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Una merienda de locos - John Tenniel (1820-1914)
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CARTA Hoy vamos a jugar a un juego muy divertido; se llama atrapa al conejo blanco. Igual que la novela de Lewis Carrol, vamos a perseguir al conejo blanco. Y te vamos a ayudar a ello desde Agaphe. Para ello, tendrás que ir pasando página a página buscando al conejo blanco. Procura no dejar que el gato te distraiga. Ni que el sombrerero loco te haga perder el tiempo; Si consigues acabar el juego, estoy segura que cuando llegues a la última página de Agaphe, como mínimo habrás estado corriendo a la altura del conejo blanco. Pero recuerda, el conejo blanco es muy escurridizo. Conejo blanco de Lewis Carroll
Seguramente tendrás que empezar otra carrera. Lo que es seguro y cierto es que cuando consigas atraparlo, desearás soltarlo para volver a comenzar. ¿Podrías decirme quién es el conejo blanco? Escribe tu respuesta en la foto del conejo en el Instagram @agaphemagazine y síguenos. El ganador será la primera persona que de la respuesta correcta en el post. El ganador se llevará una obra de arte valorada en 500€. La solución la daremos en la edición de marzo de Agaphe.
Natasha Fernández Directora de Agaphe
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“Era o escribir los libros o vender las joyas y soy muy sentimental con las joyas.�
Ava Gardner
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SUMARIO
FEBRERO 2019
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E NT R E VI STA JOSÉ MENA
EN TR EV ISTA MIGUEL DE MIGUEL
R EPO RTA JE XAVIER CUGAT
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R E PORTAJE SOPHIA LOREN
EN TR EV ISTA ERIKA URBINA
C ITA HEDY LAMARR
26 EN TR EV ISTA ALEXANDRA FLOREZ
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“Todos los hombres que he conocido se van a la cama con Gilda y despiertan conmigo.�
Rita Hayworth
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2019 FEBRERO #5
agaphe magazine
AGAPHE Directora Natasha Fernández Maquetación y Redacción Staff Agaphe Publicidad +34 653.809.988 agaphemagazine@gmail.com
Agaphe España no se hace responsable necesariamente de las opiniones vertidas por sus colaboradores o entrevistados en sus artículos. Publicación mensual y gratuita. Depósito legal: B27551-2018 / ISSN: 2604-644X
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“El sex appeal es en un 50% lo que tienes y en otro 50% lo que la gente cree que tienes.” Sophia Loren
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SOPHIA LOREN (Sofia Villani Scicolone; Roma, 1932) Actriz de cine italiana. Su padre era un ingeniero y barón siciliano que abandonó a la familia cuando nació su hermana María. Fue educada por su madre en Pozzuoli, un pequeño pueblo cerca de Nápoles. A los once años se sintió ya atraída por el mundo de las películas norteamericanas, las cuales eran muy populares en Italia. Sin embargo, antes se dedicó a estudiar magisterio, aunque nunca llegaría a terminar la carrera. En 1949 logró quedar bien clasificada en un concurso de belleza: obtuvo el segundo puesto en el concurso de “Princesa del Mar”, en Nápoles, y en 1950 fue nombrada Miss Elegancia en otro concurso que tuvo lugar en Roma, la elección de Miss Italia (que no llegó a conseguir). Debutó en el cine como figurante, en esos mismos años, en películas como Quo Vadis? (1951), de Mervin Leroy, al tiempo que participaba en fotonovelas, donde trabajó con el pseudónimo de Sofia Lozzaro. 10
Bajo los auspicios de su marido, recibió la llamada de Hollywood y trabajó en La sirena y el delfín (1956), de Jean Negulesco, y Orgullo y pasión (1957), de Stanley Kramer, ambientada en la Guerra de la Independencia española y con un elenco en el que participaban Cary Grant y Frank Sinatra. También tuvo la oportunidad de trabajar con John Wayne en Arenas de muerte (1957), con dirección de Henry Hathaway. En 1960, ya con un estilo más perfeccionado y convertida en una verdadera actriz, consiguió el Oscar a la mejor interpretación femenina por su impresionante trabajo en Dos mujeres, que dirigió Vittorio de Sica y cuya acción se sitúa en la Italia de la Segunda Guerra Mundial, durante la llegada de las tropas aliadas. De esta película rodó una versión televisiva años más tarde. La maggiorata o la piazzola (apodos con que se la designó) se había convertido en una mujer con clase y distinción, por obra y gracia de su inteligencia y de su Pigmalión, Carlo Ponti. Comenzaron a surgirle oportunidades en el mundo del cine, en parte debido a su gran belleza, opulenta y generosa, que suponía un fuerte anzuelo con el que atraer a los espectadores. A lo largo de los primeros años cincuenta intervino en una serie de películas de escasa importancia. Conoció al productor de cine Carlo Ponti, mucho mayor que ella, con quien se casó en 1957. Carlo Ponti se convirtió en su mentor y haría de ella una de las personalidades más importantes de la historia del cine. A partir de ese cambio en su situación, Ponti la hizo participar en películas, de cierto impacto en la época, como es el caso de Hombre o demonio (1953), de Pietro Francisci. Luego protagonizó La ladrona, su padre y el taxista (1955), de Alejandro Blasetti.
A finales de los sesenta y durante los setenta trabajó en una serie de películas italianas que tuvieron buena acogida de público. La Loren se había convertido en una auténtica estrella, que podía permitirse cualquier tipo de papel y cuyo trabajo se situaba más allá de las críticas, que solían valorarla por encima de muchos de los títulos en los que encarna a la protagonista. Era “una gran dama”; tenía más de cuarenta años y su físico se había tornado elegante. No recordaba ya a la muchacha de las fotonovelas de sus comienzos. Pero, además, era una excelente actriz. Entre las películas de este periodo se pueden citar Los girasoles (1969), de Vittorio de Sica, Mortadela (1971), de Mario Monicelli, y la excelente Una jornada particular (1977), de Ettore Scola. Sophia Loren fue la gran diva del cine europeo y el prototipo de la belleza mediterránea, pero, también, una mujer que supo recorrer un camino que le llevó de la simpática vulgaridad a ser considerada una gran señora del mundo del cine. Además del Oscar, obtuvo el Cesar honorífico del cine francés. En 1994 fue galardonada con un Globo de Oro y en 1995 recibió el Nastro de Argento italiano. En 1997 recibió la Orden de Caballero de la República de manos del presidente italiano Oscar Luigi Scalfaro.
con Jayne Mansfield 11
JOSÉ MENA
Alcanzando el resplandor sobre las nubes
El viaje temprano
Esperando en algún lugar
¿En quién te inspiras para realizar tus obras?
Pienso en las cosas más importantes que he vivido a través del tiempo: nacimientos, pérdidas de mis seres queridos y acontecimientos. Luego medito lo que siento para hacerlo; lo dibujo y lo pinto. Muchas de mis pinturas, son inspiradas en una señora que fue mi madre adoptiva; dio todo para mí, y ya no la tengo, partió de mi lado hace varios años. Si observan mis obras, ellas por si solas, dicen lo que siento. También me inspiro en el movimiento surrealista, que para mí fue uno de los más innovadores en el arte comandado por Dalí, De Chirico, Magritte y que presentan los sentimientos y sueños más profundos de los artistas. Supongo que alguna vez le habrán dicho que se asemeja a Salvador Dalí, artísticamente hablando. ¿Qué piensas?
Sí, lo que pasa es que admiro al gran pintor Salvador Dalí. Me gusta ver y seguir las obras de ese gran artista. Sus diseños y composiciones. Pero me gusta tener un sello propio. Siempre nos vamos a influenciar positivamente de manera indirecta si somos del estilo surrealista.
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Danzando sobre las nubes
En Costa Rica me ha sorprendido que apenas ven una obra mía me asocian con Dalí. Aunque mis obras tengan diseños muy diferentes, algo inspira a las personas a sentirse así. Algo que no se explicar. ¿Qué sientes cuando estas realizando tus obras?
Siento mucho entusiasmo y alegría de hacer lo que me gusta y a la vez, la necesidad de sacar lo que está dentro de mí. Busco trabajar mis obras de una forma muy nítida y limpia en lo que concierne al surrealismo. Lo hago de manera un poco subliminal y a la vez sencilla para que el espectador pueda adivinar o interpretar lo que expreso. ¿Cómo te inspiras?
Me inspiro en el día a día. También en mis vivencias y en los grandes maestros. Estudiar a Salvador Dalí, Goya, El Greco, De Chirico… veo los diferentes aspectos de sus obras que para mí es apasionante. Viaje a la ciudad perdida
Vemos que utilizas mucho el color azul en tus obras ¿Es por algún motivo en especial?
Son colores que ayudan a relajar y calmar las emociones. Transmiten paz y ayudan a meditar inconscientemente. Además, el azul y sus difuminados en celeste, llegando a blanco, son sinónimos de pureza y divinidad. Mis pinturas, combinan figuras que impresionan y dan un poco de temor. Mis pinturas con forma de huesos de animales que pinto de colores grises, negros y blancos las combino con fondos de cielos azules y celestes que le dan belleza y tranquilidad al espectador. En esas figuras estructuradas surrealistas y futuristas, expreso el miedo del ser humano hacia lo divino y desconocido que es ese paso tan natural y necesario del cuerpo y el alma, pasar dentro de un medio de transporte terrenal a otro lugar más espiritual, a un paraíso.
Rescate al nacer
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MIGUEL DE
MIGUEL
“Pinto el color de los sentidos; el color del alma y el color de la personalidad.” Fotografía: Elena Taliano 15
Defínenos tu estilo
Mi estilo se basa fundamentalmente en el color. Pinto el color de los sentidos, el color del alma y el color de la personalidad. Todo esto a través de la figura femenina que es la portadora de la belleza y el origen de la vida. ¿Cuál es tu técnica favorita y porque la utilizas?
Utilizo principalmente el acrílico porque el color que consigo con el no lo consigo con el óleo. Y para mi obra me interesa más. A parte de que seca mucho más rápido y te da la opción de corregir más rápidamente
¿Cómo comenzaste en el mundo del arte?
Comencé en el mundo del arte siendo marchante de varios artistas. Después como galerista y finalmente, después de pasar muchas horas en los estudios de artistas en el mundo, decidí coger los pinceles. Era el año 1987 y hasta hoy.
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¿Vives del arte profesionalmente? Y en el caso contrario, ¿qué crees que haría falta para que un artista pueda vivir de ello?
Si, solamente me dedico al arte. No sé si lo podemos llamar vivir o malvivir, pero bueno, es lo que me llena y me acerca al bienestar mental. ¿Cómo ves el momento actual del arte?
Yo llevo cuarenta años al lado del arte, y de verdad nunca lo he visto bien. Hay una falta de cultura y de interés por el arte que lamentablemente no hemos podido superar. ¿Cuáles son tus influencias artísticas?
La verdad, son muchas. Necesitaría un libro para explicarlo, porque sería demasiado largo. Es como cuando te preguntan ¿qué música prefieres? es imposible contestar con un solo músico. Hay tantos pintores, cantantes, escritores… son tantos los que me influyen que verdaderamente llenaría un libro. ¿Qué hace un artista español en Italia?
Pues mira, siempre he sido bastante curioso por ver que se cuece en el arte por distintos países. Estuve bastantes años viajando por Sudamérica y compartiendo talleres con muchos artistas de ese continente. Allí aprendí la fuerza del color y esa luz exclusivamente sudamericana. Después, me interesaba mucho Italia porque es 17
¿Qué opinas de los compradores actuales de arte?
Pienso que la mayoría de los compradores actuales son nuevos ricos que no tiene mucha idea de arte y se dejan asesorar por galeristas que siempre mueven las mismas obras y los mismos autores. ¿Cómo crees que se podría defender mejor el arte?
Creo que se defendería muchísimo mejor si se cultivara en los colegios desde una edad temprana. ¿Qué consejo le darías a una persona que quiere dedicarse a este mundo?
un país maravilloso donde la movida artística es constante. Además, quería estudiar la pintura del gran maestro que es Caravaggio. Así que fundamentalmente por eso estoy en Italia. ¿Por qué gran parte de tu obra es dedicada a las mujeres?
Bueno, de alguna manera ya te contesté. Mi obra se desarrolla a través de la figura femenina porque creo que es la portadora de la belleza y a la vez el origen de la vida. Si la mujer no existiera ninguno de nosotros estaríamos aquí. ¿Por quién te decantas, Dalí o Picasso?
Picasso con mucha diferencia Para ti en Europa, ¿cuál es el centro del arte?
Hay varios sitios que se mueve bastante. Está Berlín, Paris, Italia, Londres… 18
Que mejor se dedique a otra cosa (ríe). Es broma. Yo el consejo que le daría es que se prepare para una carrera larga y difícil. Pero también bonita y que lo de todo cuando se ponga delante de la tela en blanco y no se deje llevar por modas. Que se escuche desde su más profundo sentido.
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OSVALDO
SEQUEIRA
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¿Cómo definirías tu estilo?
Podríamos decir que es un modo de un Impresionista contemporáneo por el uso del color, y la forma de pintar y un asomo de transvanguardia en la parte conceptual.
más tridimensionales para que sea necesaria la experiencia presencial, de este modo, el observador puede apreciar las máximas posibilidades de comunicación de cada pieza.
¿Qué tipo de técnica usas y por qué?
¿Quiénes fueron tus influencias artísticas?
Las más que uso son acrílico y óleo, pero suelo aplicar estos medios con recursos técnicos importados de la acuarela. Actualmente estoy explorando con soportes no tradicionales como láminas de acrílico y metales, con el fin de crear efectos
Definitivamente los impresionistas. Su forma de ver y concebir el acto de pintar es algo que siempre me ha motivado e intrigado, y ellos vinieron a redefinir muchos conceptos de creación que se consideraban establecidos e inamovibles.
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Para ti, ¿cuál es el centro del arte en el mundo?
Para mí el centro del arte en el mundo es la eterna pregunta del ser humano ¿Para qué estamos aquí? ¿Como ves el futuro del arte?
Muy cambiante y emocionante. Con muchos recursos técnicos que lo re-definirán y le darán un giro completamente diferente a lo que conocemos hoy día. Los medios digitales, tecnológicos y nuevas formas de comunicación crearán muchas posibilidades creativas pero el centro será siempre lo mismo; la creatividad humana.
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“Las ideas mueven el mundo sólo si antes se han transformado en sentimientos.”
Elizabeth Taylor
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ERIKAURBINA 24
¿Cómo definirías tu estilo?¿Desde cuándo te dedicas a la pintura? ¿Cómo comenzó todo?
El amor por el arte comenzó desde que era una niña. Vi a una de mis compañeras de escuela dibujar de lo más hermoso y en ese momento supe que esa era mi real vocación. No logro imaginar hacer otra cosa que no sea dibujar. Hace dos años inicie mis estudios. Es un proceso donde primero aprendes a dibujar para luego pintar. Yo aún estoy en ese proceso. Por el momento solo hago dibujos (retratos a lápiz). Espero llegar a la pintura el próximo año.
¿Cuáles son tus máximas influencias artísticas?
Son tantos… pero el principal es Vincent Van Gogh. Sus pinturas, su vida, me cautivaron desde un principio. Me encanta la pintura barroca, por lo cual Rembrant, Caravaggio, y por supuesto Roberto Ferri son artistas que no pueden faltar. Y como olvidar a la primera pintora del renacimiento Sofonisba Anguissola. ¿Qué tipo de técnicas utilizas y porque te decantas por ellas?
Por el momento utilizo la técnica de grafito y carboncillo. ¡Ambas técnicas pueden lograr resultados sorprendentes!
¿Te dedicas profesionalmente a la pintura, es decir, vives de ello?
¿Cómo te gustaría ser recordada?
No, como lo dije anteriormente soy estudiante de arte.
Me gustaría ser recordada como una gran “Artista”. La que se jugó hasta la piel por el arte. 25
ALEXANDRA
FLOREZ
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Explícanos un poco tus orígenes y cuéntanos tus próximos proyectos
Soy Colombiana, viví muchos años en Cali donde estudie ingeniería industrial y paralelamente mi interés por el arte me llevo a trabajar en la galería de arte Liliana Velasco como administrativa donde mis inquietudes artísticas se desarrollaban. Actualmente estudio Técnicas escultóricas en madera en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Burgos. Mis próximos proyectos son exposiciones en diferentes partes del mundo con la representación de Aaron Henriques y su Galería Carey. ¿Qué técnicas utilizas?
Trabajo con diferentes técnicas como el oleo y el acrílico, muchas veces me gusta trabajar con técnica mixta utilizando diferentes pigmentos y resinas sobre base de madera. Me gusta el experimento y la innovación en mi trabajo. ¿Qué artistas te inspiran?
Tuvo gran influencia el trabajo de artistas colombianos. Por ejemplo, Omar Rayo con su obra geométrica y los colores que usaba. Alejandro Obregón con la admiración hacia la naturaleza colombiana. Cesar Correa con sus colores vivos y sus paisajes abstractos, por nombrar algunos. A medida que transcurre el tiempo e indago más en la historia, en los artistas y su trabajo, encuentro que la inspiración esta en todos los rincones, es fascinante encontrar tanta belleza. ¿Cuáles son tus objetivos como artista a corto plazo?
A corto y a largo plazo mis objetivos son seguir creciendo como persona y como artista. Encontrarme con la mente más abierta para poder seguir creando. Que el pintar siga siendo un placer y el medio más claro y sincero para expresarme al mundo y revelar mis más íntimos sentimientos. ¿Qué consejo darías a alguien que quiere comenzar en este mundo?
Que siempre mantenga el entusiasmo. Es importante avanzar y siempre estar aprendiendo; aunque el camino no es fácil, es muy satisfactorio.
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XAVIER
CUGAT
Xavier Cugat es una de las figuras más emblemáticas de la cultura popular del siglo XX. Director de orquesta, violinista, actor, dibujante, caricaturista… muchos son los oficios que pueden atribuirse a este artista conocido en América como El Rey de la Rumba, y es que su huella en la historia del arte es solo comparable a la que ha dejado en nuestro imaginario común, como uno de los más auténticos y llamativos personajes de la escena artística internacional.
Xavier Cugat, el pintor Xavier Cugat era un hombre de artes. La música, el cine, la pintura… en todas las disciplinas en las que tomó parte destacó como uno de los mejores de su tiempo, y en el caso de las artes plásticas no iba a ser menos, aunque la faceta del Xavier Cugat pintor puede resultar algo ensombrecida por su gran fama como músico. La sensibilidad de Xavier Cugat hacia el dibujo se despierta ya en sus años mozos, cuando residiendo en los Estados Unidos realiza caricaturas y tiras cómicas para periódicos como el
Los Ángeles Times, rotativo con el que colabora durante la década de los ‘20. Su talento con el lápiz y la pintura también supo fraguar en una interesantísima obra gráfica, a la cual se dedica en plenitud de esfuerzos a su regreso a Cataluña en la década de los ‘70. La mayoría de los trabajos plásticos de Xavier Cugat - principalmente litografías - beben del saber hacer del dibujante, con un estilo a medio camino entre la inocencia infantil del naif y las influencias heredadas de los grandes artistas plásticos de América Latina, como Antonio Seguí, de quienes toma el empleo de gamas cromáticas amplias, vibrantes y contrastadas, como podemos ver en Mexicanos con Chiguagua o En el veterinario. Como ya se aprecia en las obras mencionadas en la linea anterior, la temática de la obra gráfica de Xavier Cugat y de muchos de sus dibujos
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primeros escarceos con el séptimo arte, actuando después de sus clases en un cine propiedad de otro migrante, poniendo música con su violín a las películas mudas de aquel entonces.
es costumbrista, aunque el artista tambien suelerepresentar a personajes icónicos de la cultura popular, como vemos en el dibujo original Montserrat Caballé y en El Pelusa, obras en las que tambíen destaca su inclinación por el mundo de la caricatura. Si estas interesado en comprar obra de este artista, puedes encontrar estos y otros dibujos y litografías de Xavier Cugat en nuestras subastas de arte online. La ajetreada vida de Xavier Cugat, el Rey de la Rumba Xavier Cugat inaugura con su aliento el siglo XX, al nacer el 1 de enero de 1900 en la localidad catalana de Girona, aunque con apenas cinco años de edad se embarca con su familia rumbo a América. La familia había pensado viajar a México, donde ya conocían a otros emigrantes catalanes, pero el destino los lleva finalmente a la capital de Cuba, donde el padre de Xavier Cugat encuentra un empleo.
Apenas cumplidos los diez años, Xavier Cugat se convierte en primer violín de la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de Cuba, tarea que le permite entrar en contacto con grandes personalidades del mundo artístico, como el tenor italiano Enrico Caruso, quien posteriormente le ayudará en su conquista de los escenarios estadounidenses. Su destreza musical le lleva en 1915 a los Estados Unidos, donde se asienta con su familia en la ciudad de Nueva York. Su red de contactos se amplía al conocer a músicos de la talla de Pau Casals o Enric Granados y a Agustí Broyuno, con quien forma un grupo de música clásica con el que ambos comienzan un periplo artístico por escenarios de América y Europa, como Francia, Alemania, Italia o España. Es también durante su adolescencia cuando se imbuye de los sonidos latinos, acercamiento propiciado también por su matrimonio en 1918 con la cantante Rita Montaner, la primera de sus cinco esposas, quien le ayuda a abandonarse al contagioso ritmo tropical.
En La Habana, el pequeño Xavier Cugat empieza a demostrar sus dotes artísticas, aprendiendo a tocar el violín en el Conservatorio de Música de la ciudad, donde ingresa con siete años de edad. Es también durante su infancia cuando tiene sus 29
Su trabajo continúa durante casi otras dos décadas en las que consigue convertir numerosas canciones en auténticos hits del momento y sacar adelante negocios de lo más variado, hasta que vuelve a Cataluña en 1970, instalándose en Barcelona, donde realizará sus últimas películas y actuaciones.
Los años ‘20 son la primera época de esplendor para Cugat, periodo en el que se embarca en su primer proyecto como director de orquesta en la Sala Coconut Grove, en el Hotel Ambasador, donde comenzará a introducir en las pistas norteamericanas ritmos como la rumba, la conga o el tango, hecho por el que se le considera el responsable de abrir el mercado musical estadounidense a los artistas latinoamericanos. La década de los ‘30 continúa para Cugat al ritmo de la música latina, fundando en 1929 la Orquesta Los Gigolos, aunque también es el momento en el que este catalán da el salto a los espectáculos hollywoodienses, colaborando en musicales, cortometrajes y filmes generalmente como director de música rítmica. Entre la larga lista de colaboraciones, destacamos clásicos como Luces de la Ciudad (1931), de Charles Chaplin. Durante más de quince años, la Orquesta Los Gigolos congrega en la pista de Baile del Hotel Waldorf Astoria a personajes icónicos de la época, como Rita Hayworth, Greta Garbo o Frank Sinatra, con quienes Xavier Cugat mantiene contacto a lo largo de los años. 30
Durante esta época, Xavier Cugat se dedica principalmente a dibujar en su habitación en el Hotel Ritz, exponiendo por primera vez su obra en Europa en la Barcelona de 1972. Dieciocho años más tarde, la Generalitat de Catalunya le otorga la Cruz de Sant Jordi por una vida consagrada al arte en sus múltiples expresiones, reconocimiento que se suma a las estrellas que le hacen memoria en el Paseo de la Fama de Hollywood Boulevard, por el que durante décadas levantó pasiones. Xavier Cugat muere a los 90 años de edad en Barcelona y es enterrado en la Girona que lo vio nacer apenas un siglo antes. La lápida que cubre su tumba reza las siguientes palabras: “Xavier Cugat i Mingall, catalá universal, Cugat que vivió”.
“El mundo no se está haciendo más fácil. (...) Hacer las cosas con prisas no es lo mejor, se necesita tiempo para todo: tiempo para trabajar, tiempo para jugar, tiempo para descansar.”
Hedy Lamarr
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