aínas N°10 . 06/2020
Nella vita Vita, magia di segni impercettibili che tracciano la via Cammino su un raggio di luna forse non porta da nessuna parte forse è questa la mia fortuna
(Giovanni Bernuzzi, Trasparenze)
aínas W W W . A I N A S M A G A Z I N E . C O M
Terzo anno AÍNAS Nº10 . 06/2020 WWW.AINASMAGAZINE.COM INFO@AINASMAGAZINE.COM Direttore Bianca Laura Petretto Condirettore Giorgio Giorgetti Grafica Gabriele Congia Informatica Michelangelo Melis In copertina l’opera è di Willy Verginer: Chimica del pensiero, 168x46x45 cm,. sculpture: lindenwood, acryl color, 2019 © Aínas 2020 La traduzione, la riproduzione e l’adattamento totale o parziale, effettuati con qualsiasi mezzo, inclusi la fotocopiatura, i microfilm e la memorizzazione elettronica, anche a uso interno o didattico, sono consentiti solo previa autorizzazione dell’editore. Gli abusi saranno perseguiti a termini di legge. is aínas faint is fainas . gli strumenti fanno le opere Terzo anno AÍNAS nº10 © 06/2020, reg. n° 31/01 Tribunale di Cagliari del 19 09 2001, periodico di informazione trimestrale, cartaceo e telematico. Iscrizione n° 372004 al Registro della stampa periodica Regione Sardegna, L.R. 3 luglio 1998, n° 22, ART. 21. ISSN 2611-5271 Editore e Direttore responsabile Bianca Laura Petretto, Cagliari, Quartu Sant’Elena, viale Marco Polo n. 4
B&BArt MuseodiArte contemporanea
Un ringraziamento speciale a Guido Festa Progettazione e costruzione di “GLOVE BOXES” e prototipi per la ricerca farmaceutica e nucleare www.euralpha.it
www.bbartcontemporanea.it info@bbartcontemporanea.com
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AINAS MAGAZINE
AÍNAS Nº10 5 chapter I . the special 6 alternative reality . willy verginer 7 julio cortazar 14 kilomètres rituelles . simone pheulpin 15 galerie maison parisienne 22 angolo retto . anna saba 23 franco meloni
27 chapter II . crossing 28 il colore di leh 29 marzia de tavonatti
43 chapter III . the new code 44 territorio livre . gersony silva 46 elza ajzenberg 49 alecsandra matias de oliveira
51 chapter IV . portraits 52 marcovaldo perturbante . francesca randi e alejandro robles 53 bianca laura petretto
67 chapter V . pataatap 67 gigi rigamonti 69 arturo schwarz 75 manuela gandini 75 bianca laura petretto
79 chapter VI . swallow 80 colori in bocca . giorgio giorgetti
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SCHATTEN IM WASSER Willy Verginer 100x280x30 cm., lindenwood, acryl color, livesize, 2016
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THE SPECIA
SPECIAL
alternative reality
SCHATTEN IM WASSER (DETAIL) Willy Verginer 100x280x30 cm., lindenwood, acryl color, livesize, 2016
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AINAS MAGAZINE
WILLY VERGINER . rayuela “…the writer has to set language on fire, put an end to its coagulated forms and even go beyond it, place in doubt the possibility that language is still in touch with what it pretends to name.” Rayuela is the Spanish name of the familiar children’s game hopscotch, known in Italy as “Gioco del Mondo” – the game of the world. In the Italian street version, children skip between numbers written on the sidewalk in chalk, with one goal: to get from Earth to Paradise. The solo exhibition of Italian artist Willy Verginer forms a dialogue with the novel Rayuela, written by Argentinian author Julio Cortázar in 1963. The award-winning novel revolutionized Latin literature, leaving its indelible mark on world literature and gaining cult status. Rayuela recounts the story of a young student called Oliveira, who moves to Paris, falls in love with a woman, and returns to his native Buenos Aires. At one point in the novel, the characters are voluntarily admitted to a hospital that may or may not exist, just as it is unclear to the reader whether the actual characters in fact exist. Cortázar’s great innovation in Rayuela was the invention of an original world, surreal in its fulness, that broke the laws of literature as they were known up to this point in time. Rayuela does not offer a conventional plot and familiar reality, and especially it does not adhere to defined rules of language. The novel is packed with mixed language, incorporating different jargons, registers, and even foreign languages, deliberate typos, interrupted lines and wordplays, to the point that some consider it a 20th-century mythological lexicon. Even today, reading Rayuela sends us simultaneously to philosophical theories, Buddhism, and literary and musical works. Thanks to this wonderful amalgamation, Cortázar invites the reader to an artistic experience that enlists the imagination, evokes contemplation on inner monologue, and invites active reading. Willy Verginer’s works, created after Cortázar, are first and foremost a new literary language. The exhibition explores the hidden threads that stretch between the mind, the place, and language, and the massive and voluminous sculptures come alive in the space that surrounds them. Just like in Cortázar’s novel, in Verginer’s works, reality as we know it is irrelevant. The key to understanding them is held in the bodies that blend different imaginary realms, changing distances and dimensions, and in relinquishing a grasp on time. The figures in the exhibition are based on timeless people who created original and meaningful relationships with reality. The works can be read as a surreal literary work of sorts, or alternatively, as a Hyperrealist visual artwork. At the same time, they can be perceived as a new form of super-reality: The reflection of all the possible realities in moment. The experience of observing Verginer’s works offers an alternative reality, one that objects to conventional postmodern definitions. The piece as a whole resonates a wonderful and constant sense of disconnect, filling it with human and familiar moments of grace. These moments invite the viewer to come inside for a wild, comical and touching game. In the wake of Rayuela, you will get to know a new emotional world. The skip between heaven and earth. The metaphor of life. Julio Cortázar –7–
SPECIAL
◀ RAYUELA (MOONGIRL) DETAIL Willy Verginer 156x292x82 cm., lindenwood, acryl color, 2019
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MOONGIRL Willy Verginer 105x29x21 cm., lindenwood, acryl color, 2019
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AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
◀ FANCY DRESS AFTER INDUSTRY Willy Verginer 58x39x18 cm., tiglio, colore acrilico, 2017
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PALVAZ Willy Verginer 162x120x80 cm., lindenwood, acryl color, 2019
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SPECIAL SPECIAL
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I PENSIERI NON FANNO RUMORE Willy Verginer 150x100x107 cm., different types of wood, acryl color, 2019
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MOONGIRL Willy Verginer 105x29x21 cm., lindenwood, acryl color, 2019
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AINAS MAGAZINE
Willy Verginer (b. 1957, Italy). Lives and works in Val Gardena, Italy. Verginer creates hyperrealist wood sculptures, drawing inspiration from the arresting nature surrounding him and the fragility of our environment. With such a distinctive style, it’s no wonder that his artworks have found international support and have been exhibited in important museums and galleries around the world. In 2011 Willy Verginer was invited to the 54th International Art Exhibition – Venice Biennale to represent the Region of Trentino Alto Adige. Capturing the essence of its territory, the memory of the places without denying its roots, Verginer has built a road of his own, original and figurative. Appearing simultaneously lifelike and whimsical, his sculptures are dipped in bold colors and patterned, adding just the right amount of surrealism. The sculptures of Willy Verginer rise up with all their mass, volume, and the weight of their material in the space they are placed in. The forms created by Verginer seem concerned only with themselves and their own internal system of formal relationships and meanings. The sharp and embattled handling with which he provokes and caresses wood does not result in anything ancient. Verginer’s work has been featured in numerous solo and group exhibitions across Europe, notably at the Museum of Contemporary Art in Lissone and at the Cavalese Contemporary Art Center in Trentino, both in Italy. His works are also found in many private collections in Europe, the United States and Canada. (translated from Spanish by Gregory Rabassa)
www.verginer.com – 13 –
SPECIAL
kilomètres rituelles
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AINAS MAGAZINE
SIMONE PHEULPIN . sculpture textile Née dans les Vosges en 1951, l’artiste textile française Simone Pheulpin a été saluée par le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris en 2017 et par le prix d’honneur du Loewe Craft Prize en 2018. Ses sculptures ont intégré les collections contemporaines du Victoria and Albert Museum de Londres et du Chicago Institute of Art. En 2019, le MAD — Musée des Arts Décoratifs de Paris a fait l’acquisition de deux oeuvres de Simone Pheulpin pour les collections nationales du Pavillon Marsan : une Eclipse et une Eclosion. Depuis plus de 40 ans, Simone Pheulpin perfectionne une technique qui lui est propre : elle plie et empile des bandes de coton des Vosges, fixant chaque pli d’une épingle, dans une accumulation singulière de tissu. Entre les kilomètres de coton et les kilogrammes d’épingles qui constituent chacune de ses oeuvres, ce sont des heures et des heures de dévouement, de gestes répétés encore et encore dans une pratique presque rituelle, presque magique, à travers laquelle la matière est transformée. Ces bandes de coton écru, pliées et épinglées les unes aux autres, deviennent tour à tour minérales ou végétales… Pierre calcaire, céramique, coquillage, corail, écorce, ivoire, mousse, écume ou encore matière fossile, Simone Pheulpin a développé autant de techniques de pliage différentes pour réinventer des matières organiques merveilleuses. Galerie Maison Parisienne
ENSEMBLE II (DETAIL) Simone Pheulpin sculpture textile Credits ©Apollonia Robin
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WORKING FINGERS Simone Pheulpin Credits ©Sophie Bassouls
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SPECIAL
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CROISSANCE IV Simone Pheulpin sculpture textile Credits ©Apollonia Robin
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ANFRACTUOSITÉ VI Simone Pheulpin sculpture textile Credits ©Apollonia Robin
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SPECIAL
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SPECIAL
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DÉCADE (DETAIL) Simone Pheulpin sculpture textile Credits ©maison parisienne
◀ FALAISE V Simone Pheulpin sculpture textile Credits ©Apollonia Robin
ENTREZ DANS LA DANSE Simone Pheulpin sculpture textile Credits ©Apollonia Robin
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SPECIAL
angolo retto
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AINAS MAGAZINE
ANNA SABA . l’imperfezione dei sogni Dio Nilo dona ma pretende ordine. La confusione provoca discussioni che a volte vengono concluse dai morsi dei rettili del Fiume. Tre, Quattro, Cinque pertiche ricostruiscono confini, definiscono regole e inventano la Geometria. L’armonia della musica delle sfere getta le basi per produrre immagini perfette. E la perfezione resiste fino a quando si capisce che non tutto è misurabile semplicemente e che Pigreco ha tanti decimali quanti sono i fuochi che brillano nel cielo. La sicurezza iniziale, tutto è riportabile ai numeri, si scontra con il senso di irrazionale misurando la diagonale di un semplice quadrato. Tre, Quattro, Cinque sono le tessere in ardesia solcate dal serpente che lascia, passando, i resti della sapienza della quale, irrevocabilmente, si è intriso sugli infiniti rami dell’Albero nell’Eden. Si può accettare la sfida della interazione tra Arte e Scienza? A Gavoi, in un piccolo paese della Sardegna, qualche decina di anni fa, Anna Saba ha provato a domare la fantasia che preferiva dolcissimi suonatori di violino tra nuvole azzurre per trovare un ponte con la Scienza. Ma questo è stato PLEXUS. Se levare il soverchio poteva bastare per innalzare angeli verso il cielo, un effetto straniante nel senso del manifesto dolore scavava, con le lacrime della Madre, un corpo stremato dalla partecipazione all’umanità. E la Madre è intesa da rozzi scalpellini che indifferentemente scolpiscono pollici enormi e dita benedicenti, come la parte più interna del marmo, quella che deve essere lisciata e quindi eliminata. Non è il soverchio, per Anna, perché lì trova la dimensione imperfetta della natura dei sogni. E, fortunatamente, non sempre per lei un angolo retto è di novanta gradi. Franco Meloni, fisico
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GEA CHE RESISTE 6 Anna Saba 23x70 cm., gesso con semi di frutta, 2019
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GERMOGLIO Anna Saba 50x60 cm., bronzo su marmo, 2017
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SPECIAL
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INFIBULAZIONE Anna Saba 65×85 cm., marmo, 2009
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◀ GEA Anna Saba 120×150x2 cm., marmo di Carrara, 2019
LEH, VISTA DAL PALAZZO SHEY Marzia de Tavonatti MUNDO MIX 13, opera di Julio Leite, 2018 23 . 06 . 2019
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II CROSSING
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CROSSING
il colore di leh
LEH, ANTICHI MANOSCRITTI DEL MONASTERO MATHO (DETAIL) Marzia de Tavonatti 23 . 06 . 2019
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MARZIA DE TAVONATTI “Un viaggio in India, tra le vette dell’Himalaya occidentale e il vastissimo altopiano del Tibet. La chiamano la terra dei passi ad alta quota la regione del Ladakh, nello Stato confederato del Jammu e del Kashmir, tra la valle di Nurla e quella di Nubra, passando per la città di Leh. È una zona che dona asilo politico ai rifugiati tibetani, in un territorio costellato di templi che risalgono prevalentemente al XIV secolo. Camminare con l’occhio fotografico mi ha permesso di osservare i colori che corrono tra i visi e il paesaggio. Un viaggio accompagnato dall’ascolto del silenzio, un incedere visivo dove il colore è il filo conduttore. Protagonista attento di storie intense”.
Marzia de Tavonatti è una giovane fotografa italiana, accanita lettrice, con una formazione accademica volta agli studi di psicologia e filosofia, coltiva sin da piccola l’interesse per l’immagine. Negli anni vissuti a Monaco di Baviera con la famiglia si appassiona a un’arte che il padre e la madre le avevano insegnato, la fotografia. Studia e perfeziona la tecnica e inizia in Germania la sua collaborazione come fotografa con una scuola di danza, la Iwanson School of Contemporary Dance. In seguito, collabora alla realizzazione del documentario dedicato a The Floating Piers, opera dell’artista Christo che renderà il lago d’Iseo, la sua terra d’origine, celebre in tutto il mondo. Il suo interesse professionale si è rivolto soprattutto ai reportage e al fotogiornalismo, i suoi scatti riflettono uno stile realistico, asciutto e essenziale. Le sue fotografie cercano la verità e la pulizia dell’immagine. Negli ultimi anni si è appassionata alla fotografia d’arte con progetti “dietro le quinte” su mostre dedicate ad artisti contemporanei come Andy Warhol. – 29 –
CROSSING
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VALLE DI NURLA, MONACO BUDDISTA Marzia de Tavonatti 29 . 06 . 2019
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VALLE DI NURLA, MONASTERO LAMAYURU, GIOVANE MONACO BUDDISTA ATTENDE L’INIZIO DEL FESTIVAL “YURU KABGYAT” Marzia de Tavonatti 29 . 06 . 2019
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LEH, MONASTERO PHYANG, KATUO, CAPPOTTI UTILIZZATI DAI MONACI DURANTE LE PREGHIERE Marzia de Tavonatti 28 . 06 . 2019
LEH, VENDITRICE DI NOCI E ALBICOCCHE ESSICCATE Marzia de Tavonatti 22 . 06 . 2019
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LEH, MONASTERO DI HEMIS, MONACO BUDDISTA Marzia de Tavonatti 24 . 06 . 2019
VALLE DI NUBRA, ANTICHI MANOSCRITTI DEL MONASTERO DISKIT Marzia de Tavonatti 25 . 06 . 2019
AINAS MAGAZINE
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CROSSING
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VALLE DI NUBRA, PARTICOLARE DEL MONASTERO DISKIT Marzia de Tavonatti 25 . 06 . 2019
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VALLE DI NURLA, MONASTERO PHYANG, PITTORE DURANTE I LAVORI DI ABBELLIMENTO DEL MONASTERO Marzia de Tavonatti 28 . 06 . 2019
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AINAS MAGAZINE
LEH, VISTA DALLO STUPA DI SHANTI Marzia de Tavonatti 22 . 06 . 2019
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16 ATOS . MOVIMENTO IV Gersony Silva Ensaio Fotografico, 2008
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III THE NEW CODE
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THE NEW CODE
território livre
SÉRIE CAIXA DE PARADANÇA I Gersony Silva 105x94x38 cm., madeira, mídia eletrônica, resina e alumínio, 2017
AINAS MAGAZINE
A arte contemporânea está imersa em questionamentos. Como uma obra muitas vezes realizada para ser transitória pode permanecer no museu? De que modo uma proposta conceitual “desmaterializada”, pode estar inserida em um acervo? Como armazená-la? Além de questões epistemológicas e técnicas, supõe debates de trajetórias históricas. Quando termina a arte moderna? Quando começa a contemporânea? O que será considerado contemporâneo daqui a 50 anos? Na pluralidade estética contemporânea, tem-se adjacente os desdobramentos da antiarte. Estão disponíveis não apenas as apropriações, reapropriações e as anotações dos artistas, mas também seus artefatos e seus próprios gabinetes de trabalho. As propostas contemporâneas articulam-se cada vez mais com o cotidiano e as questões políticoeconômicas e tecnológicas. Mudaram-se os parâmetros e a própria concepção de arte. De um lado, obras contemporâneas, muitas vezes, questionam a própria instituição. Por outro lado, são assimiladas pelo mercado, tornando-se alvo do marketing e do próprio sistema econômicosocial. Na estética do território livre, deve-se levar em conta que a arte começa onde o mundo convencional termina. Esta estética designa aquele espaço em que a realidade e a imaginação estão em conflito. Nesse sentido, pode-se acrescentar que, de um lado, está a realidade do mundo concreto e, de outro, uma realidade em que o artista se apresenta como “guardião de fronteiras”, revelando o mundo através de suas metáforas poéticas. Entretanto, a visão do artista, repleta de símbolos e imagens, pode tornar a realidade do mundo mais plena de sentido, retomando a concepção de Paul Klee, de que “a arte torna visível o invisível”. No contexto de grandes mostras contemporâneas, como ocorre nas últimas bienais internacionais, a devastação do mundo real e das relações interpessoais que se condensam na arte torna-se tema cada vez mais emergencial. Como as obras de arte são mais que objetos, a condensação artística de fenômenos da realidade torna-se complexa. Os artistas, mesmo inseridos no conflito entre realidades, não duplicam o mundo, mas criam espaços livres em meio às situações do cotidiano ou do mundo: a obra de arte revela outra realidade. A arte existe fora da causalidade e não pode ficar presa no arcabouço férreo de mecanismos de coerção. As propostas ambientais, objetos e sucatas do meio urbano, os recursos multimídia e motivações lúdicas fervilharam. A reflexão sobre o espaço e tempo (e de como o espaço pode tornar-se tempo) partia de uma herança comum, de forma que artistas comprometidos orientavam suas obras na direção de desejos, comportamentos e modos de ser comuns a todos os seres humanos - um processo que poderia ser brando ou turbulento, sendo visto em termos de uma estética ou como meio de “desvelar a verdade”. As experiências contemporâneas, em boa parte, estão fora de museus e galerias. Estão nas ruas, parques e em lugares inesperados. Atingem enormes proporções ou são descartáveis ou inadequadas para uma reserva técnica e sistemas museológicos. As propostas contemporâneas articulam-se cada vez mais com o cotidiano e as questões políticoeconômicas e tecnológicas. Mudaram-se os parâmetros e a própria concepção de arte. – 45 –
THE NEW CODE
A ideia de território livre, de certa forma, pode estar associada tanto a propostas similares às sugeridas pelas bienais venezianas, como a outros projetos de arte contemporânea que conquistem novos territórios. Pode-se incluir o que não é uma temática, mas uma dimensão, podendo conter tudo: multidões de faces de homens e de suas manifestações. Portanto, em uma “visão do território livre” esse ambiente não está limitado a um espaço expositivo, pode envolver a cidade inteira ou de vários exercícios de liberdade, nas palavras de Mário Pedrosa. Elza Ajzenberg Profa. Titular da Escola de Comunicações e Artes – ECA USP São Paulo, 10 de junho de 2020
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AINAS MAGAZINE
16 ATOS . MOVIMENTO XIII Gersony Silva Ensaio Fotografico, 2008
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RUÍDOS DO SILÊNCIO . SUBSOLO Gersony Silva
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THE NEW CODE
PIGMENTO, SUOR E NADA MAIS... IV Gersony Silva 120x79 cm., Impressão digital em papel fine-art, 2018-19
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GERSONY SILVA . pigmento, suor e nada mais O processo criativo de Gersony Silva é um universo sensível, formado por pesquisas, imagens, intuição e metamorfoses. No seu “fazer artístico”, cabem diversas linguagens: o objeto, a fotografia, a pintura, o desenho, a performance, a instalação, a mistura e a sobreposição de todas elas. Intrigar-se com as formas e os materiais, assim como o desdobrar das ideias em novas proposições é nodal em seu repertório. A transformação [do dicionário, o ato ou efeito de transformar-(se)] a impulsiona. O corpo e, sobretudo, o corpo da artista sobressai e se transforma: pés são asas; pernas revelam fendas; o suor traz remissão e, a disciplina do movimento é, agora, liberdade. São metáforas acrescidas pelo dueto das cores azul-vermelho. No paradigma moderno, o corpo era referência estável, o lugar do ser, da razão e da consciência; baliza para composição da identidade e da subjetividade. No léxico de Gersony Silva, o corpo – sendo construção social, cultural e simbólica – é tomado como matéria de criação e de (re) criação. Pigmento, suor e nada mais, 2018-2019, além de fotografias é também vídeo que inquieta1. Com vestes alvas e em ambiente igualmente branco, a artista tem, numa pequena bacia, um pigmento vermelho que dispõe em seus pés e mãos. Percebe-se claramente o pó vermelho, mas aos poucos, a partir de pequenos movimentos, o vermelho torna-se líquido; o tempo revela a presença do suor. A transpiração excessiva dos pés e das mãos é agente da performance – na essência, é o fluído que sai do seu corpo que transforma o que vemos. A mistura de pigmento e suor mancha as roupas e o lugar. O vívido vermelho traz a lembrança do sangue, da dor e do desconforto. Nos registros fotográficos de Pigmento, suor e nada mais, 2018-2019, no recorte selecionado, a ênfase está nas mãos da artista – fragmento corpóreo de longa tradição metafórica. O vermelho misturado ao suor alude às mãos que sangram e contaminam roupas, chão e tudo o que é tocado. São imagens que podem ser acompanhadas ou não do vídeo. Porém, se descoladas, causam maior impacto e apreensão ao observador. O título do trabalho pode trazer alívio, mas o “mais nada” é difícil de ser assimilado. Seria uma falácia, uma ilusão? Tem-se mais do que isso? A resposta pode estar numa entrevista, dada por Silva, na qual declara que “a arte está no caminho entre o artista e o espectador”, ou seja, a arte opera nesse interregno. Então, creio que temos mais. Alecsandra Matias de Oliveira. Doutora em Artes Visuais (ECA USP) Membro da Associação Brasileira de Crítica de Arte (abca) São Paulo13 de junho de 2020
1. Ver em no site da artista: http://www.gersony.com.br/. Acesso em 13 jun.2020.
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I SENZA NOME 4 Francesca Randi 2018 - 2019
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IV PORTRAITS
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PORTRAITS
marcovaldo perturbante
ROMPIENDO EL ENCIERRO Alejandro Robles 21x29,7 cm., tira líneas picma micron, sobre papel vegetal, 2020
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AINAS MAGAZINE
FRANCESCA RANDI E ALEJANDRO ROBLES I ritratti di Francesca Randi e Alejandro Robles non scoprono visi e corpi, non restituiscono pennellate di caratteri individuali, ci stupiscono per come arrivano. Entrambi sperimentano l’arte con un percorso progettuale. Se da una parte Francesca Randi con la fotografia dipinge atmosfere dell’inconscio, espressioni e memorie che saltano fuori dalle cornici per entrare in una nuova realtà tra il sogno, la morte, l’oscurità e la forza universale del segreto che unisce l’umanità, dall’altra parte Alejandro Robles traccia graficamente forme e spazi cromatici. Sono volti astratti dove il panorama cambia. La sequenza delle opere fluttua tra i progetti dei due artisti. Nella Randi L’ultimo racconto di mezzanotte non lascia possibilità di uscita. Risuonano le voci passate, quelle familiari che si custodiscono nel buio, dimenticate, ricacciate nell’inconscio, riemerse alla luce della luna. Sono I senza nome con corpo umano e maschera beffarda. Sbucano tra le fasce dei neon, esseri imbrigliati al centro di scale e piloni di un ponte. Sono orsi a guardia di una motonave da guerra. Protetti dall’oscurità appaiono per essere riconosciuti, guardano l’enigma di un luogo falso, testimoni di un tempo che non esiste. E sospese sono le maschere di animali sui corpi di uomini e donne nella camera delle meraviglie. L’unico volto umano è dipinto da qualche artista di fine ottocento, sconosciuto ai più. Wunderkammer party della polverosa e patinata decadenza, di un beffardo tempo presente, velato, inafferrabile e invadente. Così risponde l’opera dell’artista cileno Robles, cambiando il panorama, prendendo atto che le frontiere si chiudono, che l’erranza diviene sofferenza, che tutto assume una evanescenza morbosa, restrittiva. Traccia segni e pennellate dentro moduli che proteggono e limitano le città. Non si proibisce nulla ma vi è un auto confinamento. E il velo, lo schermo, l’armatura, la maschera, il muro si trasformano, divengono orribili personaggi, dipinti dentro i dipinti, corpi sacrificati agli animali in Francesca. Spatole blu e forme accartocciate, mammuth, monoliti grafici e pittorici in Alejandro. Cosa rimane… Sicuramente alcune citazioni che la fotografa Francesca Randi suggerisce riferendosi al genere e alla letteratura fantastica cara a Cvetan Todorov, in quel fantastico visionario tra horror, narrativa gotica, magia e il fantastico mentale o quotidiano che evocano i personaggi di Italo Calvino e si muovono intorno a un ritrovato Dau al Set tracciato da Alejandro Robles. Sulla via di Joan Brossa e di Antoni Tàpies, alla ricerca di spunti spirituali. Rimane l’immagine di un Marcovaldo perturbante che tra narrazione vera e falsa, riafferma la realtà. Bianca Laura Petretto
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PORTRAITS
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HUEVÓN AUSENTE Alejandro Robles 78x60 cm., acrílico sobre tela, 2019
I SENZA NOME 3 Francesca Randi 2018 - 2019
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PORTRAITS
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AINAS MAGAZINE
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WUNDERKAMMER PARTY 4 Francesca Randi 2010
I SENZA NOME 9 Francesca Randi 2018 - 2019
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PORTRAITS
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AINAS MAGAZINE
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PAYASOS, PRÍNCIPES Y PIRATAS Alejandro Robles 295x110 cm., acrílico sobre tela, 2020
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PORTRAITS
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AINAS MAGAZINE
WUNDERKAMMER PARTY 2 Francesca Randi 2010
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PUERTA DEL ERRANTE Alejandro Robles 147x224 cm., acrílico sobre tela, 2019
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PORTRAITS
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L’ULTIMO RACCONTO PRIMA DI MEZZANOTTE 1 Francesca Randi 2015
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MEDIA DOCENA Alejandro Robles 300x130 cm., acrílico sobre tela, 2020
AINAS MAGAZINE
ALEJANDRO ROBLES “Básicamente mi línea de trabajo como artista se enfoca en la observación, análisis, interpretación y expresión de aspectos críticos referidos a la sociedad. La ejecución referida a la práctica del oficio, desde la pintura y la escultura, disciplinas que practico hace unos veinte años, ambas disciplinas emergen desde una marcada crítica a la sociedad, una sociedad que describo como anónima, sin carácter y acéfala. El individuo que compone dicha sociedad carece de pensamiento propio y se conforma con seguir a líderes, con igual miopía que la masa que los sigue. Es así como mi arte representa a una masa de individuos, tratada geométricamente o representados en objetos, en la cual la persona simple y únicamente cumple el papel de ser uno más, sin rostro, sin pensamiento y peor aún, sin cuestionamiento. Mi fortaleza principal tiene que ver con una observación crítica de lo que me rodea, es desde aquí que surgen cuestionamientos referentes al ser humano, sus comportamientos, virtudes y defectos. La representación en obras (pinturas y esculturas) de las observaciones antes mencionadas, pasa por filtros de conceptos, puntos de vista y perspectivas de amplia gama. Por ser el mensaje o concepto expresado el foco de importancia, la técnica con la que se expresa puede pasar a segundo plano, lo que me permite experimentar desde lo gráfico a lo híper realista, desde el pincel y la espátula, desde lo monocromático al expresionista, sin embargo, manteniendo todo lo anterior bajo el rigor de la excelencia”.
Alejandro Robles es arquitecto dibujante, pintor y escultor. Cursa sus estudios de arquitectura en la Universidad Central, desde donde se nutre con el dibujo suelto y rápido que da el croquis, aquí encuentra la fuerza de la linea que lo acompaña hasta estos días. Sus estudios artísticos los continúa en la Universidad Católica de Chile, complementando pintura, color y escultura, luego los profundiza en la Escuela Massana de Barcelona en el 2002, con un marcado énfasis en el dibujo de la figura humana, posteriormente realiza una residencia artística en el B&B Art Museo de arte contemporaneo en Cerdeña junto a la curadora Bianca Petretto en el 2017, en esta oportunidad genera la exposición “LABERINTI” en el Museo Diocesano Arborense, compuesta por pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones, resultantes de su visita a las canteras de granito de la mencionada isla. En paralelo ha participado en diversos talleres artísticos contando con maestros como el escultor Ricardo Irarrázabal y la artista Carmen Silva con quien compartíó una linda amistad, grandes conversaciones y algunas exposiciones. Con respecto a las ilustraciones, Alejandro colabora con Le Mond Diplomatique desde el 2012 con variadas obras, destacando la portada del número 132. Dentro de sus múltiples exposiciones cabe destacar en Chile las realizadas en el Congreso Nacional, Galerías Praxis, Artium, los centros Culturales Mistral, Alameda, Corporaciones Culturales de las Condes, la Reina, Municipalidad de Santiago, Castillo Wulff, Fundación Lukas. Internacionalmente cuenta con exposiciones en Cerdeña, Barcelona y Miami. www.alejandrorobles.cl – 63 –
PORTRAITS
L’ultimo racconto prima di mezzanotte è un progetto che parla di luoghi e di atmosfere legate all’infanzia. Quella vissuta dall’artista in un piccolo centro dell’isola di Sardegna. “La casa dove si sogna, si spera, si piange, si ride, si impara, si cresce. Le opere sono visioni fortemente intrecciate tra memoria, suggestioni, giochi infantili, sogni e incubi dove i ricordi conservano un’impronta spettrale e senza tempo. Un mondo di voci dimenticate, ricacciate nel buio da cui scaturiscono ma capaci di emergere con tutta la loro forza”. I senza nome sono personaggi muti e protetti dall’oscurità che vibrano attraverso le luci elettriche della città. Si muovono tra le strade nascoste e custodiscono segreti, identità insospettabili celate da maschere esageratamente espressive. “Donne, uomini, bambini dominano una periferia che oscilla tra sogno e realtà, in quella porzione in technicolor che palpita prima dell’alba, prima che gli occhi seguano il ritmo produttivo e sociale. Spuntano dal buio, e si aggirano in quella terra di mezzo, nella linea di confine fra sonno e veglia, si frappongono fra realtà e certezze che divengono incubo. Recitano in un raffinato palcoscenico illuminato da luci inquietanti e ambigue. E noi ne siamo fatalmente attratti, non resistiamo al bisogno di seguirli”. Wunderkammer party - All’interno di una Wunderkammer (Camera delle meraviglie) è stata ambientata una particolare festa in maschera. Ma laddove in passato la Wunderkammer aveva valore di raccogliere opere d’arte, ex voto e oggetti meravigliosi, come perle giganti, conchiglie dalle forme strane, stampe rare e antiche, qui il senso di decadenza pervade la scena. Un bestiario dove i personaggi indossano maschere di animali, vestiti in modo elegante, sembrano far parte della collezione. La wunderkammer odora di inquietudine, con uno sguardo sinistro.
Francesca Randi è una fotografa che ha sviluppato uno stile personale, onirico, con un immaginario fortemente surreale. L’identità, l’infanzia e l’adolescenza, il paesaggio notturno in bilico tra l’incubo quotidiano e la solitudine, l’inconscio, il doppio, la wunderkammer e il perturbante sono alcuni aspetti affrontati dall’artista. Attualmente vive e lavora a Cagliari come fotografa e insegnante di fotografia. Il lavoro fotografico di Francesca Randi è incentrato sul concetto di Realismo Fantastico. Attraverso le sue immagini trovano espressione le proiezioni inconsce, le rimozioni, i desideri e le aspirazioni. La sua ricerca fotografica rappresenta una forma di protesta ostinata contro la precarietà del reale. Il perturbante porta angoscia, assomiglia all’ambiente domestico ma è anche il luogo straniero, sconosciuto, enigmatico. http://francescarandi.tumblr.com/ – 64 –
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GIGI RIG – 66 –
V PATAATAP
GAMONTI – 67 –
PATAATAP
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SELF PORTRAIT (DETAIL) Gigi Rigamonti 30x40 cm., acrilico, 2011 foto di Irina Sivakova
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SELF PORTRAIT NO.6 Gigi Rigamonti 30x40 cm., acrilico, 2011 foto di Irina Sivakova
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Si è detto che ogni opera d’arte ha un carattere autobiografico. In qualche modo - più o meno palese - l’opera riflette la personalità del suo creatore. Condivido tale opinione. Penso, anzi, che raramente mi sia trovato davanti a un lavoro, frutto di una autentica e quindi profonda pulsione artistica, che non confermi tale assioma. Può un dipinto essere il riflesso speculare - Duchamp l’avrebbe definito un renvoi miroirique non solo della persona ma persino del cognome che porta? E quanto ingegno sia necessario, per trasformare un nome in un’opera d’arte? Quali segrete virtù alchemiche sono concorse per riconoscere nel cognome Rigamonti un’inseparabile coniunctio oppositorum di due realtà lontane e allo stesso momento inseparabilmente vicine? Quale geometria non euclidea per capire che la riga - solidamente assisa su una logica rigidamente terrena - necessita, per essere tale, del monte: suo riflesso celeste pregno d’una metaforica aspirazione interiore? Due elementi, tanto conflittuali da generare mondi dove Alice avrebbe potuto vivere serena nella sapienza che la riga e il monte sono parte l’una dell’altro, anzi, sono fatti l’una per l’altro. La riga e il monte conquistano la loro pienezza solo insieme, non potendo verificarsi l’una senza l’altro. La riga - nella sua unidirezionalità ctonia - ha bisogno del monte per affermarsi; come il monte ha bisogno della riga per confermare la sua vocazione uranica. Un’ulteriore precisazione, proprio a proposito della polarità Principio femminile ctonio: la riga e del Principio maschile uranico: il monte. Nei lavori di Rigamonti si può discernere la conciliazione di questa dualità archetipa - aspirazione questa che caratterizza il processo d’individuazione junghiano: l’integrazione dell’aspetto duale della propria psiche - anche nel solo monte quando questo appare, come spesso è il caso qui, come una formazione nuvolosa. Infatti, la nuvola è un ammasso armonioso di particelle acquose nell’aria. Il liquido rimanda al principio ctonio femminile mentre l’aria nella quale sono sospese, al principio uranico maschile. L’esito della coniunctio oppositorum è il filius philosophorum. L’Androgino o l’Antropos primordiale che, nell’opera di Rigamonti trova la sua espressione metaforica in questo corpo celeste. In altre parole la nuvola diventa qui l’immagine dell’essere - rappresentato pure dalla terra - conscio della natura androgina della propria personalità. Nelle sue sculture vige la stessa duplice valenza. Esse si rifiutano di entrare nella logica cartesiana di una forma ben definita: non sono tributarie del cerchio o dell’angolo retto. Le sue opere tridimensionali sono poliedriche: espressione di una libera conciliazione del rigore geometrico e della libertà creativa. Gigi Rigamonti possiede la necessaria carica di humour per riconoscere, nel proprio cognome, la condizione esistenziale che lo definisce senza scampo - sempre preda del dialogo tra concretezza e aspirazione. Qui, come raramente altrove, egli dimostra che lo humour è di natura tragica, segna un momento di indipendenza assoluta della poesia, è anzitutto una rivolta dello spirito e dell’inconscio contro i condizionamenti della società e della vita. Lo humour - e questi suoi lavori ne sono la magistrale verifica - possiede una valenza inesauribile di sfida e provocazione. Lo humour è un fattore di opposizione magistralmente sovversivo in quanto consacra il trionfo del principio del piacere sul principio della realtà. Piacere che implica una libertà creativa e un rifiuto di ogni facile scorciatoia mimetica, di ogni condizionamento, per preferire la gioia di un esigente estetica libertaria. Arturo Schwarz – 69 –
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◀ SELF PORTRAIT NO.32 Gigi Rigamonti 30x40 cm., acrilico, 2011 foto di Irina Sivakova
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ANOTHER SELF PORTRAIT Gigi Rigamonti 30x40 cm., acrilico, 2011 foto di Irina Sivakova
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WEB-DELIRIUM Gigi Rigamonti 120x100 cm., acrilico, 2020 foto di Irina Sivakova
STREETS OF LIVE L’ALTRO INFERNO Gigi Rigamonti 100x120 cm., acrilico, 2019 foto di Irina Sivakova
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SELF PORTRAIT NO.16 Gigi Rigamonti 30x40 cm., acrilico, 2011 foto di Irina Sivakova
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GIGI RIGAMONTI Nato nel 1949 a Desio, in Brianza, è anarchico, irrequieto, affamato di conoscenza, sperimentatore, disobbediente, ama la scrittura di Jack Kerouac, la pittura automatica surrealista, Bob Dylan e la Bentley. Disinteressato al successo ma interessatissimo alla libertà lancia una galleria d’arte anomala dove mescola arte, politica, spiritualità, neoliberismo, viaggi, filosofi, scrittori, musicisti, preti, banditi, monaci tibetani, poetesse, guardie, marinai. Fabbrica manichini così particolari che Bob Wilson li inserisce nella sua mostra al Guggenheim di New York, poi durante la Guerra in Bosnia ne fa di trasparenti con ferri, scarti metallici e pistole dentro. Lavora con Enrico Baj e Salvatore Fiume, va a Parigi per conoscere Alejandro Jodorowsky perché è pazzo di lui e vuole farci un film. Ambidestro, per firmare un contratto o scrivere una lettera usa la destra, per dipingere la sinistra. Comincia come fotografo, poi si appassiona alla tavolozza ma si innamora del grigio. Rimane un ragazzo con un sogno: un enorme homeless di polistirolo in mezzo a Fifth Avenue per bloccarla. Manuela Gandini
“C’erano Miles e Jimi e Jim…” nel 1969 con i 600mila giovani che si erano radunati nell’isola di Wight e c’era anche Gigi, giramondo tra le nuvole. Anni dopo, Gigi Rigamonti rileva e dirige la fabbrica di famiglia “La Rosa manichini” e crea un sodalizio tra arte e moda. Le sue sculture si espongono al Castello Sforzesco di Milano per Valentino, al Metropolitan di N.Y. per Christian Dior, a Palazzo Pitti per Gianfranco Ferrè e per Giorgio Armani al Guggenheim Museum di New York. Ha fatto parte del movimento Patafisico con Enrico Baj e ha partecipato alla mostra nel 1983 a Palazzo Reale di Milano. Partecipa a Art Basel Miami e fonda negli anni 2000 ArtandGallery, uno spazio multidisciplinare nell’ex teatro dell’Opera, nel quartiere Isola di Milano e una rivista per far incontrare l’ambiente sociale con l’arte. Le sue ricerche spaziano dalla cibernetica al design e crea nuove realtà come Strum und Plastic. In parallelo, le sue sculture e le pitture vengono esposte a Time Square, a Shanghai, passando per Broadway, New York, Panama e con Sotheby’s a Milano e al MAXXI di Roma. In questi ultimi anni l’artista indaga la realtà attraverso una speculazione intellettuale e spontanea che si traduce nelle opere pittoriche, nella grafica, nella scultura, nella socialità e nelle installazioni, viaggiando tra i continenti con la casa tra la Svizzera e la Sardegna. Gigi Rigamonti sostiene che “l’artista deve vivere giorno per giorno per poter dare e osare, per seguire il suo cammino. Non importa quando, a che età e perché. Darsi nel dissenso e non per il consenso, per piacere, significa mettere in discussione la propria libertà espressiva. Solamente con il dissenso si ha la forza del cambiamento e si può riaffermare la libertà. L’arte dovrebbe ancora avere il ruolo di dissentire, di tenere sveglia la gente”. BLP – 75 –
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WEB ON B/W LANDSCAPE Gigi Rigamonti 100x150 cm., acrilico, 2020 foto di Irina Sivakova
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THE TRIP Gigi Rigamonti 200x200 cm., acrilico, 2020 foto di Irina Sivakova
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ALAS 14, opera di Bianca Laura Petretto, 2014 Collezione privata Petani . Reggiani
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VI SWALLOW
SWALLOW
colori in bocca
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Nulla come il gusto si presta così tanto alla pittura. L’aspro è giallo e verde, il salato declina ogni sfumatura tra il bianco e l’azzurro, la dolcezza è calda come l’arancione, avvolgente come il rosso. L’amaro è sempre nero. Ogni cibo è a colori. Ancora non parlavamo (eravamo bambini, eravamo primitivi), ma già apprendemmo i colori che illustrano la vita. E che nessun altro nostro pensiero, da quell’istante, sarebbe più stato in bianco e nero. La morale e l’etica sorsero non appena portammo il primo frutto alla bocca. Non è un caso che la conoscenza del male e del bene sia sempre illustrata da un pomo spiccato da un ramo. E di che colore sarà mai quella mela peccaminosa, se non rossa, il colore del dolce e della frutta matura? Quella tonalità che, innocentemente, ancora ricerchiamo quando palpeggiamo la frutta su una bancarella, girandocela e rigirandocela tra le mani a cercare quel bacio di sole, inconfondibile carezza di piacere. Il peccato è rosso perché è dolce. E il dolce ci piace come ci piace il peccato, poiché allo stesso modo tenta il corpo. L’amaro invece è sempre nero, perché agisce sui nostri sensi come un anatema. Li allontana, li scaccia. Ci mette alla prova. Di che cosa si nutrirà il santo asceta nel deserto, se non di erbe e radici amare? Che sapore avrà la medicina che ci cura, se non amaro; il filtro magico che richiederà, prima di tutto, un atto di autentica volontà, in grado di scatenare forze interiori a noi sconosciute? L’amaro ci depura perché sottomette il corpo alla volontà della mente. La dolcezza ci perde perché accondiscende il desiderio fisico. Tutta la virtù e tutto il peccato racchiusi in un paio di morsi... Le lacrime sono bianche e azzurre. Ricordano l’acqua del mare, ma anche il cielo e la pioggia, che diventa salata quando lava la fronte sudata di lavoro. La nostra lingua, per istinto, ricerca il sale di questa terra e ci permette di sopravvivere. E il sale ha gli stessi colori dell’acqua, delle nuvole bianche, della neve, della sabbia di una savana... Una girandola monocromatica di contraddizioni in cui ci dibattiamo da sempre, incapaci di distinguere dove finisca il mare e cominci la spiaggia. Dove terminino il dovere e la responsabilità, la fatica che ci fiaccherà e ci allontanerà dalle tentazioni. Dove riposare e dove svegliarsi nel pieno della notte. Tra bianco e azzurro ci sono tutti i nostri cieli, tutti i nostri sogni. Una vita intera. Il giallo e il verde sono aspri e l’abbiamo appreso subito, addentando un frutto acerbo. Verdi sono i nostri primi anni di poca esperienza, gialli sono i nostri giorni alla luce del sole, che contiamo con l’aspra certezza di vederli terminare, prima o poi, perdendosi nell’amaro della notte. Il cammino comincia verde e prosegue nel giallo deserto del tempo che trascorre, bagnato dal bianco azzurro della fatica e della responsabilità, tentato dal rosso e salvato dal nero, bruciato dal sole dolce, rinfrescato dalla nera notte, salvifica e ingannatrice allo stesso tempo. Ma c’è un amaro ancora più profondo della notte e delle erbe sante. Quello interiore del fiele, che non è nero, ma verde scuro: è il colore delle speranze perdute, delle illusioni precipitate, dei cuori spezzati, degli amori rifiutati. Dei verdi sogni giovanili inaciditi e putrefatti. Custodito nel profondo delle nostre viscere, è il colore che la nostra bocca non può assaggiare e che non vuol riconoscere. Da cui si scappa, sempre. Il verde amaro che ci caratterizza e ci tatua l’anima. E che ci fa essere ciò che siamo. O ciò da cui vorremmo fuggire, ma senza speranza. Perché quel verde scuro, alla fine, siamo noi. Giorgio Giorgetti – 81 –
Happy Hour to the Happy Few Ainas ospita una nuova iniziativa editoriale. Happy Hour Edizioni è una collana edita dal 2020 da Bianca Laura Petretto e diretta dallo scrittore e poeta Giovanni Bernuzzi, che l’ha creata nel 2010. Pubblica pochi titoli all’anno prevalentemente di classici moderni e contemporanei e propone in copertina un’opera di artisti internazionali che fanno parte di Ainas. Piccoli e intensi volumi attentamente selezionati e realizzati con estrema cura, puntando sulla qualità etica ed estetica di una proposta editoriale innovativa con vocazione internazionale. I classici Happy Hour Edizioni sono disponibili in tutte le librerie e sui siti di vendita online. per consultare il catalogo: https://ainasmagazine.com/ happy-hour-edizioni/
TOUPIE ET TROIS DÉS (DETAIL) Catherine Jansens 34,5x24,5 cm., dessin crayon,1997
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LEH, MONASTERO DI THIKSEY, GIOVANE MONACO BUDDISTA DURANTE LA PUJA (PREGHIERA) MATTUTINA Marzia de Tavonatti 24 . 06 . 2019 Finito di stampare nel mese di giugno 2020
ISSN 2611-5271 € 33.00
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