es una alternativa al plástico que se utiliza comúnmente para crear los lentes. El vidrio de las micas está hecho de forma mineral y el empaque, creado en colaboración con Safilo, es reciclable. Además se produjo una línea de bolsos ecológica.

La marca italiana fue, además, la primera compañía en la industria de artículos de lujo en firmar un acuerdo para medir las emisiones de CO2 en cada paso de su cadena de producción.

Algodón sustentable.

Las personas y empresas que buscan cultivar un mejor algodón ayudan al ambiente con las siguientes acciones: • Minimizan el impacto de los pesticidas • Usan el agua eficientemente • Cuidan la salud de la tierra • Conservan habitats naturales • Cuidan y buscan preservar la calidad de la tela • Promueven prácticas laborales que protegen a sus trabajadores

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Gucci.

Existen otras marcas del universo de lujo como Louis Vuitton, Gucci y Saint Laurent que poco a poco han implementado políticas para conservar el ambiente.

Por su parte, el grupo competencia de Kering, LVMH (Louis Vuitton Moet Henessy), lleva a cabo desde 1995 auditorias ambientales para la mayoría de sus marcas —entre ellas Givenchy, Krug, Veuve Clicquot Moët & Chandon, Hennessy, Celine y Louis Vuitton— las cuales son realizadas por firmas externas especializadas. Bernard Arnault, líder del grupo, asegura que no se trata de generosidad o filantropía sino de un factor de competitividad y progreso. Por ejemplo, en Louis Vuitton Malletier el 85% de los empaques de cartón que se utilizan para transportar los productos se compone de fibras recicladas.

Algunas otras marcas no son tan conocidas comercialmente pero algunas de sus iniciativas verdes las están ayudando a colocarse en el mapa. Clare Vivier es una de ellas. La diseñadora que comenzó su colección con fundas para laptops hoy tiene bolsos y accesorios para todo tipo de ocasiones y la mayoría de sus bolsas están teñidas con pintura vegetal amigable con el ambiente. Por su parte, Eileen Fisher busca innovar constantemente y ha obtenido resultados importantes, como son la puesta en marcha de un programa de mezclilla ecológica y el uso de algodón orgánico en todas sus prendas.

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POR UNA ALFOMBRA VERDE

Hay veces que hace falta una persona con mucho dinero y tiempo libre para dar un empujón a estas iniciativas. Livia Firth es esposa del actor Colin Firth y tiene un doctorado en humanidades, es activista de las buenas prácticas de producción y también una experta en caminar por alfombras rojas.

Fue ella quien incentivó a Gucci a crear la línea de lentes y bolsos con materiales innovadores.

Para el portal de venta de lujo en línea NET-APORTER se unió con Christopher Bailey, Victoria Beckham, Erdem, Christopher Kane y Roland Mouret para crear una línea exclusiva que se agotó en poco tiempo. Las prendas estaban creadas bajo criterios muy específicos de justicia social e

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impacto medioambiental, piezas según Firth “creadas con absoluto respeto por el medio ambiente y las personas que las crearon”. ¿Servirá esta iniciativa o es una simple moda?

Quizá no haga una enorme diferencia pero así, sin un afán de boicotear sino informar, a través del ejemplo y la imitación, la industria puede llegar al punto deseado, a esa utopía tan buscada en que una prenda no es una célula más del cáncer que destruye a nuestro planeta. ¿Se podrían resolver los problemas del medio ambiente si fuéramos compradores más conscientes? Es difícil saberlo, lo que sí es seguro es que hay formas de reducir el daño ya hecho sin tener que abandonar por completo nuestro amor por la moda.

Fast Fashion Es muy sabido que la denominada moda rápida es considerada de lo peor para el planeta y sus habitantes. Desde incendios en sweatshops hasta prendas tan baratas y de tan mala calidad que no se pueden usar más de una vez, pasando por sueldos sumamente bajos y el robo ideas a diseñadores. Para eliminar esta percepción, la marca sueca H&M ha creado varias iniciativas que buscan cambiar su imagen. Desde crear una colección completamente sustentable, Conscious Collection, hasta recibir ropa usada a cambio de descuentos, la marca está seriamente comprometida con el cambio. Y es cierto que no todos sus productos podrían ser clasificados como sustentables o ecológicos, pero poco a poco a través de acciones específicas piensan llegar a eso y que la gente se sienta orgullosa de llevar su ropa. Entre esas acciones vemos que el 16% de algodón que usan proviene de productores sustentables y esperan alcanzar el 100% en 2020; todas sus bolsas están hechas con plástico reciclado y fueron la primera marca en firmar el Acuerdo de Construcción y Seguridad contra incendios en Bangladesh. Y justamente en febrero de 2015 Inditex anunció que dejaría de utilizar lana angora, que proviene de la piel de los conejos, en sus prendas tras la presión por parte de peta. Así, poco a poco estas marcas van por el camino correcto.

H&M Conscious Collection.

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LIU BOLIN nació en la provincia de Shandong, China en 1973. En 1995 se graduó con una licenciatura en escultura del Instituto de Arte de Shandong y en 2001 obtuvo su maestría también en escultura.

Liu Bolin Identidad, fotografía y escultura

por: Andrea Villanueva fotos: Ignacio Galar obra: Cortesía

Por primera vez visitó México uno de los artistas chinos más importantes de nuestros tiempos. Platicamos con Liu Bolin, lo vimos trabajar y hasta lo fotografiamos saltando sobre una cama. Esta es la historia.

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La suite presidencial del Hotel Presidente Intercontinental (valga la redundancia) es un caos absoluto. Hay maquillistas y pintores, un chef y su asistente, latas de Red Bull vacías por todos lados y tres colombianos que no paran de hablar. Es difícil creer que estamos en el piso 42 de uno de los hoteles más importantes de la Ciudad de México porque las ventanas están cubiertas casi por completo y no se puede apreciar la vista. Por todos lados circulan personas con sudaderas azules a medio pintar pero con la cara completamente transformada en catrina. No es fácil entender el alboroto a mi alrededor mientras espero al artista chino Liu Bolin, el causante de todo esto.

Resulta que Ai Weiwei no es el único artista chino contemporáneo haciendo olas.

Una de las diferencias entre ellos es que a

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Bolin sí le permiten salir de China, lo que es sorprendente ya que también crea obras que molestan a su gobierno por su crítica social. Tanto así que cerraron su estudio en Beijing arbitrariamente. Aun así, Liu Bolin viaja por todo el mundo no solamente presentando obras, sino también creando al menos una que representa la problemática del lugar que visita.

Al entrar al lobby del Hotel Presidente, nos encontramos con algunas fotografías que podrían ser consideradas parte de su trabajo más comercial, la serie en que pintó a diseñadores de moda —entre ellos Jean Paul

Gaultier, Angela Missoni y Alber Elbaz de Lanvin— perdidos entre un elemento característico de sus diseños. Estas fotografías fueron publicadas por un editorial de nombre “Lost in Fashion” en la edición de marzo de 2012 de Estados Unidos de la revista Harper’s Bazaar (esto, además de darle visibilidad a su obra, solucionaba un problema del artista: su piel comenzó a mostrarse afectada por la pintura y aún ahora necesita usar cremas medicinales). Pero también están preparados los escenarios “locales” en que el mismo Bolin se perderá en esta visita a México. El más característico es quizá un fondo compuesto por decenas de máscaras de luchador y que un par de días después sirvió para el performance que presenciaron más de 400 personas. Al preguntar si el artista chino se encuentra por ahí dando entrevistas, nadie sabe siquiera de quién se habla. Es únicamente al ver a una mujer pintada de catrina que los empleados del hotel recuerdan que algo de ese estilo está sucediendo.

EL PERFIL: LIU BOLIN

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LIU BOLIN COMO PERSONA

Para ser considerado un rockstar del arte, Bolin es sumamente accesible, aunque como a cualquier celebridad todos los que están presentes en medio del caos le piden fotos y autógrafos. Él, sin dudarlo, es parte de selfies y fotos de grupo, además de firmarle a quien se lo pida (groupies, ayudantes, pintores, fans…) una playera, un catálogo o un pantalón.

Al preguntarle cómo se siente de visitar México por primera vez solamente sonríe, “muy bien, creo, perfecto”. Es su primera vez en el país y dice estar impresionado, la plática cambia entre inglés, mandarín y español —con la ayuda de su representante para América Latina, el colombiano Juan Camilo Montaña— y es emocionante aunque un tanto difícil de seguir.

Por la mañana, antes de comenzar el maratón de entrevistas que ocuparía todo su día, una de las personas que sería pintada para la serie “Targets” —un conocido mexicano amante del arte que prefieren mantener en el anonimato— llegó con una escultura de Liu Bolin que había comprado siete años atrás en una galería. Se tomó una foto con el artista y la obra y procedió a ser pintado y fotografiado. Con una enorme sonrisa, aún con asombro, el artista cuenta esta peculiar historia, no tenía idea de que un mexicano fuera el dueño de una obra suya, mucho menos una que creó tantos años atrás.

“NO ES QUE YO ME SUMERJA EN EL E N TOR NO, SINO QU E E L E N T O R N O M E I N VA D E C OM P L E TA M E N T E . S I S OY ACTI VO O PA SI VO, NO DEPENDE DE MÍ.”

–Liu Bolin

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Y de esta anécdota surge la pregunta que ignorantemente muchos (incluida yo) le formulan, “¿haces escultura? Pero si eres mucho más conocido por la fotografía.”

Bolin siente cierto coraje al escuchar este comentario, que suele ser muy común. Ha estudiado tanto y ha trabajado tanto en escultura que siente que es realmente una pena que su trabajo como escultor sea tan poco conocido. Le pregunto entonces por qué no hace más escultura, “siempre estoy haciendo escultura”, contesta riendo.

Lo que es cierto es que es para él un privilegio ser artista. “Siempre quise ser artista”, cuenta. “Pero tras terminar la escuela [tanto su licenciatura como su maestría en escultura] tuve muchos problemas y tenía que dar clases para ganar dinero. No tenía nada de dinero, ni trabajo. No era feliz”.

Fue en ese momento que comenzaron a demoler la zona donde se encontraba su estudio y de la única forma que podía expresar su frustración era con el arte. Entonces su primera obra fue una propuesta contra esa situación y al querer resaltar el conflicto de las demoliciones en China, fue que dejó de ser invisible.

CRÍTICA SOCIAL

De regreso en la suite, es la crítica social lo que en este momento ocupa la mente de Liu Bolin —aunque él asegura no ser un artista político. Ya con el viaje a México planeado, estando en París el artista leyó en una revista Time la historia de los 43 normalistas desaparecidos en Guerrero y decidió que ese sería el tema que usaría para su obra de la serie Targets en México.

Lo que hacen tantos maquillistas y pintores en este momento es crear los “personajes” que serán eventualmente los protagonistas de esta foto.

Al saber que vendrían a México a hacer “Hiding in the City”, tenían varios meses planeando las obras que traerían, así como las que se crearían aquí, entre ellas su ya clásica foto entre revistas y una con máscaras de luchador. A pesar de que se piensa que es algo de pura estética, la serie comenzó con la idea de mostrar una problemática de 50 | la revista

Hiding in the City No. 33 - Promote Democracy, Strictly Follow the Law, 2006.

EL PERFIL: LIU BOLIN

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“ MI OBR A E S U N R E - P E NS A MIE N TO DE L A S O CIE D A D Y S U C OM P ORTA MIE N TO.” –Liu Bolin

Hiding in Colombia - Magazine Rack, 2013.

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L A IDE A DE TA R G E T S SURGIÓ EN COLOMBIA Y DE S DE E N TONC E S BOLIN BU S C A R E P R E S E N TA R U N PROBLEMA SOCIAL DE C A D A PA Í S Q U E V I S I TA . la sociedad, en ese entonces de China. Para Liu Bolin, la sociedad no se daba cuenta de los problemas que vivían día a día las personas, es decir, éstas eran invisibles. No es en realidad que él quisiera ser parte de sus obras, sino que quiere mostrar como en el día a día uno se olvida de aquéllas que sufren, la sociedad prefiere pensar que son invisibles. Ahora ha dejado atrás China como único escenario, creando una obra (o varias) de la serie en cada país que visita.

Y entonces surgió también la idea de Targets, hace un par de años en Bogotá, que crea también en los países que son parte de su agenda. Ahora ya no es solamente él en sus fotografías siendo invisible, sino gente del país que visita que se une para criticar algo que, precisamente, no es un conflicto invisible. La primera vez que Liu Bolin visitó Colombia, Juan Camilo le contaba la historia del terrorismo en aquel país y se imaginó a los colombianos como “objetivos” o targets, de ahí el nombre.

Pero no se trata de retratar a las personas como víctimas, se trata de hacer algo estético y que represente la fuerza de los habitantes del país en cuestión. Al conocer la historia de las catrinas y el día de muertos en México, dijo que le “encantaría pintar a las personas como catrinas, fundirlas con una flor que le dé vida a la obra y mostrar la fuerza del pueblo mexicano”. Se eligió el agave como una planta representativa del país, como algo que al llegar a cualquier otro lado se supiera que es México.

Se invitó a 43 personas para representar a los desaparecidos, y en este caso fueron amigos de la galería, del hotel y de ellos 52 | la revista

Galería Oscar Román La Galería Oscar Román abrió en 1991 para promover obras innovadoras, con cierto riesgo. Su coherencia en cuanto a criterios, calidad, pluralidad y la adecuada promoción, le han permitido generar un mercado nacional e internacional que la ha llevado a crecer en el espacio artístico y en el discurso crítico. Ha presentado más de 400 exposiciones de artistas nacionales e internacionales como Jesús Urbieta, Alejandro Arango, José Luis Bustamante, Rocío Caballero, Jorge Marín, Agustín Castro López, Luis Filcer, Vladimir Cora, entre otros. Con “Camuflaje” de Liu Bolin presenta una retrospectiva de todas las obras que el artista chino ha realizado en Nueva York, Roma, Beijing, Los Ángeles y París.

INFO Julio Verne 14, Polanco, México, D.F. T. (55) 5280 0436 galeriaoscarroman.mx Horarios Lunes a Viernes: 10 a 19 hrs.

Sábados: 11 a 14:30 hrs.

Facebook: Galería Oscar Román

EL PERFIL: LIU BOLIN

mismos (aunque en otras ocasiones han sido personas que “se han apuntado y llegan”, están abiertos a quien quiera colaborar en el proyecto) cuenta Juan Camilo. El background para esta imagen será una foto tomada por Fernando Marroquín en la que aparecen varios magueyes o agaves. Realmente sorprende que el trabajo de Liu Bolin sea considerado más pop o comercial de lo que en realidad es.

CHINA Y EL MUNDO

Liu Bolin dice que “viaja mucho porque es parte de su trabajo” y que entre sus ciudades favoritas están Nueva York y París, pero jamás consideraría mudar su hogar a una ciu-

dad que no sea Beijing (o Pekín, como él aún la llama). Y es que China, según cuenta el artista, está experimentando un cambio que comenzó hace 30 años pero que en los últimos diez se ha acelerado.

Para un artista, es un país lleno de inspiración e ideas al tratar de entender que el territorio se desarrolla a mayor velocidad que la sociedad. Es entonces que el foco del trabajo de Bolin es la sociedad china, mucho más que el gobierno o sus políticas, sino la reacción de los chinos a estas situaciones. A finales de los ochenta, con la apertura, surgió una nueva forma de ver el mundo en los chinos, hay nuevas visiones y opiniones pero también quienes preferirían que nada hu-

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biera cambiado. Como artista, busca explicar sus ideas y opiniones de la sociedad a través de personajes e imágenes, sin estar en contra, sino resaltando situaciones que le llaman la atención.

Para finalizar, el artista chino asegura que le hubiera gustado tener una agenda menos apretada, quizá sin estar produciendo algo todos los días. “Me gustaría volver a México, estar más con la gente, más relajado y conocer más del país”. Y así termina un extraño encuentro en el que Liu Bolin seguirá dando entrevistas mientras da instrucciones a los pintores que lo ayudan, salta sobre la cama y pide a los reporteros que le tomen fotos con su celular.

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Rodolfo Choperena, artista de la luz

por: Marcela Aguilar y Maya / Bárbara Perea fotos: Cortesía del artista

Rodolfo Choperena es más que un fotógrafo. Es un artista que usa la cámara como lienzo y pincel al mismo tiempo. Aquí, en sus propias palabras y a través de un ensayo a él dedicado, buscamos entender la obra fotográfica abstracta del mexicano.

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Chacras in the Snow, 2010

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Para explicar la obra de Rodolfo Choperena, que siempre cuenta con un sujeto ausente, es necesario conocer su historia y sus intenciones como artista.

Para él, el acto más esencial es el movimiento y así lo representa en fotografías —jamás retocadas en postproducción— creadas a través de la manipulación manual de la luz. En una breve entrevista con La Revista, el mexicano que reside en San Antonio, Texas, explica su obra, misma que fue analizada por la curadora Bárbara Perea.

Rodolfo Choperena (Ciudad de México, 1966) no se define a sí mismo como un fotógrafo, sino como un artista que utiliza la cámara como herramienta. Influenciada por el manejo lumínico de ciertas instalaciones de Olaffur Eliason, la obra de Choperena deconstruye el lenguaje fotográfico en cada uno de sus elementos fundamentales: color, luz y movimiento. La potencia e intensidad de su manejo del color, hace de muchas de sus obras verdaderos estudios cromáticos cuidadosamente construidos en donde sombras captadas ejercen matices, contrastes y texturas en el campo fotográfico. Observar el paisaje y la manera en que la luz se comporta a nivel físico fueron procedimientos claves para desarrollar la técnica que emplea este artista. “Viajé a Careyes, México. Llámalo el efecto prismático de la óptica, la magnífica luz del Pacífico o simplemente una epifanía […] comencé a ver realmente cómo la luz se refracta, dobla y curva en tres dimensiones. Ocurre naturalmente, simplemente no lo vemos. Es física pura”.1 Choperena, quien construye sus composiciones en cámara y sin efectos de posproducción, describe su trabajo muy acertadamente como fotoperformance, en donde el desplazamiento del autor y la cámara permiten la composición de cada imagen, logrando que la luz y el color impriman su trayectoria en cada obra. Maestro de la abstracción fotográfica, Choperena abreva tanto de la historia de la fotografía, como de la pintura; de hecho, las cualidades formales de su obra han generado referencias a Mark Rothko y él mismo se admite afín a Jason Martin, de la generación de los Young British Artists, artista con quien comparte la forma del fondo, el placer puro del color y la textura.

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Columna 555, 2010

Toroid in Pink, 2013

EL PERFIL: RODOLFO CHOPERENA

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Poolside, 2012

CHOPERENA CONSTRUYE SUS COMPOSICIONES, A L A S QUE LL AMA FOTOPERFORMANCE, EN C ÁMARA Y SIN E FEC TOS DE P OS P RODUCCIÓN. Su manera de abordar la composición de cada imagen, jugando con la exposición, el desplazamiento y la adición de elementos cromáticos específicos se acerca más a la pintura que a la fotografía, tradicionalmente entendida.

Su incursión en el formato medio le ha permitido generar obras murales monumentales para fachadas arquitectónicas, logrando liberar aún más al medio de sus limitantes tradicionales. Asímismo, existe en su trabajo una noción expandida de géneros tradicionales de la historia del arte, como el paisaje o la naturaleza muerta en imágenes, donde cada elemento elegido por el

autor y adicionado a la escena construida con una clara intención, aporta su huella individual para generar un conjunto donde destaca la vibración del color y el gran dinamismo que le dio origen. En Chakras in the Snow, por ejemplo, el proceso de construcción de la imagen partió de un campo nevado en Santa Fe, Nuevo México, al cual el autor fue adicionando diversos elementos: “Acercándose [a éste] como a un lienzo recién tensado, rompió la blancura pisando la superficie y creando sombras en tonos grises, azules y púrpuras. Construyó la paleta de color al incluir en la mezcla objetos recolectados, dos cabezas de Buddha de resina de

un garage, una bolsa de mandado color chartreuse y una camiseta amarilla traqueteada en el piso”.2 Los elementos y sujetos reales retratados llegan a aportar un cariz intimista en algunos de sus trabajos, que no es evidente a primera vista; lo que sí es evidente es una fuerza creadora tan potente que da la sensación de estar contemplando energía pura o atestiguando algo tan poderoso como el movimiento de un átomo.

–Bárbara Perea, curadora de arte 1 Entrevista por Anjali Gupta. Traducción de la autora.

2 Ortiz, Patti. The fine Line, catálogo de exposición.

En proceso. Traducción de la autora.

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RODOLFO C HOP E R E N A S E INS P IR A E N TODO LO QU E LE RODE A , DESDE UN TEX TIL INDÍGENA O UN MER C ADO, H A S TA S U S MI S MO S A MIGO S A RT I S TA S .

Rodolfo, ¿cómo empezó tu camino por el mundo de la fotografía?

MARCELA AGUILAR Y MAYA:

RODOLFO CHOPERENA: Empecé

tomando fotos normales durante viajes y en ocasiones especiales. Aprendí por mí mismo, sin tomar cursos de fotografía.

Te has alejado de la fotografía figurativa optando por lo abstracto, ¿cómo fue el proceso para llegar aquí?

Para un viaje largo decidí comprar mi primera cámara manual. En ese viaje estuve experimentando con la cámara y descubriendo las infinitas posibilidades de capturar momentos. La abstracción se empezó a dar cuando fotografié con exposiciones largas a un grupo de cigüeñas que peleaban por un pedazo de carne. El resultado fueron fotos que hacían que las cigüeñas parecieran bailarinas, con muchísimo movimiento. En otro viaje a Croacia descubrí una técnica en la cual la abstracción se daba dentro de la cámara con una exposición larga y movimiento. El sujeto queda totalmente fijo mientras yo muevo la cámara.

¿Cuál es tu relación con el color?

El color y la combinación de colores es algo que me apasiona. Estoy convencido que ciertas formas y combinaciones de colores estimulan ciertos puntos en el cerebro, los mismos que nos permiten sentir placer. En mis obras monocromáticas, la textura tiene un papel importantísimo. La textura le da profundidad y dimensión a la obra.

En tu obra el tiempo puede parecer detenido o indefinido… ¿Cómo lo sientes tú?

El tiempo es una parte esencial de la obra.

Como diría Bill Viola, “El tiempo es el material básico de la fotografía y el video”. Tomar fotos con largas exposiciones me permite jugar con el tiempo y me da la oportunidad 58 | la revista

de introducir el movimiento de la cámara. El movimiento es el que dicta qué tipo de foto voy a tomar: olas, columnas, estrías horizontales o verticales.

Donde el espectador observa solamente color y formas sutiles, tú conoces el trasfondo de cada obra, cuentas anécdotas e historias. ¿Es importante para ti que haya un trasfondo en cada una de tus fotografías?

Sí. Aunque la obra parezca totalmente abstracta, siempre hay un sujeto real. La abstracción del sujeto sucede dentro de la cámara y no en postproducción. El sujeto puede ser un paisaje gris sin chiste. Al incluir objetos con colores que me atraen, el paisaje gris se convierte en un fotoperformance.

¿Qué te inspira?

La naturaleza, los textiles indígenas, los paisajes, las artesanías, mis alrededores. También mis amigos artistas, los viajes, los mercados, las ferias de arte, los museos.

El experimentar con diferentes materiales te ha llevado por un camino fascinante, inclusive estás trabajando hoy con alfombras y textiles, platícame de esta travesía.

La presentación de mi obra es muy dinámica, y debido a que la tecnología ha avanzado muchísimo en cuanto a técnicas de impresión puedo experimentar con materiales tan diversos como es posible. Estoy montando en materiales como plástico, vidrio, metales y papeles de todo tipo. Recientemente comencé a llevar mi obra a textiles, como por ejemplo alfombras que están basadas en mis obras abstractas. La foto abstracta se envía a mi equipo de artesanos en Nepal. Luego se escogen los pigmentos que se usaran para teñir los hilos y usando más de 30 hilos diferentes, los artesanos van creando a mano, nudo por nudo hasta lograr la alfombra final.

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Cindy Lively

EL PERFIL: RODOLFO CHOPERENA

RODOLFO CHOPEREN A Nació en la Ciudad de México en 1966 pero actualmente vive y trabaja en San Antonio, Texas.

Su obra se ha presentado en importantes galerías del mundo, en especial de Estados Unidos.

Corona, 2013

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ROS A LL A DR ร es valenciana como la firma que lleva su apellido. En 2007, cuando su padre Juan Lladrรณ asumiรณ la propiedad de la empresa, ella se convirtiรณ en presidenta y su hermana en vicepresidenta.

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LA PLÁTICA CON:

Rosa Lladró La vida en porcelana Por: Marcela Aguilar y Maya Fotos: Ignacio Galar y cortesía de Lladró

Con motivo de la presentación en México de una pieza en edición limitada de la Virgen de Guadalupe, la directora de la casa Lladró visitó México para dar a conocer esta exclusiva figura de porcelana en el Museo de Arte Popular.

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Detrás de cada marca de lujo existe una historia que contar, y Lladró no es la excepción. Al contrario, se trata de una estupenda historia que comienza en España en los años cuarenta, la postguerra. El padre de Rosa, Juan, y su hermano José trabajaban en una fábrica de porcelana en Valencia pintando platos.

Para hacer algo de dinero extra, comenzaron a hacer flores de porcelana para la gente con pocos recursos que no podía adquirir las naturales. El dueño de la fábrica lo interpretó como una competencia y los despidió. Así, lo que parecía un problema se convirtió en una oportunidad al ellos comenzar su propio negocio de porcelana en la parte trasera de su casa, al que más tarde se unió Vicente, el tercer y menor de los hermanos.

Y así, por más de 50 años Lladró ha permanecido siendo una compañía familiar, autónoma y auténtica con presencia en todos los continentes, y posicionándose como un indiscutible símbolo del lujo español.

Rosa Lladró está a la cabeza de este imperio familiar, y dice entre risas que “aunque soy la directora no soy la jefa, pues mi padre todavía asiste diariamente a la fábrica”. Fiel a los valores de siempre y con una convicción muy sólida de las exigencias del mercado actual, Rosa y su equipo se avocan a la creación de piezas que satisfagan todos los gustos, manteniendo su tradición e incursionando, a la vez, con nuevos artistas contemporáneos para seguir manteniendo fresca y creativa la porcelana de Lladró.

MARCELA AGUILAR Y MAYA: Con esta tradición de una casa tan comprometida con la calidad, tan de España, tan de siempre, ¿cómo diseñan la evolución de la misma?

ROSA LLADRÓ: Al final se trata de ser gente

de tu tiempo. Mi padre y mis tíos hacían lo que les gustaba, que era de su tiempo.

Y nosotros hacemos lo que pensamos que a la gente le puede gustar hoy. No es un camino trazado especialmente, pues al final la inspiración la sacas de la vida y lo que se adapta es el lenguaje, ya que el mensaje es el mismo pero la forma de decirlo se adapta al momento. En Lladró nos apetece experimentar con muchas cosas pero manteniendo modelos, piezas, que son de siempre y que no las dejamos de hacer puesto que la gente las busca y son representativas de la casa.

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La Ciudad de la Porcelana Lladró crea todas sus figuras en la llamada Ciudad de la Porcelana que se encuentra en Tavernes Blanques en Valencia, España.

Las primeras instalaciones se inauguraron en 1969 y con la implantación mundial de la firma se han ido ampliando hasta alcanzar los 100 mil m2 que tiene en la actualidad. Se trata de un espacio concebido para la creación artística, con luminosos estudios y talleres, todo ello situado en un espacioso recinto que cuenta con instalaciones deportivas y amplios jardines. La Ciudad de la Porcelana es un espacio abierto a todo el que lo quiera conocer, gracias a un programa de visitas que permite contemplar cómo trabajan sus artesanos y conocer el Museo Lladró. Cada año visitan el complejo unos 15 mil entusiastas de las porcelanas Lladró.

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¿Hay alguna constante temática en Lladró? ¡Pues nos entretenemos en las cosas bonitas de la vida! Pero también en mensajes que todo el mundo pueda entender.

No tanto porque sea muy obvio, pero sí es muy directo y muy sincero y muy fácil de entender para todo el mundo.

Aún así, cada cual se identifica con unas cosas y con otras no, por lo que no deja de tener un aspecto bastante individual, por esto hacemos tanta variedad de estilos y ya cada uno elige lo que le guste, que te hable.

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metaphysicalmag.com

L A PL ÁTICA CON ROSA LL ADRÓ

¿Cómo definirías este momento dentro de Lladró?

Pues es un momento complicado como lo es para cualquier gran empresa europea. Es un mundo complicado. Estamos haciendo las cosas lo mejor que sabemos y que podemos y sobre todo poniendo toda la energía en la creatividad, pues no es momento para replegarse y no moverse, al revés. Creo que hay que luchar plantando cara y dar batalla. Por ese lado estamos en un momento de creatividad buenísimo, haciendo mejores piezas que nunca y mirando hacia delante.

Boutique Lladró en Madison Avenue

¿Hay una intención de la casa Lladró a adentrarse más en el mundo del arte contemporáneo que de las piezas decorativas?

Están comisionando piezas a reconocidas artistas de arte contemporáneo, como Jaime Hayón, Tim Biskup y el estudio japonés Devirobots.

Yo creo que hoy en día va todo junto, pues las cosas se interrelacionan muchísimo, por ejemplo la moda, que yo considero es un arte. Al final si hay creación y riesgo, hay arte. Y hoy en día existen muchos sectores que antes eran meramente decorativos, como muebles, por ejemplo, que por el riesgo se vuelven arte.

Y hay en Lladró actualmente una clara intención donde nos gusta esa parte del arte contemporáneo.

Bueno yo considero artistas a todas y cada una de las personas que trabajan en Lladró. Los escultores nuestros son buenísimos. Y luego sí que es divertido colaborar con gente de fuera porque te aportan cosas de mundos distintos, pues nadie viene de hacer figuras de porcelana, de hecho la porcelana no la conoce casi ninguno de estos artistas, entonces te traen experiencias de otro tipo, algo fresco, se convierte en una fusión muy afortunada.

¿Cómo surge la idea de hacer la figura en porcelana de la Virgen de Guadalupe?

YO C ON S IDE R O A RT I S TA S A TOD A S Y CADA UNA DE L AS PERSONAS QUE TRABA JAN EN LL ADRÓ.

–ROSA LLADRÓ

En Lladró teníamos una hace muchísimo tiempo, pero con menos colorido, por lo que ésta nueva figura es más mexicana en este sentido. En aquella época no teníamos tanto colorido en nuestras piezas, como hoy. Es la fusión de la técnica nuestra pero con un gran colorido, y cuando la ves te das cuenta que los artistas que la hicieron en fábrica, ¡lo disfrutaron!

¿Qué es el lujo para ti?

Tiene todo que ver con excelencia en diseño y manufactura, y menos que ver con la popularidad de la marca.

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LA PLÁTICA CON:

Jis:

el “molusco” que dibuja por: Santiago Oria Probert fotos: Ignacio Galar

José Ignacio Solórzano (JIS) es la máxima representación del monero mexicano, un personaje atrevido en su lenguaje —viñetas y máximas tan extravagantes como precisas—, muchas veces folclórico y siempre comprometido con su oficio, el cual conoce y respeta con toda la seriedad que un humorista es capaz de ofrecer.

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Jis es de esas personas que el día en que las saludas por primera vez te hacen sentir conocido desde hace años.

En principio por su tono alegre y relajado, pero más aún por su soltura: no había logrado encender la grabadora cuando él ya se había arrancado con anécdotas, bromas e ideas que más tarde se explorarían a profundidad.

Pero vayamos al comienzo, no sólo de la entrevista sino de su profesión, en la cual él se entiende no tanto como un caricaturista o un humorista, sino “monero”, oficio tan ingrato como satisfactorio: “De entrada ya diste en el clavo, me eligió una vocación extraña que sigo pensando es fascinante, pero no calculé que iba a ser tan difícil ganarse la vida con esto. Sobre todo en estos tiempos en que todo se está redefiniendo, los medios están en crisis, la llegada de lo digital y [por qué no decirlo] mi poca capacidad de autopromoción”. Eso sí, después de más de tres décadas él sigue aprendiendo y disfrutando, ya que “como campo de expresión es muy completo y estimulante, además esta misma profesión me empujó a otros lados, a cosas que no tienen necesariamente que ver con el formato estricto del cartón. Por eso también me gusta entrarle a los grafismos, a los “debrayes” en el dibujo, a 68 | la revista

experimentaciones que caben en otro tipo de espacio, incluso en el mundo de las galerías”, experimentaciones que aquellos que conocen su obra quizá pueden reconocer como un lenguaje propio, único y reconocible.

Así, creando y transformando no deja de trabajar un solo instante (todos los días publica en el periódico Milenio, además de tener un programa de radio —La Chora Interminable— con Trino, su amigo y colega desde hace años), obligándose a ser parte de proyectos tan diversos como los Jams Moneros, en los cuales él y varios compañeros de profesión dibujan en vivo los temas que les da la gente, ejercicios de improvisación que se convierten en conversación con el público, en talleres, incluso alguno podría decir que en terapias.

El momento de hablar sobre los Jams y la improvisación fue perfecto para preguntarle cómo distingue su vida privada de su vida profesional. Ésta fue su respuesta: “Dónde termina el monero es complicado, porque las fronteras del humor no son muy claras y dentro del trabajo crea-

“ PA RTO DE U N A PERSONALIDAD INTROVERTIDA , TÍMIDA , SOY MOLUSCO A SÍ QUE MI LÍNE A ES OTRA , ME GU S TA E L H U MOR PERO LO MANEJO DE MANERA TA NGE NCI A L .”

L A PL ÁTICA : JIS

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tivo hay ciertas áreas que no se entienden como trabajo humorístico pero están en el mismo abanico de lugares para inventar y expresar. Por ejemplo en radio, no soy comediante nato, parto de una personalidad introvertida, tímida, soy molusco así que mi línea es otra, me gusta el humor pero lo manejo de forma tangencial. Acomodamos el formato para conversar de manera casual y si a partir de ahí salen chistes o ironías está poca madre, pero no planearlo como stand up”.

Siguiendo con esta línea de diferenciación del personaje con la personalidad, Jis, contrario a muchos otros que se niegan a aceptar lo que en ocasiones resulta obvio, confiesa sin ningún tipo de tapujo que su trabajo es autobiográfico, que es él pensando a través de sus monos y que las escenas que retrata son aquellas que más le llaman la atención, incluso (o sobre todo) en temas relacionados con el sexo y otros tantos que son tabú, pero que precisamente por su cotidianeidad, por ser tan comunes, le llaman la atención.

“Trabajo con arquetipos. Imágenes que se convierten en el centro de muchas cosas. Puntos a los que puedes regresar una y otra vez, que pueden estar relacionados con los modelos clásicos pero que pueden ser nada más una imagen muy fuerte que te está llamando. Ciertas tradiciones o convenciones simbólicas que tenemos los humanos y que al ser mencionadas los demás ya las ubican a la perfección. Como ejemplo las islas de náufragos. Quién sabe cómo se llegó a resumir pero es un clásico, tú cuentas un chiste de una isla de náufragos y desde el primer momento sabes que es un símbolo que te va a ayudar a describir un aspecto humano relacionado, ya sea por la soledad, la introspección, por que alguien se perdió... Y así hay muchos muy sabrosos: los monjes en busca de la iluminación, el precipicio... Son imágenes que se prestan para muchas historias.

Otra que me encanta es la pareja en la cama; es un centro energético que puede ir desde las glorias del sexo hasta la talacha más rutinaria del matrimonio, a campos de juego de familias completas… el lecho es un buen talismán.”

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Palabras y conceptos Un poco con el tiempo encima y con el fin de finalizar la muy rica conversación, Jis respondió algunas preguntas que pueden ser consideradas “de cajón”: Humor: “Quizá no sea el tesoro máximo del hombre, pero hay que ser justos y decir de que es una de las herramientas más importantes con las que contamos para aguantar vara en este valle de lágrimas”.

Sexo: “Como monero, al alejarme del interés político, se convirtió en uno de los modos de hacer lucha por la libertad de expresión, de ejercerla, aprovechar ese hueco que ganaron generaciones anteriores y enfrentarme a los peligros de hablar sobre ese tema. El sexo vive en la frontera con el cliché y todo mundo cree que con sólo tocar el tema ya está siendo material fuerte, en ese sentido se puede convertir en un recurso fácil sin un trabajo creativo detrás”.

Moneros: “Como referencia siempre menciono a 5 padres fundadores de mi vocación: Robert Crumb, B. Kliban, Moebius, Sempé y Steinberg son unos genios.

Cada uno de ellos significó una empujadita para visualizar posibilidades del oficio”.

Personajes: “Me gusta mucho crear personajes, pero son como arquetipos. Me gusta dibujar cerebros, nubes de pensamiento, parejas... todo es profundamente autobiográfico. Yo soy mi personaje y los que me rodean”.

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L A PL ÁTICA : JIS

“EL SEXO REVEL A MUCHO DE NOSOTROS: IDE ALES DE PL ACER Y DE AMOR, FRACASOS, FRUSTRACIONES, GOLPES AL A U TOE S T IM A , VA N A G L O R I A S POLÍTICAS, REL ACIONES DE PODER.”

Ahora bien, reconocer estos arquetipos no es lo más complicado, hay que transformarlos y saberlos comunicar, encontrar las maneras de trabajarlos, “cada vez más me doy cuenta de que el formato que más me acomoda es el del cartón, una sola viñeta que es como un comentario, un haiku, una ocurrencia que sí tiene una cosa narrativa pues te puede meter a una escena o hacerte sentir que estás en una parte de la historia”. El proceso detrás de estas viñetas también es diverso, “muchas veces me llega a la cabeza una imagen que no sé qué quiere decir, pero que tiene algo de magnético o en sí misma se me hizo graciosa o interesante, con la suficiente plasticidad para conectarla con otras. La otra es que todo el tiempo estoy poniéndole atención a los verbos, cuando escucho una frase que se me hace llamativa la voy apuntando. O cuando escucho una frase que resume un momento, algo que explica una situación, eso genera el dibujo. La forma de trabajo puede llegar de los dos lados”.

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Regresando al tema de los arquetipos, uno de ellos, tema recurrente en sus muchos años de monero, es el sexo y justamente la recopilación de esos trabajos de décadas dieron vida a su libro más reciente, publicado por Sexto Piso, llamado Sexo, a eso sabe la Reina, un libro que es “la visión de un tipo con más ensoñaciones que realidades concretas eróticas”. Él lo define como un producto “masturbatorio”, pero algunos lo pueden considerar grotesco, obsceno, erótico, crítico, un sinfín de adjetivos, pero es un hecho que el sexo, como tema tabú en nuestra sociedad, está muy bien definido: “el sexo es un tema muy rico pues toca muchas áreas humanas, es una maraña de cosas que revela mucho de nosotros, ideales de placer y de amor, fracasos, frustraciones, golpes al autoestima, vanaglorias políticas, relaciones de poder y algo de alucinatorio, pues cuando está bien hecho es un acto ilusorio de conciencia, entonces tiene que ver con todo. Es un tema sabrosísimo”.

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Alexandra Farias por: Santiago Oria Probert fotos: Alexandra Farias

Las series de esta fotógrafa mexicana, más allá del placer estético que producen, son testamento de una era, historias contadas a través de imágenes que nos acercan a nuestra realidad más cercana.

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A finales del siglo XXI, George Eastman comenzó a desarrollar las películas y las cámaras que harían de cada persona un fotógrafo potencial, para los años setenta del siglo pasado, el primer intento de crear instrumentos capaces de capturar imágenes digitales comenzó a definir el futuro de la fotografía y a partir de la llegada del nuevo milenio, todos nos hemos convertido en testigos y documentalistas de nuestros tiempos. Sin embargo, de la misma manera en que el saber escribir no te hace automáticamente capaz de redactar una novela y garabatear cuadernos es poco probable que te sitúe en los muros de museos o galerías, la fotografía inteligente y exacta, como la de Alexandra Farias, es la aguja en el pajar.

Tomar una fotografía es pensar. Es capturar algo que en su apreciación cambia la forma en que los espectadores se enfrentan al mundo. Así, en las fotografías de Alexandra las personas son el gran protagonista, ya que la energía de la gente cuando se enfrenta a una lente es indefinible, incluso se podría decir que fundamental.

Con este objetivo reflejado en su mirada, ha creado series como Girls, en la cual mujeres jóvenes son retratadas en sus espacios más íntimos, aquellos que forman parte de su cotidianidad y que por lo tanto son ya un reflejo de su personalidad, de su situación, de su circunstancia. Al ver estas fotografías descubrimos en los rostros, en las acciones que nos hablan y en la forma de interactuar de las protagonistas con su entorno patrones de conducta que nos presentan una realidad de la cual nos es imposible escapar.

En su serie Age, los retratos de las personas ofrecen una comunicación no verbal que representa no sólo su situación personal, sino las historias de vejez que encontramos en las casas de los abuelos, en el acumular de gustos, recuerdos y memorias que para algunos puede parecer distante pero al que, si el tiempo nos lo permite, estamos destinados a llegar.

Esta serie, dependiendo de la experiencia personal del espectador, puede hablar sobre abandono, plenitud, satisfacción, soledad o amor a la vez.

Aquellos que alguna vez se han propuesto tomar una serie de retratos saben lo difícil que es lograr que el protagonista luzca cómodo y relajado a cuadro, integrándolo de manera natural con el resto del espacio. En este sentido Alexandra destaca. Su personalidad es tan fácil como atrayente, permitiéndole contar la historia deseada con la estética necesaria.

La fotografía es un lenguaje que obedece a reglas y condiciones únicas que ningún otro medio posee.

Grandes figuras como Ferdinand de Saussere, Charles Sanders Peirce o más recientemente Umberto Eco pudieron referirse a ella al desarrollar sus teorías semióticas en las cuales el signo, con toda su representación y significado, se presenta como un elemento único que contiene una gran cantidad de información y que de acuerdo a su mera presencia puede ser entendido con más de una función. Estos pensadores destacaban la importancia de cada elemento al grado de afirmar que todo comunica, que todo es un signo y que incluso el hombre es pensamiento-signo. Ideas que dentro de la fotografía pueden traducirse a que todos los elementos que se incluyen en el retrato están ahí por algo, comunicándose entre sí o hablando para el espectador. Si algo no tiene una función debe ser eliminado al instante. En las fotografías de Alexandra Farias, los elementos que aparecen en primer plano, o en segundo y tercero, además de los aspectos más fundamentales de su lenguaje como son iluminación y encuadre, todos están alineados en una misma dirección y es por ello que son capaces de contar historias que haciendo uso del cliché más conocido, pueden ser contadas con más de mil palabras.

Un ejemplo de esta narrativa es la serie Fifteen Candles, en la cual quinceañeras mexicanas son retratadas con todo el folclor que precede su festejo y a través de su entorno, de sus elecciones, de sus gestos, nos acercamos a ellas y las queremos, ciertamente las queremos.

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AL E X A NDRA FA RIA S Nació el 26 de Septiembre de 1984 en Hamilton, Ontario, Canadá, pero creció en Monterrey. A los 16 años emigró con su familia a Leysin, Suiza, situación que cambió la visión que tenía del mundo al presentarle amigos de diferentes lugares del mundo, conocer sobre diferentes culturas y experiencias, algo que considera “se consigue únicamente al adentrarte en lo extranjero”. Tras estudiar Mercadotecnia en el Tec de Monterrey se fue a San Francisco a estudiar un MFA (Master in Fine Arts) en fotografía artística. Después de cuatro años en esa ciudad llegó al Distrito Federal, donde ahora habita y encuentra inspiración para su trabajo. alexandrafarias.com

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Experiencias estéticas | Abril / Mayo 2015

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La creación digital, interactiva y generativa se apoderó de la escena del arte hace muchos años, reflejando la realidad en la cual estamos sumergidos y ofreciéndonos la posibilidad de experimentar lo imposible.

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A noventa años de su comienzo, The New Yorker sigue definiendo tendencias visuales y de contenido, nunca tan bien expresadas como en sus portadas, ilustraciones que son reflejo de su tiempo.

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En un ensayo inteligente, Pablo Martínez Zárate nos lleva de la mano desde el Renacimiento hasta la actualidad, explorando los conceptos y las ideas que se esconden detrás de la estética en el arte.

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Arte Digital

Las consecuencias de nuestra era Por: Santiago Oria Probert

Los caminos de evolución que recorren el arte, la ciencia, la tecnología y la estética son paralelos. Entre ellos se impulsan para explotar al máximo sus capacidades específicas, para mostrar el mundo tal como es y para reflejar la transformación de la condición humana a través del tiempo.

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Para acceder al contenido digital de este artículo: 1. Descargue la aplicación QuickMark desde su smartphone o tablet. Si está familiarizado con los códigos QR, utilice la aplicación de su preferencia.

Entender las nuevas formas de creación artística no involucra únicamente las cuestiones de estética más tradicionales o el origen de las ideas detrás de cada obra y la relación que éstas mantienen con el espectador, conceptos que quizá no han cambiado sobremanera en los últimos tres mil años. Cuando se habla de arte, por necesidad deben entrar en la ecuación los términos tecnología y ciencia, ya que estas historias recorren un camino paralelo, desde la primera pintura rupestre, pasando por figuras tan especiales como Leonardo da Vinci, hasta el día de hoy. El arte basado en la tecnología actual es simplemente una continuación de la línea evolutiva.

Así, la intención artística ha desarrollado una gran cantidad de variantes que entrelazan los materiales, pigmentos, instrumentos, procesos, soportes, plataformas y formas de interacción que se utilizan en cada obra, destacando en la actualidad y como es normal suponer, aquellas creaciones que dependen de una computadora, o dicho de mejor manera, de una nueva forma de lenguaje que transformó los lienzos y el mármol en unos y ceros.

2. Abra la app y acomode el teléfono como si fuera a tomar una fotografía del código QR. 3. La aplicación detectará el código y abrirá una ventana de diálogo con un resumen del contenido.

4. Haga click en abrir URL para acceder.

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N GEORG NEES Georg Nees es un físico, matemático y filósofo alemán pionero en el trabajo de gráficos por computadora. Se le atribuye haber sido el primero en presentar una exposición de dibujos creados por medio de algoritmos generados por un programa de computadora. Su exposición Computer Art fue inaugurada en 1965 junto con trabajos teóricos de su colega, Max Bense, en los cuales comienzan a desarrollar formalmente la teoría de la estética en conjunto con arte computacional e inteligencia artificial.

Es considerado junto con A. Michael Noll y Frieder Nake uno de los tres grandes “algoristas” del arte.

Siguiendo con este entendimiento, debemos considerar a estas nuevas formas (que por facilidad en esta nota englobaremos dentro del concepto arte digital, aunque es importante precisar que no todo lo electrónico, interactivo, generativo o perteneciente a los nuevos medios es necesariamente digital) como causa y consecuencia de nuestros tiempos. Y no sólo por la posibilidad de aprovechar recursos y herramientas que en otras épocas eran imposibles de imaginar, sino porque éstas, de la misma forma en que la escritura liberó al hombre del yugo de la memoria y le permitió generar pensamiento abstracto, en los últimos años transformaron nuestra percepción de la realidad, nuestra asimilación de conocimiento y nuestra capacidad creadora. La 84 | la revista

revolución digital es una atmósfera que permea la cultura, sociedad, política y estética hasta lo más profundo de nuestra humanidad.

Nadie puede negar que un niño pequeño es capaz de manejar una tableta o un llamado smartphone mejor que un adulto mayor, que su capacidad de entender interfaces, interactivi-

dad y generación de causas/ consecuencias en tiempo real (cada vez menos paciente), de transformar obras, medios y realidades para convertirse en creador a la vez que espectador, de relacionarse con el artista al mismo tiempo que se relaciona consigo mismo (que siempre será una de las funciones del arte), son matices de

personalidad que están completamente asimilados a su sistema y a sus expectativas.

Su lenguaje y su pensamiento están educados bajo estos principios. La tecnología cuestiona, reinterpreta, reordena y amplía el concepto del arte. Con las nuevas generaciones la era del “no tocar” abandonó sus prohibiciones.

ARTE DIGITAL

Con estas bases podemos afirmar que el arte digital corresponde por necesidad a una era digital, que el arte de los nuevos medios corresponde a una cultura mediática, que el arte interactivo corresponde a una realidad interactiva. Los proyectos de creación artística se circunscriben a su entorno, hoy estamos sumergidos en una era dominada por ciencia y tecnología, las cuales crean el escenario perfecto para las mutaciones que le permiten al hombre seguir siendo como es. Nos adaptamos para poder seguir igual.

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El arte digital es consecuencia de nuestra era pero también comienza a ser causa de nuevas transformaciones, una de ellas se encuentra en las fronteras, ya que así como las nuevas tendencias están generando una gran cantidad de variantes, es interesante notar que las distancias entre formas artísticas que antes parecían demasiado independientes y reconocibles —como danza, música, teatro, animación, cine, pintura, escultura, entre otras tantas dentro de la paleta— se están perdiendo.

V PETER VOGEL A pesar de su formación profesional como físico, este alemán estuvo relacionado con el arte desde muy pequeño por influencia de su padre, quien era pintor, aunque sus inquietudes crecieron más relacionadas con la música, la danza y otras artes visuales. Sus trabajos más recientes involucran las fronteras entre escultura y sonido, creando experiencias interactivas únicas e irrepetibles. Un ejemplo fundamental es su proyecto Soundwall, en el cual instala sensores de luz capaces de detectar sombras y producir sonidos. De esta forma, las piezas pueden verse como una escultura per se, pero adquieren sentido al interactuar con el usuario espectador quien al proyectar sombras sobre los sensores está a su vez interpretando un instrumento musical generativo.

Imperdible el documental The sound of shadows.

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M VINCENT MORISSET El canadiense Vincent Morisset es uno de los máximos especialistas en artes digitales audiovisuales, sus colaboraciones en los videos de la agrupación musical Arcade Fire son legendarias; su narrativa interactiva que mezcla música, coreografía, interactividad, cine y medios digitales es una escuela de innovación. Dos proyectos que vale la pena mencionar son Sprawl2 , una experiencia interactiva que regresa a los niveles más primitivos, a la comunicación no verbal de los movimientos del cuerpo para activar una historia. En el video los personajes se sumergen en un eterno loop donde no sucede nada hasta que uno comienza a moverse frente a la pantalla, la cámara detecta el movimiento y entre más baile más avanza la historia.

Otro proyecto destacado es Bla Bla, una película pensada para verse en línea en la cual 8 6 | la revista

el usuario participa en la creación de la historia, explorando los principios de la comunicación humana y descubriendo cómo ésta influye en nuestro comportamiento e interacción con el otro.

Cada vez más las piezas son parte de una tendencia y no de un género, definiéndose por su uso. Son un juego, un instrumento, una herramienta o un concepto, resultado siempre de la innovación, creatividad, reinterpretación, sentidos lúdico y crítico de nuestra realidad, una realidad aumentada que juega con el tiempo y el espacio, que nos pertenece en las acciones y reacciones artísticas y hace mucho más sutil su percepción.

Las formas de arte que podemos encontrar en muchas exposiciones formales, más otras tantas que se involucran en nuestro día a día, están en constante transformación.

Muchas de ellas tan sólo permanecen por un instante y luego nunca regresarán, tan efímeras como la palabra que al ser pronunciada desaparece, ahora también las piezas merecen

nuestra atención constante, nos someten a la resignación de que no podemos percibir todo o ni siquiera lo mismo de la forma en que lo hicieron los otros, pero aderezan la experiencia con la satisfacción de la exclusividad, de lo irrepetible.

ARTE DIGITAL

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A MEMO ATKEN Nacido en Turquía pero residente de Londres, este músico, artista visual e ingeniero explora directamente las relaciones entre arte, naturaleza y ciencia por medio de instalaciones e intervenciones en las cuales tiempo, espacio, movimiento, sonido e imagen se entrelazan en obras creadas por software libre que le han dado la vuelta al mundo. Proyectos como Simple Harmonic Motion (memo.tv) exploran la interrelación de ritmos inspirados en la naturaleza pero que son transformados en patrones matemáticos. Los algoritmos que se generan se convierten en imágenes y como resultado quedamos en presencia de la orquesta de nuestro entorno, compleja, cíclica y quasi periódica. Forms, en colaboración con Quayola, es un estudio del movimiento humano que deconstruye el cuerpo de los atletas y los convierte en mera energía mecánica, en la estética del movimiento.

Dentro de la tendencia del arte digital, la obra depende tanto de nosotros mismos como del artista o nuestra comunidad, el “marco” o “pedestal” de la obra se convierte en contexto, situación y momento. En experiencias simultaneas con múltiples líneas de tiempo, cada una moviéndose a su propio ritmo y coexistiendo con el tiempo real de las situaciones con las que se relaciona.

En el trasfondo, es imposible generalizar a todas las obras y artistas por su valor, ya que el vacío existencial que ensucia ciertos sectores de las sociedades modernas también encuentra reflejo en obras que se presentan sin ser más que un buen manejo de las herramientas disponibles, pero si

quisiéramos obligarnos a entender la conciencia e intención del arte digital contemporáneo, podríamos concluir que da prioridad a la síntesis sobre el análisis, a la transformación sobre la destrucción, a la orientación por encima de la objetificación, que pretende romper los límites de la percepción sensorial y la dimensionalidad, que es crítico con respecto a su entorno y, por encima de todo, independiente y libre. No es de extrañar que muchos de los máximos exponentes sean también fervientes apoyadores del open source.

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K AARON KOBLIN Aaron Koblin es un artista y diseñador que utiliza los datos que generan las comunidades y las tendencias culturales y las transforma para representar la relación que tiene el hombre con la información. Especialista en tecnologías digitales, quizá uno de sus mayores momentos de reconocimiento sucedió en 2009, cuando convirtió en datos y partículas a los integrantes de Radiohead en función de crear el video interactivo de su canción “House of Cards”, pero de su trabajo destacan los proyectos colaborativos que comenzó y ahora se alimentan de aportaciones de personas de todo el mundo.

En The Single Line Superhighway pidió que los usuarios crearan su propio coche, el cual ahora circula una carretera virtual interminable. Con Exquisite Forest los usuarios pueden utilizar una herramienta en línea para crear árboles, ramas y hojas que contienen animaciones, mismas que se desarrollan con cada nueva colaboración, sembrando un bosque infinito. The Johnny Cash Project crea un perfil y portafolio del legendario “hombre de negro” por medio de imágenes que los usuarios crean e integran a un video en constante transformación. Sin duda vale la pena conocer su trabajo.

De la misma forma en que existen estos lineamientos no esta88 | la revista

blecidos sobre el fondo que sustenta el arte digital, otra de las constantes mejor diferenciadas del movimiento radica en su sentido de colectividad. En una época en la cual todos somos audiencia y generadores de contenido, la interconexión que existe entre usuarios no permanece ignorada, sino que se torna

en parte fundamental de la creación. El arte, así como el conocimiento, nos pertenece a todos.

Gracias a esta colectividad colaborativa, la difusión de fronteras —de la cual ya hablamos— genera dentro de su caudal de consecuencias que los canales por los cuales accedemos a los más sofisti-

cados proyectos artísticos estén alejados de los museos o galerías convencionales, permitiendo desarrollar cada pieza, cada proyecto, cada tendencia como una bola de nieve que rueda cuesta abajo en una montaña interminable, cíclica, imposible. El artista es aquel que empujó el primer copo.

ARTE DIGITAL

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F ANDREAS NICOLAS FISCHER Este muy joven artista alemán trabaja experimentando con procesos gráficos, espaciales y generativos creados con el objetivo de mezclar la realidad virtual con la física. En sus piezas, las técnicas que involucran realidad aumentada y efectos 3D se presentan como fundamentales, logrando transformar atmósferas a la vez que reflexiona acerca de nuestra relación con la tecnología. En su proyecto Island Physics convirtió una casa cualquiera en un laboratorio de realidades alternas. En éste conviven la estética, la academia y la evolución. Otro esfuerzo que ha reclamado la aceptación de su obra es Schwarm, en el cual crea imágenes a partir de fotografías, pero dejando que las partículas de color fluyan, en parte libres comportándose de acuerdo a ciertas reglas computacionales, hasta crear nuevas composiciones. Una vez que arranca el programa la secuencia de transformación de la imagen ofrece postales únicas hasta el infinito.

Ya sea que los queramos entender como una causa o como una consecuencia, los conceptos de interactivo y generativo están hoy más vigentes que nunca. Su entendimiento es distinto al que se tenía hace unos años y tan sólo hace falta que pongamos un poco de atención para poder comprenderlos como parte de nuestra realidad y elemento fundamental en obras o exposiciones diseñadas para adquirir sentido a partir de su uso directo por parte del usuario espectador, las cuales se convierten literalmente en juegos, con los cambios en narrativa y en storytelling que esto involucra.

Cada proyecto de arte digital, en su carácter interactivo y generativo, está obligado a contar una historia que usualmente se adapta a la estructura aristotélica de los tres actos, en la cual existe un planteamiento, una confrontación y un desenlace necesario. Es decir, cada nuevo proyecto cuenta una historia, que a la vez es definida por el espectador en su papel de usuario, afectando de la misma forma en que las luces y los sonidos irrumpen el espacio vital, la línea de tiempo de las personas.

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B BOT & DOLLY Este estudio de diseñadores, cineastas, ingenieros, programadores, músicos y otros profesionales es, en realidad, una aproximación a la robótica y a sus posibilidades interminables cuando es bien trabajada junto con otras formas de arte. Para dar muestra de su trabajo, basta con recordar la película Gravity, armada y previsualizada sin actores en su bodega en San Francisco. Gracias a ellos, en lugar de mover a un actor a través del mundo, el director Alfonso Cuarón movió el mundo alrededor de sus personajes. Pero su mejor carta de presentación es el cortometraje llamado Box, en el cual vemos un mundo generado por computadora y movilizado por dos grandes brazos robóticos, sobre el cual interactúa un personaje. El video está gra90 | la revista

bado en tiempo real y sin usar las llamadas green screens. La precisión de las proyecciones y el mapeo de superficies genera una coreografía de luz y sonido que ofrece más posibilidades de las que parece estamos listos para entender.

Como es normal suponer, existe una gran cantidad de datos

que nos ayuda a entender esta nueva tendencia artística, y la información que se genera a cada instante supera con diferencia lo que podríamos consumir en mucho tiempo. Sin embargo, más allá de una frustración, esta situación nos ayuda a entender aún con mayor precisión lo que esconde este fenómeno, pues esta

constante transformación y superación, esta generación de causas y consecuencias que entremezclan la influencia de las artes digitales en nuestra sociedad y viceversa, este sentido de inmediatez, de estructuras efímeras, es el arte que hoy, como hace tres mil años, refleja mejor que nada la condición humana.

ARTE DIGITAL

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C COCOLAB Dentro de la tendencia de arte digital en México, Cocolab es quizá el más reconocido de los centros especializados en tecnologías interactivas, audio, video, programación y demás elementos. Ellos mismos se definen como un colectivo de proyectos artísticos, culturales y de entretenimiento, pero también podrían explicarse como un laboratorio de experimentación donde la creatividad y la innovación ocupan los lugares de privilegio. Por mencionar dos de sus proyectos, Cycles es una instalación audiovisual compuesta por iluminación laser que proyecta composiciones musicales dentro de una esfera de 6.5 metros de diámetro. Beats of Hidden Cells, por otro lado, es un juguete interactivo que se presentó como parte de la exposición “ON! Handcrafted Digital Playgrounds” en el Contemporary Arts Center de Cincinnati y es, a su vez, un juguete, un instrumento musical y una forma de entender y replicar la naturaleza.

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El arte

análogo desechable de The New Yorker por: Andrea Villanueva / Yair Orozco

La revista neoyorquina por excelencia tiene casi 100 años de existir y reflejar el mundo cambiante en el que vivimos. El más claro reflejo de nuestros tiempos se encuentra presente en sus portadas que son siempre ilustradas y por lo general polémicas.

Una historia digna de conocerse.

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The New Yorker es una revista que se publica semanalmente en los Estados Unidos y ofrece a sus (sumamente fieles, pero cada vez menos) lectores una interesante mezcla de artículos de investigación y opiniones sobre todo tipo de temas que van desde política y asuntos globales hasta cultura pop, tecnología y arte. Lo que la hace diferente, y que quizá sea gran parte de su éxito, es que incluye humor, obras de ficción, poesía y cartones.

Ahora con 90 años de existencia (fue fundada en 1925), la publicación suele tener textos de los mejores escritores de su tiempo, lo que le ha hecho ganar más National Magazine Awards (Premio Nacional de Revistas de Estados Unidos) que cualquier otra revista y 33 desde que David Remnick tomó la dirección editorial en 1998. Hoy, una de las publicaciones más clásicas, que conserva el estilo con el que inició, también se mantiene un paso adelante con un excelente uso de redes sociales y su portal en línea, así como sus aplicaciones móviles.

Pero es precisamente su esencia clásica lo que la ha hecho permanecer entre las favoritas de quienes admiran portadas de revistas de todo el mundo.

Desde sus inicios, The New Yorker lleva siempre en sus portadas una ilustración. Ésta, sin embargo, no es cualquier ilustración. Se trata de una imagen relacionada con eventos actuales —como la portada del 19 de enero del 2015, creada por Ana Juan, que hace alusión al reciente atentado contra caricaturistas del semanario francés Charlie Hebdo— que usualmente toca temas delicados pero los presenta como crítica y no solamente una simple noticia.

Esto se ha mantenido así en gran parte gracias al trabajo de Françoise Mouly —esposa del conocidísimo cartonista Art Spiegelman— quien es editora de arte desde 1993. Su relación con los artistas que crean las portadas está muy lejos de ser una relación normal, a tal grado que una vez le dijo a uno de ellos “piensa en mí como tu sacerdote”.

Entre estos artistas se encuentran actualmente Barry Blitt, Christoph Niemann, Ana Juan, R. Crumb, quienes han recibido la instrucción de no guardarse nada al bocetar una portada. Eso significa que

una broma sobre el holocausto puede llegar a su escritorio. Aunque es muy probable que no se publique tal cual.

Lo que sucede en estas ocasiones es que la idea inicial suele ser “demasiado provocativa, o demasiado sexista o demasiado racista”, dice Mouly, pero tras esa locura inicial se inspira una línea o idea que se irá desarrollando hasta convertirse en algo con la misma esencia que es mucho más publicable. En 2012 incluso se publicó un libro de nombre Blown Covers: New Yorker Covers You Were Never Meant to See con todas esas incómodas imágenes que no llegaron a la portada. Algo que tenía que suceder, ya que en 20 años como editora de arte, Mouly ha sido responsable de más de mil portadas.

Pero en realidad, de lo que hablamos aquí es de todas aquellas que sí llegaron a verse en puestos de revistas y que se han convertido en íconos de la actualidad. Para muchos una revista es algo efímero, para otros un objeto de colección, para nosotros una edición de The New Yorker es ambos. Es entonces cuando la portada ilustrada de una revista semanal se convierte en una obra de arte, tan efímera como un performance, pero a final de cuentas todo lo que implica su creación hace que realmente sea una obra de arte. ¿Y qué es lo que busca Françoise Mouly en una portada? El primer criterio, aunque no lo crea, tiene que ver con logística: al ser una revista semanal, la ilustración debe llegar a tiempo y ser pertinente con los temas actuales (en ese sentido, The New Yorker es casi como el internet). En segundo lugar está el buen gusto, ya que por más artística que sea la portada, ésta debe ser aprobada por el director editorial, David Remnick, quien sabe perfectamente la reacción que pueden causar estas portadas. Fuera de eso, nada está prohibido y Mouly motiva a los artistas a no guardarse nada.

A continuación presentamos una (muy breve) selección de artistas y sus obras que, aunque efímeras, a través de los años han dejado huella en los fanáticos de la revista tanto por su temática como por la perfección en los trazos.

Cómo publicar una caricatura en The New Yorker Sería fácil pensar que es demasiado complicado lograr un lugar en la importante publicación, pero no es así si se siguen estos sencillos pasos.

• La caricatura debe ser en blanco y negro, en dos dimensiones y con una frase.

• Hacer una copia de la caricatura. Los editores pensarán que es una copia por lo que pueden rayar o maltratar el papel.

• Enviar entre cinco y diez caricaturas acompañadas de una carta de intención. Puede ser por correo electrónico o tradicional.

• Tras la espera pueden pasar tres cosas: a) que nunca vuelva a saber de la revista, b) recibir una respuesta negativa, c) la más emocionante, que reciba en dos semanas la noticia de que su caricatura fue aceptada.

• Inténtelo de nuevo.

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CENTRALES

Saul Steinberg Rumania, 1914 Hizo su debut en The New Yorker en 1941 y tuvo 90 portadas en 50 años de trabajo con la revista.

Steinberg (Râmnicul Sarat, Romania, 1914 – Nueva York, 1999) estudió filosofía y letras en la Universidad de Bucarest antes de irse a Milán a estudiar arquitectura. Aunque en 1940 se tituló, las leyes italianas antisemitas le prohibieron practicar su profesión y decidió huir a Estados Unidos, llegando a Nueva York tras un año en Santo Domingo. Fue soldado americano en la Segunda Guerra Mundial y tras la guerra se estableció en Nueva York.

Sus viajes por (literalmente) todo el mundo le dieron una amplia visión de la vida en el siglo xx, misma que se vio reflejada en sus casi 90 portadas y mil 200 dibujos para The New Yorker. Su trabajo llegó a ser expuesto en el MoMA como parte de la exhibición “Fourteen Americans” e incluso se dedicó a la escultura. El 15 de septiembre del 2014 la revista le rindió un homenaje al publicar una portada cuando hubiera sido su cumpleaños número 100: una sátira de Mickey Mouse, un ratón un tanto macabro y calaverico. Para ser un hombre que vivió persecuciones y vio la guerra de tan cerca, que no haya perdido su sentido del humor es casi un milagro.

Nadie más que Steinberg podía haber parodiado algunos de los símbolos más representativos de Estados Unidos.

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“De los más de mil dibujos que Steinberg publicó en The New Yorker a lo largo de su vida, menos de diez contenían un pie y prácticamente todos estaban alejados del molde clásico. En lugar de atenerse a eso, desarrolló su propio vocabulario gráfico.

Los dibujos de Steinberg siempre daban a uno algo en qué pensar”, Bob Mankoff, editor de cartones

En 1976 fue publicada “View of the World from Ninth Avenue” como portada, una de las más representativas de Steinberg, en la que se mostraba (y quizá sea aún pertinente) la forma en que los neoyorquinos ven el mundo. Tuvo tal relevancia que ha sido parodiada y es de las más vendidas entre los fans.

Doce días después de la muerte del “hombre más original de su tiempo”, este boceto fue la portada de la revista.

Esta portada celebra el que hubiera sido el cumpleaños 100 de Steinberg. Un homenaje póstumo al pionero.

EL ARTE ANÁLOGO DESECHABLE DE THE NEW YORKER

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Bruce McCall Canadá, 1935 Dejó su natal Canadá para perseguir su sueño de dibujar.

Hasta ahora tiene más de 65 portadas.

“New Money”, 2013.

El triste anonimato del Óscar.

A McCall le gusta representar a Manhattan en todas sus épocas.

Bruce McCall (Simcoe, Ontario, 1935) comenzó a colaborar con The New Yorker en 1980 como escritor y artista por igual. Su fascinación por los cómics lo llevó a buscar una carrera relacionada con dibujos e historias, lo que lo llevó a Nueva York a los 27 años a buscar fortuna fuera de su tediosa patria. Tiene más de 65 portadas y más de 80 piezas en la sección “Shouts & Murmurs”. Su más reciente libro This Land Was Made For You and Me (But Mostly Me) fue escrito en colaboración con David Letterman, pero tiene otros varios. Sus portadas para The New Yorker suelen contener vehículos de todo tipo, desde bicicletas y taxis hasta barcos de vapor y dirigibles. Vive cerca de Central Park y no piensa regresar nunca a Canadá.

Mark Ulriksen EE.UU., 1957 Le gusta dibujar animales y deportistas, principalmente perros y estrellas del beisbol.

Mark Ulriksen (Estados Unidos, 1957) es un artista que desde 1994 ha creado 45 portadas para The New Yorker. Sus pinturas de acrílico suelen tener uno de tres temas: política, perros o deportes. Como es aficionado al beisbol fue el elegido para crear la portada relativa al retiro de Derek Jeter de los Yankees. Suele pintar sujetos con características muy exageradas, por ejemplo cabezas enormes y manos y pies muy pequeños. Su trabajo se encuentra entre las colecciones permanentes del Smithsonian Institution y la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, además la Sociedad de Ilustradores le ha entregado varios premios.

Ulriksen reparte su tiempo entre obras para galerías, libros para niños y retratos comisionados. Vive en San Francisco.

El adiós de Derek Jeter.

Todo es diversión en el Congreso.

En 2007 le dedicó una portada al final de la serie “The Sopranos”.

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CENTRALES

Barry Blitt Canadá, 1958 Con más de 80 portadas, es uno de los dibujantes más controversiales al satirizar presidentes y líderes religiosos.

Barry Blitt (Côte Saint-Luc, Quebec, 1958) es ilustrador y cartonero, graduado del Ontario College of Art and Design. El canadiense, que actualmente vive en Connecticut, comenzó a trabajar para The New Yorker en 1992 y desde entonces lleva más de 80 portadas publicadas, así como alrededor de 250 ilustraciones. En julio de 2008 la revista publicó una de sus portadas más controversiales en la que Michelle y Barack Obama están vestidos como musulmanes en la oficina Oval de la Casa Blanca. En 2006 su ilustración ganó el premio a la Portada del Año al retratar al entonces presidente George W. Bush en la oficina Oval inundada tras Katrina. Vanity Fair, Time y Rolling Stone también han publicado su trabajo como ilustrador y tiene libros para niños entre los que destacan George Washington’s Birthday: A Mostly True Tale y Once Upon a Time, the End (Asleep in 60 Seconds).

En 1994 Blitt ilustró un sello postal para los correos de su país natal, diseñó una secuencia animada para Saturday Night Live en 1996 y también toca el piano.

Blitt asegura no saber mucho sobre la NFL, pero eso no le ha impedido dibujar varias portada sobre el tema.

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Sobre la portada de los Obama como terroristas “[lo fantástico aquí es que] lo único que hizo el artista fue visualizar lo que la gente insinuaba y mostrarlo gráficamente para demostrar lo ridículo que era”, Françoise Mouly, editora de arte de The New Yorker

La intención del artista con esta portada era mostrar lo ridículas que eran las acusaciones de que los Obama eran antipatriotas y hasta terroristas previo a las elecciones del 2008... que como sabemos, Obama ganó.

Esta imagen del presidente iraní Ahmadinejad se publicó al éste asegurar que “no había homosexuales en Irán”.

Para Blitt, dibujar a personajes de la política como niños malcriados fue un enorme disfrute.

EL ARTE ANÁLOGO DESECHABLE DE THE NEW YORKER

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Adrian Tomine EE.UU., 1974 Se mudó de California a Nueva York y es un gran representante de la ciudad. El metro le parece fascinante.

Reflexiones de un alcalde.

Después del Huracán Katrina.

Sobre tener un hijo y dejar Nueva York como tantos hacen (no así Tomine).

Adrian Tomine (Sacramento, California, 1974) es muy conocido por su serie de cómics Optic Nerve, la cual comenzó a dibujar desde que tenía quince años y publicaba él mismo.

En 1994, Drawn & Quarterly le ofreció publicarla comercialmente y fue entones que se convirtió en comiquero profesional. Estudió en la Universidad de California en Berkeley y aunque en un principio había elegido Arte, decidió cambiarse a Literatura Inglesa para poder mantener su vida académica separada de la profesional. Comenzó a trabajar para The New Yorker en 1999 y desde entonces tiene 13 portadas. En 2012 publicó su libro New York Drawings, un homenaje a la ciudad que llama hogar —aunque en realidad vive en Brooklyn— a través de todas sus portadas, cómics e ilustraciones que han aparecido en The New Yorker y otras extrañas ilustraciones, notas y trabajos ocultos.

Daniel Clowes EE.UU., 1961 El comiquero a veces crea sus propias portadas para libros cuando no le gustan las que traen.

Daniel Clowes (Chicago, Illinois, 1961) es conocido por su trabajo en cómics, principalmente Ghost World, además de haber sido reconocido por el video animado de la banda The Ramones “I Don’t Wanna Grow Up”. En 1985 su trabajo fue publicado por primera vez en la revista Cracked y posteriormente en revistas como Time, Newsweek y GQ. Además de sus muchas portadas para The New Yorker, usualmente con alguna imagen relacioanda con la ciencia ficción, y sus propios libros, Clowes ha escrito guiones para cine que lo han llevado a una nominación para los Premios de la Academia —por Ghost World, aunque Art School Confidential fue también bien recibida—y a figurar en un capítulo de Los Simpson.

Dos portadas se publicaron juntas.

Antes y después.

“Black Friday” toca el tema de cuando una librería deja de ser tal

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CENTRALES

Chris Ware EE.UU., 1967 Ser descubierto por Art Spiegelman a temprana edad le dio un lugar casi permanente en The New Yorker.

Chris Ware (Omaha, Nebraska, 1967) tiene más de quince portadas con The New Yorker desde que comenzó su trabajo con la revista en 1999. Franklin Christenson Ware es su verdadero nombre y estudió en la Universidad de Texas en Austin, donde a finales de los ochenta publicó sus primeras tiras cómicas en el periódico estudiantil The Daily Texan. Cuando aún era estudiante, el mismo Art Spiegelman descubrió su trabajo y lo invitó a colaborar en la revista RAW que estaba editando en ese entonces con su esposa Françoise Mouly (editora de arte de The New Yorker) y así nació su relación con el semanario. Ware toca el banjo y el piano, además de ser admirador y coleccionista de todo lo relacionado con el tipo de música conocido como ragtime. También ha diseñado portadas para libros, participó con una ilustración para la portada creada por Chip Kidd de la traducción al inglés de Crónica del pájaro que da cuerda al mundo del japonés Haruki Murakami. También es escritor y en 2001 recibió por su libro Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth el premio Guardian First Book. Su personaje el Ratón Quimby es uno de sus más conocidos y quizá el que más lo representa de manera autobiográfica.

Un experimento del aniversario de 2010 en que cuatro artistas crearon portadas que al unirse eran una sola.

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“Ware tiene el poder absoluto de un lenguaje visual creado específicamente para la forma en que la mente humana procesa imágenes en una secuencia para que sean entendidas como una narrativa”, Curadores de la muestra de Ware en el Art Institute de Chicago

“Discovering America” es un tema mucho más amplio que la vida en Nueva York, habla de los momentos de crisis por los que ha pasado Estados Unidos (más recientemente en 2009) y la forma en que las nuevas generaciones están aprendiendo a vivir entre deudas.

El 2014 fue el año en que oficialmente fue más importante capturar un momento que vivirlo.

En “Protocol”, Ware introduce a un personaje de su historieta Building Stories, la mujer con la niña en rosa.

EL ARTE ANÁLOGO DESECHABLE DE THE NEW YORKER

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Ivan Brunetti Italia, 1967 Su amor por Peanuts y el Hombre Araña lo llevó a buscar una carrera dibujando tiras cómicas.

Del experimento con Chris Ware.

El número de comida del 2013.

“High and Low” muestra la diferencia entre personas que parecerían similares.

Ivan Brunetti (Mondavio, Italia, 1967) ha dicho que su más grande influencia a la hora de convertirse en artista fue Peanuts de Charles M. Schulz. A pesar de que las imágenes del estadounidense nacido en Italia a primera vista parecen ser “bonitas” y alegres, los temas que suele tocar son bastante controversiales. Su trabajo más conocido es Schizo, una serie de cómics que podría ser considerada autobiográfica y que le dio el premio Ignatz al cómic más sobresaliente del año en 2006. Desde el 2007 ha colaborado con unas diez portadas para The New Yorker. Brunetti es también maestro en el Columbia College de Chicago donde da clases de cómics, diseño y dibujo. Su libro más reciente es Aesthetics: A Memoir, una autobiografía que recorre —en imágenes y algunas palabras— tanto su carrera profesional como algunos aspectos de su vida personal.

Ana Juan España, 1961 Es una de las pocas mujeres que ha colaborado frecuentemente con The New Yorker desde los noventa.

La española creó esta reciente portada en honor a los cartonistas asesinados.

Ana Juan (Valencia, España, 1961) es la única mujer en esta lista, una ilustradora que ha contribuido con más de 20 portadas a The New Yorker desde 1995. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y comenzó a colaborar con revistas españolas a principios de los años ochenta.

Una de sus portadas más importantes para The New Yorker es en la que presenta al personaje del logo de la revista como una mujer.

Gracias a su trabajo en Nueva York obtuvo dos años consecutivos (1998 y 1999) la Medalla de Oro en la categoría de ilustración de la Society of Newspaper Design. The Night Eater el primer libro que escribió e ilustró, obtuvo en 2004 el premio Ezra Jack Keats para un Ilustrador Nuevo.

The New Yorker digital El artista alemán Christoph Niemann creó esta portada en la que las gotas caen como en el vidrio de un auto.

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Arte y concepto: ideas en torno a la historia reciente del arte 10 0 | la revista

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pág.

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Por: Pablo Martínez Zárate

La historia del arte es una maraña de laberintos sinuosos, entrecruzados unos con otros, donde no sólo la sensibilidad y el genio, sino también la política, la economía y demás fuerzas ajenas al creador y su obra operan para determinar el devenir de la creación artística. El siglo XX fue particularmente determinante en el curso del arte y la construcción de públicos. Durante este siglo se cristalizaron transformaciones a nivel global que venían fraguándose desde mucho antes, transformaciones que incidieron directamente en los conceptos detrás del impulso creador de artistas en todas partes del globo. ¿Cuáles fueron algunas de estas transformaciones? ¿Cuál es el estado del arte en las primeras dos décadas del siglo XXI? ¿Cuáles son los conceptos que definen a las prácticas artísticas en la actualidad?

El fin del siglo XIX fue testigo de una ruptura en los regímenes de la representación sobre los cuales se erguían los antiguos círculos artísticos.

Lo anterior tiene que ver con muchos factores, de los cuales resalto la evolución tecnológica, el contexto político y el sistema económico que comenzaba a configurarse para finales de siglo.

El Renacimiento y posteriormente la Ilustración configuraron un escenario artístico sin precedentes. En primera instancia, y en parte bajo inspiración clásica, surgió un nuevo concepto de individuo, confiriendo a las personas una autonomía y libertad de pensamiento desconocidas hasta ese momento.

Al mismo tiempo, el mundo occidental vio nacer un espíritu humanista que, incluso hasta nuestros días, sostiene las prácticas culturales. Esta renovación del ser humano vino de la mano de un nuevo orden económico, el cual suponía un giro en las instituciones, por una parte, y la consolidación de los poderes privados que serían protagonistas en la evolución de lo que podríamos llamar una economía del arte —red de actores e intereses que dirigen el curso de la creación artística, así como los espacios de exhibición, intereses involucrados y prácticas de consumo. Por el lado político, la Revolución Copernicana desafió los delirios antropocéntricos y sembró los fundamentos de un nuevo orden mundial. Porque justamente, con la instalación de las colonias en América y las rutas comerciales que por primera vez tejían relaciones de intercambio a nivel global, entre el siglo XIV y finales del siglo XVIII, con

el desplante de la Revolución Industrial, por primera vez en la historia se podía hablar de una Tierra conciente de los fenómenos en “todos” los rincones del globo.

Así llegamos al siglo XIX, siglo en que las transformaciones que sacudieron al mundo en los 400 años anteriores, adquirieron una nueva dimensión con la creación de indus-

1450

siones de Daguerre llegaron a sacudir la sensibilidad artística. El daguerrotipo y posteriormente la fotografía, desmantelaban los esfuerzos que hasta el momento la pintura, principalmente, articulaba hacia la recreación —e invención— de la realidad. Con la creación de una técnica, entonces, los pintores enfrentaron la necesidad de replantear

1490

1492 Cristóbal Colón llega a América

Leonardo da Vinci dibuja al famoso Hombre de Vitruvio

Gutenberg crea la primera imprenta en Occidente

trias y la subsecuente propagación de productos e ideas a nivel mundial. Ya la imprenta y el grabado habían configurado los cimientos de la cultura de masas, pero los desafíos de esta nueva era incidían sobre raíces más profundas, cuestionando las nociones mismas de realidad. Específicamente en términos de la representación, las incur-

los conceptos de su arte. La realidad de la pintura debía cambiar, porque la realidad misma era un torbellino de cambios hacia la sociedad mecánica.

Filósofos, poetas y pensadores entraron en un dilema ético y estético sobre las funciones del arte en dicho mundo cambiante.

Samuel Butler escribía ensayos y novelas 101

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CENTRALES

sobre viajes a “no lugares” y la toma de conciencia de las máquinas. Baudelaire arremetía contra la fotografía por automatizar la mirada. Mientras tanto, un grupo de pintores franceses trazaban un nuevo mundo alejándose del naturalismo y la pintura simbolista tan popular en aquellos tiempos. El

locomotora en el dominio de la representación, epítome del progreso y la era industrial, y que supondría el punto más álgido de la necesidad de una renovación de las artes en los albores del siglo XX: el cinematógrafo, que echaba a andar los sueños de luz en sus primeras pinturas vivientes (tableaux vivants).

La Revolución Copernicana desafió los delirios antropocéntricos y sembró los fundamentos de un nuevo orden mundial.

1512 Miguel Ángel termina los frescos de la Capilla Sixtina

valor del impresionismo y los movimientos hermanos consistió en la propuesta de una nueva perspectiva sobre la realidad, o en términos más arriesgados, el diseño de un mundo nuevo en el fin de siecle francés.

La última década vio nacer una de las promesas del pensamiento mecánico, un invento que sintetizó el espíritu veloz de la 102 | la revista

1751

1543

Comienza a editarse la primera Enciclopedia

Copérnico declara que la Tierra no es el centro del Universo

ARTE Y PENSAMIENTO DESDE LOS ALBORES DEL SIGLO XX (Y MÁS ALLÁ)

¿Qué suponía la hipotética conciencia mecánica de la que hablaba Butler? Por otro lado, ¿cómo nos cimbraba la sensibilidad “autómata” que impulsaba las nuevas corrientes artísticas como el futurismo y las vanguardias? Dejemos de lado a los france-

ses y vayamos a las notas de un entonces estudiante que un par de décadas después escribiría la novela que inauguró una nueva era literaria: “El arte es la manipulación de la materia sensible o inteligible con fines estéticos.”

Estas palabras, escritas por James Joyce en su libreta en 1904, podrían engañar con ser una obviedad. No obstante, unas cuantas décadas después de que el escritor irlandés reflexionara sobre el arte, hablar de arte se convertiría en una polémica hoy todavía no resuelta, gracias al trabajo de Marcel Duchamp, entre otros.

El Ulysses de Joyce es pilar en la formulación de los conceptos fundacionales de nuestra era. Primero, la referencia a la herencia

1789

Principios de la Revolución Francesa

clásica. La persistencia de temas e inspiraciones (amor, guerra, política, historia, sociedad), contrapuesta a la renovación de valores: Joyce tiene una Penélope, como Homero, pero la versión del siglo XX es infiel. El Ulysses fue publicado en París en 1922, era de los sueños surrealistas (desde el dadaísmo de Tristán Tzara), el nacimiento de las fábricas

ARTE Y CONCEPTO

de imágenes norteamericanas (la fundación de los estudios cinematográficos seguidos de los europeos), las máquinas revolucionarias italianas (con exponentes como Luigi Russolo y su Arte del ruido), los engranajes rusos (con el frente revolucionario y la factografía que conjugaba una transdisciplina que ya quisiéramos hoy en día), las vanguardias latinoamericanas y otras tantas convulsiones protagonizadas por las corrientes artísticas del momento, que de una u otra manera tomaban postura frente al mundo cambiante.

Las exploraciones mencionadas configuraban pues una axiomática que, al permear las manifestaciones populares para mediados del siglo XX, sentaron las bases del surgimiento de nuevos conceptos, no solamente técni-

La realidad de la pintura debía cambiar, porque la realidad misma era un torbellino de cambios hacia la sociedad mecánica. talecer sus regímenes. Se consolidaron los grandes museos nacionales que desde un siglo antes comenzaban a brotar en las grandes capitales culturales del mundo, y desde principios del siglo XX surgieron sus correspondientes espacios independientes.

De los nacionalismos y las complicidades se pasó a la resistencia como modus operandi.

1793 El Museo de Louvre abre sus puertas

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práctica se diversificaron, así como sus espacios de consumo. El “golden boy” del pop art lo encarnaría mejor que nadie: el artista irreverente era una celebridad, un modelo a seguir. El rock como epicentro de estas transformaciones y el arte conceptual como reflejo incombatible de una crisis de la representación. Y ya la Penélope traicionera de

1888

1839

George Eastman produce la primera cámara Kodak

Presentación pública del Daguerrotipo

cas, de arte. El arte comenzaba a convertirse en un pilar de la cultura de masas, lo que no debe extrañarnos si tomamos en cuenta el papel que los artistas han tenido desde los sistemas políticos de la Grecia antigua. No sólo Estados Unidos e Inglaterra, sino que Italia, Rusia, Alemania o México recurrían a los estrategas de la representación para for-

Los movimientos contraculturales de la segunda mitad del siglo XX sitúan a los artistas en el seno de la disidencia. A su vez, la cultura de masas absorbe la disidencia y la convierte en moda juvenil. Las nuevas manifestaciones llevaron un paso más lejos la popularización del arte: del happening al performance al video arte, los horizontes de la

1895

Los hermanos Lumière presentan el cinematógrafo

Joyce anunciaba estas vueltas de tuerca. De manera paralela a este estrellato de masas centrado en los países occidentales, se incorporaban las manifestaciones de los países periféricos a los centros hegemónicos.

El siglo XX, entonces, fue un siglo de reconfiguraciones para el papel del arte en las sociedades humanas. Nunca antes habían 103

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CENTRALES

surgido tantas innovaciones tecnológicas que fueran dando salida a la expresión humana.

Naturalmente, los conceptos sobre lo que es el arte, las ideas detrás de los creadores y las necesidades de los artistas, así como los círculos de exhibición y consumo, sufrieron sus correspondientes transmutaciones.

mental de la modernidad sobre la cual no hay mucho espacio para hablar en esta breve reflexión historiográfica), tampoco para los agentes institucionales o independientes (ministerios y galerías) detrás de los círculos

CRISIS DEL PENSAMIENTO EN EL SIGLO XXI: HACIA UN CONCEPTO DE ARTE POSIBLE

Las nuevas manifestaciones llevaron un paso más lejos la popularización del arte, los horizontes de la práctica se diversificaron, así como sus espacios de consumo.

Quizás más que cualquier otra cosa, el siglo XX fue un siglo de crisis: económicas, políticas, sociales y culturales. La última década del siglo XX terminaría por sentar las bases de la nueva era. ¿Cuál es el arte de esta nueva era? No hablo aquí del impulso definitivo de las artes electrónicas o de la realidad vir-

1913

Luigi Russolo hace público su manifiesto El arte de los ruidos

tual —la popularidad de la plástica hiperrealista debería de bastar para contener afirmaciones entusiastas sobre el reemplazo de técnicas tradicionales.

Lo que está en juego aquí, como lo estuvo en el siglo XIX, es la realidad misma.

La realidad del arte no solamente para el artista o su amigo el crítico (figura funda104 | la revista

presa constante del arte electrónico, digital e interactivo.

El público actual, como la población en general, cursa por una crisis del pensamiento. Una crisis que es producto de todas las

1914 Se detona la Primera Guerra Mundial

1918

1917

Tristan Tzara publica el Primer Manifiesto Dadá

Marcel Duchamp expone La Fuente (El Urinario)

del arte; sino además y sobre todo, del público y los patrones de consumo del arte.

En México y el mundo el arte contemporáneo divide a la audiencia. Por un lado, el arte indescifrable que parece depender de su naturaleza críptica para conservar su legitimidad. Por otro, además de la reivindicación de la plástica en general, la sor-

crisis precedentes y nuestra costumbre de vivir en un mundo convulso e hipermediatizado. Cuando digo crisis de pensamiento, no solamente me refiero al plano de las ideas.

La sensibilidad juega un papel fundamental en la formación del pensamiento. Y, a su vez, esta síntesis intuitiva entre sensibilidad e inteligencia incide en los conceptos sobre la

ARTE Y CONCEPTO

La crisis del pensamiento está marcada por retos estéticos: hay que atrapar la atención de las mentes fugitivas y reinsertar la contemplación en los espacios del arte. estética misma. Retomemos, para perfilar el cierre, la cita de Joyce: manipulación de la materia con fines estéticos. ¿Qué es la estética? No como campo de estudio, sino como facultad humana, la estética apela al gusto, a los cánones de lo bello o lo placentero.

1922 Primera publicación de Ulysses, de James Joyce

La crisis del pensamiento está marcada por retos estéticos: hay que atrapar la atención de las mentes fugitivas, constantemente distraídas por los estímulos mediáticos, y reinsertar la contemplación en los espacios del arte. Incluso en los entornos interactivos.

Promover la interacción sensible como oposición a la cultura de la selfie.

Ultimadamente, la crisis del pensamiento es una crisis de lenguaje. El arte, como la apropiación más elevada de la capacidad lingüística y simbólica del ser humano, debe retomar su autoridad desde el lenguaje.

Primero que nada: es posible hablar de arte,

1958 Wolf Vostell incluye una TV en su instalación Black Room Cycle

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explicación (ninguna obra de arte debería de requerir de explicación para comunicar su esencia, digan lo que digan los críticos y curadores; la obra debe sostenerse por sí misma). En este segundo punto radica el potencial transformador del arte, en su capacidad de transmitir valores y, consecuentemente, ser constructor de mundos.

Tercero y último: el arte, incluso en sus manifestaciones tecnológicas más sofisticadas, debe servir de puente o retorno hacia la naturaleza. La naturaleza —el mundo que vio nacer la vida humana— que no es sino la esencia misma de la vida, de la muerte, todo lo que tiene el ser humano.

El arte, por tanto, debe hacernos sentir humanos. Debe poder ayudarnos a conec-

1962

1965 Primera exposición de gráficos creados por computadora

Andy Warhol produce la serie Latas de Sopa Campbell’s

identificarlo sin titubeos. El arte es técnica y pensamiento al servicio de ideas que buscan comunicarse. Segundo: el concepto y las formas artísticas siempre han ido de la mano al concebir y efectuar obras, y el arte es una práctica comunicativa, por lo que la síntesis de concepto y forma en un producto artístico debe ser independiente de la

tar con nuestros deseos y nuestros miedos más profundos.

Por ello, tal vez, Gerhard Richter afirmó en una de sus bitácoras que “el arte es la forma más elevada de la esperanza”. Y en un mundo en desmoronamiento como es el nuestro, al borde del colapso, vaya si necesitamos de la esperanza.

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FINALES

el Destino por: Thais Herrera fotos: Ariel Carlomagno

pág. 106 Lo llevamos en un viaje hasta la Patagonia y de regreso a México con una sucursal de Japón en la ciudad.

Senderos cordilleranos: el Camino de los Siete Lagos

En la Patagonia argentina, reclinada sobre la Cordillera de los Andes, se extiende una de las rutas naturales más hermosas del mundo. A lo largo de 184 kilómetros, un camino angosto une lagos, pueblos de montaña, bosques y cerros con picos siempre blancos.

10 6 | la revista

SENDEROS CORDILLERANOS: EL CAMINO DE LOS SIETE LAGOS

En verano, este increíble recorrido que se extiende desde las ciudades de San

Martín de los Andes, en la provincia de Neuquén, hasta Bariloche, en la provincia de Río Negro, es una explosión de colores ansiosos por brillar antes de que otra vez el invierno, con su nieve perfecta, convierta a toda la zona en blancos inmaculados. Es uno de esos paseos que recuerdan al visitante que la naturaleza es generosa, que regala caminos angostos de curvas y contracurvas, laberintos poblados con miles de árboles milenarios, montañas de cumbres blancas y volcanes que dicen presente con fumarolas espesas.

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Comenzando la ruta desde el norte, el primer lago es el Lácar, un profundo espejo de aguas de deshielo de 26 kilómetros de largo.

Las vistas desde sus miradores deleitan con cerros alfombrados por bosques de pehuénes, robles-pellín y raulíes (árboles protegidos que sólo crecen en esa zona del país). También se observa a la ciudad de San Martín de los Andes, con sus casas de madera y sus calles adornadas con rosales de varios colores. Es un destino conocido por ser en invierno un gran centro de esquí y en verano un buen lugar para la pesca deportiva. Saliendo de San Martín (como lo llaman los lugareños), después de

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recorrer 30 kilómetros por la ruta nacional 234 se llega al lago Machónico. Los pobladores originarios de la zona, los mapuches, lo nombraron así en referencia a un cangrejo de agua dulce que solía habitarlo. Las tierras que rodean al lago son notoriamente más áridas que las anteriores, allí la vegetación no es tan frondosa: hay algunos pinos, arbustos bajos y estepas. Escasos cinco kilómetros hay que recorrer para arribar al siguiente lago, el Hermoso. Como su nombre lo anuncia, es el más bello del camino. Desde la ruta principal, es necesario desviarse dos kilómetros por un camino de terracería para enfrentarse a este rincón hipnótico. Entre montañas que lo resguardan de los vientos patagónicos se encuentra este manchón de agua fuera de serie, en donde se puede pescar, practicar canotaje o simplemente refrescarse.

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SENDEROS CORDILLERANOS: EL CAMINO DE LOS SIETE LAGOS

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LA RUTA DE LOS SIETE LAGOS ESTÁ LLENA DE RINCONES ESCÓNDIDOS QUE PARECEN NO HABER SIDO TOCADOS POR EL HOMBRE.

Hoteles Un buen viaje no puede serlo cuando no se tiene el lugar ideal para hospedarse. Le recomendamos estos hoteles para descansar, tomar una buena copa de vino y relajarse entre cada una de sus visitas a los lagos.

LAS BALSAS RELAIS & CHATEAUX Calle Las Balsas S/N, Villa La Angostura, Argentina T. 54 (294) 449 4308 lasbalsas.com

LLAO LLAO Ezequiel Bustillo km 25, Bariloche, Argentina T. 001 (877) 860 2742 llaollao.com

LOISUITES CHAPELCO GOLF RTESORT SPA Ruta Nacional 234 km 57.5, San Martin de los Andes, Neuquen, Argentina T. 001 (877) 860 2742 loisuites.com.ar

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El camino sigue, quedan atrás los territorios del Parque Nacional Lanín y surgen las tierras del Parque Nacional Nahuel Huapi. Es el momento del visitar dos lagos “hermanos” el Villarino y el Falkner. Entre ellos corre el río Villarino, elegido por los apasionados de la pesca para “seducir” a alguna que otra trucha con sus exquisitas moscas. Por su parte, el Falkner es la referencia para el avistamiento de cóndores porque hacia el sur se levanta el cerro Buque conocido como el nido de estas aves, las más grandes de las aves alpinas.

Cinco kilómetros más adelante se oculta el lago Escondido, cuyos colores verdes lo diferencian del resto que abarcan una amplia gama de azules. De nuevo en ca-

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mino, vale la pena hacer una parada en la ciudad de Villa la Angostura que, si bien en los últimos años ha crecido de forma sustancial, mantiene el aire de pueblo de montaña con sus pintorescas casas de madera. Desde allí, la ruta sigue hasta los dos últimos lagos, el Espejo y el Correntoso, de color azul profundo.

Y para poner un broche de oro a este viaje teñido de verdes y azules naturales, se deben recorrer los 32 kilómetros que bordean el lago Nahuel Huapi y separan el centro de la ciudad de Bariloche con el magnífico hotel LLao LLao. Una vez allí, solicitar una mesa en el restaurante con vista al lago Moreno y degustar un fondue de chocolate.

ES UN ESPECTÁCULO VISITAR LOS LAGOS “HERMANOS” EL VILLARINO Y EL FALKNER, ENTRE LOS QUE CORRE EL RÍO VALLARINO. UN PARAÍSO PARA AQUELLOS QUE DISFRUTAN DE LA PESCA.

SENDEROS CORDILLERANOS: EL CAMINO DE LOS SIETE LAGOS

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Marmot Este viaje por paisajes inimaginables fue posible al apoyo que Marmot le brind贸 al fot贸grafo Ariel Carlomagno. Los productos de la marca Marmot son ideales para disfrutar de las actividades al aire libre que se pueden disfrutar en la ruta, ya que sus prendas poseen un equilibrio perfecto entre funcionalidad y dise帽o.

INFO

De venta en Liverpool Insurgentes marmot.com FB: MarmotM茅xico

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la Mesa

por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Ignacio Galar

Nobu

llega al corazón de Polanco Cuando se combinan la atención al detalle, obsesión por la calidad en el producto y recetas secretas que vienen acompañando al renombrado chef Nobu Matsuhisa en más de veinte restaurantes alrededor del mundo, el resultado es bastante predecible: perfección.

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NOBU LLEGA AL CORAZÓN DE POLANCO

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En una antigua casona de arquitectura colonial californiana ese estilo

EN 1994 EL CHEF NOBUYUKI MATSUHISA SE ASOCIÓ CON EL ACTOR ROBERT DE NIRO PARA ABRIR COMO SOCIOS UN RESTAURANTE EN NUEVA YORK, YA QUE EL ACTOR ERA UN FANÁTICO DEL LOCAL DE LOS ÁNGELES.

— tan usado en los años cincuenta y sesenta en la zona de Polanco en la Ciudad de México—, de grandes ventanales y detalles labrados en piedra en la fachada, acaba de abrir sus puertas uno de los restaurantes de mayor renombre y prestigio a nivel mundial: Nobu, que además cuenta con un socio de lujo, Robert de Niro.

El proyecto de remodelación de la casona corrió a cargo de los despachos Sordo Madaleno y Cuaik Arquitectos, respetando la arquitectura original al mismo tiempo que integra elementos de ambientación de aire contemporáneo, como maderas dramáticas —con todo y raíces—, grandes lámparas de estilo japonés contemporáneo, así como una iluminación dramática.

Con casi 30 restaurantes en 22 ciudades alrededor del mundo, sería fácil olvidar que Nobu no es simplemente el nombre de un restaurante, sino que obedece al apodo del über reconocido chef Nobuyuki Matsuhisa.

Nació y creció en Japón, trabajando posteriormente en ciudades como Tokio, Lima, Buenos Aires y Anchorage, antes de abrir su primer restaurante en la ciudad de Los Ángeles en 1987. Entrenado como chef de sushi, comenzó a mezclar sabores de América Latina para crear lo que él mismo denomina el “estilo Nobu”, una fusión de sabores que llevan indiscutiblemente su sello.

Bacalao con miso, sashimi de cola amarilla con jalapeño, son algunas de sus más aclamadas creaciones.

Desde el momento en que se entra a este nuevo Nobu —el primero en México abrió hace cinco años en Arcos Bosques—, se nota la calidad en cada rincón: pisos, paredes, la presencia del agua como elemento tranquilizante y sobre todo la dramática decoración que lo convierte en un espacio sui géneris. La calidad se saborea en el aire. “La estética japonesa se basa en la profunda e inimitable armonía con la naturaleza, esta evolución de los dioses y de los genios que forman la sustancia de las cosas, esta búsqueda de lo sagrado por el ritmo de las formas y de los colores. La experiencia vivificante del vacío interior”, afirma Matsuhisa.

En 1994 se asoció con el reconocido actor Robert de Niro para abrir su primer restaurante como socios en el centro de la ciudad de Nueva York. En poco tiempo se convirtió en un imperio culinario que hoy se extiende desde Moscú hasta Dubai, pasando por Budapest, París y por supuesto la

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Ciudad de México. Para Matsuhisa el lujo reside en los detalles: si hablamos de comida, el lujo está en la calidad del servicio, la frescura de los ingredientes y la calidad del espacio donde todo se lleva a cabo. Y Nobu Polanco es absolutamente coherente con estos valores.

“Nací en Japón, viví en Japón y estudié en Japón, sin embargo mis platillos no son típicamente japoneses. No me gusta decir que es nouvelle cuisine japonesa, prefiero decir que es Nobu-style”, afirma con un aire juguetón en la mirada. Cuenta que como buen japonés seguía las reglas culinarias del sushi a la perfección, pues la técnica de cortar el pescado es a cual más precisa, pero que fue durante su estancia en Perú que descubrió otras formas de cocinar el pescado, por ejemplo el cebiche. Fue a partir de entonces que se dio cuenta de que no había que apegarse demasiado a las reglas y decidió comenzar a experimentar.

Nobu compara la cocina con la labor de un artista, como un pintor o un músico, pues afirma que gran parte del éxito consiste en la inspiración, la creatividad espontánea que surge en la misma cocina, y que te permite experimentar. También hace una comparación con el mundo de la moda, pues observa cómo van cambiando las tendencias dentro del universo culinario internacional, por ejemplo, las porciones hoy en día son menores, la presentación de los platillos se ha sofisticado muchísimo, y hay muchos chef de enorme talento, que con un sello muy particular van influenciando a las nuevas generaciones de cocineros.

Pero las raíces japonesas están muy presentes en la forma de cocinar de Nobu, pues para él se trata de una auténtica ceremonia, “yo siempre pongo el corazón cuando preparo algo, y respeto lo que cocino, así como respeto a la persona que va a comer el platillo. Siempre hago lo mejor que puedo”.

Para Nobu la buena presentación de los platillos es una fuerte influencia que trae consigo de la cultura japonesa, pues el primer contacto con la comida siempre es la vista. Las emociones comienzan a la hora de la preparación, en la cocina, y el primer impacto es cuando el comensal conoce, a través de la vista y luego el olfato, lo que va a comer.

Tener un imperio gastronómico de tal importancia no es cosa sencilla de manejar, sin embargo Nobu mantiene una actitud tranquila y amable cuando se refiere a ellos, afirmando que son como una gran familia,

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NOBU POL ANCO Anatole France 74, Polanco México, D.F. T. (55) 5280 2945 noburestaurants.com Facebook: nobumex

NOBU LLEGA AL CORAZÓN DE POLANCO

y le es importante conocer personalmente y platicar lo más posible con cada uno de los gerentes, así como con los diversos chefs, y por supuesto, con los comensales. ¿Y qué come Nobu? “Básicamente como de todo, sin embargo como nací y crecí en Japón, la comida que me cae mejor es el arroz, sopa de miso, verduras al vapor, pescados asados, en fin, toda la comida típica japonesa... Pero constantemente estoy viajando y me encanta probar la comida local.” ¿Y la comida mexicana?

“No tengo aún suficientes experiencias,

pero en términos generales puedo decir que en un país con tanta historia, hay una cocina con historia. La cocina mexicana es muy rica y seguramente me va a inspirar profundamente.”

Nobu afirma que “lo más importante son los buenos ingredientes, pues si los comparamos con los seres humanos, cada quien tiene sus características propias. Mi deseo es sacarle lo mejor a cada ingrediente en cualquier situación”.

Debido a que el sabor del pescado — aunque sea de la misma especie— puede

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variar de ciudad a ciudad, Nobu le dedica mucho tiempo a encontrar los aderezos precisos que resalten el sabor natural de cada pescado o carne, pues le dedica especial atención a la materia prima, al producto. Hoy en día dice estar influenciado también por la comida italiana, pues las verduras a la parilla —al dente— van perfectamente bien con el “estilo Nobu”. ¿Lo más importante a la hora de preparar un platillo? “Que se cocine con el corazón… ¡y con mucha pasión!”

Una plática con Robert de Niro En su opinión que diferencia a Nobu de otros restaurantes japoneses?

Desde que fui la primera vez al Mitsuhisa de Los Ángeles supe que era especial. Nunca había experimentado tal calidad de ingredientes, preparados de una

forma tan única, donde cada sabor era único. ¡Fue increíble! Entonces decidí convencer al chef de abrir conmigo un lugar en Nueva York.

Y lo convenció…

Se hizo mucho del rogar, pero sí, ¡al final lo logré convencer! (risas)

¿Cree que el éxito de Nobu se deba a la fusión de la gastronomía japonesa con la occidental, así han logrado sus platillos estrella? ¿O hay algún secreto en Nobu para haber logrado tanto?

Eso lo debería de contestar Nobu, pero

creo que sí, definitivamente sí. La gente hoy puede encontrar restaurantes geniales de todo tipo, restaurantes muy buenos. Pero lo que hace Nobu es verdadera magia, no hay nada igual.

¿Hay alguna fórmula para crear restaurantes donde todo sea de la mejor calidad?

Pues esa es la fórmula, que todo sea de la máxima calidad, todo. ¿Usted cocina? ¡Nunca!

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el Motor

por: Santiago Oria Probert fotos: Cortesía Mercedes-Benz

Mercedes-AMG GT: Handcraft by Racers

No es común que el lanzamiento de un coche, después de meses generando expectativas, supere en su presentación todo lo que se pudo haber pensado e imaginado sobre él. Sin embargo el reemplazo del ya exitoso sls amg lo hace con soltura, velocidad y elegancia.

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EL MOTOR: MERCEDES-AMG GT

CON EL AMG GT, LA FIRMA ALEMANA UNA VEZ MÁS SE ACERCA A UN PÚBLICO FASCINADO CON EL MUNDO DE LA VELOCIDAD, EL LUJO Y EL LIDERAZGO TECNOLÓGICO, CUIDÁNDOSE DE NO DESCUIDAR LA COTIDIANEIDAD.

El nuevo Mercedes-AMG GT es apenas el segundo vehículo que desarrolla AMG

para la marca, convirtiéndose casi al instante en un producto artesanal, dotado de la ingeniería más refinada e impactando con un diseño que conjuga estética y tecnología en un perfecto equilibrio. El resultado: un auto deportivo que representa y transmite energía, precisión y potencia.

Con este nuevo modelo, que debe ser considerado un auténtico deportivo, la firma alemana una vez más se acerca a un público fascinado con el mundo de la velocidad, el lujo y el liderazgo tecnológico, pero cuidándose de no descuidar la cotidianeidad. Preocupándose por crear un auto idóneo para la vida en ciudades (o fuera de ellas).

Para los más entusiastas de los automóviles deportivos, aquellos que son más exigentes en los detalles y que buscan mejorar constantemente su experiencia en la conducción, las diferentes mejoras que presentan el AMG GT y el AMG GT S también se consolidan en la lucha

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de este auto por convertirse en referencia dentro de su categoría.

Estos diferenciales están concentrados en su evolución en el motor, línea exterior, detalles interiores y factores de seguridad. Veamos cada uno a detalle:

MOTOR

El Mercedes-AMG GT S cuenta con un motor AMG V8 biturbo de 4,0 litros, 510 hp y 650 Nm. En el tren de rodaje deportivo AMG Ride Control pueden ajustarse tres niveles: desde confortable hasta rígido y deportivo. Otros aspectos destacados incluyen el diferencial electrónico autoblocante AMG en el eje trasero con efecto de bloqueo variable y el programa de conducción adicional “RACE”, que adapta el dimensionamiento de los sistemas del vehículo a las pistas de competición.

Otra medida que ha permitido aumentar las cifras de potencia del nuevo V8 es la disposición de los 2 turbocompresores en el interior del bloque motor en V. Con ellos se

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optimiza la conducción de aire fresco y se crean condiciones ideales para la alimentación del turbocompresor de aire.

EXTERIOR

La figura de este auto, con su capó largo y tendido, crea un habitáculo ubicado bastante atrás y voladizos extremadamente cortos: las clásicas proporciones de los vehículos deportivos.

Sus líneas y superficies responden a un diseño purista. Detalles como el frente dinámico con capó prolongado, el

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faldón delantero deportivo con amplias aberturas de refrigeración, faros deportivos LED y la parrilla de efecto diamante con la estrella central, lo hacen sumamente atractivo, elementos que se destacan por el efecto trasero que le brinda una cajuela ligeramente descendente. El toque final que termina por impresionar.

INTERIOR

El Mercedes AMG GT transmite la sensación de estar conduciendo un deportivo

único. Los materiales, colores y formas que se conjugan en el automóvil son un reflejo de la deportividad pura acentuada por una muy exclusiva sensualidad.

El volante AMG Performance en napa, el cuadro de instrumentos AMG con fondo en efecto carbono, el tablero de instrumentos con sugerente diseño y muy útil información, son tan sólo algunos de los elementos del interior que contribuyen a una impresión general convincente que se subraya con el diseño de dos tubos de los relojes: a la izquierda se encuentra el

EL MOTOR: MERCEDES-AMG GT

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velocímetro con escala ampliada a 320 km/h, a la derecha el cuentarrevoluciones con logotipo AMG. El menú principal AMG con cronómetro de carreras y la pantalla de inicio AMG se visualizan en alta definición y en color en el display multifunción.

SEGURIDAD

Para los ingenieros de Mercedes-Benz, la investigación en nuevas tecnologías de seguridad es un aliciente en sí, ya que no sólo representa una pieza dentro del concepto del vehículo, sino que se convierte en un objetivo en sí. Así, las medidas que preparan parten desde la prevención de accidentes producto de alguna distracción, falta de visibilidad o peligros imprevistos; el concepto de seguridad de Mercedes-Benz favorece una conducción relajada y que ayuda a enfrentarse con éxito a situaciones críticas.

El resultado de todas las características ya mencionadas es de una claridad sensual que hace de este vehículo excepcional un elegante superdeportivo, un vehículo con mucha personalidad como ningún otro. Ahora bien, el único pendiente que queda es probarlo.

DATOS TÉCNICOS MERCEDES-AMG GT

Motor: V8 Biturbo Cilindrada: 3.982 Potencia: 462/6.000 Torque: 600/1.600-5.000 0-100 km/h: 4,0 Vel. máx: 304 MERCEDES-AMG GT S

Motor: V8 Biturbo Cilindrada: 3.982 Potencia: 510/6.250 Torque: 650/1.740-4.750 0-100 km/h: 3,8 Vel. máx: 310

MERCEDES-BENZ MÉ XICO T. 01 800 0024 365 mercedes-benz.com.mx Facebook: MercedesBenzMX Twitter: MercedesBenzMX

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la Galería

por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía Modo

La historia de la fotografía en objetos (y algunas fotografías)

La fotografía como la conocemos hoy fue uno de los inventos más importantes del siglo pasado, cambió nuestra forma de descubrir el mundo y por lo tanto a éste mismo. El modo albergó una muestra de cámaras, fotografías y objetos para descubrir el camino que esta disciplina ha recorrido a través de su historia.

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Dice la Real Academia Española que la fotografía (de foto- y -grafía) es el arte de fijar y reproducir por

medio de reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas, las imágenes recogidas en el fondo de una cámara oscura.

Hoy en día los humanos dan por sentado esta disciplina —aunque no sea ya lo que indican sus orígenes en latín— compartiendo imágenes de sus mascotas y desayunos como parte de su vida cotidiana. Pero no siempre ha sido así. Hace 175 años, con el primer daguerrotipo cambió la forma en que vemos el mundo. Hoy, miles de cámaras y avances tecnológicos después, el Museo del Objeto del Objeto (MODO) presentó 175 años de Objetos Fotográficos. Del Daguerrotipo al Selfie como su muestra de temporada. Se trató de una mirada a la historia de ese invento que en su momento parecía magia, que por primera vez permitió a personas de todo tipo conservar la imagen de sus seres queridos y hoy es parte de nuestra identidad.

LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA EN OBJETOS (Y ALGUNAS FOTOGRAFÍAS)

LA MUESTRA PRESENTÓ DESDE CÁMARAS QUE PARE PARECEN MÁS CAJAS QUE OTRA COSA Y LLEGA HASTA EL EPÍTOME DE LA FOTOGRAFÍA ACTUAL: EL TELÉFONO CELULAR Y SU SUBPRODUCTO, LA SELFIE.

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Lo que la muestra buscaba era una revisión de la historia de la fotografía a través del acervo foto fotográfico del MODO; pero no solamente se trata de una exposición de imágenes, sino de la contraposición entre éstas y los objetos o aparatos con que las imá imágenes fueron creadas. A través de más de 900 foto fotografías, 164 cámaras —que van desde las primeras de estudio, casi imposibles de transportar, hasta instantáneas Kodak o el primer iPhone— y otros 500 objetos relacionados —incluyendo la llamada Linterna Mágica, varios daguerrotipos y hasta un calendario promocional de un estudio de foto de los años sesenta que demuestra que los gatitos cu curiosos no son invento del internet— los curadores Eugenia Macías y Antonio Soto nos llevan de la mano por un viaje que comienza mucho antes de Photoshop, Instagram y las selfies.

Los primeros artefactos son una suerte de cajas mágicas ante las que la gente posaba sin entender realmente cómo ese ejercicio se convertiría casi al instante en un retrato. Los primeros estudios, como se puede atestiguar en la primera sala de la exposi exposición, se asemejaban al de un pintor, con escenario y vestuario. Casi como una puesta en escena. En esta primera parte se presenta al retrato fotográfico como un diálogo —de la misma forma en que lo era un retrato pintado. Es la representación de una per persona, a través de la comunicación no verbal con el fotógrafo. Tras de eso se crea un segundo diálogo entre la imagen y quien la mira.

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Primeras tecnologías Estos son algunos de los artefactos que dieron paso al surgimiento de la fotografía.

Daguerrotipo Louis Jaques Mandé Daguerre en colaboración con Nicéphore Niépce presentó en 1839 este invento a la Academia de las Ciencias de París. El gobierno francés compró la patente para que el procedimiento pudiera ser usado libremente. Fue la primera técnica que captaba una imagen sin que se desvaneciera; ésta se producía sobre una placa de cobre con plata y se exponía a vapores de yodo para hacerla sensible a la luz. Al no existir un negativo, es imposible hacer copias de un daguerrotipo.

Ambrotipo Patentado en Estados Unidos en 1854 por James Ambrose Cutting, se basa en el principio del colodión húmedo: una placa de vidrio se emulsionaba con colodión y sales de plata y, mientras aún estaba húmeda se tomaba la fotografía y se revelaba inmediatamente. Se creaba un negativo subexpuesto al que luego se le oscurecía el fondo, lo que permitía ver la imagen en positivo de una forma similar a los daguerrotipos. Los ambrotipos tampoco permiten su reproducción, pero su técnica disminuyó el tiempo de producción y fue más fácil comercializarlos.

Colodión húmedo y colodión seco En la técnica de colodión húmedo, una placa de vidrio se emulsionaba con colodión, una solución de nitrocelulosa y sales de plata.

Mientras la placa se mantenía húmeda se tomaba la fotografía y se revelaba inmediatamente. Con el colodión era posible obtener varias copias y el tiempo de exposición se redujo a unos cuantos segundos. Sin embargo, la película quedaba dispareja y con una huella del dedo del fotógrafo en la esquina de la placa por donde la sostenía. Posteriormente, se hicieron modificaciones en la preparación de la emulsión, con lo que las placas pudieron prepararse con antelación a la toma.

Esta nueva técnica se llamó colodión seco.

Ferrotipo En esta técnica la imagen se fijaba en una placa de metal expuesta en la cámara, pero el metal era hierro en lugar de cobre. Esta placa se laqueaba con barniz japonés negro o café en lugar de plata. La placa de metal del ferrotipo se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata antes de la exposición. El ferrotipo, negativo en su formación química, aparecía como positivo debido a la placa negra.

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Vistas estereoscópicas Son tomas fotográficas elaboradas con cámaras binoculares. Estas cámaras, intentan imitar el comportamiento de la visión humana utilizando dos objetivos (o dos cámaras separadas estratégicamente) captando la fotografía en el mismo instante, obteniendo imágenes en tercera dimensión. La toma e impresión binocular genera un efecto óptico de tridimensionalidad y perspectiva por lo que las fotografías deben observarse con un visor especial.

Impresiones albúmina Louis Désiré Blanquart-Evrard inventó estas impresiones en 1850, y las convirtió en la forma más fácil y barata de crear múltiples copias sobre papel. Era esencialmente un papel cubierto de una solución de albúmina (clara de huevo), que una vez seca se sumergía en nitrato de plata y se volvía a secar.

El patrón de las pequeñas grietas como deterioro característico de la albúmina ayuda a identificar esta técnica.

Impresión plata Esta emulsión fotosensible con sales de plata se aplica sobre un papel preparado previamente con un recubrimiento llamado barita que produce una superficie blanca y lisa. El procedimiento surgió en 1885, tuvo su auge en la década de 1910 y, gracias a su flexibilidad y amplias posibilidades de uso siguió siendo muy popular durante el siglo xx, especialmente en la fotografía artística.

LA FOTOGRAFÍA CAMBIÓ LA FORMA EN QUE NOS REPRESENTAMOS A NOSOTROS MISMOS Y, CON EL TIEMPO, REVOLUCIONÓ LA VIDA PÚBLICA Y PRIVADA DE LAS PERSONAS.

LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA EN OBJETOS (Y ALGUNAS FOTOGRAFÍAS)

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IN FO Colima 145, Roma, México, D.F. T. (55) 5533 9637 Horarios Miércoles a domingo de 10 a 18 hrs.

Facebook: MuseoModo Twitter: @MuseoModo

Este segundo diálogo cobra una enorme importancia en la sección de la muestra que toca el tema de la fotografía informativa, masiva. No era lo mismo leer sobre un asunto de política nacional que ver el mismo artículo acompañado de la fotografía de un presidente. De la misma forma la farándula (incluyendo a Tin Tan y Agustín Lara) se acercó más al público y a la gente “común”, que pudo sorprenderse con imágenes de eventos sucedidos a nivel mundial, hazañas del hombre moderno y lugares —desde la contemplación de la naturaleza hasta el progreso tecnológico— sin salir de casa más que a comprar un periódico.

Quizá lo más importante, tras el invento de las primeras cámaras, sea ese paso hacia la portabilidad que se dio a mediados de siglo XX. En un siglo en que todas las tec-

nologías avanzaron con una velocidad sin precedentes, la fotografía pasó de ser un lujo a una cotidianidad. De hecho, Los primeros materiales usados para crear cámaras incluían madera, textiles, piel y vidrio, a diferencia de lo que se utiliza hoy. Las cámaras, de hecho, no eran fabricadas en serie, sino que se producían a la medida. Lo mismo sucedía con los usuarios de estas cámaras: ser fotógrafo requería de una formación completa, exigiendo conocimientos desde química y física, hasta óptica. Eso, por supuesto ha ido cambiando con el paso de los años y el incremento en la portabilidad y la invención de la fotografía digital así como la disminución del precio de las cámaras han hecho que prácticamente cualquiera pueda capturar una imagen de un momento especial. O absolutamente cotidiano.

Al llegar al final de la muestra se presenta una reflexión sobre la evolución de la toma de fotografías. Se toca el tema de la exposición de imágenes en redes sociales y el reciente fenómeno de las selfies. Si en un principio el diálogo entre fotógrafo y fotografiado era de suma importancia para la imagen creada, hoy que nosotros mismos somos quienes nos fotografiamos (y quienes más miramos las imágenes resultantes), ¿dónde queda ese importante diálogo? Hoy el diálogo es sobre la invasión de la privacidad, el voyeurismo y la libertad de expresión, así como la necesidad del ser humano de ser reconocido con likes y seguidores.

Definitivamente la fotografía ha marcado la evolución del hombre moderno y esta muestra nos lleva a reflexionar en qué punto de esa evolución nos encontramos.

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el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake

La verdad sobre Morelos En t re lo s múlti p le s p er s o na je s que fo r jar o n n ue str o paí s, p o c o s tan c urio s o s, valio s o s e in tere s an te s c omo J o sé M aría Mo relo s y Pav ó n, el “Sierv o d e l a Na ció n”. A quí su hi st o ria .

iempre es interesante saber lo que tuvieron de humano los próceres que participaron en la construcción de nuestra querida nación. Saber lo que, dentro de su sentir y pensar, gestó el que dejaran la vida común y cotidiana para entregarse decididos a luchar por sus ideales y así formar parte de nuestra historia. ❡ Dentro de la idea de catalogación de lo que puede ser un prócer hay una gama infinita; ésta puede ir desde bandidos dignificados —el caso de Francisco Villa— hasta verdaderos prototipos de grandeza.

Uno de ellos y el mas sobresaliente a mi parecer es José María Morelos y Pavón. ❡ Morelos nació el 30 de septiembre de 1765 cuando su madre, Juana María Pérez y Pavón, caminaba por las actuales calles de García Obeso, en la ciudad de Morelia, antigua Valladolid y de pronto sintió un fuerte dolor de parto, dando a luz a su hijo en el vano de una puerta. ❡ A los 14 años quedó huérfano de padre y por suerte fue confiado al cuidado de su tío Felipe Morelos, hombre rico, dueño de una hacienda y una gran recua de mulas con la que se dedicaba al lucrativo comercio de acarrear hasta la capital mercancías que arribaban con la llamada Nao de China, misma que llegaba a Acapulco. Así, podemos decir que Morelos nace literalmente “en la calle” y que su tío era propietario de lo que hoy sería una línea de camiones de carga, un transportista. ❡ En 1800, con 25 años ingresa a las aulas del Noviciado de San Nicolás en Valladolid, pretendiendo con esto poder adquirir la herencia que su bisabuelo, Pedro Pérez Pavón, había dejado en forma de una capellanía. En esta institución, fundada 250 años antes por don Vasco de Quiroga, el cura Miguel Hidalgo era maestro y rector. Curiosamente, sus vidas se cruzaron por primera vez hasta que Hidalgo fue mandado a una parroquia de Colima. ❡ El 20 de diciembre de 1797 Morelos es ordenado sacerdote. El cura del pueblo —comenta W. Timmons, biógrafo de Morelos— es el héroe olvidado de la colonia, lleno de miseria y penalidades, pero es la persona más importante de la comunidad: “pastor, médico, alcalde,

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juez, aprendiz de todo y maestro de nada, pero ejecutor de muchas lides. Nadie que estuviera en un puesto de autoridad en la Nueva España colonial conocía o entendía las virtudes y debilidades humanas de los individuos tan bien como los capellanes; nadie se mantenía en contacto más estrecho con el pueblo, ni conocía más íntimamente sus problemas, alegrías y tristezas; es por ello que tantos jefes revolucionarios hayan sido párrocos, a través de la historia”. ❡ Morelos es también un hombre común, terreno, que siente, sufre y que ama. Durante las luchas libertarias fue aprehendido y durante su juicio reconoció que en 1803 tuvo un hijo con Brígida Almonte, al cuál quiso y educó, mismo que después desempeñaría un papel importante en la historia nacional: Juan Nepomuceno Almonte. En 1809, en Carácuaro, nuevamente concibe una hija y en 1814, durante pleno desarrollo revolucionario, a un tercer hijo con Francisca Ortiz. ❡ Al desatarse el movimiento revolucionario independista, iniciado por Hidalgo con el grito de independencia contra el mal gobierno realista, gobierno ejecutor y representante de la regencia napoleónica, Morelos busca unirse a la lucha libertadora. Sigue a Hidalgo desde la Nueva Valladolid, actualmente Morelia, hasta Charo. El 20 de octubre de 1810, en amplía entrevista, acepta tomar el mando de la región que detalladamente y palmo a palmo conocía desde pequeño, la cual iba desde las postrimerías de Acapulco hasta la misma ciudad de México, capital del vasto Virreinato de México-Nueva España. ❡ Su meta era tomar el importante puerto de Acapulco y ampliar el territorio dominado y controlado por los insurgentes. Con la mira de tomar el puerto acepta el mando con la frase de que “la soberanía debía regresar al pueblo en caso de que el rey de España se ausentara”, cosa que sí sucedió al momento de la invasión napoleónica a España. ❡ Así empieza a desarrollar su labor de organizador, pues partiendo con sólo 20 voluntarios, al mes contaba con un ejército de más de dos mil elementos disciplinados y varios cañones. Fomentó el orden en sus tropas controlando con inteligencia sus áreas de ataque hasta al más mínimo detalle. ❡ Con maravillosa personalidad atrajo al

EL COLECCIONISTA

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El General Morelos, Lunati, Col. Rodrigo Rivero Lake, Acuarela sobre papel, 23.5 x 33 cms.

movimiento a una gran cantidad de elementos que no sólo fueron héroes libertadores, sino baluartes de nuestra historia, como los cinco hermanos Bravo; Hermenegildo Galena; el ilustre Vicente Guerrero, quien a la muerte de Morelos heredó el mando de sus tropas y proclamó la Independencia con Iturbide, siendo posteriormente el segundo presidente constitucional de la República Mexicana; el cura Mariano Matamoros, quien fue su segundo al mando y que murió fusilado por las tropas realistas en 1814; Manuel Félix Fernández, mejor conocido como Guadalupe Victoria, primer presidente del país; el mercader norteamericano Peter Ellis, quien representó al movimiento independista en sus negociaciones con los Estados Unidos. ❡ Como visionario económico fue genial, acuñó miles de monedas de bronce y ya tardíamente algunas de plata, con las que costeó parte de sus campañas y logró un mejor desarrollo económico en su área. Hay que tomar en consideración que fue la primera moneda acuñada en el mundo sin respaldo ni del Estado ni bancario. En septiembre de 1811 estableció un sistema de correos que uniría a Chilapa con Pátzcuaro y posteriormente con Zitácuaro, ampliándolo conforme crecía su campo de dominio. Abolió el penoso sis-

tema de las castas que tanto dividió socialmente al país durante la colonia y que él sufrió ampliamente, abolió la esclavitud y concedió que los indios pudieran retener los ingresos de la tierra que trabajaban: documento trascendental en la historia social de México y de América misma. Fijó los precios de garantía sobre siete productos básicos alimenticios, entre ellos incluyó a las velas, pues si lo consideramos al tiempo, era la luz de su época. Con ello evitó la especulación que hasta la fecha tanto ha hecho sufrir a las clases humildes de nuestro país. Se destacó en su amor a la Virgen de Guadalupe, orgullo que debe seguir cualquiera que se jacte de ser mexicano, considerando cualquier ultraje a ella como una falta civil y penal.

Publicó varios periódicos viajando constantemente con una imprenta portátil. ❡ Morelos como persona física es casi desconocido. Medía poco más de un metro y medio y pesaba alrededor de 75 kilos. Tenía una cicatriz, desde muy joven, que le atravesaba la cara partiéndole parte de la nariz. Poseía un fantástico humor, el cual se manifestó en toda su vida. Llevó una vida simple y de trabajo arduo hasta su muerte. Con singular humildad este gran personaje se autodenominó el “Siervo de la Nación”.

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Periferias

por Ana Terán

ilustración: Yurex Omazkin

UN LOCO MESURADO

Las historias que creamos en nuestra mente sobre las personas que nos rodean —pero que no conocemos— suelen ser las más interesantes. Este texto (que podría ser o no ficción) es una de ellas.

a Zadig

Veo a unos metros a un hombre que levanta un trapo verde de la banca apostada frente a mí en una plaza de esta linda ciudad llamada Girona. Mi chal. Hasta este instante me percato que lo dejé olvidado cuando me senté ahí a mirar a los transeúntes antes de entrar a tomar un café. Se lo lleva al rostro como buscando un aroma aún vivo en su memoria… que me paraliza: soy incapaz de ponerme en pie para ir a recuperarlo. Curiosa la manera cómo después lo abre a todo lo largo, pero no con intención de arroparse a sí mismo, sino como si fuera a posarlo —con ese gesto cada vez más en desuso— sobre unos hombros imaginarios frente él.

Un loco más, me digo. Un caballero perturbado. Un gentil hombre que no halló más salida que tirar la razón a la basura. Al menos por un rato. Parece como si hablara con alguien, no porque logre distinguir el movimiento de sus labios desde donde me encuentro, sorbiendo mi cortado, no, qué va, sino porque acciona las manos con extrema suavidad. No vayan a creer que hace algún aspaviento.

Un loco mesurado. Pero ¿existen locos así?, me pregunto. Sería una gran contradicción. De buena pinta, algo corpulento, muy alto, con gafas, chaqueta y vaqueros. Sesenta y muchos, le calculo. Por el cuello abierto de su camisa asoma una bufanda azul. Parece un profesor. ¿Acaso el desvarío lo apresó después de decidir qué vestiría este día? Se deja caer sobre la banca. ¿Se dará cuenta que justo donde eligió sentarse un rayo se cuela entre las ramas iluminándolo como si fuera una aparición? Seguro que no.

126 | la revista

La tarde es hermosa, aunque sople una corriente fría venida del Mediterráneo que desprende el ropaje rojizo y dorado de los árboles. Desplaza las hojas mudando una y otra vez el tapiz otoñal que cubre la plaza, los redondeles de tierra al pie de los troncos.

No advertí en qué momento el gentil hombre dobló el chal, que ahora abriga su muslo sobre donde descansa su mano derecha. Yo lo miro a él, y él al horizonte. A ese horizonte que no se mide en metros y donde caben el caos, la cordura, los desamores, algún filón de alegría.

La vida entera.

Como si adivinara que mis ojos han vuelto a resbalar por su figura, su palma empieza a acariciar la lana verde.

Apostaría que con ternura. Casi la siento recorrer mi espalda. Ha de ser medio calvo, aventuro, aunque el sombrero no le va nada mal: el ala corta en línea recta con la punta de su barba canosa. Parece bien recortada, sobre una tez clara. Puede haber sido rubio.

Pero ya no logro distinguirlo con claridad: el sol, que comienza a cederle su sitio a la luna, me ciega la mirada.

Es la hora cuando la nube del desasosiego amenaza un día sí y otro también con inundar mi ánimo. Mi temor al ocaso. A la soledad. Y ya lo sé de sobra: mejor echarme a andar. Y pronto.

Me gustaría regalárselo. El camarero podría ir a decirle de mi parte que por favor lo conserve, pienso, pero ni siquiera hace falta: el hombre se ha puesto en pie y empieza a perderse entre la gente con mi chal abrazado al pecho.

PERIFERIAS

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FINALES

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Dressing for the Dark, Una guía para la noche

DRESSING FOR THE DARK es el primer libro de Kate Young, estilista de figuras como Natalie Portman y Michelle Williams, es reconocida en el mundo de la moda por su casi blanca cabellera, vestir a las más grandes estrellas y por su trabajo con firmas de la talla de Dior y revistas como Vogue e Interview. En este tomo de Assouline, Young combina su experiencia en alfombras rojas con momentos icónicos de la moda que van desde el cine —incluyendo a Elizabeth Taylor vestida de blanco en Cat on a Hot Tin Roof y a Julia Roberts en Pretty Woman— hasta entregas de premios, para ofrecer tanto un entretenido recuento histórico como una guía para vestir en las noches especiales. Dressing for the Dark incluye también un directorio e incontables ideas y consejos.

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