doscerounotres diciembre
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doscerounotres - diciembre
sumario
Lo mejor cine 2013 4 Listas cine
10 películas al margen
6 Listas cine no distribuido ¿El largo camino a dónde?
8 La Jaula de Oro de Diego Quemada-Díez Koreeda confundido
9 Like Father, Like Son de Hirokazu Koreeda Reflexiones en torno al porno
10 Don Jon de Joseph Gordon-Levitt Burial, un paso más allá
11 Rival Dealer de Burial Otra música
14 Críticas de discos Lo mejor música 2013 16 Listas música
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doscerounotres
diciembre
Último número de doscerounotres dedicado a echar la vista atrás a estos últimos doce meses de intensa música y notable cine. Ha sido una colección amplia de nuevos lanzamientos y muchas visitas al cine o a la pantalla del ordenador. Esta última publicación selecciona lo mejor de cada disciplina, pero también deja hueco para hablar de los últimos discos escuchados o películas con fecha de estreno próxima al nuevo año. Curiosamente, el indiscutible mejor disco del año ha aparecido estos últimos días. Se trata del paso adelante de Burial, que ocupa nuestra portada. Rival Dealer es un EP que muestra al productor embarcándose en nuevos caminos y dejando claras nuevas metas que actualizan los hallazgos de su gran obra Untrue. Un breve repaso por la carrera del esquivo y hasta hace poco tiempo anónimo productor. El último lanzamiento supone la constatación de que las cualidades musicales de búsqueda siguen intactas. En cuanto a la sección de otros discos, aparecen algunos que también han entrado en la lista final de lanzamientos. Trabajos como el de Juana Molina o Arcade Fire, que en el caso de Molina la empuja como una cantante y creadora especialmente potente, mientras que Reflektor es la vuelta al buen camino de un grupo que parecía haberse perdido entre la grandilocuencia. Junto a estos lanzamientos, otros más inesperados y sorprendentes de igual calidad. Finalmente, la lista de discos destacados del año cuenta con el último EP de Burial como merecido y notable lanzamiento más impactante. En ella también se encuentran discos de los que hemos hablado extensamente durante los números de la revista, como los trabajos de Deerhunter, Vampire Weekend, The National o Forest Swords. Una lista variada en la que también se incluyen singles y EPs. En cuanto a la sección de cine, este número está acompañado por las críticas de La Jaula de Oro, de Diego Quemada-Díez, brillante historia sobre la inmigración latinoamericana hacia Estados Unidos, contada como una película de aventuras. El traspié de Koreeda con su última aproximación a la infancia en Like Father, Like Son una fallida y rutinaria película alejada de la chispa que, por ejemplo, tenía Kiseki, el filme anterior del director. Por último, el debut en la
Burial en portada
dirección de Joseph Gordon-Levitt. Don Jon no es una película redonda, pero sí una comedia que escapa de alguna forma a las dinámicas propias del cine romántico. Dos listas, divididas entre películas estrenadas y vistas en salas de cine, y otra exclusiva de películas al margen de los circuitos tradicionales. La primera de ellas está coronada por la última y denostada película de James Gray, una película profunda y de un cuidado sorprendente. Muchas de las películas que completan la lista se pudieron ver en el Festival de Cine de Sevilla, como L’Inconnu du Lac o La Grande Bellezza, pero también joyas como La Jaula de Oro o la sorprendente Spring Breakers. La segunda lista se centra en ese cine imposible de ver en las carteleras de las salas comerciales y del que también hemos hablado a lo largo del año. Coronada por la violenta crudeza de Después de Lucía de Michel Franco, le acompañan en el podio el regreso de Bertolucci y el mejor trabajo hasta la fecha de Carlos Reygadas. En el resto de la lista aparecen obras tan interesantes como The Canyons, Crystal Fairy o Ain’t Them Bodies Saints, cine que merece llegar de otra forma a los espectadores.
LISTAS CINE
TOP CINE 2013
The Immigrant James Gray
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TOP CINE 2013
La inmigración europea a Estados Unidos en manos de James Gray se torna en un melodrama serio y pausado que va posándose poco a poco en la mente del espectador. Gray estudia el poder que ejercen algunos individuos sobre otros y como esto puede cambiar por completo una vida, por un simple capricho. El personaje de Joaquin Phoenix no llega a ser por completo claro y siempre mantiene la duda en todo momento. Cotillard hace un correcto trabajo en el papel de la inmigrante
obligada a prostituirse para liberar a su hermana. La fuerza de la cinta va incrementándose a medida que avanza hasta llegar a un poderoso final en el que toda la historia da un giro radical y lo que en un principio parecía ser The Immigrant, adquiere un nuevo sentido. Como siempre, el aspecto estético está cuidado hasta el último detalle y la fotografía acompaña y da fuerza al relato. Una película poderosa que ha pasado injustamente desapercibida a lo largo de la temporada.
L' Inconnu du Lac Alain Guiraudie
Spring Breakers Harmony Korine
La Grande Bellezza Paolo Sorrentino
La película de Guiraudie es muchas cosas al mismo tiempo, pese a que aparentemente sea un estudio de las dinámicas del desfasado cruising. En L’Inconnu du Lac hay, incluso, amor. El contexto extremo en el que se encuadra se puede aplicar a situaciones mucho más generalistas, ahí reside la fuerza del filme. Una comedia de terror o una película de miedo cómica, ambas descripciones servirían para el tono que mantiene la cinta. Más allá de lo racional y mucho más allá de lo “gay”.
Con la fotografía del imprescindible Benoît Debie, Harmony Korine monta una extraña pesadilla de atractivos colores saturados y actrices sacadas de canales infantiles para hacer, por un lado, toda una obra de arte pop basada en los referentes más chonis y, por otro, una severa burla al cine más pretencioso y seguro de sí mismo. Spring Breakers es mucho más de lo que aparenta. Toda una experiencia visual que sorprende y fascina, al mismo tiempo que aterroriza.
La gran película de Sorrentino, un autor que filme a filme ha ido avanzando —a excepción de This Must Be The Place— perfeccionando sus característicos rasgos autorales. La Grande Bellezza es una película ambiciosa sobre la falsedad latente en las aparentemente clases altas. Sorrentino caricaturiza y denuncia con Roma como telón de fondo, aunque muchas veces parece el personaje protagonista de la película. Una película bella sobre la decadencia de las apariencias.
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LISTAS CINE
La Jaula de Oro Diego Quemada-Díez
E Agora? Lembra Me Joaquim Pinto
La Jungla Interior Juan Barrero
Reseñada unas páginas más adelante, el debut en la dirección de Diego Quemada-Díez es una película de aventuras demasiado seria por la realidad completamente ajena a la ficción que trata La Jaula de Oro. La inmigración sudamericana a Estados Unidos a través de México. El director toma a tres chicos para reflejar los distintos peligros a los que se enfrentan personas persiguiendo el sueño americano, aunque este no sea más que una jaula disfrazada de libertad.
E Agora? Lembra Me, el filme autobiográfico de Joaquim Pinto se puede descubrir como un vasto ensayo sobre la vida que va mucho más allá de la premisa de la que parte. Lo que en principio pasa por ser un diario del tratamiento contra el VIH al que se expone el director, las imágenes y las reflexiones que aparecen en la película van mucho más allá. Se trata, simplemente, de grabar escenas de la vida cotidiana de Pinto que va mucho más allá del simple exhibicionismo.
El debut de Juan Barrero es una poderosa película que juega con diversos géneros para situarse en un lugar único. Con una protagonista que se muestra sin artificios y de manera frontal al espectador, La Jungla Interior se instala poco a poco en el espectador hasta conseguir mantener un magnetismo que desborda en el último tramo. Repleta de contradicciones Barrero consigue hablar de temas universales partiendo de su propia vida. Pervertir la intimidad para llegar a algo puro.
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El Futuro Luis López Carrasco
The Bling Ring Sofia Coppola
Les Salauds Claire Denis
Furiosa película política que toma imágenes de una supuesta fiesta el año de la victoria del PSOE para denunciar, al final, que todo lo que se vive ahora proviene de la indiferencia de todos a las cuestiones importantes. Observando la fiesta como un invitado al que nadie conoce, sin llegar a entender del todo los diálogos y con imágenes imperfectas, López Carrasco asombra pese a que su propuesta beba directamente del cine underground neoyorkino de los 70.
El reverso pijo de Spring Breakers, The Bling Ring es tal vez, la película más injustamente odiada de Sofia Coppola, una película frívola sobre adolescentes ricos frívolos, sí, pero también un divertidísimo ¿thriller? Obsesión por los famosos y numerosas selfies para subir a facebook... Coppola reaparece después de la decepcionante Somewhere para hablar, simplemente, de lo superficial en manos de un grupo de adolescentes que roban casas de famosos a los que idolatran. Genial.
La vuelta de Claire Denis es un oscuro y turbio thriller que sigue las particulares estructuras de Denis. Esbozo tras esbozo, las conexiones entre todos los personajes acaban uniéndose en un turbio final que envuelve toda la cinta en las pulsiones prohibidas de lo extremo. Con una atmósfera asfixiante, Denis promueve un juego en el que son la intuición y el atrevimiento del espectador los que otorgan el punto límite a la cinta. Un regreso más que notable de Denis.
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LISTAS CINE
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TOP CINE NO DISTRIBUIDO 2013
Ganadora de la sección paralela del festival de Cannes, la película de Michel Franco es un duro drama que sigue el estilo de Michael Haneke, al que directamente homenajea, sobre el bullying. Después de Lucía incomoda y hace reflexionar en todo momento. Para ello, Franco emplea todo tipo de recursos que dotan a la película de un aspecto más que realista. Las actuaciones, especialmente de su protagonista Tessa Ia, dotan a la película de una verosimilitud demasiado poderosa
que llega a afectar. La cámara de Franco opta por no dejar de grabar incluso en aquellos más violentos e incómodos. Podría criticarse que el director opta por tratar con excesiva frialdad los hechos que chocan al espectador, pero es esta forma la que consigue que un tema como el acoso, tantas veces tratado en el cine, se vea de una forma más seria y verídica. Después de Lucía no es una película fácil, pero, sin duda, es una película valiente e inteligente, al mismo tiempo que necesaria.
Io e Te Bernardo Bertolucci
Post Tenebras Lux Carlos Reygadas
Gimme the Loot Adam Leon
Después de Lucía Michel Franco
Bernardo Bertolucci se reinventa en una película aparentemente pequeña que sin embargo toca numerosas esquinas y puntos oscuros de la adolescencia actual y, en definitiva, el mundo en que vivimos. Lo hace a partir de una premisa que homenajea al Antoine Doinel de Truffaut y con tan solo dos personajes. Un claustrofóbico drama en el que el diálogo entre hermano y hermana va ofreciendo luz y aportando salidas para ambos, en una película absolutamente fresca.
Una personalísima visión de las consecuencias del narcotráfico y la violencia en México propone el siempre controvertido Carlos Reygadas. Huyendo de cualquier atisbo realista y utilizando la película para hablar de muchas otras, como la inocencia de los niños frente a la corrupción de la vida adulta. Post Tenebras Lux sorprende especialmente por el modo en el que filma las imágenes, imperfectas y pasadas por filtros que descomponen la luz en múltiples aristas. Apasionante.
Gimme the Loot es una comedia demasiado inesperada. La película de Adam Leon aborda con humor a dos perdedores con un propósito absurdo, como es realizar una pintada en un campo de beisbol. Pero para hacerlo necesitan sobornar a algunos y necesitan dinero. Toda una serie de infortunios acaban sucediéndoles. Ante el surrealismo de lo que cuenta la película no queda otra que la carcajada sonora y la sensación de final de estar ante una de esas comedias que no abundan.
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LISTAS CINE
The Canyons Paul Schrader
Crystal Fairy Sebastián Silva
Joven & Alocada Marialy Rivas
Una película sobre el fin del cine actual con un actor porno como actor protagonista y Lindsey Lohan como productora y actriz. Todo ello, con un fantástico guión firmado por Bret Easton Ellis. La película de Schrader es un thriller que tiene el ocaso del cine como elemento principal. Ya desde su comienzo, con imágenes de cines destruidos y abandonados, y con personajes sin quitar el ojo a las pantallas de sus teléfonos móviles mientras cenan en caros restaurantes.
Turbulenta road movie con un desquiciado Michael Cera y una espectacular Gaby Hoffmann que roba la película y se convierte en una actriz a seguir. Sebastián Silva juega con la barrera entre español e inglés así como de un personaje insoportable como el de Cera para ir tejiendo una comedia hilarante al mismo tiempo que absurda. La segunda película de Silva tras Magic Magic llega muy lejos en la mente del espectador. Una de esas películas que no se olvidan fácilmente.
Dentro de la ola de cine chileno, al igual que la comedia de Sebastián Silva, Joven & Alocada es un divertido y original retrato del descubrimiento de la sexualidad al mismo tiempo que una incursión en lo femenino que pocas veces se ve en el cine. Marialy Rivas sabe sacar partido al recurso de los blogs así como a multitud de imágenes que hacen que la película sea un artefacto pop al mismo tiempo que subyace una complejidad en los temas que se atreve a tratar Rivas.
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El Futuro Luis López Carrasco
The Dirties Matt Johnson
Ain't Them Bodies Saints David Lowery
Después de Afterschool, Antonio Campos expande su cine con una cinta ambientada en París en el que un turista intenta arreglarse de una ruptura. Para ello, acabará obsesionándose con una prostituta a la que intenta controlar y poseer. La película mantiene un tono lento y reposado mientras se desplaza lentamente y se establece en la mente del espectador. Hipnótica y esquizofrénica y con una banda sonora que incide en la psicosis mental en la que parece incidir.
Sorprendente visión de los asesinatos de institutos en una película que juega a hacerse pasar por documental encargado para una clase de artes en el que su propio director es el protagonista. Tocada con muchísimo humor y también experimentación acerca del propio modo de hacer una película, que queda registrada en todo el metraje. Un acercamiento original a un tema manido, ahí reside, precisamente, el gran atractivo de la película que consigue mantener la atención en todo momento.
Una pareja de delincuentes se ve forzada a separarse después de un robo que sale mal. Comienza entonces una larga separación en la que cada uno afronta la distancia forzosa de una forma diferente, él ansioso por verla a ella, y ella más centrada en su hija y en seguir adelante. David Lowery habla más de la frustración que de la delincuencia en este inteligente filme en el que se potencian elementos minimalistas más que la búsqueda de una película a lo Terrence Malick.
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CRÍTICA CINE
¿El largo camino a dónde? La Jaula de Oro Diego Quemada-Díez
ebut en la dirección de Diego Quemada-Díez, D que ha trabajado como asistente
y operador de cámara en numerosas películas y trabajado con gente de la talla de Ken Loach. Para este primer largo, el cineasta decide recorrer junto a un grupo de guatemaltecos la ruta de la inmigración latina a través de México y con el objetivo en el paraíso que representa para ellos Estados Unidos. Ese viaje hacia “la jaula de oro” que representa Estados Unidos, imposible de penetrar en ella y con una promesa de tener en su interior exactamente lo contrario de lo que se intuye en los primeros momentos de la película, la vida en Guatemala, entre vertederos y casas de lata. La película es una road movie, aunque realmente no hay carreteras, sino que los jovencísimos actores caminan por las vías del
tren, subiendo a los techos de los vagones y soportando las duras condiciones del viaje. Así, se potencian los paisajes que van atravesando a medida que avanzan entre dificultades diversas, abandonos y detenciones. Y es que uno de los valores de la película es contar, a partir de una ficción, la realidad de la inmigración hacía Estados Unidos, por el camino se encontrarán con la corrupción policial que asfixia México, las mafias que se dedican a la trata de mujeres, las organizaciones criminales que recurren al secuestro para sacar un poco de dinero y a la violencia más cruda e ignorante que pretende defender esa jaula que, finalmente, no esconde el oro, sino unas condiciones injustas y tareas similares a las que llevaban a cabo en Guatemala a un salario bajo y con no demasiadas op-
ciones de poder escapar de ello. La labor actoral, brillante y muy natural, debido a que se trata de actores no profesionales, es uno de los aciertos que hacen que la película se sienta tan fresca. El tono de La Jaula de Oro recuerda, directamente, a las películas de aventuras, solo que detrás tiene un trasfondo real que hace que el entretenimiento de la cinta quede en entredicho al tener en cuenta que lo que narra es algo que sucede cada día. En definitiva, una película dura y absorbente. La Jaula de Oro
Director: Diego Quemada-Díez Intérpretes: Brandon López, Rodolfo Domínguez, Karen Martínez Año: 2013
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CRÍTICA CINE
Like Father, Like Son Hirokazu Koreeda
Koreeda confundido
a nueva película de Koreeda sigue con los niños L como protagonistas de la histo-
ria, pero esta vez se empeña en hacer una crítica social del tipo pobres contra ricos, adaptándolo a lo que es mejor para los niños. Se parte de una familia con mucho dinero que puede ofrecer todo lo mejor para su hijo, pero que no tienen tiempo que dedicarle, La figura paterna no existe. Frente a esta visión, se muestra la versión contraria, con unos padres mucho más dedicados pese a que vivan en un sitio que no “parece un hotel”. La historia parte de un hecho inicial totalmente exagerado y extremo: la confusión en un
hospital que hizo que los hijos de dos familias se intercambiaran, algo que se conoce a los seis años de convivencia. Comienza un proceso entonces de intercambio de los hijos. Aquí viene otra de las críticas de la película, el padre de la familia rica quiere quedarse con ambos niños, tanto el que ha criado como su hijo de sangre. Una codicia que acabará teniendo la consecuencia contraria. Koreeda se pregunta quién es el verdadero padre, el que los ha criado o su padre biológico, algo sobre lo que siempre se mantiene la duda. Las diferencias entre ambas familias están completamente definidas, tanto en el entorno,
como en la frialdad o mayor cercanía que ofrecen los padres. No se trata de una propuesta sutil en ningún caso, lo que supone un punto negativo. La película tiene una consistencia especial, eso es indudable, pero en comparación con la magia de su anterior filme, Kiseki, por poner simplemente un ejemplo, el filme carece de la fuerza mostrada por el director anteriormente. Like Father, Like Son
Director: Hirokazu Koreeda Intérpretes: Masaharu Fukuyama, Machiko Ono Año: 2013
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CRÍTICA CINE
Reflexiones en torno al porno Don Jon Joseph Gordon-Levitt
l debut en la dirección de Joseph Gordon-Levitt es E una película aparentemente
sencilla, que busca el entretenimiento y un público adolescente. Pero solo aparentemente, ya que a medida que la película avanza, el tono se va haciendo más complejo, o tal vez confuso, emitiendo finalmente un mensaje final cruzado. Pero ¿de qué trata Don Jon? Jon, interpretado por el propio Gordon-Levitt, es un chulo de gimnasio, un cani engominado que parece salido de Jershey Shore. Su “problema” es que está obsesionado con la pornografía y no pasa un día sin que recurra a ella, ya que le parece más placentero que el sexo real, que consigue cada fin de semana con solo lanzar una semana. Todo cambia cuando
conoce al personaje interpretado por Scarlett Johansson que, como no, interpreta a una choni hortera que masca chicle constantemente y busca un hombre a su medida. El conflicto aparece cuando ella descubre la pasión oculta de su chico y le exige que deje de recurrir a los videos. Ante todo, Don Jon habla de cómo una obsesión, en este caso ridícula, crea una estructura mental que obnubila y bloquea sobre el resto de cosas. Una obsesión no deja de ser una visión sesgada de la realidad. Gordon-Levitt recurre a la comedia ligera para su película, que funciona caricaturizando a la propia familia, el personaje y sus gritos en el coche, o la propia choni y el concepto de “belleza ideal”. En cuanto a los
recursos que utiliza, el encendido de la pantalla, las imágenes extraídas de video pornográficos, la iglesia, vidrieras y la confesión semanal... es una repetición que separa la película en capítulos pero que, al mismo tiempo, crea un loop que choca con la película en sí. Sin embargo, la película de Gordon-Levitt no llega a sorprender por completo. Tiene aciertos, pero no alcanza a estudiar al personaje de forma completa. Don Jon
Director: Joseph Gordon-Levitt Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Julianne Moore, Scarlett Johansson Año: 2013
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CRÍTICA MÚSICA
Burial, un paso más allá
asta hace muy poco tiempo, se desconocía la H identidad de Burial, envuelto
en un halo de anonimato que a principios de año terminaba mediante un texto de agradecimiento en la web de su sello, Hyperdub, así como una fotografía nítida de su rostro. Se ponía fin a un largo periodo de rumores que lo identificaban con su colaborador Kieran Hebden, Four Tet, pese a que el estilo de ambos está alejado en sus trabajos en solitario.
dubstep o future garage, distintos nombres para denominar a la evolución lógica del dubstep británico que bebía del garage de los noventa y que floreció durante la década pasada y aún permanece intacto en ciertos círculos. Era ese primer debut en largo, el trabajo más oscuro y denso de cuantos ha firmado. Es, al mismo tiempo, el más unido a ese sonido que acabó pervirtiendo y llevando a otros terrenos. Sirve para ejemplificar la trayectoria de desmarcación
Un icono musical que parte de la perversión del dubstep para llegar mucho más lejos
No hace falta presentar a Burial, pero sus producciones, principalmente desde su álbum debut en 2006, aunque, sobre todo, a partir de Untrue en 2007, han sentado las bases del post-
de la línea férrea que defiende el dubstep. Resulta una buena puerta para acceder al universo de Burial si se conoce el género del que parte, pero no es un álbum accesible. Aunque es el
trabajo menos identificativo del productor, es un disco de indudable interés por esa perversión sutil que hace del material del que parte. No sería hasta el siguiente largo, Untrue, cuando irrumpió con uno de esos álbumes que marcan e instauran un nuevo orden. Es a partir de Untrue cuando ese subgénero o calificación de la que hablábamos antes, el post-dubstep, ha surgido. Siguiendo los postulados de ese trabajo, han aparecido multitud de imitadores sin alma así como interesantes proyectos que parten de los mismos elementos para caminar hacia otros caminos. Por ejemplo, el primer James Blake o Holy Other, desde el pop al ambient. Dos ejemplos radicales que sirven para definir lo que se esconde tras la superficie aparentemente congelada de Untrue. Pocos restos quedan del dubstep más allá de los ritmos
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CRÍTICA MÚSICA
secos y cortantes. Más llamativos son las nebulosas ambientales y las voces filtradas de canciones irreconocibles. Es un disco aún hoy impactante y al que el productor no se ha atrevido a poner una continuación en formato largo. Sí lo ha hecho en una serie de EPs que extienden el planteamiento de Untrue. Por un lado, ofreciendo cambios que no pasan desapercibidos, pero también de una cierta manera continuista con los postulados de Untrue, hasta llegar a Rival Dealer, último EP en el que ya se ha atrevido a ofrecer otro lugar. Los EPs, Street Halo, Kindred y Truant / Rough Sleeper, marcaban un cambio principal: la extensión de los temas. En efecto, desde los seis o siete minutos de las canciones de Street Halo, hasta los más de diez de Truant y Rough Sleeper, hay un proceso por extender las canciones, como si Burial quisiera reclamar un lugar en auténticos clubs, más allá de la pista de baile que se crea en la habitación del oyente. Sin embargo, no puede ser esa la intención ya que el tono melancólico y en general intimista de su música huye radicalmente de la escu-
cha colectiva. De hecho, en el festival Primavera Sound de 2011, el jefe de Hyperdub pinchó algunas de las canciones de Burial y algo parecía no funcionar. La huida del directo tiene sen-
tido y es que Burial hace una música que se transmite casi de individuo a individuo. Además de todas estas colecciones de canciones, sus trabajos con Four Tet han supuesto una revolución, esta vez sí, más enfocada a la pista de baile. En uno de los EPs contaron con la colaboración de Thom Yorke, aunque se trata de algo más anecdótico que una parte importante de las dos canciones “Ego” y “Mirror”. Las producciones que firmaron juntos resumen lo mejor cada uno, complementándose y alcanzando una consistencia inaudita en este tipo de colaboraciones. Unos cinco cortes que son un fenómeno en sí mismo. Sin duda, un álbum largo entre ambos supondría una cumbre y una nueva marca en la carrera de ambos. Además de otra serie de rarezas y EPs previos, la impoluta discografía de Burial gira en torno a los hallazgos de Untrue. Hasta la llegada por sorpresa de Rival Dealer. El caso de este último EP, con una duración que alcanza la media hora y formado por tres cortes que tienen a su vez diversas secciones que de estar separadas entre sí, po-
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CRÍTICA MÚSICA
dríamos estar hablando de un álbum. ¡Y vaya álbum! Y es que, independientemente del formato, Rival Dealer es una renovación radical de la esencia de Burial, cambiando el foco y avanzando hacia un terreno
“Hiders” y, por último, dentro de esa obra maestra que es en sí misma “Come Down To Us”, el consuelo de la canción definitiva de Burial, un complejo y sorprendente impacto que perdura.
Rival Dealer abre nuevos caminos en el imaginario sonoro del productor
que recicla melodías aparentemente ajenas al propio concepto del productor para darles otro significado mucho más apropiado.
Sin duda, Rival Dealer es un EP que abre nuevas puertas y actualiza los hallazgos musicales del productor. No se trata de una ruptura por completo, ya
“Come Down To Us” impresiona por sus hallazgos, únicos dentro de su discografía
Tan solo tres cortes para pasar por los lugares más agresivos de la música de Burial en el tema titular, también por la calma y emotividad efectiva en
que muchos de los sonidos, incluso fragmentos vocales, han aparecido previamente en el imaginario de Burial, pero si ofrece un cambio a lo que exis-
tía previamente, hasta ser algo distinto, inesperado y que aumenta las expectativas ante lo próximo que llegue del productor. Uno de los cambios principales es que las voces están mucho más claras que en otros álbumes, siguen estando tratadas, pero esta vez no son meros murmullos angelicales, sino que se llegan a entender y, lo verdaderamente interesante es que forman parte de una narración evidente. Reivindicación de la individualidad y un apoyo a la búsqueda de la propia identidad. El discurso que promueve Rival Dealer camina entre el consuelo y la autoayuda, como el tan criticado y comentado discurso final de “Come Down To Us”. Algo que puede sonar en frío como desfasado, en sintonía con la música adquiere una dimensión en absoluto superficial. Rival Dealer es un EP que deslumbra e impresiona. Aún podemos esperar grandes cosas del genial productor.
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OTRA MÚSICA
Wed 21 Juana Molina
Juana Molina regresa con un álbum magnético y profundamente certero. Tras su anterior álbum, ofrece una nueva muestra de canción experimental apoyada en su magnética voz para dar forma a once canciones de estructuras moldeadas de una forma caprichosa. El single de adelanto, “Eras”, sirve como perfecto gancho para adentrarse en un disco calmado que guarda pasajes profundos desde letras directas y compactas, frases lapidarias como las de “Lo Decidí Yo”, otra de las
canciones perfectas que acoge el disco de la cantautora experimental argentina. La paleta de sonidos y ritmos no se frena para sorprender en las más enrevesadas “Ay, No Se Ofenda” o “Bicho Auto”, siempre en una experimentación con la voz, susurrante o repetida en forma de loops. El uso de la guitarra acústica le da cercanía a una propuesta que podría perder fuerza con el extrañamiento que genera en ciertos momentos. El toque orgánico permite, precisamente,
acercar al oyente y darle elementos suficientes a los que aferrarse. Y es que, ante todo, Wed 21 se mece suavemente y sorprende constantemente, para prueba canciones con una magia especial como “La Rata”, “Sin Guía, No” o “Ferocísimo”, de entre la gran calidad general. El disco destaca por la coherencia que mantiene durante toda su duración, algo que no llegaba a suceder en el disco anterior de Molina, lo que disminuía el impacto general que provocan sus canciones.
True Romance Charli XCX
Meta y Dinero Los Blenders
Rarities... Teen Suicide
Coronada por la pegajosa “You (Ha Ha Ha)”, que revive la mejor canción de Gold Panda, “You”, para hacer de ella un himno a partir de una letra clara que combina perfectamente con la voz de Charli XCX. Pero el resto del álbum no mantiene el nivel de ese single, sino que se limita a caminar entre un electropop aceptable y ligero, con algunos temas que destacan y otros que lo hacen negativamente. En definitiva, True Romance tiene sus momentos pese a que no brilla.
EP infeccioso de garage destartalado. Un grupo mexicano con letras de surf, coches y chicas. Los Blenders destacan por un sonido sucio, unas voces directas y por un ritmo pegajoso entre coros lejanos y completos. Todo un descubrimiento en el que destacan canciones como “Surf de amor” o la titular “Meta y dinero” con un tono que, salvando la distancia transoceánica, puede recordar al grupo madrileño Los Claveles. Un EP básico y ciertamente aplaudible.
Editado al principio de 2013, este recopilatorio suponía el cese definitivo del proyecto Teen Suicide, que flirteaba con distintos géneros siempre apegado a un poderoso y sugerente entorno lo-fi. El recopilatorio es una perfecta forma de acercarse a estos esbozos a veces imperfectos y otras como en “I Am My Own Hell”, “Dead Cat” o “Haunt Me (x 3)”, auténticas joyas minúsculas. Una trayectoria de dos años en la que su principal mente es Ricky Eat Acid.
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OTRA MÚSICA
Fade Away Best Coast
Obsidian Baths
Boy Crush / Starry Cat
Nuevo EP de Best Coast tras el mal recibido segundo álbum, menos sucio y sin esa magia que dominaba el disco debut del dúo. Aunque no llegan a los niveles de suciedad que alumbraban aquel trabajo, las siete canciones de este nuevo EP si parecen reavivar la llama de lo que habían hecho antes. Como siempre, canciones sencillas y directas sobre echar de menos lo que no se puede volver a tener. Parece que existe algo de esperanza para el proyecto, esperemos próximos pasos.
Segundo trabajo de Will Wiesenfeld en el que mejora claramente lo que expuso en el debut con un sonido con mucho más empaque y canciones que, siguiendo las estructuras tan particulares y esquivas del debut, convence mucho más. En los directos de Baths, sin embargo, las posibles diferencias entre ambos discos desaparecen y las canciones fluyen creando un estado mental que transita entre la histeria y un estado pseudo depresivo potenciado en Obsidian.
EP en común entre los grupos Starry Cat y Boy Crush. Si bien las canciones de Starry Cat no suponen una revelación ni una sorpresa, los temas de Boy Crush si que llegan más lejos a partir de una revisión de elementos de sobra conocidos pero con una delicadeza e inocencia que convence. “Candy” o, sobre todo “Crystal”, en la que recuerdan directamente a los The Cure más suaves, son canciones que ya sirven para justificar la escucha de este interesante EP compartido.
Ilp. Kwes.
Reflektor Arcade Fire El debut en largo de Kwes., este productor británico que se mueve entre terrenos postdubstep especialmente calmados, resulta especialmente decepcionante después de haber entregado el año pasado el fantástico EP Meantime. De aquellos ritmos mezclados con su melancólica voz poco queda, salvo una reconstrucción de su canción estrella “Bashful”— ahora “B_shf_l”, menos directa—. Un camino equivocado que opta por frenar las pulsaciones y llegar a nada.
La vuelta de Arcade Fire no puede ser más sorprendente. Después de hundirse en aguas comerciales con el flojo álbum doble The Suburbs, ahora regresan de nuevo con otro disco doble, pero en unas coordenadas completamente distintas. Sin dejar el espíritu mainstream que han alimentado prácticamente desde el éxito de su debut, se han atrevido a dar un giro en todos los sentidos a su música, optando por una mezcla arty que, aunque no abandona la sensación final crowd
pleaser, si supone un choque directo con el material previo que habían entregado. La culpa de todo ello, la tiene uno de los productores del disco, James Murphy, que consigue que el grupo suene en ocasiones como lo harían los ya desaparecidos LCD Soundystem. Hay que reconocer que el resultado de Reflektor es el de un disco excitante por momentos, lleno de esa épica que tanto gusta al grupo canadiense y que sus seguidores agradecen.
TOP MÚSICA 2013 TOP MÚSICA 2013 Monomania Deerhunter
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LISTAS MÚSICA
Rival Dealer Burial
En los últimos días del año, tres canciones a lo largo de media hora, consiguieron dar un mazazo a la propia tradición sonora de Burial. Rival Dealer es un contundente paso adelante justo cuando sus hallazgos empezaban a verse superados o estancados en una zona de confort que, pese a que contentaba a todos los seguidores, no dejaba de ser lo esperado por todos. Estas tres canciones y, sobre todo, “Come Down To Us”, sitúan al influyente productor en un escenario comple-
tamente distinto, en el que la frialdad y la soledad autoimpuesta gira hacía terrenos sonoros que, aunque mantienen ciertos toques auténticos de Burial, resultaban impensables antes de darle al play. El EP es, sin duda, lo más atrevido que ha publicado desde Untrue. Además, abre nuevos y excitantes caminos para una propuesta de la que empezaban a verse señales de agotamiento. En definitiva, Rival Dealer es un personalísimo viaje del que se sale claramente distinto.
Modern Vampires of the City
Trouble Will Find Me The National
Vampire Weekend
Bradford Cox y compañía continúan su imparable maquinaria de hacer grandes canciones con un disco que consigue superar el altísimo listón que habían dejado con Halcyon Digest. Con un trabajo mucho más sucio y desequilibrado en cuanto a su producción, Deerhunter ser atrevían a imaginarse a ellos mismos en otra época y entregan un disco libre, imaginativo que propone una obsesiva revisión al rock, por supuesto, huyendo de todo “Revival” y trucos baratos.
¿Tercer disco y tercer disco fundamental del año? Eso han conseguido Vampire Weekend con un disco algo más serio que los dos anteriores y más meditado también en donde la sensibilidad pop sigue intacta y las melodías memorables que entrega el grupo también está más que presente junto con la búsqueda de nuevos sonidos y una producción compleja e impoluta. En definitiva, pop perfecto para consolidar por completo la trayectoria imparable de Vampire Weekend.
Injustamente recibido, Trouble Will Find Me sigue mostrando a una banda en estado de gracia. The National depuran su cuidada mezcla de elementos y las letras inteligentes de Matt Berninger y su poderosa voz. Un impecable álbum que no tiene nada que envidiar a los anteriores, repleto de grandes canciones como la espectacular “Pink Rabbits”, uno de los mejores temas del año. Después de haber alcanzado unas cotas altísimas en High Violet, vuelven a superarse a ellos mismos.
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LISTAS MÚSICA
Engravings Forest Swords
Cold Spring Fault Less Youth
Mount Kimbie
Body Music AlunaGeorge
Matthew Barnes vuelve a hacer música después de Dagger Paths, el deslumbrante EP que sacudió los oídos de quien se atrevió a escucharlo. En Engravings reafirma su inclasificable música y continúa buscando caminos. Casi como un lenguaje nuevo, el oyente se enfrenta a una experimentación original y poderosa que genera conexiones naturales y piezas que funcionan de manera brillante en quien lo escucha. “Friend, You Will Never Learn” es una de las canciones clave del año.
Aventajados en lo que se denominó post-dubstep, ya completamente olvidado, el segundo trabajo de Mount Kimbie les sitúa en un ámbito en el que no tienen rival. Una electrónica cuidada y que incluso se sitúa cerca de los sonidos orgánicos. Dejan de lado los samples para emplear la voz, así como colaboran con King Krule. Un disco ambicioso y efectivo. Sin abandonar el tono intimista que les caracteriza en un álbum que no deja de expandirse a medida que se escucha.
Lo venían avisando. Desde que Tri Angle publicara el EP You Know You Like It, AlunaGeorge han ido caldeando el ambiente para su debut en el larga duración, para el que incluso rescataban hits que tenían años. Body Music es un trabajo muy pensado y eso se nota. Su mezcla entre los sonidos más novedosos de la electrónica británica y la voz de Aluna, que podría sonar perfectamente en cualquier videoclip de MTV. La mezcla perfecta en un disco bailable y redondo.
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The Bones of What You Believe
Wed 21 Juana Molina
Mosquito Yeah Yeah Yeahs
Chvrches
¿El gran descubrimiento del año? Sus referentes no son desconocidos, ni tampoco lejanos en el tiempo, pero The Bones of What You Believe es uno de esos álbumes compuesto por canciones redondas. Electropop bailable junto con una producción impecable y, sobre todo, grandes canciones y melodías. Todos los ingredientes para hacer que Chvrches sea el descubrimiento del año.
Reseñado en este número, Wed 21, el retorno de la enigmática Juana Molina, es un trabajo muy pop al mismo tiempo particularmente experimental. Los temas, creados a partir de loops vocales y de extraños sonidos, no dejan de lado el concepto de canción. Apoyada en la guitarra acústica, Molina completa un trabajo muy sólido y coherente, el mejor trabajo de pop avanzado del año.
El grupo liderado por Karen O desconoce que es un disco malo. Mosquito, el cuarto trabajo del grupo, ha pasado injustamente desapercibido. Las canciones que lo componen retoman la versión de YYY’s más incendiada. A pesar de su espantosa portada, canciones como “Despair” o “Wedding Song” están a la altura de los grandes himnos que tienen, y eso es decir mucho.
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LISTAS MÚSICA
Move In Spectrums Au Revoir Simone
Infectados Axolotes Mexicanos
Victoria Mística
Triángulo de Amor Bizarro
Después de una larga temporada de descanso, Au Revoir Simone regresaron con un trabajo mucho más profesional y que incluso se atrevía a buscar los ritmos más bailables de su propuesta de pop delicado y sintético. Move In Spectrums mostraba una faceta especialmente electrónica que sorprendía con respecto a su trayectoria anterior. Au Revoir Simone dejaron claro que no tienen ninguna intención de anquilosarse en el pasado y que aún tienen mucho por decir.
De la mano del sello Elefant, este joven trío ha publicado uno de los EPs más divertidos y frescos del pop nacional en los últimos años. Injustamente comparados con los anodinos Papa Topo, Axolotes Mexicanos van mucho más allá a partir de unas letras “infecciosas” y una música que redefine el concepto de pegajo. Su canción “Pandachila” es, sin duda, uno de los temas pop más sorprendentes del año. Altas expectativas por los futuros pasos que pueda dar el grupo.
Tercer disco, tercer puñetazo. Si en Año Santo se lanzaban a un territorio mucho más ruidoso, teniendo muy cerca a grupos como Health, en Victoria Mística permanecen en el noise pero caminando hacia un camino más pop. Por fin Isa se atreve a cantar en más canciones, lo que se traduce en estribillos más coreables. Triángulo de Amor Bizarro no pierden las coordenadas noventeras desde las que parten y que, incluso, aparecen potenciadas en este trabajo, más accesible pero con mucha garra.
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The Next Day David Bowie
Meta y Dinero Los Blenders
Reflektor Arcade Fire
De todos los regresos inesperados que ha tenido 2013, ya saben, The Knife, My Bloody Valentine, Boards of Canada, el de Bowie ha sido, sin duda, el más sólido gracias a un disco más que notable. Diez años sin canciones nuevas, pero el genio ha retornado con fuerza y con muy buenas canciones que entregar. Una revisión de su mejor época que merece todo el reconocimiento.
Brevemente reseñado en este número, garage con acento mexicano y un tono mucho más sucio que el pop al que parecen dirigirse en los colores de la portada. Los Blenders defienden en este Meta y Dinero tres canciones pegajosas y destartaladas. Sus canciones invitan a volver a darle al play, generando una situación de hipnosis en el que la opción de darle a stop es imposible.
Brevemente reseñado en este mismo número, Reflektor es una agitada combinación de influencias sorprendentes en un grupo que había resbalado por el éxito. Un giro inesperado del que saben salir airosos mediante la entrega de esas canciones redondas como “Reflektor” o “Afterlife”, eso sí, siguen pegados a la epicidad que les caracteriza y que a veces se convierte en un lastre.
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LISTAS MÚSICA
Fuera de Campo Dënver
Loud City Song Julia Holter
Dream River Bill Callahan
Lejos ya de la adolescencia, Dënver demostraban que se puede seguir haciendo pop a partir de melodías suaves y guitarras bien encuadradas. Fuera de Campo es mucho mejor que el disco que les dio a conocer y una auténtica máquina de hacer bailar al mismo tiempo que ofrece sonidos más reposados.
A veces, como demuestra Loud City Song, la falta de medios no es un elemento que aporte interés, sino una limitación clarísima para un artista. Así le ha sucedido a Julia Holter que tras dos álbumes menores, con Loud City Song y una producción mucho más ambiciosa, deslumbra con melodías de otra época.
Bill Callahan es imposible que entregue un mal disco. Dream River es mucho más sutil que su predecesor, el misterioso Apocalypse, y devuelve a un Callahan mucho más reposado. Su voz sigue siendo una joya sobre la que reposar los oídos y los arreglos de este álbum están a la altura.
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Zonoscope Cut Copy
Oceans With No Name Cold Cave
Trust Gold Panda
Tras el menor Zonoscope, donde Cut Copy enfilaron un camino mucho más electrónico, Free Your Mind es un fantástico trabajo repleto de canciones con potencia suficiente para igualar aquellas joyas de In Ghost Colours. Más conscientes de sí mismos y también más inspirados, aún tienen que hacernos bailar.
A la espera del tercer disco de Cold Cave, que llegará en 2014, Wesley Eisold publicó algunos singles tan impactantes y necesarios como este Oceans With No End, oscuridad y electricidad para dos canciones que recuperan el interés algo disminuido tras el mal recibimiento de Cherish the Light Years.
Este año Gold Panda regresaba tras un tiempo de silencio y, pese a que el disco largo no alcanzó a mostrar el interés de su debut, antes nos llegaba un adelanto mucho más libre e interesante, probablemente por tratarse de un corta duración, lo que le permitió sonar mucho más libre en estas canciones.
Fade Yo La Tengo
De Palmas y Cacería Pony Bravo
The Suicide of Western Culture
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Hope Only Brings Pain
En un estado de gracia, Yo La Tengo siguen demostrando su buen hacer esta vez con un nuevo trabajo que aglutina la madurez del trío, lo que no quiere decir que Ira y compañía suenen viejos. Preciosas canciones, electricidad y un nuevo disco más para enmarcar.
Divertido e imaginativo, el tercer disco de Pony Bravo los consolida como una de las bandas que, sin ocultar sus referentes, han conseguido alcanzar una personalidad propia y totalmente identificable. Risas amargas o críticas al estado de las cosas desde el humor.
El segundo disco de este interesante proyecto electrónico deja de lado los problemas derivados del sonido amateur de su primer disco, para entregar el disco que les tocaba hacer a Fuck Buttons este año y no pudieron. Grandes melodías y auténticos himnos.
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doscerounotres