Agaphe Magazine Septiembre 2019 by Agaphe Magazine

Foto portada: Oscar Mcanally

Giovanna Dizurita

’’He conseguido convertir mi vida en mi propia obra maestra a través de mi dedicación y persistencia’’ Fotógrafo: Margi ZaSa 3

CARTA Queridos lectores

Arranca septiembre y arranca lleno de novedades. La más destacable es la participación de Agaphe Magazine como el patrocinador oficial en el certamen de belleza The Best Model of Europe pasando a ser la revista oficial del certamen.

El certamen se celebrará en el hotel de Guitart de Gerona, Costa Brava en España. Rosario Stagno y su equipo son los responsables de un evento que genera cada año más expectación a nivel europeo. Desde Agaphe Magazine, recomendamos encarecidamente que no se pierdan nuestro especial de octubre de 2019 dedicado íntegramente al evento.

Beatris Burgoin - La cita

Por otro lado seguimos en la línea de dedicar a Agaphe al arte, la cultura y al buen gusto.

Disfrutad con las entrevistas y artículos de este mes ya que nos han contado muchos secretos Giovanna Dizurita, Lorena Diez y Sara Piña y estoy segura que os sorprenderá gratamente conocerlas mas a fondo porque ellas son unas artistas de los pies a la cabeza.

Disfrutad de la vida

Natasha Fernández Directora de Agaphe Magazine

Eye Prison Luis Ă lava

SEPTIEMBRE 2019

SUMARIO

09 6

R E PORTAJE NiccolÒ Paganini

EN TR EV ISTA Giovanna DiZurita

EN TR EV ISTA Lorena DieZ

R E PORTAJE Galería Carey

R EPO RTA J E El LuJo en la Música

EN TR EV ISTA Sara Piña

Vileza Luis Ă lava 7

2019 SEPTIEMBRE #12

agaphe magazine

AGAPHE Directora Natasha Fernández Maquetación y Redacción Staff Agaphe Publicidad +34 653.809.988 agaphemagazine@gmail.com

Agaphe España no se hace responsable necesariamente de las opiniones vertidas por sus colaboradores o entrevistados en sus artículos. Publicación mensual y gratuita. Depósito legal: B27551-2018 / ISSN: 2604-644X

NICCOLร

Ilustraciรณn: Luigi Calamatta

PAGANINI 9

Es prácticamente imposible hablar sobre los violines sin mencionar a Niccolò Paganini. Paganini representa un hito dentro de la historia de este instrumento, pues sin duda podemos diferenciar aquello que le precedió de la música de violín posterior a su figura. Niccolò Paganini fue un compositor musical y un famoso virtuoso del violín del siglo XIX, revolucionando la técnica de este instrumento. Este artista influyó en el interés romántico por la figura de los genios y virtuosos. Nació en Génova, Italia, en 1782, hijo de Antonio Paganini y Teresa Bocciardo. Desde los cinco años estudió con su padre música, aprendiendo a tocar la mandolina y el violín, y posteriormente con los músicos reconocidos Giovanni Servetto y Giacomo Costa. Tuvo su primera aparición en público en 1793, y entonces procedió a estudiar con los artistas Alessandro Rolla y GaspareGhiretti en Parma. Con apenas trece años, y acompañado por su padre, realizó un tour por Lombardía, donde cada concierto hizo mayor su reputación. Sin embargo, tras conseguir su independencia, recurrió en exceso a la bebida, las apuestas y los encuentros sexuales; llegando al punto de que tuvo que vender su violín para pagar sus deudas. Entre 1801 y 1807 compuso sus famosos 24 caprichos para violín, donde podemos apreciar sus innovadoras técnicas. En 1805, reapareció en Italia como violinista y se le hizo compositor de la corte para la hermana de Napoleón, Élisa Bonaparte Baciocchi, princesa de Lucca y Piombino. De la misma forma, dio recitales de sus composiciones por todo el país italiano. En 1824 se juntó en lo que sería una duradera relación, con la cantante Antonia Bianchi. A partir de 1828, Paganini tuvo un gran éxito en Viena y posteriormente en París, donde conoció al pianista Franz Liszt, que inspirado por Paganini compuso un correlato pianístico a una de las composiciones de Niccolò; así como las giras por

Ilustración: Richard James Lane

Italia, Inglaterra y Escocia que le dieron mayor prestigio. En 1833 se asentó en París, donde le encargó a Héctor Berlioz componer el concierto para viola y orquesta Harold en Italia, pero que Paganini jamás interpretó. Su salud fue deteriorando a causa de la tuberculosis que se le diagnosticó en 1819, y en los años 1834 y 1840 sufrió dos ataques de hemoptisis, este último precipitando su muerte. Esto unido a la sífilis que padecía y se medicaba con mercurio causó su muerte en mayo de 1840. La personalidad arquetípica romántica de Niccolò Paganini y las aventuras que vivió le han dado a su vida un carácter de leyenda que recuerda a Fausto y Mefisto; pues en su momento existían muchos rumores de que en él había algún influjo demoníaco que le concedía su talento con el violín, llegándolo a llamar el “sucesor de Beethoven”. Su técnica violinística era impresionante, además de que solía improvisar cuando tocaba, siguiendo la actuación aunque se le rompiesen las cuerdas del instrumento y tenía fama de ser incluso extravagante con el uso de trucos. A parte de sus

Niccolò Paganini

24 caprichos compuso seis conciertos y varias sonatas para violín y guitarra. Y sus innovaciones técnicas fueron imitadas por virtuosos como Pablo Sarasate y Eugène Ysaÿe, y sus composiciones inspiraron a músicos como Franz Liszt, Robert Schumann, Johannes Brahms y Sergey Rachmaninoff. Violín de Paganini

Galería Carey no es una galería más. Lo que la hace diferente del resto son tres puntos claves: - Equipo Humano Su equipo humano está dirigido por amantes del arte que buscan ante todo que sus artistas se sientan bien representados. - Son promotores de arte Así que constantemente organizan y promueven exposiciones tanto colectivas como individuales fuera del espacio de la galería. - Los principales objetivos son: - Lograr la máxima cotización posible de la firma del artista. - Darle difusión y visibilidad mediática a sus obras. - Lograr un acercamiento del público general, museos y amantes del arte hacia el artista y su obra. Cabe destacar que Galería Carey cuenta para ello con una amplia experiencia en organizar eventos culturales y exposiciones en ciudades como Barcelona, Ibiza o Miami, solo por citar algunas. Galería Carey colabora con la revista ArtSecret y fue patrocinador oficial del certamen de belleza The Best Model of Europe 2019. Donde la organización del certamen seleccionó varias obras de arte de los artistas de la galería para entregar como premio a los ganadores en diferentes categorías. Con un total de doce obras con un valor de 1.000€ (mil euros) cada una. Si eres amante del arte o artista seguro que te sorprenderá su boletín mensual lleno de información gratuita y de alta relevancia: como saber de qué forma poder vender a los museos de España, qué es un certificado de autenticidad o la diferencia entre vender un cuadro y una obra de arte. Seguro aprenderás mucho de arte totalmente gratis y puedes solicitar su boletín vía email en formato PDF gratis. Puedes seguir las actividades y novedades de Galería Carey en su web www.galeriacarey.com

Aaron Henriques Director de Galería Carey

“El arte me ha enseñado que al igual que en la vida, uno debe moldear la historia que quiere contar o vivir”

GIOVANNA

DIZURITA Texto: Ixchel Domínguez Fotos: Margi ZaSa, Vanity Boudouir y Dizurita.

“El lienzo es nuestra vida y solo queda trabajar diariamente para convertir la visión en realidad”

“Yo vivo para hacer arte y para vivir una vida interesante, retorcida y llena de placeres.”

Giovanna Di Zurita es una artista mexicanaamericana, que pese a su juventud tiene una carrera muy rica. Le introdujo su tía al arte cuando era pequeña y desde entonces aborda cada pintura nueva como una aventura que le permite enamorarse del arte otra vez. La artista usa el arte como forma de expresión y ha sido una compañera que le ha permitido sobrellevar los momentos más bajos de su vida. Su arte es muy variado, con el uso de acrílicos, óleos, tinta, papel, tela e incluso lo ha llevado a la moda y a la decoración de hogar, creando su propia marca DiZurita. Con su arte Dizurita quiere transmitir un mensaje de paz y esperanza ya que para ella el arte es “felicidad sin límites”. Además, sus obras han sido expuestas internacionalmente y es coleccionada por figuras de gran importancia como Bernie Sanders y Steven Tyler. Con esta entrevista, DiZurita nos invita a conocer más a fondo su vida y obra artística. Sabemos que desde pequeña has mostrado un interés en el mundo del arte, ¿crees que tu forma de expresarte a través del arte ha cambiado a lo largo de los años? En caso de que sí, ¿cómo? Mi arte no solo ha cambiado con los años, pero constantemente cambia con el pasar de los días, las experiencias vividas que marcan diferentes etapas y cosas importantes que me hacen crecer. Cuando empecé a pintar era una niña pequeña. Pintaba por el gusto que le tenía a los colores y al crear por naturaleza. Después en mi juventud usé el arte como un medio de desahogo de situaciones frustrantes. Mi arte pasó de ser colorido a muy crudo y rebelde. Hoy en día, a mis 27 años, combino mis dos lados opuestos para crear arte y los convierto en historias que cuentan mis más grande deseos y aquello que quiero atraer más allá de la realidad de lo vivido. ¿Y cómo ha cambiado tu vida desde que te dedicas al arte profesionalmente? Ahora que el arte es no solo mi pasión, sino también mi trabajo me siento realizada profesionalmente. Sin embargo, siempre con mucha hambre y ganas de crecer y ser muchísimo mejor que lo que fui ayer. Es una bendición poder vivir de lo que amas hacer.

vivo para hacer arte y para vivir una vida interesante, retorcida y llena de placeres. De las vidas de estos artistas he aprendido a ser auténticamente yo. Una artista sin etiquetas y con mucha versatilidad. En tu experiencia como mexicana-americana, ¿sientes que ser parte de dos culturas diferentes ha influenciado tu arte? Si es así, ¿se reflejan en tu arte de forma armoniosa o puede apreciarse un conflicto? Yo siempre he pensado que estoy compuesta de dos seres o esencias opuestas... no me extraña que me sienta así ya que vengo de dos culturas muy distintas. Esto me ayuda a poder crear obras que de pronto son armoniosas, bellas e inspiradas al positivismo y al mismo tiempo he experimentado el caos, el dolor y la soledad en sus máximas potencias. El nunca haberme sentido parte de una u otra cultura 100% se refleja en mis obras. Una controversia divertida que confunde al espectador. Lo que algunos aman al ver tantos estilos distintos y llegan a llamar “diversificación” otros podrán opinar que es “desorden” y a mí me encanta saber que mi arte no tenga una manera de explicarla o entenderla a simple vista. Porque mi arte no proviene de algo específico y al igual que mi “cultura”, no le pertenece a nada, sino a sí misma. ¿Qué significa para ti el arte? El arte para mí es un medio de expresión que se le da a la imaginación y al alma. Ya sea para sanar, para crear por diversión, para escapar a un mundo alterno o comunicar lo que con palabras no se puede explicar. A lo largo de tu vida, ¿cómo te ha ayudado su arte a sobrellevar algunas de las difíciles situaciones a las que te has podido enfrentar? El arte es mi aliada incondicional, si alguna vez he tenido un verdadero mejor amigo sería el arte. A través de ella he podido expresarme sin filtros; el arte y yo sabemos lo que no le cuento a nadie y por medio de ella he podido sanar heridas, pintando me he encontrado como persona y he aprendido sobre la paciencia. El arte me ha enseñado que al igual que en la vida, uno debe de moldear la historia que quiere contar o vivir. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado?

“Golden Wisdom” es una pintura de un elefante compuesto de 79 animales que su significado es totalmente inspirador. Mide 1.22 x 1.52 metros. Me Cuando se trata del arte, suelo pensar que soy un llevó 6 meses completarla ya que fue la obra más pedacito de cada artista que admiro como: Dalí, compleja que he creado en mi carrera, pero el día Picasso, Frida Kahlo, Jeff Koons y Britto entre otros. que la termine literalmente sentí que me encontré Porque absorbo de ellos lo que más me gusta. Yo como artista. Ese día realmente reconocí mi talento.

¿Cuáles dirías que son las figuras que más han influenciado a tu arte?

¿Dónde encuentras inspiración para realizar tus obras? La inspiración la encuentro especialmente en la naturaleza y en las experiencias de vida. Todo aquello que está vivo y todo aquello que es lo vivido. Tu obra muestra una gran versatilidad y variedad, por eso nos preguntamos, ¿qué es lo que piensas cuando te dispones a pintar una obra de arte? Antes de pintar me gusta hacer un ritual poco convencional. Abrazo el caballete y repito el siguiente mantra: “Soy un pincel que pinta con el alma”, una y otra vez hasta que siento una felicidad interna extrema. Prendo velas y pongo música. Después me dispongo a pintar literalmente invitando a “Dios, universo o aquel ser superior” a que sea el guía y yo solo soy su instrumento. Cuando pinto no me propongo hacerlo con un estilo en particular, el estilo, pensamiento y sentimiento nace en el momento de la creación y por eso es distinto muchas veces. ¿Qué es lo que deseas que el espectador perciba y sienta al estar frente a una de tus obras?

Aparte de artista, eres una fashionista, ¿crees que el arte y la moda se complementan a la hora de expresarse? Yo nunca he pensado que el arte y la moda sean cosas separadas. Al contrario, la moda es el arte que se expresa a través de cómo uno quiere ser percibido o como uno quiere sentirse. Es totalmente un sinónimo. ¿Qué fue lo que te interesó en ampliar tus capacidades artísticas a la moda y el diseño? Yo creo que todos los seres humanos somos piezas de arte con un alma. Y como tales, tenemos que adornar nuestro exterior tan único y bello como sea nuestro interior. Somos piezas maestras y por eso decidí convertir mi arte no solo en obras que se cuelgan en una pared, sino hice obras que se lleven puestas en nuestro “templo” que es nuestro cuerpo. Eres aún muy joven, ¿qué es algo que te gustaría hacer en el mundo del arte? Me gustaría mucho un día poder ver mis creaciones en un museo expuestas para que el mundo pueda apreciarlas.

Mi mayor anhelo es que el espectador pueda olvidarse de la realidad y se sumerja en la historia que cuenta cada obra.

Tu obra ha sido expuesta internacionalmente y algunos de sus colectores incluyen a figuras como Steven Tyler y Bernie Sanders; viendo hasta dónde has llegado, ¿te imaginabas cuando era más joven que su arte te llevaría tan lejos?

Tienes una marca, DiZurita, bajo la cual nos encontramos muchas cosas: tus pinturas, accesorios, ropa e incluso decoración de hogar, ¿cuál es el objetivo de tu marca?

Nunca imagine estar donde estoy hoy en día. Diariamente vivo como en un sueño que constantemente se hace realidad.

El objetivo de mi marca es poder traer color e inspiración a cada objeto del uso diario, digamos que yo creo que tenemos que rodearnos de cosas hermosas y mi marca está aquí para facilitar el encontrar objetos, ropa y accesorios que brinden belleza.

¿Cuáles fueron algunos de los mayores obstáculos que tuviste en tu vida como artista?

Abstract

Polo player

Mis mayores obstáculos fueron: la falta de experiencia por mi corta edad y la inseguridad que tuve al comienzo de mi carrera. Algunos ven la juventud como algo bueno para el artista, pero en el mundo de las

Flor de fiesta

Guardian of the moon

The naked truth

The prayer mixed

artes plásticas lo que le da peso y valor al artista es su trayectoria, sus años de experiencia y sus conexiones. Obviamente nadie empieza con ello y por lo tanto al inicio hubo muchas puertas que no se abrían y eso me hacía dudar si yo valía como artista. Hoy en día sé que fue eso lo que prendió en mí un fuego que no se apagará jamás. Por eso diariamente me dedico a hacer crecer mi portafolio, las puertas cerradas se convierten en un reto que constantemente me propongo lograr y nada ni nadie me hace dudar en la artista que soy y llegaré a ser. Y viendo hasta dónde has llegado, ¿cuánto más te gustaría crecer, tanto como persona como artista? Es imposible para mí responder con una sola respuesta a esta pregunta ya que no creo que llegue un día a pensar que lo he logrado todo. Pero sé que apenas es el comienzo y quiero llegar a dar a conocer mi obra en todo el mundo sin tener que fallecer para ser reconocida. Quiero que mi obra y mi vida transciendan a través de los siglos con un mensaje de paz y de esperanza. ¿Qué le aconsejarías a una persona que quiere ser artista también? Mi consejo para quien quiera ser artista es que primeramente decida qué tipo de artista quiere ser. Si quiere ser un artista empresario y dedicarse a vender su obra por el resto su vida hay que entender que no va a ser nada fácil. Tendrá que aprender muchísimo sobre temas que no suelen ser naturales para un artista típico. Se va a sacrificar mucho tiempo y se tiene que reinvertir lo ganado en hacer crecer su carrera y negocio para ser mejor. Tenemos que mantenernos en un balance emocional y físico para que el arte y el negocio vayan de la mano y nunca se coman uno al otro.

Vemos que en más de una ocasión has dicho que “hemos de hacer nuestra vida arte y convertirnos en una obra de arte”, ¿qué quieres decir con esto? ¿tú cómo lo ha conseguido? Al igual que en la pintura, uno tiene que prepararse y tener una visión de lo que quiere y plasmarlo en el lienzo. El lienzo es nuestra vida y solo queda trabajar diariamente para convertir la visión en realidad. He conseguido convertir mi vida en mi propia obra maestra a través de mi dedicación y persistencia. Yo misma me enseñé a pintar porque lo creí posible y durante los años nunca dejé de practicar hasta que poco a poco he logrado todo lo que hoy en día tengo. Y ya para finalizar, ¿qué es lo más importante en la vida de DiZurita? Lo más importante en mi vida es mi familia y el asegurarme que todo lo que haga deje una huella de amor e inspiración en la vida de aquellos que lleguen a conocerme a mí o a mis obras. ◆ 19

EL LUJO EN LA MÚSICA Los instrumentos musicales son objetos muy preciados, especialmente para coleccionistas. Algunos de los más prestigiosos fueron construidos hace muchos siglos, pero siguen sonando igual de bien que cuando fueron hechos. Hay muchos artesanos destacados como Stradivarius o Giuseppe Guarneri del Gesù cuyos instrumentos son tratados en la actualidad como verdaderas obras de arte. Estos, junto con otros de carácter más reciente, forman la serie de instrumentos más valorados y exclusivos a nivel mundial, algunos de ellos incluso no teniendo precio. Algunos de estos instrumentos son:

ARMÓNICA La empresa de HohnerMusikinstrumente,en la década de los 30, diseñó la conocida Pope Pius XI, la cual se convirtió en la armónica más cara del mundo.

Instrumento: Armónica Papa Pío XI. Valuado en: No tiene precio por ser patrimonio papal. Constructor: HohnerMusikinstrumente. Año: Desconocido. Propietario actual: El Vaticano.

La armónica dada a Pío XI está realizada con cañas de bronce y está recubierta por una carcasa de oro macizo con incrustaciones de piedras preciosas y marfil. El coste del instrumento es totalmente desconocido, así que la armónica es conocida mundialmente por “no tener precio”.

GUITARRA FENDER Si bien es una Fender StratocasterStandard, está cargada con un alto valor agregado cultural y humanitario.La guitarra de la foto fue subastada por la impresionante cifra de 2.700.000 de dólares. Este precio fue alcanzado cuando fue subastada en Doha, Qatar y cuyos beneficios fueron destinados para ayudar en el desastre del tsunami en 2004. Instrumento: Guitarra eléctrica Fender Stratocaster. Valuada en: 2.700.000 dólares. Constructor: Fender. Propietario actual: Sheihka Miyyassah Al Thani.

La guitarra fue donada por Fender, y firmada por Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Brian May, Jimmy Page, David Gilmour, Jeff Beck, Pete Townsend, Mark Knopfler, Ray Davis, Liam Gallagher, Ronnie Wood, Tony Iommi, Angus y Malcolm Young de AC/DC, Paul McCartney, Sting, Ritchie Blackmore, Def Leppard, y el coordinador del proyecto, Bryan Adams.

ÓRGANO

Instrumento: Órgano de tubos. Valuado en: Valor desconocido, ya que es patrimonio nacional norteamericano por su condición de único. Constructor: Midmer-Loshof Merrick. Año: 1932. Propietario actual: EE. UU., Sala de convenciones del Atlantic City.

Este órgano no tiene un valor establecido ya que pertenece al gobierno de Estados Unidos y se encuentra en un salón en Atlantic City.Para su restauración se gastaron 250.000 dólares. Su valor reside en que es el órgano más grande jamás construido y el instrumento (no eléctrico) que más volumen tiene en el mundo con un total de 33.122 tubos.El instrumento tiene 314 voces (230flues, 84 reeds) según el Libro Guiness, y tiene 6 veces mayor capacidad sonora y de volumen que la bocina más ruidosa de un tren.

FLAUTA William Kincaid, el mundialmente famoso y renombrado flautista y profesor, fue el propietario y usuario de la flauta que se convertiría más tarde en la flauta más cara del mundo. La flauta de platino con la que tocó hasta su muerte en 1967 fue hecha en 1939 por la compañía “Theverne Q. Powell”. Instrumento: Flauta de platino Ex-William. Valuada en: más de 190,000 dólares. Constructor: Verne Q. Powell. Año: 1939. Propietario Actual: Desconocido.

Christie’s subastó la costosa flauta en 1986, por un increíble valor de 187,000 dólares.

PIANO Tras haber pagado a la firma Steinway&Sons la suma de 1,2 millones de dólares (aproximadamente unos 920mil euros), el multimillonario chino GuoQingxiang, por fin ha podido ver, tocar y escuchar el timbre del piano de cola más caro hasta ahora, y en la historia de la empresa Steinway. El piano está decorado según una pintura del artista chino Shi Qi y para su elaboración se han utilizado más de cuarenta tipos de maderas finas diferentes: ébano, fresno olivo, palisandro, palo de rosas y arce, son sólo algunas de ellas. El piano de cola ha salido de los talleres que la empresa tiene en Hamburgo desde 1880.

Valuado en: 1.200.000 dólares. Constructor: Steinway. Propietario actual: Guo Qingxian. Instrumento: Piano de cola.

Valuado en: Más de 2.500.000 dólares. Constructor: Bösendorfer. Propietario actual: Bösendorfer. Instrumento: Grand Piano.

Instrumento: Violín ex-Vieuxtemps. Valuado en: Más de 10.000.000 de dólares. Constructor: GusseppeGuarneridel Gesù. Año: 1741. Propietario actual: MaximViktorov.

PIANO KUHN BÖSENDORFER Realizado en colaboración entre la casa de pianos L. Bösendorfer Klavierfabrik GmbH de Viena, Austria, y el escultor de cristales Jon Kuhn, el piano Kuhn-Bösendorfer ostenta el raro privilegio de ser el piano nuevo más caro del mundo, con un precio que arranca en 1,2 millones de dólares (poco más de 800.000 euros) y puede llegar a los 3,5 millones de dólares. El piano, que viene con su banqueta haciendo juego, tiene incrustados cerca de cuarenta mil cristales Kuhn cortados a mano, dispuestos en un arreglo con forma de diamante en la tapa, el cuerpo, las patas y el protector del teclado. El cristal refleja la luz como una obra de arte viva, por lo que el piano parece brillar desde el interior, incluso con luz tenue.

VIOLÍN EX-VIEUXTEMPS El magnate ruso MaximViktorov adquirió el ex-Vieuxtemps, así se llama el prodigioso violín, el pasado 13 de febrero en la subasta de Sotheby’s. La transacción se hizo a puertas cerradas y no se dio a conocer el precio que alcanzó la pieza. La prensa rusa, sin embargo, asegura que Víktorov pagó siete millones de dólares. El precio más alto que hasta ese momento se había abonado por un violín fue justo la mitad, 3,5 millones de dólares, por un Stradivarius llamado Hummer, en una subasta Christie’s hace dos años. El instrumento data de 1741 y fue creado por el maestro de Cremona Giuseppe Guarneri del Gesù y perteneció al virtuoso belga, Henri Vieuxtemps, que se prodigaba con frecuencia en los teatros imperiales del San Petersburgo del XIX. El músico belga deleitó con su portentoso violín a los zares Nicolás I y Alejandro II. «Vieuxtemps era el principal solista del emperador Alejandro II y de los teatros de San Petersburgo. Este instrumento sonó aquí en un momento de máximo esplendor de las artes en nuestro país» ,afirmó Víktorov. Con un violín idéntico, realizado también por Guarneri, tocaba Paganini. El que poseyó Vieuxtemps pasó después a manos de André Wilmotte y en 1905 lo compró Eduard Ferdinand Küchler. Sus herederos lo mantuvieron guardado hasta que lo adquirió el empresario ruso. La última vez que en Rusia se escucharon sus melodías fue hace un siglo. Víktorov cree que un tesoro así «no debe estar expuesto en una vitrina, sino en manos de músicos». 21

“Si mis obras pudieran hablar dirían de mí que he vuelto a nacer varias veces en mi vida”

LORENA

Texto: Ixchel Domínguez

DIEZ

Hacia la luz

Lorena Diez es una artista chilena. Diseñadora integral de la Universidad de Chile y ha desarrollado su arte desde que era muy joven. Su arte se caracteriza por integrar materia y color y estar abierto a múltiples lecturas e interpretaciones. Lorena ha estudiado con los artistas Francisco Fernández, Jaime León y Concepción Balmes. Como artista visual ha perfeccionado en múltiples técnicas como son el color, el óleo, la figura humana y técnicas de expresión; así como ha participado en numerosas exposiciones, concursos y ferias tanto en Chile como internacionalmente. Creó el Taller Creando Felicidad, donde invita a niños y a adultos a desarrollar sus capacidades socio-emocionales y aplicarlas en su vida diaria para favorecer los pensamientos positivos a través de la expresión artística. 23

A través de esta entrevista, Lorena Diez nos invita a recorrer su obra y a celebrar la vida, cuyo constante devenir marca su esencia como artista. Recuerdas tu primera obra, ¿Qué era y qué expresabas? Me considero artista de nacimiento. Mi primera obra la realicé a los 6 años en un taller para niños dirigido por un artista. Era un cuadro de gran formato, más alto que yo misma, donde representaba un conjunto de diversas frutas. Era muy alegre y con muchos colores. Participé con esta obra en un concurso que gané, y la obra viajó a París. No volví a verla, me quedó como recuerdo una foto en la que aparezco muy feliz, con varios dientes menos, acompañada de mi colorido cuadro. ¿Qué influencias tempranas tuviste con respecto al arte? En el taller para niños gozaba de una gran libertad para crear. Este espacio era una invitación a experimentar con las pinturas, las telas, los papeles y variados materiales. Aprendí diversas técnicas que me permitieron expresar ala artista que llevo dentro. ¿Cómo nace en ti el arte? Desde niña tenía diarios de vida donde escribía e ilustraba lo que estaba viviendo. Los coleccionaba y guardaba como un gran tesoro.

Cosmos

movimiento. Parte de mi obra se inspira en él y sus diferentes manifestaciones: Desde el fondo, desde la orilla, en la rompiente de las olas, en la luz y en donde se unen los ríos con el océano. En ese constante “devenir”, se encuentra mi esencia como artista. El mar representa el cambio, que es en la vida lo único permanente. ¿Qué quieres expresar con tu arte?

¿Cómo empezaste a pintar? A partir de estos diarios de vida que tenía, se me hizo necesaria una superficie mayor que un cuaderno para poder expresarme. Así comencé mi primera tela a los seis años de edad. ¿Por qué pintura y no otra expresión artística? Para mí, la pintura es una maravillosa herramienta que contiene una fuerza vital capaz de inmortalizar momentos, de expresar sentimientos y contener vida.

Mi arte es la fotografía de un momento. Es inmortalizar un instante mediante diversos materiales y técnicas mixtas. El color es el protagonista en mi pintura ya que representa la celebración de la vida. ¿Cuál ha sido el artista que te ayudo a inspirarte? Vincent Van Gogh y los impresionistas me han ayudado a inspirarme. Me llama la atención de ellos la técnica de representar la luz teniendo en cuenta los colores que la componen. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado?

¿Dónde nace tu inspiración? Una gran parte de mi obra se inspira en el mar que va y retorna siempre diferente y está en constante

La obra que más me ha marcado es Emergiendo. Está realizada en óleo sobre tela. Con ella gané un concurso en el cuál éramos 100 pintores emergentes y consagrados. Representa una manzana vista desde arriba. En el palo de ésta, es posible ver una cabeza y los brazos de una figura humana despertando. Esta obra tiene muchas lecturas. Tu frase favorita. Mi frase favorita: “La pintura va de la mano con la vida.” Quiere decir que lo que te acontece en la vida se ve reflejado en tu trabajo pictórico. ¿Cómo ves el mundo del arte ahora?

Impermanencia

El mundo del arte actualmente me parece como una enorme tela en la que se expresan diversos lenguajes. Una trama de infinita riqueza se conjuga hoy para

Muy por el contrario, puedo afirmar que he tenido escasas dificultades en mi desempeño como artista. Algún consejo que te gustaría dar a los que recién empiezan en este mundo de la pintura. Para los que recién se inician en el mundo de la pintura les puedo aconsejar que experimenten sin temor, las diferentes técnicas que vayan aprendiendo junto a los diversos materiales. Que éstos sean vehículos de expresión y que gracias a la práctica con ellos se permitan encontrar un lenguaje único y personal. Si pudieras volver el tiempo qué escena de tu vida desearías recrear y ¿por qué? Si pudiera volver el tiempo atrás regresaría al nacimiento de cada uno mis cuatro hijos. Representan cuatro momentos de máxima creación en mi vida junto a Dios. Les agradezco a los cuatro que son mi inspiración primera y un gran apoyo en mi trabajo. Especialmente agradezco a mi hijo que está en el cielo. Emergiendo

dar vida a diferentes corrientes artísticas donde todas tienen cabida. Si tus obras pudieran hablar… ¿Qué dirían sobre el artista? Si mis obras pudieran hablar dirían de mí; que he vuelto a nacer varias veces en mi vida, que la presencia de la luz es vital tanto en las personas que frecuento como en los espacios que habito y que realizo un trabajo riguroso en la pintura, por ejemplo, la aplicación de las láminas de oro. ¿Qué estilos y movimientos artísticos se ven reflejados en tu pintura? En mi pintura se ven reflejadas influencias deVincent Van Gogh y los impresionistas. En varias de mis obras trabajo con los colores complementarios como una forma de resaltarlos y hacerlos más vivos. Esta técnica es posible observarla en los cuadros del renombrado artista y en la corriente de los impresionistas.

¿En qué proyecto te encuentras trabajando actualmente? En este momento me encuentro trabajando en la obra Devenir Infinito 2019, en la que se conjugan diversos materiales: acrílico, láminas de oro y técnicas mixtas sobre papel y sobre tela. Cada persona que observa una obra la traduce de acuerdo a su propia experiencia de vida, desde ahí surgen las múltiples lecturas. Una obra es interesante cuando su interpretación es tan variada como sus observadores.

“Una obra es interesante cuando su interpretación es tan variada como sus observadores.”

Como ves tu vida… ¿Antes y después del arte? Desde la temprana infancia, a la edad de seis años, abracé el arte como estilo de vida, por lo cual ha estado siempre presente en mi camino. ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que ha pasado trabajando en una obra? El tiempo máximo que he estado trabajando en una obra es de 3 meses. Su título es Emergiendo, óleo sobre tela. Cuando iniciaste en el mundo del arte… ¿Qué dificultades te encontraste en el camino? Me inicié en el mundo del artea los seis años de edad en un taller para niños dirigido por una artista. El hecho de aproximarse a variados materiales y experimentar con ellos iluminó mi camino en la pintura, transformándolo en una experiencia cada vez más gratificante y enriquecedora.

Haiku

SARAPIÑA Texto: Ixchel Domínguez

“Mi obra es unión de universo y arte” Sara Piña, con su pinturas Luz & Color, es una artista muy versátil de pinturas acrílicas y al óleo. Se considera una pintora de lo desconocido, una artista de lo impredecible, que busca el arquetipo de la luz. Su fuente de inspiración es el universo, el óxido de lo esparcido. Es un óxido tan vasto y sin medida y ella busca sus colores menos apagados o los más lustrosos. A veces los encuentra en nebulosas o en planetas imaginados.

¿Qué es lo que quieres que el espectador sienta al ver tu arte? Descubrí la importancia del Universo en nuestras vidas, y por ello quiero dejar un mensaje de que debemos de abrir los ojos y ser más felices. Con mi arte quiero incitar a la gente a que mire arriba y abajo, a todo lo que nos rodea, porque podemos tenerlo todo en la vida si tenemos el corazón y la mente abierta ante las vicisitudes de la vida.

Es una artista que realiza un estudio intenso antes de llevar a cabo su obra, por lo que conoce al sujeto de su representación de una forma más íntima y profunda, reflejando esto en su pintura. Estar tan bien versada en su sujeto artístico le permite transmitir más fácilmente su mensaje de amor y de la necesidad de abrir nuestras mentes y corazones para conseguir con mayor la felicidad. Sara Piña ha realizado diversas exposiciones, tanto a nivel nacional como internacional. Y, gracias a su pasión por el arte, va a continuar desarrollándose como artista y a dar a conocer su arte aún más. ¿Cuándo nació en ti el interés por el arte? Desde muy pequeña, fui una niña muy tímida y me interesaba mucho escribir y dibujar, a veces incluso más que salir a jugar; y esta forma de expresarme evolucionó en el tiempo. ¿Dónde encuentras la inspiración para crear? Años atrás pintaba mayoritariamente paisajes, siendo mi inspiración principal la naturaleza, con sus luces y sombras. Pasado un tiempo descubrí otro paisaje, uno que nadie ve y que es nuestro Universo, entiendo a este como otro entiende a la figura de Dios. Me informé y leí sobre el Universo como el conjunto de todo, sobre como a través de él podemos conocer posibilidades de una mejor vida. Por eso mi obra es unión de Universo y arte. ¿Qué más influencia tu vida y arte? La música hace su parte en todo eso, sobre todo música suave, como es Vangelis; unido al efecto del Universo que ya comenté. También están muy presentes en mi arte las estrellas, las constelaciones, y la mitología griega que tan relacionada con esto puede llegar a estar. Por supuesto, aún encuentro inspiración en la naturaleza, los animales e, incluso, en las propias personas. 28

Mi arte no son solo figuras, formas y colores bonitos, es algo más. Quiero transmitir que la vida es un regalo del Universo, en el que estamos inmersos; y así acercarnos al misticismo de la vida, alejarnos de nuestros problemas que nos parecen imposibles de superar y centrarnos en aquello que nos apasiona y nos hace felices. Quiero que la gente limpie su alma a través de mi arte. ¿Qué significa el arte para usted? El arte para mí es amor infinito, es pasión por lo que uno hace y ama. Porque yo amo lo que hago como un hijo, ya que también es una creación mía. Quiero dejar que mi pintura hable por mí, y quienes lo vean me pregunten de qué trata y dejarles el bichito de inquietud de saber más allá de lo que vemos, que con la imaginación lleguen a ese Universo que no veían antes. ¿Cuál es la obra que más te ha marcado? Hace un tiempo hice una obra que me emocionó: fue Nuestro Sol, en el que representé al Sol en el Universo con la Tierra alejado. Me dejó muy marcada y me dolió venderlo. Normalmente, me cuesta con todas mis obras porque son mis creaciones a las que amo, siento especial cariño por ellas. Pero con esta obra me causó mucho impacto cuando la hice porque sentí el papel del Sol en el Universo y la fuerza que nos da para poder vivir. Sentí en mi persona el Sol como la masa grande que es, con sus impactos de fuerza, y mirando al planeta tierra.

dejar un buen recuerdo, dejar unas mentes más abiertas y felices. Cada vez que hago un tema no solo lo imagino, sino que también me informo sobre ello para ir a un concepto y dejar ese mensaje, que es mi objetivo. Mi deseo es ser recordada como alguien que dejó un legado en la tierra, para la parte humana. ¿Cuál es tu filosofía de vida?

Otra obra es Células/Universo interior, en el cual pinto mirando desde el universo hasta nuestro ser, como vivimos y reaccionan nuestras células del cuerpo en relación con el universo. Pinté las células del cerebro en el Universo, pues el universo es pensamiento; nunca dejamos de pensar excepto cuando dormimos y si es así, nuestro universo jamás acaba. Me causó un impacto muy especial al saber la conexión tan directa que teníamos con nuestro universo y planeta, todo somos universo y nuestro cerebro es importantísimo dentro de Él.

Mi filosofía de vida es ir más allá siempre, evolucionando y abriendo caminos para mí y otros. Pero sobre todo es el amor, porque todo nace desde el amor; entender al prójimo, saber escuchar, saber que te vean y te escuchen. Entender que los problemas vienen, pero también enseñan, lo malo debemos desecharlo y poder aprovechar la parte que nos permite aprender y nos ayuda a no repetir los problemas. Pero ante todo es el amor, ya que es lo que todo lo crea.

También Pineal, en una línea similar a la anterior obra, en el que muestro nuestro cerebro unido a un universo. La glándula pineal es una parte pequeña en el cerebro, pero importantísima y muchos grandes de la historia trataron de abrirla y estudiarla. Sin embargo, para abrirla es necesario hacerlo a través de la meditación, y una vez conseguido esto seremos capaces de hacer aquello que nos propongamos. ¿Qué proyectos hay en tu futuro? En mi país es muy pequeño el grupo de personas que buscan por el arte, pero yo soy muy perseverante y obstinada y por eso me empeño en seguir con mi arte, vivir de mi arte y para mi arte ya que es lo que me gusta y apasiona. Tengo la certeza de que me va a ir muy bien, aun que las circunstancias y algunas personas digan que no, yo digo que sí. Porque creo en mí y porque amo el arte. Dentro del mundo del arte, ¿qué es algo que deseas hacer? Deseo dejar mi mensaje, así como también me gustaría ser reconocida como artista y que más gente gozara de mi arte. Cuando yo no exista me gustaría

Luis Ă lava - Ojo