aínas N°15 . sett-dic/2021
SCIROCCO (DETAIL) . Hans Georg Berger Isola d’Elba, 1982
Vento notturno Stasera sarò il vento il cielo limpido tra le stelle d’argento Stasera vorrei volare via e nel vento e nella notte non saper più chi sia
Giovanni Bernuzzi, Trasparenze
aínas W W W . A I N A S M A G A Z I N E . C O M
AÍNAS Nº15 . sett-dic/2021 www.ainasmagazine.com info@ainasmagazine.com Direttore Bianca Laura Petretto Condirettore Giorgio Giorgetti Responsabile Comunicazione Mariagrazia Marilotti Grafica Gabriele Congia Informatica Michelangelo Melis In copertina l’opera è di Coderch & Malavia: Haiku . Detail, 100x20x40 cm., bronzo, 2019 © Aínas 2021 La traduzione, la riproduzione e l’adattamento totale o parziale, effettuati con qualsiasi mezzo, inclusi la fotocopiatura, i microfilm e la memorizzazione elettronica, anche a uso interno o didattico, sono consentiti solo previa autorizzazione dell’editore. Gli abusi saranno perseguiti a termini di legge. is aínas faint is fainas . gli strumenti fanno le opere AÍNAS nº15 © sett-dic/2021, reg. n° 31/01 Tribunale di Cagliari del 19 09 2001, periodico di informazione trimestrale, cartaceo e telematico. Iscrizione n° 372004 al Registro della stampa periodica Regione Sardegna, L.R. 3 luglio 1998, n° 22, ART. 21. ISSN 2611-5271 Editore e Direttore responsabile Bianca Laura Petretto, Cagliari, Quartu Sant’Elena, viale Marco Polo n. 4
Un ringraziamento speciale a Guido Festa Progettazione e costruzione di “GLOVE BOXES” e prototipi per la ricerca farmaceutica e nucleare www.euralpha.it
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AÍNAS Nº15 4 costruttori di stelle | star makers
7 chapter I . the special 8 messagères atemporelles . evelyne galinski 9 stéphane richard 16 plasir ludique . jean claude borowiak 17 angel muriel 26 unknown familiar . tineke smith 28 anikó ouweneel-tóth 34 étoile solaire . akira inumaru 35 alin avila
43 chapter II . portraits 44 hans georg berger 45 immanences visuelles . catherine choron-baix
51 chapter III . the new code 52 alejandro robles 52 observador . jorge berrios 56 gigi rigamonti 59 millions years . stefano mazzatorta
63 chapter IV . crossing 64 maxwell alexandre 65 deri andrade
67 chapter V . news 68 transit portrait . andrea bizzotto . stefano orrù . gaston tomasetig 69 bianca saibante
75 chapter VI . pataatap 76 coderch y malavia 77 acción detenida, distancia interior . juan ramón martín
87 chapter VII . swallow 88 l’età dei mutaforma . giorgio giorgetti –3–
COSTRUTTORI DI STELLE | STAR MAKERS In questo numero di Ainas abbiamo invitato alcuni artisti internazionali che inaugurano un nuovo spazio di arte contemporanea in Italia a Oristano, in Sardegna. Il Foro Boario Arte contemporanea è un luogo che dopo vent’anni viene restituito alla città e alla cultura. Il Comune di Oristano con il sindaco Andrea Lutzu, l’assessore alla cultura Massimiliano Sanna e la Fondazione Oristano con il direttore Francesco Obino e il suo staff di operatori appassionati e competenti, hanno il prezioso compito di creare cultura e arte al servizio della collettività. Costruttori di stelle - Star makers è una mostra di arte contemporanea a cura di Bianca Laura Petretto con artisti internazionali che arrivano da diverse parti del mondo. Akira Inumaru, Hans Georg Berger, Jean Claude Borowiak, Evelyne Galinski, Gigi Rigamonti, Alejandro Robles, Tineke Smith espongono un centinaio di opere al Foro Boario Arte contemporanea Oristano sino a marzo 2022. Pittura, scultura, grafica, installazioni, mixed media che seguono un viaggio tra le stelle. Potete ritrovarli nelle sezioni di Ainas, Special, New code, Portraits. Ogni artista ha esplorato il firmamento creando un percorso sull’umanità e sulla necessità di guardare il cielo, di immaginare mondi altri, di avere una vita animale e spirituale. La stella è il simbolo del buon raccolto, della buona salute e della buona fortuna che accompagna la Sartiglia di Oristano, l’antica corsa all’anello, patrimonio culturale della città e della Sardegna che rappresenta il passaggio tra l’umano e il divino. Si è voluto utilizzare questo simbolo per inaugurare il Foro Boario Arte Contemporanea con una mostra internazionale dove gli artisti si sono cimentati nelle loro opere con la stella, interpretandola simbolicamente. Un sentire comune che nelle opere parla di universo, della capacità dell’uomo di accettare il ciclo della vita, il dolore, la paura, le ferite ma anche la gioia, il gioco, la scoperta, la forza dell’umanità. I costruttori di stelle con la propria luce costruiscono un tassello per offrire agli altri progetti realizzabili e concreti, portatori di significati e di bellezza. Grazie ai costruttori di stelle, agli artisti che tracciano la strada, seminano campi fecondi e hanno il dono della purezza, capaci di distendere il sorriso alla sorpresa.
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ANTIQUARIUM ARBORENSE
PINACOTECA CARLO CONTINI
FORO BOARIO
ORISTANO
ART
Comune di
v (+39) 0783 791262
m info@fondazioneoristano.it
ORISTANO Comuni de Aristanis
Assessorato alla Cultura, Turismo e Spettacolo
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d www.museooristano.it
PORTRAIT DES PLANTES - LAURIER B (DETAIL) . Akira Inumaru 80x100 cm., tecnica mista su carta, bruciature solari, 2018 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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I THE SPECIAL
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SPECIAL
messagères atemporelles
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AINAS MAGAZINE
EVELYNE GALINSKI D’une puissance plastique et d’une présence charismatique indéniables, les sculptures d’Evelyne Galinski émergent d’un entre-deux mondes pour le moins étrange où rêve et réalité semblent coexister dans la plus parfaite des harmonies. Propices au recueillement, voire à la méditation, ses personnages énigmatiques, à la lisière parfois de l’androgynie, n’appartiennent à aucune époque précise et les voiles et autres bandelettes qui les vêtent en partie ne cachent nulle blessure ni ne sont une allégorie d’une souffrance quelconque mais bien plutôt les attributs accompagnant la naissance d’une nouvelle humanité libérée des affres de nos existences repliées sur elles-mêmes et esseulées. Messagères atemporelles dont les yeux fermés expriment dans un silence d’une grande intensité une plénitude salvatrice, les sculptures d’Evelyne Galinski deviennent les confidentes de nos pensées, les accueillent sans jugement aucun et nous font part d’un secret intime et universel qui est le fondement même d’une vie réellement vécue. Grâce à une maïeutique mystérieuse et envoûtante, ses personnages nous invitent à regarder en nous-mêmes et à cheminer jusqu’à ce que nous atteignions ce fameux secret enfoui en chacun d’entre nous : être pleinement présent au moment présent. La force de l’œuvre profondément émotionnelle et spirituelle d’Evelyne Galinski est de nous plonger au cœur de la vie même, dans son essence originelle, au-delà de toutes nos fallacieuses représentations mentales. Stéphane Richard
Evelyne Galinski H. 50 cm., scultura terracotta, Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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RITRATTO DI EVELYNE GALINSKI Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù , 2021
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◀ TEY-ERA II . DETAIL
SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
ATAR . DETAIL Evelyne Galinski H. 50 cm., scultura terracotta Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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ATAR . DETAIL Evelyne Galinski H. 24 cm., sculture terracotta e porcellana, Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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LUE . DETAIL Evelyne Galinski 27x10x36 cm., scultura porcellana, Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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KTO . DETAIL Evelyne Galinski H. 56 cm., scultura terracotta, Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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NÄÉ . DETAIL Evelyne Galinski H. 52 cm., scultura bronzo, Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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KUNG . DETAIL Evelyne Galinski 130x64 cm., scultura bronzo, Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
plaisir ludique
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AINAS MAGAZINE
JEAN CLAUDE BOROWIAK Artiste multiple, humaniste, roussonien, amoureux-protecteur de la nature, magicien-druide, quoi d’autre ?...... extrêmement difficile de juger un être d’un talent aussi « naturel », doté de vertus exquises et d’un esprit transparent et pur. Que dire de plus ?... .. beaucoup de choses importantes et toutes très subtiles. Disons que nous sommes devant un homme de la Renaissance italienne, un artiste et un humaniste qui ne peut être absent si nous voulons faire le monde autrement. La contemplation de son œuvre m’a rempli d’un ravissement esthétique, d’une grande émotion. Son travail n’a pas de nom, ils l’appellent “land’art” ou quelque chose comme ça, peu importe. On pourrait penser que ce qu’il fait n’est pas typique d’un humain ; On dirait plutôt l’œuvre d’un druide, d’un gnome, d’un génie de la forêt, d’un lutin espiègle et joueur qui s’amuse de délicieuses impostures, qui nous pose çà et là des pièges visuels : suspendus dans les airs, subtilement camouflés entre les branches des arbres comme des toiles d’araignées, dans le lit d’un ruisseau, plantés dans le champ, pour se moquer de nous quand nous contemplons, nos visages perplexes d’étonnement ; pour nous faire stopper net devant l’apparition soudaine d’un beau et splendide coquelicot métallique aux étamines filaires. Ce qui est plus naturel et délicat. Celui qui surgit spontanément sur le terrain ou celui que Jean-Claude modèle avec son cœur et avec ses mains. Des rochers pendent avec des fils aux branches d’arbres ésotériques, comme des fruits lithiques étranges et impérissables, comme des notes de musique écrites sur le pentagramme de l’air ; comme des gouttes d’eau, comme des flocons de neige arrêtés et solidifiés dans l’air par un sort. Et des araignées, des araignées élégantes au corps de pavot et aux pieds fins de ballerine. Angel Muriel
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RITRATTO DI JEAN-CLAUDE BOROWIAK Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù , 2021
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◀ COSTRUZIONE MANDALA Jean-Claude Borowiak e Evelyne Galinski Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
SPECIAL
MANDALA (DETAIL) . Jean-Claude Borowiak Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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FIORI DI PAPAVERO Jean-Claude Borowiak Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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◀ SFERA Jean-Claude Borowiak Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
SFERA (DETAIL) . Jean-Claude Borowiak Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
Jean-Claude Borowiak Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SFERA . DETAIL Jean-Claude Borowiak Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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◀ COSTRUZIONE MANDALA
SPECIAL
unknown familiar
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AINAS MAGAZINE
TINEKE SMITH We share something inalienable with the stars, yet they remain distant We humans have an unquenchable thirst for knowing; to get familiar with the unknown. We try to reach the stars only to discover that they are unreachable. Though we are part of the universe it is not our domain. Planet Earth is our sphere, where we toil and quest for becoming the best versions of ourselves, the true homo sapiens (‘wise man’ in Latin). When we manage, even if only for short periods of time, we are just as radiant as stars. Then we are more familiar with the unknown than we ever thought to be. We are wise. Artist Tineke Smith communicates her quest by various ways of artistic expression that crosspollinate each other: visual art, danse, music, installations or performance are often interwoven with poetry. She formulates questions and challenges the viewer to start a dialogue with the images. Her point of departure is close; natural things that surround us all. Like the flowers painted in a way that could just as well be images of stars (Fragility series). The micro and the macro environment is linked by the spectator. Such a work has a timeless communication flow, it
HOW FRAGILE WE ARE Tineke Smith 70x70 cm., tempera su tela, 2020 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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RITRATTO DI TINEKE SMITH Fotografia di Gianfilippo Masserano, 2011
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SPECIAL
refers to a kind of primeval human cosmic experience. The fading ‘aged’ colours catch something of the transient yet precious nature of the human life form that consists of humus, the earth, stardust, the minerals and a mysterious breath of the ‘all-supporting’, the immanent. One of my favourites is her installation Noli Tangere (2017). The enclosed raw wool sculpture pierced with copper wire is an expression of vulnerability, the longing for true touch and the indestructible power of real heart to heart contact. That is where wisdom lies somewhere. In the connection to each other we also connect to the familiar yet hidden source of life. The installation also encapsulates the frustration of wanting to join the ‘familiar un-known’, yet unable to do so. The poetic reference to the story of the resurrection in the title adds fundamental layers. The installation Danse macabre or Aliens is built from recycled and adapted (with loam and purse foam) vine. It symbolizes life and vigour, but also how people abuse nature. Besides, the sculptures waggle as unhandy extra-terrestrial figures landed on earth. An estranging, yet affectionate experience. Attraction and alienation at the same time. The group of sculptures le cri de la nature entre ciel et terre is yet another way of expressing the interrelatedness of opposites. The materials seem soft and hard, refer to nature and culture or the lasting and the transient. It is interesting how the artist emphasizes impermanence through creating something even more beautiful and precious of a decaying slice of the wood of a dead tree. The withered fig tree leaves cast in bronze remind us of meteors or fallen stars (or remains of ancient book rolls; a straight reference in the title to a prophetic verse from the Hebrew Bible). One might also think of the remnants of our own ephemeral being sculptured from earth and eternal stardust and brought to life by the breath of the ‘all-bearing’. We might link it to humanity in its entirety – our own collapse, how we ruin our own habitat. Or will we finally rise to the challenge? How do we become truly wise? How to reach the stars? Could we perhaps start with communicating from heart to heart? Anikó Ouweneel-Tóth
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AINAS MAGAZINE
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ALLESTIMENTO SALA TINEKE SMITH Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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FRAGILITÈ III Tineke Smith 40x120 cm., tempera su tela, 2020 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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FRAGILITÈ II Tineke Smith 40x120 cm., tempera su tela, 2020 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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NOLI TANGERE . DETAIL Tineke Smith 70x110 cm., tecnica mista, 2015 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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IL GRIDO DELLA NATURA TRA CIELO E TERRA . DETAIL Tineke Smith 50x50 cm., installazione bronzo, 2021 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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SPECIAL
étoile solaire
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AINAS MAGAZINE
AKIRA INUMARU Akira Inumaru possède une technique de peinture et de dessin hors pair, mais ce qu’il aime avant tout c’est combiner les techniques et interroger ses sujets. Depuis son arriver en France, il a mis au point ce qui est a la fois une technique et un mode de réflexion : les Distillations solaires. Après avoir dessiné avec maestria, il continue son dessin en utilisant l’énergie du soleil. A l’aide d’une loupe, il va brûler la première couche du papier afin qu’au travers le trou que le soleil a dessiné, des couleurs apparaissent. Dans un premier temps, il voulait porter la lumière au coeur des ombres, mais très vite, il s’est rendu compte que son travail de brûlure n’était en rien destructeur mais au contraire procédait comme la photo synthèse. La photosynthèse est ce phénomène bioénergétique qui permet aux plantes de grandir grâce à la lumière du soleil. La beauté des fleurs, la magnificence des pétales et des feuilles sont le résultat de l’ensoleillement. À l’aide de sa loupe Akira Inumaru invite le soleil à agir sur ses dessins. Du noir et blanc, par la brûlure de premières couches de papier, la plante prend ses couleurs et s’illumine. Par ce processus Akira Inumaru réfléchit au-delà de l’œuvre, aux mécanismes de la nature.Il invite à s’interroger sur le double pouvoir du soleil, permettre la vie, mais aussi la détruire. Voilà un acte artistique neuf qui fascine celui qui regarde et pousse à la réflexion . Apprivoiser le soleil, c’est le projet d’Akira Inumaru. La portée d’une telle action est à la fois citoyenne, morale et dans son cas, artistique avant tout. Faire naître de l’énergie solaire – a priori menaçante – une forme de beauté nouvelle. Alin Avila
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RITRATTO DI AKIRA INUMARU Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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◀ LE PORTRAIT DES PLANTES - BRUYER Akira Inumaru 180x100 cm., tecnica mista su carta, bruciature solari, 2016
SPECIAL
IGNIS FATUUS A (DETAIL) . Akira Inumaru 110x130 cm., tecnica mista su carta, bruciature solari, 2014 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
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ALLESTIMENTO SALA AKIRA INUMARU scultura di Evelyne Galinski Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
CASA DELLE LUCI . DETAIL Akira Inumaru 145x105 cm., tecnica mista su carta, bruciature solari, 2014 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
LE PORTRAIT DES PLANTES - GARLIC IN BLOOM (DETAIL) . Akira Inumaru 180x100 cm., tecnica mista su carta, bruciature solari, 2016 Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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AINAS MAGAZINE
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L’OFFERTA DEL MONACO (DETAIL) . Hans Georg Berger stampa ai sali d’argento su carta baritata, Vintage Print, Luang Prabang/Laos, 1998
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II PORTRAITS
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PORTRAITS
hans georg berger
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AINAS MAGAZINE
immanences visuelles Quand Hans Georg Berger photographie le bouddhisme Ces photographies sont le récit d’une rencontre. Portraits rapprochés ou lointains, images saisissantes de sites et de rites, représentations d’accessoires cérémoniels et d’objets de culte, elles racontent la plongée de Hans Georg Berger dans l’univers religieux de Luang Prabang et sa passion d’en partager la connaissance. Dans l’ancienne capitale royale du Laos, haut-lieu de la tradition theravada en Asie du Sudest, le photographe cherche à capter les multiples formes d’expression et de célébration du bouddhisme lao. Il poursuit en cela une démarche entamée à la fin des années 1980, lorsqu’il entreprend, au cours de séjours en Birmanie, au Cambodge, en Thaïlande, au Laos ou en Iran, d’explorer, au moyen du procédé photographique, le monde de la spiritualité. Lors de ces premières approches déjà, il a pu mettre en œuvre le principe fondateur de sa méthode de travail, celui d’une immersion dans le milieu qu’il photographie et d’une implication de ce dernier dans le processus de création, ce qu’il appelle community involvement. S’efforçant de se fondre parmi ses sujets, Hans sollicite leur avis dans la détermination des prises de vue et les engage dans l’acte photographique. Celui-ci devient de la sorte un support de communication en même temps qu’un ouvrage collectif mené avec eux. C’est ainsi qu’il procède à Luang Prabang où son ancrage dans les monastères et sa constance auprès des moines lui valent d’obtenir sans tarder l’adhésion des autorités religieuses à son projet. A leur demande et avec leur pleine participation, il prend part aux retraites de méditation Vipassana qui s’organisent en 2004 et en 2005 à la périphérie de la ville et en photographie les différentes séquences. Ses images de ces rassemblements de centaines de moines et de novices retirés en forêt pour retrouver les sources d’une tradition millénaire font date dans l’histoire du bouddhisme et du Laos contemporain. Comme l’ensemble de son œuvre à Luang Prabang, elles témoignent de la reviviscence récente de la religion du sage après des décennies de déclin et enregistrent la trace de techniques ancestrales d’introspection et de concentration qui jusqu’alors étaient secrètes et menacées de disparition. Totalement inédites, ces photographies attestent de la relation de confiance que Hans Georg Berger a pu établir avec les chefs du sangha local. Elles sont le fruit d’un dialogue avec eux, et une somme d’intentionnalités. Moines et photographe s’entendent sur un propos commun, esthétique et humaniste à la fois, où se mêle au souci d’informer et de rendre intelligible, la puissance de l’émotion et de l’imprévisible. Sur la pellicule s’impriment en effet la marque d’un accord et celle d’une distance. Si les images de Hans Georg Berger veulent rendre compte de la réalité lao, elles sont aussi chargées de la présence discrète et porteuses de la réalité propre de leur auteur. Situées sur cette ligne de flottaison entre le perceptible et le sensible, entre le réel et l’imaginaire, elles sont au-delà du
◀ HERVÉ GUIBERT RITRATTO DI HANS GEORG BERGER – 45 –
PORTRAITS
visible, transformées par un détail, signe ou signal qui accroche l’attention de l’observateur et laisse affleurer les enjeux personnels du photographe. Les prises de vue de Hans Georg Berger obéissent à des lois de composition qui leur confèrent des qualités distinctives très repérables. Le format carré qu’il adopte pour photographier les moines en méditation est l’un de ces choix esthétiques et techniques. Presque comme en référence à la base du stupa, il donne à ses sujets une assise solide et rend l’aspect statique et calme de leurs postures. Mais c’est plus encore le recours au noir et blanc plutôt qu’à la couleur dont il ne fait qu’un usage exceptionnel à des fins spécifiques, qui contribue à définir son style. Il marque un refus de l’artifice et de la séduction facile et produit un effet d’abstraction, d’éloignement presque, qui rend les sujets quasi inatteignables, souvent énigmatiques. Ce partipris est à son paroxysme dans la représentation des exercices de Vipassana. Dans un dégradé de gris, d’ombres et de transparences, se profilent les corps immobiles ou en mouvement des méditants. Silhouettes éthérées, ils flottent sur un tapis de feuilles, entre les arbres. La lumière est blanche, tout est nu et dépouillé alentour, l’air et le silence sont palpables. A l’austérité de la discipline des moines, à la rigueur du milieu naturel qui les entoure, répond chez Hans une véritable ascèse picturale, marque de fabrique de ses photographies. Le noir et blanc autorise cependant la nuance et certaines des images s’animent de ses contrastes. Il permet par exemple de souligner la pénombre des paysages ou des scènes rituelles, le vacillement de la flamme des bougies ou les brumes enveloppant les berges du Mékong au petit matin, ou bien encore l’éclat des embarcations de Boun Ok Phansa, la fête des lanternes qui célèbre la fin du carême bouddhique à la pleine lune du onzième mois. Ces subtils jeux de lumières qui vont du sombre intense à une vive clarté retracent très exactement les ambiances de Luang Prabang. La ville demeure aujourd’hui encore relativement protégée des éclairages tapageurs du monde moderne. L’ornementation des monastères et des maisons traditionnelles en bois sculpté, la douceur des paysages et le miroitement perpétuel des eaux du Mékong, la faiblesse des lampes électriques enfin, créent un environnement en demi-teinte que rompt à peine, ponctuellement, l’exubérance des fêtes. Hans a su se saisir de ces atmosphères de clairobscur et de chatoiement que seul le noir et blanc peut aussi bien restituer. Une grande sobriété se dégage dès lors de ses photographies. Sobriété du cadrage et des tonalités, sobriété des sujets aussi. Le photographe s’intéresse autant aux aspects les plus simples de la religiosité lao qu’aux grandes cérémonies bouddhistes. Il photographie avec la même attention le bûcher funéraire ou les psalmodies chantées des moines que les pièces d’étoffe qui composent leur trousseau, ou les écrans de tissu qu’ils tendent entre les arbres pour s’isoler lors des retraites en forêt. Ces images triviales, sans fard, qui documentent le quotidien du sangha lao, dévoilent la relation d’intimité qu’entretient avec lui leur auteur. Les photographies de Hans fourmillent de ces indices d’un rapport personnel à ses sujets. Celle qui dépeint une main déposant une offrande de fleurs à l’oreille d’un novice donne bien sûr à voir l’une des actions rituelles de l’ordination mais elle laisse aussi transparaître l’émoi qu’inspire au photographe la délicatesse du geste. Ses gros plans du bol à aumône des moines d’où jaillit l’eau, symbole de pureté, ou sa représentation au plus près des doigts croisés de la posture de méditation, ou encore le rendu des textures, du tombé des étoffes, des plis des robes de moines, toutes ces images expriment à la fois la profonde compréhension qu’a Hans des institutions monacales, et sa vision sensible et esthétique de ce monde. Le détail marque à chaque fois la frontière de son intériorité, qui devient dans certaines de ses photographies l’objet même de la représentation. Les images du visage de Phra Khamchan Virachitta Maha – 46 –
AINAS MAGAZINE
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MEKONG Hans Georg Berger stampa ai sali d’argento su carta baritata, Vintage Print, Luang Prabang/Laos, 1997
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PORTRAITS
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MONACA IN MEDITAZIONE Hans Georg Berger stampa ai sali d’argento su carta baritata, Vintage Print, Luang Prabang/Laos, 1998
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AINAS MAGAZINE
Thera au terme de son existence disent son affection respectueuse et émue pour ce moine qui fut son maître, son protecteur, son inspirateur. Chaque photographie de Hans Georg Berger a de la sorte son autonomie et produit chez qui la contemple une expérience singulière. Le regard passe d’une vue d’ensemble qui embrasse la totalité de l’œuvre, à ce moment particulier où il est arrêté par un détail qui fait évènement dans l’image. Une goutte d’eau suspendue au menton du Phra Bang, statue du bouddha et palladium du royaume pris ici de profil, crée la surprise chez le spectateur et modifie sa perception. Telle une métaphore de la régénération, elle inverse soudain l’image du sage lointain, inaccessible ; elle lui donne vie et le rend plus proche. Cette relation d’intimité est aussi ce qui motive les nombreux portraits que réalise Hans Georg Berger. Les visages fixant l’objectif renvoient au sien, invisible. Entre eux et lui se déploie un espace inter facial, espace complice, espace de rencontre où l’échange se fait de regard à regard, sans que la parole soit jamais nécessaire. Certains portraits sont parfois plus mystérieux, comme ceux de ce vieux bonze et de ce novice pour moitié dans la pénombre, pour moitié éclairés. Ils interrogent la qualité du sentiment religieux, du détachement, de l’état monastique, et finalement, peut-être, le sens de la vie. Mais les visages de moines en méditation, recueillis, les yeux fermés, ont encore une autre dimension, plus spirituelle. Répliques du Bouddha, ils sont des sortes d’icônes nirvaniques, emplies de ce darshan que la tradition indienne attribue aux images des temples et des lieux sacrés, des saints et des renonçants, vision du divin et aura dont la contemplation est bénéfique au dévot. Ils sont l’expression même de la compassion, d’un vide euphorique promesse de sérénité et portent en eux une force karmique qui semble éternellement présente. A travers ces portraits comme dans l’ensemble de son œuvre, Hans entretient un rapport paradoxal au temps, partagé entre la capture sur le vif d’évènements ponctuels et éphémères, et l’évocation de périodes longues de l’histoire. Ces impressionnantes piles de manuscrits sur feuilles de latanier conservés dans les bibliothèques des monastères nous rappellent l’importance du passé et de l’écriture dans le travail de mémoire. Tout aussi parlante, cette empreinte de pied dans la poussière des chemins forestiers évoque, telle une trace archéologique, l’ancienneté de la tradition theravadin et de la culture luang prabanaise. De curieux côtoiements s’opèrent ainsi dans l’œuvre du photographe, entre profondeur historique et instantané photographique, entre éternité et impermanence bouddhiste. Mais à chaque fois, une sorte d’immanence visuelle émerge de ses images qui, à l’extrême opposé de la photographie reproductible à l’infini, se donnent, chacune, comme une apparition unique. Catherine Choron-Baix
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ALLESTIMENTO SALA ALEJANDRO ROBLES Foro Boario Arte Contemporanea . Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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III THE NEW CODE
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THE NEW CODE
ALEJANDRO ROBLES . Observador La obra de Alejandro Robles, es una mixtura de conceptos en que la necesidad del ser se hace exterior en la materia pictórica, a primera vista de su trabajo nos hace creer en la existencia de un expresionismo que derrota a la racionalidad y que el temperamento gobierna sus trazos marcados y que se permite la casualidad en el ejercicio del hacer plástico, pero cuidado el artista juega una mascarada cautiva en su gráfica cromática, que puede desorientar al ojo emocional que nos acompaña al observar un ser humano genérico que subvierte su propio orden, despeñándose en sus propias pasiones y que lo llevan al límite de sus emociones y precariedades asentadas en un mundo moderno que le desconfigura como un San Antonio de Abad moderno. Este pasaje literario al que obliga el artista, está profundamente racionalizado por sus ideas y en el que proceso plástico es acometido con afán, pudiendo reiterar retóricamente sobre el lienzo o el soporte elegido la búsqueda de ese concepto o visión de un hecho objetivo hasta alcanzar el equilibrio que su emocionalidad pictórica requiere, pudiendo hacer Palimpsestos de su propia creación, sin que el resultado se transforme en la confusión de los sentidos, sino en un trabajo de largo proceso que tiene la misma frescura del escrito inicial borrado, como si su caligrafía imaginativa la hubiese ejecutado de un jirón, logrando la frescura matérica y de forma que la fuerza plástica de su trabajo posee. Jorge Berrios
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AINAS MAGAZINE
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OBSERVADOR Alejandro Robles 140x70 cm., tecnica mista su tela, 2021
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MALDITA CORDURA DETAIL Alejandro Robles 149x188 cm., tecnica mista su tela, 2021
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RITRATTO DI ALEJANDRO ROBLES Fotografia di Bianca Laura Petretto
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EL PATÍBULO DE LOS LOCOS . DETAIL Alejandro Robles 187x168 cm., tecnica mista su tela Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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CHRONOS Gigi Rigamonti 100x100 cm., acrilico su tela, 2018 Fotografia di Irina Sivakova
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RITRATTO DI GIGI RIGAMONTI Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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BRAIN HORIZON NO.1 Gigi Rigamonti 100x100 cm., acrilico su tela, 2021 Fotografia di Irina Sivakova
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BRAIN HORIZON NO.3 Gigi Rigamonti 100x100 cm., acrilico su tela, 2021 Fotografia di Irina Sivakova
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GIGI RIGAMONTI . millions years Ardisco affermare che tutta l’opera di Gigi Rigamonti può essere concepita come un perpetuo e sperimentale inseguimento di esperienze esistenziali e urgenze espressive che si fanno pratica artistica: limpida, cristallina, arcaica, primitiva. Ardisco affermare, per abusata che sia l’espressione, che la sua arte sia vita. L’artista percorre una strada, le cui novecentesche stazioni si chiamano espressionismo, primitivismo, informale... in esse si riposa, s’abbevera e poi prosegue. Affronta ogni sfida artistica con una forza creativa (intellettuale e passionale) divenuta, con il tempo, quasi aggressione furiosa alla tela. Pennellate decise e potenti spatolate risaltano sulla superficie e anticipano allo spettatore quella materialità del quadro che si percepisce nei colori puri talvolta addensati al punto da perdere la specifica funzione di pigmento per esaltarne la materialità di pasta cromatica. Un confronto con la materia che nella più recente produzione egli esplora in modo più deciso e spregiudicato con il ricorso ad elementi non tradizionalmente artistici: cartoni, stoffe di iuta (serie Black), fili di lana (Web), appendini. Non stupisce. Rigamonti è scultore: usa le mani, costruisce modelli, plasma la materia. E qui l’artista supera un’altra soglia: espone sassi e pietre che ha colorato. Mi chiedo se sarà mai abbastanza coraggioso da presentare, un giorno, solo cose del mondo, senza alcun intervento. È, comunque, il confronto con la vita, materiale e sociale, ciò che domina il suo lavoro, che nella figurazione (in nuce con Chronos e Giorno e notte, 2021) può assumere toni violenti ed eccessivi perché il talento di Gigi è intimamente connesso al suo modo pieno di vivere la vita,
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di riflettere alle situazioni e alle storture del mondo, di entrare in contatto con gli elementi che la compongono, siano essi sassi, tramonti o un uccellino morto da seppellire ma anche politica e avvenimenti. Vorrei quasi dire che Rigamonti lavora come un bambino posto davanti, per la prima volta, a oggetti o situazioni, che disegna o scolpisce con la concitazione esaltante della scoperta del “mettere in forma”; giustificherebbe certi eccessi rappresentativi e li renderebbe più accettabili. Invece non è così. Rigamonti è un adulto ancora innamorato con sobria ubriachezza della vita. In Gigi una sapienza primordiale tiene agganciati pensiero concettuale e pratica artigiana, figurazione e informale, foga e disciplina. Significativi sono i quadri Mashed Brain, 2021 in cui la lotta, silenziosa e crudele, di un nero tenebroso e vivo con un colore fluttuante ed ectoplasmatico è bilanciata da un bianco compatto e solido: si aprono allo spirituale e al sensibile. L’artista si immerge nel mondo e ne estrae il grido d’angoscia: “Anche l’arte urla nelle tenebre, chiama soccorso, invoca lo spirito”, almeno quello di un artista che non cessa di vivere. Stefano Mazzatorta
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PENELOPE DETAIL Gigi Rigamonti 100x120 cm., acrilico su tela e juta, lana, cartone, 2018 Fotografia di Irina Sivakova
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MILLIONS YEARS . INSTALLATION Gigi Rigamonti Allestimento Foro Boario Arte Contemporanea Mostra Star Makers, Oristano Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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TREM, DAS SÉRIES CARAVELAS DE HOJE / REPROVADOS (DETAIL) . Maxwell Alexandre 192x426 cm., graxa, carvão, grafite, betume e acrílica sobre tela, 2018 Crédito: Cortesia A Gentil Carioca
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IV CROSSING AINAS MAGAZINE
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CROSSING
MAXWELL ALEXANDRE Nascido no Rio de Janeiro, em 1990, Maxwell Alexandre vive e trabalha na Favela da Rocinha, uma das mais populosas do Brasil. O artista desistiu da carreira de patinador profissional, que manteve dos 14 aos 20 anos, para tentar uma bolsa no curso de design na PUC RJ, onde se formou em 2016. Em contato com a matéria de plástica, com o artista Eduardo Berliner, passou a conhecer a arte contemporânea e a pintura. Após um distanciamento da comunidade, por razão da faculdade em que se dedicou durante anos, resolveu se reconectar com os amigos no intuito de pertencer novamente àqueles círculos, segundo entrevista concedida ao jornal O Globo em 2018. Desse retorno, surgiu o combustível para sua criação. Seu trabalho sugere um lugar afirmativo do negro retratado por meio das confluências entre a rotina dos desafios da contemporaneidade, como a marginalização e o enfrentamento policial, às influências nas letras do rap. Em entrevista ao site Vice Brasil, Alexandre cita que sua produção é pautada por poetas negros que têm vivências congruentes à sua. No depoimento, ele afirma que: “isso é forte. É uma quebra de paradigmas dentro da história da arte, uma vez que os artistas se alimentam majoritariamente de uma poesia branca e europeia pra produzir”. Essa aproximação com a música e com a comunidade contribuiu para a concepção da série Pardo é papel. Sobre folhas e folhas de papel pardo instaladas em seu estúdio, o artista pincela o cotidiano ao seu redor. Desse olhar, obras em grande escala são concebidas como um reflexo da autoidentificação da população negra – algo que o artista vê como um fenômeno positivo. Pardo é papel reflete uma inquietação com a utilização de um termo usado para velar a negritude do povo brasileiro. Alexandre explicita a problemática em torno do termo cunhado pelos dados de autodeclaração reunidos pelo Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE) que designam parte da população negra no Brasil. Ao afirmar que pardo é uma denotação
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unicamente empregada para se referir a um tipo de papel, o artista articula com os jogos semânticos que podem ser desvendados dessa análise na série que apresenta personagens negros/as/es dos mais diversos e em diferentes situações. Assim, sua obra rompe com qualquer paradigma imposto negativamente à população negra brasileira, ou com a própria história da arte, quando subverte a prática da pintura ao experienciar com o material. Os trabalhos dessa série deram notoriedade ao artista. Em 2017, a Galeria Carpintaria, uma das mais importantes do circuito carioca, promoveu a exposição coletiva Carpintaria para todos. Desde então, ele tem participado de diferentes exposições em museus, galerias e feiras de arte. A mostra homônima, por exemplo, percorreu lugares como o Musée d’art contemporain de Lyon, na cidade de Lyon, França, e o Museu de Arte do Rio – MAR, Rio de Janeiro, ambas em 2019; além da Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre, e o Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, em 2021. Diante da produção de Maxwell Alexandre, (re)descobrimos novas histórias. Seus trabalhos em grandes dimensões funcionam como uma alegoria do nosso tempo, na busca por significados que se vale de aspectos centrais por uma outra inscrição da presença negra na arte, seja ela local ou global. Ao inserir tal aspecto em um trabalho pautado nos temas contemporâneos a que estamos sujeitados, o artista reconta essa mesma história em arranjos estéticos concebidos em uma dinâmica crítica, na qual essas construções narrativas são vetores de resistência e visibilidade da negritude. Deri Andrade é pesquisador, jornalista e curador independente. Desenvolveu a plataforma Projeto Afro (projetoafro.com), resultado de um mapeamento de artistas negros/as/es brasileiros. Deri Andrade Texto adaptado do artigo Éramos a cinza e agora somos o fogo: a estética na obra de Maxwell Alexandre (2019) do autor
SEM TÍTULO, DA SÉRIE FESTA DE 500 ANOS (DETAIL) . Maxwell Alexandre 140x214 cm., óleo sobre tela, 2019 Coleção do artista . Crédito: Cortesia A Gentil Carioca
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NICOLA (DETAIL) . Andrea Bizzotto 40x30 cm., acquerello, matita e olio, 2021
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V NEWS
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transit portrait
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ANDREA BIZZOTTO . STEFANO ORRÙ . GASTON TOMASETIG Transit portrait è un progetto di arte contemporanea che si svolge in Italia, a Cagliari, in Sardegna, con la partecipazione di artisti internazionali che realizzano in progress momenti espositivi, mostre interattive e fanno vivere l’arte nella quotidianità. Transit portrait è un progetto che si sviluppa nell’arco del 2021 e 2022 con diversi moduli dedicati all’arte del ritratto in transito con il pittore italiano Andrea Bizzotto, il fotografo sardo Stefano Orrù e il fotografo argentino Gaston Tomasetig. Il progetto, voluto e sostenuto dalla Fondazione Sardegna Film Commission e dalla Direttrice Nevina Satta è ideato da Giuliano Guida Bardi, promosso e organizzato da Miramare Hotel Museo con la direzione artistica e la curatela di Bianca Laura Petretto. Body Parts - Blikart è un modulo del progetto. In tempi e tecniche differenti si realizzano mostre e esposizioni dinamiche con l’artista Andrea Bizzotto che dipinge utilizzando il processo fotografico, grafico e cromatico. I suoi sono ritratti di persone sconosciute che transitano al Miramare Hotel Museo di Cagliari. Un luogo di ospitalità dove i viaggiatori dormono e vivono in spazi che sono anche Galleria d’arte, Museo contemporaneo, fucina e laboratorio d’artista. Un concetto dell’arte contemporanea che sperimenta il lavoro dell’artista e la fruizione dell’opera nel quotidiano. Il pittore Andrea Bizzotto indaga le parti del corpo che divengono esse stesse ritratto. Mentre il fotografo Stefano Orrù costruisce scene surreali con il corpo e gli oggetti esposti nell’ambiente. L’intento è quello di restituire un processo lavorativo e creativo con la partecipazione di artisti internazionali che dialogano e si rapportano con la quotidianità e con le persone in ambienti vissuti e fruiti da chi viaggia e transita in un luogo per lavoro, per piacere o per casualità. Body rooms è la seconda fase del progetto dove il fotografo performer argentino Gaston Tomaseting contestualizza le immagini delle persone in transito nell’ambiente e l’ambiente diviene ritratto. Costruisce un set per narrare un ruolo reale o immaginario del protagonista. Le varie fasi progettuali e espositive confluiranno nel 2022 in una grande mostra sul ritratto in transito. Bianca Saibante
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EURINOME . STUDIO 01 Andrea Bizzotto, 21x42 cm., matita arancio e grafite su carta, 2018
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FORTUNA IN GABBIA Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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RITRATTO DI CRISTIANA Andrea Bizzotto, 30x40 cm., acquerello, caffè e olio, 2021
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CRISTINA Fotografia di Gaston Tomasetig, 2021
IL CUBANO Fotografia di Stefano Orrù, 2021
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CODERCH
ASHIA . Coderch & Malavia 66x120x80 cm., bronze, 2021
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VI PATAATAP AINAS MAGAZINE
MALAVIA
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CODERCH Y MALAVIA . acción detenida, distancia interior Toda obra bella es cerrada. Resplandece muda Paul Valery Como si de una carrera de relevos se tratase, son muchas las referencias que la creación artística toma prestadas de la Cultura, para devolverla, enriquecida, con más argumentos, y ofrecerlos como testigos de los nuevos tiempos. Todos ellos resuenan en el fondo de la memoria colectiva y van componiendo soluciones para desvelar de manera parcial el misterio en el que el hombre está sumido, el misterio de la vida. A finales del siglo XIX el poeta Rubén Darío escribe: …” Y sobre el agua azul el caballero Lohengrin y su cisne, cual si fuera un cincelado témpano viajero, con su cuello enarcado en forma de S…” Refiere el poeta la forma suave y blanca del ave posada sobre el infinito plano horizontal surcando suavemente, sin pausa, las aguas nocturnas en silencio, en una imagen dada para la contemplación visual. Sus curvas son un deleite para la mirada; su deambular, plácido, semejante al de una masa de hielo cincelada por un escultor. Con anterioridad, la tradición medieval en Alemania cuenta cómo el Caballero arribó en un barco arrastrado por un cisne para defender a una doncella con una única condición, no preguntar su nombre. Cisne, doncella, silencio y muerte son elementos de una narración que luego inspirarán el relato de la ópera Lohengrin de Wagner. Este mito alemán lleva, algo más tarde al rey Luis II de Baviera a construir su Palacio con piedra blanca en lo alto de las colinas verdes, entre las nubes y las humedades septentrionales para denominarlo posteriormente El cisne de piedra: una imagen más, alusiva a una gran masa blanca cuya quietud se ofrece para el placer de la mirada. El velo robado de Musaus, siguiendo esta tradición, se convierte en el cuento que inspira el ballet de El lago de los cisnes de Tchaikovski, obra de una extraordinaria belleza que narra la historia del príncipe Sigfrido que se enamora de la ninfa Odette, transmutada en cisne por un maleficio amoroso. Como en un hilo continuo, literatura, música o danza nos van desvelando las distintas capas con las que profundizar en el conocimiento. Unas y otras son principio y fin, partida y motor para el deleite de quien contempla el mundo tratando de poseer parte de la belleza contenida en él. La escultura es otro de los grandes pilares de la expresión humana. Seducción y fantasía
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LIBER WITHOUT TOGA . DETAIL Coderch & Malavia 78x74x47 cm., bronze, 2020
GIANT OF SALT Coderch & Malavia 227x 342x214 cm., bronze, 2020
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surgen de sus masas y convierten la materia en objeto de pensamiento. Lo hacen muchas veces por semejanza, otras por evocación y, en otras ocasiones, por resonancia con las otras artes. Lo hacen y conmueven con unos argumentos propios de su disciplina. Así como la pintura se expresa con el color, la danza con el movimiento del cuerpo y la luz, la escultura utiliza la proporción, la sombra, los equilibrios y las texturas de la materia para conmover al espectador sensible. He tenido la fortuna de conocer en profundidad la obra de Coderch y Malavia, obra de escultura refinada que cuenta historias determinadas de inspiración literaria o musical. En ocasiones representan los mitos clásicos, en otras los populares o los tradicionales. Ponen y exponen sus piezas bajo la influencia de la luz en la que los contornos nunca acaban e invitan a una contemplación en movimiento, una contemplación peripatética. Las esculturas responden a la luz invocando la mirada que queda atrapada en ellas. La luz sobre estas obras se convierte en un don; es, como dice Claudio Rodríguez, claridad sedienta de forma. La representación del cuerpo humano en la obra de Coderch y Malavia se hace poesía. Es sustancia de contemplación y placer. El mito del cisne vuelve con ellos a encarnar piezas como las tituladas Odette o Swan, cuyas imágenes congeladas nos llevan al ballet de Tchaikovsky, donde los cuerpos de los bailarines se expresan en plena tensión. Odette, mitad mujer y cisne, ofrece al espectador un cuerpo femenino de extraordinaria belleza en el momento de cerrar sus alas sobre la cabeza, transfigurándose para desaparecer y condenar a la soledad a su amado Sigfrido. Sigfrido a su vez, representado en Swan soul, baila, hipercinético y detenido en plena pirueta en una danza desesperada. Construidas por sumatorio de volúmenes, trabajadas por modelado en arcilla o en cera, acaban siendo fundidas en bronce con voluntad de eternidad. Verdad, Bondad y Belleza, los tres principios platónicos, están – 79 –
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contenidos en el quehacer artístico de estos escultores. Cada una de las piezas está pensada para perdurar en el tiempo. La materia en sus manos adquiere expresividad y contundencia. Modelan el cuerpo humano de una manera clásica en figuras siempre llenas de tensión y movimiento, haciendo hablar a la materia de manera elegíaca, unas veces bucólica, otras lírica, pero siempre con un alto grado de poesía; siempre colocando sus imágenes cerca de los límites la belleza. Su pieza titulada The tissue of time que representa a Penélope, la paciente, la que espera la incierta llegada de Odiseo, se coloca frente al espectador con la mirada puesta en un espacio y un tiempo ajeno a su ser; el velo que teje le ata las manos, el cuello y la cabeza, y cae por delante de ella mucho más abajo que sus pies. Equilibrio inestable, anatomía perfecta y belleza completa. Todas sus piezas representan momentos intensos en las vidas que cuentan, en los mitos que evocan, pero todas ellas quedan suspendidas en un evidente enigma. El espectador se cuestiona inevitablemente por los instantes previos o posteriores a la acción congelada. Esa incertidumbre es parte del misterio, centro mismo de la circunstancia estética de estas obras. En Learning to fly, el momento en el que Ícaro va a saltar, cuáles son sus temores, si resistirán sus alas de cera el calor del sol o dónde está su pensamiento, son algunas de las incógnitas por resolver. En todas estas obras encontramos el concepto “acción” que nos sugiere una cierta teatralidad en sus argumentos. También Coderch y Malavia nos ofrecen la escultura de un fauno danzante, seguramente ebrio, completo de movimiento, pero lleno de juventud y belleza. El fauno es un mitema que recorre los cauces de la cultura; es un personaje sensual, en ocasiones brutal, mitad hombre mitad macho cabrío, que está presente en las bacanales, es compañero de las danzantes ménades y los músicos de la noche. Cuenta el célebre poema L´après midi d´un faune de Mallarmé, cómo estando el fauno deambulando frente a la tersa laguna en su isla de Sicilia, en las candentes horas del mediodía, confunde dos cisnes que se posan en el cañaveral con dos ninfas del bosque y siente un gran deseo de poseerlas… Un poema que vuelve a evocar el imaginario de Coderch y Malavia, como también fue inspirador de la bellísima pieza musical homónima de Claude Debussy y del célebre ballet que coreografiara Nijinsky. Como ya sabemos la Cultura es un manantial inagotable sobre el que se construye pieza a pieza el gran edificio del conocimiento. Coderch y Malavia son dos actores más en este hermoso proceso humano que es la Cultura. Juan Ramón Martín
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THE GREAT SWAN DETAIL Coderch & Malavia 133x52x38 cm., bronze, 2018
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HAMLET . THE DOUBT Coderch & Malavia 173x42x37 cm., bronze on bronze base, 2018
MOONLIGHT SHADOW Coderch & Malavia 79x80x45 cm., bronze, 2019
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THE TISSUE OF TIME LIFE SIZE . DETAIL Coderch & Malavia 150x72x36 cm., bronze, 2020
CLIO’S DREAM Coderch & Malavia 79x38x32 cm., bronze, 2020
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DON TANCREDO (DETAIL) . Coderch & Malavia 181x48x48 cm., bronze on wood base, 2015
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VII SWALLOW
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l’età dei mutaforma
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Nessuno vuole cambiare, ma la vita ci cambia. A volte lo fa con uno tsunami, altre con pioggerelline leggere leggere, quasi ad avvertire che da una stagione dell’esistenza si transita in un’altra. Opporsi al cambio di clima, di cielo, d’atmosfera non è mai una grande idea. In natura, chi rifiuta di adattarsi muore. Io sono nato nel 1961, ai tempi in cui esisteva un solo canale Rai e la tivù vociava la sua realtà in uno sgranato bianco e nero. C’era Carosello, c’erano le infinite mosche nelle case dei contadini che frequentavo quando stavo dai nonni, c’erano i giochi in mezzo a strade semideserte. Eravamo i padroni del mondo, io e le mosche campagnole. Chi non avrebbe mai voluto che tutto restasse così per sempre? Ci penso ancora, sai? A quei tempi che desideravo immutabili, tanto è forte anche in me la resistenza a cambiare, ad aggrapparmi a qualcosa di piacevole, sicuro e noto. Sono trascorsi 60 anni e a 50 ho fatto una grande scoperta: io non sono ciò che faccio. La nostalgia la provavo per il paesaggio intorno, che avrei voluto immutabile. Ma io ero già mutato. Non avevo fatto altro che mutare, giorno dopo giorno, come quei serpenti che fanno la muta e perdono la vecchia pelle. Avevo fatto per una vita l’unica cosa in cui mi specchiavo: il giornalista. L’avevo immaginato ai tempi delle mosche e delle campagne, delle voraci letture dai nonni, alla fine della scuola; non avevo sognato altro. Non avevo fatto altro. Credo di essere ciò che facevo ma, come ho scritto, alla fine mi sono accorto dell’errore. La gente fa ipotesi ordinarie, sul mio cambio di rotta: da giornalista professionista a chef a domicilio. Avevi questo grande sogno nel cassetto, ipotizzano, e alla fine l’hai colto! Hai atteso il momento giusto per vivere davvero ciò che desideravi? Non riesco mai a rispondere, a queste domande. Temo sempre di creare disillusioni, di spezzare - negli altri - la fede in una vita in cui si deve lottare per un personale coming out: la casalinga che diventa scrittrice, l’avvocato che si trasforma in viticoltore. Il giornalista che finalmente molla la penna per una padella. Il mondo, si sa, ha bisogno di eroi. La verità è che sono diventato personal chef perché io ero cambiato. Perché non volevo più fare il giornalista come ero costretto a farlo e, soprattutto, perché avevo disimparato a farlo bene, dopo anni in cui dovevo farlo troppo male. Quindi, ormai già dieci anni fa, durante un ultimo tsunami professionale, presi un pezzo di carta e una biro, per annotare ciò che sapevo fare per guadagnarmi da vivere. Sapevo cucinare. Avrei potuto imparare a farlo meglio. Avrei potuto vivere di quello. Avrei potuto riversare la mia esperienza nelle interviste, nelle indagini, nelle ricerche per capire quali fossero i veri desideri e i gusti autentici dei miei clienti. Sarei potuto diventare il loro cuoco personale, ciò che nessun ristorante poteva loro offrire. Oggi ripenso ai tempi in cui mi guadagnavo la vita scrivendo. Ci ripenso come alle strade semideserte, alla tivù in bianco e nero, alle mosche che tormentavano le case dei contadini… Credevo di essere quel che facevo. Ho scoperto che anche il fare, durante il vivere, non è che un contorno, un paesaggio. E che ogni istante è l’età giusta per mutare forma. Che non significa mutare essenza. Ma, se anche lo fosse, che male ci sarebbe? Io sono io e sono ancora vivo, in barba alle mosche che, a differenza di me, non dominano più il mondo come prima. Giorgio Giorgetti
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Giovanni Bernuzzi Andante con bici
Il viaggio di una vita alla ricerca di verità e bellezza, narrato con amore in uno stile semplice e trasparente, libero.
Giovanni Bernuzzi
Andante con bici
A vent’anni, a Milano, il mio grande sogno era di vivere in un’isola greca con una giapponese. Trent’anni dopo la vita ha scelto per me la Sardegna, e ha scelto bene.
Giovanni Bernuzzi
Andante con bici
L’opera in copertina Demoiselle Dragonne (travail en cours octobre 2018) è di Jean-Claude Borowiak E 14,00
Grafica di Amelia Verga
Happy Hour to the Happy Few Ainas propone un’originale iniziativa editoriale, la collana di libri Happy Hour, classici moderni e contemporanei con in copertina un’opera di artisti internazionali presentati su Ainas Magazine. Edita da Bianca Laura Petretto e diretta dal poeta e scrittore Giovanni Bernuzzi, che l’ha creata nel 2010, pubblica pochi titoli all’anno realizzati con estrema cura editoriale e grafica, puntando sulla qualità etica ed estetica di una proposta innovativa con vocazione internazionale. I libri Happy Hour Edizioni sono disponibili in tutte le librerie e sui siti di vendita online. per consultare il catalogo: https://ainasmagazine.com/happy-hour-edizioni/
Sullo sfondo un dettaglio dell’opera “Odette” di Coderch & Malavia
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Happy Hour Edizioni
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PORTRAIT DES PLANTES LAURIER A . DETAIL Akira Inumaru 80x100 cm., tecnica mista su carta, bruciature solari, 2018 Finito di stampare nel mese di dicembre 2021
ISSN 2611-5271 € 33.00
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