#2 AFOSART - Revista de la Asociación Fotográfica de Salamanca by AFOSART

AFOSART

R E V I S T A

F O T O G R ร F I C A

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N ยบ 2 S E P T I E M B R E D E 2 0 1 4

AFOSART

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PARTICIPACIÓN: afosart@gmail.com REQUISITOS PARA PUBLICACIÓN EN VISIONES: En primer lugar, se enviará un documento en formato pdf, describiendo el reportaje brevemente, con la totalidad de las fotos que describan una unidad informativa. Una vez sea visionado por el Equipo redactor y seleccionado, se solicitará al participante las imágenes en alta calidad y un texto explicativo del reportaje. REQUISITOS PARA PUBLICACIÓN EN PRESENTART: En primer lugar se enviará un documento, en formato pdf con la totalidad de las fotos que el socio quiera aportar y un breve texto autodescriptivo. Una vez seleccionado por el equipo redactor se requerirá al socio la respuesta a una serie de cuestiones a modo de entrevista y las fotografías en alta calidad. REQUISITOS PARA PUBLICACIÓN EN GALERÍA DE SOCIOS: De entre las fotografías compartidas en las redes sociales (principalmente Facebook) se extraerán una serie de ellas.

NOTICIAS ACTIVIDADES AFOSAL

CURSO DE PAISAJISMO

VISITA FOTOGRÁFICA: Sebastiao Salgado, Matadero y Fundación Telefónica

PON UNA FOTO EN LA CALLE TALLER DE INICIACIÓN A LA FOTOGRAFÍA NOCTURNA EL DERECHO A LA PRIVACIDAD Y EL DERECHO DE AUTOR EN LA FOTOGRAFÍA EL RETO DEL MES DE ABRIL: El lector y los libros

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RETO

VISIONES MARRAKECH. LA CIUDAD ROJA Por Alberto Muriel Pina

ARTE URBANO: Ganadores y fotos seleccionadas

PRESENTART: Galería fotográfica de Antonio Martínez “Mape”

COLECTIVO VERACRUZ SG-09. Memoria de un paisaje conectado

LO MEJOR DE LAS REDES SOCIALES

GRANDES FOTÓGRAFOS. André Kerstez

VISIONES CARLOS CARRASCO Por Marcos Rodríguez Pérez

BIENVENIDO A AFOSART Quico García, Presidente de AFOSAL

Estimados socios, Hace poco más de dos años un pequeño grupo de personas que apenas nos conocíamos decidimos crear AFOSAL, para, a través de la fotografía difundir y potenciar la cultura en nuestra ciudad y por supuesto disfrutar con lo que nos gusta. En este tiempo hemos querido o al menos intentado a través de diversas actividades principalmente relacionadas con la fotografía y con el arte crear un espacio para el encuentro tanto de profesionales como aficionados a la fotografía, de los que saben mas y los que saben menos, ya que desde un principio decidimos que en AFOSAL debíamos tener cabida todos sin distinción y seguir así aprendiendo los unos de los otros. Gracias a la junta directiva y a Javier Vegas, uno de nuestros socios, esta vez os presentamos una nueva iniciativa en formato de revista digital que creemos que será de vuestro agrado, una

plataforma que se llamará AFOSART, donde abordaremos temas propios, opiniones, entrevistas, muestras de las obras de los socios, tutoriales y actualidad fotográfica entre otras muchas cosas. Continuando con el espíritu participativo de esta asociación siempre estamos abiertos a las opiniones y sugerencias de los socios. Por ultimo, en nombre de la junta directiva y en el mío propio agradecer a todos los socios su colaboración y su compromiso con AFOSAL.

NOTICIAS II EDICIÓN DEL RALLY AFOSAL CIUDAD DE SALAMANCA Tenemos el placer de anunciar el 2º Rally Fotográfico Ciudad de Salamanca AFOSAL que tendrá lugar el domingo 14 de Septiembre durante las Ferias y Fiestas de Salamanca. La inscripción hay que realizarla antes del día 12 y al igual que el año pasado será de 5€ para socios y de 7€ para los no socios. En los próximos días iremos ofreciendo toda la información sobre el rally, las bases del mismo, como realizar la inscripción, los premios para los ganadores y los regalos que se sortearán entre todos los participantes TEO ANDRÉS LÓPEZ GANA EL IV RALLY FOTOGRÁFICO CIUDAD DE ÁVILA La edición IV del Rally AFA Ciudad de Ávila tuvo como ganador a uno de los miembros de la Asociación Fotográfica Salmantina. El ganador este año fue Teo Andrés López.

MANUEL MARTÍN LÓPEZ GANA EL III MARATÓN FOTOGRÁFICO DE LA GACETA DE SALAMANCA En esta tercera edición del Maratón fotográfico de La Gaceta de Salamanca el ganador de absoluto fue elo miembro de la Asociación Fotográfica Salmantina, Manuel Martín López. Aparte de este reconocido premio otros miembros de la Asociación estuvieron entre los finalistas de este concurso fotográfico. Más información en la web de La Gaceta de Salamanca

Cabe destacar la masiva participación de miembros de AFOSAL en esta edición del Rally fotográfico. Para poder hacer de este concurso una fiesta la Asociación dispuso gratuitamente para los socios participantes un autobus. Más información en la web de la Asociación Fotográfica de Ávila AFA.

DURANTE EL MES DE JUNIO LA ASOCIACIÓN FOTOGRÁFICA CONTRALUZ ORGANIZA EL FESTIVAL PALLANTIA PHOTO. Durante el pasado mes de junio la Asociación Fotográfica Contraluz, con sede en Palencia, organizó un festival fotográfico que contaba con grandes nombres y eventos. Con la ayuda de la Diputación de Palencia y el Ayuntamiento de Palencia, la Asociación Contraluz puso a disposición de los asistentes varios cursos fotográficos y talleres, entre los que cabe destacar a José Benito Ruiz, Guillermo Lujik, Alain Perdomo.

Aparte de estos talleres también se realizaron numerosas exposiciones tanto de miembros de la Asociación como de fotógrafos y fotógrafas de reconocido prestigio, tales como la exposición de la bailaora Carmen Amaya que fue realziada por Colita, como la exposición de naturaleza de José Benito Ruiz. Pero Contraluz también organizó otras muy diversas actividades tanto para fotógrafos como para ciudadanos de Palencia. Los palentinos pudieron apreciar los conocimientos de los fotógrafos minuteros y disfrutar de una jornada matinal en su compañía, pudieron hacerse retratos familiares en un photocall solidario e incluso tuvieron la oportunidad de participar en un concurso fotográfico. Esperamos y deseamos que iniciativas como ésta se sucedan cada año. Para más información consultar la web: http://www.pallantiaphoto.es/ ÉXITO DE PARTICIPACIÓN EN LA NUEVA INICIATIVA DE AFOSAL, LA SALA DE DESPIECE Una de las iniciativas que más expectativa despertó fue la llamada Sala de Despiece. En esta actividad varios socios prestaron sus trabajos fotográficos para ser evaluados y criticados por otros miembros de la Asociación. NACE EL COLECTIVO FOTOGRÁFICO SALAMANCA STREET PHOTO Seis miembros de AFOSAL se unen para formar el Colectivo Salamanca Street Photo. Un colectivo dedicado a fomentar, divulgar y poner en valor la fotografía de calle. Los seis miembros de este colectivo son Javi Calvo, Marcos Rodríguez, Antonio Martínez, Javier Vegas, Jorge Manjón y Alberto Muriel. En estos primeros

pasos unicamente se muestra su trabajo fotográfico realziado en las calles de nuestras ciudades. Poco a poco iremos viendo más actividades de este nuevo grupo. Para más información podeis consultar su web: salamancastreetphoto.com

DIVERSOS MIEMBROS MIEMBROS DE AFOSAL PARTICIPAN COMO JURADO EN CONCURSOS FOTOGRÁFICOS. Varios han sido y son los concursos fotográficos en los que integrantes de la Asociación Fotográfica Salmantina han participado como jurados. Uno de ellos fue el IV Rally Fotográfico AFA Ciudad de Ávila, en el cual estuvo invitado Alberto Muriel Pina. Otro de ellos ha sido el Concurso Fotográfico del Museo del Hormigón - Ángel Mateos. En este caso el Jurado estaba compuesto por Quico García y Javier Calvo. Y el último de los concursos fotográficos será el 2º Concurso Fotográfico de la Media Maratón Monumental de Ávila, que tendrá lugar el 5 de octubre. (http://mmavilamonumental.com)

DESDE AFOSAL OS INVITAMOS A PARTICIPAR EN

NO LO DUDES, APÚNTATE.

ACTIVIDADES AFOSAL CURSO DE PAISAJE

El pasado 29 de marzo, AFOSAL organizó el curso de Paisaje impartido por Rafael Delgado. El curso fue impartido en dos sesiones, una práctica realizada en las instalaciones del Domus Artium DA2, y otra sesión práctica realizada en 26 de abril en las inmediaciones del abulense municipio de Fontiveros.

sesión fotográfica y la composición de la imagen a capturar. También tuvimos la oportunidad de aprender o afianzar conocimientos relativos a la profundidad de campo y la distancia hiperfocal y la Ley de Scheimpflug. Otro de los puntos tratados fue el procedimiento para la toma de fotográfias panorámicas.

ECURSO DE FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Los requisitos necesarios para poder desarrollar el curso consisten en:

El objetivo del curso fue conocer los procesos y técnicas en la fotografía de paisaje Durante el curso se pudieron tratar diferentes contenidos como el material fotográfico más efectivo para lograr con éxito el objetivo fijado. Durante la sesión teórica se desarrolló la implicación fotográfica del motivo elegido a fotografiar, la luz presente en el momento de la

- Conocimientos básicos de fotografía y de configuración del equipo fotográfico -

Cámara digital y trípode

A la sesión práctica realizada en fechas posteriores corresponden las fotografías mostradas en el presente artículo.

RAFEL DELGADO El curso fue impartido por Rafael Delgado, fotógrafo profesional con abundantes reportajes fotográficos publicados en dominicales, prensa y revistas nacionales. Si bien su dilatada experiencia como fotógrafo ha sido predominantemente en el ámbito de la fotografía de paisaje de naturaleza y paisaje urbano, también ha realizado exposiciones de interiorismo y temas sociales. Cuenta con una dilatada experiencia como docente de fotografía.

ACTIVIDADES AFOSAL VISITA FOTOGRAFICA. GENESIS DE SEBASTIAO SALGADO. MATADERO. FUNDACION TELEFONICA

El pasado 23 de Abril, AFOSAL una visita cultural y fotográfica a Madrid con la finalidad de poder contemplar varias exposiciones. Entre las actividades planificadas constaban la visita colectiva a la exposición del fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado, la la exposición Instragramers Gallery en la Fundación Telefónica y la visita al Centro Cultural madrileño del Matadero. FUNDACIÓN TELEFÓNICA “Instagramers Gallery” Una selección de 66 imágenes de los ganadores de la primera edición de los “Intagramers Photo Prizce”, el certamen fotográfico mejor dotado de la historia, en el que los participantes pueden llegar a ganar 100.000 dólares con su obra. Nos hicimos un “Iphonephotoplus” y a otra cosa mariposa… Paseito callejero, visita a La Fábrica y parada de intendencia en el Círculo de Bellas Artes.

MATADERO – MADRID Cristina Lucas – “Es Capital” Cristina Lucas (Jaén, 1973) se enfrenta a la antigua cámara frigorífica del matadero de Legazpi con un trabajo contexto específico que analiza algunas de las principales incógnitas, paradojas y retos del actual sistema capitalista. La exposición Es Capital, comisariada por Manuela Villa, está compuesta por cuatro trabajos de nueva creación realizados en colaboración con Acción Cultural Española (AC/E). Plusvalía, Montaña de Oro, El superbién común, y una serie de Entrevistas Filosóficas son algunos de los trabajos expuestos en los que se muestra en una instalación una relectura del mensaje marxista de la plusvalía y de las normas que rigen la sociedad actual presidida por un modelo de capitalismo financiero. http://www.mataderomadrid.org/ficha/2695/ cristina-lucas-%7C-es-capital.html

Maya Watanabe – “El Péndulo” Narración, identidad y espacio nos estructuran como un todo pero ¿Qué sucede si estos pilares se quiebran? Nos encontramos frente a un ejercicio en el que las formas discursivas de la identidad y su relación con un espacio/contexto se subvierten y reformulan como elementos faltos de contornos: narración como un mapa fragmentado de ideas, espacio como un contexto sin referentes espaciales, e identidad como un estado flexible. El trabajo de Maya Watanabe ha sido mostrado recientemente en el Palais de Tokyo en París, el Museo de Arte de Lima, el Instituto Cervantes en Berlín, el Espacio Fundación Telefónica de Lima y Buenos Aires; así como en otras instituciones en América del Sur y del Norte, Europa y Asia. http://www.mataderomadrid.org/ficha/3167/ maya-watanabe--el-pendulo.html Visitamos otra curiosa sala “quirófano” de naturaleza “deconstruída”… más allá de lo evidente, el mensaje sigue siendo un misterio. CAIXAFORUM VISITA A LA EXPOSICIÓN DE GÉNESIS DE SALGADO. Oscar Colorado a propósito de Salgado recoge un reproche de Susan Sontag al autor, el de que una fotografía puede ser terrible y bella, otra cuestión es si puede ser verdadera y bella. Es posible que el universo primigenio, ese que ya se está extinguiendo en nuestro planeta, sea realmente tan bello como lo captura Salgado, pero es indiscutible que la mayoría de sus obras en Génesis te transportan a un más allá del blanco y negro en la fotografía. Puede que la obra de Génesis, más que una utopía presente, un testimonio, sea un testamento de lo que ya hemos perdido. (Abajo. Fotografía de Sebastiao Salgado)

ACTIVIDADES AFOSAL PON UNA FOTO EN LA CALLE

El pasado 18 de mayo (La fecha no es casual, fue señalado como día internacional del museo por el ICOM (International Council of Museums)). AFOSAL se unió por segundo año al proyecto “Pon una Foto en la Calle”. El objetivo de esta iniciativa que se celebra a nivel mundial es que el «arte» debe ser algo vivo, presente en la vida cuotidiana de los individuos y sociedades, y en cualquier lugar (no únicamente en museos). El evento PFC pretende ser un punto de inflexión crítico, permitiendo la participación activa, abriendo un debate sobre el propio concepto «arte». No se trata, pues, de sumarse al día Internacional del museo, sino de certificar que existen otras realidades válidas para las personas y el «arte». La jornada transcurrió en un agradable ambiente de compañerismo y con un alto nivel

de participación tanto de socios como de otras personas que se acercaron a intercambiar sus fotografías, a la vez que eran obsequiados con una revista especializada de fotografía.

ACTIVIDADES AFOSAL TALLER DE INICIACION A LA FOTOGRAFIA NOCTURNA

La última de las actividades formativas llevadas a cabo por la Asociación fue la de impartir el taller de fotografíía Nocturna. Este taller que partía del nivel inicial suscitó gran interés por parte de los socios, a pesar de las fechas estivales en las que se impartía. El taller consisitió en una sesión teórica conducida por el Vicepresidente de AFOSAL, Teo Andrés López y que contó con la colaboración de Javier Calvo y Javier Vegas. Durante el taller se han visto los principales elementos, aplicaciones, técnicas y posibilidades que ofrece la fotografía nocturna. Y además, y mucho más importante, se ha celebrado con una merienda nocturna mientras las cámaras, mejor o peor educadas, hacían su trabajo. El resultado del taller lo podéis ver en las siguientes fotografías.

ACTIVIDADES AFOSAL DERECHO A LA PRIVACIDAD Y DERECHO DE AUTOR EN FOTOGRAFIA Una de temas que más interés ha suscitado entre muchos de los socios de AFOSAL es el referente a los derechos inherentes a la privacidad de los sujetos fotografiados en espacios públicos y privados y el derecho de autor en la fotografía. Para ayudar a arrojar luz sobre estos temas el socio Juan Pablo Aparicio Vaquero, profesor de Derecho Civil por la Universidad de Salamanca ha preparado un artículo muy interesante basado en la charla-conferencia que impartió el día 19 de junio.

FOTOGRAFÍA Y DERECHO Tanto haciendo fotografías como siendo fotografíado se ejercen y/o afectan, según los casos, diversos derechos, todos ellos con reconocimiento en la Constitución; así, entre otros, los derechos al honor, a la intimidad personal y familiar, a la propia imagen, y a la limitación del uso de la informática para garantizar tales derechos, así como a la inviolabilidad del domicilio (todos ellos, plasmados en el art. 18); a la libertad de creación y producción artística, y a comunicar y recibir libremente información (art. 20); a la propiedad privada (art. 33), etc. Éstos y otros han sido desarrollados por diferentes normativas, de las que ahora nos interesan, sobre todo, la Ley Orgánica 1/1982, de 5 de mayo, de protección civil del derecho al honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen; la Ley Orgánica 1/1996, de 15 de enero, de Protección Jurídica del Menor; la Ley Orgánica 15/1999, de 13 de diciembre, de Protección de Datos de Carácter Personal; y, por último, el Texto Refundido de la Ley de Propiedad Intelectual (aprobado por RD-Leg. 1/1996, de 12 de abril). De todas ellas, junto con la general de los Códigos Civil y Penal, la concreta de aplicación a determinados organismos, empresas adjudicatarias de servicios públicos, etc., y su aplicación jurisprudencial, podemos establecer algunos puntos (casi) seguros a la hora de realizar fotografías y ser fotografiado.

Qué, dónde y a quién fotografiar - Para hacer fotos en instalaciones o lugares privados es necesario el consentimiento de los propietarios; y siempre, a ser posible, por escrito, pues facilita la prueba del mismo y su alcance o extensión. - A día de hoy, los particulares pueden hacer fotos sin problemas (sin necesidad de autorización ni carnet especial), y divulgarlas, en las estaciones de tren e instalaciones ferroviarias, siempre que no se afecte a la seguridad de la instalación o la prestación del servicio; igualmente, pueden hacerse fotos en zonas a las que sólo pueda accederse con título de transporte (andenes en algunas estaciones, p. ej.), si se dispone de dicho título. Los trabajos profesionales o reportajes exigen la autorización de Adif, que puede cobrar por el uso de sus instalaciones y recursos. - En los aeropuertos pueden hacerse fotos, con carácter general, en la zona pública, antes de los controles de acceso y seguridad. Para fotografiar interiores o dichas zonas se necesita permiso de Aena. - En el metro de Madrid y Bilbao hay autorización expresa a nivel interno para hacer fotos a sus instalaciones (y se entiende que también para utilizarlas como se crea conveniente), si no se afecta al servicio o a la seguridad. En el resto de metros españoles no hay instrucciones al respecto por parte de las empresas adjudicatarias. - Pueden hacerse sin problemas fotografías a edificios o esculturas situadas permanentemente en la vía pública, incluso aunque estén protegidas por propiedad intelectual o aparezcan marcas registradas o signos distintivos. En este último caso, lo que no podrá hacerse es divulgarlas en perjuicio de tales marcas, denigrándolas o utilizando la propia fotografía, a su vez, como signo distintivo propio. - Las fotografías de personas en lugares privados o íntimos no pueden hacerse, en ningún caso, sin su consentimiento. Nuevamente, se aconseja que figure por escrito y cubra todos los posibles usos y/o explotación de la imagen que quiera hacer el fotógrafo. - Para fotografiar a personas como sujeto principal y claramente reconocibles, aun en lugares públicos (calles, plazas, etc.) es necesario su consentimiento. En ocasiones dicho consentimiento se deduce de las propias situaciones o usos sociales (un grupo que posa, una sonrisa dirigida directamente a la cámara…) pero ello sólo significa que se otorga el consentimiento a la realización de la foto, no expresamente a su posible publicación, participación con ella en un concurso… Lo mejor, en tales casos, es asegurarse mediante una autorización escrita. - En lugares públicos puede fotografiarse, sin necesidad de recabar su consentimiento, gente (anónima) no reconocible o que aparezcan de forma incidental, no siendo el sujeto principal de la fotografía (incluso menores de edad). Famosos o cargos públicos, en la vía o actos públicos, son fotografiables sin problema, y pueden divulgarse dichas fotografías, tanto gratuitamente como a cambio de precio. No pueden fotografiarse, en cambio, agentes de la autoridad que, en un determinado supuesto, estén ejerciendo sus funciones con necesidad de anonimato por su parte.

- Para hacer fotos a menores de edad en cuanto sujetos principales de la fotografía, sea en lugares privados o públicos, se necesita el consentimiento de sus padres o tutores legales. Pero incluso éstos no podrán darlo o realizar ellos mismos fotografías a sus hijos o tutelados si dichas fotos violentan los derechos a la intimidad u honor del menor, pues podría intervenir el Ministerio Fiscal en protección de los menores fotografiados. - Los fotógrafos profesionales han de tener en cuenta también, en sus establecimientos y contratos, la obligación de respetar la Ley Orgánica de Protección de Datos, informando a sus clientes y modelos sobre sus derechos al respecto. Ante la Agencia Española de Protección de Datos, los fotógrafos profesionales pueden aparecer como responsables de ficheros, con las obligaciones que ello conlleva (darlos de alta ante la Agencia, implementar medidas de seguridad, etc.).

En todo caso, los fotógrafos aficionados no suelen tener problemas (judiciales…) en cuanto a realización y difusión de fotografías. Aunque, en ejercicio de sus funciones, los agentes de la autoridad y los guardias de seguridad puedan impedir el acceso e, incluso, la realización de fotografías en determinados entornos, lo que no pueden, con carácter general (desde luego, nunca los segundos), es proceder al borrado de fotos por su cuenta (tras arrebatar la cámara al fotógrafo), pues ello implica destrucción de propiedad privada; en su caso, habrán de presentar denuncia y será el juez quien decida sobre si las fotos han de ser borradas o no. Es por ello que las situaciones conflictivas pueden resolverse, antes que con el Derecho, con educación y sentido común; de esta manera, si llegara el caso de que el fotógrafo o el fotografiado fueran a juicio como demandante o demandado, podrían beneficiarse de su propia actuación de buena fe, contando en su favor con declaraciones de testigos, la conducta excesiva (quizá, incluso, delictiva) de la otra parte, etc.

Derechos sobre la fotografía Una vez hecha (y revelada, en su caso) la fotografía, si ésta tiene una cierta altura creativa, el fotógrafo, como autor de la misma, tiene una serie de derechos sobre ella. Cabe destacar: - No es necesario registrar en ninguna parte la fotografía para ser considerado autor de la misma y disfrutar de la protección del Derecho. En caso de plagio, si no ha habido registro de la imagen, puede demostrarse su autoría por cualquier medio (datos EXIF, fecha de subida a Internet, tenencia de toda la serie de la cual se ha extraído, etc.). El plagio y el uso

no autorizado de imágenes o fotografías de terceos, en determinadas condiciones, pueden ser delito; pero, aunque no lo fueran, siempre generan obligación de indemnizar los daños ocasionados al autor. - El fotógrafo tiene, sobre la foto, derechos morales y económicos. Los primeros (irrenunciables) obligan a los demás a reconocer su autoría, y le permiten decidir sobre la divulgación de su obra. En cuanto a los segundos, son, entre otros, los derechos de reproducción, distribución, comunicación pública y compensación equitativa (el llamado “canon”, por usos que no necesiten su autorización pero devenguen dicha compensación). Para poder cobrar dicho canon, el fotógrafo debe asociarse a alguna entidad de gestión colectiva de derechos de autor (en particular, a VEGAP). - Los derechos del fotógrafo sobre su obra alcanzan toda su vida y 70 años tras su muerte. - El fotógrafo conserva sus derechos económicos mientras no renuncie a ellos. Si se quiere controlar o impedir el uso de imágenes, lo mejor es divulgarlas, aunque sea gratuitamente, con marcas de agua o incluyendo la firma o nombre del fotógrafo junto con el símbolo ©, que señala la reserva de derechos. Si se quieren permitir ciertos usos, pueden utilizarse las llamadas “Creative Commons”, que permiten generar licencias (autorizaciones) según las necesidades o preferencias del autor, para su difusión (p. ej., por Internet) a nivel mundial (vid. http://es.creativecommons.org/blog/). - Conviene revisar las cláusulas sobre propiedad intelectual de las redes sociales para cuando se suban fotografías a las mismas, pues en algunas (muchas) de ellas se conceden autorizaciones para el uso de las fotos por parte de la propia red social a efectos comerciales, de su publicidad, etc., que quizá no sean del agrado del autor. - Para poder utilizar fotos de terceros se necesita su consentimiento (gratuito o a cambio de precio), bien porque lo den al solicitárselo, bien porque lo hayan concedido previamente según la forma de distribución de las imágenes que hayan elegido (bancos de imágenes libres, licencias creative commons, etc.). - Si la foto no tiene suficiente altura creativa (p. ej., fotos de carnet, de usos sociales, grupos de amigos, algunas fotos periodísticas…), la protección de la foto existe (las llamadas “meras fotografías”), pero es más reducida en cuanto a derechos (no los hay morales, y los económicos son más limitados) y menor en el tiempo (sólo 25 años desde que se hizo).

Juan Pablo Aparicio Vaquero Profesor de Derecho Civil en la Universidad de Salamanca Fotografías cedidas por Javi Calvo y Javier Vegas

RETO DE ABRIL EL LECTOR Y LOS LIBROS El primer premio del reto de este mes ha sido para el fotógrafo LUIS ÁNGEL FERREIRO por la foto NOSOTROS TAMBIÉN. Enhorabuena al ganador

SEGUNDO PREMIO Érase una vez un sueño, de Antonio Martínez Pérez ha obtenido el segundo premio del Reto patrocinado por Librería Víctor Jara.

Para el mes de abril os presentamos un nuevo reto, concretamente el RETO LIBRERÍA VÍCTOR-JARA “El lector y los libros”. Abril es por derecho propio el mes del libro, un objeto omnipresente que sin embargo cada vez está más huérfano de modernidad, un contrapunto entre móviles, tablets y la “ola” de Internet. El libro como hecho cultural, el libro como universo, el libro como puerta a lo fantástico, el libro y su necesario ritmo elaborado de acercamiento a la cultura, la mirada de otros a otros mundos. El libro compañero del placer de leer y testigo mudo, maniatado, del moderno nihilismo tecnológico. El “papel” del libro, su tipografía imperturbable, los tonos cálidos que encierran la edad de sus páginas son todo un motivo de miradas fotográficas. El libro… y los lectores. Librerías, bibliotecas, espacios arquitectónicos de ideas y sueños…. Hubo un tiempo en que parecía imposible, vulgar, no crear espacios románticos para alojar los libros. La atmósfera de la lectura y los libros. La soledad del libro en un espacio, una mesa, una calle, un territorio sin manos en los que acunar su mensaje… Este reto, más allá de la técnica fotográfica, requiere pensar la mirada sobre los libros, sus espacios y sus lectores. Se trata, una vez más, de crear una “narrativa” fotográfica.

DÍA MUNDIAL DEL LIBRO: 23 de Abril RECURSOS: •

Catálogo de fotografías “El placer de leer”

•

Fotografiando libros

•

Obras del V Concurso de Fotografía “Momentos de Lectura”

•

Exposición fotográfica “La biblioteca”

PREMIOS La librería Víctor-Jara quiere colaborar con AFOSAL y apoyar esta actividad fotográfica con CIEN EUROS en libros de fotografía. El primer premio será la publicación GÉNESIS, de Sebastiao Salgado (o publicación de valor equivalente en dicha librería si el ganador/a así lo decide) Segundo y Tercer premio serán libros de fotografía a elegir en la LIBRERÍA VÍCTOR-JARA hasta completar la dotación del presente RETO El Cuarto premio consistirá en el libro de fotografía MARAS. La cultura de la violencia de ISABEL MUÑOZ El premio al socio novel, consistirá en la publicación fotográfica de ROBERT B. HAAS, AFRICA. La mirada de los dioses.

TERCER PREMIO El Tercer premio ha ido a parar a la fotografía Nostalgia, de Vicente Cid. Con una clara inspiración en los objetos cotidianos de Miguel de Unamuno Vicente hace una preciosa composición fotográfica.

CUARTO PREMIO

PREMIO FOTOGRAFO NOVEL

Dogmaticae, de Miguel Ángel Montejo. Es el cuarto

Estudiar no tiene edad, de Loli Giraldez.

premio de este reto.

Acto de Entrega de los premios al ganador de Edición del Reto “El lector y los libros”. Teo Andrés entrega el libro Génesis de Sebastiao Salgado a Luis Ángel Ferreiro.

AFOSART TE INVITA A PARTICIPAR PUEDES HACERLO EN LAS SECCIONES: PRESENT-ART VISIONES LO MEJOR DE LA RED Contacto: Afosart@gmail.com

VISIO

CARLOS CARR POR MARCOS RO

ONES

RASCO ODRÍGUEZ

CARLOS CARRASCO POR MARCOS RODRÍGUEZ (www.urbefoto.com)

Carlos pertenece a ese grupo de personas que lo da todo por su deporte. Deporte que apenas recibe ayudas o reconocimiento. Carlos “sobrevive” gracias a trabajos menores y al poco dinero que “gana” con sus victorias. Ha sido varias veces campeón de España, de Europa y del mundo. En este reportaje le he seguido en la preparación de uno de los campeonatos que ha ganado en el 2014 en Salamanca. Decidí fotografiarle en cuatro fases: Entrenamiento, pesaje, preparación y combate. El reportaje lo he realizado en dos días convirtiéndome en su sombra, siempre cerca pero tratando de ser invisible.

Ciudad de Calgary.

RETO DE MAYO ARTE URBANO En esta ocasión el Primer Premio ha recaiso en la fotografía “no existen los Secretos” de Antonio Martínez “Mape”

SEGUNDO PREMIO El Segundo Premio ha sido para la fotografía Duplicado, de Ana Maria Gaztelu Villoria.

Se considera arte urbano a todo aquello que engloba a las diferentes expresiones artísticas que se representan en la calle como forma de protesta o como simple representación artística de un aspecto de la cultura popular o tradicional de una zona concreta o simplemente de los movimientos sociales más predominantes en cada territorio. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público. Este arte urbano se puede reflejar en distintas variantes: graffiti, teatro callejero, música en la calle, etc. Pero es el graffiti su máxima expresión. El arte urbano surge como una forma de expresión reivindicativa de críticas u opiniones sobre la situación social de aquellos grupos sociales que habitan en las distintas zonas urbanas de una ciudad. Podemos considerar dos características básicas para explicar esta existencia del arte urbano: • Los criterios y anhelos de los grupos o comunidades integrantes de la sociedad son reflejo de su naturaleza y tratan de expresar con imaginación sus sentimientos, sueños y realidades.

esta mayoría y, sobre todo, busca espacios nuevos para que esta proximidad sea más efectiva. Normalmente estos nuevos movimientos emergentes y críticos con el sistema establecido están fuera de los circuitos artísticos, innovan la realidad artística del momento y son eco de lo que podemos llamar “culturas de la calle”, que en un podemos denominar como aquellas que nacen a partir de movimientos sociales que sólo disponen de la calle, el espacio público, el espacio de todos, para expresarse. Algunos de los máximos exponentes del gaffiti en España se muestran a continuación: http://www.aryz.es/blog/ http://www.eseaene.com/ http://www.spok.es/ http://www.alto-contraste.com/ PREMIOS PRIMER PREMIO: Libro por determinar SEGUNDO PREMIO: Maras de Isabel Muñoz + Ciudades Patrimonio de la Humanidad de Navia TERCER PREMIO: Maras de Isabel Muñoz CUARTO PREMIO: Maras de Isabel Muñoz AUTOR NOVEL: Maras de Isabel Muñoz

• Se formula para ser disfrutado por una mayoría de la población y por lo tanto no se apoya en criterios estéticos obsoletos o temáticas que están lejos de

TERCER PREMIO El Tercer premio ha ido a parar a la fotografía El Encuentro, de Jose Mata Atuse

CUARTO PREMIO

PREMIO FOTOGRAFO NOVEL

Raul Crego Blazquez ha obtenido el cuarto premio de

Y el autor novelque ha obtenido este premios es Carlos

este reto.

Bartol, por su fotografía Con las manos en el arte.

Acto de Entrega de los premios al ganador de Edición del Reto “Arte Urbano”. Javi Calvo entrega el libro El Arte de la Fotografía a Antonio Martínez Pérez.

PRESENT-ART GALERÍA FOTOGRÁFICA DE ANTONIO MARTÍNEZ “MAPE” En esta nueva etapa que comienza con AFOSART os presentamos a un soci@ de AFOSAL, en este caso a Antonio Martínez Pérez y parte de su galería, en formato entrevista y siempre de la mano de otro miembro de la asociación. Antonio nos muestra un pequeño fragmento de lo que suponemos es una larga galería fotográfica. Acompañando a las fotografías vamos a descubrir aspectos de su personalidad fotográfica a través de una serie de cuestiones. 1. ¿Cómo aterrizaste en el mundo de la fotografía? Bueno, fueron varias circunstancias, tengo familiares y amigos de la familia que se dedicaban profesionalmente a esta disciplina, por lo que desde pequeño tengo contacto con la fotografía, un amigo ya intentaba educar mi forma de mirar desde pequeño, pero fue ya en secundaria, en el año 1992, donde empecé a ser un poco más constante. Disparaba con varias cámaras desde Canon a una Zenit, hasta que compré, bueno, me compraron una Nikon F401x de segunda mano, que aún conservo. Desde entonces, con largas temporadas de desencuentros, estoy mirando detrás

de una cámara… 2. Describe la situación/fotografía que más lamentas no haber podido hacer y porqué. Que difícil… creo que cualquier acontecimiento histórico ocurrido durante mi vida y en el que no pude participar. Desde mi punto de vista, plasmar hechos que pasarán a la historia con la particular visión de cada uno es muy especial, hechos irrepetibles, que ya forman parte del pasado, terminan en un instante, y poder plasmarlo me parece algo muy importante. 3.

¿Qué propuesta fotográfica no aceptarías?

Nunca me lo he planteado, pero está claro, cualquiera que atente a la dignidad de las personas, o haga daño injustificado de alguna manera o denigre de algún modo… por lo demás, aceptaría cualquier propuesta…

4. De entre todas las cámaras que has tenido ¿con cuál te quedarías? ¡Con la última!, pero me quedaría con la siguiente que me compre…(Risas), es así, te encariñas de todas las cámaras que vas manejando, pero en esto de la fotografía, la parte técnica te ofrece más posibilidades, bien sea una ráfaga más rápida, trabajar a isos altas…

por lo que la última siempre es la mejor. Desde un punto de vista sentimental, con mi Nikon F401X, fue con la que más aprendí. 5. Y si únicamente te dejasen elegir una lente en tu cámara ¿Cual sería? (aclaración: no necesariamente de las que ya tengas) Me gustan mucho las ópticas fijas, dudaría mucho entre un 50mm y un 18-200 mm de… creo que si solo fuese uno, me quedaría con este último, por su reputación y versatilidad. 6. Qué temática o técnica de fotografía que hasta ahora no has tratado, te gustaría conocer/ realizar?

7. Un autor de fotografía que no te guste, o no comprendas. Esta sí que es difícil, que no me guste en su totalidad aun no encontré a ninguno, de autores con cierto reconocimiento claro, si no lo comprendo eso es que me gusta y no sé por qué… se me pasa por la cabeza Lee Friedlander, su manera de saltarse las normas estéticas básicas muchas veces resulta desconcertante… 8. ¿Cuales son los fotógrafos que no te cansas nunca de ver? Muchos, por suerte, quizás Robert Frank y su trabajo “The Americans”, es de los que más llaman mi atención, por lo compleja y evocadora que resulta su manera de crear imágenes interesantes, su instante intersticial, fuera de otros formalismos compositivos, algo que se

Hace años, tuve un breve contacto con la fotografía documental, por lo que no cuenta… es el género que más llama mi atención, la carga emocional que es capaz de trasmitir es incomparable, aparte de esto, la dirección de fotografía en cine me apasiona, me encanta leer sobre el tema, ver bocetos, estudiar las películas e imaginarme todos los porqués del trabajo del director de fotografía… pero para esto aún queda mucho por aprender… (Risas)

me hace complicado, supongo que por eso me gusta y por supuesto David Douglas Duncan muy conocido por sus dramáticas fotografías de guerra. Me gustan autores muy diversos, y de diferentes géneros y estilos, no recuerdo todos, pero me encanta disfrutar la obra de autores como Walker Evans, Henri Cartier-Bresson, Chema Madoz, Richard Avedon, Ansel Adams, John Florea,… docenas.

9. Recomiéndanos un fotógrafo que haya influido en ti o que consideres digno de descubrir (Obviamente recomienda uno poco conocido)

a su dirección fotográfica es complicadísimo. Te digo un director de fotografía que me gusta mucho, Roger Deakins, no sé si por el mismo, o por lo bien que lo hace junto a los hermanos Coen, creo que de lo que más me gusta, hablando de fotografía, es el film El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, pero también me gusta Fargo, No es país para viejos… 12. ¿Nos puedes recomendar un libro? Y si es de fotografía mucho mejor. Si es solo uno, recomiendo “Los Grandes Fotógrafos, LIFE”, muy divertido, es un libro para disfrutar poco a poco, con muchos autores que trabajaron en la plantilla de LIFE, con pequeñas referencias a los autores y sus obras.

Creo que cada vez que inicias el descubrimiento de un nuevo autor te contagia algo de su estilo, descubres otra manera nueva de mirar… todos te influyen de alguna forma. Cualquiera de los que cité anteriormente me han influido, pero quizás, debo mencionar a uno del que tuve conocimiento hace relativamente poco, G.M.B Akas, un fotógrafo de Bangladesh, fotografía a personas en sus diferentes momentos cotidianos, en su entorno, generando una trascendencia que en principio pasa desapercibida, merece la pena descubrirlo.

13. Una idea fotográfica que tengas en la cabeza, pendiente de hacer y que te puedas permitir compartir con nosotros

10. ¿Nos podrías recomendar una exposición que hayas visitado recientemente? ‘THE AMERICAN WAY OF LIFE’ en el círculo de Bellas Artes de Madrid, de Josep Renau, artista especializado en cartelismo y fotomontaje, es curiosa.

11. ¿Cuál es tu película preferida en clave fotográfica y si puedes decirnos porqué? El cine me pierde, intento ver todas las películas que puedo, quedarme solo con una película atendiendo

Actualmente tengo un par de proyectos en mente, y otro que ya se está ejecutando. Sobre los dos proyectos que comento poco puedo decir, están en una fase muy inicial, preparando aun la temporalización de los mismos, solo está claro el concepto, es la primera vez que me embarco en algo un poco más ambicioso, y requiere mucho tiempo, supongo que por la falta de experiencia… Sobre el proyecto que menciono que ya se está ejecutando, lo conoce bien mi entrevistador, jajaja, un colectivo de fotografía de calle, que aunque está mal que yo lo diga, pinta muy bien, por las ganas y la calidad de mis compañeros. 14. Ahora vamos de pintura... una escena pictórica que quisieras hacer en fotografía ¡La Gioconda! de Leonardo da Vinci. Hacer un retrato con esa calidad técnica, artística y belleza y rodeada de tantos misterios que le confieren aún más interés… que difícil.

pausadamente, era algo costoso, tenías que hacer anotaciones del disparo, comparar… ahora no siempre. 18. ¿Qué crees que hemos ganado con el cambio a lo digital?.¿Qué valoras más de trabajar en digital desde el punto de vista artístico, no técnico, si es que pueden separarse ambos aspectos?

15. ¿Con qué tipos de fotografía te sientes más cómodo? Me gusta mucho la fotografía de calle, y es a esta disciplina a le más tiempo dedico últimamente, pero no me defino como fotógrafo callejero. Me gusta la fotografía en general, sobre todo la documental, pero quizás y como la fotografía, como expresión artística, está plenamente influida por el estado anímico del autor, me siento más cómodo haciendo fotografía cuando puedo dominar todas las variables, decidir cada circunstancia de la misma y en que momento hacerla.

Casi todo son ventajas, como comenté anteriormente quizás se pierda método, por la inmediatez de lo digital. Creo que la gran ventaja es que ahora el mundo de la fotografía es más accesible, y los espectadores de tus imágenes ilimitados si compartes tu trabajo en los foros de internet… Pero no todo es bueno, el hecho de tener una cámara, la mejor cámara del mercado, no te da cultura visual, aunque 100 likes te reconforten,

16. Una de usos y costumbres. ¿Cómo eliges una foto sobre otras muy parecidas?. ¿Valoras más la realización técnica o el mensaje/significado de la foto, lo que dice? Pienso que lo más importante, como en cualquier expresión artística, es el mensaje, lo que trasmita. Hay imágenes, que por lo que cuentan, o lo efímero del momento fotografiado, pueden ser excusadas de “fallos técnicos”, pero no todo vale. Por supuesto, en ciertos tipos de fotografía, no se permite ningún fallo, por mucho mensaje que trasmita. 17. ¿Qué crees que hemos perdido con la película? Método. En cierta manera, por lo menos eso me pasó a mí, antes, en analógico, pensaba cada fotografía

se necesita tiempo, un bagaje cultural que alimente tu forma de mirar, y si te nutres de Facebook o flickr, puedes comer algo en mal estado, la fotografía está muy influenciada por las modas, mas ahora, y en ciertos foros se otorga calidad a trabajos que en realidad no son más que mas de los mismo… no tienen alma. Yo aún estoy en esa búsqueda, aprendiendo. 19. ¿Prefieres hacer la foto, o bien, prefieres “revelar” la foto? Creo que son partes inseparables del mismo proceso, uno no existe sin el otro, pero si me pides que elija te diría que el momento de preparar la fotografía. En este proceso de hacer la foto, lo que más me suele gustar es el momento previo, cuando surge la idea, y la empiezas a madurar, me gusta realizar pequeños bocetos, depende del trabajo claro,… hacerme un esquema de que luz quiero captar, que línea argumental seguir, la complejidad de la composición que usaré en la serie…

estadounidense Associated Press. Es un claro ejemplo de la influencia que puede tener una imagen en el curso de la historia.

Un placer haber compartido este “tête à tête” contigo, ... amigo! El placer ha sido todo mío por haber contando conmigo para la inauguración de esta sección.

20. ¿Qué ha supuesto como fotógrafo la pertenencia a AFOSAL?

Más fotos en: Blog: http://fotomape.wordpress.com/

En primer lugar y lo más gratificante ha sido añadir personas a mi círculo de amigos, y poder conocer a personas verdaderamente interesantes. Por otra parte, el hecho de compartir conocimientos, experiencias,… está siendo muy enriquecedor, los cursos y las actividades que se organizan son atractivas.

21.

Una sugerencia para AFOSAL

Me gustaría que hubiese más encuentros para generar debates o mesas redondas de fotografía, en esas reuniones se aprende mucho. Y si, también una exposición con fotografías de los socios sería interesante para dar a conocer lo que hacemos. 22.

Para finalizar. ¿Qué fotografía de las que

recuerdes te ha impactado más? …Siempre que me preguntan cual es la fotografía que más me impactó, me viene a la memoria la famosa fotografía de la «niña del napalm», es desgarradora, una de las mas famosas de la guerra de Vietnam, momento que inmortalizó el fotógrafo vietnamita Nick Ut, quien cubría la Guerra de Vietnam para la agencia

VISIONES MARRAKECH. LACIUDAD ROJA. POR ALBERTO MURIEL PINA 55

MARRAKECH. LA CIUDAD ROJA POR ALBERTO MURIEL PINA (http://www.murielpina.com/) Así es lllamada la capital de Marruecos hasta que en 1911 fue relevado de dicho título en detrimento de Rabat. Sus estrechas calles son un sinfín de puestos donde comprar aceitunas, especias, artículos de piel o babuchas entre un interminable repertorio. Es el corazón del Zoco. Allí encontramos todo tipo de gremios artesanales, como peleteros, tintoreros y carpinteros entre otros oficios. La céntrica plaza Jamma el Fna es el lugar más importante de la Medina. Centro de reunión y ocio donde los marroquíes disfrutan de su gastronomía, exquisitos zumos de naranja e innumerables tipos de té. Un horno de pan, una fuente, una mezquita, la escuela y un Hamman son las cinco localizaciones que tiene cada barrio de la ciudad. Como país musulmán cuenta con sus cinco llamadas a la oración al día, momento que aprovechan para hacer un pequeño receso en su actividad para rezar

SG-09: memoria de un paisaje conectado Colectivo Veracruz (www.veracr.uz)

Colectivo Veracruz nace como consecuencia lógica de la afinidad que hay entre sus tres miembros, quienes aunque con antecedentes y formación disímbolas, comparten una idea creativa común.

José Luis Haces (Poza Rica, Veracruz, México, 1963) www.joseluishaces.com

Javier Herrero (Segovia, 1979) www.javierherrero.es

Alfredo Moreno (San Sebastián, Donostia, 1973) www.alfredomoreno.net

apropiar horizontes SG-09 es el resultado de un viaje que ha durado varios meses. Es una serie fotográfica capturada y seleccionada entre los cientos de miles de imágenes disponibles en la herramienta Google Street View. La serie pone el foco de atención en la bulimia de imágenes producidas a diario, de forma autónoma o no. La búsqueda se limitó a una sola región, la provincia de Segovia, pero extrapolable a todo el contradictorio paisaje de Castilla. Una tarea no organizada en lo espacial, pero si delimitada por un único territorio. Una tarea sin control temporal, pero con un origen y un fin. El proyecto busca el extrañamiento del espectador, pero también que imaginemos todas esas fotografías que todavía siguen en el anonimato. El anhelo de lo que está por descubrir. El viaje ha sido mirar hacia delante, pero también hacia atrás. Observando casi de la misma forma que cuando lo hace un fotógrafo desde el visor de su cámara, pero con muchas más limitaciones. No pudiendo controlar el momento, el lugar preciso o los parámetros técnicos de las nueve cámaras, con la que los vehículos de Google registran las cientos de imágenes disponibles en su base de datos. Buscar con paciencia casi infinita dentro de un inmenso almacén visual, aparentemente cómodo y a la vez inabarcable. En cada pieza seleccionada existe una mirada, una visión que parte de un modelo mental, un reconocimiento de patrones estéticos, un aprendizaje, una intención. Una autoría, que no propiedad. Un pararse a observar en vez de fabricar. Un reciclar en vez de producir. Es un intento por buscar o definir un paisaje común, habitual a nuestros ojos pero ocultado o ignorado, primero por nosotros mismos, pero también, salvo excepciones, por la iconografía oficial. Es la mirada sorprendida a ese territorio y la aspiración por formalizar una visión fotográfica del mismo, libre y sin complejos. Apropiarnos del paisaje, es apropiarnos de la identidad que las imágenes nos otorgan. Imágenes que viven entre el murmullo de los discos duros, a miles de kilómetros de SG-09.

intraimágenes (por Rodrigo González Martín) Si el gran valor del todopoderoso Google es proponer un cierto orden en el caos de Internet, el Colectivo Veracruz se propone mirar de forma nueva las imágenes fotográficas del Gran Hermano “Google Street View”, seleccionando entre miles de instantáneas aquellas que ellos, como artistas de la cámara, hubieran captado. Sorprende que no veamos ni ovejas, ni monumentos, ni flores postizas, apenas niños, porque apenas hay ya niños y niñas en el medio rural segoviano. Es una realidad tan cercana, que nos resulta a veces ajena, extraña, otra. Por eso el Colectivo Veracruz nos invita a mirarla, más que verla. Solo así lograremos reconocernos en ella. Una idea de creación como un nuevo modo de percibir, un atreverse a mirar más allá de las imágenes dadas, impuestas, distribuidas… Más allá de tópicos y estereotipos visuales. La propiedad no es atributo cautivo de la imagen, la creatividad sugiere una reapropiación significativa y compartida de esas imágenes ciegas, por perdidas en el universo mediático. De la misma forma que no hay historia sin “intrahistoria”, como decía Unamuno, tampoco reconocemos nuestra identidad sin imagen interiorizada. “Intraimagen”. Crea quien “revela” una nueva imagen, proyectando un nuevo significado, un nuevo valor. Una imagen tiene valor cuando somos capaces de poner de manifiesto su significado. Crear es resignificar. Y solo hay significado valioso cuando alcanzamos su simbolismo. Recordando la estética Land Art, urge una nueva mirada que potencie una nueva realidad, una nueva objetividad. La visión panóptica de Google es reflejo de un poder lejano, ostentación de uan tecnología invasiva, ojo neutro y multiirisado, pero mecánico, pura captación opaca, carente de vida. De nuevo hay que recuperar la síntesis entre arte y vida, como reivindicó W. Vostell. Más allá del paisaje realista, mera constatación del dato óptico, refugio positivista, y más acá del paisaje postromántico, sublimación de ensueños, evasión fantasiosa, el Colectivo Veracruz nos propone un reto estético y una práctica creativa vinculada a la ciudadana integrada en un paisaje. No hay paisaje sin memoria, sin relato, sin vertebración simbólica… El paisaje como mirada representativa de un paisaje conectado. El paisaje como imaginario con emoción, como descripción crítica y poética. La muestra SG-9 que nos regala el Colectivo Veracruz es una invitación a un viaje imaginario que reinventa y reivindica, que proyecta y comparte, que nos sugiere la idea de que ninguna imagen agota en su captura, por la uniformidad de encuadres, de planos, de perspectivas, la riqueza de una mirada plural y solidaria de la realidad. El Colectivo Veracruz selecciona y comparte miradas personalizadas. Rodrigo González Martín Crítico de arte, Catedrático de bachillerato de Filosofía, Profesor de la Universidad de Valladolid. Son las cosas que no conocéis, las que cambiarán vuestra vida. Vostell Web: javierherrero.es Twitter: @javierherrero Facebook: facebook.com/javierherrero

GRANDES FOTOGRAFOS

ANDRE KERSTEZ POR JAVIER CALVO “Yo interpreto mis sensaciones en un instante determinado. No lo que veo, sino lo que siento.” (André Kertész)

André Kertész nace en Budapest (Hungría) el 2 de Julio de 1894 en una familia de judios de clase media, quedándose sin padre a la edad de catorce años. Fue a los 18 años cuando se compró su primera cámara, una ICA Box, que funcionaba con placas de 4,5 x 6 cm. Su carrera se divide en periodos, los cuales vivió en diferentes países: Hungría, Francia y Estados Unidos.

Periodo húngaro (1912-1925) En 1914 estalla la Primera Guerra Mundial y a los 20 años se alista como alférez voluntario. Cámara en mano (una Tenax de Goerz) retrata la vida cotidiana de los soldados alejados del campo de batalla, y consigue imágenes sorprendentemente sutiles y alegres. Desafortunadamente, la mayoría de estas fotografías fueron destruidas durante la revolución húngara de 1919.

A diferencia de otros fotógrafos de guerra, Kertesz se preocupaba por las vidas de los soldados fuera de combate. Herido de gravedad en un brazo, fue enviado a un hospital militar en Budapest, pero más tarde fue transferido a la ciudad de Esztergom, a un instituto de rehabilitación donde siguió trabajando con su cámara. Sus amigos soldados lo instaban a que les hiciese retratos, pero él se interesaba más por las formas torcidas y destellos reflejados en la superficie del agua cuando alguien se zambullía en la piscina del instituto. Aquí surge: Nadador bajo el agua. Esztergom. 1917. La única fotografía que sobrevive de una numerosa serie. Este trabajo provocó que Kertész se interesara en las distorsiones de la imagen, lo que lo llevó a realizar una serie llamada “Distorsiones” a principios de los años 1930. Kertész permaneció lejos del campo de batalla durante el resto de la guerra.

En 1923, la Asociación de Fotógrafos Aficionados de Hungría le ofreció una medalla de plata por una de sus fotografías, pero con la condición de que ésta debería ser impresa usando el proceso bromóleo. Kertész se rehusó a utilizar este proceso y rechazó la medalla, aceptando sólo un diploma de la asociación. Desde allí Kertész comenzó una batalla para defender su trabajo, la cual tendría en el futuro otras confrontaciones. El Periodo francés (1925-1936) Kertész fue uno de los muchos artistas que emigraron del Imperio Austrohúngaro, como el fotografo François Kollar, Robert Capa, Emeric Fehér, Brassaï, Man Ray, Germaine Krull (quien participó en algunas exhibiciones con Kertész) y Lucien Aigner, entre otros. Ya establecido en París cambia el nombre de Andor por André, que usaría durante el resto de su vida. Por aquellos días muchos fotógrafos estaban interesados en el dadaísmo, el cual se estaba convirtiendo en

un movimiento artístico considerable, especialmente en Francia. Al principio, Kertész se relaciona sólo con los círculos húngaros pues no habla bien el francés, pero pronto conoció a varios miembros del movimiento dadaista y se relacionó con ellos. También disfrutaba visitando a sus amigos escultores y le impresionaba el cubismo. Pronto obtuvo éxito comercial y de crítica realizando trabajos por encargo para varias revistas europeas como Vu, Sunday Times, Berliner Illustrierte Zeitung y Uhu. Fue el primer fotógrafo en realizar una muestra individual cuando Jan Slivinsky organizó una serie de exposiciones individuales para treinta fotógrafos en la Galerie Au Sacre du Printemps en 1927. En 1928, Kertész dejó de usar cámaras con placas y adquirió una Leica, una cámara pequeña, manejable y discreta. Comenzó a frecuentar el café de Dôme, lugar de reunión de la vanguardia cultural, e inicia una relación con el mundo artístico de Montparnasse, donde se instala como fotógrafo ilustrador, tomando imágenes a Leger, el pintor Piet Mondrian y Marc Chagall, Brancussi, la escritora Collete, el cineasta

Sergei Eisenstein o Magda Bröder. Allí Conoce a Brassai y a Cartier Bresson. Kertész se pasea por doquier y en las noches toma escenas callejeras llenas de poesía, que influyen en Brassaï; aunque éste siempre negó que Kertész le enseñara a fotografiar la noche para su proyecto París de Noche. En 1930, Kertész ganó una medalla de plata por sus servicios a la fotografía en la Exposition Coloniale en París. Éste periodo, fue uno de los más productivos de su carrera, ya que tomaba fotografías diariamente y publicaba varias de estas en revistas. También dividía su tiempo cuidadosamente entre encargos y su fotografía personal. Como lo dije antes, varias revistas francesas como Vu y Art et Médecine publicaron fotos hechas por Kertész, muchas de las cuales fueron usadas en portadas. En este mismo año viajó a Hungría para visitar a su

familia, pero regresó a París poco después. Elizabeth se mudó con él en 1931, a pesar de la oposición de su familia. La pareja no se separaría a partir de entonces. Kertész trabajó frecuentemente junto al editor de la revista Vu, Lucien Vogel, quien publicaba sus fotografías sin comentarios y le dejaba realizar reportajes sobre temas diversos. Kertész disfrutaba viajar en Paris y sus alrededores tomando fotografías relacionadas con el tema que Vogel le asignara. En sintonía con las vanguardias europeas de la época, en 1933, le encargaron realizar una de sus más famosas series fotográficas titulada “Distorsiones”: una serie de 200 fotografías de modelos desnudos en distintas poses frente a varios espejos cóncavos y convexos de circo, creando con ello imágenes surrealistas. En algunos casos la imagen de las modelos Najinskaya Verackhatz y Nadia Kasine, aparecía tan distorsionada que sólo algunas extremidades o facciones eran

reconocibles en la fotografía. Kertesz se siente fascinado por la “extrañeza de la realidad”, al torcer los cuerpos, desencajar las armonías, y generar líneas y pliegues extraños. Algunas de las fotos de esta serie aparecieron en el número del 2 de marzo de la revista Le Sourire y posteriormente en un número de la revista Arts et métiers praphiques del 15 de septiembre de 1933. Kertész y Elizabeth contrajeron matrimonio el 17 de junio de 1933 y Kertész empezó pasar menos tiempo con sus amigos artistas y fotógrafos para estar con su esposa. Cuando Kertész se casó, el Partido Nazi estaba adquiriendo poder en Alemania. Esto provocó que las revistas empezaran a publicar reportajes sobre política. Muchas revistas dejaron de publicar fotografías de Kertész, ya que no tenían relación alguna con temas políticos. A partir de entonces Kertész empezó a recibir menos comisiones, por lo que, con el consentimiento de Elizabeth, planeó mudarse a Nueva York para trabajar con la agencia Keystone de Ernie Prince. En 1936, ante la amenaza de la Segunda Guerra Mundial y la falta de trabajo, Kertész y Elizabeth embarcaron en el SS Washington rumbo a Manhattan. Así comenzó su periodo estadounidense. Todos coocemos la famosa “Maleta mexicana” de Robert Capa, pero no muchos saben que Kertész en su viaje a Estados Unidos, entregó una maleta con gran parte de sus fotografías para que fuera protegidas de los nazis. En 1962 es invitado a la bienal de Venecia y se queja de la pérdida de esta maleta. Esta queja es reflejada en un artículo de Le Monde y unos días después recibe una llamada y recupera el 60% de las fotogafías de su etapa en París. El Periodo estadounidense (1936-1961) Kertész llegó a Nueva York el 15 de octubre de 1936 con la intención de reavivar su inspiración y darse a conocer como fotógrafo en los Estados Unidos. La pareja se estableció en el Beaux Arts Hotel en Greenwich Village. Desde su llegada, Kertész descubrió que la vida en los Estados Unidos era más difícil de lo que había imaginado. Más tarde se referiría a éste periodo de su vida como una “absoluta tragedia”. Ahora no tenía a sus amigos artistas de Francia y las personas en Estados Unidos no eran tan amables cuando los fotografiaban como la gente en París. Poco después de su llegada, Kertész contactó a Beaumont Newhall, el director del departamento fotográfico del Museo de Arte Moderno de Nueva York, quien estaba preparando una exposición titulada Photography 1839–1937. Sin embargo, cuando Kertész le ofreció algunas de las fotografías de su serie “Distorsiones”, Newhall las criticó, lo que ofendió a Kertész. A pesar de eso, Newhall expuso las fotografías. En diciembre de 1937, Kertész realizó una exhibición individual en la PM Gallery. Su situación empeoró cuando la agencia Keystone le hizo pasar la mayor parte del tiempo trabajando en el estudio de

la compañía, a pesar de haberle ofrecido transporte a diferentes lugares para que realizara periodismo fotográfico.

A pesar de haber realizado más de treinta ensayos fotográficos para Vogue y House & Garden, Kertész no apareció en la lista de fotógrafos.

Kertész trató de visitar Francia, pero no tenía dinero. Para cuando había ahorrado suficiente, la Segunda Guerra Mundial ya había empezado, lo que imposibilitó su viaje. Sus problemas con el inglés también le afectaron. En Francia había sobrellevado su incapacidad para hablar francés, pero en Nueva York, donde se sentía como un forastero, sus problemas con el lenguaje tuvieron un efecto mayor. La imagen Lost Cloud, que viene a continuación lo brinda todo para entender sus sentimientos en esos momentos.

Ese mismo año Kertész y Elizabeth fueron declarados enemigos extranjeros, ya que ambos portaban pasaportes húngaros, por lo que no se le permitió fotografiar exteriores ni nada relacionado con la seguridad nacional. Kertész dejó de realizar encargos y abandonó la fotografía durante tres años, ya que no quería ser arrestado ni tener problemas políticos para no perjudicar a Elizabeth, quien había iniciado un negocio de cosméticos (Cosmia Laboratories) con un amigo húngaro.

Sintiéndose cada vez más frustrado con la ciudad, Kertész dejó Keystone luego de que su jefe Ernie Prince abandonara la compañía en 1937. Posteriormente, la revista Harper’s Bazaar le encargó fotografías para un artículo sobre la tienda de departamentos Saks Fifth Avenue para su número de abril de 1937. Kertész continuó trabajando con la revista, además de aceptar comisiones de Town & Country magazine para complementar sus ingresos.

Elizabeth obtuvo la ciudadanía estadounidense el 20 de enero de 1944 y su esposo el 3 de febrero de ese mismo año. A pesar de la fuerte competencia con otros fotógrafos como Irving Penn, Kertész continuó realizando encargos. Aunque no fue incluido entre los sesenta y tres fotógrafos del “árbol genealógico fotográfico” de Vogue (el cual incluía los fotógrafos más importantes de la era), fue contratado por House & Garden para realizar una comisión de Navidad.

La revista Vogue le ofreció un trabajo, pero él rechazó la oferta, ya que temía que no pudiera fotografiar en un estudio como se acostumbraba en el mundo de la moda. En cambio, aceptó un trabajo en la revista Life. Su primera obra para ellos fue una pieza llamada The Tugboat (El Remolcador). A pesar de las instrucciones recibidas, Kertész no se limitó a fotografiar remolcadores, sino todo el muelle y sus actividades. Debido a esto, Life rehusó publicar sus fotos. Nuevamente, Kertész se sintió frustrado con la ciudad y su industria fotográfica.

En junio de 1944, László Moholy-Nagy le ofreció un puesto como profesor en la New Bauhaus – American School of Design, pero Kertész rechazó la oferta.

En el número del 25 de octubre de 1938 de la revista Look, se publicó una serie de fotografías de Kertész llamada A Fireman Goes to School, pero los créditos le fueron dados a Ernie Prince, su antiguo jefe. Kertész, enfurecido, contempló la posibilidad de no volver a trabajar para ninguna revista. Sin embargo, sus fotografías aparecieron en la revista Coronet en 1937, pero en 1939 se desilusionó cuando la revista no incluyó ninguna de sus fotos entre las seleccionadas para el número especial tirulado: ”Fotografías más memorables” de Coronet. Posteriormente, Kertész daría por finalizada su relación con la revista y su editor Arnold Gingrich. La situación se repitió en el número de junio de 1941 de Vogue, dedicado a las fotografías en honor de Condé Montrose Nast, fundador de Condé Nast Publications.

En 1945, lanzó un nuevo libro de fotografías llamado Day of Paris, el cual incluía fotografías que había tomado justo antes de abandonar Europa. El libro fue un éxito de crítica. Kertész aceptó un contrato de larga duración con House & Garden en 1946. Aunque el contrato restringía su trabajo editorial y le obligaba a pasar la mayor parte del tiempo en el estudio, se le pagaban US$10.000.oo y le devolvían todos los negativos después de seis meses. Aunque los temas que podía fotografiar eran limitados, Kertész fue enviado a varios lugares y casas famosos. Incluso realizó viajes internacionales, visitando Inglaterra, París y Budapest. Entre 1945 y 1962, más de 3.000 de sus fotografías fueron publicadas en House & Garden y se volvió conocido en la industria fotográfica. Sin embargo, realizó pocos trabajos personales durante este periodo. En 1946, Kertész realizó una exposición individual en el Art Institute of Chicago, compuesta principalmente por fotos de la serie Day of Paris. Frecuentemente se refería a éste como uno de sus mejores momentos en los Estados Unidos.

En 1952, se mudó con su esposa a un apartamento cerca del Washington Square Park. Allí Kertész tomó algunas de sus mejores fotografías desde que había llegado a los Estados Unidos. Las fotos, realizadas con teleobjetivo, mostraban el parque cubierto de nieve con numerosas siluetas y huellas. Durante el periodo que pasó trabajando para House & Garden, Kertész se sintió insultado nuevamente cuando su trabajo no apareció en la famosa exposición de Edward Steichen: “The Family of Man” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1955.

A finales de 1961, rompió su contrato con Condé Nast Publishing debido a un altercado menor. Kertész, liberado de las restricciones que imponía la revista, trató de volver a la escena fotográfica internacional. Esta parte de su vida es conocida como el periodo internacional, ya que ganó fama internacional y realizó exhibiciones en varios países.

El periodo Internacional (1962-1985) En 1963 participó en la IV Mostra Biennale Internazionale della Fotografia en Venecia y más tarde en ese año hizo una exposición en la Biblioteca Nacional de Francia en París. En Venecia recibió una medalla de oro por su dedicación a la industria fotográfica. Posteriormente visitaría a su hermano Jenő en Argentina. Durante este periodo Kertész experimentó con fotografías en color, aunque sólo realizó unas cuantas de éstas. En 1964 Kertész realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno, poco después de que John Szarkowski se convirtiera en el director de fotografía del museo. La exposición fue aclamada por la crítica y a raíz de ello Kertész fue considerado en los círculos fotográficos como una figura de relevancia. Durante los años venideros, además de participar en numerosas exhibiciones por todo el mundo, también recibió varios premios: en 1965, fue nombrado miembro de la American Society of Media Photographers; en 1974 le fue otorgada la Beca Guggenheim y se le nombró Comandante de la Orden de las Artes y las Letras; en 1977, recibió el Mayor’s Award of Honor for Arts and Culture en Nueva York; en 1980, se le otorgó la Médaille de la Ville de Paris (Medalla de la Ciudad de París); y en ese mismo año ganó el primer Premio Anual de la Association of International Photography Art Dealers.

En 1977 muere su mujer de cancer, lo que le sume en una gran depresión y se recluye en su casa. Para tratar de sobrellevar la pérdida, Kertész empezó a pasar más tiempo con sus amigos, visitándolos algunas noches para conversar. En 1979 Polaroid le regaló uno de sus nuevos modelos, la SX-70, cámara con la cual experimentó durante 1980. Con esta cámara realizo la serie titulada “From my window” (1981) sobre los objetos

que compartió con su mujer, cuyas habitaciones dejó intactas. En 1981, recibió un doctorado honorario del Bard College y recibió por segunda ocasión el Mayor’s Award of Honor for Arts and Culture. Kertész produjo varios libros durante este periodo y recuperó varios de los negativos que había dejado en Francia años atrás. Durante sus últimos años, Kertész viajó a varios países con motivo de sus exposiciones, especialmente a Japón, y logró restablecer sus relaciones con otros artistas. En 1982, se le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía en París y ganó el 21° Premio Anual George Washington de la American Hungarian Foundation. Su agente, Susan Harder, trató activamente de que otros reconocieran las contribuciones de Kertész a la historia de la fotografía. En 1983, Kertész recibió un doctorado honorario del Royal College of Art. En ese mismo año fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y se le otorgó un apartamento para sus futuras visitas a París. Otros de los reconocimientos que recibió son: el Annual Lifetime Achievement Award del Maine Photographic Workshop (1984), el Californian Distinguished Career in Photography Award (1985), el primer Annual Master of Photography Award del International Center of Photography (1985) y un doctorado honorífico de la Parsons The New School for Design. Además de estos reconocimientos, el Museo Metropolitano de Arte compró 100 de sus fotografías en 1984, la mayor adquisición de fotografías de un artista vivo realizada por un museo. En 1984 vuelve a Hungría, donde recibe una de las condecoraciones estatales a las artes más importantes, la Orden de la Bandera de la República Popular.

Kertész murió en su hogar mientras dormía, el 28 de septiembre de 1985. Sus restos fueron cremados y enterrados junto a los de sus esposa. Después de su muerte, su trabajo continuó recibiendo críticas positivas. Su obra es conocida por el uso predominante de la luz; el mismo Kertész dijo “Yo escribo con luz.” Kertész no era seguidor de ningún movimiento político y sus fotografías se limitaban a representar la simplicidad de la vida. Con su estilo íntimo y su tono nostálgico, sus fotografías transmiten una sensación de eternidad. A diferencia de lo que sucede en otros fotógrafos, sus obras daban una idea de su estilo de vida, mostrando en orden cronológico los lugares en los que había estado. En 1987, dos años después de su muerte, se inaugúra el Museo de Fotografía André Kertész en la ciudad de Szigetbecse donde, según sus propias palabras, pudo estar muy cerca de la naturaleza y de la gente durante su infancia, y volver a esas imágenes cuando hacia fotos de Francia y Nueva York. De su obra, numerosas copias vintage, las cámaras y parte de sus objetos se quedaron, de acuerdo a su testamento, en Nueva York bajo la gestión del Estate of André Kertész, y los negativos de casi cien mil tomas fueron entregados a la Mission du Patrimoine Photographique en Francia. http://en.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_ Kert%C3%A9sz http://www.fcamberes.org/actividades/exp/ exp_2011_andre_kertesz.htm http://www.nytimes.com/2005/02/25/arts/ design/25john.html?_r=0

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