La Revista 68

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Junio/Julio 2015 MX $87 / 7USD

EL MUNDO DEL BUEN GUSTO

P. 6 0

P. 7 0

N O . 6 8 | J U N I O /J U L I O 2 015

MODELOS TOP: HISTORIA Y PORVENIR DE LAS DUEÑAS DE L AS PORTADAS

FOTÓGRAFOS LE YENDA: TRANSFORMANDO LA MODA A TRAVÉS DE IMÁGENES

MODA: FENÓMENOS Y OBSESIONES

EL NUEVO ESTÁNDAR DE PERFECCIÓN

Cuando te propones encontrar nuevos caminos, unes la precisión de un auto de carreras con la precisión de la tecnología digital para llegar al siguiente nivel de conducción.

Performance Data Recorder incluido en el nuevo Chevrolet Corvette® Z06.

ESTO ES TECNOLOGÍA CHEVROLET

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CHEVROLET CORVETTE 速 Z06

la Carta editorial No. 68 | Moda: fenómenos y obsesiones | Junio/Julio 2015

“Hay un nuevo tipo de mujer ahí afuera. Le interesan los negocios y el dinero. No tiene tiempo para ir de compras. Quiere saber qué y por qué y dónde y cómo.”

—A N N A WIN TOUR

La editora de Vogue, con sus características gafas negras e impecable corte de pelo, sabe de lo que habla. Y es que sí, existe una nueva generación de consumidores pero también toda una nueva gama de creadores que están a la altura de estos fashionistas exigentes y muy bien informados. Cada vez más el mundo de la moda se ha convertido en uno de interés general, en gran parte gracias al internet y a las redes sociales, las cuales han abierto este antes cerrado círculo a cualquier persona con un teléfono inteligente. Gina Ortega, blogger y estilista de moda, nos adentra al extravagante mundo de las semanas de la moda, un espectáculo que bien podría ser digno del Coliseo Romano, pues tras bambalinas hay tantas historias de terror como de fascinación, competencia descabellada y exhibición de enormes egos en todo su esplendor. Diseñadores, fotógrafos, modelos y compradores compulsivos bajo un mismo techo… ¿Aterrador o fascinante?

Y como en esta edición abordamos las diferentes facetas de este alucinante espectáculo, Andrea Villanueva nos lleva por un recorrido —a cual más estético— de divas y divos que no se levantan de la cama por menos de diez mil dólares al día. Desde Twiggy, Gisele, Naomi, Kate, Iman, hasta Cara y Karlie, la historia detrás de una industria millonaria llamada “top”, es tan seductora como las mismas protagonistas, pues esos rostros que han dado la vuelta al mundo y que no tienen apellido, también tienen un rol protagónico en la sociedad y una voz que influencia generación tras generación. ¿Qué fue primero, el huevo o la gallina? Existe un debate sobre si son ellas, las modelos quienes han hecho famosos a los fotógrafos de moda, llevándolos a un estatus de estrellas de Hollywood, o, por el contrario, serán ellos con sus lentes los que han convertido a estas lánguidas chicas en diosas del Olimpo. Aquí apostaremos por ambas, pues al más estricto estilo del principio de razón

suficiente, no existe una cosa sin la otra. En un extraordinario recorrido, Santiago Oria Probert nos lleva de la mano a través de una revisión artística y social de la fotografía de moda, donde este género ha funcionado “como un mecanismo que cristaliza eras, convirtiéndose en un documento que nos presenta, no solo la evolución en el estilo de vestir, sino los reflejos de la sociedad en sus gustos, tendencias y, sobre todo, aspiraciones.” Pero como una imagen vale más que mil palabras, este extraordinario artículo no hay que platicarlo, sino invitarlos a que pasen a la página 70 de esta edición y sean testigos de las imágenes que han hecho historia… y moda. ¿Y qué sería de la moda sin el aroma del perfume, tan sensual y exquisito? El complemento por naturaleza de las prendas ha sido el aroma a flores, maderas o cítricos, siempre reinventándose desde las épocas más remotas.

En este número platicamos con la “nariz” Francoise Donche, quien durante más de 20 años ha estado tras las creaciones más deliciosas de la casa Givenchy, y hoy comparte con nosotros su nueva fragancia Dahlia Divin.

Definitivamente esta edición de La Revista es un viaje sensorial, pues de la vista pasamos al olfato, y del olfato al gusto y al oído. Escucharemos el don musical de Alondra de la Parra, quien se ha ganado un sitio magistral en el universo de la música clásica, dejando muy en alto el nombre de México. Y para deleitarnos con sabores hicimos una visita a la más genuina embajada zapoteca de la ciudad de México, el restaurante Yuban en el corazón de la colonia Roma, un festín de sabores del Istmo donde todos los ingredientes han llegado de Oaxaca y han sido cocinados con verdadera maestría.

Un número repleto de historias, anécdotas, testimonios y leyendas, donde la lectura promete ser tan grata como las imágenes. Una Revista digna de coleccionar. ¡Esperamos que la disfruten!

@marcelamaya

el Contenido No. 68 | Moda: fenómenos y obsesiones | Junio/Julio 2015

P PERFILES 30 Françoise Donche

por Andrea Villanueva La encargada de perfumes de Givenchy visitó México para platicarnos sobre su trabajo y sus pasiones.

36 Alondra de la Parra

por Santiago Oria Probert Ser directora de orquesta no es tarea fácil pero la mexicana, desde que comenzó en el mundo de la música, no se imagina haciendo otra cosa.

42 Juan José Acevedo

por Andrea Villanueva Platicamos con el diseñador mexicano, fundador de East Club London en el Reino Unido, sobre su trabajo y su vida de trotamundos.

49 LuxuryLab: Rethinking Luxury

por La Redacción La conferencia de lujo más importante de Latinoamérica regresa a México en su quinta edición.

p.30

p.80

C CENTRALES 60 Rostros de la moda

por Andrea Villanueva Hacemos un recorrido por todas aquellas mujeres que han engalanado las portadas de las mejores revistas y modelado las más hermosas creaciones.

70 Fotógrafía de moda: revisiones artísticas y sociales

por Santiago Oria Probert La historia de la fotografía debe dedicar varias páginas a quienes crearon un nuevo género: la fotografía de moda.

Conozca la historia de estos pioneros.

80 Fashion Week: en las buenas y en las malas

por Gina Ortega Para muchos es un sueño trabajar en moda, pero no todo es glamour y fiestas. Descubra lo que sucede tras bambalinas a través de la pluma de quien ha estado ahí.

88 Escenas de la moda

por Sofía Cerda Campero La escena de la moda en México ha cambiado mucho en los últimos diez años. Entérese cómo fue que un par de fiestas se transformaron en toda una industria.

el Contenido No. 68 | Moda: fenómenos y obsesiones | Junio/Julio 2015

A ABRIDORES

p.12

12 LMC

La Ciudad de México tiene una oferta gastronómica cada vez más internacional.

14 El Blog

Originales gafas y relojes, así como mujeres bellas entre nuestras recomendaciones.

22 De la A a la Z

La moda es mucho más que las prendas colgadas en el armario. Descubra este mundo.

p.106

F FINALES 98 Eco

116 El personaje

126 Periferias

106 El modo

120 El reloj

128 El Libro

110 La mesa

124 Coleccionista

Los negocios sustentables se están convirtiendo en una alternativa viable para generar ingresos.

Una muestra sobre el diseño japonés visita nuestro país para presentar objetos con historia.

Descubrimos un paraíso de comida zapoteca en plena Ciudad de México: Yuban.

Nicolas Ghesquière ha tomado la batuta en Louis Vuitton con gran éxito. Conózcalo.

Maximilian Büsser & Friends presenta su reloj inspirado en una nave espacial.

La labor de un anticuario puede incluir viajes no muy gratos para encontrar maravillas.

La historia de la novela Después del invierno es digna de conocerse. Aquí un adelanto.

Suzzane Syz desafió al mundo de la joyería tradicional con sus divertidas creaciones.

el Directorio No. 68 | Moda: fenómenos y obsesiones | Junio/Julio 2015

Dirección Marcela Aguilar y Maya Directora general

Editorial Santiago Oria Probert Director editorial santiago@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial andrea@aeditores.com

Arte Yair Orozco Director de arte yair@aeditores.com Bredna Lago Diseño gráfico bredna@aeditores.com Fernanda Carrasco Edición fotográfica fernanda@aeditores.com

Comercial Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Administración Karen Ramos Directora administrativa karen@aeditores.com Marco Antonio Palacios Director financiero marco@aeditores.com Priscila Castillo Torres Asistente administrativa priscila@aeditores.com

Suscríbase por un año

al (55) 5281 0568 y reciba bimestralmente, en su domicilio, La Revista.

Colaboradores Diana Amador | Martina Balabán | Michel Bellego | Claudia Benítez Daniel Benítez | Sofía Cerda Campero | María José Céspedes | Ignacio Galar Thais Herrera | Nuria Meléndez Gámez | Gina Ortega | Rodrigo Rivero Lake | Ana Terán

Consejo Editorial Ausbert de Arce | Carmen Cordera | Allan Fis | Julieta García | Bruno Newman | Mónica Patiño | Ricardo Salas | Gonzalo Tassier | Ignacio Urquiza Información para anunciantes: ventas@aeditores.com

Las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial.

Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001

La revista el mundo del buen gusto es una publicación de A Editores, Durango 332-103, col. Roma Norte, C.P. 06700, México, D.F. Teléfono: 5281 1778. La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de vida de A Editores.

Revista mensual. Número 68, junio/julio 2015. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30.

Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.

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ABRIDORES

Masaryk

“A mí dadme lo superfluo, que lo necesario todo el mundo puede tenerlo.”

—Oscar Wilde

Living Mexico City

Restaurante Cipriani

por: Marcela Aguilar y Maya | @marcelamaya fotos: Cortesía

Masaryk

Restaurante Cipriani

12 | la revista

Dice el refrán que la clave de la paciencia es hacer algo mientras esperas… Y sí, después de todo el paso del tiempo es relativo, nadie lo dijo mejor que Einstein: “Cuando cortejas a una bella muchacha, una hora parece un segundo. Pero te sientas sobre carbón al rojo vivo, un segundo parecerá una hora. Eso es relatividad”.

Pero más bien estoy pensando en la paciencia –sin relatividad– que tuvimos los peatones con la remodelación de la avenida Masaryk, y que hoy estrenamos cual niños con juguete nuevo. Con #MasarykIsBack las comunidades de Twitter e Instagram se han dado la tarea de difundir hermosas postales de blancas aceras y peatones muy adhoc con la recién estrenada Madison Avenue nacional.

Es innegable que el buen clima y las divinas jacarandas ayudaron a que apeteciera recorrer este corazón comercial de la ciudad. Muchos negocios sobrevivieron a la etapa descrita por muchos —me incluyo— como Kabul, otros tantos cambiaron de giro y bueno, tristemente también hubo los que no pudieron aguantar los largos meses de obra. Pero como soy de las personas que prefieren ver el vaso “medio lleno”, hoy celebro la larga espera y afirmo que, valió la pena.

El domingo pasado salí a disfrutar de la dichosa avenida y del buen clima en bici, y al pasar frente al hotel Habita me llamó la atención el aire tan sofisticado a la vez que relajado de su restaurante en la planta baja. Abierto en su totalidad y con nuevas mesitas en la banqueta, me encontré con varios amigos leyendo el periódico mientras la conversación hacía alarde al buen clima que se siente en Masaryk: bicicletas, patines, gente paseando perros, muchas carreolas con papás sonrientes y peatones al por mayor.

Una esquina más al sur acaba de abrir sus puertas nada más y nada menos que el restaurante Cipriani, toda una institución culinaria que Italia ha exportado a los rincones más chic del mundo, desde Venecia hasta Nueva York, Londres y Miami. Este epicentro para los que disfrutan de “ver y ser vistos”, hoy pone a la ciudad de México en su exclusivísima constelación. A la inauguración del restaurante —que además de un salón principal para 100 personas

Restaurante Cipriani

Burrata, Restaurante Cipriani

Restaurante Cipriani

tendrá una espectacular terraza con espacio para 60 más— vinieron los hijos del afamado restaurantero Giuseppe Cipriani, Ignazio y Maggio, este último pronunció un emotivo discurso donde habló de la ciudad de México como “una metrópoli vibrante y cosmopolita en donde la cultura y tradiciones increíblemente ricas se mezclan sin esfuerzo con la modernidad; de la arquitectura y el arte, la cocina y la moda”.

El espacio está diseñado por el renombrado arquitecto florentino, Michele Bonan, quien fue también responsable del proyecto de Cipriani Yas Island-Abu Dhabi, Cipriani Monte Carlo, Cipriani Downtown Ibiza y el más reciente Cipriani Downtown Miami. Y así, poniendo cara de “estoy de viaje”, me pasé una tarde deliciosa entre bellini y bellini, saboreando los tradicionales platos de Cipriani como el clásico carpaccio —receta original del Harry’s Bar de Venecia—, el tagliolini horneado, el espectacular risotto con vegetales de la estación, hígado de ternera a la veneziana, merengue de vainilla…¡Y todos los gelattos son hechos en casa, por supuesto!

A pesar de que el proyecto marca el debut de Maggio e Ignazio en la Ciudad de México, ambos tienen experiencia atendiendo a la élite mundial. Su bisabuelo, Giuseppe, abrió y operó el icónico y legendario Harry’s Bar de Venecia, nombrado un hito histórico nacional por el gobierno Italiano en 2001. Ahí agasajó y entretuvo a personalidades de la talla de la Reina Isabel II, Ernest Hemingway, Elizabeth Taylor, Orson Welles, Humphrey Bogart así como a Rainiero y Grace de Mónaco entre muchísimos otros.

Pero volviendo a la Ciudad de México, a unas cuadras de Masaryk con dirección al parque Lincoln, en la calle de Emilio Castelar acaba de reabrir sus puertas otro favorito de la zona, el Comensal, con una terraza que —¿seré yo?— recuerda a algún bistrot italiano del Lago di Como. Espectacularmente diseñado y ambientado por Antoine Ratigan, este lugar es digno de un artículo completo, aunque aquí solamente insistiré en que vale mucho la pena conocerlo y pasarse una tarde deliciosa en la terraza con un buen gin tonic. Cabe mencionar que, tanto Cipriani como Comensal tienen una extraordinaria selección de libros de Assouline en sus libreros, cosa que habla muy bien de ambos.

Caminar por Masaryk y los alrededores del parque Lincoln es mucho más que aparadores y tiendas, la oferta gastronómica es fuera de serie y pronto comenzarán a abrir sus puertas más galerías y espacios de arte. Y es que aunque en gustos se rompen géneros y todo sea relativo, lo que es innegable es que, como bien lo dijo Maggio Cipriani, la Ciudad de México tiene una oferta apasionante a la altura de las mejores metrópolis mundiales. ¡Y lo que falta! (…to be continued)

Restaurante Cipriani

Restaurante Comensal

Restaurante Comensal

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ABRIDORES

Acerca de Theory Fundada por Andrew Rosen en 1997 en Nueva York, Theory ha revolucionado el mercado contemporáneo con su concepto de un uniforme urbano y moderno con prendas básicas pero originales. Theory se destaca por tener un balance entre el lujo y la accesibilidad en sus colecciones, conocidas por su excelente corte y calidad en sus materiales así como diseños atemporales.

14 | la revista

el Blog

pág. 014 Le damos la bienvenida al verano con nuevos retos, así como productos y consejos para verse mejor que nunca.

por: La Redacción fotos: Cortesía

Una nueva teoría El cambio de imagen de Theory C.C. Antara, Ejército Nacional 843, Polanco, México, D.F. |

(55) 5280 5689 | theory.com

En febrero de este año la marca neoyorquina Theory reveló su campaña primavera/verano 2015 con Natalia Vodianova y Clement fotografiados por David Sims. La campaña marca un momento histórico para Theory con el debut de un nuevo logo, su primer rediseño desde que se fundó la compañía hace 18 años. Tras la salida del director creativo Olivier Theyskens en junio, Lisa Kulson y Ben Stubbington, directores de mujer y hombre respectivamente, fueron nombrados codirectores creativos y su ceo, Andrew Rosen, siente que esta campaña representa a la perfección al cliente Theory: “Natalia [Vodianova], como madre, filántropa y alguien que está en la cima de su carrera, es la mujer ideal que refleja el estilo moderno de la marca”. Los equipos tanto creativos como ejecutivos de la marca buscan, además, crear productos con integridad. Theory busca ser una marca de estilo de vida moderno y buscan cambiar la forma en la que se percibe el lujo. Poco a poco lo están logrando

EL BLOG

reto Dove → El Para las mujeres dove.com.mx |

Dove

Dove lanzó un video grabado en cinco países para inspirar a las mujeres a sentirse bellas. Según sus estudios, un 96% de las mujeres encuestadas no elegirían la palabra “bella” para describirse a sí mismas. Dove cree que sentirse hermosa es una elección personal y a través de este video la marca explica cómo esta decisión puede afectar sus sentimientos y empoderamiento. El video muestra a mujeres reales que se ven obligadas a tomar una decisión sobre la forma en que se ven a sí mismas al ingresar a un edificio por dos puertas etiquetadas: una como “promedio”, y a un lado la evitada puerta de “hermosa”. El video tiene como objetivo revelar que la mujer tiene dificultades con el reconocimiento de su proCada compra pia belleza. “Aunque la mayoría de las cuenta mujeres no se describen como bellas, el Cada vez que compra 80% está de acuerdo con que cada una un producto Dove tiene algo en ella que es hermoso”, coayuda a que la mentó Steve Miles, vicepresidente de compañía, junto a sus aliados, continúe Dove. La campaña #EligeSentirteBella desarrollando las motiva a adoptar esta decisión, ya que programas para cuando una mujer se define como bella fortalecer el libera felicidad y confianza que impacta autoestima de los sobre su autoestima. Dove se ha comprojóvenes, en especial de metido a crear un mundo donde la belas chicas. Hasta ahora han logrado impactar a lleza sea una fuente de confianza, no de más de 11 millones de ansiedad para pues reconocer la belleza mujeres, su meta es en sí mismas puede ayudar a impactar llegar a 15 millones positivamente en la autoestima de la sipara el año 2015. guiente generación.

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McQ → Lentes El legado de Lee vive De venta en el Palacio de Hierro | alexandermcqueen.com

El legado creativo de Alexander McQueen sigue viviendo en las dos marcas que surgieron de sus ideas: la principal de alta costura, Alexander McQueen y McQ , una marca contemporánea, mucho más juvenil. Definida por el mismo McQueen como su parte más juvenil y renegada, la línea McQ ofrece ropa y accesorios tradicionalmente rebeldes. La visión de la Directora Creativa de la marca, Sarah Burton, conserva aún el desenfado del fundador y la colección primavera/verano 2015 de gafas de McQ muestra a la perfección este espíritu. El modelo MCQ 0048/S (Stealth), en forma de ojos de gato y con contrastes de materiales se distingue por tener un hilo de nylon en tonalidades neón en su parte inferior y en el extremo de la varilla en forma de cuchilla. Está disponible en colores como púrpura con rojo o violeta con azul. Por su parte, los MCQ 0045/S y MCQ 0050 (Abstract) hacen un guiño al mundo del arte con gafas de sol geométricas y monturas para gafas graduadas inspiradas en las obras de Mondrian y Rietveld.

Este diseño presenta contrastes facetados esféricos y angulares, así como efectos de bloques de colores intensos como azul con verde y naranja, o negro, rojo y blanco. Lleve el espíritu de McQueen en la mirada.

McQueen regresa a Londres Este año regresa la exposición que da un recorrido por los años de Alexander McQueen como diseñador y que rompió todos los récords posibles durante su estancia en

el Met de Nueva York en 2011. Con prendas —que bien podrían llamarse obras de arte— desde su colección de graduación de Central Saint Martins hasta su

colección final, Plato’s Atlantis, Alexander McQueen: Savage Beauty estará en el Victoria & Albert Museum de Londres hasta el 2 de agosto del 2015.

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ABRIDORES

Ford Beauty → Tom Colores de lujo De venta en Sak’s Fifth Avenue y Palacio de Hierro | tomford.com

“En belleza, los detalles pequeños son los que tienen el mayor impacto”, dice Tom Ford, quien sigue expandiendo su imperio de lujo y glamour absoluto. Para las amantes de Ford y los productos de belleza de lujo, la línea Tom Ford Beauty es mucho más que un barniz o un lipstick, puede ser una herramienta de transformación poderosa. La paleta de colores para labios consta de 18 tonos que van desde un nude clásico, hasta rojo fuego y marrón intenso; pero el lujo está, sobre todo, en los ingredientes excepcionales y exóticos como extracto de semilla de soya y aceite de flor de manzanilla que crean un textura ultra cremosa y una aplicación súper suave. Además ofrece diez tonos de color semitransparente de alto brillo. Para las uñas, la casa cuenta con 16 colores para todo tipo de mujer: neutrales sensuales como Naked y Mink Brule; colores más intensos como Ginger Fire y African Violet y otros de alto impacto como Viper, todos en colores opulentos.

El punto de vista de Tom Ford es que un look de belleza bien definido, ya sea discreto y elegante o descaradamente glamoroso —al igual que la ropa— permite a las mujeres expresarse libremente. Es un fiel reflejo de su estado de ánimo y una oda al espíritu de la época de ese momento particular. Nadie mejor que Ford para hacer sentir a una mujer glamorosa.

Empaques de lujo El empaque de Tom Ford Nail Lacquer es una botella de vidrio rectangular con una exquisita tapa de madera de caoba, la tapa decorativa está adornada con una

banda dorada y el logo TF estampado en la parte superior. El LipColor tiene un empaque muy similar al de los barnices, estilizado y elegante con exquisitos tonos dorados.

ojos de pantera → Los De Cartier Masaryk 465, Polanco, México, D.F. |

(55) 5283 9934 | cartier.mx

En abril de este año Cartier presentó un nuevo modelo de lentes de sol que se ha vuelto sumamente codiciado. Se trata del modelo Panthère Divine que retoma el motivo de la pantera tan emblemático de la marca y lo lleva a este nuevo accesorio. Por supuesto, la forma de las gafas tenía que ser el ya clásico cat eye, pero al tratarse de un producto inspirado en la pantera tiene un toque diferente. Con la forma estilo ojo de

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gato, los Panthère Divine de Cartier recuerdan a los días de gloria de las grandes divas de la Riviera Francesa, aquellas que disfrutaban de la dolce vita mejor que nadie. Las gafas vienen en dos formas distintas —cat eye y en forma rectangular— y cada una de esas formas en dos acabados, platino y oro. Cualquiera de esas cuatro versiones tienen barniz negro, ónix y cristales grises. No hay gafas más lujosas.

Las panteras de Cartier La maison francesa ha elegido este salvaje pero elegante animal como su emblema. Para Cartier se trata de un ícono atemporal, un símbolo de un depredador, proyecta una imagen discreta y sin embargo siempre está lista para abalanzarse. El toque de la casa se ve reflejado en ojos de esmeraldas, hocicos en ónix y pelaje de diamantes. En libertad, las joyas de la colección Panthère dan un auténtico zarpazo a la joyería.

EL BLOG

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS Movimiento: BR-CAL.302.

Mecánico automático.

Cristal: zafiro antirreflejos.

Funciones: horas, minutos y segundos. Hermeticidad: 100 m.

Caja: 46 mm de diámetro.

Cerámica negra mate.

Fondo de acero con grabado 10th Anniversary.

Correas: caucho y tela sintética ultrarresistente.

Esfera: negra y estampada en relieve por el dorso.

Agujas, cifras e índices con revestimiento fotoluminiscente blanco. Distintivo de 10th Anniversary.

Hebilla: hebijón. Acabado de acero PVD negro.

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& Ross BR 01 → Bell Diez años de un ícono De venta en Berger Joyeros y Joyerías Peyrelongue | bellross.com/mx

El BR 01 nació en 2005 de una muy sencilla idea: convertir un reloj de avión en el mejor reloj de aviación. Se buscaba un reloj fiable, funcional, legible y preciso que pasara de la cabina a la muñeca. Bell & Ross desarrolló más de 150 modelos y una cincuentena de series limitadas de este reloj cuadrado que con el tiempo se ha convertido en una auténtica plataforma de creación relojera e innovación conceptual. Para celebrar los primeros diez años de este modelo, Bell & Ross presenta el BR 01 10th Anniversary, una edición limitada de 500 piezas.

El BR 01 nace de esta idea sencilla e iconoclasta: convertir un reloj de a bordo de avión en un reloj de pulsera. Para optimizar la legibilidad y la funcionalidad, sus cifras, sus agujas y su caja cuadrada recuperan los principios de la instrumentación aeronáutica. Cada detalle tiene su porqué, su función.

En el año 2014, Bell & Ross lanzó el BR-X1, una versión extrema de su reloj icónico de geometría inmediatamente identificable. Es un modelo que destaca por el diseño novedoso de su caja cua-

drada de titanio de grado cinco que, para protegerse de los golpes, está equipada con una correa de cerámica y caucho que hace de escudo defensivo.

Y este año, para celebrar el décimo aniversario se concibió el BR 01 10th Anniversary, fiel al BR 01 de 2005, aunque elaborado con las técnicas y los materiales de alta tecnología de hoy en día.

Singular y reconocible entre todos por su caja cuadrada, el BR 01 ha revolucionado los códigos de la relojería tradicional. ¿Quién diría que un modelo surgido de la funcionalidad se convertiría en un símblo de lujo absoluto?

Hace diez años, gracias a un diseño osado, Bell & Ross hizo gala de su creatividad vanguardista afirmando su vocación utilitaria y funcional: hoy tanto pilotos de combate como amantes de la moda utilizan el BR 01 por su legibilidad, funcionalidad, resistencia y precisión. Grabado y numerado, este modelo de aniversario —en edición de 500 ejemplares— es la máxima expresión de la evolución que ha transformado un reloj de vanguardia en un modelo icónico.

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ABRIDORES

Sus productos Stampilla va por dos caminos: productos de decoración y artículos para eventos. Estas son algunas de sus líneas más representativas.

1. Línea de decoración para bebes y niños, que consta de marcos, móviles, letreros, cojines.

2. Línea de eventos, como detalles de bautizo, bolos, primeras comuniones.

3. Línea de artículos de decoración de bodas y negocios en temporada, como navidad.

en origami → Diseño Stampilla (55) 3566 3784 | stampilla.com |

Stampilla |

Stampilla es un proyecto que nació hace dos años como respuesta a la creciente búsqueda de productos con un diseño original, novedoso. Sus productos son tanto impresos como de decoración y están basados en el arte de origami. Entre las figuras que ofrecen —hechas todas por manos mexicanas— hay una línea de accesorios de decoración para bebés y niños, accesorios para casa, decora-

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@stampilla

ción de eventos y hasta diseño de aparadores.

La idea es de la diseñadora gráfica Estefanía Carrete, a quien siempre le ha encantado todo el tema de crear objetos con las manos y la geometría. Tras tomar una clase en la universidad de ingeniería del papel se enamoró y se interesó en el origami, “el arte del origami se basa en dobleces simétricos muy precisos que crean figuras, me cautivó y em-

pecé a practicarlo en mis ratos libres”. El chiste fue sacar de contexto el origami para diseñar con otros materiales productos únicos y originales, acentos que hacen la diferencia en un espacio. Por el momento todo se realiza por pedido pero en un futuro quisieran tener un showroom y vender en tiendas seleccionadas de niños y diseño. Esperamos con ansias ese espacio.

EL BLOG

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nueva cara de T-Fal → La Por un mundo verde t-fal.com.mx

Hay marcas que ya son parte de nuestro ADN, que recordábamos que nuestras madres y abuelas utilizaban y ahora todos conocemos. T-Fal es una de esas marcas, pero es también una que ha decidido renovarse y comprometerse con el cambiante estilo de vida de nuestros tiempos. Por ejemplo, han creado una freidora, ActiFry, que funciona por medio de aire caliente y una pala mezcladora que distribuye a la perfección el aceite en todos los ingredientes. Ese cambio también incluye la creación de utensilios —espátulas corta y larga, cuchara y cucharón— amigables con el medio ambiente. Se trata de una línea creada con PET reciclado que no absorbe grasas, olores ni sabores, además puede lavarse en lavavajillas y resiste el calor hasta 220º C. En color verde lima, son los utensilios perfectos para quien se preocupa por el medio ambiente y por el buen diseño.

Un compromiso con el Eco-Design Como parte de Groupe SEB, T-Fal se compromete con la idea del diseño ecológico e integra varios requisitos medioambientales en el diseño de todos sus productos nuevos. Se

busca controlar el impacto de sus productos en el medioambiente y cómo se desecharán al final de su vida operativa. Entre estas acciones se encuentran el reciclaje

de desechos, disminuir la emisión de gases de efecto invernadero y la ausencia de sustancias peligrosas, así como productos de calidad y fácilmente reparables.

400 Conejos → Mezcal Entre el sueño y el despertar 400ConejosMX |

@400conejosMX

400 Conejos es un mezcal joven con sabor suave —compuesto por sutiles aromas frutales y herbáceos— elaborado con agave espadín por maestros mezcaleros de Santiago Matatlán, Oaxaca.

Centzon totochtin significa 400 o incontables conejos y es el nombre que recibían los espíritus del alcohol en el México prehispánico.

Estos espíritus se relacionaban con el sueño y el despertar, y el comportamiento de quien tomaba dependía del conejo que lo dominara. Esta es la tradición detrás de 400 Conejos, cuyos productores se mantienen a los procesos artesanales. Para lograrlo han enlistado a los maestros mezcaleros don Tacho y Joel Santiago, quienes realizan la molienda con piedra tirada por un caballo, la fermentación en tina de madera y la destilación en ollas de cobre. Se recomienda tomar 400 Conejos derecho, acompañado de gajos de naranja y sal de gusano. Por su suave sabor, también puede mezclarse con hierbabuena, jugo de naranja o limón, combinación que resalta las notas y aromas a frutas tropicales que lo caracterizan. Pero lo más importante será descubrir el conejo que domina a cada quien.

La elaboración Mezcal 400 Conejos es hecho a partir de agave espadín cultivado en Santiago Matatlán, Oaxaca. Los agaves tardan entre ocho y quince años en alcanzar su punto óptimo de maduración. Una vez seleccionados, éstos se jiman y se llevan al palenque donde se transforman en mezcal al ser horneados en un horno de leña tipo cónico durante tres a cinco días cubiertos

por mantas, gabazo y tierra. Una vez que las piñas fueron horneadas, son molidas por una rueda de piedra tirada por un caballo.

Las piñas molidas, ya en forma de bagazo, son guardadas en tinas de madera hasta que queda el mosto o los jugos del agave que son llevados a la unidad de destilación. Las botellas son esterilizadas con agua de manantial y finalmente se rellenan.

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ABRIDORES

→ Resaca o cómo salir del abismo Oliveira, L.M., Resaca, Literatura Random House, México, 2014 |

Cuando nos encontramos en caída libre es difícil saber en qué momento vamos a tocar fondo, aún más complicado es entender cuál va a ser nuestra transformación cuando al fin logremos levantarnos. Resaca (Random House, 2014), el más reciente libro de L.M. Oliveira, nos relata en sus páginas el crudísimo retrato de esta realidad a la cual todos, en diferente medida, nos enfrentamos.

En la historia del Dr. Pablo Palacios sorprende descubrir que la zona de confort es mucho más frágil de lo que imaginamos. En el caso de nuestro personaje, la súbita pérdida de su hija, de su esposa y de Romina, su gata, podrían parecer sucesos que abalanzarían a cualquiera a la locura, pero sólo al entenderlos como consecuencia se descubren en todas sus dimensiones.

La debacle, además, no está en los sucesos externos, en aquello que muchas veces no podemos controlar, sino en nosotros mismos, en los miedos, corajes y frustraciones que acumulamos hasta convertirlos en demonios que siempre, algún día, habrán de despertar de su letargo. Acallar esas voces no es fácil, como nos lo van demostrando en mezclas de humor y desolación

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@munozoliveira

las frases del autor, y el alcohol es quizá la forma más fácil de olvidarlas. Acompasando con el ritmo vertiginoso de la caída, poco a poco el lector comienza a apoderarse de las emociones del personaje, ya que independientemente de las ideas de justicia que cada uno pueda poseer, la caída del Dr. Palacios lo acerca a nosotros al presentarlo cada vez más débil, más humano, cada vez más Pablo.

La aparente reconciliación del personaje con el mundo es fascinante y a la vez común. La culpa muchas veces nos obliga a compensar y los errores que cometimos se reflejan igual de extravagantes en nuestra búsqueda de salvación. Así, el renovado protagonista comienza a divagar por los caminos de la filosofía y del humanismo complaciéndose a sí mismo, manejando así el desgaste físico y emocional de su caída. Finalmente, como apunta Oliveira a través de sus personajes, “Por supuesto que se puede disfrutar la resaca, es incluso el momento más elevado y lúcido de la fiesta”.

El libro culmina manifestando nuestra humanidad más primitiva y nos despierta del ensueño con un balde de agua fría. Quizá el fin del precipicio. —SOP

El autor Luis Muñoz Oliveira nació en la Ciudad de México y es filósofo además de escritor.

Ha colaborado en revistas como Letras Libres además de ser investigador del cialc y profesor de la facultad de Filosofía y Letras de la unam. Es autor de la novela Bloody Mary (Mondadori, 2010) y el ensayo sobre la tolerancia La fragilidad del campamento, entre otros. En algún momento de su juventud, asegura, escribió y publicó poesía, pero jamás un cuento.

EL BLOG

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W Mexico City es de los pocos hoteles que realmente toman en cuenta el diseño, la moda, la música y el entretenimiento al pensar en la estancia de un huésped. Buscar que sus huéspedes disfruten es parte de su misión. W Mexico City, que abrió sus puertas en 2003, lleva ya varios meses en un proceso de renovación que comenzó en el Living Room Bar. Llevado a cabo por el estudio neoyorkino Nemaworkshop, se trató de un cambio radial con conceptos audaces. La segunda etapa inició en junio de 2014 en las 237 habitaciones que tiene el hotel. Esta remodelación ofrece diferentes escenarios de luz combinados con elementos que muestran la pasión por el diseño con elementos de la cultura mexicana. Cada habitación cuenta con un sistema de iluminación y climatización Jung, paredes a prueba de sonido, contactos eléctricos de usb, europeo y occidental y panel de conectividad Jack Pack en un escritorio extragrande. Las camas W están elaboradas con edredones de pluma de ganso y sábanas de 350 hilos de algodón, y las habitaciones cuentan con amenidades como batas de baño de algodón y productos de baño Bliss.

El 2015 continuará siendo un año de renovación para que W Mexico City continúe siendo the place to be.

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Moda y tradiciones

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ABRIDORES

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Aunque las tendencias evolucionan, en cada país hay prendas y accesorios que no pueden faltar porque una aparente “moda” se ha convertido en un sello de identidad. Estas son algunas prendas que definen al mundo.

MUND Ilustraciones: Daniel Benítez

Las múltiples caras de la moda

Cada temporada marca un cambio de estación y un cambio de tendencias. Los colores, las texturas y los cortes se renuevan en cada ciclo, se reinventan o se reconstruyen. La fascinación por la estética y por esta evolución del estilo que nos sorprende cada seis meses, ha hecho de la moda mucho más que un gusto y un interés entre quienes se dejan llevar por la frivolidad. El mundo de la moda ya es mucho más que telas con un nombre grabado, más que marcas impronunciables y una élite que es testigo y relator de su propia banalidad. La moda es hoy un fenómeno que rodea nuestra vida cotidiana, nuestras tradiciones y las estructuras sociales en que nos desenvolvemos; ha ascendido más de una vez a la categoría de arte, de obscuros objetos de deseo, de ritos y costumbres identitarias y de cultura popular. He aquí nuestro vistazo a este misterioso mundo de glamour, estatus, creación y simbolismo.

por: Diana Amador

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Vanuatu: la namba En este pequeño país —compuesto por islas volcánicas y oficialmente conocido como República de Vanuatu— cercano a las islas Fiji, las tribus locales siempre visten con la misma indumentaria: la namba o vaina. Esto se debe a que por su estilo de vida tradicional están prohibidos los inventos modernos, incluyendo las prendas de vestir del mundo occidental.

Realizada con hojas de palmeras deshilachadas sirve únicamente para cubrir el pene de los hombres. Algunos usan camisas creadas con pasto, pero lo más común es no utilizar nada más que la namba.

DE LA A A LA Z

Islandia: lopapeysa

Japón: el kimono

Este jersey islandés se comenzó a utilizar por la década de los cincuenta, buscando nuevas formas de aprovechar la abundante lana nativa. Se caracteriza por su diseño con patrones y por que la parte trasera y delantera son exactamente iguales. El tejido, llamado lopi, al no estar hilado ofrece mejores propiedades de aislamiento térmico. Se cree que el estilo se inspiró en los trajes típicos de Groenlandia, pero su origen no es del todo claro.

Esta pieza de vestimenta es una de las tradiciones más arraigadas en Japón. El kimono es casi tan importante como el obi (el complemento que sujeta el kimono cerrado), que requiere de un nudo muy específico que no todos saben hacer. Cada vez menos personas los utilizan en el día a día pero en alguna fiesta especial, como la del paso a la edad adulta o Seijin no Hi, es común ver a jóvenes usando el atuendo tradicional.

Desierto del Sahara: tuareg

Escocia: kilt

Este turbante es una simple tela de unos cuatro metros de longitud que se enrolla alrededor de la cabeza. Sirve para prevenir el calor y en las tormentas de arena protege de los mil granos que golpean. Hay diferentes maneras de usar este accesorio, algunas elegantes que además sirven para diferenciar a los habitantes de una y otra zona del desierto. Así, un mauritano que se encuentra entre las dunas con un argelino o saharaui, se distingue en su vestimenta por los pliegues y dobleces del tuareg.

Aunque el kilt y los diseños de los tartans —el estampado de cuadros y colores para cada clan— fue muy popular en siglo xviii, las raíces de las “faldas” para hombres en Escocia se remontan siglos atrás, cuando los habitantes de las Highlands llevaban una especie de tela de unos cinco metros de largo que se llamaba feileadh mor y que se recogía y ataba con un cinturón. Hoy no es común que los escoceses lo usen en su vida diaria, pero sí es una costumbre llevarlo en celebraciones y ocasiones especiales.

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Glosario para desfilar Si es un principiante o un explorador en el mundo de la moda, necesita conocer algunos de estos conceptos para entender (y criticar) lo que ve en las pasarelas y revistas especializadas.

• Haute couture: se refiere a las prendas y colecciones de alta costura, es decir, que fueron hechas a la medida por renombrados diseñadores y, con mucha frecuencia, usando diseños y estampados muy exclusivos y únicos.

• Prêt-à-porter: expresión francesa para ready to wear, es decir la ropa producida en serie con patrones que se repiten en función de la demanda, que se crean en diferentes tallas establecidas por la industria y que son mucho más accesibles que la alta costura, aunque no dejan de ser, en mucho casos, artículos de lujo.

• Fashion victim: es un término que identifica a quienes se obsesionan con vestir a la última moda, siguiendo las tendencias en una medida extrema, sin importar la cantidad de dinero que gasten y si en verdad las prendas les favorecen. Suelen ir llenos de logos.

• Streetwear: se refiere a la ropa de calle inspirada en la cultura del skateboard, el surf, el hip hop y la actitud anti-establishment. Más que una tendencia, se ha convertido en un estilo.

• Boho-chic: es la mezcla de los estilos bohemio y hippie, pero llevados con mucho más glamour. Chalecos, sombreros, flecos y botas son algunos de los indispensables para este look.

• Vintage: son prendas u objetos que fueron diseñados y fabricados en épocas pasadas.

Comúnmente se usa para referirse a creaciones de grandes diseñadores que se conservan en muy buen estado y que tienen un gran valor.

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ABRIDORES

Mejor que el maquillaje Para disimular la falta de sueño y el cansancio que dejan las fiestas de las grandes marcas, Aesop tiene un kit de viaje con las cremas, shampoos y aceites que darán frescura a su look. aesop.com

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Los indispensables La maleta No hay maleta más icónica que una de Louis Vuitton. El modelo Zéphyr 55 combina la artesanía tradicional de la marca con un diseño ideal para los viajeros que saben exactamente qué llevar.

Masaryk 460, Polanco, México, D.F.

Moda y comodidad La reina del hippie chic, Isabel Marant, enamoró a todas con sus tenis de plataforma. La sobresaturación y miles de copias la llevaron a alejarse de los tacones con estos tenis que hoy son los favoritos. net-a-porter.com

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Para no perder el tiempo Si quiere estar pendiente de los desfiles en Londres, Nueva York y Milán al mismo tiempo, necesita este reloj de Jaeger-LeCoultre en piel y oro rosa, que le permite registrar tres horarios a la vez.

Masaryk 440, Polanco, México, D.F.

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Lo clásico Si quiere imágenes que duren más allá de lo digital, no olvide llevar una cámara de calidad, como la Leica que, además, tiene una edición especial diseñada por Hermés. linio.com. mx

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Conocer y descubrir lo nuevo en el mundo de la moda requiere de mucho más que los boletos de avión y los pases de entrada a los desfiles. Estos son algunos de los artículos indispensables para cualquiera que deseé pasearse por los grandes desfiles con el mejor look y un buen survival kit.

Bolso multiusos En medio de un fashion week hay que ahorrar tiempo y, si es posible, sobrevivir con un bolso para toda ocasión, el modelo clásico de Saint Laurent, Duffle, en piel negra es fácil de combinar y adaptable a cualquier entorno sin dejar de ser sofisticado. net-a-porter.com

Cuando calienta el sol Siguiendo la tendencia de cat eye, estos lentes Burberry son un gran accesorio para estar a la altura de los personajes en un Fashion Week.

C.C. Antara. Ejército Nacional 843, Polanco, Mexico, D.F.

Los tesoros de la moda Para no perder ni un arete y poder cargar con todos los accesorios que requiere la ocasión, Eddie Borgo tiene unos joyeros transportables de piel de cocodrilo, que mantendrán intactas las piezas y el estilo de quien lo carga. shopbob.com/eddie-borgo

DE LA A A LA Z

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De la pasarela a los museos Alexander McQueen Del 14 de marzo al 2 de agosto, el museo Victoria & Albert en Londres recibirá una de las muestras que en el Met de Nueva York en 2011, tras la muerte del creador en 2010, batió récords de visitas. Alexander McQueen: Savage Beauty, con 240 piezas, es un recorrido por las creaciones del inglés pero también una visita a las obsesiones de un artista atormentado.

Dries Van Noten De febrero a julio, el MoMu Antwerp Fashion Museum será el recinto para Inspirations, exposición que muestra la obra del diseñador belga. No sólo se podrán ver sus piezas emblemáticas, también se mezclarán con sus influencias de las artes decorativas, la música y otras referencias que lo han inspirado. Esta exposición, que se presentó meses antes en París, fue una de las más visitadas del año pasado.

La moda es efímera, pero no sus creadores. Grandes diseñadores han creado piezas tan excepcionales que parecen estar hechas para la posteridad, para dejar un legado en el mundo de la alta costura convertida en arte.

Presentamos a algunos de los creadores que este 2015 ocupan las salas de los museos más visitados.

Christian Dior En 2013 se formó una exposición en la casa donde Dior pasó su infancia. Se presentaron vestidos y accesorios que establecían la relación del trabajo de Dior con el de los impresionistas, de ahí el nombre de la muestra, Impressions Dior. Esta exposición fue temporal, pero algunas de las piezas se presentan hasta el 2016 en el Fashion Museum de Reino Unido, en la exposición The great names of fashion, que incluye también piezas de Balenciaga y Lanvin entre otros.

Karl Lagerfeld El director creativo de Chanel y Fendi dice que no asistirá a la muestra en el Art and Exhibition Hall de Bonn, Alemania, país donde nació. La exposición (que estará hasta el 13 de septiembre) comienza con un abrigo amarillo con el que ganó una competencia en 1954 y hace un recorrido por su carrera en Chloé, Fendi, Chanel y su propia marca en más de 100 prendas y accesorios.

Cristóbal Balenciaga The Lace Magician podrá verse del 18 de abril al 31 de agosto en Calais, Francia. La selección abarca su trabajo entre los treinta y los sesenta, enfocado en sus reconocidas creaciones con el encaje como uno de sus principales elementos. Además, la exposición también brinda la oportunidad de descubrir a otros grandes personajes que han hecho piezas únicas con este material, como Marescot, Dognin o Brivet.

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Días de moda Durante cuatro semanas Nueva York, Londres, Milán y París se llenan de glamour para posicionarse como capitales de la moda. Aquí se han marcado tendencias, lanzado a la fama nuevos diseñadores y se han convertido en algunos de los eventos más esperados por periodistas, celebridades, bloggers y muchos curiosos.

En años recientes muchos diseñadores han mostrado colecciones que suelen ser más comerciales y ayudan a acortar la espera de los clientes para la nueva temporada: Resort/Cruise y Pre-Fall. Conózcalas.

París Se presentan las grandes marcas como Dior, Chanel, Cèline, Chloé, Louis Vuitton, Comme des Garcons, en fin. La front row se convierte en una segunda pasarela, al igual que los jardines parisinos, y la ciudad se llena de críticos especializados y grandes celebridades. Al menos el 30% de las marcas de lujo participan

en este evento, por lo que se considera uno de los más grandes y destaca por sus exhibiciones de alta calidad —no hay que confundir con alta costura, eso se presenta otra semana—, muestras sofisticadas como ninguna. Las estrellas del street style suelen guardar sus mejores atuendos para estos días.

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Décadas que marcaron tendencia En el siglo xx, la ropa pasó de ser una necesidad a un evolucionado gusto por la estética. A lo largo de la historia los estilos, materiales y cortes se han transformado hasta lo que hoy vemos en las pasarelas. Aquí un recorrido por las décadas que marcaron el rumbo de la ropa que usamos.

26 | la revista

1910-1920

1920-1930

En una década marcada por la Primera Guerra Mundial y sus carencias, las mujeres se liberaron del corsé, la silueta se hizo completamente plana y el look andrógino se generalizó. Coco Chanel impuso las prendas unisex como el jersey y ayudó a desaparecer la falda larga de la década anterior. El cabello, que hasta entonces lucía ondulado, comenzó a peinarse con raya al estilo Lillian Gish que era el ideal a seguir por las mujeres.

1930-1940

Fue la década de las flappers, mujeres jóvenes que usaban faldas cortas, no llevaban corsé y lucían un corte de pelo denominado bob cut con una cinta en la frente. El maquillaje se usaba muy recargado, artificial: los ojos muy negros, la boca roja y las cejas cuidadosamente perfiladas en forma semicircular. Además, la misma Chanel impuso la moda de broncear la piel, pues decía que la palidez era de los pobres que trabajaban encerrados día y noche.

1940-1950

Las faldas a la cintura natural fueron muy populares.

Aparecieron la cremallera, los vestidos de noche diseñados con chaquetas a juego y el rosa Schiaparelli. El terciopelo y la pana se usaban para la ropa de invierno y se diseñó un nuevo modelo para los trajes de viaje: mucho más simples y cómodos, con un botón único y enorme en la cintura, para hacerlo más entallado. A finales de la década aparecieron los escotes halter y los abrigos de piel eran muy usados.

La Segunda Guerra Mundial llevó a distintos países a regular la cantidad de tejido en cada prenda. Esto llevó al uso de la falda recta y trajes con estilo militar. Al terminar el conflicto, ya en 1948, triunfó el new look de Dior: una marcada silueta con una cintura estrecha y volumen en hombros y pecho.

Se aumentó el vuelo de las faldas pero se mantuvo debajo de las rodillas; los zapatos se estilizaron haciéndolos más puntiagudos, usaban abrigos de paño, bolsitos al codo y los más elegantes sombreros.

DE LA A A LA Z

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Nueva York

Londres

Milán

Abre el calendario con unos 300 desfiles. Se ha convertido en una cita obligada no sólo para diseñadores y ejecutivos de la industria, sino para personalidades del cine, la música y el arte. Surgió en 1943 con la intención de mostrar la moda americana, que siempre quedaba a la sombra de la francesa. Nueva York es famosa por looks más casuales y participan marcas como Marc Jacobs, Jason Wu, Tommy Hilfiger y Alexander Wang.

Se celebra habitualmente en el Somerset House, con la exposición de las colecciones de más de 100 diseñadores que buscan mostrar aquí sus piezas más vanguardistas y atrevidas. A pesar de durar pocos días es muy recurrida sobre todo por compradores. Uno de los desfiles más esperados de la temporada, el de Alexander McQueen, se lleva a cabo aquí. También se presentan firmas como Burberry, Vivienne Westwood, Tom Ford y J.W. Anderson.

Es uno de los más espectaculares y opulentos del mundo, y claro que no podría ser más italiano. Todo el glamour y el brillo de las principales marcas italianas se despliega en la pasarela del Milano Fashion Center, en una ciudad que se cuenta entre las primeras en venta de ropa y artículos de lujo. Roberto Cavalli, Dolce & Gabanna, Gucci y Prada son algunos de los que se dan cita dos veces al año para mostrar allí sus diseños.

1950-1960

1960-1970

1970-1980

1980-1990

1990-2000

Para lograr la acentuación de las curvas, reaparece el uso del corsé, que había desaparecido durante las primeras décadas del siglo xx. Las chicas vestían faldas amplias, zapatillas con soquetes, suéteres ceñidos y no usaban maquillaje. Los jeans se vuelven una prenda de moda, dejando de ser una prenda de trabajo, gracias a la influencia de grandes estrellas de la música y el cine, como Elvis y James Dean.

Para algunos fue la época de la ebullición hippie, con una fuerte tendencia hacia lo natural, con colores suaves, tejidos artesanales, peinados que dejaban al cabello lucir en su estado más salvaje. Pero también fue una década en la que las mujeres modernas e independientes deseaban demostrar estas cualidades cortándose el pelo al estilo impuesto por Mary Quant (apodada la reina de la minifalda) que consistía en un peinado “champiñón” como lo usaban los Beatles.

Fue una época dominada por la moda “disco”: pantalones ajustados en la parte superior y holgados en la parte baja, estampados coloridos tanto en hombres como mujeres, uso de seda y telas suaves con mucho movimiento que permitían bailar la noche entera. Los peinados aireados al estilo Ángeles de Charlie eran los mas imitados y los afro eran muy populares.

Se comenzaron a usar camisetas holgadas y pantalones ajustados. Las chaquetas, las hombreras y la mezclilla deslavada eran artículos indispensables. Tras el lanzamiento de “Like a Virgin”, Madonna se convirtió en un ícono de para muchas mujeres que copiaron sus faldas cortas, usadas sobre polainas, sostenes que se asomaban de las blusas, crucifijos, joyas y guantes de red. También fueron populares los entalladísimos vestidos de lycra que dejaban al descubierto casi la pierna entera.

Esta década arrancó con mucho glamour, sobre todo por las top models de entonces.

El concepto de “mujeres trabajadoras” tenía ahora un agregado: tenían que ser esbeltas y seductoras, pero manteniendo una apariencia natural y casual. La mezclilla y los colores intensos eran infaltables. Paralelamente comenzó la búsqueda por la individualidad y surgió el grunge, que mostraba un fenómeno antimoda, con mujeres desaliñadas y mal combinadas como Courtney Love.

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Moda: fenónemos y obsesiones | Junio/Julio 2015

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Platicamos con la olfatóloga de Givenchy, Françoise Donche, con motivo de su visita a México para presentar Dahlia Divin, sobre todo lo que implica la creación de un perfume.

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La mexicana Alondra de la Parra es reconocida mundialmente por ser una de las pocas directoras de orquesta. Se presentará pronto en el Auditorio Nacional y nos contó sobre los inicios, su carrera y sus planes a futuro.

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Perfiles

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La creación de una marca no es tarea fácil, mucho menos cuando se explora un nuevo mercado y un país que no es el propio.

Juan José Acevedo lo ha hecho con gran éxito con su marca East Club London y esta es su historia.

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Françoise Donche El arte del aroma por: Andrea Villanueva fotos: Ignacio Galar

Crear un perfume no es tarea fácil, y mucho menos lo es crear una colección de los mismos. La perfumista francesa lo ha hecho magistralmente para Givenchy durante más de 20 años y visitó México para platicar sobre Dahlia Divin, su más reciente creación.

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Los Alpes franceses parecen salidos de un cuento. Hay picos nevados en pleno verano y cabras en la casa de al lado. Fue ahí donde creció Françoise Donche —olfatóloga, experta en aromas para la casa Givenchy— rodeada de los aromas de la naturaleza. Y fue ahí, a muy temprana edad, que descubrió que su verdadera pasión en la vida sería cualquier cosa relacionada con el sentido del olfato. Aún recuerda que durante su infancia en los Alpes su curiosidad iba siempre hacia el jardín de su madre, lleno de flores y plantas comestibles, y donde comenzó a experimentar sensaciones olfativas.

Hoy en día, esa curiosidad la lleva a buscar inspiración en los lugares más insospechados, que van desde la literatura y la música hasta sus viajes por los cinco continentes y exhibiciones de arte en París, donde vive y trabaja.

Toda esa energía, descubrimientos y experiencia —tiene más de 30 años en el negocio de la perfumería— la vuelca en los perfumes de la casa Givenchy, en la que ha trabajado durante más de 20 años con narices tan reconocidas como Carlos Benaïm y Sophie Labbé en la creación de Very Irrésistible o Jean Jacques, con quien creó Gentlemen Only.

Françoise Donche viste elegante, impecable y al instante se puede ver que es sumamente francesa y de esas personas que aman su trabajo. Es una especialista en materiales nobles, crudos, pero también tiene un lado corporativo, ya que además coordina el desarrollo, evaluación y promoción de cada una de 32 | la revista

las fragancias que lanza la marca. Que por cierto, basa la mayoría de sus aromas en las flores y la madera.

Françoise Donche no es cualquier perfumista, al contrario, tiene un estatus casi de celebridad en el mundo de los aromas. En Givenchy no solamente es la especialista en perfumes, es también la encargada de encontrar nuevos conceptos que personifiquen el legado aromático de la maison. Su título es complicado, pero le gusta ser conocida como “olfatóloga” o experta en aromas. Una profesión nueva o ambigua pero de cualquier forma interesante. Es un título que quizá confunda a muchos, pero para Donche es importante el recalcar que todas las personas del mundo tienen un sentido del olfato. Un sentido que es tan importante como los otros cuatro. Un aroma es tan importante como los colores o cómo se siente algo, el sabor de un alimento y una melodía. Hacer perfumes, dice Donche, “es un arte, así como la música”.

Pero llegar hasta donde está no ha sido una tarea fácil, su pasión por los aromas no era suficiente y por lo tanto a los 22 años se inscribió en la prestigiosa escuela ISIPCA —la única escuela en Francia dedicada exclusivamente a los estudios olfativos—, en Versalles, donde estuvo tres años estudiando todo lo relacionado con el sentido del olfato.

E N 19 5 8 , H U B E R T DE GIVENCHY LE PIDIÓ A SU AMIGA AUDREY HEPBURN SER L A IMAGEN DE SU PERFUME L’ I N T E R D I T, RE VOLUCIONANDO EL MUNDO DE L A PUBLICIDAD AL SER EL PRIMERO EN USAR A UNA ACTRIZ COMO IMAGEN DE UN P RODUC TO.

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DE LA MODA AL CONCEPTO Y AL PRODUCTO FINAL

Es fácil asumir que el área de belleza de una gran empresa está completamente separada de la parte de moda, pero no es así.

Françoise Donche se reúne con el equipo de Ricadro Tisci, encargado de la parte de las prendas de Givenchy, más o menos cada tres meses para empaparse de lo que se está haciendo, especialmente en términos de identidad y femineidad.

La forma en que se entienden unos con otros tiene que ver con el amor que le tiene cada uno a su profesión. Para la olfatóloga no hay nada más importante que el amor al trabajo que cada uno realiza así como el respeto a la marca. Comenta que es también importante permitir a cada una de las personas que son parte del equipo creativo tener su propio espacio.

Una de las innovaciones que llevó Donche a la casa Givenchy fue la de, en 1995, establecer un grupo de alrededor de 150 personas que trabajan en la empresa y a quienes consulta en cada uno de los proyectos que realiza. Puede que lo haga muy al principio del proceso o ya llegando al final, lo que es seguro es que se trata de conocer sus reacciones emocionales, de descubrir detalles que quizá ella ya no vea por su inmersión en la creación del producto o de confirmar que el empaque de una fragancia encaja con el concepto.

El siguiente paso es uno de sus favoritos ya que implica la comunicación con el cliente. Recientemente han surgido fragancias 33

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de celebridades que se venden como pan caliente, pero en Givenchy están firmes en su postura de que la calidad y el lujo aún atraen a los consumidores que ellos buscan. Donche quisiera volver a aquella época en que los vendedores ayudaban al cliente a elegir una fragancia casi como una receta médica, conociendo su historia y sus gustos. El mercado de hoy no deja espacio para eso pero se hace necesaria una evolución y ella se siente optimista: “creo que la distribución de fragancias aprenderá y evolucionará”.

Contrario a lo que uno pensaría, Donche sorprende a propios y extraños cuando confiesa que trata de visitar al menos una vez por trimestre los puntos de venta. “Para mi generación, la creación incluye un contacto cercano tanto con la clientela como con los equipos de ventas. Yo necesito hablar con los clientes para entender sus deseos y lo que buscan”, cuenta. Además, asegura, debe tener en consideración que es necesario apegarse a la imagen de la casa de moda. “No cualquier fragancia tiene sus raíces en la alta costura”. Y mucho menos en una casa de la importancia de Givechy.

Dahlia Divin Creada por François Demachy, Dahlia Divin, la más reciente creación de Parfums Givenchy tiene como casi todas fragancias de la casa, con acentos florales y de madera. La olfatóloga decidió crear un aroma “delicado y encantador con el balance perfecto entre notas coloridas y jugosas”. Es un perfume que busca dar brillo como el oro, para mujeres con personalidad. Las primeras notas de ciruela mirabelle conviven en armonía con el jazmín y el elegante sándalo dando como resultado una fragancia radiante, mágica.

El frasco es como un vestido de alta costura que, por supuesto, es dorado como la misma fragancia y remite a los más hermosos vestidos creados por la casa fundada por Hubert de Givenchy. El detalle que da el toque final es el logo en dorado de Givenchy que puede verse desde cualquier ángulo que se vea el frasco.

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EN SU EXPERIENCIA

Sería increíble pensar que ella utiliza solamente un perfume, de hecho usa unos 70 perfumes por año porque tiene que probar y conocer de todo. Pero su aroma favorito es el de una esencia que conoció en Marruecos y es conocida como aciano. En general cualquier aroma “picante” le llama la atención pero se los deja a los chefs y se va un poco más hacia el lado de los aromas verdes como el gálbano. “De cualquier forma”, dice, “no intento imponer mis preferencias en las creaciones para Givenchy”.

Entre los perfumes que ha creado a través de su carrera, uno de los que recuerda con más cariño es Hot Couture que ideó en el año 2000 de la mano del diseñador Alexander McQueen —que en ese entonces era director creativo de la marca— y las narices Alberto Morillas y Jacques Cavallier. Donche recuerda la fragancia como una “creación muy extraña”, una combinación entre frambuesa y ámbar. “Me encanta usar Hot Couture”, cuenta. “Es un perfume que llama muchísimo la atención.

Incluso me han detenido en la calle para preguntarme qué es lo que estoy usando”. Y lo

Quiero ser olfatólogo Para dedicarse a los aromas, ya sea en el ámbito de la cosmética o en el de los saborizantes de alimentos, la mejor escuela es el isipca (Instituto Superior Internacional del Perfume, la Cosmética y los Aromas alimenticios, por sus siglas en francés).

Fundada en 1970 por Jean Jacques Guerlain como isip (Instituto Superior Internacional del Perfume), desde 2004 ofrece —en colaboración con la Universidad de Versalles— estudios de posgrado en perfumería, cosmética y saborización de alimentos.

Además, estudiar en sus instalaciones es un deleite, ya que se trata de antiguos edificios renovados por los arquitectos parisinos Philippe Ameller y Jacques Dubois.

FRANÇOISE DONCHE

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“L AS FRAGANCIAS SON UNA FUENTE INTERMINABLE DE BELLEZ A Y PL ACER, COMO HECHICEROS QUE E VOC AN EMOCIONES.” –Françoise Donche

curioso es que en Francia no es muy común que alguien lo lleve, pero es uno de los más vendidos en Canadá y Europa del Este.

Pero dejando de lado la mercadotecnia o las preferencias aromáticas de una región, la experta asegura que más que elegir un aroma o una fragancia como su favorita, lo más importante es el apego emocional que inspira una fragancia. Para eso es para lo que trabaja.

Hoy Françoise Donche ha dejado atrás los Alpes por el decimoséptimo distrito de París, en el que se aleja del estrés y la agresividad de los parisinos del centro. Se trata de un barrio lleno de familias y artistas donde puede caminar a comprar sus propios víveres. Ahí mismo busca inspiración para sus creaciones visitando boutiques o pasando el rato en un café leyendo un libro — principalmente uno con historias de heroínas. La parte de su tiempo que no está en París la pasa en aviones y hoteles, ya que su trabajo con Givenchy la lleva un par de veces al año a Nueva York además de visitar constantemente distintas partes de Europa y uno que otro país asiático.

En un futuro, cuenta, ve un buen panorama para los perfumes. Quizá sea cierto que los consumidores busquen comprar menos pero es cierto también que buscan productos mejores. “Es tarea nuestra entender cómo debe evolucionar el perfume para que la gente siga queriendo usarlo. Es decir, mantener viva la fantasía”, porque de eso se trata la creación de un perfume… de crear una fantasía, la idea de una persona.

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Alondra de la Parra, una atmósfera por: Santiago Oria Probert fotos: Cortesía

Alondra de la Parra es una de las personalidades más sobresalientes de la música en México, como directora de orquesta alcanzó un reconocimiento internacional que pocos en el mundo comparten y su camino para lograr este éxito la eleva, como persona, todavía más alto.

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Mi conversación con Alondra de la Parra comenzó con nervios, quizá por la emoción de conocerla tras varios meses buscando esta entrevista —sus compromisos la obligan a viajar constantemente—, tal vez por la poca capacidad que tengo para entender los matices exquisitos de su profesión como directora de orquesta —no sé tocar ni el timbre— y seguramente impactado por su belleza, tranquilidad, seguridad al momento de conversar.

Sin embargo estos nervios desaparecieron muy rápido: el amor que tiene por su trabajo, por su industria en general, y su cordialidad para atender mis despistes y responder con lucidez a cada pregunta me obligaron a pensar en los músicos de su orquesta, exponenciados por su presencia.

Dicho esto, mi primera pregunta fue simple, ¿cuál es la ruta para convertirse en director de orquesta?

Tras una pequeña risa de su parte y acomodarse bien en un pequeño sillón azul —anticipando una larga respuesta que a la postre me llevaría a pensar en ella como una atmósfera— comenzó: “toco piano desde los siete, cello desde los trece e iba a muchos conciertos con mis papás, desde entonces la dirección de orquesta ya me hacía ojitos. Me encantaba ver grandes conjuntos, eran los que más me emocionaban. Músicos emitiendo sonido juntos, acompañándose, yo quería estar con ellos”. Esta convicción, tan difícil de encontrar en personas de cualquier edad, fue definitiva en su toma de decisiones los siguientes años. Aún más, lo sigue siendo hasta ahora.

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Sin embargo, la convicción y el talento muchas veces no son suficientes. Se necesita de algo o alguien que te ayude a desarrollarlos y en el caso de la dirección orquestal no es fácil, “yo no tenía amigos que estudiaran esto, no era una carrera que se ofreciera en muchas universidades y tampoco tenía un modelo a seguir, eso lo hacía muy difícil”. Así que ella decidió trazar su propia ruta, “las bases del piano son las más sólidas que tengo para dirigir, el cello me dio un conocimiento de las cuerdas, que es fundamental para un director, luego me metí al Centro de Investigación y Estudios de la Música (ciem) a estudiar Composición Musical, pero entré realmente para entender el punto de vista del compositor cuando se es director”.

En estos momentos Alondra ya tenía las bases para ser intérprete, compositora y posiblemente muchos otros oficios tangenciales a la industria musical, pero en verdad era una coleccionista de herramientas, “para ser director tienes que ser el mejor músico que puedes ser, explorar todos los campos de la música y aprender.

Saber las capacidades y limitaciones de todos los instrumentos para saber qué pedirles”.

Así, se fue a Nueva York, a la Manhattan School of Music para hacer una Licenciatura en piano. Al mismo tiempo se ofreció como voluntaria para acomodar bancos y partituras en una orquesta, para

ALONDRA DE L A PARRA

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“SI NO PUDIERA S ESCUCHAR, CON V E R A L DIR EC TOR S E RÍ A S C A PA Z DE S A BE R QU É PIE Z A E S TÁ DIRIGIE N DO.” montar escenarios y asistir directores —“hay una parte que no se puede enseñar, sólo aprendes observando”. En ese periodo, antes de cumplir 25 años, fundó la Orquesta Filarmónica de las Américas. Pero de ésta hablaremos más adelante.

Al terminar la Licenciatura, dispuesta a alcanzar definitivamente su objetivo y apoyada por su Maestro, Kenneth Kiesler, pidió ante el comité académico de su universidad que le aprobaran un currículum de cursos que mezclaba composición, interpretación orquestal y otras materias que sumaban para su causa, y que con ellas le otorgaran una Maestría en Dirección de Orquestas. El proyecto trascendió con una beca de dos años, dos generaciones más con ese programa de materias, que más tarde creció y se estableció definitivamente, y sus pininos como educadora, pues para ese entonces ya

entrenaba a las tres orquestas de la universidad. Nuevos logros, nuevas herramientas, nuevos oficios.

Ahora bien, en algún momento preparando la entrevista leí que los directores de orquesta en cierta forma crean covers de las canciones, ya que su manejo de tiempos y sonoridades es distinto, además de que la forma de contagiar su personalidad a los músicos es por demás única. En ese sentido, Alondra de la Parra reconoce no conocer su estilo o matiz personal, “eso es algo que se definirá con el tiempo y con la gente que lo aprecie o analice. Yo no lo conozco por ahora. Interpreto obras diferentes, de muchos estilos y épocas e intento siempre apegarme a la partitura, entender de donde viene la obra y la idea del compositor, busco que las obras, cuando cobren vida, vengan con un esfuerzo del 300% de los músicos con los que trabajo. Las diferencias entre 39

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“ PA R A E N T E N DE R S E CON LOS M ÚSI COS U N GE S TO, U N MO V IMIE N TO, P U E DE S E R S U F I C I E N T E . Y H AY C O S A S Q U E S E R E S U E LV E N SOL A S, POR COMPLICIDAD.”

directores tienen que ver con la personalidad, que se impregna nada más pararse en el podio”.

Personalidad por contagio. Una gran arma cuando trabajas con personas, talentos, idiomas y músicas de todo el mundo, “cuando viajas te encuentras orquestas con personalidades e idiosincrasias distintas y te tienes que adaptar a lo que está sucediendo, hacer que todos se suscriban a tu idea para trabajar de manera armónica. Tienes que saber si están cansados, contentos, la situación de la orquesta, incluso si les caíste mal o bien. Esa es una parte muy interesante.

Somos humanos y no pianos a los que siempre que le das un La va a sonar un La. Somos momentos”.

Regresando a la Filarmónica de las Américas. Ahí es donde ella recuerda muchos de sus momentos más especiales, 40 | la revista

“con ellos aprendí, crecí, tuve retos importantes y arranqué desde muy chiquita con muchas responsabilidades. Siempre conté con el apoyo de esos músicos, combinando disciplina, respeto, relajo y responsabilidades”.

La Philharmonic Orchestra of the Americas (poa) fue fundada en Nueva York y arrancó como un proyecto para un único concierto, pero su éxito los convenció de hacerla permanente, “nunca imaginé el impacto que iba a tener hasta que ya estábamos haciendo giras y discos, su importancia está en promover música y músicos de las Américas y en la frescura de sus integrantes, jóvenes con un rigor y profesionalismo muy alto”.

Esta Orquesta, hoy en día sólo se junta por proyecto. El año pasado tocaron para celebrar su primera década de vida y en julio próximo, el día primero

para ser exactos, vuelven a presentarse para interpretar, en un evento extraordinario, la música de Leonard Bernstein para la película Amor sin barreras (West Side Story), en un espectáculo audiovisual que incluye los diálogos y escenas completas de la película clásica de 1961, pero musicalizada en vivo. La sede para este evento será, nada más y nada menos, que el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Ya hemos hablando antes de las múltiples herramientas y competencias que posee nuestra entrevistada; ahora hay que sumarle productora. Este proyecto ella lo conoció con la London Symphony Orchestra y por su cariño con la obra decidió que sería bueno traerlo a México: “cuando me enteré de que ya habían logrado separar las imágenes del audio para poder musicalizarse en vivo dije ¡lo quiero hacer! Conseguí los derechos y empecé a preparar el proyecto”.

Ya muy cerca de finalizar la entrevista, asombrado por su dominio de una gran inmensidad dentro del espectro de la industria musical, mi curiosidad me obligó a preguntar ¿hasta dónde? “Siempre hay algo que te falta, trabajar con más compositores, conocer más obras a fondo. No hay un zona de confort, los grandes directores, los más capaces se mueren sintiendo que no sabían suficiente”. Claridad y contundencia.

La imaginé hablando con los músicos como habló conmigo, comunicándose incluso sin palabras, anunciando los sonidos e interpretaciones emocionales de la música con su cuerpo, con una batuta, siendo ellos.

Y los imaginé a todos entendiendo, empáticos en su totalidad, leyendo cada gesto de su directora quien sin acciones aleatorios aparece como una gran atmósfera que todo lo abarca, que crea, que comparte.

ALONDRA DE L A PARRA

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Educación musical “El aprendizaje musical es fundamental para poder apreciar la música —y tener una vida con música, que es mejor—, pero con ella un niño aprende a abstraer, conoce de disciplina, respeto, puntualidad, aprende a ser parte de algo más que lo individual, descubre la generosidad de sublimar al otro, de hacer cosas para hacer feliz al otro.”

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Juan José Acevedo Trotamundos del diseño por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía del diseñador

Juan José Acevedo vive el sueño de cualquier diseñador de moda al tener su propia marca con una tienda en Londres y una en línea que entrega en todo el mundo. Conozca la historia del exitoso fundador de East Club London.

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No es común que un arquitecto mexicano, estudiante de un máster en finanzas en Hong Kong, hoy viva en Londres diseñando una marca de ropa.

Pero a pesar de ser poco común, es el caso de Juan José Acevedo quien —casi por casualidad— fundó East Club London hace cuatro años.

La historia de Juan José y su marca parece el sueño de cualquier diseñador, pero más que un sueño es una historia de trabajo y dedicación. Por puro gusto, el arquitecto por la Universidad Iberoamericana y el Politécnico de Milán comenzó a diseñar y confeccionar su propia ropa mientras estudiaba un máster en finanzas en Hong Kong. Tras haber vivido en dicha ciudad, así como en Chicago, Milán y Madrid antes de llegar a Londres, Juan José tenía un panorama muy amplio y una idea muy clara de cómo le gustaba vestir: buscaba prendas

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creadas con textiles de lujo pero accesibles y con diseños que no pasaran de moda.

Compraba telas en Italia y diseñaba sus propias camisas “just for fun”, cuenta.

En poco tiempo la gente comenzó a preguntar dónde la compraba y Juan, quien siempre quiso trabajar en retail, decidió crear su propia marca. Se inspiró en el mundo del arte, la fotografía —también es fotógrafo—, el cine y en sus viajes. Decidió mudarse a Londres.

Ahí comenzó con la creación de East Club London como marca y hoy hace prácticamente todo lo relacionado con ésta: diseña la colección, busca distribuidores y puntos de venta, hace las relaciones públicas, asiste a ferias de telas, en fin, trabaja casi 20 horas al día.

JUAN JOSÉ ACEVEDO BUSC ABA DIVERTIRSE AL DISEÑAR SU PROPI A ROPA , HOY HA CONVERTIDO ESE HOBBIE EN UN N EGO CIO QU E O CU PA C A SI EL CIEN POR CIE N TO DE S U T IE M P O.

JUAN JOSÉ ACEVEDO

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EAST CLUB LONDON

La marca que Juan José fundó en Londres vende sus productos en línea con envíos a todo el mundo, pero también tienen productos específicos en puntos de venta en diferentes países. Incluyendo México, donde vende algunos accesorios en la tienda 180º en la colonia Roma. Por el momento East Club London no se vende en grandes almacenes pero quizá en un futuro así sea.

East Club London lleva ese nombre por dos de los grandes amores de Juan: Asia, donde vivió varios años, y la zona de Londres conocida, precisamente, como East London. Además, cuenta, “a los ingleses les encanta pertenecer a un club” y así nació el nombre. Por su parte, el logo es un elefante que hace alusión a las colonias británicas del este, principalmente la India.

El estilo de la marca es decididamente británico pero tomando inspiración del estilo usado por quienes vivían en las colonias de finales del sigo XIX y principios del XX. Resulta curioso, por el estilo de la marca, que ésta tenga su base en Shoreditch, un área de Londres que no es realmente asociada con corbatas de moño y sacos de tweed… a menos que sea de forma irónica.

Y es que quizá ese sea el éxito de East Club London, la forma en que Juan José intenta combinar el estilo preppy característico de los ingleses clásicos con las influencias urbanas de la zona este de Londres, donde la escena musical y de innovación cultural se ha desarrollado desde el siglo pasado.

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E A ST CLUB LONDON ES FIEL REFLEJO DE L A V ID A C O S MOP OL I TA DE JUAN JOSÉ, QUIEN HA VIVIDO EN LUGARES TA N DI V E R S O S C OMO LONDRES, MÉXICO, MIL ÁN Y HONG KONG. Juan decidió no tener exactamente dos colecciones por año y surtir frecuentemente sus tiendas con nuevos modelos. Por supuesto, sí hay una distinción entre la ropa de una temporada y la otra —en los meses de calor ofrece, incluso, trajes de baño— pero como decisión comercial fue una buena estrategia. Al producir sus prendas en las mismas fábricas de Europa —que van desde Portugal a Lituania— que utilizan grandes casas, él debe elegir fechas distintas porque se le da preferencia a marcas que solicitan mayor volumen.

Tras dos años de investigación sobre telas, fábricas, puntos de venta y un curso de patronaje en el London College of Fashion, Acevedo por fin lanzó su marca como tienda en línea. Entre los errores que Juan José cuenta sobre empezar un negocio, fue querer abarcar demasiado. La primera colección de East Club London tenía de todo, desde camisas y trajes hasta pañuelos y corbatas.

Aún así, al ser persistente y gracias, en gran parte, a utilizar el concepto de tiendas pop up, East Club London sigue creciendo como marca. Lo había hecho en Londres —en Soho una y otra en Carnaby St.— y al tener muchos clientes franceses decidió aventurarse a hacerlo en París. “Mis mejores clientes en la tienda de South Kensington son franceses, por lo que decidí hacer una pop up en París”, cuenta. Pero se equivocó al pensar que el público sería similar ya que el mercado es muy diferente al londinense, los clientes son mucho más cerrados y no fue sino llegando al final de los cuatro meses que la clientela comenzó a acercarse.

Pero la experiencia no fue del todo negativa, ya que al pasar por una de estas tiendas temporales la gente comienza a familiarizarse con la marca y es más fácil que compren en línea. Como ya sucede con personas 46 | la revista

JUAN JOSÉ ACEVEDO

E A ST CLU B LON D ON Tienda en South Kensington 42-44 Thurloe Street, Londres, SW7 2TN, Reino Unido T. 44 (0) 20 3718 4012 eastclub.co.uk Facebook: EastClubLondon Twitter: @EastClubLondon

de países tan dispares como Australia, Brasil y hasta China. Los clientes han mostrado especial preferencia por las camisas de vivos colores y el trench coat tan característico de los ingleses más clásicos. Otro acierto fue el branding que decidió dar Juan José a la marca, por ejemplo la tela que utiliza para forrar los sacos suele ser estampada y en la página web se anuncia dónde fue creado cada uno de los productos.

MÉXICO COMO MERCADO Y EL FUTURO

Al preguntar al diseñador sobre su decisión de comenzar con su marca en Londres y no en su natal México, asegura que fue una decisión totalmente comercial y no de otro tipo. “El mercado mexicano es muy raro”, cuenta. “Tal vez hubiera sido más fácil lanzar la marca en

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México por tener todos los contactos y el acceso a publicidad gratuita o presencia en todas las revistas con un simple coctel”. Pero también es cierto que de haberlo hecho así hubiera sido más difícil salir a buscar otros mercados.

Habiendo conquistado ya varios de estos mercados —vende distintos productos en pequeñas boutiques en Hong Kong, Madrid, Singapur, Sidney y más— quizá su próxima aventura sea en territorio femenino. “Diseñar para hombres es mucho más fácil”, asegura Juan, “es casi el mismo patrón con diferentes textiles y algunas variaciones”. Pero muchas amigas suyas le han pedido que cree algo para ellas. “Quizá un colección cápsula de vestidos muy clásicos”, finaliza sin asegurar nada. Habrá que esperar sus siguientes pasos.

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E ESPECIAL

LUXURY LAB

RETHINKING LUXURY Este año se presenta la quinta edición de LuxuryLab en México, el congreso más importante de marcas y viajes de lujo en América Latina. Conozca la idea detrás de esta plataforma y a algunos de los ponentes que se presentarán.

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ESPECIAL

EL MERCADO DEL LUJO EN MÉXICO SE HA DUPLICADO E N L O S Ú LT I M O S C I N C O AÑOS. CADA VEZ EXISTEN MÁS BOUTIQUES DE MARCAS INTERNACIONALES EN N U E S T R O PA Í S , así como más firmas de lujo nacionales, además de la gran cantidad de hoteles y restaurantes del más alto nivel que siguen abriendo sus puertas. En este marco, con el lema Rethinking Luxury como bandera, llega a México la quinta edición de LuxuryLab —empresa líder del sector de lujo a nivel internacional y que comanda Abelardo Marcondes—, evento en el que distintos exponentes analizarán la evolución del lujo en nuestro país y otros tantos de Latinoamérica.

LuxuryLab cita año con año a los más destacados y reconocidos ponentes del sector de lujo, creando la cumbre de lujo más importante de América Latina. Durante todo un día el Hotel St. Regis de la Ciudad de México funge como anfitrión para los ponentes, quienes comparten su experiencia en temas de tendencias, casos de éxito e indicadores de mercado, con los CEOs, empresarios y directores de las empresas de alta gama en la industria de la moda, gastronomía y enología, turismo y estilo de vida.

Rethinking Luxury es el hilo conductor de esta edición en la que se planteará cómo ha evolucionado el lujo hasta llegar a lo que es hoy en día. Bajo este paraguas se encuentran temas de tecnología, sustentabilidad, estadística y moda, imposibles de ignorar pues han aportado para que el mercado de lujo en el país avance a la velocidad que lo ha hecho, casi duplicándose en menos de cinco

años, el tiempo que LuxuryLab tiene presentando este congreso.

Desde 2011, se reúnen en la Ciudad de México los mejores profesionales nacionales e internacionales del sector del lujo para compartir conocimientos e investigación, aumentar las redes profesionales y generar sinergias entre las empresas del mercado de alta gama, como moda, wine & spirits, turismo y estilo de vida. Durante un día de conferencias los expertos en el mercado high end comparten su experiencia con los decision-makers de la industria, quienes intercambian información sobre tendencias, historias de éxito e indicadores de mercado, derivando en poderosas alianzas, intercambio de información y datos de investigación que fortalecen el mundo del lujo en México.

Uno de los principales objetivos de LuxuryLab es apoyar la expansión e internacionalización de las marcas de la industria

Martin C. Wittig

Jorge Castañeda Gutman

Sonia Irvine

Alfredo Bataller

Fue el director general en Alemania de la firma de consultoría Roland Berger y ha estado involucrado en diferentes organizaciones sociopolíticas. Ha sido jurado de los premios a los mejores negocios europeos y es miembro de la Junta Directiva de la Asociación para la Promoción de SIK-ISEA.

Del 2000 al 2003 fungió como Secretario y fue candidato independiente a la Presidencia de México en 2006.

Participa en la vida intelectual del país como científico, escritor y docente.

Es pionera de los eventos que se celebran a la par de la Fórmula 1, desde desfiles de moda y eventos benéficos hasta cenas con personalidades. Sus eventos se han llevado a cabo en Valencia, Delhi y Barcelona. Este año estará presente en México City, Abu Dabi, Mónaco y Singapur.

Su clínica es líder en el sector y ha ganado premios internacionales. Su fundación se dedica a estudiar los hábitos necesarios para llevar una vida saludable. También tiene negocios en bienes raíces.

Coautor de Rethinking Luxury

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Ex-Secretario de Relaciones Exteriores de México

Creadora de Amber Lounge – F1 Original After Party

Presidente y Fundador de SHA Wellness Clinics

LUXURY LAB: RETHINKING LUXURY

del lujo en México. Cabe enfatizar que LuxuryLab es un evento socialmente responsable y preocupado con la sustentabilidad: en cada una de las ediciones se incluyen ponencias exclusivas sobre responsabilidad social y el 10% de la venta de boletos se destina a un fin solidario. Empresas como WWF y Forever Green han tenido la oportunidad de compartir propuestas y ejemplos de cómo las marcas de lujo pueden ayudar a cuidar del medio ambiente.

Este año, como en cada una de las pasadas ediciones, se contará con importantes ponentes dentro del sector de lujo internacional, como Fflur Roberts, —experta de lujo de Euromonitor International para Forbes Life— quien afirma que “gracias al aumento de los ingresos y una creciente clase media, América Latina es el segundo mercado en cuanto a crecimiento del gasto de los consumidores, detrás de Asia y el Pacífico. Aunque

las ventas de lujo están claramente dominadas por México y Brasil, la región en su conjunto se ha convertido en una de las industrias clave para el medio y largo plazo”. Como muestra impecable del trabajo que se está haciendo en el sector del lujo, está Coqui Coqui, un hotel perfumería en Tulum que representa lo mejor del gypset global.

Dos de los ponentes serán especialmente relevantes por su trayectoria y vínculos con México: Sami Hayek —diseñador mexicano basado Los Ángeles, cuyo estudio se especializa en productos de diseño y muebles de lujo a la medida— y Jorge Castañeda Gutman —político, intelectual y comentarista, fue Secretario de Relaciones Exteriores además de autor de múltiples libros y columnista en diarios nacionales e internacionales.

Y es que el lujo está en todas partes, no se limita a un vino o a un reloj. El lujo está presente en los edificios que vemos al cami-

nar por la calle o en la silla en que nos sentamos a leer un buen libro. Es más, tener el tiempo de sentarse a leer un libro es un lujo en sí mismo. Por eso es interesante conocer hacia donde se dirige este mercado en el futuro —se cree que para el año 2019 el mercado de lujo en la región llegará a los 23 mil 400 millones de dólares, lo que significará un crecimiento del 88.4% respecto a 2014 — y qué mejor que de la boca de quienes están moviendo dicho mercado.

Sobra decir que esta edición de LuxuryLab, Rethinking Luxury, será un parteaguas dentro del sector de lujo en México, no solamente por la calidad de los ponentes, sino por la manera en que se abordarán y discutirán las áreas de oportunidad que tiene este creciente sector del comercio. Una cita que, sin lugar a dudas, dará mucho de qué hablar en los meses por venir. Presentamos a algunos de los ponentes.

Joel Muñiz

Fflur Roberts

Julian F. Bedel

El BCG es una firma global de consultoría, líder mundial en estrategias de liderazgo. Sus clientes son tanto del sector público como del sector privado, así como organizaciones sin fines de lucro. Tienen presencia en todas las regiones del mundo.

Es responsable desde 2001 de la administración, calidad y contenido de este programa que ofrece análisis estratégico del mercado global con una énfasis especial en 32 países.

En 2010 fue creada esta marca de cosmética de lujo, primera en su clase en América Latina ya que todos sus productos e ingredientes son bioéticos. Es también cofundador de la Sociedad de Arquitectura Sustentable.

Socio y Director de Boston Consulting Group

Directora Global de Investigación de Bienes de Lujo para Euromonitor International

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Fundador de UEGUIA 1833 Laboratorio de Perfumes

Roberto Girotti

Consultor Ejecutivo para América Latina y el Caribe de Delta Air Lines Tiene más de 30 años en trabajando en administración de grupos multiculturales/ multilingües con enorme liderazgo. Crea estrategias de publicidad y presencia de marca.

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ESPECIAL

El nuevo diseño del Muelle de San Petesburgo, Rusia.

FERNAND O ROMERO arquitectura cultural fr-ee.org

FERNANDO ROMERO, FUNDAD OR DE L A FIRMA FR-EE, ES QUIZÁ UNO DE LOS ROSTROS MÁS FRESCOS EN LA ARQUITECTURA DE MÉXICO. Sus proyectos interdisciplinarios y sus colaboraciones con grandes talentos —como Sir Norman Foster y otros ganadores del premio Pritzker— lo convierten automáticamente en una referencia que refleja la estética y funcionalidad de nuestros tiempos, el lujo y estilo de vida de sus habitantes.

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Dentro del trabajo que ha realizado este arquitecto, destacan sus conceptos culturales, ya que como premisa de su trabajo busca trasladar la idiosincrasia de los habitantes y usuarios a cada nueva construcción.

Así, más allá de crear obras funcionales, el trabajo de Fernando es más parecido a una intervención pública, una reconfiguración del ambiente capaz de comunicar por sí misma los valores históricos, sociales, económicos, ambientales y culturales de una sociedad.

Entre los proyectos más destacados que ha desarrollado se encuentran el museo Soumaya en la ciudad de México, el Mexic-Ar-

te Museum en Austin, Texas y muy recientemente el desarrollo de la propuesta para el nuevo aeropuerto de la ciudad de México. Además, su portafolio de proyectos incluye edificios de oficinas, propuestas de ciudades inteligentes, centros urbanos, espacios deportivos y muchos otros. No es casualidad que durante el Foro Económico Mundial del 2002 haya sido nombrado “Global Leader of Tomorrow”, que Fast Company lo considere desde 2012 “One of the 50 Most Influential Designers” y que sea “Honorary Fellow” del American Institute of Architects desde el 2013, entre muchos otros reconocimientos.

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Yvonne Venegas

C O N P R OY E C TO S C O M O E L N U E VO A E R O P U E R TO DE L A CIUDAD DE MÉXICO, FERNAND O ROMERO ES EL HOMBRE A SEGUIR CUANDO SE HABLA DE ARQUITECTURA EN MÉXICO.

Proyecto para Miami.

Anticipando el éxito que le viene, rescatamos algunas de sus ideas, muy precisas con respecto a la arquitectura. Entre ellas, destaca su confianza por el trabajo que se está haciendo en México en el campo de la arquitectura, construyéndose y fortaleciéndose una gran tradición de creadores. Otra de sus convicciones está en la colaboración, que si bien ha sido fundamental en su aprendizaje y crecimiento profesional, la interacción entre diferentes arquitectos, sin ego de por medio, es el motor de los más interesantes proyectos.

Actualmente, la vida y profesión de Fernando Romero está dividida entre la Ciudad de México y Nueva York, ambas sedes de FR-EE y puntos neurálgicos para la creación, difusión y celebración internacional de sus proyectos. Sin duda será un lujo su presencia en LuxuryLab. 53

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ESPECIAL

SAMI H AYEK

diseño ambiental hayekstudio.com

EL DISEÑO DE MOBILIARIO ES UNA PRÁCTICA QUE EN L O S Ú LT I M O S A Ñ O S S E H A L E G I T I M I Z A D O , N O S E T R ATA MÁS DE CREAR MUEBLES SIMPLEMENTE utiitarios sino de dar un plus a los espacios, entendiendo las dimensiones, las texturas y los colores. México ha dado al mundo uno de los mejores diseñadores ambientales de hoy en día.

Nacido en Coatzacoalcos, Veracruz, en medio de una familia multicultural, el trabajo de Hayek siempre ha estado sumamente influenciado por la diversidad en su familia y la riqueza de sus alrededores. Hoy Sami Hayek vive y trabaja en Los Ángeles, pero no por eso ha olvidado sus orígenes y para todos sus diseños se inspira en los colores, texturas, formas y composiciones de México. Sus diseños se basan en pensamientos poderosos y movimientos en el tiempo que se ven transformados en colores, texturas, formas y composiciones. Hayek estuvo siempre expuesto a los colores y la energía de los mercados mexicanos con sus frutas de colores y textiles tradicionales y esto, en combinación con las culturas libanesa y española de sus padres, fundamentan su estética.

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Sillas para Haaz.

HABIEND O NACID O EN UNA F A M I L I A M U LT I C U LT U R A L , L O S D I S E Ñ O S D E H AY E K E S TÁ N I N F L U E N C I A D O S POR SUS RAÍCES L I B A N E S A S Y E S PA Ñ O L A S , S U I N FA N C I A E N M É X I C O Y SU VIDA ACTUAL EN L . A .

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Escritorio Alcántara en gris.

CON UN ENORME INTERÉS EN SABER CÓMO FUNCIONAN LAS COSAS, DESARMANDO Y R E A R M A N D O A PA R AT O S , S A M I H AY E K ENCONTRÓ SU VO CACIÓN. El diseñador tiene una amplia trayectoria como diseñador ambiental y sus proyectos abarcan un enorme espectro: desde diseñar viviendas de interés social en Tijuana hasta la creación del concepto de un jet privado para Bentley. Pero sin duda su verdadero amor son los muebles, los cuales diseña utilizando materiales y tecnologías modernas pero con un énfasis en rescatar tradiciones mexicanas.

Viviendo en Coatzacoalcos, Sami siempre estuvo interesado en los negocios locales que creaban cosas, además de ser sumamente curioso y siempre querer saber cómo fun-

cionan las cosas. “Me daba mucha curiosidad la forma en que los mexicanos siempre encontraban una manera de solucionar un problema sin herramientas o recursos”, cuenta. Y así, desarmando y armando aparatos encontró su vocación. Bastantes años después Hayek creó una colección llena de contrastes, con piezas contemporáneas en fibra de carbón y sillas en acrílico que contrastan con accesorios hechos en barro negro que iban desde platos y alcancías hasta una mesa grabada. Esta serie llevaba el nombre precisamente de “Barro Negro”. Para este proyecto el jarocho decidió enlistar a familias

mexicanas que dominan el arte del barro y crear un colectivo con pagos justos con el fin de evitar que se pierdan estas tradiciones.

Hayek estudió Diseño Ambiental en el Art Center College of Design en California y después estableció su propio estudio en donde fabrica diferentes productos de diseño, muebles de lujo, piezas comerciales y hechas a la medida. En años recientes también ha sido crítico invitado y lector de la UCLA, Universidad de Nueva York, Universidad de California del Sur, Penn State, SCI-Arc, Cooper-Hewitt National Design Museum, entre otros.

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ESPECIAL

CO QUI CO QUI: susurros de mar coquicoqui.com

D E TA N S U AV E S , L A S MELODÍAS QUE SE ESCUCHAN D E S D E L A S I N S TA L A C I O N E S D E C O Q U I C O Q U I PA R E C E Q U E EN CUALQUIER MOMENTO SE SILENCIARÁN, PERO NO, allí están y han estado desde el tiempo en que los mayas eligieron a la zona para construir uno de los sitios arqueológicos más bellos del mundo. Olas suaves, gaviotas que van y vienen en busca de la presa perfecta y el follaje de las palmeras que celebra la cercanía del mar surcan la construcción del hotel.

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Tal vez el dato más curioso de Coqui Coqui sea que no abrió sus puertas como hotel sino como perfumería. La leyenda cuenta que cuando los monjes franciscanos llegaron a América recogieron —con ayuda de los mayas— flores, maderas y hierbas con las que armaron un catálogo de botánica de la península de Yucatán. Y a partir de ese inventario, crearon aguas de colonias, emulsiones y lociones. En 2003, el modelo argentino Nicolás Malleville, propietario de Coqui Coqui, recuperó algunas fórmulas utilizadas por los monjes franciscanos y las fusionó con los productos naturales de la zona y creó la línea de perfumes Coqui Coqui. Hoy el com-

plejo cuenta con una tienda de perfumes que ofrece una variedad amplia de aromas.

Decenas de frascos, dispuestos sobre mesas de madera y cristal, invitan a disfrutar de los aromas más deliciosos del mundo. El espacio también invita a comprar velas aromatizadas con las esencias de su creación.

La inspiración maya no se redujo a las fórmulas de las esencias con las que Nicolás inició su negocio; la influencia local (y milenaria) también fue la base a partir de la cual se pensó el hotel. Piedra y madera fueron los materiales elegidos para construir las instalaciones que se parecen más a una casa particular. Las siete habitaciones se encuentran

LUXURY LAB: RETHINKING LUXURY

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SORPRENDE EL ORIGEN DE COQUI COQUI, QUE NO COMENZÓ COMO UN HOTEL , Y MUCHO MENOS UNA CADENA, SINO CON L A CREACIÓN DE UNA PERFUMERÍA .

entre la selva y el mar, las paredes están pintadas de blanco y las ventanas están cubiertas con cortinas transparentes, los muebles son antiguos y el baño está ocupado por una tina que, de solicitarlo, se prepara con aromaterapia.

Si hay algo que ofrece Coqui Coqui (además de un lujo sencillo) es sosiego. Los visitantes llegan y ponen un paréntesis a la agitada vida de ciudad. En el restaurante, dispuesto de cara al mar, se sirven desayunos, comidas y cenas formados por platos que recrean de un modo sutil y delicado los sabores de la comida mexicana más tradicional. En ese mismo espacio hay un servicio de bar en el que se pueden degustar tragos —con y sin alcohol— para disfrutar a lo lejos las olas de mar turquesa que se desarman con serenidad.

También hay una tienda en la que se apilan sombreros, collares hechos con hilo de hamaca, monedas antiguas, vestidos, joyería de oro rosado y una línea de accesorios elaborados con retazos de piel y de rebozos. Por su parte, el Spa se encuentra ubicado en una habitación en la parte alta de la construcción. Su vista es, hacia ambos frentes, inigualable. De un lado se encuentra la selva y del otro el mar, sin duda el ambiente perfecto para renovar y restaurar la armonía entre cuerpo, mente y alma. Los servicios del Spa son varios y todos deliciosos, aunque quizá uno de los tratamientos más requeridos sea el que se enfoca en revitalizar y suavizar la piel de todo el cuerpo. Se cubre el cuerpo con extracto de papaya y se deja que actúe por aproximadamente una hora, mientras se recibe un delicioso masaje capilar. Le sigue una ducha caliente que termina con un masaje holístico realizado con aceite de coco.

Ya sea que busque tratamientos en el spa, paseos por la región o simplemente relajarse escuchando el sonido del mar y perdiéndose en sus colores, Coqui Coqui es un destino ideal.

Coqui Coqui nació del encanto de la península de Yucatán y ya es parte del mismo.

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L i b r o s | r ev i sta s | d i s e 単 o | c o n t e n i d o

Centrales

Moda: fenónemos y obsesiones | Junio/Julio 2015

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La moda no sería lo mismo sin las mujeres que portan las novedades de los diseñadores en pasarelas, ganan millones de dólares por campañas pubicitarias y engalan las portadas de las revistas. Andrea Villanueva narra su historia.

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Santiago Oria Probert hace un recorrido por la historia de los personajes que ayudaron a convertir la fotografía de moda en mucho más que una representación de mujeres vestidas con lindas ropas: los genios de la fotografía.

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La blogger y estilista de moda Gina Ortega nos lleva al backstage de Fashion Week para descubrir los secretos —buenos y malos— de los espacios de exhibición más importantes de la industria de la moda.

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La escena de la moda en México es aún joven, pero en los últimos años ha crecido a pasos agigantados. Sofía Cerda Campero describe esta evolución y nos presenta a tres diseñadoras que están haciendo olas.

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Rostros de la moda

por: Andrea Villanueva

El mundo de las revistas y las pasarelas no estaría completo sin las mujeres (y unos cuantos hombres) que posan para las lentes de los fotógrafos más talentosos usando las creaciones de los diseñadores más fascinantes. Conozca la historia de las supermodelos que cambiaron el rumbo de la moda.

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Twiggy, Gisele, Naomi, Kate, Iman, Karlie. En el mundo de la moda estos nombres no necesitan apellido, cualquiera sabe que se refieren a algunas de las modelos más reconocidas, aquellas que no salen de la cama por menos de no sé cuántos miles de dólares al día. Pero ¿cómo es que se llegó a este (absurdo) extremo y cómo ha cambiado la carrera de una modelo desde entonces? Hoy el modelaje se trata más de crear una marca y trabajar duro que de darse a desear, pero no siempre fue así.

Admirar a una mujer por su belleza y que ésta se convierta en un ideal, un modelo a seguir, no es una idea surgida el siglo pasado. Helena de Troya causaba guerras y Cleopatra sedujo a un imperio, ambas causando admiración e inspirando a mujeres que buscaban ser como ellas. Quizá un antecedente un poco más reciente sea 1852, cuando el diseñador británico Charles Worth pidió a una dependienta que portara sus diseños en una presentación.

Con la cantidad de medios y formas de exposición de nuestros días las imágenes llegan con mayor velocidad, pero ya a principios del siglo xx comenzaba el fenómeno del modelaje. Los años vein-

te con la era del jazz, la moda de The Great Gatsby y la gran guerra tuvieron a Josephine Baker, Marlene Dietrich y Greta Garbo como sus musas, las primeras que llevaban el maquillaje lanzado por Max Factor. Durante este periodo, en que mujeres como Coco Chanel y Elizabeth Arden fueron de las primeras en establecer grandes y exitosos negocios, Anita Colby era la modelo mejor pagada y no era siquiera una modelo profesional.

Colby ganaba alrededor de 50 dólares la hora como modelo pero también vendía anuncios para Harper’s Bazaar.

Entonces llegó la primera “era” en el modelaje: las society girls y las primeras portadas con fotografías a color apareciron en 1932. Ser modelo era ya una carrera y no un hobbie que dejaba un poco de dinero extra. Anita Colby fue contratada como “directora femenina” de los Estudios Selznick para enseñar a actrices como Ingrid Bergman y Grace Kelly a modelar en publicidad. Pero pronto se dio una confusión entre modelo y actriz

(lo mismo que sucedería de nuevo a finales de los noventa y que aún hoy persiste) a pesar de que la moda pedía a gritos tener a sus propias estrellas.

Tras la segunda guerra mundial, el new look de Christian Dior transformó la idea de la moda en mucho más que simple ropa para vivir el día a día. Al igual que las revistas, que ya preferían las fotografías sobre las ilustraciones, los diseñadores comenzaron a fotografiar sus creaciones y para que la publicidad funcionara era necesario que las mujeres fueran tan perfectas como las ilustraciones las hubieran hecho parecer.

Entonces surgieron las figuras de fotógrafos estrella como Cecil Beaton o Richard Avedon, quienes trabajaban exclusivamente para publicaciones de moda como Vogue y Harper’s Bazaar. Y fueron precisamente sus lentes los que convirtieron el modelaje en un negocio, negocio que convirtió a las modelos en productos y necesitaban de agencias que movieran dicho producto.

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EL NACIMIENTO DE UNA MODELO

En 1944, Dorian Leigh Parker comenzó a modelar y su padre le pidió eliminar su apellido porque no aprobaba la profesión que su hija había elegido. Pero poco le importó, ya que con sus siete portadas de Vogue en 1946 —y 50 más en los siguientes seis años— fue una de las más exitosas en los inicios del modelaje. Se rumora, incluso, que Parker fue la inspiración de Truman Capote para el personaje de Holly Golightly en su novela Breakfast at Tiffany’s.

Pero no fue la única en la familia con éxito como modelo. Al firmar su contrato con la recién establecida agencia Ford, Eileen Ford —su fundadora— puso como condición que la hermana de Dorian Leigh, Suzy, también lo hiciera. Suzy Parker (parece que su padre cambió de opinión y la dejó conservar su apellido) superó lo que su hermana había logrado y se convirtió en la musa de Richard Avedon, además de ser la primera modelo en ganar 100 mil dólares.

Aún así, las Parker se vieron opacadas por Lisa Fonssagrives, una de las muchas que se adjudicaron el título de “la primera supermodelo”. Quien fuera considerada por muchos el rostro de los cuarenta apareció en portadas no solamente de Vogue y Vanity Fair, sino también de TIME y LIFE. Se casó con el fotógrafo Irving Penn y en 2008 volvió a caminar en una pasarela de Dior, gracias a una invitación de John Galliano.

El papel de estas tres mujeres fue mucho más que modelar vestidos. Se encargaron de fascinar y enamorar a la población común de la moda, los diseñadores, el drama y todo lo que envuelve este mundo.

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1. Dorian Leigh.

2. Lisa Fonssagrives.

3. Suzy Parker.

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1. Twiggy.

2. Veruschka.

3. Jean Shrimpton.

LAS PRIMERAS SUPERMODELOS

A partir de los años cincuenta comenzó la incesante búsqueda por encontrar a “aquella mujer con carácter, espíritu e inteligencia” que el personaje de Fred Astaire en Funny Face —y todos los fotógrafos de la época— buscaba en una modelo.

Durante la segunda mitad del siglo xx se dio una revolución en todos los aspectos de la vida social y cultural del mundo y surgieron las primeras súpermodelos, entre ellas Jean Shrimpton.

Fue descubierta en 1960 por el fotógrafo David Bailey —con quien posteriormente tendría una larga relación— y fue la encargada de popularizar la mini falda. Para la alemana Veruschka, el momento que cambió su vida fue una contorversial escena en la película Blow Up de 1966. Y claro, también ayudó que Richard Avedon la llamó la “mujer más hermosa del mundo”.

Pero de entre todas las modelos de esa época, ninguna como Twiggy, quizá la primera en ser reconocida usando solamente su primer nombre.

El Daily Express la nombró “La cara del 66” cuando tenía tan sólo 16 años y solamente cuatro años después decidió retirarse del modelaje tras haber aparecido en cualquier cantidad de portadas de revista. Aún así, gracias a su pelo corto y las pestañas como patas de araña es un referente de aquella época y un ícono aún en nuestros días.

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MODA Y ROCK & ROLL

Esta década estuvo marcada por la relación entre rockstars y supermodels: Jerry Hall dejó su casa en Texas a los 16 años para ir a Francia a convertirse en modelo, poco tiempo después fue descubierta en una playa de St. Tropez. A las pocas semanas ya estaba siendo capturada por la lente de Helmut Newton y fue portada de más de 40 revistas. Pero lo más rock and roll de Hall fue que se casó con Mick Jagger. Por su parte, Patti Hansen fue descubierta por un agente mientras trabajaba en el carrito de hot dogs de su padre en Staten Island y en su primera asignación en París fue fotografiada por Patrick Demarchelier. Apareció en campañas de Revlon y era cliente frecuente de Studio 54. Ahí conoció a su esposo Keith Richards, convirtiéndose junto con Jerry Hall, en primera dama de los Rolling Stones.

Iman no se casó con David Bowie hasta 1992, pero tiene también una historia fascinante. En 1975, mientras caminaba por las calles de Kenia, el fotógrafo Peter Beard vio una oscura y alta mujer a quien no pudo quitar los ojos de encima. Esa mujer era Iman, hija de un embajador, estudiante de ciencias políticas en la universidad.

Thierry Mugler, Calvin Klein y especialmente Yves Saint Laurent —quien dijo que era la mujer perfecta— la convirtieron en su musa. En 2003 protagonizó junto con Bowie una campaña para H Hilfiger, pero ahora enfoca sus esfuerzos en ayudar a las mujeres de su país natal y promover la diversidad racial en el modelaje.

Un caso trágico de llevar muy lejos a vida de rockstar es el de Gia Caragni. Comenzó su carrera a los 17 años, siendo conocida por su actitud de desenfreno ya que a los 18 años ganaba más de 100 mil dólares al año, gracias a su contrato con la agencia Wilhelmina. Hubiera tenido una carrera de supermodelo si no hubiera sido por su estilo de vida, que la llevó a morir de complicaciones relacionadas con el VIH. 2

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1. Jerry Hall.

2. Patti Hansen con Keith Richards.

3. Iman.

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LAS SÚPER SUPERMODELOS

Cindy, Naomi, Kate, Linda, Claudia, Tyra, Elle, Gisele y Heidi. Cualquier persona conocedora impregnada del mundo de la moda sabría poner cara y apellido a estos nombres. Estas mujeres llegaron en una época en que los medios de comunicación explotaron y le dieron al modelaje (y a la moda en general) un rostro, poniendo a esta industria en la mente de las personas como un asunto de interés general.

Quizá el mayor éxito comercial fuera el de Cindy Crawford, quien dejó la carrera de ingeniería química en la Universidad de Northwestern para dedicarse cien por ciento al modelaje.

En 1982 ganó un concurso de Elite Model Management y Estados Unidos se enamoró de su look. En un caso similar, en Australia, Elle Macpherson modelaba para poder pagar sus libros de la carrera de leyes y se mudó a Nueva York según ella durante un año para modelar y ahorrar. Tuvo tal éxito que en 1986 ya había sido portada de las más importantes revistas de moda y del codiciado Sports Illustrated Swimsuit Issue. Volvería a hacerlo en 87, 88, 94 y 2006. Se le dio el nombre de “El Cuerpo” y hoy tiene una línea de lencería.

Claudia Schiffer no sabía en 1987, con 17 años, que su vida cambiaría por completo —y que hasta se casaría con David Copperfield— gracias a una noche de fiesta en Dusseldorf donde conoció a un agente que la convenció de mudarse a París. De inmediato Karl Lagerfeld la hizo rostro de Chanel; tiene más de 500 portadas en su haber y aún hoy con más de 40 años protagoniza campañas de Chanel y Saint Laurent.

1. Elle Macpherson.

2. Claudia Schiffer.

3.Cindy Crawford.

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Naomi Campbell fue descubierta a los quince años cuando estudiaba ballet en Londres, con unos prominentes pómulos y una altura envidiable ha caminado en las pasarelas de prácticamente todas las firmas de lujo, en gran parte gracias a su personalidad explosiva—que incluso la llevó a la corte cuando una de sus asistentes la demandó por haberle aventado un teléfono celular a la cabeza. Aún así, lo que más sobresale de su carrera es haber sido la primera modelo negra en aparecer en las portadas de TIME y las ediciones francesas e inglesas de Vogue. Hoy es actriz en la serie Empire y es imagen de la actual campaña de Burberry.

Linda Evangelista, quien se inmortalizó a sí misma cuando dijo que “no salía de la cama por menos de 10 mil dólares al día”, 1

fue descubierta en un concurso de belleza en su natal Canadá. Tuvo un éxito considerable pero no fue sino hasta que Peter Lindbergh le recomendó cortarse el pelo en un estilo bob que se convirtió en la sensación de los noventa. ¿Será más recordada por la frase o por el corte?

Siguiendo la línea de Iman y Naomi, surgió Tyra Banks, una de las pocas supermodelos negras que antes de los 18 años ya era parte de Elite Model Management y había aparecido en Seventeen. En su primera temporada como modelo de pasarela caminó en quince shows y se ha convertido en una exitosa empresaria gracias a America’s Next Top Model —su reality show—, libros y más productos en los que expone la cruda realidad del modelaje en cuestiones de raza, peso, drogas, etcétera.

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La alemana Heidi Klum también tuvo gran éxito en los noventa y ha seguido el mismo camino que Banks, con su propio reality, Project Runway, del que es creadora, conductora y productora ejecutiva.

Estrictamente Gisele Bündchen empezó en los noventa (en un extrañísimo logro fue portada de Vogue de Estados Unidos en noviembre y diciembre de 1999 y enero del 2000) pero es considerada el rostro de la primera década del siglo xxI y fue durante muchísimos años la modelo mejor pagada del mundo gracias a campañas de alta costura y múltiples apariciones en el desfile de Victoria’s Secret. Este 2015 anunció su retiro de las pasarelas pero no dijo nada de dejar las campañas, no por nada Claudia Schiffer la llamó la única supermodelo de la era moderna.

1.Naomi Campbell.

2. Linda Evangelista.

3. Tyra Banks.

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THE ONE AND ONLY KATE

Es difícil clasificar a Kate Moss, porque aunque es una supermodelo, para otros fue exactamente lo contrario: la anti-supermodelo. La británica tomó por sorpresa al mundo tras ser descubierta a los 14 años en el aeropuerto JFK de Nueva York por la fundadora de la agencia Storm, Sarah Doukas.

Inmediatamente, con una figura más parecida a la de un niño de nueve años que a la voluptuosidad de Cindy Crawford, y con solamente 1.64 de altura se convirtió en portada de revistas e imagen de decenas de marcas.

Una de éstas Calvin Klein, quien la puso topless y sin maquillaje en sus campañas de ropa interior a los 18 años. Fue el inicio del heroine chic y cambió la cara y figura del modelaje.

Su fama creció gracias a sus múltiples exnovios —como Johnny Depp y el cantante Pete Doherty (con quien fue fotografiada ingiriendo cocaína)—, conocidas fiestas y los excesos que le costaron multimillonarios contratos.

Pero de todos se recuperó cual Ave Fénix y cuenta en su haber con 300 apariciones en portadas de Vogue de todo el mundo, incluyendo 36 en la edición británica. Ha colaborado con Topshop y Longchamp, agotando los artículos diseñados por ella y es amiga de Marc Jacobs, Stella McCartney y John Galliano —a quien comisionó su vestido de novia cuando era el más odiado de la moda por los comentarios antisemitas que le costaron su trabajo en Dior.

Hoy, con más de 40 años, colabora con Vogue en todo tipo de puestos, modela para la casa McQueen y Burberry, además de ser mejor amiga de Naomi Campbell.

#droptheplus La polémica sobre modelos demasiado delgadas tiene años existiendo, quizá desde que se popularizara el heroine chic. Francia está por aprobar una ley en que se prohíben las modelos demasiado delgadas y en años recientes ha habido una

enorme discusión sobre las modelos muy delgadas y las conocidas como plus size. Debido al aumento en la talla promedio en la población, estas modelos tienen cada vez más trabajo pero buscan que se elimine el título de talla extra. Recientemen-

te se desató una absurda polémica porque Calvin Klein contrató a Myla Dalbesio quien usa talla 8—ni cero ni catorce, es decir, normal. El mundo de la moda se escandalizó porque no era suficientemente delgada ni suficientemente “plus” para

estar anunciando algo. La marca nunca mencionó su talla y muchos ven esta elección como un paso en la dirección correcta. Esa utopía en que una modelo (como una mujer común) no se vea definida por su peso o tamaño.

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EL RESURGIMIENTO Y LAS REDES SOCIALES

Aunque ya en los setenta actrices como Sophia Loren y Elizabeth Taylor aparecían en las portadas de Vogue y Harper’s Bazaar, fue a principios de este siglo que se prefirió a actrices y celebridades sobre modelos para cubrir las portadas cada mes. En 2000 y 2001 la edición norteamericana de Vogue, por ejemplo, tuvo portadas con Nicole Kidman, Penélope Cruz, Linda Evangelista y varias veces a Gisele Bündchen. Pero a partir de enero de 2002 las modelos fueron la excepción.

Entre las pocas modelos de los primeros años de este siglo que realmente destacaron están Natalia Vodianova, Gemma Ward, Daria Werbowy, Agyness Deyn, Lara Stone y Coco Rocha. Cada una tiene una personalidad y un estilo muy definidos pero tuvieron la mala suerte de vivir en una época en que vendía más revistas Jennifer López que una modelo poco conocida para el público en general. Esto sucedió sobre todo en ediciones norteamericanas y británicas que llenaron sus páginas con fotografías de celebridades como Kim Kardashian.

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1. Agyness Deyn.

2. Natalia Vodianova.

3. Coco Rocha.

4. Daria Werbowy.

¿Y los hombres?

Súpermodelo masculino suena muy extraño, pero hay un par de hombres que son merecedores del título. Nacido en Brooklyn, Tyson Beckford ha trabajado para Gucci, Tommy Hilfiger y Calvin Klein durante varios años, además de ha-

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ber sido nombrado uno de los humanos más atractivos del mundo por la revista People. David Gandy es el chico Dolce por excelencia gracias a sus lucrativos contratos para campañas de fragancia de Dolce & Gabanna. Brad Kroenig es

a Chanel y Karl Lagerfeld lo que David Gandy es a Dolce ya que el diseñador lo tiene, junto con su hijo, en todos sus desfiles. Jon Kortajarena es favorito de Armani y Tom Ford. Pero quizá el único supermodelo desde la época de Clau-

dia y Linda es el sueco Marcus Schenkenberg, quien fue descubierto patinando en Venice Beach y rápidamente se despojó de su ropa para modelar para Calvin Klein. Sigue viviendo de la fama que cosechó en esos días.

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Pero hablar de estrellas de realities lleva a hablar de una nueva era en el modelaje, esa en que el éxito de una modelo se ha ido alejando de la cantidad de portadas en las que aparece y se acerca más a la cantidad de seguidores que tiene en Instagram.

Llegamos a una época en que se combina la celebridad con el modelaje clásico.

El mejor ejemplo es la portada del número de septiembre 2014 de Vogue: Joan Smalls, Cara Delevingne y Karlie Kloss aparecen —fotografiadas por Mario Testino— con el título “Instagirls”, refiriéndose a que han ido construyendo su carrera gracias a Instagram, Twitter o Tumblr. Karlie Kloss, quien comenzó a los quince años cuando fue parte de un récord de 66 desfiles en su primera temporada, utiliza sus más de dos millones de seguidores en Instagram para lanzar campañas de conciencia social. Cara Delevingne y sus cejas protagonizaron el 2014, pero a pesar de ser buscada por las marcas más reconocidas y alcanzar los once millones de seguidores en Instagram ha decidido que, quizá, mejor será actriz.

La puertorriqueña Joan Smalls no llega al millón en Instagram pero es una de las favoritas de Victoria’s Secret y la primera latina en ser rostro de Estée Lauder.

Kate Upton, por su parte, ha logrado dar el salto de las portadas de Sports Ilustrated a editoriales de alta costura, aunque muchos la siguen considerando “gordita” por no tener una figura esquelética. De todas ellas ha aprendido Gigi Hadid, quien con más de dos millones de seguidores en Instagram, es la súper de moda por la cantidad de tráfico que le genera a cada una de las marcas con las que trabaja. Kendall Jenner aún intenta demostrar que es más que una estrella de realities y con la ayuda de Karl Lagerfeld y una campaña de Calvin Klein bajo el brazo intenta evitar que sus compañeras la discriminen por su origen.

Solamente el tiempo dirá si estas mujeres logran hacer súper historia o son de esos nombres que se escuchan mucho una temporada pero la siguiente han desaparecido.

Y aunque es verdad que la época del Fashion Café y los 100 mil dólares como mínimo para levantarse de la cama han quedado atrás, esta nueva cosecha de modelos está tan en boca de todos como el lunar de Cindy Crawford. Como en los noventa la gente se interesa en las modelos y las llama por su nombre. Pero además las sigue en Instagram y comenta sus tuits. ¿Habrá llegado una segunda época de oro de las supermodelos?

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1. Vogue Septiembre 2014 con Joan Smalls, Cara Delevingne y Karlie Kloss.

2. Gigi Hadid.

3. Kate Upton 4. Kendall Jenner.

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David Bailey fotografiando a Moyra Swan.

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Fotografía de moda: revisiones artísticas y sociales por: Santiago Oria Probert

El universo del arte quizá nunca encontrará tan buen medio para llegar a un público masivo como a través de la moda. Históricamente, esta conjunción ha sido capaz de mostrar épocas y realidades, sentires y deseos, con la perfección documental que sólo la fotografía, con su lenguaje único, puede comunicar.

Más allá de funcionar como un escaparate para las nuevas ideas y productos dentro de la industria de la moda, la fotografía especializada en ella ha funcionado como un mecanismo que cristaliza eras, convirtiéndose en un documento que nos presenta no sólo la evolución en el estilo al vestir, sino los reflejos de la sociedad en sus gustos, tendencias y, sobre todo, aspiraciones.

Así, la moda como tal, la industria del vestir, en muchas ocasiones quedó relegada a ser un pretexto para la provocación, una justificación para la creación artística, una excusa para la representación.

Para poder entender este proceso de configuración de imágenes y actitudes, es necesario regresar en el

tiempo, identificar las diferentes transformaciones y la intención de sus creadores, conocer de cerca a los protagonistas más innovadores, aquellos que se arriesgaron a cambiar las formas tradicionales de la fotografía, del arte y de una industria que en su función, más allá de cubrir nuestros cuerpos desnudos, es en sí un medio de comunicación que grita en sus aspiraciones, en sus deseos y en la eterna búsqueda, tan común en nuestros tiempos modernos, de personalidad.

Antes de arrancar, debo citar el libro de Concha Casajus Quiros, Historia de la fotografía de moda (Aproximación estética a unas nuevas imágenes), ya que las divisiones temporales que utilizo, así como gran parte de la información recabada, se aproximan a esa publicación. Ahora sí, vayamos a los comienzos, que en un estricto sentido son más las causas que dieron origen al fenómeno.

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Adolphe Braun.

IMAGINANDO EL FENÓMENO

A partir de 1850 y a pesar de que los usos de la fotografía de moda no eran comerciales, ya existían como documento. Sin embargo, estas imágenes tardaron casi medio siglo en ser incluidas en prensa como parte de una estrategia de promoción en establecimientos o productos.

Uno entre los hombres notables, precursores de la industria, responde al nombre de Adolphe Braun. Su hazaña: crear un libro de fotografías para Virginia Oldoni, una mujer noble dentro de la corte de Napoleón III. El resto de fotografías tomadas en la época entrarían más en la categoría de “alfombra roja”, es decir, imágenes de eventos sociales, y en algunos casos documento para diseñadores, como M. Word, quienes documentaban cada una de sus creaciones.

EL ARTE DE LA MODA

Los principios del siglo XX y hasta algunos años después de La Gran Guerra están marcados por una nueva estética e importantes avances tecnológicos en lo que se refiere a fotografía (gracias Sr. George Eastman). A esto se suma un cambio psicológico importante en la sociedad europea, cansada de la guerra y reorganizando sus prioridades.

Como es normal suponer, la industria de la moda no fue una prioridad durante algunos años, su evolución se concentra en la practicidad más que en la plasticidad y cuando se intentó reposicionar con su carácter sofisticado las cosas no fueron fáciles.

Fueron los años de Coco Chanel, una fiel 72 | la revista

Barón Adolf de Meyer.

creyente de que la elegancia habita en la libertad de movimientos. Los años en que Alfred Stieglitz renovó el lenguaje de la fotografía. En que Man Ray revolucionó la técnica para capturar imágenes y las convirtió en arte. En que la fotografía de moda se consolidó como fotorreportaje y trascendió su valor como documento Un personaje interesante de estos años es el Barón Adolf de Meyer, quien tenía ideas sumamente claras sobre la fotografía, sobre el uso de la luz y de los espacios, pero quien tiene un valor especial pues integró estos nuevos conceptos

en el discurso y estética del arte dentro de la fotografía de moda. ¿Cómo lo hizo?

Fue contratado por Condé Nast, entonces propietario de Vogue, una pequeña publicación de modas en Estados Unidos que en ese entonces comenzaba su renovación. Ahí integró sus ideas, inspirando a gente como Cecil Beaton, quien a la postre le dedicó estas palabras: “Inventó un nuevo universo, un mundo de agua destellante bajo la luz del sol, de luces de luna y de velas, de nenúfares en vasos de cristal, de tejidos y de gasas, de brillos nacarados y destellos de sol filtrados a través de ramas en flor”.

FOTOGRAFÍA DE MODA: REVISIONES ARTÍSTICAS Y SOCIALES

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TIEMPOS MODERNOS

La fotografía entre guerras. Si bien el modernismo se desarrolló antes en otras artes, tuvo un ingreso tardío en el mundo de la fotografía. Una forma sencilla de entender esta tendencia es buscar sus diferencias con la pintura, de constituirse como lenguaje y renovar su estética. Los fotógrafos de la época buscaron crear imágenes imposibles de conseguir con pinceles.

Para explicar el fenómeno, nada mejor que la obra de Edward Jean Steichen, un fotógrafo obsesionado con la nitidez de los objetos, con los contrastes, con una visión realista del entorno. Su búsqueda de perfección artística en algún momento lo ubicó detrás de una cámara y frente a Isadora Duncan. Estas sesiones, así como las que realizó con una discípula de ésta, Thérese Duncan, fueron su primera aproximación al universo de la moda —que más tarde conquistaría. Estos retratos carecen de elementos ambientales distractores y se centran en las mujeres, en las figuras, sin sentimentalismos pero con equilibrio, con movimiento, con naturalidad.

Steichen logró definir un nuevo estilo que tiene la intención de deslumbrar al espectador, de tener un impacto. Así, comenzó a jugar con los gestos de las modelos, con sus actitudes, cambiándolas de manera artificial para mantener su naturalidad. Son las primeras muestras de personalidad de quien retrata y es retratado.

Vale la pena también mencionar al ruso Alexev Brodovitch, quien gracias a su formación como diseñador gráfico logró incluir nuevos conceptos en la fotografía, a la cual revolucionó con conceptos de profundidad, ilusiones ópticas y usos creativos

Gloria Swanson por Edward Jean Steichen.

en el color. Él, además, tenía ideas comerciales y publicitarias muy arraigadas, por lo que pudo explorar estas relaciones de manera mucho más profesional.

PARTEAGUAS

Alexev Brodovitch.

A mediados de siglo, en tiempos de experimentación, de surrealismo, de innovación y de conflicto internacional, es fundamental hablar de la figura de Man Ray, un artista clave en la configuración artística de la fotografía de moda.

Este personaje podría considerarse un “alma libre”, debido a su cuasi nulo respeto por las formas tradicionales y su deseo constante de innovación, características que marcan su obra. Así, saltaba de técnica en técnica siempre procurando perfeccionar algo nuevo. De esta forma se topo con la fotografía y la adaptó para fines muy particulares, “pinto lo que no puedo fotografiar, los productos de la imaginación, y fotografío lo que no quiero pintar, las cosas de la existencia propia”.

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Man Ray.

Los objetos que él fotografiaba debían estar cargados de existencia, y como el hombre es el único ser capaz de crear estas revalorizaciones, los objetos se modifican por medio de la lente, se aíslan respetando sus cualidades pero buscando matices que nos permitan verlo —y entenderlo— con toda su representación. Para lograrlo, Man Ray utilizaba métodos que intervienen la fotografía para crear efectos imposibles (como el llamado cliché verre, la rayografía y otras manipulaciones) que son un sello dentro de sus imágenes.

Man Ray hizo que el arte y no la narración descriptiva, contara las historias de la moda (que en su caso contenían un alto contenido erótico), sacó a los elementos de su contexto haciéndolos incómodos y llamativos para el espectador y en sus rupturas al convencionalismo creó, paradójicamente, nuevos convencionalismos. Abrió las puertas de la moda a la experimentación artística en sus tonos más surreales.

Otro. Cecil Beaton. Un apasionado de la moda y de la fotografía, también un perfeccionista de la técnica y un genio visual dotado de una inteligencia para entender las imágenes. Por su forma de retratar, muchos lo consideran un cronista de su época, 74 | la revista

Man Ray hizo que el arte, y no la narración descriptiva, contara las historias de la moda.

Autorretrato de Cecil Beaton.

FOTOGRAFÍA DE MODA: REVISIONES ARTÍSTICAS Y SOCIALES

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aunque su documentación estaba un tanto sesgada, ya que evitaba los detalles más complicados de la realidad y se enfocaba únicamente en las bondades y bellezas de un mundo desordenado.

Era tal su deseo de adornar el mundo, de hacer coincidir sus ideas con sus imágenes, que éstas —en ocasiones— acogían tal cantidad de elementos que era complicado entender su discurso o identificar los elementos centrales de su lenguaje. Él lo sabía.

Pero la fotografía y la moda eran quizá los recursos que mejor utilizaba para ser provocador, para mostrar su percepción, para hablar de él, sin importar lo que pensara el público, pero ser él, en todos sus matices y vender su fantasía convertida en moda.

NEW LOOK

En los años cincuenta la creciente demanda de bienes de consumo en Europa favoreció un boom en publicidad que tenía en la fotografía a su mejor aliado. Al mismo tiempo, el número de publicaciones se multiplicó en títulos cada vez más especializados y el alcance y exposición de los artistas, para ser bien aprovechado, tenía que ser capaz de colarse en estas páginas. Fotógrafos como Beaton, Rawlings, Dahl-Wolfe, Blumenfeld, Horst P. Horst o McLaughlin-Gill acaparaban las revistas de moda con la libertad artística que cada revista les permitía y, con ese contexto establecido, nuevas figuras comenzaron a destacar. Entre ellos Richard Avedon.

Este neoyorquino tal vez no tuvo una formación convencional como fotógrafo, pero su familia trabajaba en la industria de la moda y se convirtió en un consentido de Alexev Brodovitch, quien le enseñó los pormenores del oficio. Sobra decir que aprendió bien y rápido. Poco a poco comenzó a desarrollar sus propios conceptos y se convirtió en el rostro de una nueva generación, ansiosa por la novedad y el cambio, sumergida en un estilo de vida vertiginoso y consciente de la necesidad de impactos y sorpresas en una sociedad cada vez más acostumbrada a lo pasajero.

Su forma de representación involucraba, por necesidad, a los protagonistas de esta vida que lo absorbía. Regresó a las modelos reales, a la gente de la calle, a las mujeres que sienten y perciben el mundo de la misma forma en que él lo hace. En este sentido, Avedon continúa con la línea documentalista que sus predecesores, pero lo hace rescatando al hombre y a la mujer como elementos fundamentales. Captura lo humano para mostrar las ideas de su tiempo. Cuenta historias. Agregó a las imágenes un nuevo nivel de lectura.

También norteamericano, Irving Penn manipuló la historia de la fotografía de moda al dotar de sentido e identidad a sus imágenes. Éste, a diferencia de su colega antes mencionado, sí tuvo una formación artística importante, pues estudió en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia. Además, antes de involucrarse con la moda fue pintor, dibujante, diseñador de publicidad y artista gráfico, talentos que lo prepararon para su posterior consagración como artista de la cámara.

Richard Avedon.

La modelo Nadja Auermann fotografiada por Irving Penn.

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Johnny Depp por David Bailey.

Mick Jagger por David Bailey.

Irving Penn poniendo manos a la obra en Nueva Guinea.

Una característica importante de Penn —que no significa que otros no la hayan buscado— es la perfección. La dedicación que este fotógrafo dedicaba a cada elemento a cuadro, ya sea un objeto aparentemente nimio o la modelo protagonista, gozaban de idéntico esfuerzo en su realización. Así, una de las cualidades en su trabajo es la nitidez, pues todo debía presentarse tal como es si pretende mostrar un instante perfecto.

La fotografía de Penn parecería ser una ficción, una meta-realidad, pero es quizá mejor entendida como un deseo, en el cual todos los elementos de la imagen, luz, contrastes, texturas, siluetas, modelos haciendo de modelos, movimientos, ideas, todos, lograron conjuntarse en un mismo momento en su pináculo de belleza, un momento que quedó capturado para la posteridad.

HÉROES Y HEROÍNAS

En los años sesenta, tan marcados por sus liberaciones y transformaciones generacionales, el mundo de la fotografía más allá de ser arrastrada por esta vorágine social, se estableció como un estandarte del movimiento, una herramienta de propaganda, 76 | la revista

Las transformaciones de los sesenta se vieron reflejadas en la fotografía, que se convirtió en un estandarte y una herramienta de propaganda. un marcador de tendencias y megáfono de la revolución.

La desinhibición del cuerpo, el placer como mercancía, la igualdad entre géneros, razas y clases sociales, el movimiento hippie.

Una vez más, todas las tendencias comunitarias, así como las ideologías, se transformaron en arte y en moda, en la fotografía que retrataba un nuevo estilo con todo su entusiasmo y jovialidad.

Como documentalista, el fotógrafo de moda que ayudó a fortalecer estas ideas e imponerlas en medios tradicionales, se convirtió en una figura de admiración. Pocos como David Bailey su pusieron este disfraz de rockstar con tanta dignidad. Por su procedencia de la clase obrera londinense y su reconversión y crecimiento, por su juventud e

ideología y por su irrupción en un mundo elitista a base de méritos, se ganó a pulso el derecho a disfrutar del éxito. Y utilizó este éxito para transformar la industria. ¿Cómo?

Imponiendo en la veracidad de su personajes la realidad de una sociedad más “terrenal”, al alcance de todos, y aprovechándose de su posición para generar una cercanía con sus modelos, creando musas también estrellas.

Una década después, la influencia del arte conceptual en la narrativa de las imágenes y el deseo profundo de presentar ideas propias, llevaron a tipos como Guy Bourdin a romper barreras y explorar nuevas fronteras con valentía, casi podríamos decir que con cinismo. El desnudo, las fantasías morales, la libertad y el escándalo se convirtieron en pilares de la publicidad.

FOTOGRAFÍA DE MODA: REVISIONES ARTÍSTICAS Y SOCIALES

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Bourdin llega incluso a jugar con el tiempo, tomando instantáneas que en lugar de presentar ese momento perfecto que se buscaba con tanto ahínco, parecía llegar un segundo antes o después a sus retratos, obligando al espectador no solamente a disfrutar y leer la imagen, sino a imaginar la escena.

Otro revoltoso, si se nos permite llamarlo así, es Helmut Newton, quien daba preferencia al contenido sobre la estética. Esto tal vez no es nuevo, pero sí los temas que le interesaba comunicar: sexo y violencia. Alejado totalmente del romanticismo y el glamour que muchos utilizaban, Newton habla sobre la liberación sexual en todos sus matices y de la violencia hasta en la más oscura de sus facetas. Esto logró convertirlo en fotografía de moda utilizando a las modelos más espectaculares y en publicidad alcanzando a nuevas generaciones que sentían una necesidad por ser provocados con, sí, sexo y violencia.

Bailey, Newton y Bourdin escandalizaron al público al explorar nuevos territorios tanto técnicos como en sus temáticas.

Helmut Newton.

Guy Bourdin.

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INVASIÓN PUBLICITARIA

No es que antes no existiera un concepto de publicidad estructurado, pero en los años ochenta su propagación y alcance llaman la atención. La fotografía de moda estaba en todos lados, no sólo en revistas especializadas, no era importante únicamente para una industria o público segmentado, sino que todos tenían algo que ver con ella.

Como consecuencia, las imágenes adquirieron un tono más banal en su contenido, con una preferencia por el discurso emocional sobre el racional, lo cual motivó a los fotógrafos a exagerar la dramatización en beneficio de la poética.

Entre los nuevos representantes, Bruce Weber es una figura estelar. Al igual que Bourdin anteriormente, él no presenta momentos perfectos, sino que muestra historias abiertas a la imaginación del espectador, quien decide qué está sucediendo y así se involucra más con la fotografía. Sus momentos están trabajados para ser importantes más no decisivos, generando por consecuencia tensión, similar a aquella que precede una catarsis.

Cada vez más cerca del nuevo siglo, después de haber explotado los límites en cuanto a presencia de elementos, juegos de abstracción y narrativas artístico/publicitarias, la reducción de elementos comenzó a definirse como tendencia. Además, las grandes heroínas en el mundo del modelaje, las superestrellas nacían gracias al ojo de los fotógrafos que las idolatraban. Uno de ellos Patrick Demarchelier, quien creo campañas que destacaban la presencia de mujeres como Cindy Crawford o Naomi Campbell, entre otras, de quienes explotaba su belleza con la sencillez como herramienta, mostrándolas tal como eran, perfectas de acuerdo a su percepción.

NUEVO SIGLO

En años recientes, la fotografía de moda se ha convertido en una síntesis de todos los eventos que han marcado su evolución, agregándose los factores digitales que son propios de nuestra era.

Por un lado, las fronteras entre la intención artística y los propósitos comerciales se están terminando por desvanecer al aceptarse públicamente en comunión. En esto también ha influido la evolución de los conceptos publicitarios, donde el posicionamiento de la marca depende más de la fantasía que de mostrar botones, costuras y dobladillos impecables.

Otro detalle importante y siempre presente, pero que ahora se trabaja con cada vez mayor pulcritud, es la reflexión de la 78 | la revista

Bruce Weber.

Los ochenta llevaron la fotografía de moda a nuevos públicos, haciéndola de esta forma mucho más comercial. sociedad contemporánea; a través de la fotografía de moda, con una lectura precisa, seríamos capaces de comprender a grandes rasgos el funcionamiento de nuestras sociedades.

Entre los fotógrafos que mejor han encarado este nuevo milenio, Mario Testino, peruano de nacimiento, es fundamental. Sus retratos de celebridades como Madonna o la princesa Diana se han consolidado como icónicas, al igual que

sus campañas para marcas como Gucci, Versace, Calvin Klein, Dolce & Gabbana o Michael Kors. Su trabajo incluso ha llegado a espacios como la National Portrait Gallery de Londres y otros museos alrededor del mundo.

También destaca David LaChapelle, quien hace un uso indiscriminado de la manipulación digital, misma que le permite mostrar fantasías tan brillantes y extraordinarias como alcancen en su

FOTOGRAFÍA DE MODA: REVISIONES ARTÍSTICAS Y SOCIALES

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Mario Testino.

imaginación, ya de por sí extravagante (su creatividad desbordada llamó incluso la atención de Andy Warhol, quien fue de los primeros en asignarle trabajo para Interview). Sus imágenes, marcadas por una saturación estética y cromática, se han definido como hiper-realistas, quizá porque aún nos da un poco de miedo aceptar sus tremendas similitudes con la vida diaria.

Las imágenes de moda que hoy encontramos prácticamente en cualquier lado nos pueden horrorizar, enternecer, excitar, indignar o nada más, por un breve instante, hacernos sonreír. El vestir, como tal, ya no es una prioridad, pero si recordamos la marca, funciona; si nos genera sensaciones, funciona; si nos ayuda a entender algo, funciona; si nos obliga a pensar, funciona. Habrá fanáticos y detractores, pero su omnisciente presencia nos ayuda a recordar el mundo en que vivimos y solamente por eso, aunque sea nada más por eso, es importante considerarla.

David Lachapelle.

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Fashion Week: en las buenas y en las malas

por: Gina Ortega fotos: High on Fashion y Sergio Solís

Cada vez más, el mundo de la moda se ha convertido en uno de interés general, en gran parte gracias al internet y a las redes sociales, las cuales han abierto este antes cerrado círculo a cualquier persona con un teléfono inteligente. Para conocer los secretos detrás de este fenómeno, enlistamos a la blogger y estilista de moda Gina Ortega, asidua visitante del backstage en las semanas de la moda y experta en reportar todo sobre tacones de doce centímetros.

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FASHION WEEK : EN L AS BUENAS Y EN L AS MAL AS

¿Qué es Fashion Week y para qué sirve?

Estrictamente, la semana de la moda sirve para un propósito muy simple: que los diseñadores presenten su próxima colección ante un público compuesto por clientes y compradores (como tiendas departamentales, sitios web, dueños de boutiques, etc.), editores y prensa (de revistas impresas o digitales, portales de información), estilistas de moda (las personas que se encargan de vestir y asesorar a las celebridades o bien de producir las historias de moda que vemos en los distintos medios), críticos (que darán una opinión positiva o negativa referente a la colección) y personas influyentes de la industria que hablarán sobre la misma. Hoy en día también se destina un número importante de asientos dentro de un desfile a bloggers o personas reconocidas dentro de las redes sociales que tienen un peso importante en el público al que se dirigen, así como un gran número de seguidores.

Las semanas se celebran dos veces por año, en febrero y septiembre. En febrero los diseñadores presentan sus colecciones de otoño/invierno del año en curso y en septiembre las de primavera/verano del siguiente. Estas colecciones estarán disponibles en tiendas en los próximos meses y lo que sale a la venta pueden ser exactamente las prendas presentadas, o bien una reinterpretación menos “teatral” y más aterrizada. También influye qué tipo de prendas fueron la que más se compraron y más gustaron.

Las ciudades más importantes en donde se celebran dichas semanas de la moda, conocidas como las capitales de la moda, son —en el orden en que se llevan a cabo— Nueva York, Londres, Milán y París. Sin embargo, existen otros países que están destacando por la fuerza de su industria en cuanto a propuestas interesantes de sus diseñadores y participación del mercado dentro de pib anual. Entre los principales están Brasil, Colombia, Australia y China.

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Hace no mucho —unos meses después de graduarme de la universidad— me entró el gusanito de irme a trabajar a Disney. ¡Amo Disney!

Pasé las mejores navidades de mi vida en Orlando, a un lado de mi familia, donde cada fin de año disfrutábamos nuestras vacaciones, así que me llenaba de ilusión trabajar en un lugar que consideraba mágico. La vida da muchas vueltas y por temas estrictamente personales no pude completar ese sueño, después me di cuenta de que fue lo mejor que me pudo haber pasado.

Tengo trabajando en moda casi seis años, hace cinco comencé escribiendo del tema para una revista —más por amor al arte y por aprender que por otra cosa— y después hice mis “pininos” en estilismo de moda, también en mis ratos libres, cuando no estaba en mi trabajo regular; estudié mercadotecnia aunque mi pasión siempre había sido la moda, ya que mi papá me lavó el cerebro para que estudiara una carrera de negocios, me dijo que sino me iba morir de hambre y le agradezco infinitamente que me haya orillado a hacerlo, de otra forma no estaría escribiendo este artículo.

Así, una decisión llevo a otra y hoy mi trabajo de tiempo completo es hablar,

escribir y hacer moda: si soy 100% sincera, jamás imaginé estar en este punto, en donde amo lo que hago y me pagan por hacerlo, es mi Disney permanente.

Dicen que cuando te gusta demasiado tu trabajo te va bien: me va bien, mi trabajo me ha llevado a lugares increíbles, me ha dado muchas satisfacciones, me ha presentado con personajes que he admirado toda mi vida y lo más importante, me siento satisfecha.

PRIMERA PARADA

Comencé a cubrir Fashion Week hace más de tres años, creo que no dormí dos semanas antes de tomar ese primer vuelo a Nueva York, en febrero de 2012. Esa temporada casi me muero de neumonía, el frío era algo que jamás había experimentado y en tacones de doce centímetros, ¡menos! Recuerdo perfectamente mi primer desfile: BCBGMAXAZRIA Fall 2012. Llegué como una hora antes, traté de tomar fotos, notas y todo se resume en un mega fracaso. Sépanlo, el multitasking en los desfiles no es una práctica fácil de dominar, es un arte que se desarrolla con el tiempo.

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Cosas que pasan: al salir de Lincoln Center —donde se llevan a cabo muchos de los desfiles— había un ejercito de fotógrafos, yo caminaba segura de mí misma, a diez grados bajo cero, y de repente la locura: foto, foto, dos pasos, más fotos…

Para mi sorpresa veo a varios personajes disfrazados, rodeados de fotógrafos, no entendía nada, ¡y a mí también me tomaban fotos! “¡Qué miedo!”, pensaba “¿qué es esto?”

La verdad no me gustó nada la escena, me parecía un circo montado, fui a un par de pasarelas más y el show continuó en la misma sintonía. Me deprimí un poco, sentía que de alguna forma la gente se estaba burlando: una cosa es vestirse de manera digamos ecléctica (y lo digo yo, que me cuelgo hasta el perico) y otra muy distinta es disfrazarse —literalmente— para que te tomen fotos, pasearse a la salida de des-

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files a los que no asististe y fingir que te invitaron, ¡solamente para que te tomen más fotos y para que la gente piense que eres súper cool! La semana de la moda es una plataforma a la que la gente va a trabajar, no debería ser un circo a donde las personas van a pavonearse sólo para lucir sus “lindas ropas”.

Pero pasaron los días y pude ver a Anna Wintour, Grace Coddington, Bill Cunningham, Patrick Demarchelier, Carolina Herrera… ¡los vi a todos! Además tuve acceso backstage para varias pasarelas, lo cual me dio la oportunidad de conocer a un par de mis modelos favoritas, a los top makeup artists, diseñadores, estilistas, celebridades… ¡sí, a todos! A quienes conocía de memoria, a quienes había visto sólo en televisión o en revistas, a todos los que me habían inspirado para que me adentrara en este mundo: un sueño hecho realidad.

“El multitasking en los desfiles no es una práctica fácil de dominar, es un arte que se desarrolla con el tiempo.”

FASHION WEEK : EN L AS BUENAS Y EN L AS MAL AS

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Al final de la semana estaba muerta, con la farmacia encima (por mi conato de neumonía), feliz y al mismo tiempo pensativa sobre todo el circo que rodea la semana de la moda y que no mencionaban en las revistas. ¡Nadie te prepara para eso!

¿CUBRIR O NO FASHION WEEK?

Le tengo un gran respeto a la industria de la moda, soy parte de ella y sé del sudor y lágrimas que cuestan pertenecer a este mundo. Esta pertenencia vale no solamente por “estar dentro” y decir “hago moda”, sino por el hecho de hacerlo bien, de elevar estándares, de trabajar por un fin común, crear e inspirar, cultivar y cosechar.

Soy fiel testigo de toda esa gente talentosa, creativa y extremadamente trabajadora que cada día se esfuerza para entregar lo mejor de sí misma; en ocasiones eso se traduce en colecciones memorables, en obras de arte. Pero también he sido testigo de mucha gente que sólo “hace moda” por decir que hace algo, cuando en realidad están afectándonos a todos con su falta de ética. Uno no va a Fashion Week a que le tomen fotos, uno va a trabajar, a comunicar, a apoyar a la industria, a generar contenido para sus lectores —hablar de las colecciones, de los diseñadores—, a buscar áreas de oportunidad y hacer aportaciones propositivas. Hay que continuar haciéndolo para dejar detrás a quienes no aportan nada y mejorar la imagen que se tiene de la moda en el mundo.

Dicen que cuando trabajas en Disney, ya no ves a Mickey o a las princesas con la admiración con que solías hacerlo en tus años de inocencia; es como todo en esta vida, uno se acostumbra, se vuelve una rutina, te dejas de sorprender y comienzas a conocer los secretos sucios que existen en todos los medios y profesiones, incluso en el lugar más feliz sobre el planeta tierra. ¡Qué bueno que nunca trabajé en Magic Kingdom!

¿QUÉ PASA DETRÁS DE LOS SHOWS EN FASHION WEEK?

La verdad es que pasa de todo, desde modelos dormidas entre mochilas, hasta las escenas más simpáticas y divertidas que se puedan imaginar entre maquillistas, peinadores, diseñadores y gente del staff: en ocasiones montan coreografías de distintas canciones o hacen sesiones de fotos con caras graciosas, jugando con la ropa.

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“La semana de la moda no debería ser un circo a donde las personas van a pavonearse.” ¡Cómo olvidar la vez que estuve backstage en el desfile de Betsey Johnson y la mujer hacía piruetas sin parar! Hasta contestó entrevistas de televisión mientras hacia un split.

Se trata de una semana en la que puede pasar de todo: desde ver a una diseñadora que siempre va impecable, como Diane Von Furstenberg, en la fila del baño, detenerle la puerta del sanitario a una top model, ver a una que otra personalidad pasada de copitas, encontrarse a una celebridad de la talla de Rihanna o Taylor Swift en una fiesta o intercambiar trucos para lograr el maquillaje perfecto con Val Garland o Tom Pecheux.

Mis experiencias en los últimos años han sido muy variadas, algo que recuerdo muy bien y con mucho cariño fue el último desfile de Marc Jacobs para la casa francesa Louis Vuitton. Fue un gran espectáculo en París, en una locación gigantesca y con mucho público presente, me parece que es el show más grande al que he asistido, ¡había todo tipo de celebridades presentes! Sofia Coppola y Anna Dello Russo, sólo por mencionar un par.

La colección era lúgubre pero con motivos de showgirl, de hecho, Jacobs dedicaba esta última colección a esa chica que todos llevamos dentro, que le gusta exhibirse y ser vista, una oda a su trabajo en LV. El recinto estaba lleno de signos que hablaban de las colecciones más emblemáticas del diseñador, que marcaban el cierre de un periodo importante para ambos. Un momento sin duda alguna muy especial dentro de mi carrera.

Uno ve cosas bonitas como esa. Pero también ve cosas muy raras: la temporada pasada fui testigo cuando una conocida top model le arrancó un pincel al maquillista para “arreglar” lo que él 84 | la revista

había hecho, me asusté un poco porque por lo general ese tipo de historias son las que te cuentan o las que lees en revistas de chismes, no las que te toca vivir de primera mano.

En general todo lo que sucede tras bambalinas durante las semanas de la moda internacionales es muy pausado y a un ritmo fríamente calculado, a diferencia de todo lo que se pueda pensar: todos

saben qué hacer, cómo hacerlo y cómo lograrlo, todos son profesionales, por eso todo funciona a la perfección, como un reloj. Aquí nadie improvisa.

¿CÓMO FUNCIONA EL TEMA DEL STREETSTYLE?

El streetstyle no es nada nuevo, Bill Cunningham del New York Times comenzó a tomar fotos de personas que le parecía iban bien

FASHION WEEK : EN L AS BUENAS Y EN L AS MAL AS

vestidas desde finales de los setenta.

Lo que ha cambiado es la intención de quienes se visten —la gente que trabajaba en moda desde siempre era conocida, y quizá criticada, por ir siempre de negro tratando de llamar la atención lo menos posible— y quienes capturan las imágenes.

Hoy ésta es un área importante de la millonaria industria de la moda.

Es un tema que me genera sentimientos encontrados, que me apasiona, ¡vaya, yo misma tengo un blog de estilo personal en donde a diario subo mis looks, lo que verdaderamente utilizo ya sea para ir a una junta o los domingos por la mañana cuando saco a pasear a mis perros! ¿Cuál es mi intención?

Compartir combinaciones, ideas y mi manera de interpretar la moda con quien me lee, es hablar de un todo por medio de algo tan tangible como sería la ropa. También es una manera de retarme a mí misma para salir de una zona de confort y ofrecer posibilidades distintas, sin encasillarme, pero también sin olvidar mi esencia. No se trata necesariamente de seguir todas las tendencias: es usar mi ropa

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—de la temporada que sea— llevarla a mi vida actual, a lo que me gusta y disfruto en ese momento; lo nuevo y lo viejo, mi personalidad y mis gustos se conjuntan para comunicar una idea.

Todo va muy bien hasta ahí, ¿cierto? Pero qué pasa cuando el tema se desgasta y no es más una forma libre, natural y artística de expresión, cuando se vuelve un teatro montado, un circo, un show en donde todo está orquestado de cierta forma para que sea “perfecto”.

O bien, una romería que parece más una burla que otra cosa: no hay una propuesta, no hay un planteamiento de fondo, es simplemente alardear para ser visto, es disfrazarse de alguien que no existe. Y eso es lo que últimamente sucede fuera de los desfiles: fotógrafos que disfrazan a chicas para que posen como si las hubieran visto caminando por ahí, cambiarte tres veces de outfit en un día para que te tomen más fotos o incluso que haya dinero de por medio para llevar un total look, olvidándose por completo de aquello que la llevó a estar ahí, que es su personalidad.

“La moda debería buscar más honestidad en todas sus áreas.”

Highlights Entre las cosas que más me han marcado desde que cubro Fashion Week, están las siguientes: • Asistir a una fiesta de Fendi en donde estaba Karl Lagerfeld, Sarah Jessica Parker, Rihanna, Sofia Coppola, Naomi Watts, entre otras.

• Que Bill Cunningham me tomara una foto para su sección del New York Times.

• Sentarme detrás de Grace Coddington y Anna Wintour, las mentes creativas detrás de Vogue. ¡Soy su mega fan!

• Asistir a un cocktail VIP en el atelier de Carolina Herrera y conocerla en persona.

• Presenciar que el Editor en Jefe de GQ cediera sin problemas su asiento en Front Row a uno de sus interns.

• Que Garance Doré (una de las

bloggers más famosas del mundo) se burlara de mí mientras me tropezaba en tocones por la nieve.

• Compartir el elevador con el señor Oscar de la Renta.

• Cubrir el backstage de Alexander Wang.

• Asistir al espectacular último desfile de Marc Jacobs como Director Creativo de Louis Vuitton.

• Asistir a un desfile de Fendi en Milán y perder mi celular dentro de la estructura de la pasarela.

• Ir al showroom de Dolce & Gabbana en Milán y asistir a un cocktail VIP en donde conocí a ambos diseñadores.

• Asistir a un desfile de Prada.

• Tener el privilegio de vivir la moda en todas sus facetas y momentos.

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Yo estoy a favor de la honestidad en todas sus formas, y no se puede ser honesto con uno mismo o con un “público” si se va por la vida pretendiendo ser alguien más. El streetstyle es una forma de manifestarnos por medio de lo que llevamos puesto, es decir, nuestro estilo personal. Habrá a quien le guste y habrá a quien no, pero las calles están ahí y a diario tenemos un lienzo que queramos o no, es un medio de comunicación más.

LO BUENO Y LO MALO…

Después de seis temporadas cubriendo Fashion Week, viendo la evolución de la industria y la revolución de lo digital sigo amando lo que hago, aunque ya no me dejo deslumbrar como antes. Como dice mi mamá, “no todo lo que brilla es oro”.

Hay que hacerse de un criterio propio, leer, informarse, conocer, mantenerse 8 6 | la revista

alerta, saber escuchar, saber leer entre líneas, ver todo y pensar por uno mismo.

Como en cualquier industria, hay que saber distinguir entre lo que está o no bien, lo que es ético y honesto y lo que simplemente no vale la pena. Siempre lo digo, si van a “hacer moda” háganlo por las razones correctas, porque realmente les apasiona, no por vivir en un mundo lleno de glamour (que les juro en la vida real no es como en las películas), no por que se quieren convertir en X diseñador o Y personaje. Nadie se hace famoso y millonario de la noche a la mañana, así no funcionan las cosas.

En moda todo cambia rápidamente, los zapatos de la colección Fall 2015 ya son tema del pasado, ¡y eso que apenas estamos en primavera! Todo cambia por segundo, hay un nuevo tema cada diez minutos, en gran parte gracias a la tecnología y todo lo bueno y malo que ésta

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conlleva. Lo mismo sucede con las personas que no tienen una propuesta genuina.

Respeto y admiro profundamente a todos los hombres y mujeres que forman parte de esta industria, que con su trabajo y talento contribuyen a algo tan bello como lo es la moda… ¡Claro que hay ego y frivolidad!

Y aunque no hay que satanizar el tema, tampoco hay que dejarlo de lado, ya que desgraciadamente en ocasiones ésta es la razón principal de los fracasos, y no hablo de perder dinero, me refiero a perderte a ti mismo, a no saber qué eres ni hacia donde vas. No definiendo ni respeto la falta de autenticidad, a lo largo de estos años he sido testigo fiel de muchos episodios que me desencantan de la industria y los personajes que la conforman, que ame lo que hago no significa que esté de acuerdo o apruebe todo.

El mundo que se vive en estas intensas ocho semanas al año (cuatro en cada temporada) es un espejismo, los viajes y las fotos en Instagram no cuentan la historia completa. Tanto para los diseñadores y modelos como periodistas, fotógrafos y demás actores son semanas agotadoras, llenas de trabajo y compromisos. Pero también son días que dejan satisfacciones enormes, satisfacciones que solamente puede dar el trabajo duro. Al final del día todas las profesiones relacionadas con la moda son solamente eso, un trabajo.

Gina Ortega Creció en la Ciudad de México como una fanática de la moda, y aunque estudió mercadotecnia ha tomado cursos de imagen personal y estilismo de moda. Tras trabajar en una revista femenina decidió que ese sería su camino a seguir y fundó su blog High on Fashion. Gracias a esta plataforma ha cubierto las Fashion Weeks más importantes del mundo con acceso a los desfiles y al backstage. Además ha diseñado una línea de zapatos que lleva el mismo nombre de su blog y se produce en León, Guanajuato. Sobra decir que es adicta a los zapatos y las bolsas.

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Escenas de la moda por: Sofía Cerda Campero

Para poder crear una radiografía de la moda en México es necesario entender a sus protagonistas, sus influencias y sus motivos. Este texto explora las necesidades creativas e historias personales que desde hace más de una década están formado una industria en constante cambio, en crecimiento.

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En algún tiempo remoto la industria de la moda en México estaba escondida bajo una sombra. México era el país al que las colecciones llegaban meses o hasta años después; el país donde quien quería ser diseñador se tenía que ir a estudiar al extranjero; el país de los maquiladores pero no de los diseñadores. Sin embargo, en los últimos años México ha pasado de ser un extra para convertirse en uno de los países estelares en la escena de la moda latinoamericana.

Para entender esta transformación, a continuación nos sumergiremos en las historias de tres reconocidas diseñadoras mexicanas: Marika Vera, experta en lencería; Vanessa Guckel, la francesa que llevó la arquitectura a la tela; y Carla Fernández, la antropóloga del textil mexicano.

El comienzo de la industria: I <3 DF Posiblemente usted lo recuerde: en la década de los noventa lo más cercano a la moda mexicana eran las mascadas y corbatas de la marca Pineda Covalin (1996). La firma retomaba patrones y figuras de las culturas prehispánicas para plasmarlas en seda creando finas y coloridas prendas. No obstante, estaba dirigida a un público reducido y pudiente: ejecutivos, artistas, políticos. Una original mascada o bello reboso de Pineda Covalin era el accesorio perfecto para la esposa de un embajador que asiste a un evento cultural. ¿Cuándo entonces comenzó a haber movimiento en la moda mexicana? La industria de la moda mexicana se ha venido cosechando durante poco más de una década. A principios del 2000, con la

La marca Marvin y Quetzal estaba formada por Marvin Durán (Venezuela) y Quetzalcóatl Rangel Sánchez (México). Se conocieron en el 2004 y a pesar

de no tener financiamiento para comenzar a trabajar su propia línea de ropa, lo consiguieron a través de préstamos. Sus diseños eran atrevidos, exagerados

popularización del internet, la gente (y sobre todo los jóvenes) comenzó a tener acceso a un mundo de información globalizada que fungía como una puerta perfecta para compartir ideas a nivel global sin ningún filtro de por medio. La entrada al mundo cibernético fue la herramienta ideal para que una generación interesada en el arte y el diseño comenzara a consumir información y a compartirla.

No importaba que no hubiera un mercado, esta generación estaba determinada a explorar con nuevos estilos, más callejeros, más atrevidos. De esta forma comenzaron a hacer eventos: desfiles y fiestas muy underground que venían acompañados de una escena de fiesta en el D.F. Durante estos años (2006 al 2009) lucían Marvin y Quetzal, Te Amo con Roberto Sánchez y Rafa Cuevas, así como los inicios de Alejandra Quesada, entre otros diseñadores.

Este movimiento no respondía a un modelo de negocio sino a un desahogo creativo dirigido a un nicho muy específico: jóvenes interesados en el arte, la moda, el diseño y la fiesta. Lo que los unía era un interés por reflejar moda mexicana local (más allá de la artesanía) y un uso activo en las redes sociales, por medio de las cuales comenzaron en crecer: MySpace, Facebook y blogs de moda como Diario de fiesta donde comenzaban a aparecer fotos de moda y perfiles de los diferentes personajes que conformaban la escena. Se abrió espacio en la moda mexicana para un camino más urbano y atrevido, una invitación para que los jóvenes creativos se unieran al movimiento partiendo de lo local y dirigido a locales.

y con un estilo colorido y fiestero que mostraba una nueva cara dentro de las pasarelas mexicanas. Su primera colección fue presentada de manera

informal en 2006 en el Hotel Virreyes. Tras su éxito fueron invitados Fashion Week Mexico y Dfashion. Quetzal murió el 12 de septiembre del 2008.

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Marika Vera: contra la crisis y los convencionalismos Hay ciudades cuyo prestigio dentro del arte y el diseño siempre ha estado vigente: Nueva York, Londres, París, Milán... En México, por otro lado, las oportunidades de ser diseñador o artista durante mucho tiempo fueron limitadas. El que quería estudiar diseño de moda y vivir de eso debía encontrar los medios para poder irse del país y prosperar.

En el 2008, Estados Unidos y Europa enfrentaron una impactante crisis económica que repercutió en las oportunidades laborales para los jóvenes.

En esta época la diseñadora mexicana de lencería, Marika Vera residía en Londres tras haber estudiado diseño de modas en el Instituto Margoni como segunda carrera. “La crisis internacional provocó que muchos jóvenes mexicanos diseñadores residiendo en el extranjero se tuvieran que regresar a México a falta de oportunidades laborales”, cuenta.

“Creo que ellos fueron seguidos por europeos que vieron un gran potencial creativo en el Ciudad de México; pienso que esto fue un factor importante para el desarrollo de la cultura en el D.F. y para la apertura al consumo de diseño local. Sinceramente si me hubiera quedado en Londres jamás hubiera podido tener mi propia marca”, dice Marika.

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Para Marika, las crisis funcionan como un parteaguas para tomar acción en lo que a uno realmente le gusta. A Marika siempre le gustó la lencería y desarrolló sus diseños alrededor de la sensualidad; quería hablar de ciertos temas más allá del color o las tendencias de temporada.

Con la crisis mencionada se vio obligada a regresar a México después de haber trabajado en París. Sin querer dejar la lencería y el diseño, intentó trabajar con Ilusión y Hanes pero después de varias entrevistas negativas se dio por vencida y emprendió como vestuarista —actividad que no la satisfacía creativamente. De esta forma se adentró en un ciclo constante de prueba y error atestiguando el crecimiento y alteración en la industria de la moda mexicana.

Unos años después y tras varias frustraciones, Marika le dio al clavo: materiales económicos y una propuesta innovadora. Su popularidad ha alcanzado tal nivel que en la edición de GQ en el Reino Unido aparece Rihanna con uno de los bodysuits creados por la mexicana. Desde hace un año la lencería de esta diseñadora ha sido un requisito para toda it girl mexicana y, ahora, internacional.

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Vanessa Guckel: la mexicana que nació fuera La arquitecta francesa, Vanessa Guckel llegó el 5 de mayo del 2008 para hacer un viaje de algunos meses alrededor de la República Mexicana. Jamás regresó a vivir a Francia. La ciudad de México era el escenario perfecto para desarrollar y vivir de un trabajo creativo: la materia prima no era cara, las rentas accesibles y —sobre todo— la ciudad comenzaba a sumergirse en un movimiento creativo perfecto para introducir nuevos talentos.

Vanessa comenzó a trabajar en el despacho de la arquitecta Tatiana Bilbao, donde desarrolló varios proyectos. Sin embargo, tenía un interés muy particular en la moda, por lo que siempre hizo ropa y estudió su clóset desde una perspectiva arquitectónica: las formas, la estructura y la construcción de una prenda. Por esta razón, unos años después de mudarse a México decidió unir su talento como arquitecta y su interés por la moda a través de un curso que impartió en la universidad Centro de Cine, Diseño y Televisión, sobre moda y arquitectura. De ahí nació la idea de formar Cihuah, donde Vanessa comenzó a trabajar bocetos para crear piezas que exploraran el espacio desde la vestimenta.

A propósito Vanessa dice: “Como decía Chavela Vargas, ‘los mexicanos nacemos donde nos da la

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gana’. Existen los que nacen en México y los que adoptan a México. Yo soy una de esas personas.

Adopté México y encontré ventajas en ser una extranjera de nacimiento residiendo aquí: mi diferencia, mi cultura distinta, mi otro ojo... Mi diseño es totalmente diferente a las propuestas que conoce el país, pero considerando que Cihuah es una marca mexicana eso le da un valor añadido a la industria nacional”.

En el 2013 Vanessa presentó su primera colección y fue una de las diez semifinalistas en el concurso de nuevos talentos de la revista Vogue México, “Who’s on Next?”, al lado de reconocidos diseñadores mexicanos como: Yakampot, Lorena Saravia y Paola Hernández.

“Who’s on Next?” es un concurso creado por Vogue México que reconoce el trabajo de los nuevos diseñadores de moda mexicanos para posicionarlos en una escala internacional. El premio consiste en 500 mil pesos en efectivo y el apoyo para viajar a Francia o algún país de Asia con una agenda de negocios apta para la premisa de la marca. La primera edición fue en 2013, donde la ganadora fue Lorena Saravia seguida de Yakampot (2014). Actualmente la línea de Saravia está a la venta en Saks y tiene una boutique en Masaryk.

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Carla Fernández: el huipil con lupa La diseñadora Carla Fernández siempre fue admiradora de la cultura mexicana y no fue necesario que se fuera a vivir al extranjero para entender su labor como diseñadora mexicana. Su formación en historia del arte y diseño de modas fue el balance perfecto para que en el 2000 lanzara su marca: Carla Fernández.

Gracias a que su padre era historiador, desde muy pequeña Carla estuvo familiarizada con el mundo indígena, ya que ella lo acompañaba a visitar diferentes comunidades donde quedaba asombrada por la riqueza de los textiles mexicanos, los patrones, colores y distintas telas elaboradas con cuidadosa artesanía, diseños transmitidos de generación en generación. Por el otro lado, acompañaba a su madre a visitar los centros de moda internacionales, donde podía observar de primera mano las tendencias que estaban ocurriendo en distintas ciudades del mundo. Sin embargo, el encanto que tiene Carla por la vestimenta no parte de la moda sino de la artesanía, del entendimiento con el textil.

Contrario a las historias de las diseñadoras antes mencionadas, Fernández no ha buscado innovar,

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sino aprender de la riqueza de las tradiciones. Al respecto, Carla opina: “México es una superpotencia cultural, existen más de 50 grupos indígenas que han creado una base sólida de historia y tradición que debe ser sustentable para seguir existiendo. Mi marca trabaja directamente con artesanos mexicanos y más que buscar enseñarles nuestros métodos y procesos, busca aprender de los suyos. De esta forma establecemos una relación directa con ellos, les compramos la materia prima a un precio justo y lo creamos en el D.F. Por esta razón el lema de mi firma es ‘el futuro está hecho a mano’”.

Taller Flora es un proyecto desarrollado por Carla Fernández en el 2000. Funciona como un laboratorio móvil para que distintas comunidades indígenas de artesanos y diseñadores se unan para crear piezas que muestren un diseño tradicionalmente mexicano sin caer en el folclor y ha visitado distintas comunidades del país rescatando las diferencias en el textil. La documentación de Taller Flora se reportó en un libro titulado El manual de la diseñadora descalza, el libro fue fotografiado por la reconocida fotógrafa mexicana, Graciela Iturbide.

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México en la mira Es un hecho que la industria mexicana de la moda aún está en crecimiento y en potencia. La ciudad de México está en un constante movimiento artístico y alcanzando una velocidad que en ningún otro momento de su historia había logrado. Sin embargo, la misión de los diseñadores mexicanos dentro de la ciudad no es alcanzar el nivel de reconocimiento de las casas de alta moda tradicionales, de antaño, sino trabajar de manera local

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para un público global, cada vez más grande. México es un país poseedor de una tradición textil de enorme riqueza, y esta riqueza hoy en día se está reflejando por medio de los distintos diseñadores locales.

México hoy no copia, resalta por la autenticidad de su historia y tradición. *Agradecimiento especial a Monserrat Castera, editora de i-D México, quien fue un gran hilo conductor para construir el panorama de la industria.

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MĂŠxico, D.F. T Centro Comercial Antara, MĂŠxico, D.F. T

Moda: fenónemos y obsesiones | Junio/Julio 2015

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Buscamos nuevas formas de salvar al mundo: esta edición convertimos esa acción en un negocio.

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Este reloj con edición limitada de Maximilian Büsser & Friends recuerda a una nave espacial.

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A través de 100 objetos el modo presenta todo lo que hay que saber sobre el diseño japonés actual.

Un gran relato de uno más de los viajes por el mundo de nuestro Coleccionista en busca de piezas únicas.

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El restaurante Yuban, en la Roma, es un oasis para los amantes del mole, la comida zapoteca y el mezcal.

Conozca la nueva novela de Guadalupe Nettel en palabras de nuestra columnista Ana Terán.

Finales

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Nicolas Ghesquière, nuevo director creativo de Louis Vuitton, le ha dado un vuelco a la estética de la marca.

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Tanto los amantes de las joyería como de los libros se enamorarán de esta publicación, una joya en sí misma.

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Negocios sustentables: la economía del medio ambiente por: María José Céspedes

Los datos que nos demuestran la degradación del planeta y la reducción de recursos para satisfacer nuestras necesidades son implacables, pero junto con la amenaza también han surgido proyectos sustentables que se han demostrado exitosos a nivel ambiental y financiero.

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“La responsabilidad social de los negocios es incrementar sus ganancias”, afirmó el premio Nobel de Economía Milton Friedman en 1970. Esta cita refleja el pensamiento neoliberal que rigió el comportamiento del sector privado la mayor parte del siglo pasado. Las empresas se enfocaron en sistematizar sus procesos, reducir sus costos y elevar al máximo sus utilidades, generando empleos y desarrollo económico pero sin tomar en cuenta los daños ambientales que estas prácticas causaran. Algunos años más tarde, la sociedad empezó a darse cuenta de que esta forma de actuar amenazaba con terminar con la mayor parte de recursos naturales del planeta, y que sin ellos no sólo las empresas no podrían funcionar, sino que las sociedades tal como las conocemos hoy no podrían seguir existiendo.

Como respuesta a esta amenaza, una nueva ola de empresas sustentables surgió. La idea —como la plantea Paul Polman, CEO global de Unilever— es tener modelos de negocio enfocados en contribuir con la sociedad y el medio ambiente, en vez de sólo tomar de ellos.

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Esta tendencia no está en lo absoluto en contra de la generación de ganancias económicas, como podemos ver en el caso de la multinacional que Polman lidera, sino que se enfoca en una estrategia consciente de colocar en el mismo plano la contribución económica, social y ambiental de un negocio, asegurando así su futuro a largo plazo.

Cada vez más negocios tradicionales han optado por seguir esta práctica de “Valor Compartido”, permitiendo incluso el surgimiento de empresas cuyas ganancias están directamente relacionadas a la protección o regeneración del medio ambiente. Este nuevo sector de empresas “verdes” o ambientales, que engloba desde proveedores de energías alternativas hasta cafeterías gourmet, está demostrando que ser ambientalmente responsable no sólo hace ver bien a la empresa, sino que estas actividades pueden ser enormemente redituables.

NEGOCIOS SUSTENTABLES: L A ECONOMÍA DEL MEDIO AMBIENTE

RAZONES PARA PREOCUPARNOS

Hace algunos años, el gobierno de Maldivas sorprendió a la comunidad internacional al tener una sesión plenaria del parlamento en la que todos sus miembros se reunieron debajo del agua utilizando un equipo de buceo. Esta acción, aunque tal vez un poco exagerada, pretendía llamar la atención a una problemática real para el país: si el cambio climático continúa elevando los niveles del mar, el territorio total de Maldivas, uno de los paraísos turísticos más destacados del mundo —cuya altura promedio es de 2.2 metros— quedará completamente sumergido en pocos años. Aunque esta situación particular es excepcionalmente grave, en todos los países podemos ver los resultados de la explotación de recursos a la que hemos sometido al medio ambiente.

La mayoría de las actividades humanas, necesarias para proveer alimentación, energía y vivienda a las siete mil millones de personas que habitan el

planeta, tienen un grave impacto en el medio ambiente. A nivel global, se pierden aproximadamente casi 150 mil km2 de bosque al año, lo que equivale a 36 campos de futbol americano por minuto. Esta degradación forestal, además de amenazar la subsistencia de la raza humana, ha puesto en peligro o desaparecido completamente a miles de especies animales. El World Wildlife Fund estima que cada año se extinguen entre 2 mil y 10 mil especies de la tierra, una pérdida 5 mil veces más rápida que el ritmo natural de extinción.

Como sabemos, todas las especies, tanto animales como vegetales, están interconectadas en cadenas, por lo que la pérdida de una de ellas puede significar el desgaste de varias otras. De esto existen ejemplos muy claros; uno de ellos, la drástica disminución en la población de las mariposas Monarca. El año pasado, un grupo de científicos, pensadores y otras figuras públicas liderados por Homero Aridjis (poeta, nove-

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lista, diplomático y activista medioambiental) se unieron para exigir a los gobiernos de América del Norte —por cuyos países esta mariposa se desplaza anualmente en su ruta migratoria— tomar acciones urgentes para evitar una mayor reducción de la especie. Este grupo demostró que los campos de cultivo de soya y de maíz en Estados Unidos y Canadá están usando herbicidas que matan la planta algodoncillo, que es la alimentación principal de la Monarca en su ruta y este factor es el que ha causado que la cantidad de mariposas que parte de Canadá hacia México disminuya drásticamente en el camino.

Problemas como éste son los que los negocios tradicionales con prácticas sustentables o los nuevos negocios verdes están buscando resolver de forma creativa. A fin de cuentas, los problemas sociales y ambientales están íntimamente relacionados, la degradación del medio ambiente amenaza nuestro futuro en la tierra y exige una atención urgente.

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ECONOMÍA VERDE

Aunque cada vez más empresas tradicionales están implementando estrategias de responsabilidad social y ambiental, el cuidado del planeta y la resolución de los problemas ambientales demandan una atención más puntual. Naturalmente, esta demanda ha generado oportunidades de negocio para aquellos emprendedores o empresarios que supieron identificar que nuestra necesidad de un planeta más saludable va en incremento y que los consumidores se han vuelto más conscientes en sus decisiones de compra.

El ser sustentable es un valor agregado real, una buena estrategia de marketing y una forma de conectar con el cliente en un nivel más profundo, además de que en algunos casos se tienen también beneficios

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fiscales. La economía verde es una forma inteligente de hacer negocio, visto desde cualquier ángulo.

Aún no existe una definición única de qué es un negocio verde, pero en su forma más clara se refiere a una empresa que tiene como fin principal atender una problemática ambiental y lo hace a través de un modelo sólido de negocio. Aunque las actividades de estas empresas suelen ser muy variadas, el sector comparte ciertas características, como son el compromiso del emprendedor y su entendimiento profundo de la problemática, la innovación, así como el cuidado que se tiene en asegurar que cada uno de los elementos de la cadena de valor tenga impactos positivos.

La economía verde tiene un sinfín de posibilidades y un mercado enorme por explorar. Los temas que

tratan estas empresas son tan variados que la capacidad de innovación es amplia, esto lo vemos reflejado en la cantidad de propuestas que surgen año con año. Campos comunes como la generación de energías alternativas y el reciclaje se reinventan para proponer nuevos ejes y enfoques, los sectores van especializándose y ofreciendo alternativas a los consumidores que jamás pensamos posibles.

Y es gracias a la economía verde que podemos consumir productos orgánicos —ya sea en casa o en todo tipo de restaurantes, de lujo o más económicos—, tenemos la opción de instalar sistemas de captación de agua pluvial o de energía solar en nuestros hogares y hasta elegir utilizar ropa hecha con materiales sustentables.

NEGOCIOS SUSTENTABLES: L A ECONOMÍA DEL MEDIO AMBIENTE

VERDE Y SOBRESALIENTE

Para poder comprender mejor el sector que abarcan todos estos negocios presentamos algunos ejemplos sobresalientes que quizá usted no conozca.

PARQUES EÓLICOS EN TEHUANTEPEC — MÉXICO

Si maneja de costa a costa en México, cruzando por la región más estrecha del país, el Istmo de Tehuantepec, eventualmente se encontrará rodeado de miles de enormes turbinas de viento.

Esta zona, poblada por parques eólicos, tiene las características perfectas para la generación de energía alternativa ya el choque de temperaturas de aire proveniente de cada uno de los océanos

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genera corrientes tan fuertes que en la zona se producen 2 mil 300 megawatts, con los cuales se podrían iluminar 1.8 millones de hogares durante un año. El Istmo de Tehuantepec cuenta con 21 centrales eólicas, lo que posiciona a la región no sólo como el generador más grande de energía eólica del país, sino una de los mayores del continente americano. En los últimos años el desarrollo de los parques ha crecido sustancialmente —de 2013 a la fecha se han construido seis nuevos— y se dice que el lugar tiene potencial para crecer hasta 10 mil megawatts, situación que lo haría uno de los tres lugares geográficos con más potencial de generación de energía eólica del mundo.

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RECICLA ELECTRÓNICOS MÉXICO (REMSA) — MÉXICO

En la actualidad, el hombre consume una cantidad absurda de electrónicos. Cada persona del mundo tiene a la mano, en cualquier momento, por lo menos dos aparatos electrónicos, como smartphones, tablets y laptops. El problema es que una vez que se descomponen o se vuelven obsoletos, no se sabe qué hacer con ellos.

Remsa nace como respuesta a esta necesidad y a la realidad de que los desechos electrónicos son mucho más dañinos para el medio ambiente que cualquier otro desecho, ya que entre sus componentes usualmente existen materiales nocivos.

La propuesta de la empresa es facilitar al consumidor el reciclar sus electrónicos con centros de acopio en universidades, parques y empresas. Existe incluso la opción gratuita de mandar una guía de paquetería para que el cliente mande los electrónicos que ya no utiliza. Al mismo tiempo, la empresa genera métodos innovadores de reciclaje, que permiten que estos equipos se reúsen en vez de terminar en basureros, resultando en nuevos productos y en una disminución enorme del daño medioambiental. Para más información consulte reciclaelectronicos.com.

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NEGOCIOS SUSTENTABLES: L A ECONOMÍA DEL MEDIO AMBIENTE

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Aire, Agua y Tierra AIRE: Cada año mueren en América más de 50 mil personas por males causados directamente por la contaminación en el aire.

Las principales causas de esta polución son las ciudades altamente pobladas, las largas horas en el tráfico y las interminables jornadas de trabajo en fábricas.

AGUA: Los barcos de pesca comercial utilizan redes con una apertura de 23 mil m2, el tamaño de cuatro canchas de futbol. Con ellas pueden sacar 500 toneladas de peces en una sola levantada, de las cuales se desecha más del 90%, generando una disminución catastrófica de las especies marinas.

TIERRA: En los 100 años transcurridos desde su descubrimiento, el gorila de montaña ha sufrido de una caza incontrolada, guerras de la población civil en su territorio, enfermedades, destrucción de sus hábitats naturales y captura para el comercio ilegal. En la actualidad existen menos de mil ejemplares vivos.

HACIA DÓNDE VAMOS

Se calcula que para el año 2050 habrá en el mundo nueve mil millones de personas. Mismas que deberán comer, vestir, tener vivienda, transporte y servicios médicos, acciones que requieren de una u otra manera el uso de recursos del planeta. Los retos de sostener a nuestra creciente población son muchos y los recursos son limitados para satisfacer necesidades insaciables. Esta realidad no puede ser ignorada.

La economía verde surge como solución a estas problemáticas, además de como respuesta a una oportunidad enorme de negocio que, por si fuera poco, está influyendo en los procesos de todos los demás sectores. La necesidad de cuidar el medio ambiente para asegurar nuestra propia supervivencia está empujando a las empresas a salir de las formas tradicionales de operar.

Ahora más que nunca hay una demanda de innovación en el diseño y en la fabricación de productos, mientras que el cliente exige más tiempo de vida útil, empaques más amigables con el ambiente, cultivos orgánicos y mejor calidad en general. Como consumidores y empresarios la economía verde representa un camino de nuevas posibilidades financieras que debemos saber aprovechar.

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el MODO

por: Santiago Oria Probert fotos: Cortesía MODO

Platos desechables creados con bambú y pulpa de caña de azúcar, WASARA, 2008.

Diseño Japonés Hoy: 100 objetos

La más reciente exposición en el modo es, además de un placer estético que presume perfección y paciencia, una mirada a la cultura japonesa a través de las diferentes representaciones físicas que ésta puede tener. “Diseño Japonés Hoy: 100 objetos” es un catálogo que nos muestra la intimidad de una sociedad milenaria, fascinante.

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Hace un par de años tuve la fortuna de visitar Japón y entre los muchos recuerdos de admiración que tengo, destaca mi asombro por sus objetos cotidianos, capaces de mezclar en perfecta medida una estética delicada y elegante, que de alguna u otra forma siempre resulta por combinar con el ambiente y las personas que los utilizan, sin arriesgar nunca la practicidad, los fines utilitarios para los cuales fue creado.

Cada uno de estos objetos, además, porta un sello de identidad imposible de confundir, cargando tradiciones, culturas, rutinas e historias del Imperio del Sol Naciente. En otras palabras: a través de los objetos más rutinarios podemos adentrarnos y entender la idiosincrasia de un pueblo protagonista en la historia de la humanidad.

Y esto es justo lo que el Museo del Objeto del Objeto (MODO) hace a través de 100 piezas que van desde la fundamental arrocera, presente en absolutamente todos los hogares (cualquier excepción podría considerarse una anomalía en el sistema),

D I S E Ñ O J A P O N É S H OY: 1 0 0 O BJ ETO S

Banco diseñado por Riki Watanabe para Y.M.K Nagaoka, Co., 1956.

LOS OBJETOS DE USO COTIDIANO EN JAPÓN SORPRENDEN POR LA PERFECCIÓN CON QUE SON CREADOS: UNA ESTÉTICA ELEGANTE SIN PERDER NUNCA LA PRACTICIDAD.

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hasta el Shinkansen, el tren de alta velocidad que por su tecnología y diseño es parámetro internacional. Quizá resulte necio comentarlo, pero no todos los objetos se encuentran presentes en la exposición (como el tren o los coches). Sin embargo, la presentación que se hace de estos objetos es precisa y coherente con el resto del recorrido.

Antes de comenzar a describir objetos que se presentan en la muestra, parafraseo un poco las palabras de Hiroshi Kashiwagi, uno de los curadores de la exposición: “Hay muchas formas de resolver las variantes de tecnología y estructura de acuerdo al uso de los objetos, incluso algunos tan simples como una destapador o un clip pueden ser diseñados de muy distintas maneras.

La función de los objetos presentes en esta exposición puede resultar poco aparente ya que muestra una nueva solución a problemas tradicionales”.

Así, sorprendiendo por su creatividad, su capacidad de adaptación a diferentes estilos de vida —en ocasiones también por su generación de tendencias— y la vigencia de su filosofía, buscando siempre mejorar la calidad de vida, el diseño japonés es un bien cultural destacado para todo el mundo.

Emulando a los objetos japoneses, la muestra está dividida de manera inteligente por funciones y usuarios. Es decir, artículos de cocina, muebles, transporte, niños, clásicos, salud, ocio, etcétera, y bajo cada una de esas categorías una serie de objetos nos obliga a imaginar la vida en Japón.

Destapadores de botellas de FUTAGAMI Co., diseñados por Masanori Oji en 2009.

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1.Globo terráqueo de papel, MARUMO PRINTING CO., LTD., 2011. 2. Silla PePe diseñada por Kazuteru Murasawa para Miyazaki Chair Factory, 2004. 3. Lámpara de Junzo Yoshimura para Yamagiwa Corporation, 1996. 4. Tetera de hierro “AKINOMI-ARARE” diseñada por Nobuho Miya para KAMASADA, 1977.

Japan Foundation Esta organización, fundada en 1972, tiene el firme propósito de promover internacionalmente la cultura y tradiciones del pueblo japonés. Su forma de hacerlo es sencilla en el fundamento, aunque más complicada en la realización: buscan mostrar todas las maravillas —que son muchas— de este país a través de diálogos, exposiciones, confe-

rencias y cursos en todo el mundo, al mismo tiempo que invitan a todos conocer no sólo su país, sino también su idioma y sus modos de vida.

Los programas de difusión que tienen involucran, por necesidad, al arte, colecciones audiovisuales que son un espejo de la percepción del mundo que tienen sus habitantes.

Con esta idea en mente, la necesidad de mostrar objetos con un diseño japonés actual se presentó como inmediata. El resultado, una muestra itinerante que lleva más de diez años presentándose y actualizando sus contenidos. Una muestra de objetos que, naturalmente, encontró casa en el Museo del Objeto del Objeto.

Robot Suit HAL para uso médico, CYBERDYNE, INC, 2013.

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D I S E Ñ O J A P O N É S H OY: 1 0 0 O BJ ETO S

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Bolsa Shimanto hecha con papel periódico, Makoto Umebara para shimanto drama, 2003.

CONOCER LOS OBEJTOS QUE SE CREAN Y SE USAN EN UN PAÍS ES FASCINANTE POR LO MUCHO QUE ÉSTOS NOS ENSEÑA DE SU CULTURA E IDIOSINCRACIA.

Entre los artículos clásicos destacan el walkman, un invento que revolucionó la manera en que escuchamos música; una cámara Nikon F, que combinó sencillez y precisión para fotógrafos de todo el mundo; el frasco de la salsa de Soya Kikkoman, presente en todos y cada uno de los restaurantes japoneses.

En la sección de cosas para el hogar hay biombos, altares, lámparas, mesas, equipos de audio y, en una comparación maravillosa, pequeñas y sencillas sillas plegables que se enfrentan a un impresionante sillón de masajes que utiliza tecnología robótica y está diseñado para ser parte de todos los hogares… quizá pronto.

Teteras, vasos, abridores de botellas, cuchillos, contenedores de arroz y wasara, una vajilla hecha de papel y otros materiales reciclados, como bambú, que es duradera a la vez que desechable, son algunos de los objetos en la sección de cocina.

Otros que llaman sobremanera la atención son las bicicletas, ya sean de madera para los niños, de ciudad para familias o de competencia para los ciclistas profesionales; globos

Campanilla de viento diseñada por Katsuji Nousaku para NOUSAKU CORPORATION, 2002.

terráqueos creados con papel; shot notes, para aquellos como yo que no tenían idea de lo que son, ahora existen libretas diseñadas para poder ser escaneadas con tremenda facilidad y desde cualquier dispositivo móvil, para así conservar nuestras anotaciones de manera digital; proyectores de planetarios para el hogar; sintetizadores del tamaño de la palma de la mano; robots prostéticos que desarrollan el movimiento; refugios portátiles pensados para funcionar en casos de desastres naturales.

Aquí me quiero detener, ya que aunque sería muy fácil seguir mencionando objetos, la fascinación que generan depende de cada persona que los observa, entendiendo su uso y definiendo en qué medida nos harían la vida más fácil o más agradable. Yo pienso en los estuches de plumas, otra persona en las cajas de té, unos más en el masking tape decorativo.

La única forma de saber cómo el diseño japonés nos asombra en sus objetos más cotidianos es visitar la exposición y recorrer sus salas con paciencia, con curiosidad. Estoy convencido de que quienes así lo hagan saldrán más conocedores de Japón y de ellos mismos.

INFO Hasta el 14 de junio de 2015 Colima 145, Roma, México, D.F. T. (55) 5533 9637 Horario Miércoles a domingo de 10 a 18 hrs. elmodo.com.mx Facebook: MuseoModo Twitter: @MuseoModo

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la Mesa

por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Martina Balaban

Yuban:

cocina tradicional zapoteca Oaxaca es conocida por sus moles, pero su comida va mucho más allá. En Yuban se han dedicado a encontrar la mejor comida de la sierra de Oaxaca y la han traído a la Ciudad de México. El resultado es, literalmente, para chuparse los dedos.

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YUBAN: COCINA TRADICIONAL ZAPOTECA

YUBAN ES UNA COMBINACIÓN DE VOCABLOS ZAPOTECAS: YU, QUE SIGNIFICA “TIERRA”, Y BAN QUE QUIERE DECIR “VIVO” . Y ESTO SE VE REPRESENTADO EN LOS SABORES Y COLORES DE LOS PLATILLOS.

En una ciudad con las dimensiones de la Ciudad de México, no es difícil que exis-

tan tantos rincones gastronómicos como la imaginación pudiera dar, pero aun así no deja de maravillarme que existan lugares auténticos, donde cada detalle, cada ingrediente esté cuidado a la perfección.

Como muchos peatones más que disfrutan de caminar por la colonia Roma, encontré Yuban una noche que “descubríamos” el barrio nuevo de Claudia, una queridísima amiga que acaba de mudarse un par de días antes a esa misma calle. Maravilladas con la diversidad de los localitos comerciales de la cuadra —florerías, panaderías y tienditas de aire hipster que conviven armónicamente con un estudio de tatuajes, un teatro de producciones alternativas y varios cafecitos.

Casi en la esquina de Colima e Insurgentes nos llamó la atención un lugar bien iluminado

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que ostentaba una gran barra donde se exhibían un buen número de mezcales: Yuban.

Oaxaqueñas de corazón que somos, no dudamos en entrar.

Una vez más, en la pujante Colonia Roma se establece un restaurante artesanal de cocina preparada meticulosamente con ingredientes orgánicos regionales. Yuban ha logrado establecer una cadena de suministros para que los platillos sean elaborados con ingredientes nativos de la región, pues busca honestidad en su cocina y apoyar a las comunidades zapotecas valorando su trabajo artesanal y de campo.

Yuban es una combinación de vocablos zapotecas: yu, que significa “tierra”, y ban que quiere decir “vivo”. Con el sentido de “tierra viva”, Yuban le da un lugar a la cocina zapoteca en la iudad de México: Tavehua, Tabaá, Zoochila, Yatzachi el Alto, Zoogocho, los Caxonos y otras comunidades de la Sierra del

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Norte de Oaxaca se representan en la carta con platillos —a primera vista sencillos— pero que hablan de respeto y amor a la tradición zapoteca; además de una amplia investigación por parte del equipo. Yuban es un templo a la comida zapoteca.

Desde que se conformó el equipo que, desde la cocina nos trasporta al corazón de Oaxaca, la misión ha sido clara y contundente: el respeto por los ingredientes locales, el apego a las recetas tradicionales y la visión innovadora donde cabe perfectamente el proponer nuevas combinaciones.

Al frente de la cocina está el chef Fernando Martínez, quien, aunque es de Michoacán, se ha enamorado perdidamente de la cocina oaxaqueña, la cual respeta y produce con gran entusiasmo. Nacido en Uruapan, este joven talento de la cocina ganó el reconocimiento del “Cocinero del Año” en Alimentaria 2014, y ha colaborado en prestigiados restaurantes como Les Moustaches y Moustaches Bistrot, con su mentor principal el chef Rafael Bautista.

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YUBAN OSTENTA SU AMOR POR TODO LO OAXAQUEÑO DESDE LOS INGREDIENTES HASTA EN SUS PISOS, LOS CUALES ESTÁN COMPUESTOS POR MOSAICOS DISEÑADOS POR EL MAESTRO FRANCISCO TOLEDO. Otro protagonista de Yuban es Juan Pablo Tatto —con experiencia en Anatol—, quien actúa como anfitrión gracias a su amplio conocimiento de los platillos y sus ingredientes. Si sumamos a esta ecuación a su mixólogo, quien es un experto en mezcal y ha creado una carta muy interesante de coctelería en base a ello, la fórmula de Yuban no puede ser más que ganadora.

El lugar es acogedor: logra alejarnos del mundanal ruido de la ciudad y transportarnos a un rincón de provincia, pues toda la decoración hace un guiño a la tierra zapoteca, que, aunado a los olores que salen de la cocina, es un verdadero

viaje. El espacio fue decorado por María José Pizarro, quien utilizó mosaicos con diseño del maestro Francisco Toledo para los pisos, algunos muros de adobe, maderas y hasta un árbol de pochote vivo, con las espinas características en el tronco.

EL MENÚ

Comenzamos con unas deliciosas entradas, los molotes de papa con chorizo o una sopa de guías de calabaza de Zimatlán. Otra opción es la ensalada de jitomates criollos —la gran especialidad de la casa y quizá el platillo más pedido— con jitomates riñón, miltomate morado, heirloom amarillo, kumato negro o mora-

YUBAN: COCINA TRADICIONAL ZAPOTECA

do, cherry amarillo y jitomatito prehispánico, rodajas de rábano, aderezada con pesto de hoja santa, aceite de oliva, queso fresco y orégano. Imperdible.

Otro must son las tlayudas de maíz criollo del Valle Central de Oaxaca, cocidas en comal de barro y untadas con asiento (grasa del fondo del cazo del chicharrón), acompañadas con tres salsas: rajas de chile de agua con escabeche de cebolla, vinagre de manzana, sal de Colima y orégano; salsa molcajeteada de chiles de agua y serrano, jitomate riñón y cebolla, todos tatemados en el comal; y salsa de tres chiles, chilcostle (en náhuatl chile amarillo), ancho y guajillo con jitomate riñón tostados en el comal. A la mesa nos llegan unos suculentos frijoles de la Sierra cocinados con hoja de aguacate y rociados con queso fresco de Etla, y luego una crema de aguacate con aceite de oliva artesanal de Xochimilco y jugo de limón verde. En otro plato hay tres molotes de masa, uno relleno con quesillo y epazote, otro con mole verde y alubias, y el último de chorizo oaxaqueño y papa. ¿Así o mejor para empezar?

De aperitivo nos ofrecen un mezcal de agave tobalá de la casa, con 55º de alcohol, de producción limitada, de perlado fino, aroma de piña y amable en boca, servido con rodajas de naranja y sal de chapulín. Y para acompañarlo aguas frescas de frambuesa, fresa y cardamomo, o piña con cardamomo. Cabe mencionar que las tortillas son torteadas a mano por doña Felicitas Martínez —quien empezó en el área de limpieza hasta que mostró sus dotes en la cocina—, con masa de maíz criollo nixtamalizado del pueblo de San Juan Tabaá.

Otra entrada que es especialidad de la casa: el chile de agua relleno, preparado escalfándolo y removiendo su piel, relleno con guajolote oaxaqueño (criados en una comunidad de mujeres llamada Cuni-Cuni) cortado en cubitos, cocinados con cebolla, jitomate riñón, almendras, nueces y pasas en cazuela de barro, capeado y bañado en caldillo de jitomate y guajolote. Cabe mencionar que este platillo —que se toma en plato de sopa— es una receta muy típica zapoteca para las bodas y sigue siendo muy aplaudido en el Istmo.

Entonces es hora de pasar a los platos fuertes: caldo de res de fiesta de la Sierra, con fondo y trozos de chambarete, chiles ancho, de árbol, de agua y guajillo, cilantro, epazote, hierbabuena, ajo, jitomates, clavo y pimienta gorda y verduras (chayotes, papas y ejotes de Zimatlán El Alto), al dente. Luego

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LAS TORTILLAS SON HECHAS A MANO Y AL MOMENTO POR DOÑA FELICITAS, QUIEN COMENZÓ EN EL ÁREA DE LIMPIEZA DE YUBAN. EL CHEF FERNANDO HA HECHO UN ENORME ÉNFASIS EN QUE TODO EL EQUIPO SE SIENTA COMO UNA GRAN FAMILIA.

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YUBAN Colima 268, Roma Norte, MĂŠxico, D.F. T. (55) 6387 0358 yuban.mx Facebook: Yuban Roma

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YUBAN: COCINA TRADICIONAL ZAPOTECA

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LA COMIDA OAXAQUEÑA VA MUCHO MÁS ALLÁ DEL MOLE: YUBAN OFRECE DESDE TACOS DE CHAPULÍN Y TAMALITOS DE FRIJOL, HASTA SALPICÓN DE VENADO Y PULPO.

llega el platillo estrella, un impresionante mole verde con caldo nutrido de cerdo (con tuétano y huesos), hoja santa, epazote, perejil, chile serrano y miltomate, servido con filete suave de puerco, alubias blancas, calabazas y verdolagas, rematado con huauzontles desgranados como crujiente.

Para paladares más exigentes, el chef Fernando ha creado un estofado con venado (de las granjas Carnuz), marinando la carne con leche para suavizar el sabor y sellándola en la parrilla al término rojo correcto, en salsa de chile de agua seco, nuez pecana, almendras, jitomate riñón y chile guajillo, acompañado con verduras en escabeche. El clásico amarillito no podía faltar, con costilla braseada de res a cocción lenta, fondo de la costilla con guajillo, jitomate, especias y masa para espesar, servido con quelite malva chinampero, setas de temporada mexiquenses y cebollitas de la sierra. ¡Un verdadero festín de sabores!

De postres nos presentan —e impresionan— con el pastel de chocolate con mousse de crema de cacao y cedrón en polvo; arena de café con nectarinas maceradas en mezcal, tejas de cacao y helado de requesón con fresa. Y como digestivo una elegante infusión de poleo, que por supuesto también viene de tierras zapotecas.

Manjares como éste no son usuales, y es motivo de orgullo el reconocer que la gran labor de estos jóvenes enamorados de la cocina zapoteca han sabido transportar cada ingrediente, cada aroma, cada fusión de sabor a un público sibarita que aplaude sus creaciones respetando las recetas familiares de la Sierra Norte, y sabiendo reproducir los sabores auténticos de tan variada y rica cocina con el innegable don de la sazón.

Yuban, tierra viva en zapoteco, es un templo gastronómico donde las raíces de la tierra oaxaqueña están dando frutos, exquisitos frutos que vale la pena degustar. ¡Por supuesto con un buen mezcal en mano!

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el Personaje

por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de Louis Vuitton

Nicolas Ghesquière, como en casa en Louis Vuitton

El mundo de la moda se estremeció con la salida de Marc Jacobs de Louis Vuitton, lo que no esperaban era la inyección de aire fresco que Nicolas Ghesquière traería consigo. Conozca al diseñador que lleva a Vuitton hacia una nueva era.

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NICOLAS GHESQUIÈRE

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YO ERA UN CHICO FELIZ DEL CAMPO. DESPUÉS DESCUBRÍ LA MODA. –Nicolas Ghesquière

Hoy comienza un nuevo día. Un gran día. Están a punto de ser testigos de mi primer desfile de moda para Louis Vuitton. No encuentro palabras para expresar exactamente cómo me siento en este momento… Siento sobre todo, una inmensa felicidad de estar aquí, con el conocimiento de que mi expresión estilística es una con la filosofía de Louis

Vuitton.

El

orgulloso

legado.

La

historia

inspiradora que mira hacia el futuro y hacia el mundo. La búsqueda por la autenticidad y la innovación. El deseo de la atemporalidad. ¿No es cierto que todos los diseñadores buscan, en última instancia, crear algo atemporal? Saludo la obra de Marc Jacobs, cuyo legado espero honrar de todo corazón. Y les agradezco el estar aquí para compartir este momento conmigo. Gracias a todos ustedes, quienes me han ayudado a contar esta nueva historia y que hacen a Louis Vuitton lo que es, y en especial, a aquellos que trabajan conmigo. Gracias a todos los aquí presentes, el día de hoy, esta mañana. En este momento.

Nicolas, 5 de marzo de 2014.

La carta que dejó Ghesquière a los invitados a su primer desfile.

Cuando pasó el shock de la muy emocional —y emocionante salida de Marc Jacobs de la casa francesa Louis

— Vuitton, con su espectacular carrusel y las modelos más importantes vestidas de negro en el desfile primavera/verano 2014, lo que quedó en el aire fue la pregunta del año en el mundo de la moda: ¿quién podrá reemplazarlo? Pero Vuitton y lvmh —su compañía madre— no tenían ninguna duda de quién era el indicado para tomar su lugar. En noviembre de 2013 se anunció lo que muchos ya esperaban, Nicolas Ghesquière era el nuevo director creativo de la casa Vuitton.

UN FRANCÉS DESTINADO AL ÉXITO

Nicolas Ghesquière siempre tuvo muy claro su objetivo. Nacido al norte de Francia en Comines, Province, en 1971, a los quince años trabajó por primera vez en una casa de moda. Haciendo el café y sacando copias pero observando todo lo que sucedía a su alrededor. Al graduarse cumplió su sueño de toda la vida: trabajar para Jean Paul Gaultier.

En 1995 llegó a la que sería su casa durante casi 20 años: Balenciaga. “En un principio me contrataron para hacer productos que se venden con licencia”, contó en una entrevista. “No era el trabajo más emocionante del mundo pero a mí no me importaba”. Dos años después fue nombrado director creativo tras la salida de Josephus Thimister y puso de nuevo el nombre Balenciaga en el mapa.

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A pesar de tratar de mantenerse lejos de los reflectores, se sabía que Ghesquière era sumamente exigente con su equipo, pero más aún consigo mismo. Siempre admitió ser su peor crítico, presionarse demasiado y sentirse inseguro, y todo explotó cuando dejó su puesto en noviembre del 2012.

François-Henri Pinault —dueño de Kering, a su vez dueño de Balenciaga— dijo puras cosas buenas de Ghesquiére y alabó su talento, pero poco después el diseñador dio una entrevista en la que aseguraba que la marca no tenía dirección y que lo habían “secado” completamente. Kering lo demandó por romper su acuerdo de confidencialidad, aunque Ghesquière cambió un poco su historia y aseguró que se refería a la industria en general y no específicamente a Balenciaga o Kering. Todo se arregló fuera de los tribunales y quedó en el pasado cuando comenzaron los rumores de que el diseñador reemplazaría a Marc Jacobs en Vuitton.

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VUITTON DULCE HOGAR

El 10 de octubre de 2013 se anunciaba extraoficialmente en blogs y las redes sociales que Nicolas Ghesquière sería nombrado director creativo de la casa francesa. LVMH aseguró que nada se había decidido pero unos cuantos días después, el 4 de noviembre, se anunciaba ahora sí, oficialmente, lo que todo mundo ya sabía. “Louis Vuitton es para mí el símbolo del máximo lujo, innovación y exploración”, dijo el diseñador cuando se anunció su contratación. “Me siento muy honrado de la misión que se me ha otorgado y orgulloso de unirme a la historia de esta gran casa”.

Para Ghesquière —como para cualquiera en su lugar— reemplazar a Jacobs no sería tarea fácil.

“Le tengo mucho respeto y admiración a Marc Jacobs”, comentó en su momento. “Él hizo que Louis Vuitton fuera relevante en cuanto a moda.

Entre las muchas cosas que hizo están todas las

LOUI S V UITTON Masaryk 460, Polanco México, D.F. T. (55) 5980 8803

NICOLAS GHESQUIÈRE

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El diseñador con sus amigas, musas y seguidoras: Jennifer Connelly, Catherine Deneuve, Charlotte Gainsbourg y MIchelle Williams.

colaboraciones con artistas que se han vuelto esenciales para la marca. Estoy orgulloso de ser su sucesor”. Jacobs no se quedó atrás en sus halagos, asegurando que Ghesquière es un diseñador brillante y que haría algo completamente diferente: “siempre lo he admirado. Me da curiosidad ver lo que hará”. Y la necesidad que veía Jacobs de un cambio de estética en Vuitton ha dado resultado, la nueva era de la casa francesa ofrece un look moderno y refinado.

El estudio que heredó Ghesquière permanece casi intacto, a pesar de que llevó a algunas de las personas con las que trabajaba previamente y asegura que el equipo creado por Jacobs es realmente increíble. Solamente tres personas se fueron y los diez que llegaron lo hicieron para puestos que previamente no existían. El espacio es amplio, se tiraron las paredes para tener un ambiente de creatividad en equipo y para trabajar de la manera sumamente específica de Ghesquière. Un ejemplo es Florent Buonomano, quien lleva el título de Gerente de Investigación Iconográfica y se dedica específicamente a buscar las referencias para las colecciones que están por crearse para posteriormente transmitírselas al equipo de diseño.

Nicolas Ghesquière es un visionario. Pero no olvida que la maison es un negocio, un negocio en que la mujer Vuitton no busca seguir todas las tendencias sino que “tiene un sentido de excelencia, calidad, piezas atemporales”. Por esta razón el diseñador crea un fuerte deseo en ellas por tener las nuevas prendas pero con la intención de que sea parte de un guardarropa que irá formándose a través del tiempo. Y ese guardarropa comenzó con minifaldas en línea A y extraordinarias chaquetas en su primer desfile; ni qué decir de los divertidos pantalones estampados para la primavera de este año que combinaba con blusas transparentes; y por supuesto los metálicos, colores vibrantes y estampados de Resort 2015 demuestran hacia dónde va.

Pero uno de sus mayores aciertos hasta ahora ha sido revitalizar el área de accesorios que ha hecho de los pequeños baúles el must que todas las mujeres quieren.

A principios de mayo presentó Resort 2016 en la casa de Bob Hope en Palm Springs, California. Los más de 500 asistentes quedaron encantados con el espacio y la estética. Una estética que es definitivamente Ghesquière.

Y ahora también, definitivamente Vuitton.

Otoño/invierno 2015 La colección que Nicolas Ghesquière presentó en París —en la nueva sede de la Fundación Louis Vuitton— en marzo de este año continúa con la idea de que sea una colección de lujo pero usable, aunque fue un poco más allá en su exploración de nuevas tecnologías.

El lujo se manifestó en pieles xxi como la que portaba la modelo Freja Beha al abrir el desfile, así como exquisitas faldas hechas en piel pero también hubo sencillos —aunque cortados a la perfección— trajes de pantalón, abrigos sobrios y suéteres casuales. Las faldas y vestidos son cortos, se exageran los hombros y la figura se resalta con estampados y tejidos en oro y plata. De alguna forma Ghesquière logra que las prendas sean brillantes y atractivas aunque al mismo tiempo simples.

Y no hay que olvidar los accesorios: bolsos estilo baúl en todos los tamaños y zapatos con aplicaciones que estilizan la figura. Un acierto más para Ghesquière y Vuitton.

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el Reloj

por: Claudia Benítez fotos: Cortesía de MB&F

Un reloj espacial

del universo de Maximilian Büsser & Friends La compañía Maximilian Büsser & Friends presenta la última creación de su colección de relojes Horological Machines: el HM6 Space Pirate, una fusión de relojería, mecánica y ciencia ficción cuyo diseño está inspirado en una nave espacial.

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UN RELOJ ESPACIAL DEL UNIVERSO DE MAXIMILIAN BÜSSER & FRIENDS

Con su colección Horological Machines, Maximilian Büsser &

Maximilian Büsser

Friends (también conocido como MB&F) busca crear relojes con una sólida base en lo mejor de la horología tradicional pero con diseños que vienen directamente del futuro. La pieza que aquí presentamos tiene una forma moderna, extraña y fantástica que se adentra en el terreno de la ciencia ficción.

Para el diseño del modelo número 6 de dicha colección, Maximilian Büsser se inspiró en la nave espacial “El Cometa” que aparece en la serie de animación japonesa de los años setenta que él veía cuando niño, Capitán Futuro. A Büsser se le ocurrió la idea de combinar dos astronaves como la de este aventurero del espacio, la cual estaba formada por dos esferas conectadas por un cilindro. Fue así como surgió el primer boceto del Horological Machine No. 6 (HM6) Space Pirate, una pieza que combina finos materiales con formas orgánicas y que no solamente parece una nave espacial sino que está construido como una.

El fundador de MB&F comenta que se trata del proyecto más ambicioso, complejo y loco que su compañía ha llevado a cabo. Para su realización buscó

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que el lenguaje del diseño fuera completamente diferente a lo que se había visto hasta entonces en sus producciones.

Es aquí donde radica el gran lujo del que goza en MB&F: poder hacer lo que quiere con cada pieza, de una manera que la marca no rija al diseño.

Para este trabajo, Büsser tuvo una fuerte influencia de Luigi Colani, diseñador industrial alemán al que se le atribuye haber recreado el diseño biomorfista, en el que la naturaleza inspira diseños fluidos. Maximilian quería reproducir ese lenguaje fluido, vivo y anatómico como un animal en su Space Pirate. El resultado es algo de lo que todo el equipo de la empresa está sumamente orgulloso.

En cada una de las cuatro esquinas de la caja del HM6 hay una esfera de 360º con una cúpula de cristal de zafiro, el segundo mineral natural más resistente del mundo. Las horas y los minutos se muestran en las esferas de la parte inferior, mientras que en la parte superior hay dos turbinas esféricas que giran para regular automáticamente el mecanismo de cuerda con la finalidad de reducir la tensión y el desgaste en caso de que se produzca una velocidad excesiva.

Nació en Milán, Italia, pero su familia se fue a vivir a Lausana, Suiza, cuando él era todavía muy pequeño. Ahí creció en un ambiente multicultural, lo que forjó su enfoque en la vida y los negocios. Büsser estudió una maestría en Ingeniería de microtecnología y cuando tenía 31 años fue nombrado director operativo de Harry Winston Rare Timepieces.

Gracias a su gran espíritu emprendedor, durante los siete años que trabajó ahí logró transformar la empresa en una marca sumamente respetada en el mundo de la alta relojería. En 2005 decidió crear una compañía que se dedicara por completo a diseñar y elaborar pequeñas series de relojes con conceptos originales y radicales en colaboración con talentosos profesionales. Fue así como surgió MB&F, gracias a la cual ha logrado alcanzar una total libertad creativa.

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MAXIMILIAN BÜSSER TRABAJÓ PARA HARRY WINSTON RARE TIMEPIECES PERO EN 2005, TRAS SIETE AÑOS EN LA MARCA, LA DEJÓ PARA CREAR SU PROPIA COMPAÑÍA RELOJERA, UNA EN LA QUE TODO FUERA DIVERSIÓN Y DISEÑOS ABSOLUTAMENTE EXCLUSIVOS Y ORIGINALES

Otro elemento que además de ser funcional brinda un toque estético que hace que el reloj luzca estupendo, es la cúpula central de la caja que cuenta con un tourbillon volante de 60 segundos, un mecanismo de relojería que sirve para compensar el desgaste que produce la gravedad en el agujero donde giran el volante y la rueda de escape sobre su eje una vez por minuto. Este regulador de precisión del motor del HM6 fue desarrollado por MB&F específicamente para este modelo, y también está cubierto por una elegante cúpula de cristal, lo que deja a la vista el sofisticado motor de la máquina, mientras que por la parte trasera de la caja, a través de un cristal de zafiro plano, puede admirarse con más detalle el complejo mecanismo compuesto por 475 partes.

Su creación presentó tantos desafíos que tomó tres años concluirla. Todas estas esferas le dan al HM6 un aspecto moderno y atractivo y una imagen fuera de este mundo que refleja el estilo de una nave espacial. Su caja está hecha con el mismo tipo de titanio de alta tecnología que se utiliza en la aeronáutica, de modo que es tan resistente como ligera, además de que se ajusta perfectamente a cualquier muñeca. A diferencia de los diseños anteriores de esta colección, el Space Pirate tiene líneas curvas que suavizan su figura basadas en el biomorfismo, movimiento artístico inspirado en las formas de organismos vivos. Se trata de un reloj tan especial y único que solamente está disponible en

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C ARACTERÍ S TIC A S TÉCNIC A S MOTOR ›Tipo: Motor horológico tridimensional desarrollado exclusivamente para el HM6 por MB&F con David Candaux Horlogerie Créative. Tourbillon volante con escudo retráctil. Turbinas gemelas de aluminio accionadas por el rotor de cuerda. Rotor de cuerda automática con forma de hacha de batalla de platino 950 y de color verde iridiscente ›Reserva de energía: 72 h ›Control de frecuencia: 18, 800bph/4Hz ›Componentes: 475 ›Rubíes: 68 ›Funciones/Indicaciones Horas y minutos en indicadores semiesféricos de aluminio separados Corona para abrir y cerrar el escudo del tourbillon C A JA Fabricada por Les Artisans Boitiers Titanio Ti-6AL-4V (de grado 5) ›Dimensiones: 49,5 mm x 52,3 mm x 20,4 mm ›Componentes: 80 ›Resistencia al agua: 30 m / 90’ / 3 atm ›Cristales de zafiro 10 cristales de zafiro: 9 en forma de cúpula (4 para los indicadores de horas y minutos, 4 para las turbinas y 1 para el tourbillon) y 1 plano (para mostrar la parte trasera) ›Correa y broche Correa de cuero cosida a mano con cierre desplegable de titanio diseñado a medida

UN RELOJ ESPACIAL DEL UNIVERSO DE MAXIMILIAN BÜSSER & FRIENDS

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una edición limitada de titanio de 50 ejemplares que salieron a la venta el pasado noviembre con un costo de 230 mil dólares, por lo que sólo unos cuantos afortunados podrán gozar de esta maravilla.

El espacio representa un ambiente hostil en el que hay que protegerse de las peligrosas radiaciones termonucleares, de las fuertes aceleraciones, la incesante amenaza de choques y los drásticos cambios de temperatura. Por ello, el Space Pirate ha sido diseñado para funcionar en el entorno hostil del espacio de la muñeca. Al igual que las naves espaciales, cuenta con un dispositivo que lo protege de la radiación del sol y el cual es un escudo protector semiesférico y retráctil formado por seis láminas curvas de titanio muy finas y superpuestas que se cierran para evitar que los rayos ultravioleta oxiden los aceites lubricantes del motor. Este mecanismo de protección es tan avanzado que se activa por una corona que abre y cierra la cubierta en una fracción de segundo, como si pestañeara.

Casi todos los elementos y mecanismos fueron pensados específicamente para este reloj y se desarrollaron desde cero, trabajo monumental que tardó cuatro años en ser concluido. Por eso que se trate de un reloj tan único y original que, además, cuenta con 68 joyas. Y para rematar, una elegante correa de cuero cosida a mano da el toque final a esta sensacional pieza de la relojería más avanzada.

MB&F (Maximilian Büsser & Friends) Esta compañía se basa en una idea fundamental: reunir cada año a un grupo de entregados artesanos de la relojería, artistas y profesionales que son amigos entre sí para diseñar y manufacturar una pieza maestra de relojería radical sumamente original.

MB&F promueve a equipos de talentosos individuos, utilizando su pasión y creatividad con una sola meta: crear máquinas horológicas increíbles. Maximilian Büsser y sus amigos, todos artistas independientes de la industria relojera, no sólo rebasan los límites de la horología sino que crean una dimensión totalmente diferente al conjugar la relojería tradicional de la más alta calidad con tecnología de vanguardia bajo un enfoque artístico a partir del cual se crean esculturas cinéticas tridimensionales. Es, además, el primer laboratorio horológico conceptual y artístico del mundo.

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el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake

Compras en Kerala Para en t end er l a l ab o r d e un an tic uario hay que c o n o cer su s v i a je s, a quello s re c o rrid o s tan e xtrañ o s c omo si n gul are s en lo s que p er sigue una p ie z a y d e s c ubri r c o n ell a l a hi st o ria d e l a hum anid ad.

l trabajo de un anticuario se puede condensar en ese constante y curioso descubrir que al adquirir un objeto extraño, al empezarlo a estudiar y asociar de manera mágica con otros tantos que hemos poseído con anterioridad o que más tarde irán apareciendo y que en muchos casos los vamos localizando en diversos sitios, distintos países, incluso en distantes continentes, pero que sin embargo pueden proceder de una fuente común, de una inspiración similar o en dado caso, como lo menciona Arnold Toynbee, fruto de la conciencia común, que es la realización de saber que tanto un objeto como un pensamiento pueden aflorar en diversas partes del mundo sin tener aparente contacto. ❡ Con esta idea en mente acostumbraba viajar hace unos años, casi exclusivamente por el sur de India en extravagantes recorridos de compra. En aquel entonces volaba por la recién estrenada ruta de Japan Airlines que saliendo de la Ciudad de México y por vía Anchorage, Alaska, llegaba finalmente a Tokio. Al día siguiente el vuelo continuaba parando en el viejo aeropuerto de Hong Kong, totalmente diferente al lujoso y arquitectónicamente maravilloso aeropuerto actual. Las pequeñas salas de espera se encontraban totalmente hacinadas de campesinos o gente media de ciudad con sus gorros y chaquetas verdes y mezclilla gris. La moda Mao. La cantidad de humo y ruido era abrumadora, los cigarrillos eran consumidos rápidamente, el piso eran cuadritos de loseta blancos altamente percudidos y la aproximación a los baños era de un olor desagradable. ❡ Después de unas horas de martirizante espera se volaba largo trecho hasta el enigmático subcontinente Indio, llegando a la fantástica ciudad de Mumbay, capital por antonomasia del comercio y el arte anglo-indio, al igual que Calcuta. Días después, aún recuperándome de los males del viaje y del cambio de horario (en este caso son doce horas de diferencia, ya que India es exactamente la antípoda de México), planeaba mi vuelo a la ciudad de Trivandrum en el estado de Kerala, al sur del país. Vale mencionar que Kerala fue el primer estado co-

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munista del mundo por sufragio, antes inclusive que la Unión Soviética, y es el estado con mayor índice de alfabetización de todo India. ❡ La llegada era fantástica pues el aeropuerto no era más que un tejabán de paja a un lado de la pista y una habitación, primitivamente refrigerada y plagada de frases motivantes de Gandhi y Jawaharlal Nehru sobre las paredes, donde se encontraban las oficinas. ❡ Las maletas eran traídas a lomo desde el avión por descalzos y escuálidos porteros, como en aquel entonces se movía casi toda carga. Impacientes, dos comerciantes comisionistas en arte y antigüedades, el renombrado Lawrence Pereira y Mr. Leen me esperaban saliendo del inexistente recinto para hacer los planes de lo que sería una fantasiosa aventura, en la cual saldríamos al campo a revisar lo que se vendía o estaba por ser derribado. Ellos, al no poder afrontar directamente su compra, me llevaban para decidir y amarrar las ventas. ❡ Me informaron que viajaría tres días en compañía de uno, luego dos días de descanso y seguiría otros más con el segundo. De día y noche. Trepé junto con mi maleta a un coche Ambassadeurs de reciente manufactura, patente comprada durante los años treinta a los fabricantes ingleses de Morris por industrias Tata, dinastía de grandes industriales parsi, los cuáles introdujeron junto con los ingleses los primeros ferrocarriles a India. ❡ Sentado solo en la parte posterior del automóvil veía como en la parte de enfrente se aglomeraban todos los amigos que en el camino iba recolectando el conductor. Así pasé, con un calor tropical y viajando por brechas dentro de una cerrada vegetación tropical, esa primera noche. El automóvil brincaba rítmicamente al pasar por las onduladas y estrechas veredas, llenas de hoyos causados por las fuertes lluvias de un recién pasado monzón que había creado hondonadas llenas de agua, las cuales al pasar a una muy módica velocidad dejaban cortinas de agua que durante el día creaban pequeños, sublimes y efímeros arcoíris que contrastaban con el bello verdor de la vegetación circundante. ❡ Durante horas se escuchaba a los insectos cantar alegres y sin cesar en un estruendoso y armónico concierto que la naturaleza nos regalaba. Al tener un momento calmos, mientras ellos

EL COLECCIONISTA

hablaban en ese extraño idioma tamil cuyo trabalenguas no podía yo descifrar, oí el croar de infinidad de ranas que empezaban con un rítmico coro nocturno, el cual era silenciado inmediatamente hasta por el más mínimo ruido, lográndose un silencio sepulcral, pero apenas simuláramos un croar, éste era contestado una y otra vez hasta que regresaba el estruendo. ❡ El guía me comentaba en su muy roto inglés que le habían informado que a tres horas, por una vereda específica, había una iglesia católica indo-portuguesa, que había sido demolida y cuyo altar estaba a la venta. Considerando que al introducirnos tierra dentro nos llevaría tres horas en llegar, localizar el sitio mismo y lograr verla nos tomaría dos horas más por lo menos, más otras tres horas para volver a este punto de partida, el riesgo era de considerarse si es que la pieza no valiera la pena. ❡¿Qué hacer, qué decidir? Entonces el ingenio brota y al preguntarle al guía si él lo había visto personalmente, procedí a dibujar sobre un cartoncillo el resultado de nuestra conversación y averiguación, tal como a continuación describo: “Veamos, ¿el tipo de columnas es salomónicas?” Sí, contesta el guía al tiempo que las pintábamos sobre el papel contando con la aseveración por parte de su cabeza y manos. “Bien, ahora vamos a ver de cuántos cuerpos es la pieza.” Así proseguimos hasta encontrarnos con un bello altar que parece del siglo XVIII pero con detalles que él insiste que tiene, unos remates neo-góticos que lo harían poco valioso, pero hay que recordar que a los objetos constantemente se les adosan motivos decorativos en boga para darles un toque modernizante.

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❡ Tomamos la decisión de irlo a ver. Tres horas más tarde

llegamos a un demolido monumento y empezó la discusión con los locales para descubrir dónde se guardó el altar, el cuál afortunadamente no fue quemado. Son altas horas de la noche, o podríamos decir de madrugada, y se nos informa que quien tiene las llaves del lugar donde se encuentra el altar en cuestión vive en el pueblo vecino. En ese momento sale veloz un joven descalzo, con una manta enrollada cual falda y una camisa, en una gran bicicleta. Volvió una hora más tarde con su compañero, sentado en el manubrio de la bici brincando al compás de la terracería. ❡ En ese momento nos llevaron a un desgastado y pequeño edificio en medio de la nada, comido por la vibrante vegetación que dejaba un profundo olor a humedad, misma que emanaba de las paredes mohosas. Finalmente, después de intentar con varias llaves entramos a un departamento de pequeños cuartos donde se encontraba desarmado, en el suelo, lo que parecía ser un altar católico de la cristianización portuguesa en India. A partir de las piezas encontradas lo reconstruyo en un dibujo y descubro que está aparentemente completo. Acordamos precio, empaque, tramites y exportación. ❡ A su llegada a México nos encargamos de su reconstrucción y restauración para mantenerlo completo. Superamos todo tipo de problemas para poder reconstruir la pieza en su totalidad, una pieza que grita y demuestra la grandeza humana, fruto de un esfuerzo titánico por llevar una fe y una civilización a lugares recónditos en épocas lejanas y así, mi labor de anticuario reconstructor y preservador se realiza.

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Periferias

por Ana Terán

ilustración: Nuria Meléndez Gámez

DESPUÉS DEL INVIERNO

La novela más reciente de la mexicana Guadalupe Nettel, que analiza el desamor desde cuatro distintos puntos de vista, se ha hecho acreedora al Premio Herralde 2014. Conozca sus entrañas.

Después del Invierno, de Guadalupe Nettel (Ciudad de México, 1973), ganó el Premio Herralde 2014 cuya convocatoria para novela inédita en castellano —que lanza la editorial Anagrama cada año— recibió en esa edición la mayor participación en su historia. Nettel es además la primera mujer en sumar su nombre al de otros mexicanos merecedores del prestigiado galardón literario: Daniel Sada, Sergio Pitol, Juan Villoro y Álvaro Enrigue, entre una larga lista de reconocidos escritores en nuestra lengua.

Si bien su anterior novela El cuerpo en que nací —de corte autobiográfico— tiene como nudo central las secuelas que la autora sufrió en su infancia derivadas de un lunar en la córnea de su ojo derecho, su trama entreteje igualmente uno de los temas medulares de Después del Invierno: el estigma que imprime en la piel del alma la indiferencia de los otros cuando se vive en un país ajeno.

El extrañamiento al que condena la inescapable calidad de inmigrante, sobre todo en las grandes ciudades donde no queda más asidero que la soledad de la conciencia.

Esta novela narrada a cuatro voces, en la que cada miembro del cuarteto interpreta su papel desde su personal esquina del mundo, desvela los mecanismos del amor, o mejor dicho del desamor —las manías, pasiones, miedos, neurosis y debilidades que se revelan en las relaciones—, y va trazando sus coordenadas de un lado a otro del Atlántico: París, donde reside temporalmente la oaxaqueña Cecilia mientras termina su tesis doctoral, en un apartamento cuya ventana mira hacia su único refugio: un cementerio; Claudio, un cubano misógino,

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manipulador y neurótico hasta la náusea, que trabaja en una casa editorial en Nueva York; Tom, el apacible vecino italiano de Claudia, cuya enfermedad terminal establece plazo fijo a un amor de por sí efímero y etéreo; y Ruth, la rica cincuentona a quien Claudio se arrima, la única nativa de su ciudad, la gran manzana, pero extranjera en tierra de sus anhelos: el contrapunto del cuarteto, tan insulso que apenas si alcanzamos a registrar la queja de una sumisión nacida del temor a la soledad.

El tinte de la esperanza recae en un personaje secundario, Haydée, una cubana amiga de Claudia, que cuando aparece nos concede un respiro entre las diversas caras de los desencuentros, y la muerte física.

La autora declaró en una de las entrevistas concedidas con motivo del premio, que escribió esta novela a manera de venganza. Si parte de lo que aquí se cuenta ocurrió en la realidad, no la culpo. La aplaudo. Pero no vayan a confundirse, no se trata de una novela confesional, al contario, está construida a pulso, escaño tras escaño, desde la distancia objetiva del escritor que utiliza su propia experiencia para estructurar una historia, sobre la base de un oficio bien dominado y una voz descarnada que afirma con aplomo: “...así como la primavera sucede al invierno consiguiendo año tras año que olvidemos su crudeza, habría siempre niños jugando y corriendo encima de nuestros muertos. Y que eran ellos quienes conseguían mejor que nadie, si no condenarlos al olvido, renovar nuestras ganas de vivir, a pesar de su dolorosa ausencia”.

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el Libro

por: La Redacción

Casa Palacio

Centro Comercial Antara México, D.F. T. (55) 9138 3750

casapalacio.com.mx vivetotalmentepalacio.com casa_palacio casa_palacio

Librería Assouline Newton 35, Col. Polanco México, D.F. T. (55) 5281 0568

Suzzane Syz Syz:

joyería y diversión en uno HAY QUIENES SON AMANTES DE LAS JOYAS y muchos otros que aman los libros sobre joyería.

Este libro es para ambos. La diseñadora suiza comenzó a crear joyas juguetonas y llenas de imaginación a principios de los noventa. “Comencé a crear mis propias piezas porque nunca encontraba lo que buscaba”, cuenta. Mudarse a Nueva York en los ochenta —ese Nueva York de Warhol y Basquiat— fue lo que Syz necesitaba para inspirarse y comenzar a diseñar las piezas que deseaba utilizar pero no podía en contrar en las tiendas. Entre sus creaciones hay aretes y anillos en forma de sus dulces favoritos de la infancia así como broches inspirados en cuentos de hadas, todas llenas de colorido y creatividad. Este libro resulta tan curioso como las mismas piezas, con vivos colores y citas de la misma diseñadora.

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By: Chef Romain Fouquet Veracruz 102, Col. Condesa Veracruz 102, Col. Condesa http://www.condesadf.com condesadf.com

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