Agaphe Magazine Noviembre 2018 by Agaphe Magazine

Las meninas - Diego de Velรกzquez (1599-1660)

ConsidĂŠrate viejo cuando tengas mas recuerdos que sueĂąos. 3

Roy Lichtenstein - Chica con cinta en el pelo

CARTA VIDA Valentía. Poder. Crecimiento. Superación. Valor. Energía. Pero sobre todo arte… Desde el comienzo de la creación de Agaphe queríamos hacer un pequeño tributo a la mujer. Pero sobre todo a una en particular, a la artista. Tal vez muchos cuando piensan en una mujer que se dedicó a las artes, la primera que se te viene a la mente sea Frida Kahlo. Pero además de ella existieron mujeres como Remedios Varo, Camille Claudel, Beatrix Potter, Tamara de Lempicka, Georgia O’Keeffe, entre tantas muchas otras. Desde Agaphe queremos recordar alguna de ellas por su gran aportación al mundo.

Autoretrato en un Bugatti verde Tamara Lempicka

Queríamos que para la portada de noviembre hubiera una mujer con la misma fuerza que todas ellas. Y lo conseguimos. Ella transmite la fuerza, energía y personalidad que solo una artista de nacimiento tiene. Laura es así. Muy Laura. Una mujer que es una artista, no solo ya porque haga unas obras de arte que te dejan sin palabras, sino porque cuando hablas con ella sabes que conseguirá todo lo que se proponga en la vida. Eso era lo que quería que transmitiera este número de Agaphe; vida. Natasha Fernández Directora de Agaphe

NOVIEMBRE 2018

SUMARIO

R E P O RTAJ E Stradivarius

EN TR EV ISTA Javier Gomesoto

R E PORTAJE Frida Kahlo

P IN T U R A Miguel Ángel

C ITA Ray Charles

ENT R E VI STA Laura Sala

E N T R E V ISTA Remedios VAro

EN TR EV ISTA Gustavo Bueno

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C I TA Edgar Allan Poe

Atracción al Fuego Deyvid Bermúdez

2018 NOVIEMBRE #2

agaphe magazine

AGAPHE PUBLICACIÓN MENSUAL

Directora Natasha Fernández Maquetación y Redacción Staff Agaphe Publicidad +34 653.809.988 agaphemagazine@gmail.com

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Si un hombre me engaña una vez, me avergüenzo de él; si me engaña dos veces, siento lástima de mí.” Edgar Allan Poe (1809 - 1849)

La dama y la lectura Deyvid BermĂşdez

FRIDA KAHLO F

rida Kahlo es una de las pintoras latinoamericanas más reconocidas y emblemáticas del mundo entero. Sus pinturas dejan una huella dolorosa y mágica en el corazón de quien las mira. Su estilo ha llegado hasta la portada de Vogue e incluso hoy inspiran las nuevas tendencias. Sus palabras se han convertido en citas memorables. Su relación con Diego Rivera se convirtió en una de las historias más dulces y amargas de la historia. Y su vida es una de las más divertidas, conmovedoras e inspiradoras de todos los tiempos. Nació el 6 de julio de 1907, en Coyoacán, México. Fue la hija consentida de su padre,

el fotógrafo e inmigrante alemán Guillermo Kahlo, con quien creó un lazo muy fuerte. Desde niña, Frida Kahlo tuvo que aprender a lidiar con el dolor físico. A los 4 años sufrió de poliomielitis, enfermedad que la obligó a pasar largos periodos en cama. Para su rehabilitación y a sugerencia de su padre, la pequeña Frida practicaba fútbol y boxeo, deportes poco comunes y más para una mujer. Años más tarde, Frida Kahlo se convirtió en una joven dinámica, llena de vitalidad, encanto y muchas ideas. En 1922 fue una de las 35 mujeres –de un total de dos mil estudiantesque ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria de la Ciudad de México. Ahí conoció a

“Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?” 11

intelectuales como Salvador Novo y floreció su espíritu rebelde y revolucionario, sobre todo cuando formó parte de “Los Cachuchas”, un grupo de jóvenes que protestaban en contra de las injusticias del sistema escolar al que pertenecían. En aquel tiempo Frida Kahlo llegaba a vestirse de hombre, cortó su largo cabello y lograba romper son los roles que se suponía debían cumplir las mujeres de la época. Por aquellos años, específicamente en 1925, sufrió un grave accidente cuando viajaba en autobús. Esto la dejó con la columna vertebral destruida y fracturas en las costillas, la clavícula, el hueso pélvico, la pierna derecha y la vagina y provocó que tuviera que pasar tiempo inmovilizada para poder recuperarse, fue así como la pintura –por la cual no había mostrado tanto interés- se volvió en la salida de escape de su dolor. De ahí en adelante la pintura se volvería parte fundamental de su existencia, pues a través de ella plasmaría su propia vida llena de sufrimiento. Un par de años después, gracias a sus allegados como la fotógrafa Tina Modotti y el comunista Julio Antonio Mella conoció al afamado pintor Diego Rivera, a quien le pidió una opinión sincera sobre su obra; el muralista quedó encantado tanto con sus cuadros como con ella.

“Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad.” El 21 de agosto de 1929 Diego y Frida contrajeron matrimonio por primera vez y a partir de entonces comenzaron una relación apasionada y amorosa, pero también amarga y con muchas infidelidades por parte de ambos. Sus problemas maritales los llevaron al divorcio, pero unieron una vez más sus vidas en 1939. A pesar de sus episodios de odio y celos, la pareja lograba complementarse a la perfección. 12

Por sus accidentes, Frida Kahlo quedó físicamente muy afectada y nunca pudo tener hijos. Se embarazó por primera vez en 1930, pero tuvo un aborto. Pidió opiniones de varios doctores, pero todos coincidieron en que Frida jamás podría ser madre. Gracias a la fama de Diego Rivera, la pareja terminó viviendo de 1931 a 1934 en Estados Unidos, en las ciudades de Nueva York y Detroit, país que Frida nunca llegó a amar y criticó duramente a través de sus obras. En Detroit la artista sufrió otro aborto y mientras se recuperaba pintó el autorretrato “Aborto en Detroit” y otra serie de obras, sobre las cuales Rivera dijo: “Frida empezó a trabajar en una serie de obras maestras sin precedentes en la historia del arte, pinturas que exaltaban la cualidad femenina de la verdad, la realidad, la crueldad y la pena. Nunca antes una mujer había puesto semejante atormentada poesía sobre la tela como Frida en esta época de Detroit”. La obra de Frida no fue la único que llamó la atención de la artista; también su estilo

personal. Sus collares de pedrería, sus aretes largos, los listones y las flores de su cabeza, así como sus rebozos, huipiles y faldas largas inspiradas en las mujeres tehuanas de Oaxaca hacían que su estilo fuera único y diferente. Lo que pocos sabían es que Frida había decidido usar faldas y vestidos largos para disimular los problemas de su pierna. Sea como sea, se volvió un ícono de moda y en octubre de 1937 fue retratada por la fotógrafa estadounidense Toni Frissell para la revista Vogue. “Sigo como siempre de loca; ya me acostumbré a este vestido del año del caldo, hasta algunas gringachas me imitan y quieren vestirse de “mexicanas”, pero las pobres parecen nabos, y, la verdad, se ven de a tiro ferósticas”. Cuando volvieron a México, Frida empezó a involucrarse sentimentalmente con otros

hombres y mujeres, muchas veces sólo para ocasionarle celos a su esposo, quien la había engañado con muchas más mujeres e incluso con su hermana Cristina Kahlo. Para finales de la década de los 30, Kahlo se convertiría en amante del revolucionario y comunista ucraniano León Trotski, a quien Diego y ella habían acogido en su casa cuando lo exiliaron.

“Quise ahogar mis penas en licor, pero las condenadas aprendieron a nadar.” En 1938 Frida expuso por primera vez en Nueva York y de ahí en adelante empezaría a tener una importante proyección internacional. Mostró sus obras en París y en otras ciudades de Europa y Estados Unidos. Un año más tarde se divorció de Diego Rivera. Esos años fueron los más importantes de su carrera y uno de los periodos más depresivos de su vida. Para 1939 Diego y Frida decidieron casarse nuevamente, en una unión donde compartirían su vida juntos, colaborarían artísticamente, pero dejarían a un lado su vida sexual de pareja. Durante la década de los 40 la obra de Frida Kahlo tuvo mucho éxito internacionalmente, aunque en su país no conoció tal fama. De hecho, su primera exposición en México fue hasta 1953. Desafortunadamente, para esos años la salud de Frida se encontraba más frágil que nunca e incluso le tuvieron que amputar la pierna a causa de una gangrena, este episodio la sumergió en una depresión profunda que la llevó a intentar el suicidio en múltiples ocasiones. También fue en esta época donde más escribió en su diario poemas y pensamientos llenos de dolor y sufrimiento. El 13 de julio de 1954 el dolor por fin dejó descansar a Frida Kahlo y sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Las últimas palabras de su diario fueron: “Espero alegre la salida y espero no volver jamás”.♦

LAURA SALA 14

‘’Los artistas son recordados porque crean, y al crear traen a la realidad algo nuevo que marca un antes y un después, estos artistas son los que perduran en la historia.’’

Si fuera el caso¿cuál sería la primera lección que darías a tus alumnos?

Que disfruten, esa sería la primera lección. ¿Cuál es el tipo de arte que siempre trasciende en el tiempo, crees que es el lienzo, la pintura?

Una espléndida mujer artista de solo 44 años nacida en Oliva y residenciada en Alicante, risueña y de voz melodiosa, quien llama a su creación “Miss Laura” y a la cual define como una mujer valiente, fuerte y poderosa. Conozcamos más de cerca a nuestra especial, diferente y única “Miss Laura”… ¿Cuándo cierras los ojos qué color ves?

Veo el arcoíris en todo su esplendor ¿Para un artista es odioso que lo encasillen en una tendencia artística?

Para mí no, yo podría hacer varios tipos de arte, pero si muestro solo uno como es mi caso, es lógico que me encasillen en una tendencia. ¿Las mujeres tienen una imaginación más sensitiva a la hora de crear?

Pienso que ni la imaginación ni la sensibilidad tiene género, y que cada persona tiene esa parte desarrollada para el tema que le apasione. ¿Te dedicarías a la docencia de arte?

Me resultaría complicado, ya que soy cien por ciento autodidacta, es decir, aprendo cada día a través de mis obras, y tengo mucho que aprender yo misma. 16

El de los artistas que marcan cambios, hay muchos tipos de arte, por ejemplo, dentro del arte culinario, tenemos a Ferran Adrià, sin duda alguna con él ha habido un cambio a la hora de entender la cocina, tanto que trasciende su propia obra. ¿Qué elementos debe tener una obra para emocionar y acariciar tus sentidos?

Debe ser original, ante todo.

¿Qué otro tipo de arte te gustaría experimentar o realizar aparte de la pintura?

Tengo ganas de crear esculturas, las haré. Me fascina la idea de crear a “Miss Laura”, mi musa, en todas sus dimensiones. ¿Por qué los artistas trascienden en el tiempo y son recordados como algo sublime?

Los artistas son recordados porque crean, y al crear traes a la realidad algo nuevo que marca un antes y un después. Estos artistas son los que perduran en la historia. Recientemente has ganado dos premios. Coméntanos acerca de ellos.

Sí, ambos por la originalidad de mis obras. Uno de ellos, ‘La Púa de Plata’, lo recibí en Barcelona. Entre los premiados en otras categorías, también estaban el periodista Luis del Olmo y el escritor Ulises Bértolo. El segundo premio, en Ibiza, de la mano de Marc Rahola Matutes, dueño de la cadena de hoteles de lujo (O.D.Hotels), que apoya el arte y a los artistas, siendo esto de mucho agradecer. ¿Qué debe tener tu espacio ideal para pintar?

Mi espacio ideal es un espacio grande lleno de estanterías para poder tener a la vista la gran cantidad de pinturas y materiales que tengo para crear y además necesito amplio espacio en vertical para colgar los cuadros pintar, como mesas para dejarlos en horizontal cuando la técnica y el secado de la pintura lo requieren, y mucha tranquilidad.

¿Cuándo eras niña qué pintabas?

Cuando era niña me gustaba dibujar formas irregulares y pintarlas con colores vivos, también disfrutaba con “La Rueda de la Moda”, en la que pintaba mis propias combinaciones de ropa y complementos y estampados. Pintaba también macarrones y me hacía collares y pulseras con ellos. ¿Qué artista te emociona? Es decir, ¿cuál es tu pintor admirado?

Me quedo con dos: Yayoi Kusama, me gustan los lunares como a ella y los espacios que crean son fantásticos. Y Lita Cabellut, me encanta su obra y me encanta ella, unas vacaciones de lujo ideales serían pasarlas viendo cómo pinta, cómo crea y pintando con ella, sueño en conocerla. ¿Qué te gustaría hacer en tu retiro?

Seguir creando, necesito cinco vidas para hacer

"Quiero que se me recuerde como la artista que creó un movimiento de mujeres que no se deja pisar por nadie, y luchan cada día por cumplir con su misión de vida’’

¿Cuándo pintas escuchas música?

A veces me apetece estar sola con el silencio, y otras ponerme música. ¿La inspiración nace o se conduce a la hora de crear?

todo lo que tengo en mi mente, así que no puedo perder ni un solo día de mi vida. ¿Cómo

imaginas

exposición

arte

perfecta? Es decir ¿qué elementos deberían tener?

Tengo la suerte de tener una creatividad ilimitada, a cualquier hora del día haciendo cualquier tarea conecto con mi imaginación, y muchas veces me pasa que me pongo delante del lienzo con una idea, y el resultado final acaba siendo completamente diferente a lo que pensaba en el inicio. ¿A qué artista, músico, escritor, pintor, te gustaría regalar una de tus obras?

Mi exposición de arte perfecta tiene que ser envolvente que te llegue a través de los cinco sentidos… y algún día la haré.

A Lita Cabellut, admiro a esta gran mujer y artista y el regalo sería para mí si ella tuviese una de mis obras.

¿Cómo es el espacio en el que pintas?

¿Cuál ha sido el lienzo que más ha tardado en

Lleno de pinturas de colores, lentejuelas, telas y repleto de abalorios para mis ‘Miss Laura’.

que sientes que aún no está terminado?

"Como soy muy perfeccionista, una vez que termino la obra y en el momento la veo acabada, pero al poco tiempo ya estaría cambiándola, pero la dejo y empiezo otra, en esto consiste la evolución." ¿Qué opinas de los conceptos de Arte Bar, los lugares donde se toma vino y se crea pintura espontáneamente?

Todo lo que suponga divertirse respetando a los demás y con un entorno agradable, me parece perfecto. Aunque yo prefiero pintar estando sola. 18

pintar y con el cual no te sientes conforme,

Realmente no tardo mucho en acabar un cuadro porque utilizo acrícilicos y secan rápido, pero toma tiempo encontrar los materiales concretos que necesito para las combinaciones, precisamente pinto en acrílico porque me cuesta tener la paciencia que requiere pintar en óleo, por el tiempo de secado. Como soy muy perfeccionista, una vez que termino la obra y en el momento la veo acabada, pero al poco tiempo ya estaría cambiándola, pero la dejo y empiezo otra, en esto consiste la evolución. Háblanos de Miss Laura, ¿es solo tu creación o también tu alter ego?

Sin duda alguna yo soy Miss Laura cien por ciento, yo y todas las mujeres que luchamos por hacer que las cosas sucedan.

¿Cuál ha sido tu sueño?

Aún no he hecho más que calentar motores artísticamente hablando, así que tengo todos los sueños por cumplir. Para ello sólo hay un camino, seguir desarrollando mi pasión, positivismo ante la vida, sentirme agradecida por lo que tengo, merecedora de lo que quiero conseguir y, sobre todo, mucho trabajo. Quiero llegar a emocionar con mis obras a todas las Miss Laura en el mundo. ¿Cómo te gustaría ser recordada en la historia del arte?

Quiero que se me recuerde como la artista que creó un movimiento de mujeres que no se deja pisar por nadie, y luchan cada día por cumplir con su misión de vida, porque todas tenemos algo que ofrecer. Quiero que mis obras

emocionen porque te transmiten al verlas que son ese empujón que te dice: Eres única, eres grande, eres poderos, ve a por todas. ¿Qué mensaje quieres dejar al mundo con tu arte?

Quiero servir de inspiración a todas las mujeres que por circunstancias de la vida, en algún momento le cortaron las alas, para que rompan barreras y luchen por conseguir sus sueños, de lo contrario vivirán una vida llena de frustraciones. Cada una de nosotras nace con unos dones únicos que debemos potenciar. Somos poderosas por ser únicas en el mundo, y debemos ser quienes somos en esencia, sacando provecho de nuestros dones, para poder ser felices y hacer felices a los demás construyendo así un mundo mejor.♦ 19

STRADIVARIUS Los instrumentos Stradivarius están considerados algunos de los más precisos y exclusivos de la historia de la música, siendo objeto muchas veces de auténticas leyendas.

¿Qué hace especiales a estos instrumentos?

Las características de los instrumentos fabricados en vida de Stradivari (en tanto los producidos con posterioridad en su taller, aun siendo buenos, presentan un evidente declive) pueden resumirse en una estructura más estilizada y en un barniz especial que ha sido objeto de todo tipo de especulaciones. En realidad, el luthier entendió que el violín emitía sonidos más penetrantes y agradables al oído cuando eran más alargados. 20

No obstante, la mayoría de especialistas ha restado importancia a la estructura de los instrumentos y ha puesto el acento sobre las bondades de los materiales. De entrada, todavía no se conoce con precisión cómo pudo un artesano del s. XVII conseguir una madera tan densa. Se apunta a una posible incidencia climática en este fenómeno, propiciando que los árboles fueran más densos para soportar bajas temperaturas. Paralelamente, Stradivari dominaba notablemente el arte de envejecer la madera para conseguir la mejor sonoridad.

que, al tratarse de una persona de fuertes convicciones religiosas, el maestro habría escondido la fórmula de su barniz entre las páginas de una Biblia. La historia no acaba aquí, porque esta versión asegura que alguien robó la fórmula y que esta era el resultado del conocimiento del maestro italiano del arte de la alquimia, extremo del que no se tiene constancia alguna.

En cuanto al barniz utilizado, este ha sido durante siglos uno de los grandes misterios de la historia de la música. La ciencia había logrado desvelar la identidad de todos los componentes excepto uno, que finalmente se descubrió tras una intensa investigación en 2009. Sin embargo, cuando se tuvo identificadas a todas las sustancias no fue posible reeditar la calidad de los Stradivarius, por lo que el enigma sigue en pie. Sea como sea, los instrumentos Stradivarius, en particular el violín, se caracterizan por un pronunciado ‘vibrato’, una gran potencia tímbrica y gran capacidad de adaptación a diferentes tipos de interpretación (en función del músico que lo toca). Como curiosidad, algunos estudios realizados con escáneres de tomología axial han descubierto grietas y orificios en los instrumentos que, fortuita o intencionadamente, contribuyen a su reconocible sonoridad. Mitos sobre los instrumentos Stradivarius

La historiad de Stradivari reúne todos los visos para desarrollar una extensa mitología en torno al artista y sus creaciones. Uno de los mitos más extendidos hasta hace relativamente poco era que la fórmula secreta del barniz incluía un potente insecticida que podía minar la salud de los intérpretes. Y como el instrumento ejercía una gran atracción por su calidad, los músicos se envenenaban sin saberlo. Desde luego, no hay base científica alguna para esta rocambolesca teoría.

La madera utilizada tampoco ha escapado a la rumorología. Si en la actualidad se acepta que la densidad de las hojas de madera puede explicarse por efectos climáticos puntuales, otras explicaciones apuntan a que el luthier tenía problemas económicos (toda una ironía habida cuenta de las cotizaciones actuales de los Stradivarius) y que tuvo que servirse de la madera de antiguas galeras abandonadas. Sin embargo, los hundimientos de barcos en la costa veneciana (la más próxima a Cremona) no eran tan habituales como para nutrir al artesano. El valor de los instrumentos Stradivarius

Los instrumentos fabricados por Stradivari se cuentan hoy entre los más deseados por los coleccionistas. Se calcula que existen entre 500 y 600 Stradivarius originales pero las falsificaciones están a la orden del día. Sea como sea, en 2011 se pagaron 15,9 millones de dólares (unos 14 millones de euros) por un violín con la firma del genio. No se trata, en cualquier caso, de la referencia más valiosa, puesto que existen otros instrumentos que, en caso de ser vendidos superarían con creces dicha cifra.♦

El barniz vuelve a estar detrás de otra leyenda no corroborada por los investigadores. Y es 21

La creaciรณn de Adรกn - Miguel ร ngel (1475-1564)

“Vi el ángel en el mármol y tallé hasta que lo puse en libertad.” 23

REMEDIOS VARO

—¿En qué piensa usted que el surrealismo ha contribuido al arte en general? — En la misma medida en que el psicoanálisis ha contribuido a explorar el subconsciente.

intora y escultora surrealista de gran influencia. Remedios Varo fue una reconocida artista plástica y escultura española, naturalizada mexicana más tarde en el tiempo, y cuyo arte se enrola en el más auténtico surrealismo. Como buena representante de esta corriente de vanguardia su obra está cargada de simbolismo, con fuerte presencia de lo onírico y los arquetipos. Temprana vocación. Primeros pasos en el arte y consagración

Nacida en España, un 16 de diciembre del año 1908, Remedios, demostró tempranísimas inclinaciones por el arte que serían advertidas y consentidas por su padre quien anotó a la joven a los quince años en la Academia de San Fernando de Madrid para que se perfeccionase en la materia.

María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, tal era su nombre completo, se casa con un compañero y colega cuando finaliza sus estudios de arte, Gerardo Lizárraga. Juntos residen un año en París y al regresar a España comienzan una sociedad artística que se dedica al dibujo publicitario. A mediados de la década del treinta se separa y se involucra sentimentalmente con otro colega, Esteban Francés quien será el introductor de Varo a la escena surrealista. Poco tiempo durará esta relación y luego se une al poeta benjamín Péret con quien se asentará nuevamente en Francia por algún tiempo hasta que los nazis ocupan el país. Tras este hecho político la pareja decide emigrar a México donde se la artista vivirá hasta el último día de su vida. En México se dedicará a la ilustración publicitaria y también desarrollará a pleno su producción plástica y escultórica ya que su

Papilla Estelar

siguiente pareja, un dirigente político austríaco la incentivó muchísimo en este sentido. Su singular producción escultórica

Un párrafo aparte se merece su producción escultórica absolutamente empapada de surrealismo y vanguardia por donde se la aprecie. Incorporó materiales como huesos, espinas de pescados y otros tantos restos orgánicos a los que combinó con cuerdas y alambres. Ese mix tan singular dio paso a una colección ciertamente única. Rarezas irrepetibles y que por supuesto aportaron su valor a la hora de la estimación mundial de esta gran artista.

Plan Architecture

Lamentablemente, su vida quedó trunca a temprana edad y en el momento más creativo de su carrera. Falleció a causa de un infarto a los 54 años, un 8 de octubre del año 1963.♦ 25

¿Cómo definirías tu arte?

Soy feliz, no sé si es por lo que hago o por lo que no sé hacer’

Busco lo que no se encuentra. Estoy armado como Saturnino Herrán, pero él ya fue. Está Sorolla también… más Sorolla es… Sorolla. Gomesoto es constante movimiento en rebusca y en ese desmadre aprende, la luz y el color lo acompañan. Mexicano de lugares alegres… por ahí desahoga el impresionismo patriótico de su identidad, de su arte y de su nación… Así es, así es él. ¿Cómo y cuándo te diste cuenta de tu potencial como artista?

Muy pequeño fui curioso, garabatee, no sumaba igual, pero sumaba bien. Algo salía. Mi gusto dirigido estaba definido por la belleza, y me sentaba bien. El comer de ahí, ahí y sólo ahí empezó mi respeto del colectivo… Hacia mí, hacia mi identidad plasmada, en un principio en el papel… en el papel que iba a representar en esta vida. ¿Cuál es la obra a la que le tienes especial cariño?

Mi amor en el trabajo, en el momento es como soy, como soy en ese momento. Pero no sé cómo será mañana. Ni sé tampoco si como soy hoy, me gustaré ayer. Si me pregunto: ¿cuál 26

Sueño de pesca

fue mi mejor ejecución? Diría: cuando no me comprometí con eso ni con lo otro… Sólo cuando flui. Si tenía rumbo, no me di cuenta. De verdad, ¿cuál es la que más te gusta?, yo no sé… Tú eres tú, tú sabrás mejor que yo, y lo sabrás bien.

Tapatío

Con las defensas bajas

¿Qué te enamoró del arte? ¿Por qué?

Un secreto.

El arte está en todos lados, nos envuelve, desde la prehistoria, desde el primer chongo que peinó la mujer, desde la lanza que diseñó el primer cazador, desde que venció desde un dibujo a su enemigo dentro de la caverna, así… así me venció el arte a mí. Fui un ladrón desde chico, lo que me gustaba, lo quería poseer, lo dibujaba y me lo guardaba para mí, su atractivo ya no era propio… jejeje, también era mío. ¿cuál es la magia del arte? Que eso que te posee, ¡uuufff!, también lo puedes poseer. Un poco de Dios en nuestras manos.

Soy feliz, no sé si es por lo que hago o por lo que no sé hacer, pero sí hay algo que sabemos, que los otros no, y siempre traemos esa cara. Me costó tiempo saberlo, pero lo que tú sabes, es más importante que lo que otros pretenden que sepas. Sólo toma lo que vas a aprender a saber, que eso, sólo a ti te va a servir, y te va a servir muy bien… para que la vida te pinte bien.

¿Dónde encuentras tu inspiración?

La espiritualidad, o el alma, que la vemos y no, o más bien la conexión del alma con lo material. ¿Materialismo Espiritual Cosmogonía? No me fijo, pero sí me fío de lo que me hace sentir: ¿feliz? Puede ser el sol, o el mar, o los dos, o la tormenta del nublado de los pensamientos de decir que la pobreza es la pobreza del Todo. ¿No será que tenemos que aprender a ser artistas para ser parte?, de lo que creemos que no está cuando nos abofetea todos los días, y ni así volteamos. Todo, está ahí. “¿No será que tenemos que aprender a ser artistas?”

Violin Rythm

— JAVIER GOMESOTO

El blues y el rhythm and blues son una manera de vivir más que un estilo musical.” Ray Charles (1930-2004)

por Blanca de Nicolás

GUSTAVO BUENO Este filosofo universal con su teoría del “CIERRE CATEGORIAL” es uno de los más prolíficos y polémicos activistas del pensamiento. Su obra es tan extensa que a quien le interese profundizar mejor puede dirigirse a la fundación que lleva su nombre en su sede de Oviedo.

Gustavo Bueno, no necesita ser presentado. De todas formas, hare una pequeña introducción ya que tuve la suerte de conocerle durante años en la universidad de Oviedo donde yo estudiaba y charlar largamente de todo, pero principalmente de ARTE.

En una ocasión y hablando de Arte, ya que, aunque es mi oficio y vocación no me conformo con realizar arte, sino que me interesa profundizar en “QUE ES” esa manifestación humana. El contestó sencillamente mis preguntas. B- ¿Arte como concepto?

GB- El concepto de arte es oblicuo, no es que sea equívoco, pero sí heterogéneo. El Arte es obrar según reglas universales, por eso el arte es enseñable, la técnica es enseñable, la creatividad del artista se le presupone. 29

Pero la creatividad es un concepto teológico debido al cristianismo bíblico. Crear de la nada es imposible, entonces sería más bien, trasformación y combinatoria de elementos preexistentes. B- ¿y si el artista se salta las reglas?

GB- Decía Aristóteles “ un artista que ejecuta a conciencia, desviándose de las reglas del arte, puede ser buen artista, si sabe lo que se hace. B- ¿El único que puede saltarse las reglas es el Genio?

GB- El Genio es un concepto lingüístico místico-romántico, es el héroe que se crea las reglas, que después serán el arquetipo para los demás. Lo que importa es la obra; cuanto le costó realizarla al artista, o si fue genial, no importa. EL GENIO ESTÁ EN LA OBRA. Muerto el autor la obra camina por sí misma. Este es un punto que comparte con la ciencia. B- ¿Un criterio para medir la cualidad de una obra de arte en su género?

GB- La INMANENCIA. Es decir que no dependa de modelos anteriores. B- ¿Qué características definirían la Obra Maestra?

GB- Una obra maestra no lo es por ser novedad, o por ser original, lo es por su capacidad IRRADIADORA, por ser una obra ideográfica, individual y también por suscitar la posibilidad de transformaciones a partir de ella. B- ¿Que conocimientos requeriría un artista?

GB- El artista no es un científico; para un geómetra por ejemplo su conocimiento es cerrado. No necesita saber química o política, para el artista es abierto, ¿qué necesita saber, qué experiencias precisa? Pues TODO. B- ¿Posee el ser humano unas capacidades

especiales para percibir el arte?

GB- Yo creo que el arte viene del propio ser humano. No es una inspiración, una contingencia, es que viene de la propia naturaleza humana, de primate que maneja herramientas, sabiendo lo que quiere hacer. B- ¿Cuales serían estas capacidades?

GB- La capacidad que le distinguiría de los animales sería que el humano se representa la obra que quiere hacer, el animal, no. Eso es lo que decía Marx, pero a mí me parece insuficiente, sobretodo mentalista. B- ¿Todas las personas tendrían las mismas capacidades de apreciación del arte?

GB- No hay razón para que sea así. Hay disposiciones cerebrales distintas con tendencias a la música, la arquitectura... el hombre se puede educar bastante a que aprecie unas cosas u otras, pero hace falta estudio, un esfuerzo. Para disfrutar del arte hace falta un esfuerzo y si quieres saber pintura u otro arte, has de comenzar por el principio. Disfrutar del arte no es tocar el cielo de placer, cuando ves una obra tratas de comprenderla, que te guste o no es irrelevante. El Arte no es un servidor para que el ciudadano se lo pase bien o se emocione. El Arte tiene un valor intrínseco por sí mismo. B- ¿Cuál sería el último fin del Arte?

GB- ¿Tiene un fin último? No lo sé. No sé porque lo habría de tener. Hay que distinguir entre el “FINIS OPERIS” y el “FINIS OPERANDIS”. El fin del artista es muy diferente del fin de la obra. La obra está por encima del artista y tiene por tanto una finalidad objetiva por ella misma independiente de lo que tú has creído. No se ha de bajar el Arte al público, sino subir el público al Arte. Lo contrario sería considerar que el público no es suficientemente capaz. ♦

Foto de Juan Mario CuĂŠllar

Fernandez & Santos Art