東 西 譚
paroles Alliance Française de Hong Kong x Janvier / Février / Mars 2016
世界法語同樂日 舞/ 蹈 香/ 港藝術節
Francophonie/Danse/HK Arts Festival
東 西 譚
paroles Janvier / Février / Mars 2016 Nº 248
Couverture : Soledad, danse de Helen Lai et Peter Suart avec les danseurs de HKCCDC. Photo@ Ringo Chan (voir article page 19)
Ce 8 février 2016, le Singe succédera à la Chèvre dans l’astrologie Chinoise. Animal facétieux, plein de vivacité et de désinvolture, dont on nous prédit qu’il nous apportera une année tonique, favorable à l’optimisme, aux arts et à la créativité ! Autant de vœux que l’Alliance Française souhaite vous adresser pour cette nouvelle année, tout en espérant contribuer à leur réalisation. A l’honneur dans ce numéro, la 44e édition du Hong Kong Arts Festival qui débutera le 19 février. Pour cette occasion, Paroles a rencontré le metteur en scène Tang Shu-wing, ami de longue date de l’Alliance qui a étudié le théâtre en France et qui présentera dans le festival sa nouvelle traduction de MacBeth. La danse occupe également une part importante de cette édition avec le spectacle Questcequetudeviens ? du chorégraphe français Aurélien Bory, présenté dans le Hong Kong Arts Festival. Nous partageons également avec vous deux interviews de danseuses et chorégraphes françaises qui, chacune à leur manière, contribuent aux échanges artistiques entre la France en Hong Kong : Emanuelle Voh-Dinh avec ses ateliers de danse organisés avec Wayne McGregor au West Kowloon Cultural District et Alice Rensy qui enchaîne depuis plusieurs années à Hong Kong des productions entre danse et art visuel. Le mois de mars sera quant à lui consacré à la Francophonie dont la date du 20 marquera sa journée internationale. A cette occasion l’Alliance Française a le plaisir de s’associer cette année encore avec les Consulats de Belgique, du Canada, de France et de Suisse. Nous présenterons, le 19 mars, le maintenant traditionnel concert Mars en Folie, et le mini-festival de films francophones dont les projections auront lieu tous les mardis du mois à la médiathèque de l’Alliance. Je vous souhaite un excellent début d’année. 2016年2月8日將迎來猴年。猴是一種機智活潑和無拘無束的動物，因而，人們預期猴年將會是使人振奮、樂觀，有利於藝術和創作的一 年！這也是香港法協的願望，因此，我們謹祝各位讀者新年快樂，萬事勝意。 本期《東西譚》着重介紹將於2月19日開鑼的第四十四屆香港藝術節。為此，《東西譚》特別與法協有着悠久友誼關係的香港劇場導演 鄧樹榮作了一次專訪，他曾到法國深造戲劇藝術，這次在藝術節期間介紹他重新詮釋的《馬克白》(MacBeth)。 本期也有大篇幅介紹舞蹈藝術，當中包括法國編舞家奧雷里恩．博里 (A u r é l i e n B o r y) 在香港藝術節中演出的《舞轉人生》 (Questcequetudeviens?)。此外，本期也有兩篇有關法國舞者兼編舞家的專訪，她們各自以不同的方式推動法國與香港的藝術交流：艾曼 紐．汀 (Emmanuelle Voh-Dinh) 與 Wayne McGregor 在西九文化區舉辦舞蹈工作坊，以及愛麗絲．倫斯 (Alice Rensy) 連續數年在香港策 劃或創作舞蹈和視覺作品。 三月份主要是世界法語同樂日的活動，每年的3月20日被定為世界法語同樂日。而今年的3月19日，香港法協再度與比利時、加拿大、法 國及瑞士等駐港領事館合作舉辦現今已成為傳統的「瘋狂三月音樂盛宴」，還有迷你法語電影節，於3月份的每個星期二在位於法協佐 敦中心一樓的多媒體圖書館放映法語電影。 本人在此謹代表法國文化協會仝人祝大家新年進步！ Stéphane Joly Directeur de la publication 督印人
香 港 法 國 文 化 協 會 會 刋
Publié par : l’Alliance Française de Hong Kong Directeur de la publication Stéphane Joly Rédacteur en chef Gérard Henry
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Sommaire
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Fête de la francophonie 世界法語同樂日
La fête de la francophonie 2016 2016年，世界法語同樂日 Par Xavier Mahé
Hong Kong Arts Festival 香港藝術節
Shakespeare et Verdi à la Une du 44e Hong Kong Arts Festival 第四十四屆香港藝術節的首選：莎士比亞及威爾第 Par Jean Dourville
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Théâtre / Hong Kong Arts Festival 戲劇/香港藝術節
Battlefield de Peter Brook et Marie-Hélène Estienne 彼得．布祿克與瑪莉 — 愛倫．艾絲恩斯坦的《戰場》 Par Gérard Henry
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Théâtre / Entretien / Hong Kong Arts Festival 戲劇/專訪/香港藝術節
Le Macbeth de Tang Shu-wing 鄧樹榮的《馬克白》 Entretien avec Paroles
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Musique / Hong Kong Arts Festival 音樂/香港藝術節
Le Quatuor à cordes Debussy, une musique vivante et créative 活力盡顯的德布西弦樂四重奏 Par Gérard Henry
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Danse / Hong Kong Arts Festival 舞蹈/香港藝術節
Aurélien Bory : « Questcequetudeviens? » 奧雷里恩．博里《舞轉人生》 Danse 舞蹈
Emmanuelle Voh-Dinh aux ateliers de danse de West Kowloon Cultural District 艾曼紐．汀於西九文化區舞蹈工作坊 Entretien avec Gérard Henry
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Danse 舞蹈
Soledad de Helen Lai et Peter Suart 黎海寧與彼得小話的《孤寂》 Par Gérard Henry
Danse 舞蹈
Alice Rensy : Le charisme des danseurs 愛麗絲．倫斯：表演者的魅力 Exposition 展覽
Maurice Benayoun, vagabond des tunnels virtuels 莫奔 — 漫遊虛擬隧道 Par Ann Mak
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Festival d’Angoulême 安古蘭國際漫畫節
Li Chi Tak, un sorcier à Hong Kong 香港大法師 ─ 利志達 Par Nicolas Finet
Histoire de l’art chinois 中國藝術史
Le portrait et la peinture de personnages vers la fin du 18e siècle (1) Les méthodes secrètes du portrait de Ding Gao 十八世紀末的人物和肖像：丁皋的《寫真秘訣》 Par Frank Vigneron
Poésie 詩詞
Roger Kowalski, parmi les ombres 影子裡的詩人：羅歇．科瓦爾斯基 Par Bernard Pokojski
世界法語同樂日
Fête de la francophonie
La fête de la Francophonie 2016 Texte : Xavier Mahé
À
l’occasion de la fête de la francophonie, l’Alliance Française de Hong Kong organise avec le soutien des consulats généraux de Belgique, Canada, France et Suisse de nombreuses activités. 為慶祝世界法語同樂日，香港法國文化協會獲比利時、加拿大、法國及瑞士等駐港總領事館的鼎力協助，為大家舉辦多項慶祝活動。
Le concert « Mars en folie » 瘋狂三月音樂盛宴 Le samedi 19 mars, la jeune scène musicale française, suisse et canadienne se produira sur la scène du Vine Centre à 19h30. Trois groupes, trois styles à tout point différent qui incarnent parfaitement la richesse et la diversité de la chanson francophone. 3月19日星期六，晚上七時三十分，三隊分別來自法國、瑞士及加拿大樂壇的年輕樂隊將於灣仔葡萄藤教會為香港樂迷演出一場音樂會。三隊 樂隊，三種全然不同的風格展現法語歌曲的多姿多采。
Fabian Tharin, photo©Lauren Pasche
Babel (France 法國)
Fabian Tharin (Suisse 瑞士)
Au printemps 2010, les Nantais le découvraient sur la scène du TNT. Loin du conventionnel, Babel fait de la musique comme il l’entend. Libre dans le chant et dans l’harmonie des instruments (guitare, violoncelle, clavier et platines), l’artiste s’affranchit des codes musicaux pour livrer un premier album surprenant. Chantés ou slammés, les textes s’immiscent dans un univers situé au carrefour de la chanson, du jazz et du hip hop. Obsédé autant par la vie que par la mort, il s’exprime à travers des métaphores bien pensées pour faire de chaque morceau la pièce d’un puzzle qui reflèterait sa vision de la société. Son univers se démarque et peut en dérouter certains. Néanmoins, personne ne peut aller contre le fait qu’il y a du génie dans le maniement des morts et l’écriture de Babel.
« J’aurais aimé être Sid Vicious, mais j’ai des cloques dans les Doc Martens ». Cette plaisanterie est celle du chanteur suisse Fabian Tharin qui se reconnait luimême comme un punk de salon. Rigoureux comme un expert-comptable, le Bobo d’Yverdon s’est attaché à déconstruire une à une toutes les fondations de la chanson telle qu’on la pratique. Des featurings improbables à la production en carton-pâte, des lignes mélodiques à cette plume si particulière qui fait sa marque de fabrique, des rythmiques hip hop au visuel glossy de la pochette, chaque étape a été pensée comme un acte poétique posé à la pelle mécanique.
2010年春天，法國樂隊Babel在南特中立區劇院進入了南特人的視線。他們遠離傳 統，根據自己的想法創作音樂，在歌唱與樂器 (吉他、大提琴、鍵盤和 DJ 唱盤) 的 使用中盡顯自由風格。他們擺脫傳統音樂規則的束縛，發行了第一張令人眼前一亮 的專輯。既有唸又有唱的歌詞混合了爵士與嘻哈的音樂風格，彷彿帶人走進十字路 口。他們審視生命與死亡，運用經過深思熟慮的隱喻來表達情感，創作的作品反映 他們對於社會複雜事物的看法。他們的音樂世界不同於其他樂隊。甚至可能令人迷 失方向。然而沒人能夠否認 Babel 在音樂創作與字裡行間中展現的天賦。
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Janvier / Février / Mars 2016
「我也很希望我能成為像 Sid Vicious 一樣的 punk 搖 滾歌手，但是我穿 Dr Martens 鞋的時候腳上會起水 泡。」瑞士歌手 Fabian Tharin 這樣笑談自己有點高貴 的叛逆。工作態度嚴謹有如專業會計師，這位來自瑞 士西部城市伊韋爾東的「布波一族」( 精神上崇尚自 由解放的社會上流人士 ) 熱衷於打破人們熟知的音樂 框架，邀請意想不到的夥伴來製作十分隨性的音樂。 從獨特的歌詞，嘻哈節奏到音樂視像的包裝，處處散 發出獨特的個性， 充滿詩意的同時又不失嚴謹的考量。
Félix Dyotte, photo© Jeanne Joly
La Tribune de Sébastien Pesot
Félix Dyotte (Canada 加拿大)
Exposition 展覽
En partie responsable du succès de groupe marquant des années 2000 (The Undercovers, The Stills, Chinatown), en plus de collaborer avec des plusieurs acteurs importants de la scène musicale québécoise (Pierre Lapointe, Jean Leloup), Félix Dyotte présente un premier album gravé de pop élégante et déliée qui raconte les aléas d’une escapade amoureuse tantôt archée sous une poésie des plus limpides. Le jeune auteur-compositeurinterprète nous entraîne dans des sphères lancinantes qui flirtent avec le beau sous toutes ses déclinaisons.
« L’anatomie du Bling » par l’artiste canadien Sébastien Pesot
2000年間一些樂隊 (The Undercovers、The Stills、Chinatown) 大受歡樂，部份原因是 Félix Dyotte 的參與，他亦曾與魁北克 省樂壇中的一些著名音樂人 (Pierre Lapointe、Jean Leloup) 合 作。他的搖滾音樂刻畫着優雅細膩的感情，清新抒情地述說愛 情的變幻莫測。這位年輕的唱作歌手帶我們進入一些纏綿感人 的領域，感受純美感覺的每一個層面。
(à confirmer 有待確定) Mars en Folie - Le concert Date : Samedi 19 mars Heures : 19h30 Lieu : The Vine Centre 29 Burrows Street, Wanchai, HK Entrée gratuite Sur réservation uniquement : reservation@afhongkong.org
加拿大藝術家 Sébastien Pesot 多媒體展覽 L’artiste canadien Sébastien Pesot présentera une exposition multimédia qui repose sur les rapports musicaux, graphiques et sémantiques entre le son, l’instrument de musique et le corps de l’artiste. Se définissant comme un « plasticien post-punk », Sébastien Pesot manipule les cordes des instruments de musique de manière à créer des compositions qui tendent vers un chaos organisé, oscillant entre la figuration et l’abstraction. Sur papier ou à l’écran, ces cordes font référence aux traits d’un crayon, où le déplacement virtuel des lignes apparaît comme la trace du geste de l’artiste. Faisant usage de plans rapprochés et de juxtapositions habiles, l’artiste s’amuse à fragmenter et à décontextualiser les objets pour les magnifier et révéler leur démesure. Les images de Pesot acquièrent un véritable pouvoir captivant, puisqu’elles résonnent dans notre mémoire visuelle comme peut le faire le son des instruments qui ont inspiré « L’anatomie du Bling. » (Detail information will be announced later on our website) 加拿大藝術家 Sébastien Pesot 將展出一個以音樂、圖形，以及聲音、樂器和藝術家本人的 軀體之間的語義關係為基礎的多媒體展覽。Sébastien Pesot 將自己定義為「post-punk 造 型藝術家」，他擺弄樂器的弦線，將它們組合成一些徘徊於具象和抽象，有組織的混亂形 態。無論是在紙上或是在屏幕上，這些弦線都會使人聯想到用鉛筆的筆劃，在視覺上，線 條的移動都像是藝術家動作時留下的痕跡。藝術家將物件分裂並使之脫離原來背景，利用 特寫鏡頭和巧妙地互相重疊的手法，並將它們過份地放大來顯示出它們的趣味性。Pesot 製 作的影像擁有一種真正的魅惑力量，因為它們像樂器的聲音般能引起我們視覺記憶產生共 鳴。這多媒體展覽的創作靈感來自樂器的弦線。
(詳細資料請稍後瀏覽我們的網址) PAROLES
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Mini-Film Festival Francophone 迷你法語電影節 La fête de la Francophonie offre au public Hongkongais l’opportunité de mesurer toute la richesse et la diversité du cinéma francophone au travers de cinq films français, canadien, belge, suisse et mauritanien. Le film Timbuktu du cinéaste africain Abderrahmane Sissako a été triplement recompensé aux Cesars 2015. 世界法語同樂日透過五部分別來自法國、加拿大、比利時、瑞士和毛里求斯的法語電影讓香港觀眾一賭法 語電影的豐富多彩和多元化。而當中的電影《在地圖結束的地方》(T imbuktu) 的非裔導演Abderrahmane Sissako更憑藉這部影片奪得2015年三個凱薩獎。
年世界法語同樂日 2016 Lieu 地點： La Médiathèque 法協多媒體圖書館 Alliance Française de HK – Centre de Jordan 1/F, 52 Jordan Road, Kowloon 九龍佐敦道52號一樓 法協佐敦中心 Entrée gratuite 免費入場 Sur réservation uniquement 必須預留座位： reservation@afhongkong.org
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Janvier / Février / Mars 2016
La French
Une dernière chance
毒網謎蹤
最後機會
France 法國 2014 - 135 min Policier 警匪片 de Cédric Jimenez avec Jean Dujardin, Gilles Lelouche, Céline Sallette 1/03/2016 - 19h30
Canada 加拿大 2012 - 84 min Documentaire 紀錄片 de Paul Emile d’Entremont 8/03/2016 - 19h30
Marseille. 1975. Pierre Michel, jeune magistrat venu de Metz avec femme et enfants, est nommé juge du grand banditisme. Il décide de s’attaquer à la French Connection, organisation mafieuse qui exporte l’héroïne dans le monde entier. N’écoutant aucune mise en garde, le juge Michel part seul en croisade contre Gaëtan Zampa, figure emblématique du milieu et parrain intouchable. Mais il va rapidement comprendre que, pour obtenir des résultats, il doit changer ses méthodes. 1975年馬賽港。帶着妻子及孩子從梅斯移居馬賽的 年輕法官Pierre Michel被委任為專審嚴重罪行的法 官。他下定決心要擊破將毒品分發到世界各地的黑 社會組織 French Connection。這位法官不顧任何警 告，獨自一人對抗黑幫中的老大 Gaëtan Zampa。但 他很快便明白到，想要有成果，便要改變方法。
Ce long métrage documentaire suit le parcours de cinq demandeurs d’asile au Canada qui ont fuit leur pays d’origine pour échapper à la violence homophobe. Se heurtant aux difficultés de l’intégration et craignant d’être déportés, ils attendent dans l’angoisse la décision qui bouleversera leur vie. Mais tous veulent croire à la générosité de leur terre d’accueil. 五個人因為在自己國內因同性戀被迫害而到加拿大 尋求庇護，這紀錄長片紀錄了這些人的經歷，他們 融入新社會的困難，害怕被驅逐出境，還有他們焦 慮地等待終將決定他們一生的決定。但他們全都願 意相信接待他們的這個國家是慷慨的。
Tapis Rouge
Timbuktu
Tous les chats sont gris
紅地氈
在地圖結束的地方
貓都是灰色的
Suisse 瑞士 2014 - 90 min Drame 劇情片 de Fred Baillif 15/03/206 - 19h30
Mauritanie 毛里求斯 2014 - 97 min Drame 劇情片 d’Abderrahmane Sissako avec Ibrahim Ahmed dit Pinot, Toulou Kiki et Abel Jafri 22/03/2016 - 16h
Belgique 比利時 2014 - 90 min Drame 劇情片 de Savina Dellicour avec Bouli Lanners, Anne Coesens 29/03/2016 - 19h30
Non loin de Tombouctou tombée sous le joug des extrémistes religieux, Kidane mène une vie simple et paisible dans les dunes, entouré de sa femme Satima, sa fille Toya et de Issan, son petit berger âgé de 12 ans. En ville, les habitants subissent, impuissants, le régime de terreur des djihadistes qui ont pris en otage leur foi. Des tribunaux improvisés rendent chaque jour leurs sentences absurdes et tragiques. Le destin de Kidane et des siens bascule le jour où Kidane tue accidentellement Amadou le pêcheur qui s'en est pris à GPS, sa vache préférée. Il doit alors faire face aux nouvelles lois de ces occupants venus d’ailleurs... Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs La séance sera suivie d’une rencontre avec le réalisateur.
Paul a 46 ans. Il est détective privé. Dorothy a presque 16 ans. Elle est en pleine crise identitaire. I l vit en marge de la société bien-pensante bruxelloise, elle a grandi en plein dedans. La seule chose qui les lie est le fait que Paul sait qu’il est le père biologique de Dorothy. Récemment de retour au pays, Paul revoit Dorothy. Troublé, il l’observe, sans oser s’approcher. Mais tout bascule le jour où Dorothy vient lui demander de chercher son père biologique...
A cheval entre la réalité et la fiction, un éducateur de rue se fraye un chemin dans le monde torturé des jeunes d’une banlieue lausannoise. Il les aide à écrire un film et puis il fait tout son possible pour les emmener au bout de leur rêve. Un «road movie» vers Cannes qui remet en question toutes les certitudes d’un travailleur social et de jeunes en perte de repères. Plus qu’un film, une expérience extraordinaire. La séance sera suivie d’une rencontre avec le réalisateur. 一部既寫實又虛幻的電影，寫一個青少 年輔導工作者如何在洛桑的貧民區的街 頭幫助那些備受折磨的少年人。他幫助 他們編寫一部電影，之後他想盡一切辦 法幫他們完成夢想。這是一部朝向康城 電影節的「公路電影」，它質疑一個社 會工作者的所有確信以及青少年的迷失 方向。這不單只是一部電影，更是一次 難能可貴的經驗。 完場後導演將會與觀眾會面。
離廷巴克圖不遠的小城受伊斯蘭激進武裝份子控制。牧人 Kidane 與妻子和女兒，以及12歲的小牧童離群索居，試圖 在沙漠中守護僅剩的幸福。
私家偵探 Paul 今年46歲。差不多16歲的 Dorothy 正處於身份危機的年齡。他生活在布魯塞爾傳統 社會觀念的邊緣，而她卻是在這種社會中長大。 而他們二人之間唯一的聯繫是 Paul 是 Dorothy 的 生父。剛回國的 Paul 再次見到 Dorothy，對她 的狀況感到不安，但又不敢接近她。然而，有一 天，Dorothy 委托他幫她尋找生父。
城內的居民被剝奪一切喜樂，只能無聲歌唱，在黑暗中跳 舞，任憑時間在安靜高壓的日常中緩緩流逝。 Kidane 的命運因他在一次爭執裡意外打死他人，因為付不 出律法所規定的賠償（40頭牛），而被判死刑…… 敬請留意，本片的內容或影像或會引起部份觀眾的不安。
完場後導演將會與觀眾會面。
PAROLES
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Janvier / Février / Mars 2016 7
香港藝術節
Hong Kong Arts Festival
Shakespeare et Verdi à la Une Texte : Jean Dourville
Gianandrea Noseda dirige l’orchestre du Théâtre national de Turin - photo ©Christodoulou
Jane Eyre de Charlotte Brontë - photo ©Manuel Harland
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idèle à son rendez-vous du printemps, le Hong Kong Arts Festival, le plus grand festival des arts du spectacle vivant de l’année, invite plus de 1400 artistes internationaux et locaux qui présenteront 118 spectacles en opéra, musique classique et moderne, théâtre et danse, parmi lesquels 15 premières mondiales et 12 premières asiatiques. Doté d’un budget d’environ 110 millions de dollars, il ne peut pas s’autofinancer entièrement puisque sa billetterie (environ 102 000 billets vendus pour un total de 40 millions de dollars) et son sponsorat, autour de 40 millions de dollars couvrent à peine 70% du budget, le reste étant couvert par une subvention du gouvernement. A côté des spectacles donnés, le Arts festival organise également avec les artistes invités 185 événements éducationnels tels qu’ateliers, conférences, discussions, répétitions gratuites. L’un des grands événements de ce 44e Festival est le 400e anniversaire de la mort de William Shakespeare, qui amènera à Hong Kong la Britain Royal Shaeskpeare Company et de grandes pièces historiques mises en scène par son directeur artistique Gregory Doran telles que Henry IV part one et two, Henry V et aussi un Macbeth par le metteur en scène hongkongais Tang Shu Wing et coproduit par le Globe Theatre de Londres.
44th Hong Kong Arts Festival 19/2-23/3/2016 www.hkartsfestival.org
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La programmation théatrale de cette année est riche avec aussi le célèbre Mahabharata, une épopée sanscrite de l’inde ancienne revue dans Battlefield par Peter Brook, et l’adaptation théâtrale du grand roman auto biographique anglais du XIXe siècle Jane Eyre de Charlotte Brontë par le Bristol Old Vic National Theatre of Great Britain . Un autre spectacle
Janvier / Février / Mars 2016
La Verita de Daniele Finzi Pasca - photo ©Viviana Cangialosi
inclassable est Lover, un dialogue multiculturel sur l’amour entre des anciennes chansons d’amour de la poésie classique chinoise et des poèmes du poète américain E. E. Cummings mis en scène par le U- Theatre de Taiwan et le Rundfunckor de Berlin. La danse sera classique avec La belle au bois dormant du Berlin State Ballet, traditionnelle avec Scent of Ink de la National Dance Company of Korea et FOLK-S de Alessandrano Sciaroni, moderne et contemporaine avec Quéstcequetudeviens? de Aurélien Bory, ainsi que les trois programmes des Hong Kong Contemporary Dance Series. En ce qui concerne le nouveau cirque, le festival ouvrira avec La Verita de la Suisse Daniele Finzi Pasca, un spectacle poétique et surréaliste de cirque, musique et danse plein de couleurs, d’humour et d’imagination sur un décor de Salvador Dali. A noter aussi circa Opus de Yaron Lifzchitz, un théatre musical physique extraordinaire de 14 danseurs acrobates sur la musique de Shastakovich. La plus grosse partie du programme reste comme chaque année la musique avec une quinzaine de programmes de musique occidentale (classique et jazz) et orientale. Le plus excitant est l’invitation du prestigieux Théâtre royal de Turin (Teatro Regio Turino) qui fera un séjour de 8 jours à Hong Kong avec ses 250 artistes et présentera la première asiatique de Simon Boccanogra de Verdi, un opéra gala de Verdi et Wagner sous la baguette de Roberto Abbado et un concert de Verdi, Chostakovitch et Prokofiev dirige Épsar Gianandrea Noseda, un vrai festin pour les mélomanes.
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du 44 Hong Kong Arts Festival 第四十四屆香港藝術節的首選︰ 莎士比亞及威爾第
Circa Opus - photo © Hervé All
Lover - photo © Shing Fa Lin
年的春季又到了全年最大型的藝術節：香港藝術節登場的時間。本屆藝術節 邀請了超過一千四百名國際藝術家來港，分別演出歌劇、古典及現代音樂、 戲劇和舞蹈共一百一十五個節目，當中包括十五個世界首演和十二個亞洲首 演的節目。藝術節的預算支出約一億一千萬港元，但票房收入(十萬零二千張售出的門 票收入約四千萬港元)，以及大約四千萬港元的贊助金額只能抵銷預算的百份之七十， 其餘的是通過政府的補助。藝術節除了表演節目外，還會邀請一些藝術家合作舉辦一 些教育活動如工作坊、研討會、討論會、免費綵排等。
每
今年是莎士比亞逝世四百週年，本屆藝術節的其中一項焦點是邀請英國皇家莎士比亞 劇團來港演出格雷格里．多蘭 (Gregory Doran) 導演的莎士比亞的「王與國」系列： 《亨利四世》上下集、《亨利五世》，還有香港劇場導演鄧樹榮與倫敦環球劇場合作 製作的《馬克白》。 今年的戲劇節目非常精彩，彼得．布祿克為香港觀眾帶來一齣取材於印度史詩式神話 傳說《摩訶婆羅達》(Mahabharata) 的作品《戰場》(Battlefield)，還有布里斯托爾老 域劇團與英國國家劇院聯合製作，改編自十九世紀的世界文學名著的《簡愛》(J a n e Eyre)。《愛人》(Lover) 是一個難以分類的節目，由台灣優人神鼓 (U-Theatre) 與柏林 廣播電台合唱團 (Rundfunkchor Berlin) 以詩寄愛，東方鼓樂與西方美聲百人舞台，歌 聲、擊鼓、舞蹈、武術、禪修共冶一爐。 舞蹈方面，古典的有柏林國家芭蕾舞團演出的《睡美人》，傳統的有韓國國家舞蹈 團演出的《墨香》，現代舞蹈則有 B V L G A R I 演出的《F O L K-S》及奧雷里恩．博 里 (Aurélien Bory) 的《舞轉人生》(Quéstcequetudeviens?)，此外還有由香港賽馬 會當代舞蹈平台演出的三個舞蹈節目。至於新雜技方面，由瑞士芬茲．帕斯卡劇團 (Compagnia Finzi Pasca) 表演的《真相奇幻坊》(La Verità) 將是藝術節的開幕演出。還 有由亞朗．列夫席茲 (Yaron Lifschitz) 導演的音樂形體劇場《大動作》(Opus)，十四位 舞者兼雜耍藝人在蕭斯達高維契 (Shastakovich) 的音樂襯托下傾力表演。 每年，藝術節大部份都是音樂節目，共有十五個西方音樂節目，九個古典音樂和東方 音樂節目。最令人驚喜的是藝術節邀請都靈皇家劇院 (Teatro Regio Torino) 來港逗留八 天，250位音樂家在指揮羅拔圖．阿巴度 (Roberto Abbado) 的帶領下演奏威爾第與華 格納歌劇盛宴。
Yau Sing-po dans Li Bai, The immortal poet
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戲劇 / 香港藝術節
Théâtre / Hong Kong Arts Festival
Battlefield - photo © Simon Annand
Battlefield de Peter Brook et Marie-Hélène Estienne
Texte : Gérard Henry 敖樹克 撰文
«
T
el un maître zen, Peter Brook épure et concentre de plus en plus son théâtre. A 90 ans, il offre avec Battlefield, un spectacle comme un geste parfait et suspendu, léger comme un souffle. » Fabienne Darge, Le Monde Peter Brook et le Théâtre des bouffes du Nord de Paris reviennent à Hong Kong avec une nouvelle adaptation du
Mahabharata, épopée créée en 1985, qui durait neuf heures, et dont il explore un épisode inédit, monté dans une version minimaliste d’un peu plus d’une heure. Le Mahabharata, disent les hindous, est « une forêt infinie, épopée d’une guerre gigantesque entre deux familles pour la possession d’une ville depuis détruite par l’eau du Gange, une forêt traversée par des fables, des aveux, des récits, des secrets ». Un poème long comme quinze fois la Bible : 274 778 vers, un immense conte de merveilles et d’horreurs, écrit entre le IVe siècle avant et le IIIe siècle après Jésus-Christ. « Le Mahabharata n’est pas seulement un livre, ou une série de livres, nous disent Peter Brook et Marie-Hélène Estienne, c’est un champ immense, qui couvre tous les aspects de notre existence. On y trouve les questions essentielles qui concernent notre vie, des questions qui sont à la fois contemporaines et urgentes. Le Mahabharata a été écrit il y a des milliers d’années, et pourtant il nous indique toujours, d’une manière inattendue, comment ouvrir nos yeux à ce que la réalité de nos vies demande. La pièce commence à la fin de la guerre exterminatrice qui a décimé des millions de guerriers. Cette guerre est née d’un conflit familial – l’opposition acharnée des cent frères Kauravas, dirigés par leur frère ainé Duryodhana, contre leurs cinq cousins les Pandavas, dirigés par leur frère ainé Yudishtira. Les cent frères sont morts. Yudishtira a gagné. Comment régner ? Comment trouver la paix quand le champ de bataille est jonché de tous ces morts ? Comment vivre le remords qui ne cesse de vous ronger ? C’est le destin de Yudishtira. Il devra l’accepter et y répondre. » Peter Brook ‘s Battefield Based on the Mahabharata and the piece written by Jean-Claude Carrière 16-19/3 - 8:15 pm, 19, 29/3 - 3:00 pm Studio Theatre, Hong Kong Cultural Centre, HK Arts Festival
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Janvier / Février / Mars 2016
彼得．布祿克與瑪莉
「
得．布祿克有如一個禪宗大師，他的戲劇愈來愈淨化和濃縮。已屆九十
彼
歲高齡的他為我們獻上了《戰場》，一齣如一個完美和中止了的動作， 如呼吸般輕盈的節目。」－《世界日報》Fabienne Darge
彼得．布祿克與巴黎北方布夫劇場再度來港，為觀眾帶來一齣取材於印度史詩式 神話傳說《摩訶婆羅達》(Mahabharata) 的作品，這劇創作於1985年，全劇長九小 時。彼得．布祿克以簡約主義的手法探索這從未公開演出過的一集，演出長約一 小時十五分。 印度教徒說，《摩訶婆羅達》是「一座延綿無盡的森林，是兩個家族為了爭奪一 座現今已被恆河淹沒的城市而引發的一場牽連極廣的戰爭，內容充滿了寓言，誓 言，敘述，隱秘的事」。這史詩作品創作於公元前四世紀到公元後三世紀之間， 詩長超過二十七萬四千多節，較《聖經》長十五倍，是一個既精彩又令人感到恐 怖的史詩式故事。 彼得．布祿克與瑪莉-愛倫．艾絲恩斯坦這樣說道：「《摩訶婆羅達》並不僅僅 是一本書，或一系列的書，它是一個覆蓋了我們生命中每一個層面的龐大領域。 我們從中找到一些與我們生活息息相關的問題，一些當前的和緊迫的問題。《摩 訶婆羅達》寫於幾千年前，然而它仍然出乎意料之外地對我們很有啟示作用，教
Peter Brook est à 90 ans, au sommet de son art, un art dépouillé de tous les superflus qui va directement à l’essentiel avec une grande simplicité. La scène est nue comme une place de village, quelques longs bâtons dans les mains des acteurs et de grandes étoffes de couleur vive sur leurs épaules, suffisent à nous projeter en Inde ou dans ce monde imaginé du passé et soulignent avec d’autant plus de force le jeu des quatre comédiens d’origine africaine et leurs paroles, dont la place est centrale comme dans une tragédie grecque. Ils incarnent toute l’histoire de l’humanité, les passions, les conflits, la violence et la douceur. Peter Brook nous rend l’invisible visible, les corps parlent avec force et naturel avant même que le texte ne soit prononcé. Et le spectacle finit par
愛倫．艾絲恩斯坦的《戰場》 —
Peter Brook - photo © Simon Annaud
我們如何看清楚我們現實生活的需求。《戰場》由這場造成了成千上萬士兵死 亡，具毀滅性的戰爭的末期開始。這戰爭因兩個家族的後代爭奪王位引發，持國 (Kauravas) 家族的一百個兄弟，由長子 Duryodhana 帶領，對抗由長子 Yudishtira 帶 領的般度 (Pandavas) 家族的五個堂兄弟。一百個兄弟全部死亡。Yudishtira 贏了。 要如何統治？當戰場上還佈滿陣亡者的屍體時，如何才能取得和平呢？如何面對 因愧疚而終日深受折磨的日子？這便是 Yudishtira 的命運，這是他必須要面對並作 出回應的。」 九十歲的彼得．布祿克的藝術創作已登峰造極，他擺脫了一切多餘的，簡單直接 地切入主題。沒有佈景的舞台如鄉村的廣場，演員手持幾支長棍，肩上披着顏色 鮮豔的布巾，這便足以將我們帶到印度或那個想像中的古代世界，這一來更能突 顯那四位非洲裔演員的演技和他們對白。在他們身上可以看到整個人類歷史，更 體現了人類的激情、衝突、暴力和溫柔。 彼得．布祿克讓我們看見無形的，軀體的語言甚至在文字還未發音便能自然有力 地表達想講的話。Tsuchitori 那令人蕩氣迴腸的鼓樂為演出劃上句號。欣賞這戲劇 是一次獨特和發人深省的經驗。
les résonnances endiablées du tambour de Toshi Tsuchitori. Voir cette pièce est une expérience unique et une grande leçon de théâtre.
Battlefield - photo © Caroline Moreau
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戲劇 / 專訪 / 香 港 藝 術 節
Théâtre / Entretien / Hong Kong Arts Festival
Le Macbeth de Tang Shu-wing
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Entretien avec Paroles
aroles a rencontré le 2 décembre 2015 Tang Shu Wing, un metteur en scène hongkongais de talent qui a étudié le théâtre en France et qui se mesure cette année à Macbeth dont il a fait une nouvelle traduction, mise en scène au HK Arts Festival.
Vous avez mis en scène Titus Andronicus de Shakespeare au Globe à Londres dans le « Festival Globe to Globe » en 2012, et vous y avez aussi donné la première de votre Macbeth, quelle expérience cela représente-t-il pour vous et votre compagnie ? Jouer une pièce de Shakespeare en cantonais dans le Théâtre original de Shakespeare est quelque chose dont, en tant que metteur en scène de Hong Kong, je suis fier. J’ai le sentiment que mes productions sont entrées dans l’histoire ! L’environnement particulier du Globe, les spectateurs debout et la présence d’un public nombreux ne parlant pas cantonais ont demandé une énergie de jeu accrue de la part mes acteurs.
Quels sont les défis et les plaisirs de traduire Shakespeare ? Le plus grand défi est de retrouver l’esprit du texte original dans une langue différente en se jouant des contraintes littéraires de cette dernière. Heureusement, avec mon traducteur, nous avons été en mesure de saisir le niveau de langue parlé par les acteurs sans qu’il soit trop démodé, ni trop familier, et puisse servir ainsi de catalyseur pour susciter la curiosité et l’attention de l’auditoire.
Certains membres du public ne comprendront pas le cantonais parlé dans votre production. Qu’est-ce qui peut transcender le langage dans Macbeth ? Cette version de Macbeth est inspirée par ma vision du temps et de l’espace et par la tradition du théâtre physique asiatique. Elle transmet l’esprit de la pièce à travers une succession d’images très stylisées de suspension dans le temps, comparables à l’esthétique de la danse dans laquelle l’expression du corps et les mouvements physiques exposent les relations entre les personnages. La langue peut créer une barrière à la compréhension intellectuelle du texte, mais ceux qui sont familiers avec l’intrigue et les personnages pourront ressentir directement le niveau émotionnel et spirituel de la pièce. Une représentation théâtrale doit être la combinaison organique du langage et du corps et créer ainsi un super langage.
Vous êtes connu pour votre esthétique minimaliste et pour incorporer des éléments de théâtre physique dans votre travail. Comment un design minimal peut-il évoquer l’atmosphère écossaise de la pièce ? Je n’ai pas tant pensé à l’atmosphère écossaise du lieu de la pièce qu’à l’exposition du temps et de l’espace inhérents à sa dramaturgie et à la juxtaposition possible des différents personnages dans les différentes scènes, selon ma lecture personnelle de la pièce, ainsi qu’à l’ultime sensation que je veux transmettre à l’auditoire grâce à la présence réelle des acteurs sur le plateau. Ma conception minimale et l’approche physique viennent en partie de mon patrimoine culturel asiatique et de mon goût pour le mouvement minimaliste occidental. Je crois que tout espace, une fois défini, a une vie propre. Les acteurs doivent être en mesure d’y fonder leur propre vie et de la transcender vers un niveau spirituel plus subtil.
Titus Andronicus et Macbeth figurent toutes les deux des caractères féminins très fort dans le rôle de vilains, faites-vous des parallèles entre Tamora et Lady Macbeth ? Si nous croyons que chaque être humain englobe à la fois des qualités masculines et féminines, nous devons être en mesure de convenir que le côté sombre de l’humanité habite à la fois chez
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Tang Shu-wing
les hommes et les femmes. Lady Macbeth et Tamora possèdent une forte énergie masculine tant et si bien que l‘autodestruction est inévitablement leur destin. Au contraire la réticence initiale de Macbeth à commettre le meurtre révèle son côté féminin. Mais malheureusement, à la fin, son côté masculin reprend le dessus.
Vous avez mis en scène Hamlet et Titus Andronica, qu’est-ce qui vous ramène à l’œuvre de Shakespeare ? Shakespeare est un voyage vers l’inconnu. Comparé à d’autres écrivains, il offre un fort potentiel pour les metteurs en scène ou acteurs qui veulent découvrir et expérimenter de nouvelles formes, monter une de ses pièces est comme pour un sportif s’entraîner durement pour gagner : comment approfondir la dramaturgie en voyant au-delà de la surface.
Pensez-vous que votre interprétation de Shakespeare reflète des aspects de la culture hongkongaise ? J’avais cela à l’esprit quand j’ai conçu le travail de mise en scène et d’adaptation, à un moment où Hong Kong vivait un des moments les plus durs de son histoire : Occupy Central. Ma version actuelle se développe dans ce contexte : un jeune couple fait un rêve dans lequel ils entrent dans l’univers de Macbeth dans un passé enfoui de la Chine ancienne. Ils assument les rôles de Macbeth et Lady Macbeth et rencontrent les différents personnages. Provoqué par les paroles des sorcières qui disent qu’il sera roi, Macbeth commet une série de meurtres et le couple en subit les conséquences... Quand il s’éveille de ce rêve, le couple commence à contempler sa place dans ce monde turbulent. Peut-on y voir une quelconque référence à la situation actuelle de Hong Kong ? Je me pose aussi cette question. MacBeth 16-20/3 - 8 pm 19, 20/3 - 3 pm Theatre, Hong Kong City Hall
鄧樹榮的《馬克白》
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015年12月2日，《東西譚》訪問了鄧樹榮。這位曾在法國攻讀戲劇， 才華橫溢的戲劇導演今年挑戰《馬克白》(Macbeth)，為香港藝術節重 新詮釋這齣莎劇。
你為「2012倫敦文化奧運之環球莎士比亞戲劇節」製作的《泰斯特》(Titus
你是以簡約主義以及在作品中結合形體劇場的元 素見稱。如何以簡約美學的設計展現這作品中的 蘇格蘭氣氛呢？ 我比較關注顯示戲劇本身的時間空間多過關注蘇格蘭
Andronicus) 在英國倫敦環球劇場演出，而你的《馬克白》也是在那兒作首
地理環境的氛圍，以及根據我個人對這作品的了解，
演，這些經驗對你和你的劇團有甚麼影響呢？
還有我最終想藉着台上的演員向觀眾所傳遞的感覺，
能在莎士比亞自己的劇場中演出莎士比亞的戲劇，作為一個香港導演的我實在
在不同的場景中如何將不同的人物並列的可能性。我
感到自豪。我覺得自己的作品已經寫入了歷史當中！環球劇場獨特的氛圍，站
的簡約主義概念和形體手法有部份來自我所承傳的亞
立的觀眾，以及為數眾多的觀眾都是不懂廣東話的，因此，我的演員在演出方
洲文化和我對西方簡約運動的喜好。我相信所有空
面更必須要加一把勁。
間，一旦確定了便有自己的生命。演員必須能夠懂得
翻譯莎士比亞的作品有甚麼挑戰和樂趣呢？
界。
在其中建立自己的生命並將之提升至更微妙的精神境 最大的挑戰是以一種不同的語言，並在文學語彙的約束下表達出原文的神髓。 幸運地，我的翻譯和我能夠掌握演員對白的水平，既不會太文言，又不會太通 俗，這樣可以有着催化作用，能引起觀眾的好奇心和注意力。
觀眾中有些是聽不懂你這劇中的廣東話對白。是甚麼原因能夠超越《馬克 白》中的語言？
《泰斯特》和《馬克白》這兩齣劇的女主角都是 女強人般的壞人角色，塔摩拉和馬克白夫人二人 之間是否有想似之處？ 若我們相信每個人都同時擁有男性和女性的特質，那 我們必須要承認人性的陰暗面亦同時存在於男人和女
這版本的《馬克白》的靈感是來自我對時間和空間，以及亞洲形體劇場傳統的
人的內心。馬克白夫人和塔摩拉擁有極強烈的男性化
看法。它透過一連串極能表達時間暫停的影像來傳達這作品的精神，類似舞蹈
性格，以至於她們的命運是無可被免地走向自我毀
藝術利用身體和肢體動作來表達人物之間的關係。語言可能會成為理解文本的
滅。相反，馬克白開始時不願意殺人卻顯示出他女性
障礙，但熟悉情節和人物的觀眾卻可以直接感受到作品的感情和精神的層面。
化的一面。以我來說，馬克白和馬克白夫人就是陰與
劇場演出應該是語言和身體整體的配合，從而衍生出一種超級語言。
陽的根源，塔摩拉和艾倫也是一樣。
你已製作過《哈姆雷特》和《泰斯特》，是甚麼 讓你再次製作莎士比亞的作品？ 莎士比亞就像是走向未知的旅程。比較起其他的作 家，莎翁為那些有意探索和嘗試新形式的導演或演員 提供極大的可能性，製作他其中一齣戲劇就像一個運 動員為了贏得比賽而刻苦訓練一樣：如何從透視表面 所看到的來深入研究劇作藝術。
你認為你對莎士比亞的解讀是否反映了香港的文 化？ 當我構思如何製作和改編這作品時，香港正經歷有史 以來最艱難的時刻：佔中，我當時的確是有這個想法 的。我現在的版本就是圍繞着這個背景發展：一對年 輕夫婦在夢中回到遠古時代的中國，搖身一變，成為 了馬克白和馬克白夫人，並遇見了不同的人物。誤信 了巫師的預言，為了奪得皇位，馬克白殺害了多人， 夫婦二人最終為此承受後果…… 夢醒後，這對夫婦 開始深思自己在這動盪世界中的位置。就香港現今的 情況，我們能否從中看到某種參考呢？我自己也在問 這問題。 Macbeth - photo © Richard Ecclestone
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音樂 / 香港藝術節
Musique / HK Arts Festival
Le Quatuor à cordes Debussy, une musique vivante et créative ’approche particulière des quartettistes a quelque chose d’envoûtant : des ondoiements subtils, des fins ruissellements mélodiques, des estompements mystérieux, des vagues intérieures et tourmentées. » Georges Masson, Le Républicain Lorrain, 16 février 2012.
Voilà un quatuor original et inventif qui réchauffe l’atmosphère parfois trop sérieuse des salles de concert ! Premier grand prix du Concours international de quatuor à cordes d’Évian 1993, Victoire de la musique 1996 (« meilleure formation de musique de chambre »), et créateur du festival Les cordes en ballade de Lyon, le Quatuor Debussy jouit d’une reconnaissance professionnelle incontestable, ce qui ne l'empêche pas parfois de lancer des petits clins d’œil humoristiques à son public. Voilà déjà vingt-cinq ans que le Quatuor partage avec les publics du monde entier ses interprétations musicales sur les scènes les plus prestigieuses. Japon, Chine, États-Unis, Canada, Australie, Russie... ses tournées régulières lui ont permis de se faire un nom sur tous les continents. Ce qui différencie le Quatuor Debussy, c’est que parmi ses valeurs et engagements, on retrouve la curiosité, la surprise, le renouvellement, la découverte et le partage. En créant des passerelles avec différents domaines artistiques comme la danse (Maguy Marin, Anne Teresa, De Keersmaeker, Wayne Mac Gregor, Mourad Merzouki...), le théâtre (Philippe Delaigue, Richard Brunel, Jean Lacornerie...) ou encore les musiques actuelles (Olivier Mellano, Robert le Magnifique, Franck Tortiller...) et le cirque (Cie Circa), le Quatuor Debussy défend la vision d’une musique « classique » ouverte, vivante et créative. Son activité discographique est également dense et passionnante ! Après l’intégrale des quatuors de Chostakovitch (Arion), il continue à enrichir sa collection notamment en musique française (Bonnal, Debussy, Onslow, Ravel/Fauré, Witkowski, Lekeu) et vient de la compléter avec un nouveau disque consacré à Claude Debussy et André Caplet.
Deux concerts à Hong Kong : Musique française et Bach to T Jazz A Hong Kong il jouera de la musique française du fin XIXe, début XXe, notamment les quatuors à cordes de Claude Debussy (1862-1918), de Maurice Ravel (1875-1937), de Germaine Tailleferre (1892-1983), la seule femme du groupe des Six et le Molto adagio sempre cantante doloroso de Guillaume Lequeu (1870-1894), compositeur né en Belgique et mort tragiquement en France à 24 ans de la typhoïde après avoir mangé un mauvais sorbet . Le deuxième concert est une expérience unique, puisque le Quatuor Debussy a invité deux musiciens de jazz à se joindre à lui, le contrebassiste Jean-Louis Rassinfosse qui enregistra avec Chet Baker et le pianiste et compositeur belge Jean-Philippe Collard-Neven. Ils joueront des œuvres de Bach, Ravel, Debussy et Collard-Neven. Ce sera donc une nouveauté à découvrir. Debussy String Quartet Violons : Christophe Collette et Marc Vieillefon Alto : Vincent Deprecq Violoncelle : Cédric Conchon
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Concert de musique française 14/3/2016 - 8:00pm - Concert Hall HK City Hall Bach to Jazz 15/3/2016 - 8:00pm - Concert Hall HK City Hall
活力盡顯的德布西弦樂四重奏
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«
Texte : Gérard Henry 敖樹克 撰文
於挑戰跨界音樂的新創意，為嚴肅的 音樂殿堂帶來火花的德布西弦樂四重 奏是1993年伊雲國際弦樂四重奏大 賽的冠軍得主和1996年音樂勝利大賽的最佳 室樂組合，更是里昂弦樂敘事曲音樂節的創 辦者。德布西弦樂四重奏叱吒國際樂壇超過 二十五年，曾在世界各地最著名的場地演奏。 他們經常穿梭於五大洲作巡迴表演，日本、中 國、美國、加拿大、澳洲、蘇聯……。
勇
德布西弦樂四重奏的獨特之處在於每位成員對 音樂風格的詮釋理念一致，有着無與倫比的默 契，以及充滿好奇心，勇於接受新事物和新挑 戰。德布西弦樂四重奏藉着與不同藝術領域 的合作，如舞蹈 (Maguy Marin、Anne Teresa、 De Keersmaeker、Wayne Mac Gregor、Mourad Merzouki……)、戲劇 (Philippe Delaigue、 Richard Brunel、Jean Lacornerie……) 或現代音 樂 (Olivier Mellano、Robert le Magnifique、Franck Tortiller……) 及馬戲 (Cie Circa)，為「古典」音 樂開創新的視野，讓表演更生動和創新。
香港兩場音樂會：「法式．原味」和「爵 士．新嘗」 他們將演繹十九世紀末至二十世紀初的法國 音樂，例如德布西(1862-1918)和拉威爾(18751937)的音樂，還有法國六人組唯一的女性性 員 Germaine Tailleferre (1892-1983) 的音樂及比 利時作曲家Guillaume Lequeu (1870-1894) 的 《Molto adagio sempre cantante doloroso》， 後者年僅24歲便因吃了變壞的雪糕而染上傷寒 症逝世。 第二場音樂會將會是一次獨特的體驗，德布西 弦樂四重奏邀請了兩位爵士樂壇重量級嘉賓： 比利時鋼琴家兼作曲家 Jean-Philippe CollardNeven 及曾與傳奇爵士小號手Chet Baker合作 無間的低音大提琴手 Jean-Louis Rassinfosse 一同演奏巴赫、拉威爾、德布西，以及 JeanPhilippe Collard-Neven 本人的作品。這將會為 樂迷帶來全新的體驗。
舞蹈 / 香港藝術節
Danse / Hong Kong Arts Festival
Aurélien Bory : « Questcequetudeviens? »
Questcequetudeviens d’Aurelien Bory. Photo © Aglae Bory
ette question est banale. Et terrifiante à la fois. Elle indique que du temps a passé, que des changements sont survenus. Elle questionne nos choix, impose un bilan immédiat. Elle fige le devenir, qui est pourtant en mouvement. » Aurélien Bory Souvenez-vous de Les planches de la ruse, superbe et étonnant spectacle d’Aurélien Bory que l’Alliance Française avait invité en 2009 pour l’ouverture du French May au Cultural Centre, ce chorégraphe très innovateur revient dans le HK Arts Festival avec une pièce tout aussi inhabituelle créée pour une danseuse de flamenco remarquable, Stéphanie Furster. Toujours en avance d’un pas, Aurélien déclare : « Je travaille à partir de contextes différents. Toutes mes collaborations s’envisagent de cette manière : une hybridation de pratiques ayant un champ de convergences. Chaque création s’inscrit ainsi dans la rencontre avec un autre contexte : celui d’un artiste, d’un lieu, d’une pratique, d’un milieu. Dans chaque cas, la démarche reste la même : c’est dans le déplacement des choses qu’on peut les amener aux bords, à l’endroit du questionnement. » Toulousain, c’est une autre enfant de Toulouse qu’Aurélien Bory invite dans Questcequetudeviens?, Stéphanie Furster, initiée à la danse depuis son plus jeune âge, découvre le flamenco en 1992. Elle est immédiatement saisie par cette danse, sa musique, son chant, qui font écho à ses origines et plus encore à son tempérament. L’expressivité, la vitalité dégagée par cet art, le mélange détonnant entre masculinité et féminité extrême bouleversent son parcours. Elle quitte tout, part en Andalousie vivre le flamenco. Elle y restera 7 ans et fera partie de cette nouvelle génération qui, rompant avec la tradition, fait du flamenco une matière, vivante, actuelle, décomplexée. Aurélien Bory, fasciné par cette femme, qu’il a connue très jeune, avant son départ en Andalousie, conte, au travers de son portrait de la danseuse de flamenco la solitude de l’être et la vanité de l’existence. Elle apparait magnifique sur scène dans une robe rouge qui va la quitter et vivre sa propre vie, l’entraînant avec elle, comme une chrysalide qui cherche à se libérer. Elle abandonne son enfance, puis vient la maturité, l’effort, l’épuisement, l’air, le feu et l’eau où elle va brûler, fleurir, et s’éteindre. L’eau comme une encre noire où elle va mourir, saisie de soubresauts comme un oiseau tombé sur le sol qui se débat encore. L’ensemble au son de la guitare plaintive de José Sanchez, et au chant d’Alberto Garcia. Les décors sont simples mais marquants, la danse est retenue, sèche, tout en arrêtes mais lorsqu’elle explose en l’air comme un coup de feu, elle dessine un arc électrique. Un spectacle touchant, le portrait d’une femme qui se cherche, qui s’émancipe, qui vit, qui meure. What’s become of you ? (Questcequetudeviens?) A piece by Aurelien Bory for Stéphanie Fuster HK Arts Festival 26, 27/2 - 8pm, 28/2/2016 - 3 pm - Theatre, HK City Hall
奧雷里恩．博里「舞轉人生」
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是一個很普通的問題。但同時又頗嚇人的。它指出 光陰已逝，並且變化已經發生了。它質疑我們的抉 擇，要我們即時作出總結。它凝住了正在運行中的 未來。」奧雷里恩．博里 (Aurélien Bory)
這
大家仍否記得香港法國文化協會曾邀請奧雷里恩．博里來 港，於2009年法國五月藝術節期間在文化中心所演出的 《七巧板》(Les planches de la ruse)，一場令人讚嘆的精彩 表演。這位充滿創意的編舞家重臨香港，在香港藝術節期 間為香港觀眾帶來他特別為佛蘭明高舞星史蒂芬尼．菲斯 特 (Stéphanie Furster) 創作的一個出人意表的舞蹈作品。永 遠快人一步的奧雷里恩．博里：「我的創作都是以不同的背 景作出發點。我一切的合作都是朝這方面考慮的：將一些有 匯合可能性的藝術實踐混合一起。在這情況下，每一次的創 作都是與另外一種的背景交流：這些背景可以是一個藝術家 的、一處地方的、一種藝術實踐的、一種環境的。每一次， 手法都是一樣：就是只有將東西搬移才能將它們推至極限， 到那令人質疑的地方。」 奧雷里恩．博里邀請了史蒂芬尼．菲斯特，另一位在圖盧茲 出生的孩子演出《舞轉人生》(Questcequetudeviens?)。年 幼便開始學舞的史蒂芬尼．菲斯特於1992年首次接觸到佛 蘭明高，自此便愛上了這種與她的根源和性格產生共鳴的舞 蹈，其音樂和歌曲。這種藝術所散發出來的表達力和活力， 在極度男性化和極度女性化之間混合所產生的爆炸力完全推 翻了她之前所學的。她放棄一切，前往安達盧西亞，全情投 入法蘭明高的生活中。她在那兒生活了七年，成為新一代從 傳統佛蘭明高的桎梏中解放重生的其中一員，他們讓佛蘭明 高成為一種更具活力、摩登和不受約束的藝術表現手法。 奧雷里恩．博里與史蒂芬尼．菲斯特相識於童年時，他被她 的執着和誠意打動，為她創作這華麗的獨舞肖像，描繪舞者 所走過的孤獨不屈之路。 在 José Sanchez 的結他音樂和 Alberto Garcia 的佛蘭明高 吟唱襯托下，舞台上的她穿着一件紅色的連身裙，之後紅裙 離開了她獨自生活，紅裙牽引着她，就像一隻意圖脫蛹而 出蝴蝶。她放棄了她的童年，隨之而來的是成熟，努力，疲 乏，空氣，火與水，在當中她燃燒，綻放和滅亡。她在如漆 黑如墨的水中決絕地揚手轉身。
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舞蹈
Danse Entretien avec : Gérard Henry 敖樹克 專訪 Traduction : Wong Yan Tak 王人德 翻譯 Photos : Cheung Chi Wai, provided by West Kowloon Cultural District
Emmanuelle Voh-Dinh animant les West Kowloon Cultural District workshops dans Unlock Dancing Plaza
Emmanuelle Voh-Dinh aux a danse de West Kowloon Cult
L
e quartier culturel de West Kowloon n’est pas encore construit mais ses équipes sont déjà en pleine activité. Après les expositions Moving Images organisées au printemps 2015 par le musée M+, Le Performing Arts Department du WKCD a organisé à l’automne 2015 une série d’ateliers de danse animés par des chorégraphes de renom, le britannique Wayne Mc Gregor et la française Emmanuelle Voh-Dinh. Pour Anna Chan, responsable du Développement artistique de la Danse à West Kowloon, le but de ces ateliers est de susciter une énergie créatrice dans le domaine de la danse à Hong Kong, en attendant que les lieux de performance de West Kowloon soient construits. Parallèlement une même démarche a d’ailleurs eu lieu dans le domaine du théâtre, organisé par Low Kee Hong avec le International Workshop Festival of Theatre étendu sur 3 mois. Nous avons rencontré la chorégraphe française à cette occasion. Emmanuelle Voh-Dinh est directrice du Phare, le Centre chorégraphique national du Havre Haute-Normandie, elle a été auparavant formée à la danse classique et initiée à l’héritage américain, avec un passage à la Merce Cunningham School à New York. De retour en France, elle est interprète de François Raffinot de 1991 à 1996 et crée sa propre compagnie Suis Generis, avant d’être nommée directrice du Phare en janvier 2012. Elle est également présidente de l’Association des 19 centres chorégraphiques nationaux.
Le Phare 30, rue des Briquetiers 76000 Le Havre www.lephare-cnn.fr
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Emmanuelle, vous succédez à Hervé Robbe et précédemment à Francois Raffinot, un chorégraphe connu pour son amour de la philosophie et son attachement à une écriture assez stricte de la danse, quels sont vos propres rapports avec l’écriture de la danse ? Oui, François Raffinot est d’ailleurs maintenant revenu à la philosophie, c’est quelqu’un qui travaillait beaucoup le
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rapport à l’écriture et la composition de ses pièces. Mes premières pièces étaient donc très structurées, inspirées d’une méthodologie que François utilisait, travaillant en amont sur le papier et arrivant sur le plateau avec une structure déjà composée, les solos, les duos, les quatuors, etc., mais par la suite, j’ai commencé à renoncer à cette méthodologie un peu trop contraignante pour moi, et à ouvrir la porte à ce qui pouvait advenir dans le studio, à travailler à partir de l’improvisation et à orienter mes recherches, extérieurement au champ de la danse ellemême, notamment sur les déficits émotionnels et les émotions. Les sciences cognitives ont beaucoup évolué depuis 1999, ainsi que la porosité entre arts et sciences. J’ai voulu continuer à creuser cela. Le premier clic est venu à la suite de la lecture d’un article dans Le Monde du professeur de neurologie et neurosciences, Antonio Damasio, directeur de l’Institut pour l’étude de l’émotion et de la créativité à l’Université de Californie méridionale. Le thème en était « Comment peut-on vivre sans émotion ou l’absence d’émotion ». La thématique de l’absence était quelque chose que j’avais moi-même questionnée en travaillant sur des œuvres littéraires ; mais là, j’ai voulu savoir ce que c’était que vivre sans émotion. Comment cela était possible ?
Il y a des gens qui souffrent vraiment d’absence totale d’émotion ? Oui, certaines personnes ont eu des lésions du cerveau et les émotions primaires comme la peur, la colère, la joie, la tristesse qui sont contenues dans le cerveau reptilien et nécessaires à la survie, ont disparu chez eux. Les gens qui ont ces zones atteintes sont très rares, en général ce sont plutôt les zones extérieures du cortex qui sont touchées, mais Antonio Damasio a réussi a trouvé quelques personnes au travers des IRM dont les zones atteintes affectaient des émotions nécessaires à la survie mais aussi au raisonnement. Le grand travail de Damasio a été d’ailleurs de découvrir
a t eliers de ural District
La chorégraphe Emmanuelle Voh-Din
que notre façon de raisonner était liée à nos émotions, ce qui a priori était totalement à l’opposé de la pensée de Descartes qui préconisait de faire abstraction de nos émotions avant de prendre des décisions. Ors il s’avère que c’est complétement l’inverse, c’est notre relation à prendre des décisions qui est intrinsèquement liée à notre capacité à réagir émotionnellement. Alors comment transmettre cela sur un plateau de danse ? C’était beaucoup plus complexe que je le pensais, j’ai fait des recherches, je suis partie deux mois pour observer des patients, j’ai fait un travail intense, à l’opposé de ce que j’imaginais faire car j’arrivais sans aucune connaissance neurologique. Mon idée originale était de les interviewer sur leurs problèmes émotionnels, et d’en retirer un certain feedback, mais cela ne s’est pas passé comme cela, d’abord parce que je n’ai pas pu rencontrer ces patients particuliers car ils sont extrêmement protégés. J’ai cependant rencontré des gens qui avaient des pathologies extrêmement complexes, des aphasies, des mémoires de 30 secondes... Mon idée première était de décortiquer le processus émotionnel. Finalement le déclenchement est venu avec un neurobiologiste qui travaillait avec Damasio et qui m’a dit : « pour moi l’émotion c’est un besoin qui crée un désir, qui crée le plaisir, qui annule le désir ! » cela a été pour moi le starter d’un projet plus poussé : Qu’est-ce que qu’un besoin ? Qu’est-ce que le désir ? Qu’est-ce que le plaisir? Comment annule-t-on le désir ? J’ai fait des recherches en bibliothèque sur le processus émotionnel et j’ai commencé à travailler avec mes danseurs sur des structures, des états de corps : Qu’est-ce que l’attraction ? Qu’est- ce que la
répulsion ? Cela m’a menée à des questions plus philosophiques comme ce que c’était que l’extase, qui pour moi est une émotion qui rejoignait à la fois les émotions positives et négatives, une sorte de métaphore symbolique autour de l’émotion. Cela été un gros travail de deux mois, très intense, qui continue de m’accompagner.
Vous vous êtes aussi intéressée aux relations amoureuses à travers la littérature? Cela c’était plutôt au tout début de ma carrière de chorégraphe, la littérature a été un point de départ, j’ai travaillé à partir d’un livre de l’écrivain français Frédéric-Yves Jeannet, cyclone mais je suis allée ensuite vers des choses plus complexes, vers l’anthropologie notamment autour de, Masculin, Féminin. La pensée de la différence de Françoise Héritier puis après mes recherches en neurologie, J’ai travaillé à partir d’ouvrages de psychanalyste et de psychiatre comme Création et schizophrénie de Jean Oury, Aujourd’hui je m’attaque plutôt à Foucault, avec Les mots et les choses et Les Ménines de Velasquez. On peut dire que cela me nourrit, je n’arrive jamais en studio vierge de tout, j’ai toujours un sujet en tête.
Un autre élément important de votre œuvre est la musique , partagez-vous la position de Merce Cunningham qui a-ton coutume de dire, a libéré la danse de la musique ? La musique est toujours très présente et a pris différentes formes dans mon travail. Je n’ai pas travaillé avec Cunningham mais ai été étudiante chez lui. C’est effectivement un des pionniers qui a considéré que la musique et la danse devaient cohabiter séparément. C’est comme cela que John Cage arrivait le jour du spectacle sur le plateau et appuyait sur le bouton de la musique... et il se passait ce qui se passait ! Cela a beaucoup changé la façon d’appréhender le rapport entre la danse et la musique. Dans mon travail ce rapport n’est pas toujours le même, cela dépend complétement des sujets de la pièce. Il y a généralement un travail sur la musicalité au niveau organique entre Le mouvement, le rythme et l’espace. Par exemple pour une pièce comme Eaux-fortes, j’ai travaillé sur le rapport émotionnel de chacune des Études pour piano de Pascal Dusapin ; pour la musique spectrale du Cortex Temporum de Gérard Grisey, j’ai travaillé avec la structure musicale car il s’agit d’une phrase musicale répétée dans laquelle Grisey introduit des distorsions temporelles. Cela a été le point de départ pour écrire une structure chorégraphique équivalente basée sur la répétition et la distorsion temporelle. Il y a eu a eu aussi le travail sur la Grande Fugue de Beethoven, une pièce complexe car j’avais demandé à un écrivain,
Frédéric-Yves Jeannet, une fugue littéraire à quatre voix, à une compositice, Zeena Parkins, un quatuor à cordes, et a un plasticien Laurent Pariente, une œuvre visuelle. Il a réalisé une pluie de pétales de soie noire tombant de façon continue pendant une heure sur le plateau et ce fut à moi de composer une chorégraphie qui puisse intégrer le tout. De plus, tout cela a pris plus de sens car cela a eu lieu après le 11 septembre et ces artistes vivaient à New York à cette époque là. Maintenant je travaille aussi sur la voix, je déporte les sujets d’intérêt, le rapport à la musique par l’intermédiaire de la voix, travaillée de façon organique dans le rapport au mouvement, pas de manière savante comme dans le chant. Cette semaine nous avons par exemple travaillé avec les danseurs et chorégraphes de Hong Kong sur les figures de l’embrassement, les gens qui se rencontrent, qui se croisent avec des voix qui se mêlent...
Quelles sont vos méthodes de travail au centre du Phare ?, un très beau nom d’ailleurs qui évoque les frontières entre la mer et la terre, la nuit et le jour. Oui, cela rayonne, cela guide, cela accompagne, c’est plus excitant comme nom que le « CCNHHN » (Centre Chorégraphique National Havre Haute Normandie) ou autres initiales. C’est un centre chorégraphique spécial, d’abord parce qu’il est dirigé par deux femmes, Solenne Racapé et moimême, fait plutôt rare. C’est un projet construit ensemble autour des écritures chorégraphiques contemporaines, mais qui garde une large ouverture à la diversité des esthétiques et balaie un spectre très large sur tout ce qui compose aujourd’hui les paysages chorégraphiques. Sur un plan plus personnel, à la naissance d’un projet, il y a toujours un mot, un souvenir, une première idée qui sort un peu de nulle part, je la prends et je la creuse. Il faut que cette idée voyage, se nourrisse. Avec cette intention de départ, j’organise de l’espace, je regarde, je gère, je parle beaucoup avec les danseurs, nous cherchons ensemble, parfois sans trouver. Il faut que l’idée se renouvelle, se développe, même si au début les danseurs ont parfois l’impression de ne rien comprendre, ils donnent généreusement d’euxmêmes. Il y a dans mon travail plusieurs cycles, un premier autour de mes recherches en neurologie, et un deuxième autour de la perception du temps, beaucoup plus minimaliste, en faisant abstraction de toute thématique, avec une recherche sur les concepts du temps, de l’espace et du rythme qui ont été au cœur de mon travail comme la répétition du mouvement et son développement dans le temps, c’est peu évident à expliquer car cela rejoint un peu la philosophie.
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九文化區尚未竣工，然而其藝術團隊卻已積極展開活動。 在由M+博物館於2015年春策劃的「流動影像」(M o v i n g Images) 展覽之後，西九文化區表演藝術部於2015年秋策 劃了一系列的舞蹈工作坊，由著名的英國編舞家 Wayne Mcgregor 及著名的法國編舞家艾曼紐．汀主持。西九舞蹈藝術發展部的負責 人Anna Chan 認為，在等待西九文化區各項設備完工之際，這些工 作坊積極活動。目的在於促進香港舞蹈界的創作能力。與此同時， 另一活動在戲劇界，由劉祺豐策劃，在為期三個月的國際劇場工作 坊節期間進行，我們藉此機會，訪問了法國著名的編舞家艾曼紐． 汀。
西
艾曼紐．汀於西九文化區舞蹈工作坊
艾曼紐．汀是勒拉弗爾－諾曼第國立舞蹈中心 (Le Phare) 的總監及 編舞。她曾習古典舞，並曾於紐約的 Merce Cunningham School 研 習傳統美國舞蹈。回國後，自1991年至1996年任 François Raffinot 的表演者，並創立了自已的舞團 Suis Generis，2012年1月被任命 為勒拉弗爾－諾曼第國立舞蹈中心的總監。她同時還是十九個國立 舞蹈中心協會的主席。
艾曼紐，您接替了 Hervé Robbe 的職位，較早前，還接替了 François Raffinot 的職位。後者以其對哲學的偏愛及專注於嚴 格的編舞而聞名。而您本人是怎樣看待編舞的呢？ 不錯，François Raffinot 現在又重返他的哲學天地了。他是一個勤 於編舞的人。我初期的舞劇深受其創作方法影響，結構謹嚴，先在 紙上籌劃，再搬上舞台，一切準備就緒，單人舞、雙人舞、四人舞 等等。後來，我放棄了這種創作方法，覺得它相當束縛，於是我敞 開大門，兼收並蓄，即興創作，將我的探索由外部轉向舞蹈本身， 尤其是對感情和感情缺失的探索。 自1999年以來，對人工智能科學以及藝術與科學的互通性的研究有 了長足的進步。我決心在這方面作深入研究。引發我作此研究的契 機是在《世界報》讀了Antonio Damasio 的一篇文章，他是神經病 學和神經系統科學教授，是美國南加州大學感情和創造研究院的院 長。他這篇文章題目是《人怎麼在沒有感情和感情缺失的情況下生 存》。對於感情缺失，我在研究文學作品時亦曾做過思考。我確實 想知道沒有感情的生存究竟是怎麼一回事，這怎麼可能？
完全喪失感情的人真的存在嗎？ 存在，有一些人腦部受損傷，存在於腦幹並對性命攸關的基本感情 如：喜、怒、哀、樂、懼怕等在他們的身上全部消失。這種腦部受 損傷的人非常罕見，一般來說，是大腦皮層的外圍受到了損傷。 Antonio Damasio 透過磁力共振成像成功找到了幾個大腦皮層外圍 受損傷的人，這傷害不僅攸關生命同時會影響思考能力。Damasio 透過這項工作發現了我們的思考方式和我們的感情是息息相關的， 這與笛卡兒的想法完全相反，笛氏主張可撇開感情直接思考決定。 但事實卻完全相反，我們的思考決定本質上和我們的感情反應密不 可分。 那麼，怎樣將這些搬上舞台呢？這比我想象的複雜得多。我進行研 究，用了兩個月時間觀察病人。和我事前想象的完全兩樣，我做了 大量的工作，這都怪我着手時絲毫沒有神經病學的知識 我的初衷是採訪病人，了解他們的感情問題，並從中得到一些回 饋。但事與願違。首先是我不能直接和這些神經病人接觸，因為他 們得到特殊保護。然而，我卻接觸到一些病情非常複雜的病人，如 失語症病人、只有三十秒記憶的病人等。我最初的想法是想理出感 情的變化過程。最後，我的研究發軔於一位曾經和 Damasio 共事 的神經生物學家的一句話，他說：「我認為感情是一種需要，它激 起慾望，產生歡樂，又取消慾望。」這觀點成了我深入研究的啟動 器：甚麼是需求？甚麼是歡樂？如何消除慾望？我在圖書館裡埋首 研究感情的演變過程，並開始和我的舞蹈演員一起探討人體的結構 和狀態：甚麼是吸引力？甚麼是厭惡感？由此深入到更具哲學意味
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的問題，如甚麼是心醉神迷。我認為這種狂喜狀態是同時具有正、 負兩種感情的，是一種感情的象徵性的隱喻。這是一項為時兩個月 的繁重工作，現在還在繼續。
你對文學中的愛情關係也頗感興趣？ 這在我的編舞事業初期可說是這樣。文學是一個起點，我從法國 作家 Frédéric-Yves Jeannet 的《颶風》(Cyclone) 開始研究，但我 接着向更複雜的東西走去，朝向有關男性、女性的人類學研究起 來。我讀了 François Heritier 的《區別的沉思》(La pensée de la différence)，在作了神經病學的研究之後，我着手研究精神分析家 和精神病科醫生的著作，如 Jean Oury 的《創造和精神分裂》。 今天，我攻讀福柯的著作，研讀他的《字詞和東西》(Les mots et les choses) 及探索委拉斯貴支 (Velasquez) 的名畫《宮女》(Les Ménines)。我可說充實了自己，我從來沒空手來到辦公室，腦子裡 總是裝着一個主意。
你事業的另一個重要部份是音樂，你是否贊同簡寧漢 (Merce Cunningham) 的觀點，大家都認為他將舞蹈從音樂中解放出 來？ 音樂總是以各種不同的形式存在於我的創作中。我沒有和簡寧漢共 事過，但做過他的學生。他無疑是一個先驅，認為音樂和舞蹈應 該獨立並存。就這樣，在演出那天，John Cage 走上舞台，按下按 鈕，音樂播出來了，事情就這樣發生。這在很大程度上改變了認識 舞蹈和音樂關係的方法。在我的工作中，這關係並非一層不變，這 完全取決於舞蹈的內容。一般來說，我從肢體的角度，研究運動、 節奏和空間之間的音樂性。譬如對舞劇《銅版畫片》(Eaux-fortes)， 我探索 Pascal Dusapin 的《鋼琴練習曲》的每個曲子的感情關係。 而對於 Gérard Grisey 的《Cortex Temporum》光譜音樂，我則以音 樂結構處理，因為Grisey在不斷重複的一個樂音裡注入了時間的扭 曲。這便是我創作肢體舞蹈的起點，這舞蹈以時間的重複和扭曲為 基礎。我也對貝多芬的大賦格曲作了創作，這是一個複雜的作品， 我邀請作家 Frédéric-Yves Jeannet 寫作一個四個人聲的文學賦格 曲；邀請女作曲家 Zeena Parkins 創作了一個弦樂四重奏，並請一 個造型藝術家 Laurent pariente 創作一個視覺藝術。他製作了一場 花雨，花瓣由黑絲綢製成，在舞台上足足下了一句鐘，而我則創作 一齣融合這一切的舞蹈。此外，這一切別有深意，因為這齣舞劇是 在「九一一」之後演出的，而表演者當時正生活在紐約。現在，我 改變方向，也探討起聲音來，我以運動中肢體激發的聲音作媒介， 探索舞蹈與音樂的關係，當然不像探索聲樂那樣深奧。例如，這個 星期天，我們和香港的舞者和編舞家一起探討人們相擁的形象，人 們在一片嘈雜聲中熙來攘往，擦肩而過。
你在 Phare 舞蹈中心是怎樣工作的？這是一個很漂亮的名字， 讓人想起大海和陸地，白天和黑夜。 是的，燈塔 (la phare) 發光，引領護航，這比「CCNHHN」或其他 首字母更令人振奮。這是一個特殊的舞蹈中心，首先是它由兩名女 性主導，Solenne Racapé 和我，這是少有的。我們的工作重點是創 作當代舞，但也敞開大門，兼收並蓄，吸收當下的一切舞蹈。 現在來談一下更為個人的一些體會。我每創作一個舞蹈，便不知從 何冒出一個字、一個回憶、一個主意。我抓住它，發掘它。這主意 必須伸展開來，充實起來。這樣開了個頭，我便組織空間，觀察、 經營，和我的舞蹈家頻頻切磋，我們一起探索，有時卻一無所獲。 主意必須更新、發展，即便開始時，舞蹈家們有時好像摸不着頭 腦，但他們全力以赴。 我的工作分幾個階段，第一個階段是對神經病學的研究，第二階段 是時間的探索，非常簡單，撇開一些專門主題，只研究時間、空間 和節奏這些概念，這在我的創作中佔主導地位，如運動的重複及其 在時間中的發展，這很難三言兩語說清楚，因為這多少和哲學有 關。
舞蹈
Danse
Soledad - photo © Ringo Chan
Soledad de Helen Lai et Peter Suart Texte : Gérard Henry 敖樹克 撰文
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our tous ses admirateurs ce fut un plaisir de revoir Helen Lai sur la scène après une absence de trois ans, elle avait alors annoncé sa retraite des plateaux de danse. Surtout de la voir revenir avec une pièce très ambitieuse, Soledad, une adaptation de Cent ans de solitude du prix Nobel colombien, Gabriel Garcia Marquez, grand roman qui narre la destinée de la famille Buendia sur 7 générations : Acculés à vivre 100 ans de solitude par la prophétie du gitan Melquiades, les Buendia vont traverser guerres, massacres et conflits de l’histoire colombienne et connaître à la fois grandeur et décadence, un chef d’œuvre à la fois réaliste et magique dans le style de la littérature sud-américaine des années 1960. Qu’est-ce qui a mené Helen Lai à sortir de sa retraite ? « Le désir de travailler avec Peter Suart » dit-elle, une envie partagée d’ailleurs par le compositeur, illustrateur et écrivain, dont la carrière artistique se partage entre Hong Kong et la Grande Bretagne. Tous les deux grands lecteurs, ils se sont découvert le même amour pour ce roman. Mais en raconter l’histoire entière était impossible, et il n’était pas question de la transposer à Hong Kong ou en Chine. Ils ont donc travaillé certains passages du roman et sur les impressions qu’ils en avaient. Ils ont choisi le simple titre de Soledad, Solitude, « solitude de la vieillesse, de l’impossibilité de l’amour, du colonel qui devient dictateur » dit Peter Suart. Le résultat un spectacle splendide autant sur le plan de la danse, du décor que des lumières. La chorégraphie de Helen Lai est fluide avec de beaux duos très sensuels et des tableaux très poétiques comme cette danseuse devant un rideau de pluie bleue. Les danseurs qui incarnent les 7 générations y prennent visiblement un grand plaisir, les mouvements de groupes se nouent et dénouent avec aisance. L’association avec Peter Suart, qui a écrit la musique, a réalisé un magnifique décor, celui d’un grand bateau de bois à demi échoué sur la scène et incarne sur scène le personnage du gitan Melquiades lisant sa prophétie donne une grande ampleur à ce spectacle. Sa mystérieuse prestance, sa voix profonde et un peu caverneuse semble nous parler à travers les siècles. Peter Suart avait d’ailleurs avant le
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Soledad - photo © Ringo Chan
Décor de Peter Suart - photo © Ringo Chan
spectacle réalisé une série de dessins sur Cent ans de solitude qu’il a exposés à PMQ. Pour les nouveaux arrivés à Hong Kong, rappelons qu’Helen Lai est l’une des chorégraphes les plus intéressantes de cette région de l’Asie. Ses spectacles ayant un côté narratif, les puristes de la danse ne l’apprécieront peut-être pas de la même manière, car à la danse pure, elle préfère le théâtre-danse qui se rapproche plus de son inspiration souvent très littéraire... Ce qui rend Helen Lai unique est son répertoire qui touche souvent à des thèmes universels et dépasse l’anecdotique que l’on voit trop souvent à Hong Kong. En 2002, elle s’inspire de la tragédie grecque de Sophocle, Œdipe, pour créer The tragedy of M. O., une pièce transposée dans un espace restreint, où la relation incestueuse entre Œdipe et sa mère était représentée par un duo sur un lit encombré de meubles. On peut aussi citer à son répertoire Invisible Cities, clin d’œil à Italo Calvino, et en 2004, The comedy of K, une plongée dans le monde de l’absurde de Kafka avec une imagerie surréaliste qui rappelait beaucoup le peintre Magritte. Elle a donné aussi des pastiches des opéras révolutionnaires chinois (Millenium mix) présenté au Festival des Cultures à Munich en 1997, ou des pièces comme Nine Songs, qui célèbre l’intégrité du grand poète chinois Qu Yuan qui, au 2e Siècle av. J. C. se suicida en exil, désespéré de la corruption des princes du royaume de Chu, spectacle dont la musique traditionnelle chinoise se joua sur des instruments crées spécialement par le compositeur Tan Dun, une pièce qui fut invitée à la biennale de danse de Lyon en 2000. Soledad a été présenté par la City Contemporary Dance Company les 11 et 12 décembre 2015 au Kwai Tsing Theatre
Sans vouloir enfermer Helen Lai dans un genre, on peut dire que ses thèmes de prédilection sont la lutte contre l’enfermement, qu’il soit intérieur, intime, psychologique ou politique, l’autoritarisme, la corruption.; l’autre est son grand amour de la musique et du chant. Elle privilégie des musiciens un peu fous comme Stravinsky, Eric Satie ou Chostakovitch dont elle a conté la vie récemment dans un magnifique spectacle, Testimony, avec l’acteur Lee Chun Chow et la troupe de Hong Kong City Contemporary Danse Company dont elle a été un membre fondateur. Elle a montré avec Solidad qu’elle avait gardé toute sa créativité, et on espère qu’elle continuer à créer de nouvelles pièces.
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« Bien des années plus tard, face au peloton d’exécution, le colonel Aureliano Buendia devait se rappeler ce lointain après-midi au cours duquel son père l’emmena faire connaissance avec la glace. » Gabiel Garcia Marquez
黎海寧與彼得小話的《孤寂》
Aquarelle de Peter Suart
海寧三年前宣佈退下舞台。闊別了三年之後，她的擁躉很高興能 在一齣改編自諾貝爾文學獎得主馬奎斯 (Gabriel Garcia Marquez) 的名著《百年孤寂》(Cent ans de solitude) 的作品中再次欣賞她 舞台上的風姿。《百年孤寂》以虛構市鎮馬康多 (Macondo) 的榮衰作為拉 丁美洲百年滄桑的縮影。反映了殖民，獨裁，鬥爭和流血的歷史，以及遺 忘和孤獨的主題。內容講述一個光怪陸離的邦迪亞 (Buendía) 家族在一百年 間，七代人因權力與情慾的輪迴上演興衰起落，是一部既寫實又奇詭的的 文學巨著。
黎
是甚麼促使黎海寧重出江湖的呢？「渴望與彼得小話 (Peter Suart) 合作」她 這樣說道，而這亦是這位分別在香港和英國從事創作的作曲家、插圖畫家 兼作家所渴望的。他們二人都酷愛閱讀，並發現對方對這本小說有着相同 的熱愛。當然是不可能完整地講述整個故事，而且也不想將故事的背景轉 移到香港或中國。因此，他們只採用故事中的某些情節以及他們對這些情 節的感想作為創作的靈感。他們以簡單的《孤寂》作為名稱，彼得小話說 「是寫年老，絕望的愛情，成為獨裁者的上校的寂寞」。他們合作的成果 是一齣無論是舞蹈、佈景和燈光設計都精彩絕倫的表演。 黎海寧為這作品編寫了優美性感的雙人舞，尤其是女舞者在雨藍色的簾幕 前舞蹈的畫面極度詩意。那些代表七個年代的人的舞者看來樂在其中，一 群一群的人動作流暢地聚合或分散。彼得小話負責原創音樂及佈景設計， 佈景是一艘半擱淺的木船，由一個表演者扮演正在誦讀預言的吉卜賽人 Melquiades 令整個演出更加震撼。他充滿神秘感的儀容，沉厚又有點兒空 洞的嗓音似乎來自之前的世代。事實上，彼得小話在這個節目之前已曾在 元創坊展出了一系列有關《百年股寂》的圖畫。
Melquiades, le gitan, aquarelle de Peter Suart
黎海寧是亞洲區其中一位最令人讚嘆的編舞家。她的作品通常都有着敘事 的一面，喜歡純舞蹈的人士可能有不同的看法，相對於純舞蹈，她更喜歡 戲劇-舞蹈，因為這種舞蹈形式更接近她那些來自純文學的靈感…… 黎海寧的表演節目很多時都會涉及一些世界性的主題，遠勝那些香港常見 的陳腔濫調、老套的主題。2002年，她自希臘悲劇作家 Sophocle 的作品 《Oedipe》中取得靈感，創作了《O先生家族死亡事件》，她將場景轉換為 一個狹小的空間，並以在一張堆滿傢具的床上表演的雙人舞來表達 Oedipe 與他母親的亂倫關係。她的《隱形城市》讓人一窺 Italo Calvino 的風格，而 2004年的《畸人說夢》則以超現實主義的圖像帶觀眾進入一個卡夫卡式的 荒謬世界中。她為1997年慕尼克文化節創作了《革命京劇－九七封印》， 此外還有歌頌中國偉大詩人屈原的《九歌》，屈原遭奸人所害被逐出國 境，在流放期間，因為楚國諸侯的腐敗深感痛心而投江自盡，這演出以傳 統中樂伴奏，演奏的樂器更是作曲家譚盾為此特別製造的，這舞蹈作品曾 獲邀請在2000年的里昂雙年展中演出。 為了不想將黎海寧困在一種類別的框框內，我們可以說她的作品偏愛以抗 拒困鎖(無論是有關內在的、個人的、心理的或政治的)作主題；還有她對音 樂和歌曲的熱愛。她特別喜歡一些帶點兒神經質的作曲家，如史特拉汶斯 基、艾力．薩蒂或蕭斯達高達維契等，而她曾在一個由演員李鎮洲與香港 城市當代舞蹈團合作演出的精彩作品《證言》中描述蕭斯達高達維契的一 生。她是城市當代舞蹈團其中一位創團成員。
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Alice Rensy : Le charisme Alice Rency photo@ Marion Tessier
“A work with Hong Kong Ballet” de Yang Hao Hong Kong Cultural Centre Courtesy Hong Kong Ballet a photos Maggie Mok
L
productrice francaise Alice Rensy, résidente de Hong Kong, travaille avec de nombreux danseurs et chorégraphes locaux ou étrangers de passage sur le territoire, elle organise des événements de danse ou des performances dans des espaces culturels indépendants ou participe à des créations pour des festivals comme cette année le « Choreographers showcase » du Hong Kong Ballet ou les « Jockey Club Contemporary Dance Series » du Hong Kong Arts Festival. Familière du milieu hongkongais de la danse, elle réagit sur des fondements de sa discipline et partage son point de vue.
l’exposition en papier de Winoma Chan. J’ai invité Shunsuke à faire cette performance. Habitué aux scènes de théâtre, c’était la première fois qu’il travaillait dans un centre d’art avec une grande proximité du public. Il m’a demandé de l’accompagner. Nous avons revêtu des masques de lapin trouvés sur place, créé des situations sociales entre les deux créatures, déchiré les installations, mangé le papier. C’était curieux et j’espère juste. Mais la plupart du temps mon rôle est en arrière-plan : réunir des personnes pour des projets, proposer des idées, travailler avec des chorégraphes sur la dramaturgie de leurs pièces, les aider à écrire sur leur travail, parfois chorégraphier.
Comment vous est venu la passion de la danse ?
Comment définissez-vous votre discipline ?
J’ai commencé la danse comme beaucoup de petites filles, puis c’est devenu mon refuge. A l’époque je passais beaucoup de temps à rêvasser en contemplant les photos du Lac des cygnes sur la pochette du disque vinyle de ma mère. A 11 ans j’ai voulu participer à un concours de danse classique à Caen en Normandie. Je n’ai pas eu de prix, mais c’était une expérience très marquante pour une personne introvertie. J’ai toujours gardé un lien particulier à la danse. Plus tard, la danse contemporaine a considérablement ouvert les possibilités d’expression.
Je situe ce travail entre danse et art visuel, deux mondes peu connectés à Hong Kong. Ce qui m’intéresse ce sont les vibrations provoquées par la sincérité et la générosité envers le public. Cela, quelle que soit la technique utilisée. Concrètement j’ai souvent recours au ralentissement des gestes et à la simplification des structures. La proximité avec le public est également une piste. Bien que ce travail puisse paraître rudimentaire, il requiert au contraire une sensibilité aiguisée, du charisme au niveau des performeurs, de la précision et du temps, afin de présenter clairement un élément de vérité à travers des sensations, plutôt que par un raisonnement logique. Le terme de non-danse n’a pas de sens car il s’agit bien de danse, quel que soit le niveau technique et même si on est en dehors des codes des danses reconnues. J’aime l’idée que la danse contemporaine soit une catégorie floue qui ne désigne ni une technique ni une méthode.
Etes-vous parfois sur scène en tant que danseuse ? Ma première intervention en tant que performeur était en octobre 2015 avec Shunsuke Arimizu du Hong Kong Ballet au centre d’art « Charbon » à Wong Chuk Hang. Lalie Choffel, qui dirige Charbon, m’a proposé de créer une performance intitulée « Soft destruction » à l’occasion du finissage de
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e des danseurs Je travaille avec des danseurs charismatiques quelle que soit leur formation, par exemple j’aimerais retravailler avec Wing Kong, une étudiante en danse chinoise à la Hong Kong Academy for Performing Arts, qui a fait preuve d’un charisme rare lors d’un projet passé, ou avec cette femme infirmière de profession qui a travaillé en Afrique dans des contextes de guerres terribles et qui a besoin de danser. La plupart de la beauté d’un spectacle repose sur la présentation de charismes individuels de performeur à un certain moment et dans un certain contexte. J’aime forger la force d’une pièce de danse en me concentrant sur les danseurs, leurs mouvements et sur les possibilités de faire éclore une transcendance. Le naturel ne suffit pas du tout, ce n’est que le commencement. Il est absolument nécessaire de travailler à partir du charisme du danseur, de sélectionner, de limiter beaucoup, parfois de contraindre même. Dans le but de livrer aux spectateurs une expérience du vrai, un spectacle qui suscite une compréhension instinctive. Les décors et les costumes sont choisis en dernier, après la lumière, et avec précaution. Des costumes trop présents tendent à gâcher l’essentiel. Par contre le contexte est primordial. Que le public soit restreint et proche, ou qu’il y ait un public nombreux assis dans une salle de théâtre, doit être considéré le plus tôt possible.
Est-ce que le public hongkongais, plus friand de danse classique, suit ces nouveaux mouvements ? Oui il y a un public. Ceci-dit, régulièrement une partie du public semble découvrir ce genre de travail. Comme pour A work with the Hong Kong Ballet du chorégraphe Yang Hao né à Chongqing. Le Hong Kong Ballet avait commandé une création dans le cadre du « Choreographers’ Showcase » au Studio Theatre du Hong Kong Cultural Centre. La pièce a été créée pour cinq danseurs classiques du Hong Kong Ballet, Liu Miao-miao, Jessica Burrows, Arianne Lafita-Gonzalvez, Shunsuke Arimizu et Wu Di, en mettant en scène leurs charismes individuels
au-delà de leurs techniques. Le public qui était venu voir de la danse classique à été assez peu enthousiaste. Plus étonnant, la critique du South China Morning Post a écrit qu’elle n’avait pas compris l’intérêt de notre travail étant donné que justement on ne s’était pas concentré en premier lieu sur la technique classique des danseurs. Pourtant il y a indéniablement de la belle danse classique dans ce spectacle : Shunsuke a un solo avec des pirouettes classiques, Arianne a un solo de pantomime, il y a des références a de grands maitres de la danse comme Nijinski, Trisha Brown et Raimund Hoghe. Pour moi et pour certaines personnes qui l’ont découverte, cette pièce est une petite merveille.
La relation au corps Je suis plutôt cérébrale, pourtant il est très clair que le corps réagit fortement a beaucoup de choses de la vie : les émotions, les présences, les intentions, la beauté, la violence. Par exemple quand j’ai vu « Pas de Deux » le duo de Raimund Hoghe avec le danseur Takashi Ueno au Théâtre de la Cité internationale, les sensations étaient si intenses que j’ai cru assez tôt que j’allais pleurer, mais comme le spectacle continuait, le choc bloquait mes larmes en provoquant une nausée. J’étais submergée par la beauté de ce qui se passait. Prochains projets de Alice Rensy « Wo Men » de Cai Ying sera créée les 11 et 13 mars 2016 au Hong Kong Cultural Centre dans le cadre du Hong Kong Arts Festival Résidence de création à Charbon avec la peintre Nathalie Rothkoff du 6 au 29 février 2016. Tournée prévue en juin 2016 à New Haven de Pied a terre de Yang Hao et d’une nouvelle pièce créée dans la continuité de « A Work with Hong Kong Ballet » (à confirmer) « Outspoken » créée avec le chorégraphe Yang Hao sera présenter en septembre 2016 à la Tanzmasse de Düsseldorf. Carnet d’adresse de la danse contemporaine à Hong Kong * Les grandes compagnies subventionnées : - Hong Kong Ballet http://www.hkballet.com - Hong Kong Dance Company (technique traditionnelle chinoise) http://www.hkdance.com - City Contemporary Dance Company (danse contemporaine) http://www.ccdc.com.hk * Les organisations de danse contemporaines subventionnées qui emploient des danseurs indépendants : - Y-dance, directed by Victor Choi-wo Ma et Ming Yin Mandy http://www.y-space.org - E-side dance, directed by Jacky Yu http://www.esidehk.com/ - Unlock Dancing Plaza, directed by Ong Yong Lock http://www.unlock.com.hk * Les événements - Hong Kong Arts Festival, tous les ans après CNY - Macao Arts Festival, tous les ans au printemps - Le French May, tous les ans en mai - i-dance festival, tous les ans en décembre - Hong Kong Choreography Festival, première édition, mars 14- avril 17 2016 - Hong Kong Fringe Festival, tous les ans à l’automne - Hong Kong Art Basel, tous les ans en Mars * Les organisateurs à suivre (sur Facebook) - Wing www.wingplatform.org
Soft Destruction, interprété par Shunsuke Arimizu et Alice Rensy Charbon Hong Kong, Octobre 2015 Photo: Movana Chen Courtesy les artistes et Movana Chen
* Les centres d’art qui programment occasionnellement des performances - ParaSite http://www.para-site.org.hk/ - Spring workshop www.springworkshop.org - Charbon www.charbonartspace.com/
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愛麗絲．倫斯：表演者的魅力
“A work with Hong Kong Ballet” de Yang Hao Hong Kong Cultural Centre Courtesy Hong Kong Ballet photo Maggie Mok
居於香的的法國製作人愛麗絲．倫斯 與許多本地或來港作短暫逗留的外國 舞蹈員和編舞家合作，她在一些獨立 的文化空間舉辦舞蹈或表演項目，或參與一些 藝術節的創作，如今年香港芭蕾舞團的「舞 家巡禮」或香港藝術節的「賽馬會現代舞系 列」。她非常熟悉香港的舞蹈界，並就相關概 念作出回應和分享她對表演藝術的看法。
現
你對舞蹈的熱愛是從何而來的呢？ 我像很多小女孩一樣年幼便開始學跳舞，之後 舞蹈成為我的避難所。11歲時，我曾在里昂參 加過一場芭蕾舞比賽。雖然結果不盡人意，但 我並未因此氣餒。母親有張柴可夫斯基《天鵝 湖》的黑膠唱片，我被封面上的俄國芭蕾舞者 深深吸引，從此之後就迷上了舞蹈。通過持續 不斷的訓練與合作，我始終活躍於這一領域。
你是否有時會以舞者的身份上台表演？ 我真正成為一名表演者，卻是始於2015年10 月香港 Charbon art space。當時我為香港芭蕾 舞團的日本舞蹈員水俊介 (Shunsuke Arimizu) 組織演出。那是他首次在畫廊表演，他邀請我 加入。我們碎掉了陳麗雲 (Movana Chen) 的 紙本裝置，戴上了兔子面具，還吃下了那些碎 紙。其間充滿了歡樂。 但大多數的時候，我的角色都是幕後的：為項 目召集工作人員，提供意見，與編舞者一同構 思他們的作品的劇情，幫助他們編寫，有時也 會編寫舞步。
你如何為自己的藝術下定義呢？ 我將自已的作品定位於舞蹈與視覺藝術之間， 這些在香港都是相當獨立的。我專注於透過作 品展現人性活力，毫無保留地與觀眾分享，獨 立於技巧手法之外。具體來說，這些作品通常 都包含緩慢與簡單這兩個元素。拉近表演者與 觀眾之間的距離也可算作是這項研究的一個元 素。雖然這聽起來像是一種非常自然直接的表
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演方式，但它需要兼具高度的敏感與精確，以 及非凡的魅力，才能通過內心感受，將真實表 達清楚，與演繹思維截然相反。 人們有時會用「非技術性」舞蹈，甚至用「非 舞蹈」來形容我的作品，但我並不喜歡這些標 籤，因為不管藝術水平如何，例如不管是否加 入文字，或者省掉舞台，它們依然是舞蹈。我 喜歡將當代舞看作是一種可以朝任何方向進行 研究的表演藝術。 我與各種各樣的人合作，並不關注他們是否接 受過專業培訓；例如我曾與 W ing Kong 合作 過，她是一名學生，在香港演藝學院修讀中國 舞蹈表演藝術，我也曾與 Isabelle Greneron 合 作過，她是一名護士，在非洲戰地上工作。表 演之美大多源自於在特定的時間與場合之下， 揭示出表演者極強的內在魅力。一件作品的力 度要由表演者共同創造，並要對其間產生的獨 特魔力抱以開放的心態。 表演者的服裝並不重要。道具和服裝應該是最 後加入表演中的，在此之前是燈光照明。服裝 過於搶眼容易遮蓋表演者的真實表質。處理這 些細節時應當格外小心。不過環境勝於一切， 演出時的環境如何，是少數觀眾近距離觀看， 還是許多觀眾坐在鏡框式舞台前觀看，這些都 應當儘早納入創作過程之中。
與你自己身體之間的關係 至於我與自己身體之間的關係，這是個複雜的 問題，我從未真正思考過。我非常善於動腦， 同時 又與自己的身體保持着非常緊密的聯繫， 就好像我沒有皮膚似的。我的身體會對生活中 許多事物產生非常清晰的反應：食物與飲料， 寒冷與溫暖，存在與缺失，情感，暴力，美。 2010年我在巴黎國際城劇院裡觀看 Raimund Hoghe 與 Takashi Ueno 的雙人舞時，第一次激 動得想哭，但是隨着演出的進行，我並沒有落 淚，反而覺得想吐。我的身體無法承受這麼多 的美。
展覽
Exposition
Maurice Benayoun, alias MoBen
Maurice Benayoun, vagabond des tunnels virtuels Texte : Ann Mak 麥安 撰文 Photos : Maurice Benayoun 照片提供：莫奔
M
aurice Benayoun, alias MoBen, est un ar tiste français basé à Hong Kong. Pionnier de l’art multimédia, son travail, très divers, explore tous les champs artistiques de l’expression, utilisant différents médias de la photographie et la vidéo à des installations urbaines de grande échelle. Son travail a été exposé dans de grands musées d’art contemporain comme le centre Pompidou en France, le musée d’art contemporain de Montréal, the Museum of Moving Image à New York, le musée d’art contemporain Kiasma en Finlande, etc. Objet de commandes publiques pour les biennales et autres manifestations artistiques, part de nombreuses collections publiques et privées, Les œuvres de MoBen lui ont valu de très nombreux prix, comme le Golden Nica et Ars Electronica visionary.
Le tunnel virtuel des nouveaux media Le concept originel du Tunnel remonte à vingt ans quand Internet et les appels vidéo n’étaient pas encore populaires. Le premier tunnel virtuel, le « Tunnel sous l’Atlantique » a été achevé en 1995, c’était un projet virtuel télécommandé qui non seulement allait au-delà de de la prouesse technique de la performance mais constituait en fait la première réalité visuelle au travers d’installations artistiques interactives et géographiquement éloignées. Le Tunnel sous l’Atlantique reliait le Centre Pompidou à Paris et le Musée d’Art contemporain à Montréal, permettant aux spectateurs de creuser le tunnel et de se rejoindre finalement sous l’Atlantique au travers des téléobjectifs de l’ordinateur. La matière creusée était d’ordre culturel, incluant vidéos, peintures, cartes et sons. L’un des témoins de cette première expérience, le critique d’art du journal Le Monde, Jean Paul Fargier, la relate ainsi
Le Color/Border Tunnel, Tunnel/vertical, Osage Gallery
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Rencontre à l’intérieur du Tunnel sous l’Atlantique
dans l‘édition du 22 septembre 1995 : « Il s’agit en effet d’entrer dans les images. Pas seulement dans ce qu’elles représentent, mais dans leur tissu même. S’y promener, y découvrir des canaux secrets, se lover dans leurs plis, se perdre dans leurs trames, les regarder palpiter de près, rebondir de l’une à l’autre comme sur une marelle courbe infinie. Cinq cents images appartenant au passé commun de la France et du Canada tissent une immense tapisserie de Bayeux numérique: des caravelles, des caribous, des parchemins, des fortifications, Jacques Cartier, Champlain, des Indiens, des drapeaux, des batailles, des arbres, Trois-Rivières, etc. Cinq cents images tassées, emboîtées, épaisses, denses. Elles ne forment pas un couloir qu’il suffit de longer. Elles dorment, tels des minerais qu’il s’agit de dénicher - virtuellement - au fond d’un gisement. » L’idée originale du concept vient de MoBen : mettre ensemble les concepts de la Dialectique de Socrate et du Livre de sable de Jorge Luis Borges, fruit du hasard et de la fatalité. En creusant, les gens sont amenés à penser. L‘idée n’est pas d’annihiler la pensée originale et le désir des gens mais au contraire, de les amplifier et les mettre en vedette. 0n peut dire que c’est un travail d’analyse de soi, un processus pour permettre aux gens de développer leur potentiel inhérent. La sensation éprouvée dans le tunnel est celle d’un vagabondage dans la scène culturelle du passé et d’aujourd’hui, le plaisir de construire un projet multi sensoriel. Le développement continu du concept du Tunnel, de la Cité des Sciences de Paris à New Delhi en Inde, de Séoul à San José en Californie, de City University of Hong Kong à beaucoup d’autres sites dans le monde, à travers des matériaux culturels spectaculaires, comme des couches d’épaisses mémoires, nous dirigent d’abord dans une immense grotte et creusent ensuite le terrain selon le processus d’un kaléidoscope. Les couches du kaléidoscope et les chuchotements entendus rappellent des fragments de mémoire, nous mènent à voyager et à traverser les frontières des environnements culturels Comme dans ces mots de David Rosenberg : « ...changeant et évoluant constamment. Il suggère aussi que les processus variés que nous expérimentons ou dont nous sommes témoins, sont sujets à des changements imprévisibles, nous permettant d’aller du connu à l’inconnu. C’est un spectacle fascinant... comme des graines poussant libres de toutes limites. C’est comme si l’imagination avait finalement trouvé un sujet ou un medium capable d’assumer toutes les formes, toutes ses métamorphoses, toute intuition pouvant apparaître immédiatement devant nos yeux. » Vingt-et-un ans plus tard, en avril de cette année 2016, MoBen déploiera le « Color/Border Tunnel » à partir de Hong Kong, permettant aux spectateurs témoins d’expérimenter de nouveau les travaux de creusement. Différentes couleurs différencieront les éléments de race, religion, esthétique, ou envelopperont une vision superficielle du monde, ou refléteront la réalité de ses tensions et explorereront les problèmes politiques et sociaux. Le tunnel mène le public dans un sens du temps et de l’espace plus diffus Et fait ressentir un élan émotionnel et mental. C’est comme entrer dans un monde virtuel empoignant, chacun peut sentir la vitalité unique de ce nouveau média artistique, comme un voyage symphonique sur un arc en ciel.
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奔 (Maurice Benayoun)，又名 MoBen，法國新媒
莫奔
莫
體藝術家，現居香港；是新媒體藝術先驅、理論 家兼大學教授，他的創作豐富，善於用多元化的
媒體，由攝影錄像，及至大型城市裝置，作品題材廣泛而多 樣化的，擅於開拓不同的藝術領域。 他的作品在不同國家的重要當代藝術博物館展出，包拾法國 巴黎龐畢度藝術中心、里昂當代藝術博物館、蒙地可當代美
漫遊虛擬隧道 —
術館、紐約 Museum of the Moving Image、東京 ICC、芬蘭 赫爾辛基當代美術館等，作品廣獲殊榮，曾獲奧地利主辦的 電子藝術大獎金獎。
新媒體的虛擬隧道： 隧道的源頭，可追溯 二十年前，即上世紀90年代互聯網和 視像通話仍未普及的年代；當第一道虛擬的隧道《大西洋底 隧道》於1995年完成，這是一個遠程虛擬項目，它不但超 越了技術性能的表現，而且是第一個跨越地域的虛擬現實及 互動藝術裝置作品，讓巴黎和魁北克為到訪的觀眾開展發掘 隧道的虛擬工程，身處巴黎龐畢度中蒙特利當代美術館的到 訪者，透過兩地不同的文化影圖像挖掘隧道，最後通過網絡 攝影鏡頭，讓隔著大西洋兩岸的到參予者相遇；而被挖掘開 來的，都是跟文化有關的物料，包括影像、繪畫、聲音或地
Entrée du Tunnel sous l’Atlantique, centre Pompidou, paris
圖等。 隧道的構思，源自於莫奔持續的想法，將蘇格拉底的「辯証 法」與博爾赫斯的「沙之書」的概念相結合，試圖製造一道 可以啟迪人們對問題思考的隧道，它不會取代觀眾原有的欲 望，而是使它們放大和突顯，可以說是一場自我剖析的 布局，開發自身內在的潛能過程， 潛進隧道之中，如游走 於今古文化從各地匯集於其中，構建成一道多感官的奇景。 隧道的觀念持續發展，從法國巴黎科學城到印度新德里，從 韓國首爾到美國加州聖荷塞，從香港城市大學到世界各地許 多其他的網站；透過壯觀的文化材料，像挖空層層厚重的記 憶，先打通一個大洞穴，然後往下挖掘，這是一段如萬花筒 般的過程，千變萬化的片段和耳語，翻動沉寂如亂絮的記 憶，牽引我們穿梭遊走不同領域的邊境。借用大衛．霍桑貝 爾描寫新媒體的話：「它在不斷變化和演進，同時表明我們 正在經歷或是見証不同過程，或會遭遇難以預清的轉變、也 許令我們以為熟悉卻又如同陌生，是一場嶄新且不可預期的 經歷…… 如種子的生長，無視規則的限制，如同想像力終 於找到某種工具或媒介展現它的萬千姿態與各種變化，每同
Creusement à l’intérieur du Tunnel sous l’Atlantique
每個直覺都能及時呈現在我們眼前。」 — 大衛．霍桑貝爾 二十一年後，即今年四月，莫奔從香港出發，展開《顏色/
« Color/Border Tunnel » The virtual tunnel of new media April - May 2016 - Exact dates to be confirmed at www.osagegallery.com Osage Gallery 4/F, Union Hing Yip Factory Building, 20 Hing Yip Street, Kwun Tong
邊境隧道》，讓觀眾再次體驗挖掘隧道工程，採取不同顏色 表現種族、宗教、美學的原素，或涉及世界膚淺的眼光、或 反映現實的緊張關係、或社會或政治等問題；帶領觀眾漫於 多感官的時空隧道，感受身心和情感的衝激，進入撼動人心 的虛擬世界，感受獨一無二具有生命力的藝術媒體，經歷如 彩虹的姿態的幻彩旅程。
Ps. L’exposition aura lieu à la veille du 22e Symposium international de l’Art électronique organisé cette année à Hong Kong par City University hong kong School of Creative Media, Hong Kong Polytechnic School of Design, Videotage et Microwave Festival du 16 au 22 mai 2016.
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安古蘭國際漫畫節
Festival d’Angoulême
Li Chi Tak, un sorcier à Hong Kong Texte : Nicolas Finet
The Voyager
H
abituée du Festival d’Angoulême, la bande dessinée de Hong Kong revient à l’avant-scène avec une exposition monographique consacrée à l’un de ses artistes les plus talentueux, le plus prolifique Li Chi Tak.
Coïncidence heureuse, c’est précisément l’année où le Japonais Katsuhiro Otomo honore le Festival de sa présence, auréolé de son Grand Prix, que Li Chi Tak prend lui aussi le chemin d’Angoulême pour y être témoin de la première exposition monographique jamais consacrée à un créateur de Hong Kong. Car si l’on peut créditer un seul artiste d’une influence décisive sur les goûts et les choix de Li, c’est bien l’auteur d’Akira. Mais au fond, les coïncidences, surtout heureuses, existent-elles vraiment dans le 9e art ? Quoi qu’il en soit, lorsque le jeune dessinateur chinois prend professionnellement les pinceaux à partir du milieu des années 80, c’est clairement parce qu’Otomo, et Moebius avant lui, ont montré le chemin. C’est dit, lui aussi se consacrera par images interposées à l’édification inlassable d’univers fantastique d’où la double exigence de la rigueur et du spectacle n’est jamais absente. Également inspiré par le cinéma de genre et d’action qui a fait les beaux jours du cinéma et de la télévision de Hong Kong dès les années 70, Li Chi Tak, dont les éditeurs locaux décèlent très vite la virtuosité graphique, multipliera les publications au fil des années, soit sous forme d’albums soit par l’entremise de périodiques de bande dessinée – y compris au Japon où il collabore notamment aux magazines de manga Young et Ikki. Il ne dédaigne pas non plus s’adonner à l’illustration, dont témoignent de nombreuses parutions dans les journaux et magazines à Hong Kong. Aujourd’hui, riche d’un parcours de plusieurs dizaines de titres publiés, Li savoure une réputation légitime de godfather de la bande dessinée indépendante hongkongaise, sans pour autant avoir cessé de produire, bien au contraire. Il vient même de renouer avec son éditeur historique en langue française (Dargaud avait traduit dès 1998 son one shot The Spirit) puisque Kana, l’une des enseignes du groupe Medias Participation, publiera en janvier 2016 The Beast, récit inédit dessiné par Li Chi Tak sur un scénario de Jean Dufaux. C’est à l’ensemble de cette prolifique carrière que le Festival s’efforcera de rendre un hommage mérité, à travers une rétrospective monographique d’environ 80 oeuvres, des années 80 à aujourd’hui. Parallèlement à l’exposition qui lui est consacrée, Li participera également au programme des Rencontres internationales du Festival.
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香港大法師
是安古蘭國際漫畫節常客的香港漫畫將再度
已
參展安古蘭國際漫畫節，呈獻「香港獨立漫 畫之父」利志達先生的個人漫畫展覽。
今屆安古蘭國際漫畫節另一焦點是獲得大會頒發最高 榮譽大獎的日本動漫大師大友克洋先生的作品展，若 要說哪位藝術家對利志達的風格有決定性的影響，那 定非《阿基拉》作者大友克洋莫屬；與大友克洋一同 踏上第43屆安古蘭國際漫畫節的紅地毯，對利志達來 說可謂微妙而別具意義的巧合。
利志達 ─
Tong Men Shao Nian
利志達一直鑽研漫畫及插畫創作，建構出一個又一個 天馬行空、引人入勝的世界。其靈感不少來自香港影 視黃金70年代的電影及電視節目。香港本地出版商很 快就留意到利志達的匠心巧手，為他出版眾多漫畫作 品，有的是漫畫選集，有的刊載於漫畫期刊──他更 曾與日本漫畫雜誌《Young Magazine》、《月刊IKKI》 等合作，讓日本讀者認識他筆下的世界。另外，他亦 醉心插畫，多年來其筆跡散見於香港多份報章雜誌。 為向利志達豐富的創作致敬，漫畫節特別安排以他為 名的個人回顧展，展出他由1980年代至今，大約80幅 作品，其中更包括從未公開展出過的《同門少年》、 《石神》、《K》、《鏡地獄》及新作畫稿。展覽以 外，利志達亦會出席漫畫節的國際交流會Rencontres Internationales、漫畫音樂會等活動。 除了萬眾期待的利志達的個人展覽，香港藝術中心及 香港動漫畫聯會的代表更會出席今屆的漫畫節，繼續 向來自歐洲及世界各地的動漫迷及業界人士介紹香港 的漫畫及創意發展，以及本地首個結合百年歷史建築 及動漫創意的「動漫基地」，鼓勵各地的專業人士以 此為交流平臺，推動香港創意發展。
Li Chi Tak, un sorcier à Hong Kong 28-31 January 2016 Quartier Asie Commissariat : Nicolas Finet et Connie Lam (Hong Kong Arts Centre) Scénographie : Bruno Pujat Production : 9eArt+ , Hong Kong Arts Centre Partenaires : Alliance Française de Hong Kong, Create Hong Kong, Kana, M. Nelson Leong, Hong Kong Comics & Animation Federation
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中國藝術史
Histoire de l’art chinois
Le portrait et la peinture de personnages vers la fin du 18e siècle (1)
Les méthodes secrètes du portrait de Ding Gao Texte : Frank Vigneron* 韋一空 撰文 Traduction: Wong Yan Tak 王人德 翻譯
Shen Zongqian 沈宗騫 (c. 1734-1817), Lisant sous les saules (Shenliu dushu 《深柳讀書》), détail.
T
out à fait à l’opposé de ces ambitions de l’art lettré, et pour conclure cette revue de la peinture du 18e siècle et de ce qui la prépara, on devra mentionner la pratique d’une certaine peinture par des artistes nés à cette époque, mais produite dans des circonstances fort différentes. Des peintres comme Gai Qi 改琦 (1773-1828) et Fei Danxu 費丹旭 (18011850) allaient adopter dans la pratique de la « peinture
Gai Qi 改琦 (1773-1828), Dames sous un bamboo 《竹下仕女圖》, Rouleau à suspendre, encre et couleur sur soie, 129 x 41.5 cm. Musée d’art de Guangzhou.
de beautés » (Meirenhua 美人畫, c’est-à-dire « peinture de belles personnes ») et dans celle du portrait, des idées et des méthodes qui avaient été annoncées dans l’art du 18e siècle. Le style de la « peinture de beautés » fleurit au 19e siècle, particulièrement dans la ville de Shanghai qui allait devenir, grâce à sa prospérité économique en partie due au commerce avec l’étranger, le centre d’un renouveau artistique. Influencée par des courants plus populaires, la peinture pratiquée dans cette cité était destinée à un public moins soumis à la culture des lettrés que dans les autres régions. La « peinture de beautés » qui, comme son nom l’indique, représentait principalement des scènes de genre axées sur un personnage féminin, était marquée par un professionnalisme affiché qui ne cachait pas son but exclusivement commercial. Pour ne pas être trop entachés par cette attitude, qui restait malgré tout condamnable dans les milieux cultivés, des peintres comme Fei Danxu s’efforçaient quand même de montrer dans leurs portraits les anciennes préoccupations des lettrés. Alors qu’ils confiaient souvent à leurs disciples
* Frank Vigneron (Professeur, Fine Arts Department, The Chinese University of Hong Kong)
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l’exécution de ces « peintures de beautés » (et la surabondance de mauvaises peintures de Fei peut être expliquée de cette façon), ils préféraient garder pour eux la réalisation d’œuvres représentant leurs amis et connaissances, ainsi que les personnalités importantes de la région, dans des attitudes et des décors euxmêmes inspirés par le style de maîtres plus anciens tels Shen Zongqian 沈宗騫 (c. 1734-1817) ou Zeng Jing 曾 鯨 (c. 1564-1647) des Ming.
Les méthodes secrètes du portrait de Ding Gao La longueur et la richesse des conseils sont caractéristiques des traités du 18e siècle et donc aussi de celui du peintre de portrait Ding Gao 丁皋 (actif 18e siècle), Les méthodes secrètes du portrait (Xiezhen mijue 寫真秘訣). Celui-ci est un ouvrage fort long exposant en détail tous les problèmes du portrait, depuis les traits du visage jusqu’aux différentes façons de présenter et de dessiner les vêtements, mais aussi des méthodes pour saisir la personnalité du modèle. Les historiens considèrent qu’il a probablement été écrit vers 1800. Bien qu’il représente exactement les changements profonds annoncés par le Traité de Shen Zongqian, il est plus caractéristique de cette nouvelle période dans le développement de la peinture chinoise, période pendant laquelle certains préjugés contre la peinture de personnages et le portait avaient subi non seulement l’assaut de textes théoriques très ambitieux, mais bien plus ceux d’un environnement social complètement
On sait que ce texte a été inclus dans cet ajout anonyme au Manuel de peinture du jardin grand comme un grain de moutarde (Jieziyuan Huazhuan 芥子園畫傳 o u Jieziyuan Huapu 芥子園畫譜), ce qui a permis de l’accompagner de quelques schémas sur la façon de rendre le visage humain. Il est possible que les illustrations qui l’accompagnent n’aient pas été faites par l’auteur, et il est aussi possible, si l’on compare ce texte avec ceux d’autres théoriciens du portrait de l’époque, que l’auteur n’ ait pas eu initialement le désir de l’illustrer. On ne peut que conjecturer sur ces problèmes, m a i s a u s s i ê t re h e u re u x d e pouvoir enfin trouver des illustrations à un texte théorique sur un domaine aussi technique que le portrait. Ces images sont relativement nombreuses (sur les 56 pages du traité, 15 pages en comportent) et illustrent la plupart des passages importants du texte. Je reviendrai dans les mois qui suivent sur l’importance de ce traité.
十八世紀末的人物和肖像畫：丁皋的《寫真秘訣》
différent, milieu dans lequel la culture picturale lettrée était en passe de devenir seulement une des composantes d’un paysage artistique bien plus complexe.
Fei Danxu 費丹旭 (1801-1850), Un ancien sentiment pour ce verger《果園感舊圖》, Rouleau horizontal, encre et couleur sur papier, 29 x 105.4 cm. Musée Provincial du Zhejiang.
文人畫的煌煌論述相反，我們試圖透 過回顧一下中國十八世紀繪畫及其 形成的背景而作出些結論。我們必 須提及那個時代一些畫家的另類繪畫實踐，他 們的畫作是在十分不同的情況下完成的。改琦 (1773-1828) 及費丹旭 (1801-1850) 即在創作 「美人畫」的實踐中接受了十八世紀興起的繪 畫思想和創作方法。「美人畫」在十九世紀大 行其道，尤其是在上海。這個通商大埠由於對 外貿易，促使它經濟繁榮，亦成了新藝術的中 心。受時代風尚的影響，繪畫創作亦面向這個 城市的市民。他們與中國其他地區相比，受文 人文化傳統的影響相對較少。「美人畫」顧名 思義，以表現仕女的生活為主，亦不隱諱自己 的宗旨，即以商業為鵠的。這個取向在文人圈 裡是不齒於人的。為了不至太被人詬病，一些 畫家如費丹旭等便竭力在其肖像畫創作中表現 文人畫固有的氣質。他們經常將「美人畫」的 創作交給弟子們 (這便解釋了為何他的畫作有 如此的劣品)，而自己則為朋友及地方的達官顯
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貴造像。畫中人的姿勢及背景襯托均師承前輩 大師沈宗騫 (1734-1817) 或明代的曾鯨 (15641647)。
丁皋的《寫真秘訣》 十八世紀的畫論以連篇累牘和內容豐富為特點，丁皋 的《寫真秘訣》亦如此。《寫真秘訣》是一部煌煌巨 著，它細緻入微的論述了肖像畫創作的各種問題，從 人物面部的線條直至表現衣服的種種方法，尤其是如 何捕捉及表現人物的性格神態。繪畫史家們認為該畫 論寫成於1800年。雖然它重現了沈宗騫畫論裡的深刻 思想變化，但它在中國畫發展的這個新階段，則是非 常具有特色的。在這個階段，一些對人物和肖像畫的 偏見不僅遭遇了一些畫論的攻擊，更遭遇了一個嶄新 的完全不同的社會環境。在這個新環境裡，文人畫即 將變成更加複雜和豐富多彩的藝術天地裡的一個組成 部份。 眾所周知，這篇畫論以匿名的方式加插在《芥子園畫 傳》裡。在論及人面創作時有圖像說明。這些插圖很 可能不是出自作者的手筆。如將此畫論與當時其他同 類畫論相比，作者很可能沒有附圖說明的初衷。對於 這個問題，我們只能猜測。但對論肖像畫創作這類極 具技術性的文字竟有插圖說明，則是可喜的事。插圖 的數量頗豐，五十六頁的文字裡，十五頁有插圖。並 置於畫論中的重要章節。在隨後的篇章裡，我將介紹 畫論裡的這些插圖。
Zeng Jing 曾鯨 (1564-1647), Portrait de Ge Yilong 《葛一龍像圖》, rouleau horizontal, encre et couleur sur papier, dynastie des Ming. 30.6 x 78 cm. Musée du Palais, Beijing.
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中國當代藝術
Art contemporain chinois
L
es Hongkongais pourront enfin voir une partie de la célèbre collection du collectionneur suisse Uli Sigg, offerte au musée M+ sous la forme d’une exposition couvrant 40 ans d’art contemporain chinois. Cette exposition qui a voyagé autour du monde avant de revenir à ce qui sera son bercail rassemble plus de 80 œuvres contemporaines sous différents formats : peintures, sculptures, encres, photographies, vidéos et installations présentées chronologiquement en trois chapitres contant l’histoire de cet art contemporain de 1974 à nos jours. Elle rassemble les avant-gardes à la fin de la révolution culturelle, les différents groupes comme les étoiles (xing xing) l’exposition China/avant-garde en 1989. Elle couvre les expérimentations radicales de ce qu’on a appelé le réalisme cynique et le pop art politique sous l’influence du consumérisme des années 90 en Occident et va jusqu’aux années pré et post-olympisme en Chine, de 2 000 à nos jours, durant laquelle la Chine vit une urbanisation et une mondialisation accélérée. Cette exposition concerne seulement la Chine continentale et n’inclut pas les œuvres des artistes hongkongais. Pour les amateurs d’art qui ont suivi ces mouvements au travers de galeries pionnières comme La Hanart Gallery à Hong Kong, ce ne sera pas vraiment une découverte, mais c’est une préfiguration de ce que sera le Musée M+.
Zhang Xiaogang 張曉剛 Bloodline Series – Big Family No. 17-1998 1998 oil on canvas 149 x 180.5cm
希克藏品：中國當代藝術四十年 M+
La Collection M+ Sigg : quatre décennies d’art contemporain chinois
港的公眾終於有機會欣賞到瑞士收藏家烏利．希 克博士 (Dr Uli Sigg) 著名的收藏。M+博物館舉辦 的這個展覽以研究為基礎，首次採取編年時序的 策展手法，精要闡述過去四十年以來當代藝術在中國的 萌芽發展。本次展覽將展出逾八十件藝術作品，涵蓋了 油畫、水墨、雕塑、攝影、錄影和裝置等不同媒介，風 格多樣，充份反映社會時代的變遷：從文革後期自發組 織的藝術群體如「無名畫會」及「星星畫會」等的邊緣 個性、九十年代西方消費主義衝擊下「玩世現實主義」 及「政治波普」藝術家的激進實驗，直到奧運時代藝術 家對中國與西方、傳統與現代等二元關係及社會介入等 理念的反思，這些作品堪稱是中國當代藝術史的經典之 作及理解現今中國蓬勃的藝壇之範本。是次展覽只是有 關中國大陸的作品，香港藝術家的作品並未包括在內。
香
對那些一直有留意中國藝術運動的藝術愛好者來說，這些 作品已曾在香港的一些藝廊中展出。因此，是次展覽並沒 有甚麼新驚喜，它只是未來M +博物館作風的預覽。
Zhang Huan 張洹 To Add One Meter to an Anonymous Mountain 1995 chromogenic colour print 62.2 x 103.3cm
M+ Sigg Collection: Four Decades of Chinese Contemporary Art 23/2-5/4/2016 ArtisTree, Taikoo Place , Hong Kong
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Fang Lijun 方力鈞 Untitled 1995 oil on canvas 250 x 180cm M+ Sigg Collection
詩詞
Poésie
Roger Kowalski, parmi les ombres Texte : Bernard Pokojski 波高斯基 撰文 Traduction: Wong Yan Tak 王人德 翻譯
I
l avait dormi cette nuit-là sur les genoux d’une froide
souterraine dont le vous ne cédait qu’aux heures avancées
statue de marbre et d’une grandeur qui l’avait surpris.
de la nuit... »
Il erra. Dans ce visage sur lui penché il entreprit un
voyage dont il ne reviendra pas de sitôt. (La Statue)
L’année suivante Chambelland publiera son premier recueil Le Silenciaire
Tant de journées sur cette planète où les villes sont mortes,
« Vois : j’ai posé sur le papier un point d’encre très noire ; ce
où la ronce graine entre les pavés, m’auront donc fait le
feu sombre est l’eau même de la nuit ; un silence d’étoiles
visage d’un qui demeure toujours sur le point de s’éveiller,
échevelées.
mais quelque chose le lui interdit ; il y a si longtemps
Il suffit de peu de choses, presque rien ; une syllable une
(Mémoire)
consonne et je deviens tempête : un geste de l’arbre, et
Dans un texte écrit en 1984 pour la revue Grandes largeurs et repris dans les Poésies complètes de Roger Kowalski, l’inimitable Yves Martin donne rendez-vous à cette ombre étrange dans un bistrot parisien. Occasion unique de voir se lever doucement le voile sur un poète qui s’est éloigné de nous en 1975 sans s’être trop soucié de laisser des traces de son passage.
cent racines me lient ». Six autres recueils suivront mais déjà il nous donnait « une idée de Kowalski tout jeunot, aristocratique et familier, virevoltant entre colombes et ramiers si nombreux chez lui venus ruisselants, régénérés des féeries symbolistes » pour reprendre Yves Martin. Chaque poème campera un décor et son climat, tourné vers un passé fait de veille où il faut goûter longuement l’hiver, la neige, le gel et le lecteur devra suivre un vol d’oies
« Je commande un tango. J’entends le garçon réprobateur
sauvages qui le mènera comme dans les pas du Grand
demander une bière grenadine. Partout la haine de la
Meaulnes. Des mots d’autrefois feront cette poésie que
poésie (...) Roger Kowalski est là. Visible pour moi seul.
viendront accompagner des archaïsmes. Phrases brèves,
Pas sûr. Nœud papillon (la légende), whisky spécialement
usage du point-virgule distilleront « des propositions aussi
ensoleillé aux sables du Rhône. On raconte qu’il sautait
lumineuses que des proverbes » comme l’écrit Pierre Perrin.
toutes les cases du Beaujolais sans en oublier une, qu’il
L’influence de Saint-John Perse est palpable à ses débuts et
descendait les collines de Lyon dans une luge hyper-
Yves Martin de dire que cette filiation aurait pu présenter
équipée, neige, herbe, songe, lenteur maximale. Le jour
à la longue le danger de figer sa poésie dans une sorte de
n’est pas le jour, la nuit pas vraiment la nuit, l’aube peut-
cérémonial, rituel ou messe immuable. Kowalski passera
être, l’indéfinissable, la lisière (...) Il me fait signe, signe bref.
alors à côté de toutes les recherches poétiques de son
Je le suis (...) Il me tourne le dos. Je m’approche. » Kowalski
époque, accomplissant le langage plutôt que le brisant
était donc né à Lyon, comme Yves Martin, père polonais et
et fera fuir les analystes. Il créera une œuvre troublante
mère allemande.
et trompeuse par son apparence souvent limpide à qui
Il fera de classiques études chez les Jésuites, suivra des
pourrait l’aborder de façon distraite car l’ellipse chez lui
cours d’art dramatique au Conservatoire, étudiera même le
est souvent la forme d’un désespoir. La mort rôde aussi,
chant et les aléas de l’Histoire l’enverront faire son service
d’un bout à l’autre de l’œuvre et la réponse du poète face
militaire en Algérie. Quelque temps, il enseignera les
à cette menace sera une sorte de grandeur. Ses poèmes
Lettres, vendant ensuite des filés de coton avant de devenir
plus ramassés que des cailloux, légers, deviendront des
régisseur d’immeubles. Nous étions en 1964, et Kowalski
prières récitées à voix basse dont l’altitude précèdera la
avait déjà fait une apparition dans le revue La licorne et
chute. « Essaie de dormir, tu n’entreras pas de bon gré
le numéro 12 du Pont de l’Epée, fief du découvreur, poète
dans les cavernes où pourrit la sagesse ; le hasard un
lui-même, Guy Chambelland, en 1960. « Pendant quinze
jour t’y conduira pourtant d’une ruineuse main ; ton âge
ans, je l’ai revu, à intervalles irréguliers, goûtant avec
répondra par un cri de dégoût. » Haut-poète, Kowalski n’est
lui l’humour, la distance et, je pense une amitié comme
cependant pas hautain et chez lui les oiseaux, les insectes, les arbres sont vrais et à portée de main, ils vivent. Nous
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marchons souvent entre contes de fées, rêves éveillés, tendres et cruels, en des poèmes en prose proches de Nerval ou d’Aloysius Bertrand. François Montmaneix qui l’a bien connu à Lyon fait ce portrait de Kowalski, « vivant d’une stature peu commune. Une curieuse espèce d’oiseau de nuit à qui l'aube et le plein jour ne faisaient pas peur non plus. Dormant peu, connaissant tous les bons coins où, devant une enfilade de verres remplis (et vidés) (...) il tenait ses assises au milieu d’un incomparable amoncellement de revues et journaux littéraires, de livres en cours de lecture et soigneusement annotés, de véritables fagots de plusieurs pipes avec chacune son paquet de l’un de ces tabacs fins dont il était grand expert et fumeur assidu, de cendriers toujours débordant des cigarettes qui lui cramaient le cœur. » Il restait cependant toujours aux aguets, à l’écoute d’un monde dont rien ne lui échappait et qui pouvait soudain faire jaillir les images d’un nouveau poème. L’accompagnaient des liasses de très beau papier sur lesquelles il notait alors ses rêveries, ses observations qui dans le secret de la nuit donneraient naissance à ses poèmes... Et aux premières lueurs du jour, il sortait de chez lui « prendre l’air » et déambuler vers de nouvelles découvertes, « hôte discret » ou « hobereau de la rêverie » dont l’œuvre « n’a pas eu sa chance », dixit Yves Martin « Nul ici parmi les feux du serpent ; nul ni rien ; la porte est close. / Nulle retraite ; je ne sais nulle pierre creuse où vous cacher, vieux profils ; / Peut-être convient-il à grands cris de fuir ; » Je sors, le mince recueil de Kowalski à la main. Ce que je quitte, est-ce un café ? Le trottoir n’est déjà plus tellement solide. Peut-être le grand départ ? Une répétition ? Je ressasse jusqu’à en avoir mal aux dents « Je suis parti, mes os font un poids léger sur la neige. » Yves Martin et Roger Kowalski ne s’étaient jamais rencontrés. Le 6 septembre 1975, Kowalski nous quittait, à l’âge de 41 ans des suites d’une opération cardiaque et sans doute emporté par ce whisky des sables du Rhône et ses tabacs fins... - Roger Kowalski Poésies complètes, (le cherche midi éditeur) Paris, 2000 - Roger Kowalski Un sommeil différent (Orphée La Différence), choix de poèmes, Paris 1992
La Timide Qui frappe à la porte et j’attends ? C’est toujours ainsi que commence la nuit ; par quelques coups donnés au vantail et j’attends. Soyez en paix, ma fragile, soyez en paix car j’agonise il n’est plus temps. Un vent de Février gronde sur les terrasses et le nocturne parle doucement à l’oreille de la timide, à la bouche de la craintive, au sein de l’inquiète. Il parle et penche la tête comme un qui veut dormir. Parages de la nuit Nous vous écrivons d’un autre règne, nous vous mandons les nouvelles d’un vieil empire et d’un gibier qui s’attardait sous la lucarne. A notre bouche un discours élevait les fastes auxquels nous étions l’étrangers ; un dieu s’irritait en nos vocables, un dieu criait - nous étions au commencement, nous fûmes au futur -
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影子裡的詩人：羅歇．科瓦爾斯基
這
個夜晚，他在一個冰冷的大理石雕像的膝上睡着了。
冬日、白雪、冰凍，讀者將隨着大雁南飛，沿着大摩爾納的足
他神色茫然。這雕像的巨大令他感到吃驚。在俯視着
跡走去。回憶的字詞成就了詩歌，並漫溢出古老的況味。正如
他的臉上，他作了一次神遊，一時未能還神過來。
皮埃爾．佩蘭 (Pierre Perrin) 所言，簡短的句子，分號的運用，
〔《雕像》(La Statue)〕 在這個星球上，城市死亡，荊棘在馬路之間抽穗。在這個星球 渡過的日日夜夜，為我呈現一個總是欲醒未醒的人的面容，這 是很久以前的事了。－〔《回憶》(Mémoire)〕
釀製出「和格言一樣清晰明亮的句子」。他早期的作品受聖 瓊．佩斯 (Saint-John Perse) 的影響明顯可見。伊夫．馬丁說， 這種相互關係久而久之，會有僵化的危險，令其詩歌成為一種 禮儀式的或一層不變的彌撒曲。科瓦爾斯基探討了他時代的一 切詩歌，他沒有打破、而是建立了自己的詩歌語言，並令評論
在1984年發表於《Grandes largeurs》雜誌並重新收入《羅歇．
家們退避三舍。對於隨意閱讀他作品的人，他創作了一種外表
科瓦爾斯基詩歌全集》的一篇文章裡，無與倫比的伊夫．馬丁
清澈，困擾、迷惑人的詩歌，簡略對他而言常是失望的一種形
(Yves Martin) 和這個奇異的影子相約於巴黎的一間咖啡館。這是
式。在他的作品中，自始至終都可見死亡的影子，面對這種威
悄悄地揭開籠罩在這位1975年離我們遠去的詩人的絕好機會，
脅，他報以最大的勇氣。他的比石子更加輕巧的詩歌變成低聲
他不太在乎為世人留下甚麼足跡。
重複的祈禱，昇騰而起，驟然墜下。「試着睡去，你不是心甘
「我叫了一杯石榴果汁啤酒。我聽見牢騷 滿腹的侍者喊叫着 要這杯啤酒。到處是對詩歌的怨恨…… 羅歇．科瓦爾斯基就 在那。只我一人認出他。不太肯定。蝴蝶領結，羅訥河沙灘上 特有的陽光下的威士忌。傳說他從不錯過品嚐各種口味的博若 萊葡萄酒。他駕着設備齊全的雪撬從里昂的山丘緩緩而下， 白雪、草叢、夢幻……。白天非白天，夜晚非夜晚，也許是
情願地進入那智慧在其中腐爛的洞穴；然而有一天，一隻顫抖 的手將你帶入其中，你報以一聲厭惡的呼叫。」科瓦爾斯基雖 然是一位傑出的詩人，然而並不高傲，在他的詩歌裡，活生生 的鳥兒昆蟲，花草樹木隨處可見。我們閱讀着他接近奈瓦爾 (Nerval) 或 Aloysius Bertrand 的散文詩，彷彿漫步在童話世界 裡，半睡半醒，是夢非夢，既溫馨又殘酷。
黎明，難下定義，模糊不清…… 他向我微微點頭。我跟隨着
François Montmaneix 生活在里昂，非常熟悉科瓦爾斯基，他是
他…… 他轉過身去。我走近他。」科瓦爾斯基和伊夫．馬丁一
這樣描寫他的：「他身材魁梧，生氣勃勃，是黑夜中一種奇異
樣，出生於里昂，父親是波蘭人，母親為德國人。
的鳥，黎明和白天都不會令其生畏。他睡得不多，熟悉各種好
他在耶穌會研習古典文學，於音樂學院攻讀戲劇後同時還研究 歌曲。命運把他帶到阿爾及利亞服兵役。他曾執教鞭，教過 一段時間的文學課。接着是販賣棉紗，從成為大廈管理人。
去處。在一列斟滿美酒的杯 (或空酒杯) 前，他端坐在那堆積如 山的報刊雜誌和正在閱讀、佈滿他悉心旁註的書籍中。那一紮 紮的煙斗，每個都配有名貴的煙草，他是煙草鑑賞家和不知疲
我們來到了1964年，科瓦爾斯基已經在《獨角獸》雜誌 (La
倦的煙民。煙灰缸裡總是載着把他的心臟燒焦的香煙。」
Licorne) 發表文章，而1960年，同為詩人的居伊．尚貝蘭 (Guy
他總是窺伺着週圍，傾聽着這個世界，一切都逃不過他的眼
Chambelland) 在被喻為發現者的天地的雜誌《Pont de l’épée》
光。這世界啟發他剎那間創作出嶄新迷人的詩篇。他手邊常有
第十二期上這樣寫道：「十五年來，我時不時見到他，和他一
一扎扎優質的紙張，他在上面寫下他的夢想、觀察，夜深人靜
起品嚐幽默、暌違。我想這是一種隱密的友誼，直到深宵才能
時，孕育出的新的詩篇…… 晨光熹微時分，他走出門外「呼
敞懷，無拘無束……」
吸新鮮空氣」，踽踽獨行，去作新的探索。伊夫．馬丁說他是
翌年，尚貝蘭出版了他的第一部詩集《Le Silenciaire》。請看：
「謹慎的客人」或「夢幻的鄉紳」，其作品卻「命途多舛」。
我在紙上劃上濃濃的一個句號；這暗火是黑夜之水；是群星的
手上拿着一本薄薄的科瓦爾斯基的詩集，我走出了家門。我離
寂靜。
開的，是一杯咖啡嗎？人行道不再如此結實。是出門遠行？是
只需要一點東西，甚至甚麼都不需要；一個音節、一個輔音， 我即變成一場暴風雨：樹木的一動，我便被千百條樹根纏住。
一場綵排嗎？我反覆重複着直到牙齒都痛起來。 「我走了，我的骸骨輕輕地壓在雪地上。」
他接着發表了六部詩集。伊夫．馬丁說，他給了我們「一個年
伊夫．馬丁和羅歇．科瓦爾斯基從未謀面。1975年9月6日，
輕、高貴、親切的科瓦爾斯基思想，這思想在充滿他作品的濕
在做完一次心臟手術後，科瓦爾斯基以41歲英年離我們而去，
淋淋的、為象徵的奇幻境界所催生的家鴿和野鴿之間迴轉。」
也許是羅訥河沙灘上的威士忌和那名貴的煙草奪去了他的生
每首詩描繪一個境界及其氣氛，轉向曩時的一個夜晚，漫漫的
命……
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選擇專欄
Sélection
Arts visuels : Wilson Shieh « One Body, Two Souls: The Hong Kong Story » 視覺藝術：石家豪的「香港 故事之一魂兩魄」
Foire : Art Central 中環藝術展 21-26/3/2016
Troc Livres et DVD français 交換舊法文書及DVD
Une exposition individuelle de figures humaines au pinceau chinois très fin et aux couleurs translucides de Wilson Shieh, toujours en quête de l’Identité de l’homme moderne.
20/2/2016 – 1:3- 4 :30 pm - AF Médiathèque , 1/F, 52 Jordan Road, Kowloon Venez échanger librement vos livres et DVD français que vous avez lus ou vus et renouvelez gratuitement votre bibliothèque avec d’autres lecteurs.
這是石家豪的個展，展出他以毛筆繪畫 的人物畫，筆法非常細膩，色彩明亮， 石家豪透過他的作品尋找現代人的身
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1–27/2/2016 - Grotto Fine Art Ltd, 2/F, 31C-D Wyndham Street, Central, HK
份。
Arts visuels : Duilian with Wu Tsang 視覺藝術： 曾吳的《對聯/對練》 12/3-15/5/2016 - Spring Wworkshop, 3/F, 42, wong Chuk Hang Rd, Aberdeen, HK Christina Li présente à Spring Workshop une installation multi media passionante autour d’un nouveau film de la réalisatrice Wu Tsang, basé sur la vie de la poétesse révolutionnaire Qiu Jin (1875-1907) qui mourut décapitée par le gouvernement des Qing et sa relation avec son amie calligraphe et intellectuelle féministe Wu Zhiying(1867-1936), résultat de 10 ans de recherche pour cette artiste basée à Los Angeles. Spring 工作室介紹一個多媒體裝置作 品展，這作品以定居於紐約的女導演曾 吳的新片為創作基礎，影片以被滿清政 府斬頭而亡的中國革命家暨詩人秋瑾 (1875-1907) 與她的書法家友人吳芝瑛 (1867-1936) 的生平研究為創作基礎。
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Histoire : Braving the storm, Hong Kong under Japanese Occupation 歷史 : 同禦鐵蹄 ─ 香港的抗戰歲月 22/1-29/6/2016 - HK Museum of Coastal Defence ,175 Tung Hei Rd, Shau Kei Wan Durant la Seconde Guerre mondiale, après l’invasion japonaise en Chine, Hong Kong sert de de refuge et de base de résistance à un grand nombre d’intellectuels, écrivains, journalistes, cinéastes chinois qui viennent y continuer leur résistance contre le Japon, ceci avant que Hong Kong ne tombe à son tour aux mains des Japonais en aout 1941 et l’occupent jusqu’en 1945. L’exposition retrace cette période difficile de la vie hongkongaise et le rôle que la cité joua dans la résistance contre le Japon. 第二次世界大戰期間，日本侵華，由1941年到 1945年日軍佔領香港前，香港成為了逃難的人 和抗日救國的大本營。不少政界名人、作家、 藝術家、漫畫家、記者、電影工作者紛紛南下 香港。是次展覽重現當日香港人的艱辛歲月以 及香港作為抗戰宣傳中心的地位舉足輕重。
Petite sœur plus populaire et moins snob que Art Basel, Art Central rassemble plus de 100 galeries sous des tentes près du Ferry Pier. C’est une version plus décontractée de foire artistique, meilleur marché, avec restaurant et buvettes qui présente cependant des œuvres de qualité et attire beaucoup de monde. 在天星碼頭旁邊的帳篷中舉辦的中環藝 術展共有約100間畫廊參展，是一個價錢 較大眾化和隨興的藝術展，雖然如此， 但展出的作品仍然很有水準，展場也有 提供餐飲的地方，因此吸引了大量的參 觀者。
Foire : Art Basel 巴塞爾藝術展 24-26/3/2016 - Hong Kong Convention Centre , Wanchai Cette année 239 galeries venant de tous les pays, dont 28 pour la première fois, pésenteront aux collectionneurs et marchands d’art des travaux allant du début du 20e siècle à aujourd’hui avec un fort accent sur la production asiatique. S’y ajoutent beaucoup d’evénements avec les espaces artistiques et galeries de Hong Kong. Le Japonais Tatsuo Miyajima animera les façades de la tour de l’ICC d’une installation lumineuse. 今年參展的239家藝廊來自世界各國，當 中的28間是首次參展，他們著重向收藏 家及畫商介紹由二十世紀初葉至現今的 一些亞洲創作的作品。今年在不同的藝 術空間和香港藝廊中增加了很多活動。 在 ICC 的外牆上可以欣賞到日籍藝術家 Tatsuo Miyajima 的一個光影裝置作品。
Cinéma : Pier Paolo Pasolini (1922-1975) 電影：柏索里尼 February 2016, cinefan.com.hk L’occasion de revoir ou découvrir des chefs d’œuvre souvent incendiaires du maitre italien comme Théorème, le Decameron, Œdipe roi, Les contes de Canterbury ou les Mille et une nuits . 這是一個欣賞意大利電影大師柏索里尼 的一些經典作品如《十日譚》、《伊 底帕斯王》、《坎特伯雷故事集》或 《一千零一夜》的好機會。
Multi-média : Cedric Maridet « Fragments of Future Histories » 多媒體： 「未來歷史的碎片」 5/3-23/4/2016 - Blindspot Gallery, 28 Wong Chuk Hang Rd, Wong Chuk Hang, Aberdeen Une collection de vidéos, objets, installations, photographies et sculptures rattachées aux travaux de l’artiste français Cedric Maridet au cercle arctique ou dans les mines russes abandonnées de Pyramida dans l’archipel de Svalbard, terrains de recherche de l’artiste et des connexions entre l’homme et son environnement. 《未來歷史的碎片》是一個集合錄像、 物件、裝置、攝影及雕塑的展覽，具體 地呈現 Cédric Maridet 由文學、科學或歷 史所啟發而大量地進行實地考察和研究 的創作手法。是次展覽探問人與探索環 境活動之間的聯繫和感應。
香港國際電影節
Hong Kong International Film Festival
Le Hong Kong International Film Festival fête son e 40 anniversaire ! 香港國際電影節四十週年誌慶
Texte : Gérard Henry 敖樹克 撰文
L
e festival a commencé en 1977 avec environ 30 films venant d’une quinzaine de pays et régions, il ouvrit le 27 juin 77 avec le film l’An Un, en hommage à Roberto Rossellini, décédé trois semaines auparavant à Rome et clôtura sur A Touch of Zen de King Hu, il comportait quatre films français, deux par Truffaut, l’idole des cinéphiles hongkongais, grâce à Ada Loke, amie de Truffaut qu’elle introduisit à Hong Kong et membre du comité d’organisation du festival, ainsi qu’un film d’Agnès Varda et de Jean Eustache, qui se déplacèrent à Hong Kong.
Cette année est aussi le 25e anniversaire de Jet Tone Films limited (Jet Tone) créé par le réalisateur hongkongais Wong Kar Wai en 1991, qui amena à Cannes des chefs-d’œuvre comme Happy Together, In the Mood for Love, 2046, et aux Berlinades The Grandmaster. Certains de ces films seront projetés dans le festival suivis par une master class de Wong Kar Wai et d’une publication sur Jet Tone avec de rares photos et interviews.
Louis Koo Tin-lok
L’acteur Louis Koo Tin-lok sera l’ambassadeur du Festival pour la 3e année consécutive et le graphiste Wong San Mun a créé le logo du 40 e anniversaire avec un triangle et un cercle représentant 4 et 0 mais pouvant se lire aussi comme Play et Record sur une caméra vidéo.
第
一屆香港國際電影節於1977年6月27日正式創立。選映了叫來自十五個國家或地區 的三十七部電影，更為了向僅於電影節開幕前三星期逝世的義大利電影大師羅西里 尼 (Roberto Rossellini) 致敬，特別以他的影片《義大利：共和國元年》(L’an un) 作
為開幕電影，而閉幕電影則是胡金銓的《俠女》。當年共展映了四部法國電影，其中兩部是 杜魯福 (Truffaut) 的影片。當年，杜魯福是影迷的偶像，他是影評人陸離介紹給香港觀眾認識 的，陸離是杜魯福的朋友，亦是電影節的籌委會成員之一。另外的兩部電影分別是導演艾麗 絲華妲 (Agnès Varda) 和 Jean Eustache 的新作，後者更親自來港介紹他的電影。 Wong San Man
今年同時是王家衛於1991年成立的澤東電影有限公司的二十五週年誌慶。王家衛的多部經典 電影曾在康城電影節中大放異彩，如《春光乍洩》、《花樣年華》、《2046》，或柏林電影 節的開幕電影《一代宗師》。今年的香港國際電影節將以「花樣的年華 澤東25」專題，推出 回顧放映節目、公開講座及出版精美特刊。 演員古天樂連續三年出任香港國際電影節大使，而平面設計師黄新滿為第四十屆電影節作主 題設計，當中4和0以一個三角形和一個圓形構成，這種純粹的原型除了表達40外，也可以是 ▲PLAY 和 ●RECORD，也可以是一部攝影機或是電影水銀燈。
Logo du 40e HKIFF
Il est encore à ce stade trop tôt pour vous donner plus de détails : Hong Kong International Film Festival 21 march-4 April 2016 www.hkiff.org.hk
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閱讀樂
Cinéma documentaire en Chine continentale et à Hong Kong
Lecture
Texte : Gérard Henry 敖樹克 撰文
Pratiques indépendantes du documentaire en Chine Histoires, esthétiques et discours visuels (1990-2010) de Judith Pernin Presses universitaires de Rennes, en français, 281 pages sans illustration, disponible sur Amazon Si les films de Jia Zhangke ou Wang Bing sont aujourd’hui familiers des cinéphiles, l’apparition des documentaires indépendants dans la Chine du début des années 1990 avait de quoi surprendre. Pour la première fois émancipés des institutions de production et de distribution officielles, les réalisateurs indépendants ont effectué une rupture à la fois conceptuelle, esthétique et structurelle dans l’histoire du cinéma chinois. Si les réalisateurs indépendants se servent de méthodes fondamentalement opposées à celles, didactiques et autoritaires, du documentaire officiel de propagande antérieur aux années 1980, ils assimilent dans le même temps les derniers développements de l’histoire mondiale de cette forme, et ceux des transformations du milieu artistique dont ils sont issus. De la cinéphilie de piratage aux festivals non officiels, les indépendants ont bâti en l’espace de deux décennies, non seulement un corpus de films conséquent, mais aussi des espaces et des modes de partage du cinéma qui réunissent à la fois des acteurs de l’art contemporain et de l’activisme. En examinant les pratiques de ces cinéastes, cet ouvrage révèle la diversité des styles au sein de ce mouvement qui promeut une esthétique fondée sur l’enregistrement de l'expérience subjective et la mise en scène de l’émotion. Cet ouvrage de fond indispensable à tous ceux qui s’intéressent au documentaire chinois est le fruit de la thèse d’une jeune chercheuse française, Judith Pernin, qui fut rattachée au Centre de recherche sur la Chine contemporaine à Hong Kong et qui a rencontré et interviewé un grand nombre de jeunes réalisateurs chinois en chine et à Hong Kong.
Hong Kong Documentary film de Ian Aitken et Michael Ingham Edinbourg University Press, 237 pages sans illustration disponible sur Amazon Ian Aitken, professeur au HK Baptist University Academy of Film et Michael Ingham, associate professeur au department of English de Lingnan University se sont plongés dans le film documentaire hongkongais et ont découvert dans les archives une riche tradition cinématographique remontant aux années 1880 ,beaucoup réalisés par le unités du pouvoir colonial, ils les ont classés et analysés par époques et réalisé un riche panorama de cette production en relation avec l’histoire de Hong Kong. Ils ont aussi étudié la production indépendante plus contemporaine comme les documentaires de Tammy cheung et d’Evans chan.
Sprint Term 2016 9 April ~ 23 June 2016 General French courses for Adults : 3 different paces - Standard: 30 hrs / Intensive: 60 hrs / Super intensive: 90 hrs Children (ages 4-5, ages 6-7, ages 8-10) & Teenagers (ages 11-16)
Enrollment: from 1st March 2016 onwards
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