Paroles 263

Alliance Française de Hong Kong | Novembre / Décembre 2021 | No. 263

Le French Cinepanorama fête sa 50e édition 香港法國電影節邁向第五十屆

Freddie Wong et le Film Noir 黃國兆與黑色電影

Dans les coulisses de l'opéra cantonais 細數粵劇台前幕後

Novembre / Décembre 2021 No. 263

Emma Mackey et Romain Duris dans Eiffel de Martin Bourboulon © 2021 VVZ Production

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Retour sur...

FRENCH CINEPANORAMA 香港法國電影節

Le French Cinepanorama fête sa 50e édition

香港法國電 影節邁向第五十屆

Par Jean-Sébastien Attié

8 ACTUALITÉ 時事實況

Le « Film Noir », une invention française ?

黑色電 影來自法國？

Par Freddie Wong

11 PORTRAIT 人物誌

Freddie Wong, le cinéma comme passion et comme partage

13 JUIN

黃國兆—— 熱愛電 影，分享電 影

Make Music, Hong Kong!, 2021

Par Hugo Petit

14 ACTUALITÉ 時事實況

« CinéMode par Jean-Paul Gaultier » à la Cinémathèque française

法國電 影資 料館呈 獻「Jean-Paul Gaultier 電 影時尚展」

Par Jean-Sébastien Attié

16 ACTUALITÉ 時事實況

Un tour de France du patrimoine culturel en images 法國文化古跡平面巡 遊

17 ACTUALITÉ 時事實況

JUIN, JUILLET ET AOÛT Visites des expositions « Mythologies: Surrealism and Beyond » et « Colours of Congo »

Rencontre avec Marie Yan, dramaturge franco-hongkongaise

港法 劇作家 甄 彩 菱專訪

Par Hugo Petit

20 DOSSIER 專題檔案

Dans les coulisses de l’opéra cantonais

細數粵劇台前幕 後

Par Karine Yoakim Pasquier, en partenariat avec Le Petit Journal Hong Kong

24 POÉSIE 詩詞

Baudelaire et ses Fleurs du Mal, hymnes du beau bizarre

波德 萊爾與《惡 之華》，美 麗 怪 胎之詩

Par Matthieu Motte 27 LE COIN DES LECTEURS 讀者區

23 AOÛT Atelier « Le Parfum de Paris » avec x.Gyroscope

Les Outre-mer

Par Hugo Petit

29 LANGUE FRANÇAISE 法語

Retour sur l’été & Deuxième édition du BELC

回到夏日及 網上教師培訓——第二 屆 BELC

Par Jean-Baptiste Larramendy, David Cordina, Diane-Sophie Trevoux

31

LANGUE FRANÇAISE 法語

Du côté des étudiants

32 ART DE VIVRE 生活的藝術

28 OCTOBRE

Le parfum français et son histoire

法國香水與 歷 史

Par Belle Lee Pui Yee

Rencontre avec Antonin Atger, auteur d’Interfeel

PUBLIÉ PAR l'Alliance Française de Hong Kong

DIRECTEUR DE LA PUBLICATION Jean-Sébastien Attié RÉDACTEUR EN CHEF Hugo Petit

ADMINISTRATION ET RÉDACTION

MAQUETTE

123 Hennessy Road, Wanchai, HK Tél : 25 27 78 25 e-mail : hpetit@afhongkong.org website : afhongkong.org

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french cinepanorama

Le French Cinepanorama fête sa 50e édition ! 香港法國電影節 邁向第五十屆 Texte 文: Jean-Sébastien Attié

香 港 法國電影節

La sélection de la 50e édition du Hong Kong French Film Festival s’est déroulée dans une incertitude constante mais confiante, si l’on ose écrire : celle des dates de sortie des œuvres contemporaines, et celle de la disponibilité sur des formats numérisés actuels des œuvres passées.

Car plonger dans plus de 50 ans de cinéma conduit à redécouvrir des films magnifiques mais avec la frustration de ne pouvoir disposer de fichiers numériques et/ou de sous-titres au minimum anglais.

La crise sanitaire a également eu pour effet de geler à la fois les projets de tournage et les sorties en salles. En France, qui

obéit toujours à une chronologie des médias bousculée par l’impatience ou l’empressement d’un public biberonné aux séries et toujours plus insatiable, l’inconnue d’une sortie possible en salles impose aux distributeurs de conserver les films dans les tuyaux, en attendant des jours meilleurs. Elle conduit aussi les producteurs à trouver une issue facile en confiant leurs œuvres aux plateformes digitales. De fossoyeuses supposées du septième art, elles trouvent ici un rôle inespéré de chevalier blanc du cinéma français !

Forte de ces contraintes, l’équipe du Festival a pu mener durant les six derniers mois un travail titanesque – le terme est choisi à bon escient cannois – pour constituer la sélection la plus riche de de ce demi-siècle d’existence. Entre envies, promesses, reports, acquisitions des plateformes, nous avons néanmoins réussi à sélectionner plus de 25 œuvres de 2020 et 2021 et près d'une trentaine de films pour notre rétrospective, pour présenter au final plus de films que jamais, dans un feu d’artifice artistique et cinématographique. Nous espérons donc que le public hongkongais justifiera par son affluence un tel effort.

Le cinéma est plus que jamais miroir de son temps et des préoccupations actuelles, ainsi qu’une fenêtre sur la réalité, rêvée ou concrète : en témoignent les nombreux films dont les personnages sont affublés de masques chirurgicaux ! Mais aussi et surtout les thèmes couverts et récurrents, avec entre autres le climat, la solitude, la mort, le destin, la place de l’humain dans la société. Et aussi, beaucoup de films loufoques, drôles et acerbes, illustrations s’il en est de l’absurdité de l’existence dans un monde en proie aux flammes.

Nous en livrons les grands axes en exclusivité pour Paroles.

Titane de Julia Ducournau

A. HONG KONG PREMIERE & EXCLUSIVE Nous avons donc jeté notre dévolu sur plus de 20 films de 2021 qui sont programmés en exclusivité à Hong Kong : l’équilibre a été recherché entre drames, comédies, films familiaux, Art-etEssai.

Une place a été laissée à de jeunes réalisateurs et réalisatrices – chaque année plus nombreuses, démontrant ainsi une véritable mue de cette industrie. En témoignent la Palme d’Or de 2021 Titane de Julia Ducournau, en ouverture de notre édition présentée en Séance de soir, ou encore Aline ! Ces films réalisés par des femmes représentent presque 50 % de cette sélection, et n’ont bien sûr pas été choisis sur ce critère mais parce qu’ils sont bons et nous ont séduits. Simplement, le monde du cinéma réussit peu à peu à laisser une place et des opportunités égales aux femmes, ce qui se retrouve dans les sélections en festival.

Nous nous réjouissons également de la distribution et de la sortie à Hong Kong de plusieurs films français cette année, pourtant si difficile pour tout le secteur. Que les distributeurs hongkongais soient ici remerciés.

Enfin, l’ouverture du festival se réalisera en fanfare avec le très attendu Eiffel, de Martin Bourboulon, avec Romain Duris dans le rôle-titre, accompagné de la révélation franco-britannique de la série Sex Education, Emma Mackey.

Absurde, humour et crises de nerfs L’absurde ainsi que des personnages au bout du rouleau est l’une des tendances de notre sélection, déjà très présente dans la pléthore de films visionnés pour notre choix.

Signe de l’époque, cette remise en cause personnelle et sociale,

Rien à foutre d'Emmanuel Marre et Julie Lecoustre

voire politique, se retrouve dans nombre de films qui ont été tournés durant la crise sanitaire : confinements, angoisse, peurs.

L’absurde est un exutoire et le cinéma un révélateur, comme toujours, de notre époque.

Que ce soit dans la sélection annuelle comme dans la rétrospective, l’humour et la dérision sont toujours présents.

Outre la joie de pouvoir présenter des grands succès de 2021 comme Kaamelott : Premier volet, nous avons préparé une sélection « absurde » de grande qualité. De Barbaque, avec ce couple de bouchers obsédés par les végans, au surréaliste Zaï Zaï Zaï Zaï de François Desagnat, en passant par l’odyssée décalée de Tralala des frères Larrieu, film musical superbe et original sur des musiques composées par Bertrand Belin, nous voyageons dans un cinéma critique et lucide de notre époque, en passant par le rire et la dérision.

Des caractères dans la tourmente Les portraits de femmes comme d’hommes sont aussi saisissants : Cette Musique ne joue pour personne, Un Autre Monde, Rose, Rien à foutre, Une jeune fille qui va bien, autant de grands moments d’émotion et de cinéma, portés par des comédiens et comédiennes exceptionnels. On aura un plaisir particulier à retrouver Françoise Fabian (87 ans) qui campe une femme de 78 ans en pleine renaissance, ou Adèle Exarchopoulos qui continue une carrière audacieuse et suit aussi de jeunes réalisateurs. La relève est assurée avec une brochette de jeunes comédiens tels que Rebecca Marder, Anthony Bajon, Lyna Khoudri.

Cette musique ne joue pour personne de Samuel Benchetrit

B. UNE RÉTROSPECTIVE EXCEPTIONNELLE POUR LA 50 E ÉDITION Le choix de près de 30 films, parmi les milliers sortis en 50 ans ou présents parmi nos sélections, a été une gageure. Et parfois un crève-cœur puisqu’il nous a fallu réduire la liste et sacrifier quelques pépites et chefs-d’œuvre.

Nous avons donc privilégié quelques axes : – Faire plaisir : retrouver une série de grands succès intemporels – des films populaires et divertissants – pour la famille et les amis avec Intouchables, La Boum, Le Dîner de cons, Les Visiteurs, Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre...

– Être exigeant : redonner un écrin pour des chefs-d’œuvre incontournables et marquants du cinéma français. Tchao Pantin, Nous ne vieillirons pas ensemble, Van Gogh, Cyrano de Bergerac, Le Dernier Métro.

- Redécouvrir des films rarement ou jamais montrés en salles à Hong Kong : La Maman et la putain, Loulou, La Folie des grandeurs...

De même, le partenariat scellé avec le Jewish Film Festival de Hong Kong se renforce cette année et nous avons co-sélectionné deux films splendides et forts : Rose et Une jeune fille qui va bien, qui se font écho, l’un sur une vieille femme qui se redécouvre, l’autre sur une très jeune femme que le destin et l’époque empêchent de réaliser ses rêves. Deux films magnifiques.

Nous avons également repris le poignant Au revoir les enfants de Louis Malle qui sera présenté lors d’une séance spéciale ainsi qu’au LFI pour les élèves de l’établissement.

C. CINEMA FOR THE CLIMATE Repris du dernier Festival de Cannes, ce format met en valeur le climat qui est la grande préoccupation de ce début de siècle.

Et pour cause. Il mobilise largement les artistes, dont les plus grands noms s’associent à des productions de plus en plus abouties et variées.

De Bigger than Us de Flore Vasseur produit par Marion Cotillard, artiste très engagée dans cette cause, au Animal de Cyril Dion (Demain), en passant par Legacy de Yann Arthus-Bertrand ou Marcher sur l’eau d’Aïssa Maïga, la sélection est particulièrement riche.

D’autant que le Festival s’associe aujourd’hui à Greenpeace qui fête également ses 50 ans − l’association est en effet née en 1971 à Vancouver ! L’occasion de partager un message fort et de réaliser une campagne de sensibilisation. Plusieurs rencontres et débats sont organisés dans le cadre de notre programmation.

Plus de 50 ans de Festival Si l’Alliance Française de Hong Kong a porté dès sa création un ADN de cinéma − la première programmation fut celle des Vacances de Monsieur Hulot (Jacques Tati, 1953) au Queen’s Theatre en novembre 1953, ce n’est qu’au début des années 70 que le rythme annuel et la forme régulière du Festival furent mis en place.

C’est aussi autour de cette époque que l’Alliance Française connut une croissance très soutenue, alors même que la Nouvelle Vague donnait à la France une visibilité accrue auprès de tous les amoureux du cinéma de par le monde.

Animal de Cyril Dion

Le Festival de l’Alliance Française fut organisé exclusivement pendant une trentaine d’années dans des salles publiques, du Science Museum au City Hall, sur un format de quatre ou cinq jours. Le festival proposait entre huit et douze films par an. Les plus jeunes d’entre nous ne réalisent pas la matérialisation des films avant l’ère du digital : les bobines de 35mm ou de 16mm qui nécessitaient une logistique très particulière, des moyens de transport beaucoup plus lents ou rares, et peu de salles équipées des meilleures techniques. Une autre époque !

Peu à peu, et avec une certaine libéralisation des voyages intercontinentaux, de plus en plus d’artistes purent participer au festival, en particulier à partir des années 80 : Philippe de Broca, Pierre Richard, Thierry Lhermitte, Jean-Pierre Cassel, Jean Carmet, pour ne citer que ces quelques noms, firent l’honneur de participer à notre événement.

Sur les 20 dernières années, bien sûr, à l’exception notable de 2020 et 2021, chaque année a permis d’accueillir un ou plusieurs talents : Léos Carax, Gaspard Ulliel, Benoît Jacquot, Cédric Klapisch, Michel Hazanavicius, Ana Girardot, Pierre Salvadori, Pierre-François Martin-Laval pour ne citer que quelques-uns.

Le Festival a également pu mettre en place toute une série de programmes de formation et organiser des rencontres avec le Lycée français, des universités, des écoles de cinéma, des projections dans des lieux extérieurs comme dans des écoles locales. Ces programmes sont importants dans la mesure où ils font découvrir notre cinéma à des publics qui y sont assez peu exposés.

En 1993, le Festival a été récompensé par le Montblanc de la culture Award, décerné par Sir Run Run Shaw.

Le Festival a été soutenu pendant ces 50 années par de nombreux sponsors parmi les entreprises installées à Hong kong : Banque Transatlantique, TV5 Monde, HK Tramways actuellement, Mazars, Air France, Dragages, Crédit Agricole, Groupama, GAN, Amundi, Société Générale, BNP Paribas, Quam, Global Alliance Partners, agnès b, entre autres. Tous ont contribué à un moment ou un autre au développement, au succès et à l’ancrage du Festival à Hong Kong. Qu’ils en soient ici encore remerciés, la gratitude est, elle aussi, éternelle !

影的熣燦火焰，繼 續熊熊燃燒。因此，我們希望得到香港影迷的支 持。你們能夠親身入場欣賞，就是對我們最好的回饋。 電影是其時代以及當時焦點問題的最佳寫照，又是透視現實、夢想或 具體情況的窗戶，如今這種作用更是突出，例如，現在許多戲裏角色 都戴着外科口罩！然而，在所涵蓋的主題之中，最重要而又反複出現 的，還是氣候、孤獨、死亡、命運、人類在社會中的位置等等。此外， 還有許多古怪、有趣、尖銳的電影，刻畫出紛亂不休的世代裏，種種 光怪陸離的片段。 我們特別會為《東西譚》讀者簡介今次電影節的安排框架。

Nous ne vieillirons pas ensemble de Maurice Pialat

A. 香港首映及獨家環節 首先要特別介紹的是，我們所挑選的二十多部只為香港而設的 2021 年 作品，包括劇情片、喜劇片、家庭片、驚悚片、藝術片，各類的比例相當。

Ana Girardot et Cédric Klapisch à Hong Kong, 2017

第五十屆香港法國電影節在選片過程中雖然 一直未能確定片源，幸好情況最後仍在掌握之 中；問題主要在於現今作品發行日期不明，而舊 有作品現時又未必有數碼格式可提供。 超過五十年的電影長河中不乏鉅作，可惜並非所有作品都有數碼檔案 及/或英文（先不論其他語言）字幕。 另一方面，疫症大流行又令新作的攝製及上映進度停滯不前。在法 國，電影的出爐一向要視乎觀眾。片商看到觀眾對連續劇感到煩厭或 急不及待欣賞新片（觀眾的慾望是無底深潭），就會加快推出新片上 畫。由於發行商亦不能掌握確實上映日期，所以會先行將作品收起， 留待最佳時機。這個問題亦引致製片商最後捨難以易，將作品交予數 碼平台播放。有人認為數碼平台是電影市場的掘墓人，但他們今次的 確為法國電影解決了燃眉之急！ 雖然有以上諸多阻滯，但香港法國電影節團隊仍在過去六個月使出 「洪荒之力」，致力囊括半個世紀以來最精華的部分。我們背負着期 望與承諾，又經歷過延期及平台收購，終於選出近三十部 2020 年至 2021年的近期作品，以及二十多部懷舊作品，超過任何一屆，但願電

有見電 影 界裏 近年越 來 越多年青導 演冒起，我們亦 專門為他們預 留了名額，例如，由 Julia Ducournau 執導的 2021 年金棕櫚獎作品 《Titane》，將成為今屆電影節的開幕首映作品！另外還有《Aline 愛 的力量》﹗這些由女導演執導的作品幾乎佔了年青導演類別的一半；女 導演本身當然並非遴選標準，而是作品本身出色。簡單而言，電影界正 逐漸給予女性發揮空間和公平機會，從電影節的選片亦反映這一點。 我們亦樂見今年有幾部法國電影在香港發行及上映，在整個電影業界 都面對困難的時候，這一點實在殊不容易。在此感謝香港的發行商。 電影節的開幕電影將上映萬眾期待的《艾菲爾》（Eiffel），Mar tin B o u r b o u l o n 執 導，R o m a i n D u r i s 及 在《 性 愛 自 修 室 》（ S e x Education）擔演主角的英法混血女星Emma Mackey合演。 荒誕、幽默、神經衰弱 我們揀選作品的另外一個特色是荒誕的劇情以及角色（雖然在不少已 選作品中這項元素已是頻繁出現）。 電影是時代的印記，而在疫情期間拍攝的許多作品裏都刻畫了在封 鎖、焦慮、恐懼之下，對個人、社會甚至政治層面的疑問，但有一點不 變的是，荒誕是我們所處時代的出口，而電影的作用正是揭示荒誕。 不論在新片還是回顧片裏，幽默和嘲諷都是不可或缺的元素。除了放 映《卡美洛（第一部曲）》等 2021 年的大作之外，我們還準備了優質的 「荒誕」節目，包括《肉罷不能》（講述一對痴迷素食的屠夫夫妻）、 François Desagnat 的超現實電影《Zaï Zaï Zaï Zaï》，還有Larrieu兄 弟執導、以古怪旅程為主題的原創歌舞電影《Tralala》——讓觀眾在 Bertrand Belin 炮製的音樂伴奏之下旅遊，在歡笑與嘲笑之餘，感受 對我們處身的時代嚴厲又精準的批判。

紛亂裏的人物 不少入選作品裏有精采的男女角色描寫:《音柔硬漢》（Cette musique ne joue pour personne）、《另一個世界》（Un Autre Monde）、《露 絲》、《活在當下） （Rien à foutre）、《無憂的女孩》（Une jeune fille qui va bien），演員的情感細膩，演技出色。其中，Françoise Fabian （87歲）飾演的 78 歲老婦，簡直活靈活現；Adèle Exarchopoulos 則 為追求事業突破而勇往直，積極與年青導演合作。新一代的演員亦人 才輩出，例如Rebecca Marder、Anthony Bajon、Lyna Khoudri。

另一部講年輕女子為追尋夢想與命運和時間搏鬥，都是不可多得的 佳作。 我們又挑選了路易馬盧（Louis Malle）的淒美作品《童年再見》（Au revoir les enfants），作特別放映，並將在法國國際學校供學生欣賞。

C. 環保電影 氣候變化是世紀 之交的重大議 題，為引起更多關注，我們借用了上 屆康城影展的安排方式，希望能激發更多藝人參與，利用他們的名 氣，催化出更多成功及多元化的作品；收錄作品有由Flore Vasseur執 導、熱心環保電影人 Marion Cotillard 製作的《茲事體大》（Bigger than Us）、Cyril Dion（曾執導《自己地球自己救》（Demain）的《動 物：生命之匙》（Animal）、Yann Arthus-Bertrand執導的《寶貴的承 傳》（Legacy）、Aïssa Maïga的《水上行》（Marcher sur l'eau），涵蓋 豐富題材。 不得不提的是，電影節現在與綠色和平合作，適逢綠色和平亦正在慶 祝成立五十週年（1971年在溫哥華創立）所以是傳遞重大訊息並開展 宣傳的絕佳機會﹗大會亦安排了幾場會議及辯論。

電影盛事五十載 香港法國文化協會由成立之初就彷彿帶有電影的DNA。其第一個節 目是1953年11月在皇后劇院上演的《胡洛先生的假期》（Les Vacances de Monsieur Hulot，Jacques Tati 執導，1953年上映），但要到 1970年 代初才確立定期每年舉辦的電影節形式。 香港法協的長年逐步增長亦正是在這時候開始，又正好法國電影新浪 潮使法國為世界各地電影迷所認識。 法國文化協會的法國電影節，約在三十年前起特別選在公眾場所開 放，包括科學館、大會堂，為期四至五日，每年有八至十二部電影上映。 現在，最年青的一代人都未見過數碼時代之前的電影實物載體——35 毫米或16毫米菲林卷，需要以特別的方式運送；而且，以前的交通又疏 落和緩慢得多，戲院的設備更是局限，完全是另一個時代﹗

B. 第五十屆電影節特別的電影回顧 過去五十年共發行過數千部電影，要從中挑選三十部實在是項艱鉅的 考驗。為了縮窄名單，有時不得不忍痛放棄一些精品和殿堂級大作。 為此，我們設下幾項篩選條件： – 賞心悅目：適合家人朋友一同欣賞，受歡迎又富娛樂性的永恆 經典 ——《閃亮人生》（Intouchables）、《初吻》（La Boum）、 《黐餐遊戲》（Le Dîner de cons）、《失驚無神外來人》（Les Visiteurs）、《美麗新世界之女王任務） （Astérix et Obélix: Mission Cléopâtre）……

– 動魄驚心：法國影壇不可磨滅而又傑出的鉅作——《血債血償》 （Tchao Pantin）、《難相廝守》 （Nous ne vieillirons pas ensemble）、 《梵高》 （Van Gogh）、《大鼻子情聖》 （Cyrano de Bergerac）、 《最後一班地鐵》 （Le Dernier Métro）。 – 發掘極少或從未在香港上映的作品 ——《兩個女人》 （La Maman et la putain）、《情人奴奴》 （Loulou）、《鬼馬丞相》 （La Folie des grandeurs）…… 另外，我們與香港猶太電影節達成合作；今年為加強關係，我們合力 挑選了兩部精彩而強力的作品——《露絲》、《無憂的女孩》（Une jeune fille qui va bien）。兩片互相呼應，一部講老婦重新發現自己，

慢 慢，隨 着 跨 洲 旅 行 開 始 變 得 普及，越 來 越 多 藝 術 家 能 夠 參 與 香港的影展，特別是1980年 代開始 —— Phi lippe de Broca、Pierre Richard、Thierry Lhermitte、Jean-Pierre Cassel、Jean Carmet（人名 太多，無法盡錄）均曾是我們活動的座上貴賓）。 而在過往二十年間（當然除了2020年及2021年以外），每年都有一位 或以上的電影專才光臨，例如Léos Carax、Gaspard Ulliel、Benoît Jacquot、Cédric Klapisch、Michel Hazanavicius、Ana Girardot、Pierre Salvadori、Pierre-François Martin-Laval。 後來，電影節又設立一整套推廣計劃，並探訪法國國際學校、各間大 學、電影學院；安排在戶外場館及本地學校放映。這些活動的重要意 義在於將我們的電影介紹給未有太多機會接觸法國電影的大眾。 1993年，電影節榮獲邵逸夫爵士轉贈 Montblanc de la Culture 基金會 頒發給他的國際藝術大獎的獎金。 過 往 五 十 年 間，我 們 得 到 過 多 間 公 司 或 組 織 的 贊 助，包 括 香 港 本 土 的 公 司：B a n q u e Tr a n s a t l a n t i q u e、T V 5 M o n d e、香 港 電 車 公司、中 審 眾 環 ( 香 港 )、法 國 航 空 公司、香 港 寶 嘉、C r é d i t Agricole、Groupama、GAN、Amundi、法國興業銀行、法國巴黎銀 行、華富國際、Global Alliance Partners、agnès b，未能盡錄。感謝他 們為電影節在香港的發展、成熟、札根付出過的貢獻。再次衷心感謝， 厚愛永誌難忘！

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« F ilm Noir », une invention française ? 黑色電影來自法國 ?

Texte 文: Freddie Wong 黃國兆

À l’occasion du festival Noir Fest qui se tiendra à Hong Kong du 11 décembre au 23 janvier, Paroles a invité dans ses pages son curateur, le critique de cinéma et réalisateur Freddie K.S. Wong (voir aussi son portrait p. 11). Il nous parle ici du genre du Film Noir, de ses origines et de ses spécificités.

On considère généralement que le terme « Film Noir » est né en 1946 sous la plume du critique de cinéma franco-italien Nino Frank (1904-1988), pour faire référence aux films policiers hollywoodiens des années 1940 tels que Le Faucon maltais (1941) de John Huston, Assurance sur la mort de Billy Wilder (1944) ou encore Le Grand sommeil de Howard Hawks (1946).

En réalité, l’expression avait fait son apparition quelques années plus tôt dans des revues de critiques de cinéma françaises, pour qualifier des films comme Le Quai des Brumes de Marcel Carné (1938) et La Bête humaine de Jean Renoir (1938). À ma connaissance, le terme « Film Noir » n’a toujours été d’usage courant que dans les cercles de critiques de cinéma français. Son adoption par les critiques de cinéma et les cercles culturels anglo-saxons date probablement d’après les années 80.

Dans les années 40 et 50, les quatre catégories de films les plus populaires à Hollywood étaient les comédies musicales, les westerns, les films de guerre et les films policiers. Si les deux premiers sont depuis longtemps tombés en désuétude, en dépit de l’attachement de certains réalisateurs nostalgiques, l’engouement du public pour les deux derniers ne s’est jamais démenti jusqu’à aujourd’hui. Les films policiers se sont par la suite diversifiés avec les films de gangsters et les thrillers, comme ceux du « Maître du suspense » Alfred Hitchcock avec des chefs-d’œuvre comme Fenêtre sur cour (1954) et Sueurs froides (1958).

Dans son livre A Pictorial History of Crime Films (1975), le critique de cinéma britannique Ian Cameron classe des chefs-

d’œuvre du cinéma français comme Pépé le Moko (1937), Touchez pas au Grisbi (1954), Du Rififi chez les hommes (1955), Le Doulos (1962), Le Samouraï (1967), Borsalino (1970) ou encore Le Cercle rouge (1970) dans la catégorie « film policier », aucune mention n’y est faite du terme « film noir » ; on voit donc bien que l’expression était encore loin d’être en usage dans les pays anglophones à l’époque.

Au milieu des années 70, je me souviens avoir vu un polar très célèbre de l’époque, Police Python 357 d’Alain Corneau, avec Yves Montand dans le rôle principal. J’avais été frappé par la perfection de la mise en scène, notamment dans la fusillade finale, véritable bijou du genre. Puis, en 1976, je suis allé à Paris pour étudier le cinéma et j’ai eu l’occasion de regarder La Menace, qui marquait la deuxième collaboration entre Alain Corneau et Yves Montand. C’est pendant cette période que j’ai commencé à me familiariser avec le concept de Film Noir. Diplômé d’une école de cinéma en 1979, j’ai eu l’immense honneur de côtoyer Alain Corneau et de travailler comme assistant dans l’équipe de son nouveau film Série Noire, adapté du roman policier Des cliques et des cloaques (A Hell of A Woman) de l’écrivain américain Jim Thompson et véritable référence en matière de Film Noir.

Il est de notoriété publique que nombre de réalisateurs français de la Nouvelle Vague étaient fascinés par les films policiers américains et ont été prolifiques en films noirs ; on pense notamment à JeanPierre Melville avec Le Samouraï (1967), Jean-Luc Godard avec À bout de souffle (1960), ou encore François Truffaut avec La Sirène du Mississipi (1969).

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actualité

時事實況

Yves Montand dans Police Python 357 d'Alain Corneau (1976)

Beaucoup de ces films noirs sont adaptés de romans policiers américains ou britanniques, comme par exemple La Mariée était en noir de François Truffaut (1968), adapté du roman éponyme de William Irish, ou La Cérémonie de Claude Chabrol (1995), tiré du roman A Judgment in Stone de Ruth Rendell. Les traductions de romans policiers américains en français étant très nombreuses dans la « Série Noire » (la collection de romans policiers et de romans noirs des éditions Gallimard), leur adaptation était d’autant plus aisée. Le Film Noir pourrait être défini comme un film policier de haut niveau, davantage focalisé sur l’analyse psychologique des personnages que sur l’intrigue criminelle. On y trouve généralement un personnage de femme fatale, qui manipule le protagoniste masculin et entraîne sa chute, voire sa mort.

En France, Jean-Pierre Melville est couramment considéré comme la référence du genre. Alain Corneau le voyait comme son maître à penser, bien qu’ayant été assistant de CostaGavras. En plus des trois films noirs susmentionnés, Corneau a ainsi tourné en 2007 sa propre version du célèbre film Le Deuxième souffle de Jean-Pierre Melville (1966), adapté du roman Un règlement de comptes de José Giovanni. Son œuvre posthume Crime d’amour (2010) a fait l’objet d’un remake hollywoodien, Passion (2012), de Brian de Palma. La plupart des critiques s’accordent à dire que ce dernier fait pâle figure comparé à l’original. En revoyant les premiers films noirs de Jean-Pierre Melville comme Le

Doulos et Deux hommes à Manhattan (1959), j’ai acquis la profonde conviction qu’Alain Corneau était un réalisateur largement sous-estimé, dont certaines œuvres soutiennent la comparaison avec celles du maître Melville.

Les années 40 et 50 furent, de fait, l’âge d’or du film policier, notamment à Hollywood. La quasi-totalité des réalisateurs de renom, s’ils n’ont pas fait de film sur la Seconde guerre mondiale, se sont essayés au genre du film policier, ou plus spécifiquement du film de gangster.

Des réalisateurs aussi célèbres que Howard Hawks, Samuel Fuller ou encore Raoul Walsh ont tourné une multitude de films policiers qui sont restés dans les annales. L’auteur de ces lignes n’était pas encore né dans les années 40, et était encore bien trop jeune dans les années 50 pour pouvoir apprécier à leur juste valeur ces chefs-d’œuvre du cinéma policier. Maintenant un ardent cinéphile, depuis longtemps familiarisé avec tous les grands classiques du genre, il m’est devenu difficile de trouver des occasions d’être impressionné par de nouvelles œuvres. Aujourd’hui, à l’invitation du Département des loisirs et des services culturels de Hong Kong, c’est avec le plus grand plaisir que je prends part au Festival du cinéma de Hong Kong avec un programme intitulé « French Film Noir vs American Crime Movie », qui comprend la projection de 8 films noirs français et 8 films policiers américains.

L’un des premiers grands classiques du film policier est Le Petit César (1931) de Mervyn Leroy, considéré comme

le pionnier du genre. À cette époque, Hollywood venait tout juste d’entrer dans l’ère du cinéma parlant. Les acteurs n’avaient pas encore abandonné leurs techniques de jeu très expressives du cinéma muet, et le public était fasciné tant par l’intrigue que l’attractivité de leurs performances.

Un autre grand film policier des débuts est Pépé le Moko, tourné par Julien Duvivier en 1937. L’histoire se déroule en Algérie, qui était encore une colonie française à l’époque, et le style d’image dénote une certaine influence du cinéma expressionniste allemand, qui n’est pas sans rappeler le classique hollywoodien Casablanca (1942), tourné quelques années plus tard. Si ce dernier appartient à la catégorie du Film Noir, le thème du conflit entre amour et vertu chez les deux protagonistes lui vaut d’être souvent considéré comme un classique du cinéma romantique.

Parmi les autres policiers à ne pas manquer, citons Touchez pas au Grisbi (1954) de Jacques Becker, Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot (1953), Plein soleil de René Clément (1960), Du Rififi chez les hommes (1955) de Jules Dassin, Les Enchaînés d’Alfred Hitchcock (1946), Règlement de comptes de Fritz Lang (1953), L’Ultime Razzia de Stanley Kubrick (1956) ou encore La Soif du mal d’Orson Welles (1958), parmi tant d’autres chefs-d’œuvre dont on ne risque rien à affirmer qu’ils n’ont pas pris une ride après plus d’un demi-siècle d’existence et garderont pour toujours leur statut de films cultes.

藉黑色電影節將於 12 月至 1 月在香港舉行之 際，《東西譚》邀請其策劃人，電影評論家兼導 演黃國兆為我們執筆（有關他的人物介紹見於 第 11 頁）。在本文中他講述黑色電影的類型、 起源和特點。 「黑色電影」一詞的出現，一般認為是意裔法國影評人連奴．法蘭克 (1904–1988)首先採用，主要指四十年代荷里活的犯罪片，例如尊侯斯 頓的《群雄奪寶鷹》(1941)、比利懷特的《殺夫報》(1944)和侯活鶴士 的《智勇無雙》（1946）等片。 但事實上，在這之前，法國報章雜誌已經出現 film noir 一詞，話說 1938至1939年間，馬素卡尼的《霧 碼 頭》(1938)和尚雷 諾的《衣冠 禽 獸 》(1938），已經被當 時的影評人以 f i l m noi r 來形 容。以我 所 知，film noir 這個法語詞滙，一直只在法國影評界流行，film noir 被 英、美影評人/文化人普遍應用在文章上，應該是上個世紀八十年代之 後的事。 回顧四、五十年代，荷里活最流行的片種大致有四：歌舞片、西部片、 戰爭片、犯罪片。前二者早已沒落，偶爾會有導演重彈舊調，但後二者 是長壽片種，熱潮迄今未退。犯罪片又稱警匪片，如果相對地非常緊 張驚嚇的，像緊張大師希治閣的《後窗》(1954)和《迷魂記》(1958) ， 則會被稱為驚慄片。 英國著名影評人伊安．金馬倫於1975年出版的《犯罪電影圖片史》， 書內提到《逃犯貝貝》(1937)、《萬惡黃金》(1954)、《悍匪大決戰》 (1955)、《綫人》(1962)、《獨行殺手》(1967)、《江湖龍虎鬥》(1970)、 《劫寶群英》(1970)等等法國式犯罪片，只是稱之為警匪片，完全沒有 提到 film noir 這個字眼，可見黑色電影這個名詞，在當年的英語地區 尚未流行。 記得七十年代中，在市面戲院看了一齣由伊扶蒙丹主演的法國警匪 片，《左輪三五七》，佈局精妙，人性刻劃細膩，片末槍戰場面簡單俐 落而精彩，儼然是大師氣度。然後，1976年，我前赴法國修讀電影，在 巴黎看了伊扶蒙丹主演，同樣是阿倫歌爾勞導演的警匪片《假局》。這 時才開始接觸到film noir 這個法文詞𢑥。1979年電影學院畢業後，我 居然有機會追隨歌爾勞，在他的新片《禍水紅顏》（Série Noire）團隊 擔任助導，使我對 film noir 有了更進一步的認識。 該片的法文原名 Série Noire，直譯是「黑色小說系列」，該書譯自美國 作家占．湯遜的犯罪小說《A Hell of A Woman》。眾所周知，法國的 新浪潮導演，不少都醉心美國的犯罪電影，例如梅維爾、杜魯福、尚盧 高達、查布洛等等，都拍過不少 film noir，例如梅維爾最著名的《獨 行殺手》，高達的《慾海驚魂》(1960)，杜魯福的《蛇蠍夜合花》(1969) 等等。 這些「黑色電影」，有不少是改編自美國或英國的犯罪小說，例如杜魯 福的《奪命佳人》(1968)，就改編自 Cornell Woolrich 的小說，查布洛 的《冷酷祭典》（1995）則改編自露絲．倫德爾 (Ruth Rendell) 的小說 《A Judgement in Stone》。由於許多美國犯罪小說，都被翻譯和收納 在這個法文 Série Noire 系列（伽利瑪出版社出版的偵探小說和黑色小 說集），所以他們改編起來就比較容易。Film noir 可以是較高層次的 犯罪電影，比較著重心理描寫，通常有個 femme fatale 的角色，即所謂 的禍水紅顏，令男主角泥足深陷，難逃法網，甚至賠上性命。 在法國，梅維爾被尊為 film noir 的大師級導演，歌爾勞雖然曾經師事

Le Quai des brumes de Marcel Carné (1938)

哥斯達加華斯 (Costa-Gavras)，但服膺的卻是梅維爾。除了前述三齣 黑色電影，他還於 2007 年，重拍梅維爾的《第二口氣》(1966)，同樣 是改編荷西．祖梵尼的小說《Un Règlement de Comptes》。他的遺作 《情殺局中局》(2010)，被荷里活大導演布里安迪龎瑪重拍成《挑情 殺局》(2012)，兩者相較之下，迪龎瑪明顯被比了下去。這次重看梅維 爾比較早期的黑色電影，例如《綫人》、《曼克頓二男》(1959)等片，深 深覺得歌爾勞是被嚴重低估的導演，而兩人的作品亦有許多可資比較 的地方。 四、五十年代的確是犯罪片的黃金時期，尤其是荷里活，幾乎所有吃得 開的導演，如果不拍有關二次大戰的戰爭片，都一定拍過犯罪片或警 匪片。美國的殿堂級導演如侯活鶴士、森姆富勒、魯爾窩路殊等等， 都拍過不少後來被傳誦一時的犯罪電影。四十年代，筆者尚未出世。 即使到了五十年代，也只是乳臭未乾的年幼小童，不可能懂得欣賞這 批犯罪電影。因此，自從成為影痴之後，雖然對這批經典之作聞名已 久，卻不容易找到欣賞的機會。 今次，承康樂文化署之邀，筆者不吝重操故業，為電影節目部策劃一 個名為《法國黑色電影對決美國犯罪電影》的專題節目，總共放映八 齣法國黑色電影，以及八齣美國犯罪電影。當中最早的一部犯罪片經 典，是1931年梅榮李萊導演的《小霸王》。那時荷里活剛進入有聲片 時期不久，眾演員雖然不脫默片式誇張演技，但其劇情和人物的可觀 性，絕對令人振奮，梅榮 ·李萊堪稱荷里活犯罪片的開山祖師。 另一齣比較早期的犯罪片，是法國著名導演朱里安杜威亞在1937年 拍攝的《逃犯貝貝》。影片以當年仍是法國殖民地的阿爾及利亞為背 景，映像風格看得出是受到德國表現主義電影的影響，也令人想起數 年後的荷里活經典《北菲諜影》(1942), 後者其實也屬 film noir 類型， 只是其浪漫愛情更令人刻骨銘心，因而不多久便被視為愛情片的經典 傑作。 其餘絕不容錯過的犯罪片，包括法國導演積奎貝克的《萬惡黃金》， 軒利葛魯索的《死亡邊緣》(1953)，雷尼克里曼的《怒海沉屍》（1960)， 希臘導演朱里斯達辛在法國拍攝的《悍匪大決戰》(1955)，以至希治 閣的《諜網情鴛》（1946），費玆朗的《芝加哥剿匪戰》(1953)，史丹利 寇比力克早期的《火拼黑地獄》(1956)，和奧遜威爾斯的《歷劫佳人》 (1958)等等。幾乎可以肯定地說，這些超過半世紀前的犯罪片，全部 都經得起時間的考驗，是藝術性和娛樂性兼備的不朽傑作。

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人物誌

Freddie Wong, le cinéma comme passion et comme partage 黃國兆——熱愛電影，分享電影 Texte 文: Hugo Petit

À l’image des cinéastes de la Nouvelle Vague, Freddie Wong a d’abord été un cinéphile et un critique, avant de passer derrière la caméra. Fasciné par la France et son cinéma dans sa jeunesse, il s’occupe d’un ciné-club à ses heures perdues et apprend la langue de Molière, avant de décrocher une bourse pour étudier le cinéma à Paris, de 1976 à 1979. Il travaille alors aux côtés d’Alain Corneau sur le tournage du film Série Noire, en tant qu’assistant. Revenu à Hong Kong, il y contribue à l’organisation de nombreux festivals à partir des années 80. Il réalise The Drunkard en 2010 (cf. Paroles n° 224), adapté du roman éponyme de l’écrivain Liu Yichang, dont un autre livre, Tête-Bêche, a également servi d’inspiration à Wong Kar-wai pour In The Mood for Love. Paroles a rencontré Freddie Wong alors qu’il s’intéresse aujourd’hui au Film Noir français et américain et nourrit toujours de nombreux projets.

Jovial et intarissable, doté d’une connaissance encyclopédique du cinéma, Freddie Wong n’en demeure pas moins curieux et toujours avide de nouvelles découvertes audiovisuelles, à 70 ans passés. Il continue d’écrire : contributeur régulier à la revue en langue chinoise Hong Kong Literature Bimonthly, il y a récemment publié un article consacré au documentariste japonais Kazuo Hara. Il intervient également à l’Université baptiste de Hong Kong, là aussi sur le thème du Film Noir : « Je montre toujours Le Samouraï aux étudiants », nous explique-t-il.

Nous rencontrons Freddie Wong alors qu’il prépare le festival Noir Fest, organisé avec le LCSD (voir aussi son article à ce sujet, p. 8). Il s’agit pour lui d’un genre majeur : « De nombreux réalisateurs ont commencé leur carrière en faisant des films noirs. Avec un bon scénario, on peut faire un bon film. Il n’y a pas besoin d’y investir beaucoup d’argent. Le premier film des frères Coen, par exemple, Blood Simple, est un film noir, à très petit budget. De même, les premiers films de Stanley Kubrick sont des films noirs. Robert Wise, le réalisateur de La Mélodie du bonheur et de West Side Story, a tourné en 1949 un film intitulé The Set-Up, qui se déroule en temps réel. C’est aussi un film noir.

Et en Pologne, ce genre existe aussi : de nombreux réalisateurs s’y sont essayés, même Kieslowski ou Polanski à ses débuts. J’ai récemment vu Train de nuit (1959) de Jerzy Kawalerowicz, un très bon film. Tout se passe dans un train, dans un espace très exigu. Il y a un cycle très intéressant : les films noirs français, notamment ceux du maître en la matière, Jean-Pierre Melville, se sont inspirés des crime films américains. Puis, des cinéastes hongkongais ont été influencés par Melville, comme John Woo qui rend hommage au Samouraï dans Le Syndicat du crime. Et enfin, nous avons Tarantino, un Américain, qui s’est nourri du cinéma de kung fu et de gangsters hongkongais, notamment les films de John Woo. » Freddie Wong, photo © Stella Ko

12 Comme nous accueillons Freddie Wong dans le centre de Wanchai de l’Alliance Française, celui-ci se remémore l’époque où il y étudiait, au milieu des années 1970 : « Les classes de niveau avancé avaient lieu uniquement sur l’île de Hong Kong.

Comme j’habitais à Kowloon et qu’il n’y avait pas encore de MTR, je prenais le bus pour traverser le tunnel. Je m’occupais du Phoenix Cine Club, une toute petite structure comparée à d’autres ciné-clubs de l’époque qui étaient gérés par des expatriés. Je devais louer les bobines depuis Londres, cela coûtait très cher. On ne pouvait projeter que des copies en 16mm à cause de la taille de notre salle, située dans une école primaire de Yau Ma Tei. L’un de nos membres était attaché culturel au consulat français. Il ressemblait un peu à Jacques Tati, vous savez ? Avec un parapluie et un imperméable… Dès lors, nous avons pu collaborer avec le consulat. Ils disposaient d’une filmothèque à Bangkok, et m’autorisaient à emprunter leurs films, gratuitement et sans frais de port ! C’est aussi pour cela que nous projetions beaucoup de films français. Nous pouvions même afficher nos posters dans les locaux de l’Alliance ! Je me souviens du directeur de l’AF de cette époque, Emile Mantica. Il nous a beaucoup aidés. Et puis quelques années plus tard, il est revenu à Hong Kong. J’ai d’abord cru rêver ! Il était désormais le représentant d’Unifrance. »

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人物誌

une rétrospective consacrée à Ozu et achète les droits de Série Noire afin de le distribuer à Hong Kong : « À l’époque, les films français sortaient en version doublée en anglais : Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Louis de Funès, Catherine Deneuve... tous ces acteurs parlaient en anglais ! Série Noire est probablement le premier film français sorti en version originale sous-titrée en anglais et en chinois. Maintenant, c’est devenu la norme. » Il travaille aussi pour le Arts Centre et participe à la création de la Broadway Cinematheque. Il se rend très fréquemment à Cannes. À cause de la pandémie, Freddie Wong a vu peu de films français récents depuis son dernier passage à Cannes en 2019, mis à part Les Misérables de Ladj Ly et Fahim avec Gérard Depardieu. Il visionne à présent des séries sur Netflix : Versailles, Marseille, Lupin, avec les sous-titres en français afin d’entretenir son niveau de langue. Il s’intéresse également aux séries japonaises : « J’aime beaucoup Doctor X, qui a pour héroïne une chirurgienne.

Un personnage féminin très fort, c’est déjà presque subversif au Japon. J’ai moi-même travaillé dans un hôpital. Ce feuilleton est beaucoup moins mélodramatique que les séries médicales américaines comme Urgences ».

Freddie Wong évoque enfin ses projets : « J’ai toujours envie de faire des films. Peut-être en France ? J’ai un projet d’histoire située à l’époque de Louis XIV. Ou alors je ferai un film sur l’opéra cantonais à Hong Kong. » Il prépare également plusieurs ouvrages : un carnet de voyage à travers le cinéma, par le biais des films mais aussi des festivals du monde entier qu’il a arpentés, un second livre sur ses multiples séjours à Cannes, et enfin un troisième consacré au cinéma japonais. « Si je n’ai pas la possibilité de faire d’autres films, alors j’écrirai volontiers quelques livres de plus ! » conclut-il en riant.

Aux côtés d’Alain Corneau sur le tournage de Série Noire en 1978

« Durant les deux dernières années, j’appréhendais plutôt d’aller en cours, car le professeur était très sévère, reconnaît Freddie Wong en riant. J’étais parfois absent et n’avais pas le temps de rattraper ! Je travaillais alors comme technicien en radiologie au Queen Mary Hospital. Je ne sais même pas comment j’arrivais à gérer le ciné-club, écrire des critiques de films et étudier le français tout à la fois. J’étais probablement trop occupé. » Il entend parler d’une bourse pour étudier en France. Bien que destinée aux étudiants d’université, il y postule malgré tout : « Je voulais candidater à l’IDHEC, mais mon niveau de français n’était pas suffisant. J’ai obtenu la bourse et on m’a aiguillé vers une autre école de cinéma située à Paris : la Fondation CharlesVandamme. En arrivant à la fin de l’été, je suis allé directement à l’adresse indiquée… pour me rendre compte que l’école n’existait déjà plus ! Elle avait fermé ! J’étais stupéfait. Je suis allé au Crous où l’on m’a dit : “Ne vous inquiétez pas, nous allons vous trouver une autre école !” C’est ainsi que j’ai finalement étudié au Conservatoire Libre du cinéma français, qui existe encore. Et j’ai eu l’opportunité de travailler sur le film d’Alain Corneau, Série Noire. » Une fois diplômé, Freddie Wong rentre à Hong Kong et se voit proposer de travailler pour le HKIFF. Il organise notamment

黃國兆（Freddie Wong）與法國新浪潮時期的許多 專業電影人一樣，在親自執掌鏡頭之前，只是純綷 的戲迷兼影評人。早在少年時期就迷戀法國與法國 電影的他，在餘暇時候經營着電影同好會，同時間 學習大文豪莫里哀的母語——法語；1976至1979 年，他更親身遠赴巴黎修讀電影。畢業之後，他擔 任導演阿倫歌爾勞（Alain Corneau）的助手，協助

拍攝《禍水紅顏》（Série noire）。回港以後，又籌辦 1980年代至今的許多電影節。2010年，黃國兆執導 《 酒 徒 》（ 見 2 2 4 期《 東 西 譚 》）；電 影 改 編 自 作 家 劉 以 鬯 的 同 名 小 說，而 其 另 一 部 作 品 《 對 倒 》亦 為 王 家 衛 的《 花 樣 年 華 》提 供 了 靈 感。在 接 受《 東 西 譚 》訪 問 之 際，他 表 示 現時的興趣是法國及美國的黑色電影（film noir）， 且正在構思多個項目。 雖然黃國兆已屆 70 歲，但仍然風趣活潑、精力旺盛，對電影的知識 極為淵博，對視聽新發現仍然充滿好奇及渴求；而且筆耕不輟，為中 文雙月刊《城市文藝》定期撰稿，最近又發表了一篇專門介紹日本紀 錄片製作人原一男的文章。他又在浸會 大學主持演講，講題同樣是 黑色電影。「我經常給學生播放《獨行殺手》（Le Samouraï）。」他解 釋道。 我們訪問黃國兆時，他正在籌備與康文署合辦的黑色電影節（見本 刊第 8 頁相關主題文章）。對他而言，黑色電影是重要的流派：「許 多導演的執導生涯都是由製作黑色電影開始。有好劇本就能拍出好 電影，不必投入大量資金。例如高安（Coen）兄弟的第一部作品《血 迷宮》（Blood Simple）就是黑色電影，預算很低。同樣，寇比力克早 期的作品亦是黑色電影。《仙樂飄飄處處聞》（The Sound of Music） 及《西城故事》（West Side Story）的導演羅拔懷斯 (Robert Wise） 在1949年拍攝了一部實時電影，名為《The Set-Up》，同樣是黑色電 影。而波蘭亦 有同類作品，且許 多導演都 涉足過，包括早年的奇斯 洛夫斯基（Kieslowski）及波蘭斯基（Polanski）。我最近看了Jerzy Kawalerowicz 的《夜行列車》(Night Train, 1959年），是非常好的作 品。整部戲都發生在火車上，在非常窄的空間內。我發現到一個極之 有趣的循環：法國黑色電影，特別是出自這方面的大師梅維爾（JeanPierre Melville）的作品，都受到美國犯罪電影的啟發；之後，香港導 演又會受梅維爾的影響，例如吳宇森在《英雄本色》裏向《獨行殺手》 致敬。最後又回到美國，導演昆頓塔倫天奴（Quentin Tarantino）醉心 於香港功夫及黑幫電影，特別是吳宇森的作品。」 我們迎接黃導演來到法協灣仔中心時，他憶述自己在1970年代中期學 習法語的時光：「進階班只在港島開辦，而我住在九龍，當時未有地 鐵，所以要坐巴士穿過海底隧道。我當時辦的火鳥電影會，相比當時 由外國人經營的電影會，規模小得多。 我要由倫敦租來電影底片，租金非常貴。我們在油麻地一間小學的房 間放映，由於空間有限，只能播放 16 毫米的版本。有一位會員是法國 領事館的文化專員，長得有點像積葵大地（Jacques Tati），不知你聽 過沒有，他的標誌是帶雨傘和穿雨衣……從當時起，我們就有門路與 領事館合作。他們在曼谷有一個電影資料館，還允許我免費借出裏面 的電影！所以我們才有機會放映很多法國電影。我們甚至可以在法協 張貼宣傳海報！我記得當時的法協總監 Emile Mantica 幫助了我們很 多。幾年之後，他又重回香港，我起初還以為自己在做夢！他現在是 Unifrance 的代表。」 黃導演笑着承認：「在最後兩年，我很怕去上課，因為導師很嚴格。 我 有 時 缺 席，又沒時間追回進 度！當 時 我 在瑪麗 醫院 擔 任放 射 技 術員，我都不知怎樣 兼顧電影會、寫影評和學法語，可能實在是太 忙了。」他後 來 聽說 到有一個去法國留學的獎學 金，雖然是為大學

生而設，但 還是申請了：「我本來想申請 IDHEC（巴黎高等電影學 院，l'Institut des hautes études cinématographiques），但我的法語水 平不夠。我最終獲得那筆獎學金，被轉介到巴黎的另一間電影學校， 名叫『la Fondation Charles-Vandamme』。 但當我在夏末到達指定的地址時，才發現學校已經沒有了！早已關 門大吉！我十分詫異，唯有前往Crous。那裏的人說：『不用慌張，我 們再幫你找另一間！』以上就是我最 終去了法國私立電影學院（Le Conservatoire Libre du Cinéma Français）的經過（學校至今仍然存 在）。所以之後，我才有機會為阿倫歌爾勞的《禍水紅顏》工作。」 他 畢 業 後 返回香 港，獲 得 香 港國際電 影 節的一 份工作。在 那 段 期 間，他籌辦了一場小津安二郎的回顧展，又買下了《禍水紅顏》的版 權供 香港發行：「當時發行的法國電影都是英文配音版。尚保羅貝 蒙多（Jean-Paul Belmondo）、阿倫狄龍（Alain Delon）、路易狄芬尼 （Louis de Funès）、嘉芙蓮丹露（Catherine Deneuve）……全部演員 都忽然會講英語！而《禍水紅顏》可能是第一部原版本發行、有中英 文字幕的法國電影。直到現在才早已變成行業標準。」他還為藝術中 心工作，又有份創立百老匯電影中心。他本來經常去康城，但因為疫情 的緣故，自從 2019 年最後一次康城之旅以來，除了Ladj Ly的《悲慘世 界》及 Gérard Depardieu 的《走佬小棋王》以外，已很少再看法國電 影。現在是看 Netf lix 的連續劇：《凡爾賽》（Versailles）、《馬賽城》 （Marseille）、《怪盜羅蘋》（Lupin），並選用法文字幕來維持自己的 語言水平。他亦對日本的劇集感興趣：「我很喜歡《Doctor X》。女主 角是個外科醫生，我自己也在醫院工作過。強悍的女角色在日本簡直 是顛覆傳統。這部連續劇遠遠不像《ER》之類的美國醫療劇那麼戲劇 化。」 黃導演最後提到他自己的構思：「我一直想拍電影，或許會去法國拍。 我有一個以路易十四時代為背景的歷史構思。又或者我會在香港拍一 部關於粵劇的電影。」他還準備了幾本自己寫的書：第一本是以電影 為主題、圍繞電影作品以及關於他所查探過的世界各地電影節的旅行 見聞錄；第二本書是他多次前往康城的紀錄；第三本則是關於日本電 影。他最後笑說：「如果我沒有機會拍電影，再寫幾本書也很樂意！」

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actualité

時事實況

« Cinémode par JeanPaul Gaultier » à la Cinémathèque française 法國電影資料館呈獻 「Jean-Paul Gaultier 電影時尚展」 Texte 文 : Jean-Sébastien Attié

La place des grands créateurs de mode dans le cinéma est connue : Saint Laurent (Belle de jour, de Buñuel), Balmain (Et Dieu créa la femme, Vadim) ou encore Chanel (L’Année dernière à Marienbad, Alain Resnais) ont marqué des œuvres sublimes.

Le fondateur de la Cinémathèque française, Henri Langlois, chérissait lui aussi les robes des stars et considérait que ne pas conserver ces « reliques » de la fabrication d'œuvres de cinéma relevait du sacrilège.

L’inspiration de Jean-Paul Gaultier se nourrit de cette culture cinématographique, lui qui « conçoit chacun de ses défilés comme un show. Il raconte à la Cinémathèque son histoire personnelle du cinéma, celle des rebelles sans cause, des icônes inspirées de la rue et des transidentités les plus sophistiquées ».

Il a d’ailleurs travaillé comme costumier sur de nombreux films avec Luc Besson ou Pedro Almodóvar.

Loin de constituer une histoire exhaustive des relations entre la mode et le cinéma − l'exercice eût été difficile − Cinémode par Jean Paul Gaultier est aussi une plongée dans les représentations genrées, sur le grand écran et à travers les vêtements. On y retrouve cinq sections : 1.

Falbalas : Gaultier a toujours revendiqué l’influence du cinéma et sa fascination pour le 7e art, à commencer par Falbalas (Jacques Becker, 1945) − Rochas en était le couturier − qui décida de sa vocation à 13 ans. Rochas est souvent crédité comme l’inventeur de la guêpière que Gaultier revisite dès ses premières collections prêt-àporter dans les années 80.

2. ♂♀: ici défilent les femmes fatales ultra-féminisées d'Hollywood, Brigitte Bardot, maintes fois accusée d'outrages aux bonnes mœurs et à l'avant-garde d'une mode prêt-à-porter simple, jeune et insouciante. Face à elles, les gangsters, cowboys et super-héros macho, musculeux ou plus ingénus. Parmi eux, Marlon Brando dans Un tramway nommé désir (Elia Kazan, 1951) influença la mode d’une génération férue de rock’n’roll qui ne s'habille plus comme ses parents.

3.

Transgressions : l’androgynie par le port du vêtement est affirmée dès les années 30, les codes vestimentaires sont bousculés, ouvrant une nouvelle voie esthétique et morale, prônant déjà l’égalité des sexes. Ces transgressions deviennent moins confidentielles dans les années 70, l’underground devient plus visible : Gaultier fera de la marinière le symbole de sa marque, inspirée du Querelle de Fassbinder. Il accompagne ensuite Almodóvar comme constumier sur nombre de ses films.

4.

Métal hurlant : le métal est l’apanage des guerriers, dont Jeanne d’Arc interprétée par Jean Seberg, Sandrine Bonnaire ou Milla Jovovich. En 1968, Jane Fonda prend les traits de Barbarella (Roger Vadim), habillée par Paco Rabanne. C’est l’époque du Space Age avec Pierre Cardin et André Courrèges et des films Blow-Up (Michelangelo Antonioni, 1966) ou Orange mécanique (Stanley Kubrick, 1971).

5. Défilés : ici nous nous attardons sur les scènes de défilés dans les films, de The Women (George Cukor, 1940) à Funny Face (Stanley Donen, 1957), en passant par Le Diable s’habille en Prada (David Frankel, 2006) ou Absolument fabuleux (Gabriel Aghion, 2001). Dès les années 80, Gaultier, Mugler ou Viviane Westwood font alors du défilé l’aboutissement d’une création collective similaire à celle du cinéma.

L’exposition est accompagnée de dialogues, rencontres et projections pour tous publics.

Jusqu’au 16 janvier 2022

Cinémathèque française

51 rue de Bercy, 75012 Paris www.cinematheque.fr

提 到 電 影 界 最 傑 出 的 時 裝 設 計 師，相 信 大 家 必 不會 陌 生，當 中 長 存 不 朽 的 作 品，自然 是 來 自 Saint Laurent《青樓怨婦》（ Belle de jour，路易斯 布紐爾（Luis Buñuel）執導）及Chanel（《去年在馬 倫巴》（L’Année dernière à Marienbad，阿倫雷奈 （Alain Resnais）執導）的手筆。 法國電影資料館的創辦人Henri Langlois亦對明星穿過的服裝珍而重之，覺得 不保留這些電影作品裏用過的「遺寶」就等同是褻瀆。 Jean-Paul Gaultier同樣從這種影圈文化得到啟發，「將自己每一次展覽都視為 演出。他向法國電影影資料館憶 述自己與電影的邂逅、哪些人天生叛逆而無 需理由、哪些偶像在街頭獲得靈感，以及哪些跨性別者最有深度」。Jean-Paul Gaultier曾與洛比桑（Luc Besson)、貝德羅艾慕杜華（Pedro Almodóvar）合作， 為多部電影擔任服裝設計。 Jean-Paul Gaultier策劃「電影時尚」 （CinéMode）的目的絕非要為時尚與電影兩 者關係梳理出完備的歷史，一來本身並不容易，二來他還想探討在大銀幕上、以 服裝為形式之下，性別符號是如何表現出來。展覽分為五個部分： 1. 裝飾：Gaultier不止一次提到電影對他的影響以及他如何對電影這項第 七藝術感到痴迷。當年他看完《裝飾》（Falbalas） （積葵貝克（Jacques Becker）執導，1945年上映，由Rochas擔任服裝設計師）後，年僅13歲 就決定好自己的路向。很多人認為Guêpière（連身內衣加吊襪帶）是由 Rochas發明，而Gaultier則在1980年代的第一個成衣系列裏將其加以改 良。 2. ♂♀：首先是女性形象的極致——碧姬芭鐸（Brigitte Bardot），身為荷李 活性感尤物的她不斷被指責傷風 敗俗，另一方面又走在簡約、年輕、輕 鬆成衣風格的尖端。在此之前，則以黑幫、牛仔、豪邁超級英雄之類的 肌肉型或不造作的打扮為主。其中，《慾望號街車》（A Streetcar Named Desire，伊力卡山（Elia Kazan）執導，1951年上映）裏馬龍白蘭度的打扮， 與不再跟隨上一輩穿著、愛好遙滾樂的年青人一拍即合。 3. 跨越界線：不辨雌 雄的穿著是在1930年開始出現，衣著的規範開始動 搖，從而開闢出一條 新的美學與倫理學路徑；此時已有人 提 倡兩性平 等。到1970年，跨性別的衣著已再無需遮遮掩掩，以往難以在主流下生 存的風格逐漸冒出頭來。Gaultier 從《霧港水手》（Querelle，法斯賓達 （Fassbinder）執導）得到靈感，以橫紋毛衣為自己品牌的標記。之後，他 為多部艾慕杜華執導的作品擔任服裝設計。 4. 金 屬 的 哮 叫：金 屬 是 戰 士 的 象 徵，特 別 是《 聖 女 貞 德 》（ J e a n Seberg、Sandrine Bonnaire、米娜祖華域芝（Milla Jovovich）均飾演過） 的盔甲，最教人難忘。1968年，珍方達 (Jane Fonda) 參演《太空英雌巴巴 麗娜》（Barbarella，Roger Vadim 執導，服裝設計師為Paco Rabanne)。 當 時 候，P ier re C a rd i n與 A nd ré C ou r rè ge s的「太 空時 代」（Spac e Age）設計紅極一時，代表電影有《春光乍現》（Blow-Up，安東尼奧尼 （Michelangelo Antonioni）執導，1966年上映）及《發條橙》（寇比力克 （Stanley Kubrick）執導，1971年上映）。 5. 時裝表演：這個部分的重點是電影裏的時裝表演場景，包括《女人》 （The Women，George Cukor執導，1940年上映）、《甜姐兒》（Funny Face，史丹利杜倫（Stanley Donen）執導，1957年上映），還有之後的《穿 Prada的惡魔》（The Devil Wears Prada，大衛法蘭科（David Frankel）執 導，2006年上映）、《Absolument fabuleux》（Gabriel Aghion執導，2001 年上映)。由1980年代起，高堤耶、Mugler、Viviane Westwood將時裝展覽 變成集體創作的高潮，就像八十年代的電影盛世。

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Un tour de France du patrimoine culturel en images 法國文化古跡平面巡遊 Les trois centres de l’Alliance Française de Hong Kong accueillent l’exposition « France eMotion » jusqu'en décembre 2021. Divisée en quatre parties, cette exposition est un voyage à travers le patrimoine français, une expérience surprenante mêlant photographie et digital.

Le premier chapitre, intitulé « D’une arche à l’autre », revient sur la forme architecturale de l’arche qui, malgré sa complexité technique, est d’une simplicité laissant libre cours à l’imagination des architectes au cours des siècles. Le second, intitulé « Ô saison, Ô châteaux », retrace l’histoire de France au travers des châteaux et cités fortifiées marqués par ce riche passé. En troisième lieu, « L’imaginaire des musées » interroge la variété des lieux où l’art s’expose, de l’hôtel particulier aux anciens sites industriels en passant par de célèbres musées. Enfin, le quatrième chapitre intitulé « Métamorphoses » est composé de diptyques illustrant les talents des photographes, capables de révéler la magie de certains lieux grâce à une mise en scène originale et à des jeux de lumières.

35 lieux sont ainsi mis en avant par quatre artistes de nationalités différentes.

Ishola Akpo vient du Bénin et questionne à travers son art la frontière entre modernité et tradition tout en utilisant la technologie et le digital. À Paris, ses œuvres sont exposées au musée du Quai Branly et à l’Institut Français.

Edu Monteiro, originaire du Brésil, aime mettre en scène et photographier des performances. L’Américain David Schalliol qui est également réalisateur s’intéresse à la relation entre les communautés urbaines et leur environnement.

Enfin, Lourdes Segade, d’origine espagnole, tente à travers son art de confronter le spectateur avec certaines réalités.

Cette mise en lumière du patrimoine culturel français s’accompagne d’une animation en réalité augmentée permettant de donner vie aux photos et de suivre les aventures d’un personnage qui se métamorphose au fil des œuvres.

Rendez-vous dans les trois centres de l’AFHK pour découvrir l’exposition France eMotion ! 展覽France eMotion在香港法協的三個中心展出，展期至2021年12月。展覽分成四部 份，以攝影圖象或數碼形式，帶大家飽覽多處法國具歷史價值的古跡。 第一幕「拱門巡禮」 （D’une arche à l’autre）探究拱門的建築形式——既蘊含複雜的建 造技術，但其簡約又別具魅力，數百年來令無數建築師心蕩神馳。第二幕「季節與城 堡」 （Ô saison, Ô châteaux），追溯法國城堡與城邑的深厚底蘊。第三幕「博物萬象」 （L’imaginaire des musées），介紹形形式式的藝術品展覽地點，包括私人公館、工廠 舊址，以至著名博物館。最後一幕「轉化」 （Métamorphoses），以雙聯畫板展示優秀的 攝影作品，並用原創的舞台及燈光效果帶出不同地點的獨特魔力。 今次所展出的三十五個地點是由四個不同國籍的藝術家炮製。來自非洲貝南的Ishola Akpo透過其藝術作品，揉合數碼科技，探討現代與傳統的分野；其作品曾於凱布朗利 博物館（Musée de Quai Branly）及法蘭西學會（Institut Français）展出。來自巴西的 Edu Monteiro，專長導演以及拍攝劇照。本身亦是導演的美國藝術家David Schalliol， 喜好的題材是城鎮社區與當地環境的關係。最後一位是西班牙籍的Lourdes Segade， 她擅長利用作品觸發欣賞者直接面對某些現實情況。 今次法國古跡展覽的特別之處是結合擴增實境（AR）動畫，將相片活現眼前；觀眾會 緊隨圖象旅程中的步伐，感受作品轉換時的幻化效果。 歡迎前來法協中心的三個中心，參觀 France eMotion 展覽！

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Rencontre avec Marie Yan, dramaturge franco-hongkongaise 港法混血劇作家甄彩菱專訪 Texte 文: Hugo Petit Photos 照片: Nap Wong, Cpak Ming

Dans une grande ville anonyme menacée par une catastrophe imminente, de nombreux personnages font face aux mêmes événements sans se croiser. Un maire dominateur ne songe qu’à l’inauguration prochaine de son nouvel hôtel de ville pharaonique, tandis que sa fille cherche à lui échapper. Un gang de cafards anthropomorphes est en quête de nourriture. Une actrice d’origine philippine se souvient avec émotion de son père immigré et des difficultés que celui-ci a traversées. Pendant ce temps, depuis le ciel, Laozi dialogue avec Tommaso Francini, architecte italien des nombreuses fontaines de domaines royaux français… L’élément de l’eau est omniprésent tout au long de la pièce A Tidal Home. Produite cet été au Cattle Depot Artist Village de To Kwa Wan, elle résiste à toute tentative de résumé simple. Les intrigues s’y enchevêtrent tandis que les quatre acteurs changent d’identité à chaque scène. Écologie, problèmes sociaux, place des minorités et féminisme sont autant de questions abordées dans cette production qui mêle cantonais, anglais et tagalog. Paroles a rencontré son autrice, Marie Yan, dont c’est la huitième pièce.

Née d’une mère franco-allemande et d’un père hongkongais, Marie Yan a grandi dans les Yvelines, en région parisienne : « Mon père avait appris les bases du français à l’Alliance Française de Hong Kong, avant de prendre un aller simple pour la France à la fin des années 70. Il voulait découvrir Paris, les musées, la peinture. Il a étudié aux Beaux-Arts et est resté en France. Mes

parents sont tous les deux peintres : mon père travaille sur la place du Tertre, à Montmartre. Je n’ai pas effectué beaucoup de séjours à Hong Kong jusqu’à présent : lorsque j’étais plus jeune, mes deux frères et moi y allions à tour de rôle », nous explique Marie Yan. Après des études de littérature, elle a vécu et travaillé à Edimbourg et Berlin.

Paroles : Comment en êtes-vous venue au théâtre ?

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Paroles : Comment en êtes-vous venue au théâtre ?

Comment avez-vous débuté dans l’écriture de théâtre ?

Marie Yan : J’ai eu la chance d’aller au théâtre très tôt : ma mère adorait le théâtre et m’y a beaucoup emmenée. Par la suite, j’ai fait du théâtre au lycée. À l’époque je ne comptais pas spécialement en faire mon métier. Mais j’aimais beaucoup le sentiment d’être ensemble pour créer quelque chose. Je n’avais pas spécialement d’attrait pour la direction d’acteurs, ni pour le jeu lui-même, mais j’ai toujours été littéraire. La rencontre décisive a été le théâtre de Bernard-Marie Koltès : j’ai compris que le théâtre comme art littéraire pouvait m’attirer autant que le roman. J’ai lu sa pièce La Nuit juste avant les forêts, qui m’a beaucoup marquée, notamment parce qu’il y mélange des niveaux de langue. Cela correspondait à mon expérience puisque je venais de banlieue parisienne et qu’en même temps j’adorais le vocabulaire de la littérature française classique. Je pouvais donc écrire quelque chose de similaire. Le deuxième moment important a été de voir les pièces de théâtre de Wajdi Mouawad [maintenant directeur du Théâtre de la Colline à Paris], notamment sa trilogie « Le Sang des Promesses » : tout d’abord Forêts au théâtre de Sartrouville, puis Incendies et enfin Littoral. Ce que j’ai adoré, c’est le côté épique de ses pièces.

Je me suis probablement reconnue en lui car il est d’origine libanaise et a démarré sa carrière de dramaturge au Canada : lui aussi possède plusieurs identités.

J’avais une seule chose en tête : écrire. J’ai déménagé à Édimbourg en 2013 pour y suivre un diplôme de théâtre physique et c’est là que les choses ont commencé. Au Royaume-Uni et notamment en Écosse, il y a beaucoup d’initiatives locales pour essayer de faire émerger des dramaturges.

Je leur dois beaucoup. À Glasgow, le « Progressive Playright » est un événement régulier où les participants écrivent chacun un texte dont la lecture doit durer 10 minutes environ. À la fin de la soirée, le public vote. Il est très bienveillant et on a un rapport direct avec lui. C’est dans ce cadre que l’on m’a sollicitée pour mettre en scène ma pièce, une fois terminée.

Dans la culture anglophone il y a cette idée que l’écriture, comme n’importe quel art, est un artisanat, quelque chose qu’il faut apprendre. Par conséquent, il faut bien commencer quelque part et développer, améliorer, petit à petit. En France, on est un peu écrasés par l’idée du génie sorti de nulle part : Rimbaud à 17 ans, etc. Au Royaume-Uni, tout cela se fait beaucoup dans des pubs. C’est très relax.

Peut-être y a-t-il des lieux similaires en France maintenant.

Y a-t-il pour vous des choses qui ne peuvent s’exprimer qu’au théâtre ?

Paradoxalement, ce qui trouve le plus de poids au théâtre est peut-être toutes les variétés de silence. Dans un livre, il y aura peut-être un blanc, ou bien l’on sait que des personnages se taisent, mais ça n’a pas tout à fait la même qualité que le silence présent sur une scène. Le silence d’un personnage qui suit la parole d’un autre a une épaisseur qui me fascine. Le spectateur se projette complètement dans le personnage qui écoute.

Pourriez-vous nous parler de la genèse de la pièce A Tidal Home ?

Le sujet central, développé avec les deux productrices Karen Cheung et Anne Tam Yuk-ting, est le « home », qui peut se traduire de différentes façons en français : le chez-soi, matériel comme immatériel, la maison, la famille, etc. J’ai affiné une technique de théâtre que j’avais déjà mise en pratique auparavant et qui consiste à mener des entretiens individuels et collectifs sur le thème de la pièce, d'où un matériau permettant de créer des situations. Cette technique est un peu plus proche du théâtre documentaire, mais le texte final est complètement fictif. L’idée était d’avoir sur scène des personnages très différents et des archétypes afin de représenter différentes couches de la société. Je voulais aussi que la pièce puisse parler à différents publics. J’adore écrire pour les comédiennes et comédiens : je leur demande en général ce qu’ils veulent jouer ou quels sont les rôles qu’ils n’ont jamais joués.

Quelles différences y a-t-il entre monter une pièce à Hong Kong et en France ?

En France, je sais à peu près quel public je vais rencontrer. À Hong Kong, je devais me reposer sur l’avis de l’équipe artistique

afin de savoir ce qui allait parler au public local. C’était un travail à tâtons et il me fallait prendre en compte le fait de changer d’environnement culturel. À Hong Kong, il y a par ailleurs une culture de l’utilisation de tous les outils audiovisuels (comme la vidéo) dans le théâtre qui est peut-être plus forte qu’en France. Chan Kwun Fee, la metteuse en scène, travaille avec ces différents médias. Il y a peut-être à Hong Kong une relation plus fluide et naturelle entre cinéma et théâtre.

Quels sont vos projets, une fois rentrée en Europe ?

J’espère pouvoir y produire A Tidal Home.

Nous avons déjà un théâtre à Berlin qui souhaite accueillir la production. Nous aimerions en trouver un second en France !

J’espère que la pièce rencontrera son public en Europe. Par ailleurs, j’ai écrit une autre pièce, La Théorie, sur le phénomène des théories conspirationnistes. Elle va être montée à Antibes puis à Paris au Théâtre de l'Étoile du Nord en novembre.

Pour finir, quelles seraient vos recommandations parmi les titres de la médiathèque de l’AF ?

J’ai vu que vous aviez La Femme du magicien de Charyn et Boucq, qui est l’une de mes BD préférées ! J’aime aussi beaucoup Bastien Vivès depuis ses débuts.

Il y a aussi Baru et les albums de J. Ferrandez sur les relations franco-algériennes. Côté romans, j’aime beaucoup Marie NDiaye et Anna Moï. Et enfin, Marie-Aude Murail et Daniel Pennac : ce sont des auteurs avec lesquels j’ai grandi.

在某個不知名城市裏，災難隨 時會臨到；許多人物遭遇同樣 的事件，但彼此卻沒有交集。 橫蠻霸道的市長一心只想著他 新 建的 法老王市 政 廳即將開 幕；他的女兒卻在想辦法逃離 他。一群化作人形的蟑螂正在覓 食。一位菲律賓裔女演員想念她 離鄉別井、歷盡艱辛的父親。與 此同時在天堂裏，老子正在與意 大利名建築師 Tommaso Francini （曾為法國皇宮庭園設計過多 座噴泉) 對話……水的元素在劇

作中無處不在。今年夏天在土瓜 灣牛棚藝術村上演的《漂泊居留 所》，劇情實在難以用三言兩語 概括。四位演員會隨着場景演 變而轉換身分，令情節變得更 加錯綜複雜。這部融合粵語、 英語、他加祿語的作品，與觀 眾探討了生態、社 會問題、少 數民族地位、女權主義等多個 議題。《漂泊居留所》是甄彩菱 （Marie Yan）的第八部作品。 《東西譚》雜誌榮幸邀請到她 接受我們訪問。 甄 彩 菱的 媽 媽 是法 德 混 血兒，爸 爸 是 香 港 人；她自己則在巴黎附近的伊夫林長大。談到 自己的身世，她說﹕ 「我爸爸首先在香港法國 文化協會學了基本的法語，之後就在1970年 代末買了一張飛往法國的單 程機票，因為想 要深入認識巴黎、博物館、繪畫。他就讀法國 美術學院，畢業後繼 續留在法國。我父母二 人都是畫家。爸爸在蒙馬特（Montmartre）的 小丘廣場（Place du Tertre）工作。到目前為 止，我去過香港的次數不多，因為我和兩個兄 弟三人輪流去。」甄彩菱修讀完文學之後就在 愛丁堡和柏林生活及工作。 《東西譚》﹕你最初怎樣接觸到戲劇？ 甄﹕我很幸運，很早就與戲劇邂逅，因為媽媽 喜歡戲劇，經常會帶我一同欣賞。之後我在高 中就開始參與戲劇，當時並沒有特別想將戲 劇變成自己的事業，但我非常喜歡大家一同 創作出一些事物的感覺。我對導演或表演並 不特別感興趣，反而一直都愛好文學。我與戲 劇最重要的相遇是Bernard-Marie Koltès的 作品。我終於發覺戲劇這種文學藝術可以像 小說一樣吸引我。他的作品《夜晚就在森 林 前方》（La Nuit juste avant les forêts）使我印 象深刻，特別是他將不同層次的語言揉合在 其中。這一點與我的經 歷很相符，因為我既 來自巴黎郊區，又同時喜愛法國古典文學的用 詞，所以我能寫出類似的東西。第二個重要時 刻是觀看Wajdi Mouawad（現為巴黎Colline 劇院的總監）的話劇，特別是 他的《約束 之 血） （Le Sang des Promesses）三部曲。我首 先在薩特魯維爾劇院（Sartrouville）觀賞《森 林》（Forêts》，然後是《火焰》（Incendies） ，最後是《海岸》（Littoral）。我喜歡的是他 作品裏史詩般的一面，可能是我從他身上看

到自己，因為他是黎巴嫩裔，卻在加拿大開展 劇作家的生涯，與我一樣是多重身份。 對你來說，有什麼東西只能用戲劇來表達？ 戲劇的弔詭之處是，最有分量的表達可能是 各種形式的沉默。換成一本書的話，則可能是 一片空白，或者我們在字裏行間得知某人物 沉默無語，然而這種表達相比舞台上的沉默， 性質並不完全相同。當人物甲講完話，但人物 乙無言以對時，所 帶出的厚重會令我感到著 迷；此時觀眾會將自己完全投射到正在等待 回應的角色之中。 你是如何開始戲劇寫作？ 我 當 時 一心只想做一件 事 —— 寫作。我 在 2013 年去愛丁堡攻讀形體戲劇學位，而一切都 是在那裏開始。在英國，尤其是在蘇格蘭，當 地會舉辦很多培育劇作家的項目，我亦從中受 惠良多。格拉斯哥有一項常規活動，名叫「劇 作家漸進訓練」 （progressive playright）。參加 者每人要寫一篇約要花十分鐘閱讀的文字。 到了活動當日的晚上，公眾就會開始投票。他 們都非常友善，我們會與他們直接交流。就是 在這種機緣之下，他們提議我完成劇本後就 搬上舞台。在英語國家的文化裏，他們認為寫 作就像任何其他藝術一樣，是一門手藝，必 須經過學習來掌握。因此，必須由某處起步， 一點一點地積累、精進。但是法國，人們的腦 海裏盡是那些橫空出世的天才，例如17歲的 蘭波（Rimbaud）。在英國，許多作品都是在 酒吧完成，所以很輕鬆。或許現在法國也有類 似的地方。 可以告訴我們《漂泊居留所》這部作品的由 來嗎？ 這部劇的中心主 題 ——「home」（家），是 我 與兩位 監製張 嘉芸和譚 玉婷 共同構思出 來。Home在法語中可以有不同的翻譯 —— 「c h e z - s o i 」，可 以 指 有 形 或 無 形 的 家； 還有「maison」、「famille」等等。我在裏面 改進了一種我之前已經用過的戲劇技巧，就 是針對劇作的主題與個人以至一群人面談， 從中獲取可以創造出情境的材料。這種技巧 更常用於紀錄式戲劇，然而最終的劇本卻是 完全虛構；它的目的是在舞台上有非常分別的 角色以及原型，用來代表不同的社會階層。我 還希望這部劇能與不同層面的觀眾接觸。我 特別喜歡為喜劇演員寫作。通常我會問他們 想扮演什麼角色，或者他們從未試過什麼角 色。 在香港上演作品與在法國有什麼不同？ 在法國，我大致知道會面對什麼樣的觀眾； 在香港，我不得不依靠劇組的建議來了解本

地觀眾的視角。我要不斷從錯誤中改進，因 為我要顧及文化環境的變化。香港的戲劇文 化之一是會在劇院內使用各種 視聽工具（例 如影片），他們在這方面可能比法國還擅長。 《漂泊居留所》的劇場導演陳冠而就擅長利 用這些多媒體來演出。在香港，電影界與戲 劇界的關係或許比較融洽自然。 回到歐洲後，你有什麼打算？ 我希望能在歐洲上演《漂泊居留所》。我們已 經在柏林找到一間有意演出的劇院。但願在 法國還可以找到下一間﹗我希望這部劇能在 歐洲找到知音的觀眾。另外，我還寫了另一部 關於陰謀論現象的作品《La Théorie》，首演 地點是安提伯（Antibes），然後十一月再在巴 黎上演。 最 後 一 條 問 題，在我 們 法協 圖 書 館 的 館 藏 裏，有沒有哪些作品你認為值得推介？ 我看到你們有Charyn與Boucq的《La Femme du magicien》（魔法師之妻），是我最愛的漫 畫之一！我也喜歡Bastien Vivès出道以來所有 作品，還有Baru 與 J. Ferrandez 所畫，關於法 國與阿爾及利亞關係的作品。小說的話，我非 常喜歡 Marie NDiaye 和 Anna Moï。最後是 Marie-Aude Murail 和 Daniel Pennac，我從 小就是看他們的書長大。

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Dans les coulisses de l’opéra cantonais 細數粵劇台前幕後 Texte 文: Karine Yoakim Pasquier, en partenariat avec Le Petit Journal Hong Kong

Inscrit au patrimoine culturel et immatériel de l’humanité, l’opéra cantonais est un art mêlant chant, danse, arts martiaux et musique. Si les spectacles sont parfois difficiles d’accès pour le public occidental, ceux-ci cachent un savoir-faire millénaire.

Aujourd’hui, il se réinvente, évolue et enrichit Hong Kong de son histoire singulière.

Pour découvrir ses diverses facettes, je suis partie à la rencontre de quatre spécialistes de ce domaine : Carmen Wong, curatrice du Hong Kong Heritage Museum de Sha Tin, Naomi Chung, responsable du Xiqu Center, à West Kowloon, ainsi que Lam Kwan-Ling, ancienne actrice et désormais administratrice d’un théâtre traditionnel de bambou et Alan Tam Wing-Lun, jeune étoile montante de l’opéra cantonais à Hong Kong.

© Bar Wo Cantonese School of Opera

Acteur d’opéra cantonais, une vocation multidisciplinaire Au sein du magnifique Heritage Museum de Sha Tin, Carmen Wong, curatrice du Cantonese Opera Heritage Hall, me présente l’opéra cantonais de la manière suivante : « Quatre aspects définissent clairement l’opéra cantonais : le chant et la musique, les mouvements corporels incluant les yeux, les mains et le corps, la narration et les arts martiaux ». Alors que nous sommes assises sous les tréteaux d’un théâtre de bambou reconstitué pour l’exposition, Carmen précise : « L’opéra cantonais mêle récits, musique traditionnelle, danses, acrobaties et acoustique.

C’est un mélange intense et impressionnant des différents arts classiques chinois. » Devenir professionnel est donc un travail qui demande des compétences dans de multiples domaines.

C’est ce que me confirme Naomi Chung, responsable de la programmation du Xiqu Centre : « Les acteurs doivent maîtriser ces quatre éléments. Mais ce qu’ils doivent également maîtriser, c’est la beauté et l’esthétique… »

Pour en savoir plus sur ce métier, j’interroge Lam Kwan-Ling, une artiste ayant connu ses heures de gloire dans les années 80.

Après une formation au sein de la Bar Wo Cantonese School of Opera, Lam Kwan-Ling part en tournée en 1983. De l’Amérique du Nord à Singapour ou la Malaisie, elle incarne de multiples rôles sur les scènes du monde entier : « N’étant ni soprano ni dotée d’un physique long et fin, j’ai essentiellement joué des rôles masculins. ». En effet, en fonction de leur voix et de leurs caractéristiques corporelles, les rôles ne sont pas uniquement réservés à un genre précis.

L’opéra cantonais est un art difficile. Les artistes doivent investir — en temps et en argent, me dit-elle : « À l’inverse du théâtre occidental où les costumes appartiennent souvent à la troupe, un acteur d’opéra cantonais devra acheter ses propres costumes.

Il faut donc avoir les moyens de se constituer une garde-robe qui évoluera en fonction des rôles que vous interpréterez. » Et la création des costumes doit répondre à certains codes précis.

En effet, si un acteur peut adapter sa tenue aux tendances du moment, il faudra néanmoins suivre certaines règles. De la couleur des tissus, aux chaussures ou aux accessoires, chaque élément informera l’assistance de la trame de l’histoire et du statut social des personnages. Il est par conséquent difficile de réutiliser un costume pour une autre production.

Au fil du temps, les artistes réinvestissent donc leurs revenus dans leur garde-robe, fournissant ainsi au public une indication de leur succès. Mais ce n’est pas facile, nous dit Lam KwanLing : « Lorsque vous avez la chance de jouer l’un des premiers rôles, vous aurez besoin de nombreuses tenues. Il devient dès lors difficile de pouvoir suivre financièrement et il faut parfois renoncer à quelque chose à un moment donné. » Prise de court par les exigences du métier, Lam Kwan-Ling quitte alors la scène et accepte un poste administratif, avant de gérer un théâtre de bambou.

Le Xiqu Centre de West Kowloon © Xiqu Center

eux-mêmes. La procédure est simple : après avoir lavé votre visage, vous appliquez un fond de teint, suivi du fard à joues.

Il faudra ensuite colorer vos sourcils. Pour les hommes ou les femmes, la méthode est similaire : ce sont les sourcils qui seront différents. Ceux des hommes seront plus épais, et ceux des femmes s’éclairciront vers la fin. Pour relever leurs sourcils, les interprètes jouant un rôle masculin enroulent une bande de gaze noire autour de leur tête. Les femmes, quant à elles, utilisent du ruban adhésif. »

Mais si cette activité reste difficile, de jeunes artistes continuent de s’y intéresser. C’est le cas d’Alan Tam Wing-Lun, un petit prodige de l’opéra cantonais, qui s’est pris de passion pour cette discipline alors qu’il n’était âgé que de trois ans à peine. Son amour pour l’opéra cantonais ne le quittera plus et, en parallèle à ses études, il se dévouera à son apprentissage. Il deviendra professionnel très jeune et remportera à 20 ans le Hong Kong Arts Development Council Award for Young Artist.

Du maquillage aux costumes, un art total Au-delà des costumes, les comédiens doivent être polyvalents, me confie Lam Kwan-Ling : « Les artistes doivent se maquiller

Le Hong Kong Heritage Museum de Shatin © Karine Yoakim Pasquier

Alan Tam Wing-Lun, acteur phare du Tea House Theater du Xiqu Centre, confirme : « J’ai besoin de trois heures en coulisses avant de monter sur scène. Je me maquille, me coiffe, applique mon bandeau pour relever les sourcils. Le bandeau tire la peau et cela peut être parfois douloureux. Pour maintenir les cheveux en place, nous utilisons également un baume fait à partir d’alcool chinois. Cela me prend environ une heure, puis j’ai besoin de temps supplémentaire pour répéter mon texte et me glisser dans mon personnage. »

© Bar Wo Cantonese School of Opera

Tout comme les costumes, le maquillage définira les personnages : « Le blanc signifie la ruse, le rouge caractérisera une figure combattante… » précise Carmen Wong. Le clown a par exemple une tache blanche entre le nez et les yeux. Un personnage malade se verra dessiner une fine ligne rouge entre ses sourcils. Les rôles agressifs et frustrés auront une forme de flèche s’estompant sur le front.

22 L’opéra cantonais, un art dédié aux divinités Souvent lié aux fêtes traditionnelles, l’opéra cantonais laisse une place importante aux croyances. Que l’on célèbre l’anniversaire d’un dieu, inaugure un temple ou honore ses ancêtres, les spectacles ont une fonction spirituelle majeure et les acteurs observent des rituels très précis pour s’assurer les bons auspices.

En effet, en plus de célébrer les déités et de rendre hommage à Wah Gong Seen See, la divinité protectrice de l’opéra, les artistes doivent suivre un certain nombre de tabous et de superstitions pour que tout se passe bien. « L’opéra cantonais sert à payer un tribut aux dieux, à leur rendre hommage ou à leur demander de veiller sur une population et leur apporter paix et repos, comme lors du Bun Festival de Cheung Chau, où des spectacles sont organisés pour l’occasion », me dit Carmen Wong. C’est également le cas du Hungry Ghost Festival. Dans ce cadre, des représentations sont orchestrées afin de divertir les ancêtres revenus sur terre. Il est dès lors courant d’en programmer pour apaiser ces esprits et s’assurer qu’ils ne hantent pas les vivants.

En complément, lorsqu’un théâtre de bambou est installé sur un nouvel emplacement, une cérémonie particulière est réalisée : Yuen Tarn apprivoisant le tigre. Toute troupe joue ce spectacle inaugural chaque fois qu’elle s’établit dans un nouveau lieu, me dit Lam Kwan-Ling : « Deux comédiens incarnent Yuen Tarn et le tigre. Yuen Tarn doit alors apprivoiser le tigre avant la vraie représentation. » Naomi Chung complète : « Le rituel, qui dure environ dix minutes, doit avoir lieu dans le silence le plus complet. Cela se fait donc sans public. » Mais de nombreux autres interdits sont observés, comme éviter de marcher à pas lourds, ne pas s’asseoir sur la boîte contenant la divinité ou déposer des bâtons d’encens sur l’autel de Wah Gong. « Si l’on ne respecte pas ces codes, me dit Lam KwanLing, les esprits pourront être offensés et la troupe pourra en souffrir. » De la perte de voix à la possession, en passant par la malchance, les conséquences pourraient être terribles. « Le jour de l’ouverture du spectacle, l’acteur incarnant le rôle de soutien masculin devra arriver en avance et écrire les mots “grande chance” sur les poteaux en bambou à proximité du Maître. Le caractère “chance” doit être écrit verticalement et les traits ne doivent pas se toucher. Nous appelons cette cérémonie “Ouvrir le stylo”. Une fois ceci fait, nous pouvons alors donner de l’encens à Wah Gong, ce que nous faisons chaque jour pendant toute la durée des représentations. »

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Si auparavant la statue du dieu était surveillée par un gardien, les choses ont désormais changé. Mais les tabous persistent. Dans les coulisses du Xiqu Centre, Wah Gong se dresse fièrement sur son autel, des offrandes posées devant lui. Lorsque je demande à Lam Kwan-Ling ce qui se passerait si les interdits n’étaient pas respectés, celle-ci sourit : « Je n’ai jamais été personnellement témoin d’une malédiction… mais c’est notre tradition et aucun acteur ne serait assez audacieux pour prendre ce risque et perdre sa voix. » Un art en perpétuelle évolution Si l’opéra est composé de classiques tels que La Princesse Chang Ping, La Célébration des Huit Immortels ou The Installation of Six States, il ne cesse de se réinventer. « L’opéra cantonais a toujours évolué avec son époque » me confirme Carmen Wong. Qu’il s’agisse du personnage de cow-boy ramené des États-Unis par Kwan Tak-hing, dans les années 20, aux costumes évoluant en fonction de la mode, ainsi qu’aux dialogues, réinterprétés par les acteurs, les spectacles se font à leur temps. « L’opéra cantonais n’a jamais disparu et s’est adapté à l’évolution des mœurs. Qu’il s’agisse des costumes, des coiffures, des musiques ou de la mise en scène, les spectacles s’adaptent aux goûts du public et à leur époque. », me dit Naomi Chung. C’est d’ailleurs le cas du Black Box Chinese Opera Festival que met sur pied le Xiqu Centre, qui valorise les productions originales offrant de nouvelles perspectives sur l’histoire, l’évolution et l’avenir de l’opéra chinois. Dans ce cadre-là, de nombreuses troupes présenteront des spectacles inédits afin de donner au public un aperçu de la diversité et de la vitalité de cet art en perpétuel mouvement.

Pour aller écouter de l’opéra cantonais à Hong Kong : • L e Centre Xiqu, spécialement conçu pour l’opéra cantonais ainsi que pour d’autres formes de théâtre traditionnel chinois, propose spectacles et ateliers pour permettre aux curieux de se plonger dans cet univers unique.

• C onstruit en 1930, le Yau Ma Tei Theatre est l’un des seuls vestiges d’avant-guerre se trouvant en ville à Hong Kong.

Réouvert depuis 2012, il est aujourd’hui dédié à l’opéra cantonais.

• L e Sunbeam Theatre, à North Point, est une institution, présentant des spectacles réguliers, qu’il s’agisse de classiques ou de comédies plus récentes.

• L e Ko Shan Theatre, inauguré en 2014, accueille le public en suivant le concept « un théâtre dans un parc, un parc dans un théâtre » et abrite un Cantonese Opera Education and Information Centre

© Bar Wo Cantonese School of Opera

粵劇揉合唱歌、跳舞、武術、音樂四種工藝，早 年更獲聯合國教科文組織列入世界非物質文化 遺產。然而，這塊蘊含上千年廣東藝術文化精 萃的玫寶，卻少有西方人能看清其面貌。如今， 經歷變遷的粵劇早已在香港推陳出新，繼續以 其深厚而獨特的歷史為本地文化注入底蘊。

我們邀請到四位粵劇專家，帶大家以多個角度探討粵劇文化——香港 文化博物館館長王家敏、西九龍劇曲中心表演藝術主管（戲曲）鍾珍 珍、前粵劇演員（現為傳統戲棚負責人）林群翎、香港粵劇年青紅伶 譚穎倫。 十項全能的粵劇演員 我們先去到香港著名的文化博物館，由粵劇文物館館長王家敏簡單介 紹粵劇的元素：「粵劇的最大特色是有唱、做、唸、打四門表藝工藝。」 王家敏帶我們到一個為展覽而改建的戲棚底下，我們坐下後聽她詳 述﹕ 「粵劇結合了敘事、傳統中樂、舞蹈、雜耍、聲學，富有令人嘆為觀 止的多種傳統中國藝術。」所以，若想成為專業的粵劇伶人，就必須精 通多門技藝。劇曲中心表演藝術主管鍾珍珍亦道﹕ 「掌握唱做唸打四 大元素是粵劇演員的必要條件，但這只是基本，另外他們還要有美感 及懂得美學……」 為更加了解這門專業，我們採訪了八十年代活躍於劇壇的前粵劇伶人 林群翎。林群翎在八和粵劇學院完成課程後，就開始巡迴演出，足跡 遍及北美、星加玻、馬來西亞等多地，扮演過多個角色：「我並非女高 音，亦不是修長苗條的身型，所以多數飾演男角。」事實上，戲班會根 據演員個別的聲線以及身體特徵來分配角色，並非一成不變。然而， 粵劇始終是門不易的藝術，學藝時要投入不少時間金錢。林 群翎憶 述﹕ 「西方的劇團會為演員準備好戲服，但粵劇演員就要自行張羅，因 此要因應自己所演的角色，為衣櫃添置不同的戲服。」訂製戲服時，又 要遵循特定的標準。事實上，如果演員想穿上切合某一部劇的衣飾， 就不得不跟隨某些要求，包括顏色、質料、鞋和飾物，因為服裝上的每 項元素都會向觀眾傳達劇情以及角色的身分地位。所以同一套服裝很 難在另一套劇裏重用。 因此，在演員的生涯裏，收入中有相當一部分會用來購置衣飾，順便 營造自己演藝事業一帆風順的形象。但要做到這點亦殊不簡單，林群 翎坦言：「如果有幸能擔當主角，就代表要準備大量戲服，在財務上 會帶來相當大的負擔。到了某個地步，你不得不有所取捨。」有感演 戲的路舉步維艱，林群翎只好走下戲台，改而從事管理，後來更擔任 戲棚的主管。 雖然粵戲的技術門檻極高，但仍然不斷有新血加入。以譚穎倫為例， 這名粵劇神童自三歲 起 就情迷「大戲」，對這門藝術的熱情始終未 減；在兼顧學業之餘，更開始去戲班做學徒。他在年僅二十歲時，就獲 香港藝術發展局頒發「藝術新秀獎」。 由化妝至服裝，無一不是藝術 除了戲服以外，演員還有其他技藝要兼顧。林群翎補充道：「演員還要 自行化妝。步驟很簡單——洗面，塗粉底，上姻脂。之後是畫眉。生、旦 畫的眉都差不多，分別在於眉的形狀。小生的眉比較粗；花旦的眉向外 收窄。為了將眉毛戚起，小生會用頭帶纏住髮際再吊高眼角；花旦則是 貼膠紙。」 在戲曲中心茶館劇場擔任駐場演員的譚穎倫亦提到：「我登台前要先 在後台準備足足三小時，化妝、整髮型，再戴上頭帶吊起眼眉。頭帶 會扯住頭皮，有時更會戴到頭痛。我們為了保持髮型，會塗上用中國 酒製作的髮膏。整個過程大約需要一小時，之後我會再花時間溫習台 詞、代入角色。」 王家敏解釋：「除了服裝以外，妝容亦是角色的象徵。白面代表奸詐；紅面 多是武生。又以丑角為例，鼻與雙眼之間會點上一點。患病的角色在眉宇 間有一條紅色幼線。剛烈和失意的角色在額頭會畫有一個漸淡的箭嘴。

神功大戲 —— 祭神的藝術 粵劇經常都與傳統節日掛勾，有濃厚的信仰色彩，上演的目的可以是 記念神仙壽誕、為寺廟開光、奉祀先人等，此時節目會兼具拜祭的功 用；演員為祈求好意頭，會進行特定的儀式。除了拜祭戲神華光大帝 之外，戲班為求一切順利，更必須遵守種種清規戒律。 王家敏繼續講述：「以往的粵劇是用來向神明獻祭、表忠，或請求神 仙看顧族人，保佑平安；例如，在長洲的太平清醮期間會安排特別演 出。」另外還有盂蘭勝會，相傳先人會在此時重返陽間，所以要演戲 酬祀，安撫亡靈，以免他們在人間作亂。 另外，每當某個地方築起新戲棚時，都會特別上演開張節目——祭白 虎；這是戲班在遷到新位址時必演的「破台」戲目。林群翎詳述﹕ 「兩 名演員分別飾演玄壇及白虎。在正式戲碼上演前，玄壇必須將白虎降 伏。」鍾珍珍補充：「祭白虎儀式需時約十分鐘，而且必須閉口演出， 因此不能有觀眾。」 此外還有其他禁忌的事，例如踏步、坐在神明所在的箱之上、向華光 大帝上香。林群翎解釋：「如果不守戒律，就會觸犯神明，令戲班遭 禍，譬如失聲、被鬼附、交惡運，後果不堪設想。在開演當日，丑生 要提早到場，在後台的竹杆上寫上「大吉」二字。「吉」字一定要直寫， 「口」字一定要開口，以示吉利。我們稱之為「開筆」儀式。儀式完成 後才可以向華光大帝上香；每日演出的整個過程間，香火必須維持不 斷。 以前我們更會安排專人看守大帝神像；雖然現在已不會派人看守，但 這項禁忌仍然要遵遁。在戲曲中心的後台，華光大帝在祭壇上站姿威 風澟澟，面前更不乏供品。我們問林群翎如果不遵守禁忌會有什麼下 場，她笑答：「我從未親眼目睹過有人被詛咒……我們的習俗由來已 久，沒有哪個演員敢冒險犯禁然後失聲。」 不斷推陳出新的藝術形式 粵劇是由《帝女花》、《八仙賀壽》、《六國大封相》等經典作品組成 的劇種，然而粵劇藝術亦在不斷自我革新。王家敏亦認為：「粵劇一直 在與時並進。」例如，關德興在1920年代由美國帶回來牛仔角色；舞 台服裝亦隨衣著時尚而進化；演員又會重新演繹舊有對話，務求令表 演追上時代。 鍾珍珍認為：「粵劇從未絕跡，反而隨着現代習俗而演變；不論是服 裝、髮飾、音樂、舞台布置，都嘗試迎合當時觀眾的口味。」戲曲中心亦 舉辦「小劇場戲曲節」，為傳統戲曲營造新氣象，以傳承、開拓、創新 為核心理念，重新炮製傳統曲目。在小劇場戲曲節的號召下，許多戲班 前來嚮應，為觀眾演示戲曲藝術如何以多元、活力的方式流傳不息。 在香港欣賞粵曲的地點﹕ • 戲曲中心是專為粵劇及其他類型的中國傳統戲曲而設計；除了安 排表演外還會舉辦工作坊，讓有興趣的人士盡情在戲曲的世界 裏漫遊。 • 油麻地戲院建於1930年，是香港碩果僅存的戰前遺蹟之一，經過 翻新後於2012年重開，現時專門提供作粵劇表演用途。 • 北角的新光戲院大劇場會定期舉辦各種演出，包括經典戲目、較 新年代的喜劇。 • 高山劇場於2014年啟用，以「院中有園，園中有院」為理念，歡迎 公眾參觀，另外更設有粵劇教育及資訊中心。

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poésie

詩詞

Portrait de Charles Baudelaire par Gustave Courbet (1848)

Baudelaire et ses Fleurs du Mal, Hymnes du beau bizarre 波德萊爾與《惡之華》，美麗怪胎之詩 Texte 文 : Matthieu Motte

« Ce livre est un hôpital ouvert à toutes les démences de l’esprit, à toutes les putridités du cœur ; encore si c’était pour les guérir, mais elles sont incurables » peut-on lire dans Le Figaro du 5 juillet 1857, quelques jours après la parution du recueil. Électrochoc dans le landerneau littéraire parisien d’alors, on imagine mal le brûlot au programme du bac un jour... La poésie de Baudelaire est électrique, câblée d’une énergie noire et hypnotique. Malsaines, furieuses, enivrantes, les Fleurs du Mal exhalent le souffre et le parfum du scandale depuis le premier jour. Leur auteur est encore aujourd’hui, à l’heure du bicentenaire de sa naissance, le peintre ultime de la vie moderne, le poète le plus lu et le plus célébré pour son grand Œuvre unique.

Hymnes aux alchimies du verbe Sexe, opium, Satan, névrose, nul ne manque au sabbat de la « sorcellerie évocatoire » et pourtant l’alchimie opère. Sa poésie produit sur l’adolescent qui plonge dans cet inconnu une décharge dont il se souvient longtemps, une défiance, une répulsion peutêtre, ou une fascination inexplicable mais qu’importe, l’œuvre travaille en lui, les mots souterrains des premières lectures lui offrent le prisme d’une réalité neuve, soudaine, intrigante, sibylline et romantique. Ainsi le postulat : la beauté est « toujours bizarre », parfois hideuse, souvent glaçante... Lire l’épigone Rimbaud qui des années plus tard abonde en ce sens : « Un soir, j'ai assis la Beauté sur mes genoux. − Et je l'ai trouvée amère. − Et je l'ai injuriée ». Mais les danses macabres auxquelles Baudelaire

vous convie ne se complaisent ni dans le glauque ni dans le mortifère − pas de séance de spiritisme alcoolisée au PèreLachaise au menu − non, le projet n’est autre que l’Idéal aurifère, la transmutation de l’âme, là-bas...: « Ô vous, soyez témoins que j’ai fait mon devoir, Comme un parfait chimiste et comme une âme sainte. Car j’ai de chaque chose extrait la quintessence, Tu m’as donné ta boue et j’en ai fait de l’or. » Le Poëte (Baudelaire use de ce tréma décati dans ses corrections) s’assigne lui-même cette mission : transformer le quotidien, transmuer les passions tristes, refonder une vie artiste dont le seul salut sera l’exigence du Sublime (au sens alchimique) ou la Mort (autre idéal) :

Hymnes de la mélancolie, le Spleen de l’Œuvre au Noir

« Nous userons notre âme en de subtils complots, Et nous démolirons mainte lourde armature, Avant de contempler la grande Créature ! » La Mort des Artistes

L’Idéal est Ailleurs Un Idéal donc, ambigu, un Ailleurs, ambivalent, entre anges et démons. Baudelaire se propose d’y accéder à grands coups de paradoxes comme d’autres philosophent à coups de marteaux ; par l’alliance des contraires, le choc des analogies et la puissance de l’oxymore, déjà contenue dans le titre des Fleurs du Mal : « Plonger au fond du gouffre, Enfer ou Ciel, qu'importe ? Au fond de l'inconnu, pour trouver du nouveau ! ». S’immiscer dans tous les « gouffres amers », vils, maudits, fangeux, de Paname ou du Moi, pour en faire saillir les étincelles du Beau, du Vrai, du Bien. « La mélancolie est l’illustre compagnon de la beauté ; elle l’est si bien que je ne peux concevoir aucune beauté qui ne porte en elle sa tristesse » confesse-t-il car c’est bien dans l’intervalle entre les fanges du Spleen et les sphères de l’idéal que se rencogne la condition humaine, encline à des aspirations contraires qui se bousculent. Certes vous retrouverez les topoï habituels : tempus fugit, amours déçues, saisons comme paysages de l’âme, finitude lancinante qui sont autant de clichés rebattus mais Baudelaire fait valdinguer leur traitement en alexandrins. Car s’il est au carrefour de trois mouvements : romantisme, symbolisme et Parnasse (le recueil est dédié à Théophile Gauthier), il fait surtout voler en éclat l’image poétique affadie par des siècles de mièvreries. Ainsi le recueil à l’origine devait s’intituler « les Lesbiennes » puis « les Limbes », références que n’aurait pas reniées l’embastillé marquis de Sade du fond de sa geôle. L’auteur tranchera finalement pour « Les Fleurs du Mal », dont l’éclosion ne pourra avoir lieu que dans un Enfer pétri de contradictions : l’âme humaine. Sans Baudelaire, pas de Rimbaud : ce dernier reconnaît la filiation après avoir dénigré dans la même missive les fossiles de l’Académie, un Hugo trop cabochard, et le Musset exécrable... Il n’en reste qu’un qui a su « inspecter l’invisible et entendre l’inouï étant autre chose que reprendre l’esprit des choses mortes » c’est Baudelaire « premier voyant, roi des poètes, un vrai Dieu. »

« Si Baudelaire avait gobé des antidépresseurs, il n’aurait jamais écrit les Fleurs du Mal ». Lorsque notre professeur de khâgne M. Miraux prononçait cette phrase en ouverture d’un cours, il n’ignorait pas que l’anachronisme nous ferait rire. Pipe d’opium en solo, club des Haschischins, laudanum pour apaiser sa syphilis, vin des amants et nectars divers... On savait que les « paradis artificiels » auxquels goûtait Baudelaire n’arrangeaient pas sa santé fragile. Au contraire et c’est souvent méconnu : il a noir sur blanc affirmé dans l’éponyme essai paru en 1860 que ces addictions sont perverses et que le poète véritable n’a nul besoin de drogues pour laisser infuser l’inspiration : « les vices de l'Homme sont la preuve de son goût pour l'infini. Seulement, c'est un goût qui se trompe souvent de route. » Pour les antidépresseurs il faudra attendre 1952, et c’est donc avec un siècle d’écart que Baudelaire déverse sa noirceur. Cette profonde Melancholia qui tire son étymologie du grec puis de l’anglais et qui signifie « rate », le poëte l’utilise en référence à la théorie des humeurs du médecin de l’Antiquité Hippocrate. L’organe selon lui sécrétait la « bile noire », ce poison responsable de l’angoisse du temps qui s’égrène, de la nostalgie, de la culpabilité... et de l’Ennui, l’infatigable ennemi ! L’écriture des Fleurs du mal s’étale sur plusieurs années, mais à l’orée de 1857 la structure du recueil et des sections est établie ; les Tableaux Parisiens s’y ajouteront en 1861 (placés juste après la section Spleen et Idéal). D’emblée le Spleen semble conjuré dès les poèmes liminaires : Bénédiction, Le Soleil, Élévation et Correspondances. Élévation évoque son esprit, le seul à se mouvoir « avec agilité » loin des « miasmes morbides », le seul qui « comprend sans effort le langage des fleurs et des choses muettes », que le poète s’échine à déchiffrer. L’Idéal, l’objet de sa quête poétique, semble apparaître par l’entremise des synesthésies, ces figures de style qui entremêlent plusieurs perceptions sensorielles, où « les parfums, les couleurs et les sons se répondent » et qui imprègnent l’ensemble de la prosodie baudelairienne : « II est des parfums frais comme des chairs d’enfants, Doux comme les hautbois, verts comme les prairies, — Et d’autres, corrompus, riches et triomphants, Ayant l’expansion des choses infinies »

Enfin ces quatre pharmakos intitulés Spleen, à la fois remèdes et poisons ; que j’aime à réciter avec les élèves les jours de pluie ou de typhons : « Quand le ciel bas et lourd pèse comme un couvercle Sur l'esprit gémissant en proie aux longs ennuis, Et que de l'horizon embrassant tout le cercle Il nous verse un jour noir plus triste que les nuits »

Comme si le poète avait su trouver les mots qui consolent, comme s’il avait su cerner ce que d’aucuns ressentent au plus profond ; et peut-être plus que jamais à l’adolescence. Le Spleen n’est alors plus ce lénifiant venin qui gangrène et avachit mais la rage créatrice de vivre, la prime étape d’un élan vital qui enjoint à se dépasser, à « voir » et penser au-delà de notre finitude, à s’extirper « anywhere out of the world » vers des cieux éthérés ou des gouffres amers, clabaudant de concert avec le poète que « le Beau est toujours bizarre ».

Sauvés par le Kong / Sauvés pour le Bac / www.sauvesparlekong.com

「這本書是為所有精神錯亂、 心靈 腐 朽的人而 設的 治療所 （雖然 作 者的原意 並非 要 提 供 醫 治，而 且 這 些 人也 無 藥 可救）。」1857年7月5日，《惡之 華》詩 集出版後 幾日，《費加 羅報》送上以上評語。當時令 巴黎文壇大為騷動的作品，難 以想像日後能錄入法國高考課 程，成為棘手的課文……波德 萊爾的詩彷彿帶有電流，能牽 引出黑暗而又催眠的能量。病 態、狂怒、令人頭重腳輕—— 《惡之華》由最初開花起，就一 直在呼出硫磺，還有不光采的 氣味。即使在今日（今年剛好是 波德萊爾的二百歲華誕），波 德萊爾仍然是刻畫現代生活的 表表者，而《惡之華》這部獨一 無二的鉅著，則是最多人讀過、 最受稱訟的偉大作品。 詞藻煉金之詩 性、鴉片、撒旦、神經病，在半夜拜鬼的儀式 中竟沒有「令人回味的巫術」，反倒是煉金術 大行其道。偶然拿起這本作品的年青人，會 陷入詩中，得到難以忘懷的釋放。他 未必會 信服，甚至會排斥，又或者莫明其妙地戀上。 但無論如何，這本詩集終必會撩動他；初次 讀 下隱秘的詞句後，雙眼會打開，在現實中 看到前所未有的嶄新、驟然、妙趣、神秘、浪 漫的事物。所以難免有人認為：美之中「總包 含怪」，有時是駭然，更多時是冷酷……波德 萊爾的擁躉蘭波（Arthur Rimbaud）在幾年 之後更如此下筆：「某夜，我將美放在膝上細 賞。－我看到苦澀。－我將她羞辱。」但是波 德萊爾帶你參加的陰森之旅又不至於令你深 陷暗邪或死靈的舞步——書中沒有前往拉雪 茲神父公墓的醉酒通靈降神會（séance）。應 該說，他不要帶你去煉金，而是去作靈魂的 蛻變……：「你也見到，應作的我已作好，像 個稱 職的煉金術士，像個無垢的靈魂，因為 我已煉出每一點精華。你給我泥石，我卻煉出 黃金。」詩人給自己定下使命：將尋常生活昇 華、將悲傷的情懷轉化、重建藝術的人生，在

其中得到唯一的救贖——昇華（彷如煉金術）， 或是死亡（另一個理想）： 「我們挖空心思，費盡心機， 還要把無數沉重的骨架毁棄， 才能看到那偉大的創造物﹗」 （譯者﹕文愛藝；北京時代華文書局。下同） 藝術家之死

理想何處尋？ 理想既是隱含不清，又總在他方，模棱兩可， 徘徊於天使與魔鬼之間。波德萊爾接受理想 難尋的事實，並利用強烈的矛盾來處理，就像 哲學家的大刀闊斧一樣；擅用對立的歸一、 類比的衝突、矛盾的威力，從《惡之華》的標 題已經可以見 到：「跳入這 未知之國的淵底 去獵獲新奇！管他下地獄還是上天堂，這有什 麼關係？」跳進每一個「苦澀深淵」，經歷險 惡、受咒詛、泥濘——不論是巴拿馬的深淵， 還是自我的深淵——發掘真善美的碎片。「憂 鬱是美的絕佳伴侶；好到我想像不出任何不 帶悲傷的美」他承認，的而且確，在憂鬱的泥 濘與理想的領域之間，人的處境會重新歸一， 容易浮現出矛盾的願望。當然還會發現常見 的意象（topos）：時光飛逝、失戀、象徵靈魂 景觀的四季、限制等等，大都是陳腔濫調，但 波德萊爾用亞歷山大體（alexandrine）將舊 酒裝進前所未見的新瓶中。他處於三個運動 的交叉路口：浪漫派、象徵派、高蹈派（以詩 人Théophile Gauthier命名），卻率先打破幾 個世紀以來因為矯揉造作而積弱的詩壇。波 德萊爾先後想以「女同性戀」 （Lesbiennes）、 「凌波舞」（Limbo）命名詩集（暗指被囚於 巴士底監獄的薩德侯爵（Marquis de Sade） 身陷囹圄無處可逃）。最後，波德 萊 爾 選了 《惡之華》（Les Fleurs du Mal），意思是除 了在充滿矛盾的地獄之外，花不會開。這個 地獄就是人的靈魂。沒有波德萊爾，就沒有 蘭波。蘭波在一封信中嘲笑學院精英群體是 古老石山、雨果太古怪、繆塞為人可憎。自此 以後，蘭波確認自己是波德萊爾的繼承者…… 只有一人有能力「看到無形之物及聽到無聲 之響，而不是在死物中挖掘殘餘生氣」此人 就是波德萊爾，「他是第一位先知，詩中的王 者，真正的上帝。」 憂鬱的詩集，暗黑作品裏的憂鬱 「假 如 波 德 萊 爾 吞 服了抗 抑 鬱 藥，他 就 永 遠寫不出《惡之華》。」文科預備班（classes préparatoires littéraires，又名khâgne）導師 M. Miraux的笑話引得全個教室發笑。獨自 用煙斗抽鴉片、印度大麻俱樂部（Le Club des Hashischins、舒緩梅毒的鴉片酊、情人的酒、

各種花蜜……很明顯，波德萊爾品嚐過的「人 造天堂」，對於他脆弱的身體來說只是飲 鴆 止渴。更何況（少有人提及這一點），波德萊 爾在1860年發表的同名文章中，斬釘截鐵地 寫道上癮是病態行為，真正的詩人不需靠藥 物得到靈 感：「惡習是人類試圖體會無限的 證據。然而妄想窺探無限只會偏行歪路。」 抗抑鬱藥要到1952年才面世，此時距離波德 萊 爾將 他 的黑 暗 釋 放 殆 盡，還有 整 整一 個 世紀。這種深刻的憂鬱症（Melancholia）， 其 詞源自希臘語，還有源自英 語 Spleen，意 思 是「 脾 臟 」。波 德 萊 爾 參 考 古代 醫 生 希 波 格 拉 底的體液 理 論，以「Spleen」借代憂 鬱。根 據 理 論，脾 會分 泌「黑 膽 汁」，這 種 毒藥會令我們擔 擾時間流逝、懷愐過去、內 疚……以及 揮之不去的苦悶！《惡 之華》的 寫作歷時數年之久，但早 在1857年，詩 集的 結構與章節經已確定；1861年版又加入新部 分《巴黎即景》（Tableaux Parisiens)，放在 《憂鬱與理想》(Spleen et Idéal)部分之後。 一 開 始，《 憂 鬱 》似 乎 是 由 頭 幾 首 詩 衍 生 出來——《祝福》（Bénédiction）、《太陽》 （Le Soleil)、《高翔》（Élévation）、《契合》 （Correspondances）。《高翔》喚醒他的靈 魂，成為唯一「飄動」，擺脫「瘟疫橫生的污泥 濁水」的人，唯一一人「領悟百花的芳香與無聲 萬物的語言」 （詩人為了解讀吃力不已）。而理 想則是他在詩裏追尋的目標，並似乎以通感形 式出現；這種修辭手法將幾種感官交織，「氣 味、顏色與聲音相和應」並透達整首詩的上下： 「有的馨香清麗如幼兒的肌膚。 柔和如雙簧管的輕音，青翠如綠色， ——另外一些，則已腐朽，涵蓋了萬物， 像無限無極的事物四散飛揚」

最後四味藥 名為「憂 鬱」，既是解 藥 又是毒 藥；我們喜歡在下雨或刮颱風的時候與學生 一起背誦。 「當天空像蓋子一樣低沉而下垂 傾壓在久已厭倦而呻吟的心上， 當它把整個地平線包圍 灑下比黑夜還要淒慘的陰光；

彷彿詩人早知如何找到安慰的話，彷彿他早 知別人內心深處的感受；或許，人在少年比其 他時 候都更清楚。《憂鬱》不再是舒緩這種 折磨及削弱的毒液，而是對生活發出的嶄新 形式憤怒，是生命悸動的第一階段；呼喚我們 超越自我，呼喚我們「放亮眼」並突破思想的 桎梏，呼喚我們跨離「世界任何一個角落」， 奔向蔚藍的晴空或苦澀的深淵，與詩人同喊 「美總包含怪」。

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le coin des lecteurs

讀者區

Les Outre-mer Texte 文: Hugo Petit

La France d’outre-mer se compose aujourd’hui principalement de cinq « départements et régions d’outre-mer » (DROM) : la Guadeloupe, la Martinique, la Guyane, la Réunion et Mayotte, ainsi que de cinq « collectivités d’outre-mer » (COM) : Saint-Pierre-etMiquelon, Saint-Barthélemy, Saint-Martin, Wallis-et-Futuna et la Polynésie française.

Les Français de métropole en parlent plus volontiers comme des « DOM-TOM », l’ancien acronyme datant d’avant la réforme constitutionnelle de 2003 resté dans le langage courant. Dispersés dans les deux hémisphères, des Caraïbes au Pacifique en passant par l’océan Indien, les Outre-mer français ont connu une histoire douloureuse, marquée par la colonisation et souvent par l’esclavage, mais aussi par les luttes pour l’égalité des droits au sein de la République (avec la départementalisation de 1946) ou pour l’indépendance, et enfin par les migrations vers la métropole. Une histoire dont découlent des sociétés métisses, des langues qui le sont également (les créoles qui se mêlent au français et l’enrichissent), ainsi qu’une importante littérature. De nombreux grands auteurs sont en effet issus des Outre-mer : Aimé Césaire, René Maran, lauréat du prix Goncourt en 1921 et réédité cette année, Edouard Glissant et Maryse Condé, pour n’en citer que quelques-uns. Dans leurs œuvres, ils donnent à voir ces fragments du territoire français qui restent trop méconnus.

Gaël Octavia, La Bonne Histoire de Madeleine Démétrius, Gallimard, 2020 Dans son dernier roman, Gaël Octavia met en scène une écrivaine originaire de la Martinique, qui vit à Paris depuis de nombreuses années, contrairement à ses amies rentrées à Fort-de-France après leurs études en métropole. Contactée inopinément par sa meilleure amie d’adolescence, Madeleine Démétrius, depuis longtemps perdue de vue, la narratrice est brusquement rappelée au souvenir du « tout indivisible » : le groupe de cinq amies dont elles faisaient partie au lycée. Un cercle dont elle avait été mystérieusement exclue, n’ayant pas été invitée au mariage de Madeleine. Celle-ci lui raconte un événement survenu à la même époque, que la narratrice ignorait. Ni lourd secret en apparence, ni anecdote insignifiante pour autant, la « bonne histoire » pique la curiosité de la narratrice : issue d’un milieu modeste, élevée par une mère seule, elle a longtemps été fascinée par la « parfaite » Madeleine, fille de médecins, entourée de parents aimants et ouverts d'esprit... ou bien n’était-ce qu’en apparence ? Un roman à la fois émouvant et sans concession sur les Martiniquais, dont les hommes sont quasiment absents.

Appollo et Serge Huo-Chao-Si, La Grippe coloniale (deux tomes), Vents d’Ouest, 2003 et 2012.

1919. Les Poilus réunionnais rentrent enfin chez eux, après quatre années de tranchées. Parmi eux, quatre amis : Évariste, fils de petits commerçants qui a participé aux mutineries de 17 ; Grondin, une force de la nature que rien ne semble affecter ; Camille, gueule-cassée et issu d’une grande famille de planteurs ; et Voltaire, versé dans un régiment de tirailleurs sénégalais car noir, héros et médaillé, persuadé que ses faits d’armes lui conféreront enfin une citoyenneté à part entière.

Tous ignorent qu’en débarquant à Saint-Denis, ils ramènent avec eux la « grippe espagnole », qui va faire des ravages. La menace n’est pas prise au sérieux par les autorités, persuadées que le climat de l’île protège ses habitants. Le chaos général ne suffit pourtant pas à secouer la société coloniale et ses hiérarchies... Publiée entre 2003 et 2012, l’histoire revêt bien entendu une résonance toute particulière aujourd’hui. Les deux auteurs, réunionnais, ont longtemps participé au fanzine local Le Cri du margouillat.

Suzy Palatin, Petit Dictionnaire insolite des cultures et des langues créoles : Guadeloupe, Guyane, Martinique, Larousse, 2013 « Vann’ van pou achté lè » : vendre du vent pour acheter de l’air, c’est-à-dire « se démener pour rien » est l’une des nombreuses expressions communes aux trois départements que l’on pourra découvrir dans ce petit guide, entre autres proverbes et dictons. De l’abolition définitive de l’esclavage en 1848 jusqu’aux mouvements sociaux de 1967 et 2009, en passant par le « Cyclone 28 » resté dans la mémoire collective des Guadeloupéens, et de la construction du bagne de Cayenne à l’ouverture du centre spatial de Kourou en Guyane, l’on pourra se familiariser avec leur histoire, ainsi que leurs grandes figures : Paulette Nardal, femme de lettres et précurseur de la négritude, Gaston Monnerville qui fut président du Sénat durant presque dix ans, ou encore le jazzman Alain JeanMarie. Un ouvrage idéal pour ceux qui souhaitent en savoir plus sur les cultures et traditions des trois territoires, complété par des recettes de cuisine, un lexique des vocabulaires créoles, ainsi que des tableaux de conjugaison.

Eugène Nicole, L’Œuvre des mers, Éditions de l’Olivier, 2004 Dernier reliquat de ce qui fut le Canada français, les Îles Saint-Pierre-et-Miquelon sont situées au large de Terre-Neuve et peuplées de quelques milliers d’habitants, pour la plupart descendants de Bretons, Basques et Normands. Né dans l’archipel, Eugène Nicole est aujourd’hui spécialiste de Proust et enseigne aux États-Unis. Dans le premier tome de ce roman-fleuve toujours en cours d’écriture, il relate son enfance au début des années 1950. Il y évoque les rigueurs de l’hiver, le souvenir des proches, disparus en mer, et le rapport à la lointaine métropole, située à l’autre extrémité de l’Atlantique : la « mère patrie » décrite par les religieuses que les enfants se contentaient d’imaginer à partir des images de films projetés dans un cinéma nommé « L’Œuvre des mers ».

Autres conseils de lecture, également disponibles à la médiathèque de Jordan : Maryse Condé, Traversée de la Mangrove, Mercure de France, 1989 Le grand roman guadeloupéen de Maryse Condé. Née à Pointe-à-Pitre, l’écrivaine entretient un rapport complexe avec son territoire natal, qu’elle a quitté à l’âge de 16 ans pour n’y revenir que 19 ans plus tard.

Edouard Glissant, Poèmes (Un Champ d’Îles — La Terre inquiète — Les Indes), Éditions du Seuil, 1965 Les premiers recueils de poèmes d’Edouard Glissant (1928-2011), écrivain, philosophe et militant martiniquais.

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langue franÇaise

法語

Retour sur l’été 回到夏日 Texte 文: Jean-Baptiste Larramendy, David Cordina, Diane-Sophie Trevoux La période estivale est une période de forte activité à l’Alliance Française. Nos centres se transforment en véritables ruches, des étudiants de tout âge vaquant ici et là à la découverte de ce précieux nectar que représente la langue française.

Depuis deux ans, le centre de Jordan a également le privilège d’accueillir près d’une centaine d’étudiants grâce au programme d’Immersion pour les universités de Hong Kong. Parrainé et financé par le Consulat général de France et l’Association des membres de la Légion d’Honneur de Hong Kong, ce programme offre l’opportunité aux étudiants qui étudient le français dans leur université de venir passer trois semaines dans nos locaux pour parfaire leurs compétences et découvrir de multiples facettes des cultures francophones.

Ateliers divers sur le vin, sur les villages de France ou Paris, ce tour d’horizon convivial aura satisfait les étudiants curieux de découvrir notre pays d’origine sous un angle nouveau et authentique. Le temps d’un atelier pratique, ils se seront même glissés dans la peau d’un chef pâtissier, leur far breton embaumant la médiathèque de Jordan.

Au-delà de nos murs, l’AF aura également organisé la visite de deux expositions. La première, au musée HKMoA, était consacrée au surréalisme, avec des œuvres choisies de Salvador Dalí, André Masson, ou encore René Magritte. La seconde, « Colours of Congo » à la galerie de l’Université de Hong Kong (UMAG), portait sur les peintures d’artistes congolais de la première moitié du vingtième siècle.

Ce tour d’horizon exceptionnel se sera terminé autour d’un buffet vin et fromages en forme de célébration de la vie et de la langue (française). Champagne !

夏季是法國文化協會的活躍時段。幾間法協中心都繁忙得有如蜂巢一 樣；不同年齡層的學生熙來攘往，忙於採集他們眼中的花蜜——法語 精華。 其中，佐敦中心過往兩年有幸憑藉與香港大學合辦浸沉式法語課程 計劃，獲得近一百名新學員加入。該計劃是由法國總領事館及Légion d’honneur Club Hong Kong Chapter贊助及出資，為正在學法語的大 學生提供三星期的課程，助他們精進法語水平、發掘法語國家多姿多 采的文化。 課程包括紅酒、法國巴黎村莊等主題的工作坊；這一系列氣氛輕鬆的 概覽活動，能誘發好奇的學員以嶄新而真實的角度探索法國的真貌。 在其中一個工作坊，他們甚至嘗試烹調糕點，整個多媒體圖書館充滿 布列塔尼李子蛋糕（far breton）的香氣。 除 室內 教學 活動外，法 協又安排 學員參 觀 兩 個 展 覽。第一 個 是 香 港 藝 術 博 物 館 的 超 現 實主 義 展 覽，精 選 達 利、A nd ré M a s s on、 René Magritte 等名家的作品。第二個是香港大學藝術畫廊的《剛果色 彩》，展覽特別搜羅二十世紀上半葉剛果藝術家的畫作。 這次特別安排的概覽活動，最後亦不忘品味生活及體驗法語，以紅酒 芝士自助餐結束的形式結束。乾杯﹗

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法語

Formation des professeurs en ligne — La deuxième édition du BELC 網上教師培訓——第二屆B ELC Texte 文: Diane-Sophie Trevoux Dans le prolongement de la numérisation de l’enseignement du français, Hong Kong a accueilli sa deuxième édition de l’université régionale BELC – en ligne et en présentiel – après une première séquence réussie en juin 2019.

Après les universités régionales en ligne proposées par France Education International en février 2021 puis le réseau culturel au Kenya en avril, l’Alliance Française de Hong Kong et le Consulat général de France ont proposé trois modules de formation en ligne sur les thèmes de la phonétique, de l’enseignement comodal et de l’enseignement du français langue étrangère au jeune public mené par des formateurs de France et d’Espagne.

Qu’ils soient institutionnels (France Education International, Institut français pour la conférence inaugurale) ou privés (TV5MONDE et éditeurs de FLE : Hachette, Clé International et Didier), des partenariats ont pu être maintenus, grâce notamment à la tenue d’un salon virtuel des éditeurs.

Pour répondre au défi de l’enseignement simultané en présentiel et à distance, dont la pratique se généralise à Hong Kong et plus largement en Asie, un module expérimental sur l’enseignement comodal a été imaginé en partenariat avec l’Académie de l’Alliance française de Paris, avec le soutien de France Education International. Avec un taux de satisfaction de 100 %, ce module à fort potentiel a désormais vocation à être mobilisé par le réseau. De plus, la nouvelle collaboration avec l’Académie de l’Alliance française de Paris-Île-de-France aura vocation à se poursuivre.

Ce format traditionnel a été complété par quatre ateliers thématiques organisés dans les locaux du centre de Jordan. D’une durée de 3h, ils visaient à renforcer les compétences des participants en matière de pratiques pédagogiques numériques (oral en ligne, créer des projets BD, des capsules vidéo pédagogiques et organiser sa veille numérique professionnelle en ligne).

Au total, plus de 100 professionnels du FLE y ont participé (94 participants et 7 formateurs). 54 professeurs de la région (dont une grande partie de coordinateurs de cours) ont participé aux modules en ligne du BELC et 40 professeurs locaux se sont inscrits aux ateliers en présentiel. Une dizaine de pays de la région (Australie, Chine, Inde, Malaisie, Mongolie, Nouvelle-Zélande, Philippines, Thaïlande et Vietnam), regroupant une vingtaine de grandes villes, était représentée.

La conférence consacrée aux évolutions de la formation depuis 2020 a permis d’en évoquer les principaux enjeux : des représentants de grands acteurs du FLE ont partagé leur vision des mutations de l’enseignement du français et des défis que posent l’hybridation accélérée des pratiques pédagogiques et le maintien de l’attractivité du français. 為繼續配合法語教學數碼化進程，繼2019年 6月第一屆BELC（國際對外法語老師培訓）順 利舉辦後，香港再舉辦第二屆BELC，並同時 提供網上及親身課程。 繼 法 國 國 際 教育中心（ Fr a nc e E du c at ion International）2021年2月提供的區域網上大 學課程，以及4月在肯雅辦舉文化聯誼之後， 香 港 法協與 法國總領 事館 提 供了三套 網上 培訓課程，主題分別為語音學、混合授課教 學、對外法語（年輕學員）；導師來自法國及 西班牙。 法 協 與 院 校 組 織（法 國 國 際 教 育中心、法 蘭 西 協 會（ I n s t i t u t F r a n ç a i s）及 私營 機 構（ T V 5 M O N D E、對 外 法 語 書 籍 出 版 社 （Hachette、Clé International、Didier）保持 良好關係；經過一次 虛擬書展之後，合作關 係更加緊密。 由於同時提供面授及遙距課程（在香港以至 整個亞洲的分 會已愈見普遍）有一定困難， 法協在法國國際教育中心的支持下，已經與 巴黎法國文化協會學院合力設計一套混合授 課教學的實驗課程。這套課程滿意度高達百 分之百，潛力無窮；法協即將向整個分會網絡

推行。此外，法協將會繼續與巴黎的法蘭西 學院進行新一輪合作，在佐敦中心舉辦四場 有關加強傳統教學模式的專題工作坊。每個 工作坊歷時三小時，主題均與加強教師在數 碼教學的技能有關（網上口語、建 立漫畫專 題項目、教學影片膠囊、安排專業的網上數碼 監控）；總共有100多位對外法語專業從業員 參加（94名參加者及7名培訓導師）。有54名 亞洲教師（其中大部分是課程 統籌員）參加 BELC網上課程；40名香港本地教師已報名參 加親身工作坊。參加者來自亞洲約十個國家 （澳洲、中國、印度、馬來西亞、蒙 古、紐西 蘭、菲律賓、泰國、越南）二十個大城市。 另外更安排了一場 會議，專門探討2020年開 始教學模式變化所帶來的主要問題。不少著 名的對外法語專家講述了他們對教學演變的 看法，以及混合授課模式漸趨普及以之下，保 持法語魅力的挑戰。

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langue franÇaise

法語

Du côté des étudiants

La visite de l’exposition « Mythologies: Surrealism and Beyond » au HKMoA fut l’occasion pour les étudiants de s’exprimer à propos de l’art. Définition de l’art, chasse au tableau, description des œuvres, points communs entre les artistes, tableaux préférés, mots-croisés… L’exposition fut un réel support à l’apprentissage du français, et nos étudiants ont su faire preuve d’une grande imagination.

L’exposition « Colours of Congo » à l’UMAG a permis aux étudiants de révéler leur créativité. En effet, ils ont dû observer minutieusement les tableaux afin de retrouver certains détails cachés, exprimer leurs impressions et leurs préférences, résoudre des charades, imaginer des dialogues, et reproduire leurs motifs favoris. Certains tableaux leur ont même rappelé Hong Kong.

Nous sommes parfois attachés à des objets pour ce qu’ils disent de nous, de notre enfance, de nos souvenirs… Notre mémoire se dépose sur certains objets, ce qui a inspiré le romancier turc Ohran Pamuk lors de la création du Musée de l’Innocence à Istanbul. Les étudiants ont ainsi créé leur propre musée au centre de Jordan avec des objets qui leur sont chers.

Une classe d’adolescents de niveau A2 avait pour projet de fin de trimestre la création d’un reportage sur un fait marquant. Ce ne sont pas moins de quatre reportages radios et une vidéo qui ont donc été produits sur des sujets tels que le séisme de 2008 au Sichuan.

Projets menés par les professeurs de l’AF : Céline Chane-Sing Guan, Johanna Daste, Jean-Baptiste Larramendy, Aurélien Monnier et Chloé Petit.

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art de vivre

生活的藝術

Le parfum français et son histoire 法國香水與 歷史 Texte 文: Belle Lee Pui Yee 李佩兒

La fabrication de parfums est une pratique très ancienne et la parfumerie un art en soi. Bien qu’invisible, le parfum a un effet puissant sur les sens.

L’histoire du parfum Le mot « parfum » vient du terme latin per fumum, qui signifie « à travers la fumée ».

Dans l’Antiquité, les senteurs constituaient une partie importante des cérémonies religieuses. Les rites consistaient alors à brûler des résines, différents bois et herbes aromatiques en l'honneur des divinités. Cette fonction sacrée est annonciatrice du rôle de premier plan que le parfum va jouer dans les sociétés humaines.

L’encens, la myrrhe et le bois de santal comptent parmi les parfums les plus anciens et leur histoire remonte à plus de 4000 ans.

Avec le développement de la civilisation, les techniques d’extraction des huiles odorantes voient le jour. En 3200 av. J.C. déjà, les Égyptiens avaient inventé une technique d’extraction de l’huile de bois de cèdre, la première huile parfumée à être fabriquée avec succès. Au cours des siècles, ces techniques se sont perfectionnées et l’usage des huiles aromatiques s’est répandu, aux côtés des résines et plantes odoriférantes traditionnelles que l’on continuait à brûler.

Entre le XVIIe et le XIXe siècle, une nouvelle technique d’extraction appelée enfleurage fait son apparition dans le sud de la France. L’enfleurage consiste à placer des pétales de fleur fraîchement récoltés sur une pellicule de matière grasse. Les pétales sont remplacés plusieurs fois jusqu’à ce que la matière grasse soit saturée de leur senteur naturelle. La pâte ainsi obtenue est appelée « pommade ». Au fur et à mesure que les techniques d’extraction se raffinent, l’usage des parfums dépasse la sphère religieuse et s’étend aux domaines médicaux et cosmétiques. On commence à fabriquer des parfums populaires comme l’huile de

rose et l’eau de rose à grande échelle, qui sont vendus aux quatre coins de la terre, ouvrant ainsi la voie à un nouveau marché pour les substances parfumées.

Dans l’Antiquité, les parfums étaient fabriqués sous la forme d’onguents parfumés. Les parfums à base d’alcool ne sont apparus qu’en 1370, suite au développement des techniques de distillation à l’alcool. Aujourd’hui, les parfums à base d’alcool représentent la majorité des parfums sur le marché.

Grasse : le berceau de la parfumerie en France Située en Provence-Alpes-Côte-d’Azur, Grasse est la capitale mondiale de la parfumerie. La douceur de son climat, sa pluviométrie et son sol fertile sont particulièrement propices à la culture des fleurs. Le pays de Grasse génère 80 % de la production française des extraits naturels utilisés dans l’industrie aromatique et cosmétique. Sa place essentielle dans la parfumerie française explique son titre de capitale mondiale de la parfumerie. Les fleurs de jasmin utilisées dans la production du célébrissime Chanel No. 5 sont cultivées à Grasse. Chaque année, en août, la ville organise la « fête du jasmin », au cours de laquelle la foule est aspergée d’eau de jasmin pour célébrer cette fleur emblématique.

Cependant, Grasse n’a pas toujours été la ville du parfum. Au XVIe siècle, elle était spécialisée dans le tannage du cuir. Les tanneurs fabriquaient des gants destinés à la noblesse avec des peaux de mouton et de bovins. Malheureusement, le cuir sent mauvais. Les tanneurs eurent alors l’idée de créer des gants en cuir parfumé. À leur grande surprise, ces gants parfumés rencontrèrent un franc succès dans la haute société. Ils décidèrent alors de se concentrer sur la production de parfum et se mirent à cultiver une grande variété d’espèces florales odorantes. Grâce à la popularité du parfum à la Cour et dans la haute société, cette industrie connut alors un grand essor.

Grasse : les usines de parfum et le musée international de la parfumerie Grasse a vu naître trois grandes Maisons de parfumerie : Fragonard, Molinard et Galimard. Ces trois Maisons à l’histoire centenaire sont renommées pour leurs parfums et leurs savons.

Leurs usines sont ouvertes au public et des visites guidées expliquent l’histoire ainsi que les techniques de création du parfum, notamment l’extraction des huiles essentielles. Les visiteurs peuvent également participer à des ateliers et créer leurs propres senteurs. Ces parfumeries sont un arrêt incontournable dans tout voyage dans le sud de la France.

La technique de l’enfleurage

Les marques de parfums de niche de Hong Kong Un nombre croissant de marques de parfumerie locales voient le jour à Hong Kong. Elles se démarquent de la parfumerie « de masse ».

Les senteurs aux notes très boisées sont souvent difficiles à trouver.

Le marché-cible étant relativement limité, les grandes marques hésitent à investir dans ce segment. Le parfum « Earth » de x.Gyroscope, marque niche de Hong Kong, est l’un des rares produits de ce type en vente à l’heure actuelle. Ce parfum original présente une note de tête rafraîchissante de main de Bouddha, suivie de l’arôme fumé du cèdre puis des notes herbacées du patchouli, qui évoquent l’image de lointaines montagnes auréolées de mystère.

La table de travail d’un parfumeur de la Maison Fragonard

Grasse accueille également le Musée International de la Parfumerie, qui illustre l’histoire du parfum à travers notamment une grande collection de flacons anciens et de parfums célèbres.

Les visiteurs peuvent découvrir les senteurs de plantes et de fruits variés, flâner dans les jardins, admirer toutes sortes d’outils et parcourir livres et affiches pour en apprendre davantage.

Notes de Parfum Notes de tête : Ces notes sont perçues immédiatement après la vaporisation du parfum. Il s’agit le plus souvent d’une senteur fraîche, verte et acidulée.

Notes de cœur : Ces notes se déploient immédiatement après que les notes de tête se sont dissipées. De manière générale, il s’agit de senteurs fleuries.

Notes de fond : Ce sont les notes qui restent le plus longtemps sur la peau. Il s’agit le plus communément de notes boisées, ambrées, musquées, animales.

La prochaine fois que vous vous parfumerez, essayez de suivre la transformation magique qui s’opère au fur et à mesure que le parfum délivre ses messages olfactifs.

L’émergence des marques de parfum de niche Le parfum nous permet d’exprimer notre personnalité et notre individualité. De plus en plus de gens recherchent une fragrance unique et la parfumerie de niche est en pleine expansion. En voici les caractéristiques : 1 L es parfums de niche sont faits à base d’ingrédients rares et précieux. Ils ont une signature olfactive distinctive.

2. L es marques de niche vendent surtout du parfum, même si certaines vendent aussi des produits parfumés.

3. L es parfums de niche sont originaux et innovants.

4. L es marques de niche sont généralement de petites ou moyennes entreprises.

Les marques de niche ne consacrent en général qu’une petite part de leur budget au marketing et à la publicité. Elles préfèrent dépenser plus en matières premières d’exception afin de produire des fragrances uniques et de qualité. De nombreuses parfumeries de niche de renommée mondiale existent aujourd’hui, notamment Le Labo et Creed, qui offrent une gamme de parfums exclusifs à l’identité olfactive affirmée.

Si vous n’aimez pas les notes trop boisées, vous préférerez peutêtre l’un des parfums mixtes de x.Gyroscope : le parfum « Forest », à la fleur d’oranger, légèrement boisé, ou le parfum au thé « No. 1 ». « Forest » vous conviendra parfaitement si vous n’êtes pas habitué aux senteurs boisées. Ses douces notes arborées se combinent à la fraîcheur de la fleur d’oranger et aux tons subtilement amers des fleurs blanches. Il est idéal pour tous les jours.

Le « No. 1 » est une fragrance au thé, fait à base de feuilles de thé noir, qui évoque des images d’après-midis tranquilles passés à lire et à boire du thé.

Avez-vous pensé à créer votre propre parfum ? x.Gyroscope organise des ateliers pour apprendre à concevoir votre propre fragrance à partir d’un choix de matières premières.

La marque a récemment animé un atelier de création de parfum en partenariat avec l’Alliance Française de Hong Kong, qui a rencontré un grand succès. Si vous êtes intéressé, ne manquez pas de vous inscrire pour le prochain évènement !

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香水的歷史悠久，除了是時代的結晶，亦是一門 藝術。香氣看似無形，但其實不然。

art de vivre

生活的藝術

各種不同儀器、書藉和海報，絕對是一個好地方令你對香水有更進一 步的認識。 認識香水的基本結構

香水歷史

初步認識了香水的歷史後，我們一起來認識一下香水的基本結構。

香水英文一詞「Perfume」是由「per fumum」 一字演變，此字的字面 解是指 「透過煙霧」。

香水基本的層次有三層，分別是前調、中調和後調。

於遠古時期，香味是一種歌頌天上眾神的重要工具，是宗教儀式中重 要的一環。人們會透過燃燒樹脂、木頭或大自然中的植物，釋放當中 的香味，以帶有香氣的煙霧頌讚天神，這便是香氣在人類社會中佔重 要一席的雛型。自有記載以來，焚香、沒藥及檀香木是其中三種最古 老的香料，它們已經有超過四千年的歷史。 隨著人類社會漸趨文明，除了直接燃燒大自然植物產生香氣外，亦漸 漸發明了提煉香油的技術。西元前3200年，古埃及人發明了提煉雪松 木香油的技術，這是人類史被記載以來，第一種被成功提煉的香油。 除了直接燃燒植物外，煉香的技術亦正漸漸進步。

前調：意指香水噴灑後，首先能夠聞到的香氣。通常會是一些水果、綠 葉和辛辣的氣味。 中調：意指前調淡化後，你緊接著聞到的香氣。通常會是一些花香的 氣味，例如玫瑰花。 後調：意指香水留在皮膚上最持久的香氣。通常會是一些木質、琥珀、 麝香和動物香調。 隨著時間的流逝，香水的氣味會有所不同，若果有機會，下次不妨把 香水噴灑後，留意氣味的變化，你便會發現到香水的神奇之處。 小眾香水品牌的興起

直到17至19世紀，法國南部的提煉技術發展到另一層次，「脂吸法」開 始盛行。他們採摘新鮮的花朵，放在油脂上，再反覆更換花朵，使花 的香味進入到油脂中，形成凝香膏。隨著煉香技術的進步，香味不再 只局限用於宗教儀式，而是拓展到用於治療和美容。當時十分盛行的 玫瑰香油和玫瑰花水開始被大量生產，再轉售貿易到世界各地，香氣 產品開始普及。

香水能夠代表一個人的個性和氣質，而隨著社會上愈來愈多人追求香 氣的獨特性，便令小眾香水品牌興起。

古典時期的香水一直都是以油脂作載體，直到1370年，高品質的酒精 被研發，以酒精作載體的香水開始面世。到現時為止，市面上的香水 大多都是以酒精作基調。

3. 香水的創作主題明顯

南法香水重鎮——格拉斯 位於法國東南部普羅旺斯蔚藍海岸的一個市鎮——格拉斯，是世界 香水產業的重鎮。格拉斯擁有温暖的氣候、充足水份和良好土壤，十 分有利植物的生長。有著這些優越的地理因素，它每年都出產法國全 國生產量 8 成的天然香料，這些香料可用於製作香水和食品調味料。 格拉斯是法國香水業的中心，亦獲得「世界香水之都」的美名。著名 香水品牌 Chanel no.5 中所用的茉莉花，亦是出產於格拉斯，每年 8 月 初，當地會有「茉莉花節」，向途人淋灑天然的花卉香水，慶祝茉莉花 的收成。 你有沒有想過，格拉斯開初並不是以香水產業作為經濟重心呢？ 於16世紀，格拉斯是以製作皮革產品而聞名。當時，工匠都是以為貴族 生產牛皮羊皮手套為生，但可惜的是，這種工業會產生難聞的氣味。 工匠為了解決這個問題，他們便決定把香精加入皮革產品中。意外的 是，這些香味手套大受上流社會歡迎、風靡一時，及後工匠們更直接 投身於香精製作產業中，開始種植各種香料花，不再製作皮革產品。 隨上流社會以及當時王室大量使用香水，才令香水工業日漸興隆。 格拉斯的香水廠和香水博物館 格 拉 斯 有 三 所 著 名 的 香 水 廠，分 別 是 F r a g o n a r d、M o l i n a r d 和 Galimard。這三所香水廠都是當地著名香水和香皂的生產商，有過百 年的歷史。這些香水廠都開放參觀，有專人為你講解香水歷史、香水 生產線甚至製取香精油的方法。除了簡單的參觀外，亦有製作香水的 工作坊可供報名參加，若果有機會到南法旅行，不妨到此一遊。 除了 著 名 香 水 廠 外，格 拉 斯 亦 有一 所 國 際 香 水 博 物 館（ M u s é e International de la Parfumerie）可供遊客參觀。這所博物館收藏了豐 富的香水歷史資料，亦展出很多古老標簽玻璃瓶甚至市場上的著名香 水。你亦可以在博物館中試聞不同植物、花果原料，參觀花田和欣賞

小眾香水品牌通常會有幾個特性： 1. 香味獨特，使用的材料較稀有 2. 品牌以香水作品為主，香氛產品為輔 4. 通常是中小型公司的出品 小眾香水品牌一般都使用較少的預算用於市場行銷和廣告上，令消費 者的金錢直接付費於購買香水材料本身的價值，從而可以享受更獨特 和品質更高的香水。現時亦有不少全球知名的小眾品牌冒起，例如Le Labo和Creed等。若果你在香水的道路上想追求一個更高、更獨特的 層次，不妨可以多留意這些小眾品牌。 香港本地香水品牌 除了一些全球知名的小香水品牌外，香港亦有愈來愈多本地品牌冒 起，這些品牌一般在香氣設計和理念上較獨特，不容易與別人撞香。 市面上一般較難尋找重木香的香水作品，因受眾相對較少，大品牌一 般不願意投放資源開發。x.Gyroscope是其中一個本地香水品牌，其 品牌中的 「Earth地球」香水，是市面上難得所見的重木香香水。此香 水一開首使用了明亮清新的佛手柑，及後使用了帶有煙燻味的香柏木 和帶有草本感覺的廣藿香。整體給予人置身於深山的感覺，有個性又 充滿神秘感。 若果不喜歡重木香的香水，我會推薦x.Gyroscope的中性香 —「Forest 森」和「no.1」 （前者是橙花輕木調，而後者是茶香調）。 如你是剛接觸木質調香水，「Forest 森」便會十分適合你。它是屬於輕 柔的木香，配上橙花潔淨又帶點輕苦的白花香，很適合日常的穿戴。 「no.1」是其品牌中的茶香香水，以黑色的茶葉作香料，營造出在一邊 品茶，一邊閱讀書本，寫意又平靜沉實的感覺。 你又有沒有想過可以親手調配屬於自己的香水呢？ x.Gyroscope有不定期開辦香水工作坊，工作坊會提供不同的原材料， 由聞香到調香都是親手製作，是一個有意義又特別的體驗。品牌早 前亦與香港法國文化協會合辦調香工作坊，反應熱烈，活動亦取得成 功。若果你也想製作一瓶屬於自己的香味，不妨可以報名參加。 香水的歷史悠史，除了是時代的結晶，亦是一門藝術。香水看似無形， 其實不然。

AGENDA 記事錄 Hong Kong Asian Film Festival La 18e édition du Hong Kong Asian Film Festival a pour thème cette année « L’émancipation en variations » et présente plus de 70 œuvres issues de 19 pays et réparties en 13 sections.

Du 27 octobre au 14 novembre Broadway Circuit, B+ cinema apm, Premiere Elements, My Cinema Yoho Mall, MOViE MOViE City Plaza, PALACE ifc https://www.hkaff.asia/en

Hong Kong Jewish Film Festival Pour sa 22e édition, le Hong Kong Jewish Film Festival comprend à nouveau un large éventail de longs métrages et de documentaires, reflétant la diversité des cultures juives, avec cette année encore des productions originaires de nombreux pays, dont deux films français co-présentés avec l’Alliance Française de Hong Kong : Rose et Une jeune fille qui va bien.

Du 13 au 21 novembre Golden Scene Cinema, Asia Society Hong Kong Center https://www.hkjff.org

Hong Kong French Film Festival Le plus ancien festival de cinéma de Hong Kong célèbre cette année sa 50 e édition avec en ouverture Titane de Julia Ducournau, Palme d’Or 2021, et Eiffel de Martin Bourboulon. Revisitez les 50 dernières années du cinéma français avec une rétrospective de 28 œuvres, ainsi qu’un nouveau format comprenant quatre films : « Cinema for the Climate », présenté dans le cadre d’un partenariat avec l’ONG Greenpeace (voir notre article p. 3 à 7).

Du 24 novembre au 14 décembre Hong Kong City Hall, médiatheque de l'Alliance Française , PALACE ifc, MOViE MOViE Pacific Place, Broadway Cinematheque, Broadway The One https://www.hkfrenchfilmfestival.com

Novembre Numérique « Novembre Numérique » revient pour la 5e année consécutive en novembre 2021 à Hong Kong.

Cette année, vous pourrez découvrir la richesse de la création numérique française à travers une exposition de jeux vidéo français indépendants (20 et 21 novembre), de l’art vidéo, une projection de film (23 novembre), ou encore un atelier pédagogique autour de la réalité virtuelle (27 novembre).

Hong Kong City Hall, Cyberport Arcade, Broadway Cinematheque, médiathèque de l’Alliance Française https://hongkong.consulfrance.org/Novembre-Numerique-2021-13860

Noir Fest: French Film Noir Vs American Crime Movies Plongez dans une histoire transatlantique du cinéma à travers huit films noirs français et huit films policiers américains sélectionnés par le cinéaste et critique Freddie Wong (voir à ce sujet son article p. 8 et son portrait p. 11).

Du 11 décembre au 23 janvier Hong Kong Film Archive, K11 Art House