aínas N°11 . 09/2020
Gulliver Altrove è il nome del mio silenzio Altrove, sempre altrove ho visitato Marte Venere, Giove ho visto la pace e la guerra ed ancora non so‌ Esiste vita sulla Terra?
(Giovanni Bernuzzi, Trasparenze)
aínas W W W . A I N A S M A G A Z I N E . C O M
Terzo anno AÍNAS Nº11 . 09/2020 www.ainasmagazine.com info@ainasmagazine.com Direttore Bianca Laura Petretto Condirettore Giorgio Giorgetti Responsabile Comunicazione Mariagrazia Marilotti Grafica Gabriele Congia Informatica Michelangelo Melis In copertina l’opera è di Henry Bismuth: Absaroke, 99x126,5 cm., oil on polyester, 2005-2006 © Aínas 2020 La traduzione, la riproduzione e l’adattamento totale o parziale, effettuati con qualsiasi mezzo, inclusi la fotocopiatura, i microfilm e la memorizzazione elettronica, anche a uso interno o didattico, sono consentiti solo previa autorizzazione dell’editore. Gli abusi saranno perseguiti a termini di legge. is aínas faint is fainas . gli strumenti fanno le opere Terzo anno AÍNAS nº11 © 09/2020, reg. n° 31/01 Tribunale di Cagliari del 19 09 2001, periodico di informazione trimestrale, cartaceo e telematico. Iscrizione n° 372004 al Registro della stampa periodica Regione Sardegna, L.R. 3 luglio 1998, n° 22, ART. 21. ISSN 2611-5271 Editore e Direttore responsabile Bianca Laura Petretto, Cagliari, Quartu Sant’Elena, viale Marco Polo n. 4
B&BArt MuseodiArte contemporanea
Un ringraziamento speciale a Guido Festa Progettazione e costruzione di “GLOVE BOXES” e prototipi per la ricerca farmaceutica e nucleare www.euralpha.it
www.bbartcontemporanea.it info@bbartcontemporanea.com
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AÍNAS Nº11 5 chapter I . the special 6 bird people . henry bismuth 9 henry bismuth 14 piel humana . carolina gutiérrez 22 excessive body . david deweerdt 25 david deweerdt
31 chapter II . the new code 32 ermenegildo atzori 36 massimo rossi 38 roberto radici
43 chapter III . portraits 44 opificio . vincenzo e valeria piccitto 50 tabula rasa . maurizio radici 50 bianca laura petretto 52 cicillo e sua trajetória . francisco matarazzo 53 elza ajzenberg
57 chapter IV . news 58 a entrega à experiência . gustavo aragoni 59 alecsandra matias de oliveira 62 floating works . daniel rothbart 63 john isaacs
65 chapter V . crossing 66 l’isola del sole 66 vanessa gritti
69 chapter VI . pataatap 70 guillaume couffignal 74 randall morris
79 chapter VII . swallow 80 la ricetta della felicità . giorgio giorgetti –3–
SCHATTEN IM WASSER Willy Verginer 100x280x30 cm., lindenwood, OUT OF THE acrylFRAME. color, livesize, Henry2016 Bismuth, 97x130 cm., Oil and collages on canvas, 1999
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I T H E SPEC IAL
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SPECIAL
bird people
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AINAS MAGAZINE
HENRY BISMUTH It has been crazy here with the riots and the curfew. New York was not NY anymore. There is an enormous connection with Native American Indians here. They are part of these moments in your life when the connection is so strong that your entire life changes. I met Native American Indian and some of them became my friends. Absaroke means “Bird people”. That is how the Crow Indians were calling themselves. It was very interesting because when I went to visit my son, he opened the door and he had a white cream on his face, his hair is pushed back up by a dark blue band. He walked passed a large painting of mine and the painting was done before it was started. I made quite a few sketches and the work was done in the studio. He became a Crow warrior. The were the “dandies” of the plains. Remarkable people, the “Bird People”! This is actually one of the best example of how I work. I do not plan anything, it just happened. You just have to be ready, to receive it. I keep myself blank, in a constant meditative state, like an animal hunting. When it comes, when it is there, you are always ready to receive it. “Four Color Serie” is very important in my work, process and spiritual path. The Four Color Serie comes from the Lakota’s Medecine Wheel. The Red represents the East, where the Sun rises. It’s Fire. The Yellow represents the South, the Earth. The Black or Dark Blue is the West and it is Water. The White, is the North and it’s Air. So we have 4 colors, 4 directions, 4 elements. It’s all about the Alchimy!
Henry Bismuth relocated from France to New York in 2010. His paintings are autobiological, deeply engaged in cross-cultural exploration, an interest since childhood. They are outside the mainstream... synthesizing Western visual language with forms, techniques, and philosophies from the Americas, Africa, and the East. They embody mysticism; spirituality; transcendence; as well as a naturalist’s concern for destruction, disease, and death. Ancient sculpture, particularly from Asia and Mexico, are a major source of inspiration as are Native American Indians, pinto ponies, action figures, and nature. He juxtaposes and reinterprets these, the historical with the contemporary, the sacred with the natural and the material, purposefully cultivating an association of contrasts within a single canvas which ultimately creates a thought provoking and complex interaction between tradition and moderninity in art and culture. His tools throughout are a combination of shadow and color morphed with his painterly technique. Since his first two one-man shows held consecutively in Paris and Brussels in December, 1988, his work has been widely exhibited in collective exhibitions in France, Belgium, Denmark, Japan, Malaysia, Russia, Spain, and in the United States, where alone he has had fifty plus museum shows and representation by such as Gerald Peters Gallery and Visions West Galleries. –7–
SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
the four color series As a child, I was fascinated by native American Indians and their culture. I wanted to be one and specifically a Lakota, which is another name for the Sioux. Movies, though I saw few, always included “Westerns” and “Indians.” I read about their traditions, their religion, their customs, and history. And, I had the privilege of being introduced to some Lakota’s when I came to the United States. I had so many questions. I asked though most of the time, they did not answer. Imagine my frustration! A young, white, Frenchman wanting so much to learn from them and not getting any response other than silence. I realized, then, that this was not an absence of words but another form of communication, of language. They gave me answers but it was for me to grasp them. After a while, they told me not to pursue this quest further because I was not Indian in this lifetime, I was Jewish. My answers would be found in studying Kabbalah. I did this and, yes, found the answers I sought. A few years later, I asked how they knew this, if they had studied Hebrew Mysticism. Their answer was quite unexpected, disconcerting in fact, though it did bear witness to the way they think. They told me a spirit came to them and told them what I needed to hear. Very important in Lakota tradition is the Medicine Wheel. . .four colors, four directions, four elements, four races of man. Red: East, Fire, Red man. Yellow: South, Earth, Asian. Black or Dark Blue: West, Water, Black man. White: North, Air, White man. The majority of the paintings in The Four Color Series pays tribute to the Medicine Wheel. Henry Bismuth
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STUDY FOR FOUR COLOR RAVEN 3 Henry Bismuth 65×100 cm., oil on canvas paper lsid down on wood, 1998
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END OF AFTERNOON Henry Bismuth 97×130 cm., oil on linen, 1999-2000
SPECIAL
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Henry Bismuth 127×102 cm., oil on linen, 2002-2003
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ALMOST FRAMED Henry Bismuth 57×78,5 cm., oil and mixed media on watercolor paper, 2009
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IN GOLD AND RED Henry Bismuth 103×133 cm., oil and collages on canvas, 1996
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SPECIAL
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SPECIAL
piel humana
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CAROLINA GUTIÉRREZ Mi trabajo está relacionado con mi propia vida, parte de la observación íntima de la piel humana, ese lugar donde la historia personal y sus emociones queda impresa y narrada en cada mancha, en cada pliegue, en cada arruga. Somos lo que se ve en nuestra piel. Eso nos hace susceptibles de ser leídos; nos hace, por lo tanto, vulnerables. Mi pintura quiere explorar esa vulnerabilidad, ese riesgo que tememos ante la mirada del otro. Quiere, también, crear historias no totalmente contadas, capturar la experiencia pasada y los anhelos futuros (que siempre están implícitos en la imagen) en el carácter físico y carnal del momento presente. El material que uso, piel animal, aporta cicatrices, manchas e imperfecciones que agrega a la construcción del personaje una historia real, una historia que contar a partir de la experiencia, la piel actúa como un lienzo en donde nuestras emociones, quedan impresas como un libro listo para ser leído.
Carolina Gutiérrez nació en 1974 en Bogotá Colombia, Estudió Artes en la Universidad de los Andes donde, más tarde, en el 2000, recibió el título de Arquitectura. En 2007, se graduó con el título de Maestra en Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes exposiciones colectivas e individuales en Bogotá, Tokio y Nueva York. En el 2014 asistió a el taller Creating, Translating and Surpassing the Photo-Reference en New York Academy of Art en New York y en el 2017 asistió al taller de Casey Baugh en la ciudad de Chicago.
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FACEMASK Carolina Gutiérrez 81×63 cm., oil on animal skin
LOCKDOWN Carolina Gutiérrez 81×63 cm., oil on animal skin
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GOAT SKIN 4 Carolina Gutiérrez 72x45 cm., oil on animal skin
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SPECIAL
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SPECIAL
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CANDY Carolina Gutiérrez 40×40 cm., oil on animal skin
COMMUNICATION Carolina Gutiérrez 85×129 cm., oil on animal skin
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SKIN PRINT 1 Carolina Gutiérrez 30×30 cm., oil on animal skin
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SPECIAL
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excessive body
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE DAVID DEWEERDT “In my pictorial work, I try to convey a certain point of view on what surrounds us, on how I perceive human beings because my paintings are often faces and bodies. I try to convey my feelings about others through body envelopes. I always work on the human being, on the body, on the soul, on the sensations. I work little with objects, little or no with landscapes. My characters are mediums, and through them, I often try to convey sensations, for example, coldness or lightness. My works are often dark, with violence, torn beings, heartbreaking. It is sometimes the expression of feelings that I feel and that I make appear through these characters. These characters are ultimately only pretexts... I try to produce a sensation, based on what the character exudes and to awaken something in the viewer. For many years, I have painted physical differences and deformities by questioning the aesthetic norms of our current Western societies. Today, my work questions Man in his paradoxes. When I paint the Woman, she is dreamlike, tenebrous and tormented and her body becomes the envelope that shelters our most primitive fears and fantasies. My goal is not to seek aesthetics but to question the emotion that sleeps in the other. My naked women, with a paradoxical aestheticism since I represent them both attractive and repulsive, come to question Man about the sensuality of our bodies and the form it can take for each of us. In my painting, we find an excessive physical shaping to reveal a new aestheticism, a new approach to the pictorial representation of the body.”
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TOUT LE POIDS DU MONDE David Deweerdt 100x100 cm., technique mixte acrylique et encre, 2020
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CORPS ET ÂME David Deweerdt 70x100 cm., technique mixte acrylique et encre, 2020
SPECIAL
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BODY PARTS David Deweerdt 70x100 cm., technique mixte acrylique et encre, 2020
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HOPE David Deweerdt 70x100 cm., technique mixte acrylique et encre, 2020
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GEB AND NUT David Deweerdt 70x100 cm., technique mixte acrylique et encre, 2020
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I I T HE NEW CODE
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THE NEW CODE
ERMENEGILDO ATZORI “Ogni giorno nella quotidianità ricevo moltissime informazioni che riporto sulla carta con il pennino e l’inchiostro di china. Disegnare è una necessità.” L’artista vive e lavora in Sardegna. Si interessa di arti visive e musica praticando diverse discipline artistiche. Si dedica al disegno, alla pittura e alla scultura, esponendo in mostre nazionali e internazionali. Nel corso della sua attività artistica ha lavorato con materiali inusuali e di recupero, seguendo un percorso che guarda alla materia e agli elementi naturali e ha sperimentato la performance e l’installazione anche attraverso il confronto e l’incontro con altri artisti. Disegna fumetti, prediligendo uno stile realistico e ha pubblicato con testate regionali. Ha realizzato per l’Unione Sarda “I Piemontesi”, Storia della Sardegna a fumetti e “Dimonios”, La Leggenda della Brigata Sassari, con il Centro Internazionale del Fumetto, con cui collabora e insegna. Nel 2016 ha ricevuto il premio Zedda per il fumetto durante il Festival Nues. Dal 2011 fa parte del movimento artistico internazionale degli Erranti e i suoi ultimi lavori riscoprono la naturale vocazione per il disegno e le arti plastiche. Nell’anno in corso la sua ricerca estetica indaga e produce un nuovo ciclo di opere grafiche e scultoree con riferimenti alla natura nella quale ama muoversi, lasciando “segni visibili” del proprio passaggio.
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THE NEW CODE
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THE NEW CODE
THE HOUSE OF LIVE Alois Riegl aveva ragione: il desiderio di decorazione è, probabilmente, uno dei bisogni fondamentali dell’uomo. Con questa espressione, alla fine dell’Ottocento, lo storico dell’arte austriaco poneva le basi per un’affascinante interpretazione dell’arte come una questione anche “di pancia”. E così è stato. Venne, quindi, il tempo delle questioni berensoniane e longhiane: “l’invenzione di Caravaggio”, le ricostruzioni biografiche e di archivio. Ma venne anche il tempo delle grandi mostre internazionali nelle più note capitali europee. Venne il tempo dell’astrattismo emotivo, l’ipotesi (negli anni ’70) della possibilità della Sindrome di Stendhal. Poi iniziò la meditazione sul decentramento culturale all’interno di spazi privati e provinciali. Forse fu Mario Praz, anglista, saggista e critico a indicare quest’ultima ipotesi della casa come spazio culturale fruibile per il pubblico. A Roma, Palazzo Primoli, di proprietà di Mario Praz, fu aperto nel 1995: un ambiente arredato con oltre 1200 pezzi d’arte tra dipinti, sculture, mobili e arredi. Non c’è che dire, l’eredità culturale di Mario Praz ha segnato il passo per una svolta ancora in fieri, ma forse in forte accelerazione, soprattutto a causa delle criticità del tempo presente. Così accade che a Palazzolo sull’Oglio, piccola cittadina Italiana nel Bresciano, su un limen provinciale a cavallo del fiume Oglio, esista uno spazio privato di circa 600 mq. arredato con l’occhio di un architetto organicista geneticamente wrightiano. The house of life è lo spazio reale e ideale dell’architetto Vincenzo Piccitto, una di quelle case della vita che profumano di cultura. Un luogo ampio, contaminato da inserti e impressioni anche liturgiche, con tagli arditi e linee perfette. Ma è anche una questione di luce e di colore, di rimandi all’Oriente, di oggetti di design, di anditi schermati da porte a scomparsa, di balaustre presbiteriali barocche e di pop art, forme adatte per il godimento estetico. Non per nulla dopo la chiusura forzata determinata dalla pandemia, l’arte emerge, prepotente, all’interno di questo spazio territorialmente “defilato”. Si riparte da the house of life che accoglie l’artista, le persone, le opere e crea un’atmosfera incoraggiante, ma si riparte anche dalla Tabula Rasa. L’esigenza degli artisti di mettersi di fronte al foglio bianco, alla materia, al pensiero per provare a ripartire. Così accade che si visitano mostre collettive dinamiche, che lo Studio di architettura diviene Galleria, spazio espositivo, laboratorio e fucina dell’arte. E gli artisti sperimentano, espongono, lavorano e transitano. Come sempre l’arte è pioniera e gli artisti curiosi e audaci esploratori. La strada è tracciata. Ai confini, l’aria è più fresca, gli spazi si dilatano e l’orizzonte è in fuga. Massimo Rossi
Le opere da pag. 30 a pag. 37 sono di Ermenegildo Atzori . BLACK DRAWING, pennino e inchiostro su carta, 2020
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ROBERTO RADICI Nasce a Brescia nel ’62. Ha sempre avuto la consapevolezza che l’arte fosse parte integrante della sua vita e ha svolto una continua ricerca della tecnica sperimentando la sua espressione creativa. Le capacità artigiane certosine nell’uso dell’affresco lo inducono a lavorare su grandi dimensioni con temi e soggetti legati al mondo naturale, onirico e fiabesco. Attingendo dalle fonti dei grandi maestri dell’affresco del passato elabora una interpretazione personale con una tecnica complessa e di cui custodisce il mestiere e i segreti. Arte Studio Kameleon è il suo laboratorio creativo di Brescia. Un luogo in cui il talento e la manualità dell’artista diventano oggetti concreti e originali. Qui crea arredamenti per interni e esterni, ambientazioni per spazi espositivi, scenografie e trompe l’oeil, dipinti di grandi dimensioni realizzati con tecniche diverse per ambienti dove si vive la quotidianità. La sua produzione artistica indaga spazi dell’inconscio, personaggi che spuntano da un racconto di Kafka. Animali ossessivi e orridi, rilanciano un mondo grottesco e oscuro che sbeffeggia l’aulico sorriso della natura.
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COLLEZIONE PANTA REI Roberto Radici 140x92 cm., carta telata, legno, materiali acrilici e mordente, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
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THE NEW CODE
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COLLEZIONE PANTA REI Roberto Radici 100x100 cm., carta telata, legno, materiali acrilici e mordente, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
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COLLEZIONE PANTA REI Roberto Radici 121x121 cm., carta telata, legno, materiali acrilici e mordente, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
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OPIFICIO DESIGN . Fotofrafia di Marzia de Tavonatti
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I II P ORT R AITS
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PORTRAITS
opificio
OPIFICIO DESIGN . Ritratto dell’architettoVincenzo Piccitto . Fotografia di Mattia Pagani
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dare spazio alla bellezza Vincenzo e Valeria Piccitto, padre e figlia. Architetti, entrambi. Bresciani. Due generazioni che vivono della medesima passione, seguendo strade diverse, a volte parallele, a volte no. Ma, come nella vita vera spesso accade, i sentieri che parevano non incrociarsi mai alla fine (e non all’infinito) si sono congiunti, approdando a un progetto comune: l’Opificio. Uno spazio sperimentale per la bellezza.
Vincenzo: Ma davvero la bellezza ha bisogno di uno spazio tutto suo? Non se ne prende già abbastanza, nel mondo? Valeria: La bellezza forse no. Lo stile sì. Vincenzo: Ho quasi paura a chiederti che cosa sia lo stile… Valeria: La risposta non è poi così difficile: lo stile è l’espressione di un personale concetto di bello in un determinato contesto. E, per svilupparsi in un contesto, quale che sia, lo stile ha per forza bisogno di spazio. Spazio vero, concreto. Non solo mentale. Ma forse è più vero il contrario: gli spazi odierni necessitano di nuovi stili, ossia che la bellezza s’incarni in nuovi linguaggi. Vicenzo: Facile osservare il mondo dalle spalle di chi ci ha presi in braccio… Valeria: Non lo nego! Ma nuovi tempi vogliono occhi più giovani. Non si tratta soltanto di osservare, ma soprattutto di sentire che oggi lo spazio s’amplifica in situazioni fino a ieri impensate. Vicenzo: E quindi lo si riempie con le tue sculture botaniche… Pare tutto così provvisorio… Valeria: Le sculture botaniche sono solo un esempio di come nuovi spazi abbiano
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PORTRAITS
bisogno di essere abitati dalla bellezza. Certo: il flower design, se paragonato alla classica architettura o al classico design, pare effimero. Eppure, proprio perché transitorio, permette una ricerca in continua evoluzione, il bisogno di trovare espressioni sempre diverse, sempre più attuali. Vincenzo: Sarà perché amo tanto l’arte e l’antiquariato, ma quando sento parlare d’attualità, temo sempre che mi si parli di moda! Valeria: La moda è solo un’istantanea scattata allo stile quando si sviluppa in uno spazio. La Polaroid vale per quel momento, ma può ispirare il futuro, non solo connotare un fuggevole presente. Un po’ come l’eloquenza: nasce quando ce n’è bisogno. Vincenzo: Qui sconfini nel mio campo, però. Valeria: Allora di’ la tua! Vincenzo: Credo che le arti che hanno per oggetto utilità e piacevolezza siano proprio l’eloquenza e l’architettura. Le ha fatte fiorire la necessità e poi il gusto le ha perfezionate… Valeria: Gusto? Lo sai che stai parlando di stile, vero? E magari anche un po’ di moda… Vincenzo: Calma, calma! Vorrei invece cercare di inquadrare una necessità assoluta, su cui fondare solidamente il concetto stesso d’architettura: e io credo che la necessità sostanziale dell’architettura sia quella di progettare e di costruire rappresentando un essere umano. Ma un essere umano non è soltanto un corpo solido che staziona e si muove in uno spazio: è molto di più. Il progetto architettonico deve quindi avere una dimensione etica che superi il mero bisogno materiale, perché questa dimensione è costituita da aspirazioni. Valeria: Quindi, se comprendo bene, l’architettura, per poter essere bella e non solo funzionale, deve aver presente le aspirazioni umane, poiché la bellezza è una delle nostre aspirazioni più importanti… L’espressione “a misura d’uomo” assume così un significato più ampio e profondo… Non posso che essere d’accordo: in questo modo, la bellezza che è presente nell’architettura, come nel design e nell’arte stessa, può diventare il simbolo di quanto sia importante l’aspirazione al di là del semplice bisogno. Vincenzo: Non basta progettare o arredare spazi che ospitino in modo funzionale l’uomo, ma soprattutto che lo rappresentino nella sua interezza. Ma, per giungere a questo risultato, occorre che tutto sia su misura, come un abito di sartoria… Non esiste il “per tutti”, ma il “per ognuno di noi”. Valeria: Stiamo tornando al principio: se questo è l’obiettivo da perseguire, avremo bisogno di studiare e sperimentare molti stili. E per sperimentare occorre spazio. Con il nostro Opificio, diamo spazio alla bellezza: uno spazio dove idee e materia si trasformino in un prodotto finito. Vincenzo: Sì, ma finito non significa statico! Mi piace pensare a Opificio come a una galleria d’arte che non è semplice spazio espositivo, ma uno spunto per creare. Un ambiente che si adatta di volta in volta a nuove destinazioni e nuove necessità. Valeria: Spazi inusitati, inedite necessità… Avevi davvero bisogno di altri occhi, per questo progetto. I tuoi da soli, senza i miei, non avrebbero visto abbastanza lontano? – 46 –
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INTERNO OPIFICIO . Opere Tabula rasa di Claudio Campana e Maurizio Radici, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
Vincenzo: Non avrei di sicuro visto tutte le possibilità. Ma sono abbastanza alto per vedere da solo fino all’orizzonte!
Vincenzo Piccitto nasce nel 1952 a Palazzolo sull’Oglio, in provincia di Brescia. Dopo il liceo Artistico di Bergamo si laurea in Architettura nel 1976 al Politecnico di Milano. Esercita la professione a partire dal 1978 accompagnando il lavoro di architetto a quello di gallerista. Dal 1970 al 1974 apre la Galleria Arte’s a Sarnico e successivamente la Galleria dei Mille a Bergamo fino al 1976. È stato consigliere e direttore tecnico della Fondazione Ambrosetti Arte Contemporanea e Officer Distrectual “The International Association of Lions Clubs Group M.e.r.l. Retention”. Inoltre è stato amministratore e socio fondatore dell’Associazione “Franciacorta Arte Contemporanea”. Valeria Piccitto nasce a Brescia e frequenta il Liceo Artistico a Bergamo, ottenendo il diploma nel 2000. Si trasferisce a Venezia per intraprendere gli studi presso l’Università di Architettura e ottiene la Laurea in Scienze dell’Architettura. Nel 2008 consegue poi la Laurea Specialistica in Architettura Civile presso il Politecnico di Milano e, un anno dopo, comincia a esercitare la libera professione. Si occupa principalmente di Interior Design e dal 2018 si interessa anche di flower design, creando sculture botaniche alla ricerca di un linguaggio stilistico più contemporaneo rispetto alle composizioni floreali tradizionali, giocando con elementi artificiali. Dal 2008 padre e figlia fondono le loro passioni e iniziano a collaborare nello studio di architettura che, proprio grazie a Valeria, raggiunge un’espressione del tutto nuova nell’ambito della progettazione, soprattutto nell’ideazione degli interni e nei complementi d’arredo. – 47 –
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ANIMALE ATLANTIDEO . Maurizio Radici, 250x150 cm., china acquerellata e disegno su carta, 2019 Fotografia di Marzia de Tavonatti
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PORTRAITS
MAURIZIO RADICI . tabula rasa Maurizio Radici è un artista Italiano, Bresciano, che ha voluto inaugurare in autunno la mostra collettiva “Tabularasa” nello spazio di Opificio dello Studio Piccitto, per aprire un nuovo capitolo, per riprendere, attraverso la tela, la materia, l’estetica di ciascun artista con cui espone, in un discorso corale fatto di espressioni individuali, originali e autentiche. Tabula rasa è la materia, il luogo reale o virtuale da cui nasce l’opera dell’artista. Il foglio, la tela, la pietra, l’oggetto, il corpo accolgono l’atto creativo. Dal vuoto, dal bianco, dalla forma naturale nasce la creatività e prende forma l’arte. Con questo incipit Maurizio Radici riparte. Insieme a altri artisti crea la bottega contemporanea, il laboratorio dinamico neo rinascimentale. Usa la china e la performance, la fotografia e la pittura, la scultura e l’installazione. Include l’altro. Forgia la materia in una nuova fucina dell’oggi. I mondi altri di Maurizio Radici con sapienti forme graffiate irrompono nel bianco. Le sagome sono fendenti, richiamando l’urlo ingabbiato di Clemente X nella feroce pittura di Francis Bacon. Poi con la china acquerellata torna la quiete dei giardini giapponesi tra i rosa e le trasparenze palpabili nei corpi degli animali di Atlantide. Radici riparte, per parlare con i gesti, con il corpo, con le opere, dell’arte, per creare un universo che dialoga e comunica con lucida speranza. Bianca Laura Petretto
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INTERNO OPIFICIO . Opere Tabula rasa di Maurizio Radici e Marzia de Tavonatti, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
OPIFICIO . Performance di Maurizio Radici, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
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OPIFICIO . Performance di Maurizio Radici, 2020 Fotografia di Marzia de Tavonatti
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PORTRAITS
ciccillo e sua trajetória
CICCILLO E YOLANDA PENTEADO 1951
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a coleção francisco matarazzo Francisco Matarazzo Sobrinho Ciccillo (1898-1977) é conhecido como mecenas das artes e fundador da Bienal Internacional de São Paulo. A coleção formada por Ciccillo possui marcas expressivas, assinalando vertentes das principais vanguardas artísticas do século XX. As iniciativas de Ciccillo, acompanhadas pelas gestões de Yolanda Penteado (1903-1983), constituem, por um lado, denso acervo direcionado à formação de um patrimônio público e, por outro, contêm o poder de abrirem perspectivas para pesquisas estéticas recentes. A família Matarazzo, incorporada à história da cidade de São Paulo, iniciou sua trajetória com as ações de Francisco Matarazzo (1854-1937), imigrante italiano vindo ao Brasil em 1881, que fundou uma corporação industrial com atividades diversificadas em negócios de exportação, produtos alimentícios, metalúrgicos, gráficos e muitos outros. Contava com o auxílio de seus familiares e amigos, entre eles seu irmão Andrea Matarazzo (1865-1953), pai de Francisco Matarazzo Sobrinho Ciccillo. A família Matarazzo predominou no setor industrial brasileiro, transferindo sua influência para a política, tanto nacional, quanto internacional. Por serviços prestados na I Guerra Mundial, Francisco Matarazzo recebeu o título de Conde, transmissível a seus descendentes, e Andrea Matarazzo adquiriu o título de Senador – ambos lideraram a família e os negócios por longo período. Internacionalmente conhecido por sua atuação no campo artístico-cultural, tornou-se colecionador de obras de arte e livros. Estabeleceu, na Europa, contatos voltados especialmente para intercâmbios em entidades culturais, nacionais e estrangeiras. Entre esses contatos, destaca-se o convite de David Rockefeller para que Matarazzo Sobrinho integrasse a Comissão do Conselho Internacional do Museu de Arte Moderna de Nova York. Com grande tenacidade, reuniu em torno de si um grupo de pessoas para a fundação do Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM SP (1947); criou o Teatro Brasileiro de Comédia (1948); constituiu a Companhia Vera Cruz (1949), incentivando a indústria cinematográfica nacional; atuou diversas vezes como Comissário do Brasil na Bienal de Veneza (de 1950 a 1975); fundou a Bienal de São Paulo (1951). Mais tarde, contribuiu para fundação do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (1963). Em 1946, Ciccillo havia tomado a decisão de formar uma coleção de arte contemporânea de dimensões internacionais. Antes da II Guerra Mundial, as aquisições de obras eram motivadas pelo desejo de apoiar os artistas. Em fins de 1946, realizou viagem à Europa e nessa ocasião conheceu o artista italiano Alberto Magnelli, residente em Paris, a quem se referia como sendo a pessoa que o fizera conhecer a arte contemporânea. Nessa mesma viagem, Matarazzo Sobrinho teve também o apoio de sua mulher, Yolanda Penteado, na escolha das obras para a coleção que tencionava constituir. O critério de escolha para a aquisição das obras que compõem a coleção formada por Francisco Matarazzo Sobrinho obedeceu principalmente ao gosto pessoal do colecionador, norteado pela tradição italiana e pela pesquisa do que havia de mais significativo em termos de arte contemporânea. As obras de Picasso, Braque, Matisse, Léger, Dufy, Kandinsky, Chagall, Miró, Arp, Picabia, Gleizes, Metzinger, Lhote, Domela, Bazaine, Manessier, Gustavo Singier, entre outros, e do próprio Magnelli, demonstram a busca de trabalhos de qualidade e a escolha de aspectos – 53 –
PORTRAITS
significativos das tendências artísticas da primeira metade do século XX. Desse modo, estão presentes na coleção obras representativas do Expressionismo, Cubismo, Futurismo, Pintura Metafísica, Abstracionismo, Dadaísmo e Surrealismo. Na Itália, acompanharam a organização dessa coleção Margherita Sarfatti e Livio Gaetani – que compraram as obras junto às galerias e aos artistas. Ao marchand Enrico Salvadori se deve a aquisição, em Milão, do Autorretrato de Modigliani, de 1919 (hoje uma das obras mais admiradas do MAC USP e que, segundo alguns depoimentos, foi um presente de aniversário que Ciccillo ofereceu a Yolanda). As obras de numerosos artistas italianos (Campigli, Carrá, De Chirico, Casorati, de Pisis, Funi, Mafai, Sironi, Tozi, Severini, Morandi, Cagli, Rosai, Semeghini, Santomaso, Usellini, Guidi, Capogrossi e outros) foram sendo anexadas a essa coleção gradualmente. De Soffici, há várias pinturas de 1908 a 1914. Da Coleção também fazem parte artistas da vanguarda que transitam por todo o percurso da modernidade, sendo esses trabalhos representativos do vocabulário e forma futuristas, que representam o dinamismo da vida moderna e, ainda, os movimentos: Metafísico, o “Novecento”, a “Scuola Romana”, o Grupo dos 6 pintores de Turim e o Grupo Corrente. Essas obras assinalam o diálogo com as vanguardas europeias, muitas vezes permeado pela contraposição às suas ideias. O gosto voltado para a arte italiana foi fundamental para caracterizar uma coleção com tendências mais à figuração do que à abstração, à paisagem, ao métier e à figura humana. A cultura italiana marcou significativamente os anos de 1930, no país, mais especificamente em São Paulo, onde a imigração italiana trouxe, além de figuras humanas que se distinguiram nas áreas da indústria e comércio, artistas que se radicaram em terras brasileiras. A produção de obras das décadas de 1920 a 1940, na coleção Ciccillo, dialoga com os trabalhos artísticos produzidos nessa mesma época na cidade de São Paulo. É o caso de artistas como Alfredo Volpi, Fúlvio Pennacchi, Aldo Bonadei e Mario Zanini, com desdobramentos futuros. Nos anos seguintes, Matarazzo Sobrinho preocupou-se em acrescentar novas obras internacionais e nacionais. Em 1952, adquiriu de Benedetta Marinetti (viúva do poeta futurista) os gessos originais de Desenvolvimento de uma Garrafa no Espaço (1912) e Formas Únicas da Continuidade no Espaço (1913), de Umberto Boccioni – obras de referência para os desdobramentos dos tridimensionais contemporâneos. Nesse ponto, é interessante lembrar que, ao reunir tão grande número de obras, sua intenção, desde 1946/1947, era a de criar um museu de arte – aberto à criatividade e ousadia, ideia já anteriormente assinalada por Mário de Andrade e Sérgio Milliet. Por muitos anos, esses e outros trabalhos adquiridos por Matarazzo Sobrinho seriam conservados em sua coleção particular, embora um bom número permanecesse em depósito no Museu de Arte Moderna e fosse exibido em certas oportunidades pela instituição. As obras adquiridas por Ciccillo, a partir de 1951, tiveram como principal origem os prêmios da Bienal Internacional de São Paulo. O desejo de tornar a coleção efetivamente patrimônio público seria concretizado anos depois, em 1963, com sua destinação final à Universidade de São Paulo. Em dezembro de 1963, a Reitoria da Universidade de São Paulo, através do Reitor Luiz Antônio de Gama e Silva, atribuiu a Francisco Matarazzo Sobrinho o título de Doutor Honoris Causa, tendo em vista sua atuação em favor do desenvolvimento de arte nacional. Em particular, esse – 54 –
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seria o reconhecimento pela doação de sua coleção particular de artes plásticas à Universidade de São Paulo – algum tempo antes na gestão de Ulhoa Cintra, Ciccillo havia doado obras do acervo do Museu de Arte Moderna. Yolanda Penteado, que também realizara o mesmo ato, foi agraciada com o Diploma de Benemerência. As doações de Francisco Matarazzo Sobrinho à Universidade de São Paulo são feitas em etapas. A primeira ocorre em 1962, composta de 429 obras. A segunda, em 1963, feita de comum acordo com Yolanda Penteado, reúne 19 obras estrangeiras, de propriedade de ambos. Nessas doações constam artistas como Picasso, De Chirico, Miró, Boccioni e Calder, incluindo ainda pintores brasileiros como Tarsila, Di Cavalcanti e Portinari. Na mesma ocasião, há a doação de 1236 obras que compunham a coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM, além de obras premiadas nas primeiras Bienais de São Paulo. A doação do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo foi justificada pelo carácter público atribuído ao mantenedor da instituição, pois Ciccillo temia que esse acervo continuasse nas mãos de “pessoas perecíveis” e desejava passá-lo às mãos de uma entidade “não perecível”. “E nesse propósito obteve a alta compreensão dos sócios do Museu de Arte Moderna: a doação do acervo à Universidade, precedida da doação que pessoalmente lhe fizera de sua coleção particular de 400 obras de arte de alto valor” (ALMEIDA, 1976, p. 144). Em síntese, deve-se assinalar que as iniciativas de Francisco Matarazzo Sobrinho colocam definitivamente a arte brasileira contemporânea nos circuitos internacionais e possibilitam que a cultura do país se atualize por meio do contato com a produção mundial. Como Presidente do MAM SP e da Fundação Bienal de São Paulo, da qual esteve à frente até 1975, influiu na dinamização do mercado de arte, na formação de público e no incentivo à produção artística de vanguarda. Investiu recursos, prestígio e capacidade empresarial para conferir à arte e à cultura o caráter institucional, profissional e contemporâneo. Elza Ajzenberg Professora Titular da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, São Paulo, Brasil
Referências Bibliográficas AJZENBERG, Elza. Ciccillo – Acervo MAC USP. São Paulo: MAC USP, 2006. ALMEIDA, Fernando Azevedo de. O Franciscano Ciccillo, São Paulo: Pioneira, 1976. AMARAL, Aracy (org.). Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo: Perfil de um Acervo. São Paulo: Techint, 1988. PENTEADO, Yolanda. Tudo em Cor de Rosa, São Paulo: Nova Fronteira, 1976. – 55 –
SEM TÍTULO . Gustavo Aragoni, 200x210 cm., pastel, carvão e grafite sobre papel (políptico), 2018 Fotógrafo Ivan Padovani
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IV NEWS
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a entrega à experiência
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SEM TÍTULO Gustavo Aragoni 18x8,6x5 cm., desenho com transferência de óleo e incisões em bloco de cartão de ponto, 2020 Fotógrafo Ivan Padovani
SEM TÍTULO Gustavo Aragoni 100x240 cm., colagem, tinta e pastel sobre papel cartão (tríptico), 2019 Fotógrafo Ivan Padovani
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GUSTAVO ARAGONI Não se pode criar experiência. É preciso passar por ela. Albert Camus Última referência estável da modernidade, o corpo é visto como o lugar do ser, da razão e da consciência – torna-se a baliza para a formação da identidade e, simultaneamente, da subjetividade. Sob essa perspectiva, o ser racional é dono de seu pensamento e ação. Porém, o corpo, como instrumento e suporte dos trabalhos de Gustavo Aragoni (Osasco, 1975), traz a intuição, o inesperado e o conceito de experiência sob as bases do tempo contemporâneo. Dedicado à pesquisa em filosofia contemporânea, desenho e instalação. Aragoni estuda pintura e desenho com Dudi Maia Rosa e ilustração com Fernando Vilela, em 2013. No ano seguinte, frequenta o curso de desenho de animação no Centro Universitário Belas-Artes. Atualmente participa do grupo de acompanhamento do Hermes Artes Visuais, com orientação dos artistas Nino Cais e Carla Chaim. Nesse percurso investigativo, o artista tem trilhado caminhos originados pelo figurativo e sustentados pelo desenho. Porém, suas últimas criações passam pela linguagem abstrata, muito próxima ao gestual e às influências da arte povera. Promessa no cenário atual das artes visuais, Aragoni descreve seu processo criativo a partir da coleta de objetos banais que encontra ao acaso: com esses objetos em mãos, o artista percebe esses itens como “corpos que podem vir a ser” (cortados, recortados, dobrados, entintados etc.) – essa é a ação de seu corpo sobre outros corpos, ou ainda, um acontecimento/performance no qual emerge a “arte”. No fim, a obra é o registro deste exercício sobre os corpos – o testemunho da experiência da arte. Nela, a intuição, o improviso e o subjetivo ganham do racional. Ao espectador restam memórias: nos trabalhos expostos, em paredes brancas e de modo apartado, sente-se a reminiscência da autonomia da obra na qual o isolamento potencializa a experiência. O que de feição inversa se dá nas instalações que, longe de serem assépticas, trazem a contaminação do tempo contemporâneo. Já, nos expostos em conjunto (entre eles, o dípticos e trípticos) persiste uma narrativa solta construída por gestos densos e até mesmo violentos – em resumo, todos os trabalhos apontam para a entrega à experiência. Alecsandra Matias de Oliveira Doutora em Artes Visuais pela ECA USP (2008) Autora do livro Schenberg: Crítica e Criação (EDUSP, 2011)
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Gustavo Aragoni (Osasco, 1975) vive e trabalha em São Paulo. Atualmente frequenta o grupo de estudos do Hermes Artes Visuais. Seus trabalhos são parte de acervos públicos, como MAC de Jataí e Paço Municipal de Santo André. Recebeu prêmio aquisição no 47º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto e no 18º Salão Nacional de Arte de Jataí, ambos em 2019. Atualmente participa da Bienal Internacional de Arte de Cerveira, em Portugal.
SEM TÍTULO Gustavo Aragoni 200x140 cm., pastel e carvão sobre papel (políptico), 2018 Fotógrafo Ivan Padovani
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SEM TÍTULO Gustavo Aragoni 32x40x40 cm., jornal, tinta e terra, 2019 Fotógrafo Dani Ometto
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floating works
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DANIEL ROTHBART . if there is magic on this planet, it is contained in water I remember as a small child, teaching myself to float in the water at Southerndown, the most beautiful beach on the coast of South Wales, basking below the vast North Atlantic sky. As a teenager, that was where “me and my friends” skinny-dipped under the midnight moon, and I first felt fully the sensuality of life. Metro-rural artist Daniel Rothbart’s new installation “Flotilla” at Oakdale Lake is a flirtatious gesture that succeeds because it floats above the fray. I’m far from sure what the five or six ambiguous metallic objects drifting ridiculously but serenely in the waters of the City swimming pond have to do with anything, or what they intend to represent (most of Rothbart’s work is famously arcane), but there they are, for a few weeks, ingeniously constructed and audaciously inserted into the most prosaic of landscapes for no particular purpose, as far as I can discern, other than to be poetic, so let them be so. During these weird times, any sense of bemusement and wonder that we may be granted is nothing to belittle. And if Rothbart’s curious Pan-sized constructions wobbling in the autumn sunlight provide only a sense of serenity, that is enough. This modest, but curiously lovely and lively artistic intervention into the drab, weary world in which we find ourselves is, if not an elixir, a pleasant dose of tonic. These days, anywhere and anytime you can put your feet up for a few minutes and ponder eternity, especially by yourself, is a good thing. John Isaacs
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Daniel Rothbart A floating sculptural installation in Oakdale Lake, 2020 Photo credit . DKR
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FLOTILLA (DETAIL) Daniel Rothbart A floating sculptural installation in Oakdale Lake, 2020 Photo credit . DKR
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OFELIA . Performer Rita Picci, fotografia di Andrea Castro, 2017
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V C RO SSI NG
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CROSSING
L’ISOLA DEL SOLE ID/DIASPORA Il mio viaggio cominciava con una domanda. «Ma come si trasmette un’identità, se i giovani non ci sono più?» pensavo, mentre percorrevo veloce le strade aspre a curve tra Messina e Taormina, macchiate da gallerie di bouganville e da orizzonti di luce e di blu. La mia guida, Franco Jannuzzi, direttore artistico del Festival Horcynus Orca, raccontava di una terra mediterranea porto di genti eterogenee e oggi ragnata dalla diaspora delle ultime generazioni. Già dopo poche ore la Sicilia mi aveva rapito nei suoi dilemmi e nelle sue fatiche millenarie. Ora mi attendeva un mese da nord-est a sud, dalla costa all’ombra dell’Etna alla Val di Noto e alle litoranee variegate fra Tirreno, Ionio e Mediterraneo. Una matassa ingarbugliata che accendeva i sensi e la curiosità. Non ultima, quella di scoprire se, come narra Tomasi di Lampedusa, questo popolo sia davvero tanto vanitoso e orgoglioso. APOIKIA All’inizio fu un abbraccio o, forse, una morsa: fatto sta che nessun mare fu troppo vasto da separare Grecia e Sicilia. L’isola divenne presto un florilegio di apoikia: non solo terre da coltivare e sfruttare, come una semplice colonia, ma cittadine destinate all’autonomia dalla madrepatria. Già nel V secolo a.C. l’isola era del tutto ellenica. Non solo: Siculi e Sicani non erano a quel tempo più né Dori, né Ioni, né Calcidesi ma Siciliani. Siracusa, Catania, Messina, Selinunte, Gela, Agrigento… In questo turbolento territorio, l’evoluzione è un masso che precipita da una vetta, incontrollato e travolgente. Prendi Kamarina, per esempio. Quell’avamposto di Gela dalla storia frastagliata come una costa, fiorente, cadente, distrutta, ricostruita per volontà di una nobildonna aragonese, Vittoria Colonna. Ieri porto invidiato, oggi patria altrettanto invidiata d’U Cilieginu, un pomodorino d’eccellenza. E sede di un parco archeologico che s’avvia a diventare il museo 4.0 perfetto, dove la cultura sposa la tecnologia più avanzata. UNA TERRA IN CARNE E OSSA Ma la storia prosegue, il masso precipita irruento, poiché questo mosaico isolano d’indipendenza non ebbe mai pace. Fenici, Greci, Cartagine, l’Impero di Roma, Bisanzio e i Goti e poi i musulmani, i normanni, poi ancora francesi e spagnoli. Devastazioni e fasti si susseguirono per millenni come fotogrammi su uno schermo. Una terra in carne e ossa nel mezzo di un dubbio irrisolvibile sulla sua autentica identità, di un popolo con un nome ma senza un vero sé, una sola unica bandiera. La Sicilia è una terra molto umana.
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UN’ISOLA INCANTATRICE Il New York Times la incorona meta di viaggi per il 2020, ma gli americani sono solo gli ultimi a inchinarsi davanti al Dio Sole, che domina incontrastato sul tricorno di terra circondato dal mare, che in origine gli valse il nome di Trinacria: isola dalle tre punte, certo, ma anche raffigurazione naturale di un simbolo religioso orientale dedicato al dio che la governa. Sicilia, invece, è storia recente: così la battezzarono i bizantini e, da allora, nessuno le tolse più il nome di Sikelia. IL FESTIVAL DELLE CONTRADDIZIONI Ma basta un nome per donare un’identità? La Sikelia è un’idea astratta che, nel reale, è crogiuolo di commistioni e contaminazioni ingovernabili. Ci voleva un Parco Letterario, sorto come il suo Festival tra Scilla e Cariddi, per coinvolgere questo sistema complesso di saperi e proiettarlo in un organismo vivente in evoluzione continua, specchio di quest’area di millenarie stratificazioni culturali. Il suo nome è Horcynus Orca, come il romanzo di Stefano D’Arrigo. Quest’anno il tema della rassegna è stato “ghadaan”, che in arabo significa “domani”. Perché l’Horcynus Festival non si limita a una rassegna culturale trasversale, ma si propone ogni anno di contrastare le disparità e le disuguaglianze sociali, dei nuovi afflitti dalla globalizzazione e dal cambiamento climatico. La prossima estate lasciatevi conquistare dai bordi dello Stretto, non perdetelo. Vanessa Gritti
ISIDE . Performer Isella Orchis, fotografia di Andrea Castro, 2017
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VUE D’ATELIER . Guillaume Couffignal, bois, vanneries, 2020 . Fotografia di Louis Maniquet
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VI PATA ATAP
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GUILLAUME COUFFIGNAL . evoking the trickster There is a deep literature in silence. And a drama as well. When the sun sets and the lovers leave the plaza it only seems empty, but there remains the whispers, the low laughter, the sighs. And the ghosts. It is an activated emptiness that invigorates the hauntingly beautiful sculptures of Guillaume Couffignal. He learned the art of lost wax casting from a traditional caster in Koudougou in Burkina Faso when he was 23 years old, fortunate to find a path at such a young age. He sensed the deep alchemy of this process combining elements of Nature to produce an entity that previously did not exist on this earth. He saw the potential of this earth magic. It forces the process of chance and pushes the envelope of bronzemaking because each piece can never be exactly reproduced. As in the use of clay this art has a deep connection to the primal elements of Nature. There is wind and sky and earth and fire. There are ashes and there is dust. There is a collaboration with the spirit of the Trickster, an artist in his own unpredictability But this is not an art of happenstance. The Trickster/artist controls the elements of accident and surprise. He is a magician who covertly controls the secrets of his process. In Couffignal’s case this has to do with the three-dimensional collaging of carefully chosen fragments and shapes and his evocative earthen surfaces, carefully perfected over long years of experimentation. His surfaces belie the materials. They are the irregular patination of use and weathering. They render the bronze itself secondary with the creamy pigmentation of sun-baked earth. The surface then becomes a painting. Couffignal makes the sets for stark dramas of the void. He fills them with memories and voices. They are visually minimal but the minimalism points toward an importance of his other intentionalities. His boats are soul-boats caught between universes. His architectural pieces evoke – 70 –
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◀ JUBÉ Guillaume Couffignal 55x20x10 cm., bronze, 2020 Fotografia di Louis Maniquet
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JUBÉ Guillaume Couffignal 45x25x10 cm., bronze, 2020 Fotografia di Louis Maniquet
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JUBÉ Guillaume Couffignal 37x28x17cm., bronze, 2019 Fotografia di Jean Louis Losi
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JUBÉ Guillaume Couffignal 40x25x12 cm., bronze et pierre, 2019 Fotografia di Louis Maniquet
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ruins yet attest to the permanence of their own being. Though his process is ancient and, in this case, learned from an African tradition, the true testimony of Guillaume Couffignal’s power is that there is not a single element of his work that is derivative. A true iconoclast, he has taken a traditional language, learned that language, and from that language created a poetry that is completely unique and his own. Randall Morris Brooklyn, 2013
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THÉÂTRE Guillaume Couffignal 75x50x45 cm., bronze, 2018 Fotografia di Jean Louis Losi
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THÉÂTRE Guillaume Couffignal 35x25x30 cm., bronze, 2019 Fotografia di Jean Louis Losi
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FUSION DE BRONZE . ATELIER Guillaume Couffignal, 2020 Fotografia di Louis Maniquet
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◀ BRÛLEUR Guillaume Couffignal Fotografia di Louis Maniquet
BARQUE FLEURIE . Guillaume Couffignal, 80x35x20 cm., bronze, 2020 . Fotografia di Jean Louis Losi
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VI I SWALLOW
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SWALLOW
la ricetta della felicità Per colpa del Covid, da mesi mi ritrovo la casa traboccante di gente. Prima non c’era mai nessuno, mi aggiravo per i locali come un’ombra silenziosa. L’eco dei passi, le nuvolette di polvere... insomma le solite cose che si leggono sui libri. Invece adesso mi sento invaso dalle cavallette. Mia moglie, infatti, è ancora a casa in smartworking. Per lei, si badi bene, non è una brutta cosa. Considerando che la tapina si sciroppava quattro ore quotidiane di svariati treni per andare e tornare, starsene tranquilla nella sua casetta è cosa buona e giusta. Il mio gatto, invece, non lavorava a Milano e non penso abbia mai preso un treno, neppure prima dell’epidemia. Ma, poiché mi odia, quando ero solo lui svaniva come un fantasma. Ora che la sua mammina è a casa h24, anche lui è sempre tra i piedi a smiagolare. – 80 –
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Tre persone di cui una non umana, per quanto mi riguarda, sono una folla. Ma non dovevamo evitare gli assembramenti? Lo faccio presente ogni mattina, tanto per mettere subito le cose in chiaro, ma non c’è un cane che mi badi. Anzi, di solito c’è il gatto (si chiama Rosbif) che m’indica la porta per intendere che nessuno mi trattiene. Che magari, se me ne vado, faccio un piacere a tutti. Assediato per ogni dove e impossibilitato a nascondermi (casa mia non ha porte. Oddio, sì, ha quelle dei bagni: ma se sto in bagno per ore, poi la folla si preoccupa...), trascorro il tempo in punta di piedi, per non disturbare nessuno. Magari si scordano di me... A questo proposito, ho fatto una scoperta: per ammazzare il tempo non c’è nulla di meglio che prendere sul serio le faccende insignificanti. La ricerca della felicità, per esempio. Si sa che gli americani ci tengono: l’hanno persino ficcata nella Costituzione, rendendola diritto inalienabile. Da noi, però, non ha mai attecchito davvero. Quindi, nella speranza di saper come rivenderla in patria e di replicare i successi della Coca-Cola, ricercare la felicità non mi sembra un passatempo inutile. “Che cosa stai facendo? Stai lavorando?” mi chiede mia moglie dal piano di sopra. “Sto cercando la felicità”, rispondo io, con un certo orgoglio nella voce. “Ah, ok”, mi risponde, “basta che poi rimetti tutto a posto”. E ora vi spiego come funziona la mia ricerca. Di solito sto fermo per un paio d’ore, fissando un punto non ben precisato di una parete. Ho notato che lo sguardo assorto è tenuto in molta considerazione, per lo meno in casa mia. Mia moglie scende in cucina e neppure osa rivolgermi la parola. Si scalda il caffè scrutandomi con la coda dell’occhio (ma io niente, impietrito, muto!) e poi schizza via. Rosbif fa due smiagolate, poi vede i croccantini e m’ignora. Esaltante: mi sento già un po’ più felice! La cosa più difficile è non lasciarsi distrarre. Un po’ come i fachiri indiani. Per questo tutti gli orientali che fanno meditazione sono più festosi che in una discoteca d’Ibiza. E anch’io, non per vantarmi, sono piuttosto abile. Pochi sono bravi come me a non far nulla. Conosco gente che dopo tre ore sbuffa, dopo quattro si agita, dopo cinque deve alzarsi dalla sedia, dopo giungono persino ad accendere il televisore! Io no. Io potrei stare secoli bloccato in uno stato catatonico. Sono come un incrocio tra Toro Seduto e la Bella Addormentata nel Bosco. Perdonate quindi l’immodestia se ritengo di possedere un dono. Peccato che mi venga fame. Per un cuoco, è una dannazione. Perché non hai scusanti, capite? Che figura ci fai? Hai fame e non cucini? Sarebbe come se un sarto uscisse nudo di casa. E allora, a una certa ora, mi metto a far da mangiare. Penso a che cosa piacerebbe alla tipa del piano di sopra, perché al tipo peloso i croccantini bastano e avanzano. Così apro il frigo è m’invento qualcosa. Lo so: se non fosse per lei, avrei aperto una scatoletta di tonno e stop, perché se sei da solo te la canti e te la suoni. Se invece cucini per altri, devi pensarci. E sapete una cosa? Credo che la ricerca della felicità e la sua ricetta sia tutta qui: cucinare per un altro. Guardarlo mangiare e sapere che gli hai fatto un piccolo regalo. Così, aggratis. Poi, puoi anche tornare a guardare la parete, che è una gran bella cosa pure quella. Ma non quanto cucinare per gli altri. Io lo faccio per professione, ma anche quando mi sento triste e non ho pareti a portata di mano. Come dire che, quando mi mancano i muri, mi attacco ai fornelli. Meglio che alla bottiglia. Forse. Giorgio Giorgetti
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Happy Hour to the Happy Few Ainas ospita una nuova iniziativa editoriale. Happy Hour Edizioni è una collana edita dal 2020 da Bianca Laura Petretto e diretta dallo scrittore e poeta Giovanni Bernuzzi, che l’ha creata nel 2010. Pubblica pochi titoli all’anno prevalentemente di classici moderni e contemporanei e propone in copertina un’opera di artisti internazionali che fanno parte di Ainas. Piccoli e intensi volumi attentamente selezionati e realizzati con estrema cura, puntando sulla qualità etica ed estetica di una proposta editoriale innovativa con vocazione internazionale. I classici Happy Hour Edizioni sono disponibili in tutte le librerie e sui siti di vendita online. per consultare il catalogo: https://ainasmagazine.com/happyhour-edizioni/
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LEH, MONASTERO DI THIKSEY, GIOVANE MONACO BUDDISTA DURANTE LA PUJA STUDY FOR FOUR COLOR RAVEN (PREGHIERA) MATTUTINA Henry Bismuth Marzia de Tavonatti oil on 1997 24 linen, . 06 . 2019 Finito di stampare nel nel mese di settembre Finito di stampare mese di giugno 2020
ISSN 2611-5271 € 33.00
aínas W W W . A I N A S M A G A Z I N E . C O M