doscerounotres noviembre
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doscerounotres - noviembre
sumario
Simbolismo y arrojo 4 La Jungla Interior de Juan Barrero
O Que Arde Cura 20 De João Rui Guerra da Mata
Cómo explotar (bien) un acontecimiento real 6 La Bataille de Solférino de Justine Triet
Mahjong 20 De João Pedro Rodrigues & João Rui Guerra da Mata
La decadencia llegó antes 5 El Futuro de Luis López Carrasco
Un disparate muy posible 7 La fille du 14 juillet de Antonin Peretjatko Una mirada oscura 8 Salvo de Fabio Grassadonia y Antonio Piazza
La amistad contra la tradición 9 In Bloom de Nana Ekvtimishvili y Simon Groß
Exhibir lo inusual 10 Stop the Pounding Heart de Roberto Minervini Ese vestido... 11 Soldate Jeannette de Daniel Hoesl De nuevo, el paisaje gallego 12 Costa da Morte de Lois Patiño Don’t make fun of Anna Odell 13 The Reunion de Anna Odell
Ni amor, ni radiación 14 Grand Central de Rebecca Zlotowski ¿Y si los cuadros de Hopper hablaran? 15 Shirley: Visions of Reality de Gustav Deutsch Ya has visto esto antes 16 Nordvest de Michael Noer La educación, otra vez 17 Class Enemy de Rok Biček
Caminar por caminar 18 Los Chicos del Puerto de Alberto Morais Experimentalismo para justificar el vacío 19 O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser de Alberto Gracia
O Corpo de Afonso 20 De João Pedro Rodrigues
La vida en la pantalla 21 E Agora? Lembra Me de Joaquim Pinto El turbio regreso de James Gray 22 The Immigrant de James Gray
Original estudio del funcionamiento del amor 23 L'Inconnu du Lac de Alain Guiraudie
Placeres y farsantes en torno a Roma 24 La Grande Bellezza de Paolo Sorrentino Pulsiones prohibidas 25 Les Salauds de Claire Denis
Más que simple parloteo 26 Jimmy P. de Arnaud Desplechin Confrontación e incógnita 27 Stray Dogs de Tsai Ming-liang
El punk sí está muerto 28 We Are the Best! de Lukas Moodysson
Etnia y denuncia 29 An Episode in the Life of an Iron Picker de Danis Tanović La gran comedia americana 30 Tres Bodas de Más de Javier Ruiz Caldera
Otro tostón medieval 31 Michael Kohlhaas de Arnaud Des Pallières Cómo salir airoso de un tema manido 33 Miele de Valeria Golino Listas 34 Puntuación de las películas
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doscerounotres
noviembre
Dejamos en este número especial la música y nos centramos en el cine con un profundo repaso a las películas que formaron parte de la décima edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Concretamente, de su amplia y variada programación, nos centramos aquí en la sección Las Nuevas Olas. Un total de dieciséis películas de muy diversos estilos y tonos. En la sección brillaron con fuerza propia dos filmes nacionales, La Jungla Interior de Juan Barrero, que se alzó con el premio a la mejor película de la sección, y El Futuro de Luis López Carrasco, un acertado repaso al pasado reciente de España. Dos películas españolas fueron también lo peor de la sección, Los Chicos del Puerto de Alberto Morais y O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser de Alberto Gracia. Entre medias, acertados intentos de contar buenas historias y algunas películas que merecían estar en otras secciones. Hay que decir que el carácter experimental e innovador que tiene la sección no se justificaba en todas las películas, existiendo algunos filmes que por su convencionalidad y falta de riesgo merecían un lugar menos destacado. La ración de cine francés que apareció en la sección, La Bataille de Solférino de Justine Triet y La fille du 14 juillet de Antonin Peretjatko pusieron el acento humorístico y consiguieron conectar con el público, dos piezas especiales dentro de una sección que jugó su papel de secundaria frente a la oficial. Dentro de la Sección Oficial no hubo tiempo suficiente para disfrutar de todas las películas programadas, pero sí para echar un amplio vistazo a cine europeo y no europeo como Stray Dogs de Tsai Ming-liang, una interesante visión de la alienación y The Immigrant, la mejor película vista en todo el festival y una contundente vuelta de James Gray. La sección se caracterizó por películas contundentes y excelentes como La Grande Bellezza de Paolo Sorrentino, Les Salauds de Claire Denis o L’Inconnu du Lac de Alain Guiraudie, vencedora del certamen que cuenta, entre desnudos frontales, una historia de amor en un sórdido escenario de la vida gay. Algunos espectadores la tacharon de alimentar el estereotipo gay, pero el debate es otro, cuando Guiraudie se dedica únicamente a filmar una realidad y estudiarla incorporando en ella una parte de miedo y otra de humor.
La Jungla Interior de Juan Barrero, en portada
Del resto de secciones, pudimos acercarnos a E Agora? Lembra Me de Joaquim Pinto que expone su enfermedad pero habla de otras muchas cosas, en una película valiente y enorme. También de Portugal, país homenajeado en esta edición, João Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata presentaron algunos de los cortos que han realizado. Al margen de su gran A Última Vez Que Vi Macau, película que formó parte de Las Nuevas Olas en la edición anterior del festival, han estado ocupados con la negrísima Mahjong, siguiendo el estilo del largo, una pieza menor. Por su parte, Rodrigues mostró O Corpo de Afonso, un mediometraje muy divertido al mismo tiempo que insustancial. Sin embargo, Guerra de Mata sorprendía con O Que Arde Cura, un cortometraje que se inspira en La Voz Humana de Jean Cocteau, sin duda, se trata de una obra impactante y muy inteligente, que no debería pasar desapercibida. Por último, en la sección EFA se pudo ver Miele de Valeria Golino, una interesante aunque algo coja historia sobre la eutanasia.
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ESPECIAL SEFF’13
La Jungla Interior Juan Barrero
Simbolismo y arrojo oderosa, sugerente y, sobre todo, valiente es La Jungla P Interior, dirigida por Juan Ba-
rrero y producida por Luis Miñarro, película ganadora de la sección Las Nuevas Olas del festival. Exactamente como la jungla que aparece en el título, podríamos clasificar la película, repleta de diferentes capas pese a que aparentemente sea, simplemente, la historia de una pareja salvada por una hija indeseada por Juan y deseada por Gala, parte fundamental del filme. Empleando la primera persona, siempre se tiene la duda hasta qué punto lo que se ve es ficción y cuando lo que se muestra en la pantalla es la propia vida de sus protagonistas. La cámara no deja de filmar ni siquiera en los momentos más íntimos, como el parto del bebé, o el cuerpo nada estilizado de Gala embarazada, sino que se muestra tal y como es, sin arti-
ficios. Esto no quiere decir que la película sea una cinta realista, algo de lo que huye desde su propio inicio, cuando una voz en otro idioma narra el viaje de Juan al trabajar haciendo documentales. Un punto de partida que toma la naturaleza como
es, precisamente, un proceso de destape personal más que un interés por chocar. A partir de estos elementos íntimos, Barrero construye una ficción que toca muchos temas. Entre ellos, el vistazo atrás con la historia de la tía, cargada de tristeza y
Barrero y Pérez muestran su vida huyendo de artificios y creando una obra magnética
elemento icónico que reaparece a lo largo de la película, por ejemplo, en la escena de la fecundación, cargada de simbolismo al mismo tiempo que envuelta en un traje —literal— de fascinación y originalidad. La Jungla Interior va mucho más allá de lo que algunos podrían tachar como provocación, al mostrar una masturbación o, como hemos dicho antes, el cuerpo desnudo de Gala, pero
fuerza. Barrero graba con sutileza y de una forma acertada, aunque algunas respuestas a esos conflictos puedan ponerse en duda. Una gran película. La Jungla Interior
Director: Juan Barrero Intérpretes: Juan Barrero, Gala Pérez Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
El Futuro Luis López Carrasco
La decadencia llegó antes
El Futuro o el pasado? La ópera prima de Luis López ¿ Carrasco es un pensado arte-
facto ubicado en pleno fin de la Transición para hablar, sin embargo, del ahora. Grabada en 16 milímetros, nos introduce, junto con sus imperfecciones, en una fiesta del Madrid de la movida, concretamente en el año 1982, después de que Felipe González haya ganado las elecciones. Entre modernos de la época y alcohol, el espectador
pero también de todo tipo de cuestiones superficiales. Lo interesante de la película es que es abiertamente política. El final, que nos traslada a la actualidad mediante planos fijos de edificios —desde los más antiguos a otros actuales—, en los que se cuela la situación actual, con esos carteles inmobiliarios, deja claro que todo viene de esa desconexión que se produjo en la Transición. Todo terminó demasiado rápido, los protagonis-
López Carrasco ofrece una película política que mira al pasado para hablar del ahora
se sitúa como un invitado que no conoce a nadie y que, en lugar de establecer una conversación, se dedica a observar e intentar captar algunos detalles de las paridas que el resto comenta, siempre que la música deja oír. Así, se habla de política
tas de la película, en lugar de preocuparse, estaban de fiesta, exactamente como ahora continuamos, solo que ahora ya no queda nada que hacer, tan solo sufrir la resaca de aquellos días. El director utiliza distintos recursos que emparentan la pelí-
cula con el underground neoyorkino y directores como Paul Morrissey o Andy Warhol. Los saltos en el sonido y la imagen, la potencia de las imperfecciones, los planos quemados, o la música que no mantiene un nivel constante, sino que aparece y desaparece según el momento, exactamente igual que una fiesta, hacen de El Futuro una propuesta arriesgada, más para experimentarla y reflexionar acerca de lo que cuenta que para buscarle una narración lógica. Exactamente, las imágenes que se consiguen recuerdan a películas también muy sensoriales como Flesh o Leviathan, una grandísima y oportuna película. El Futuro
Director: Luis López Carrasco Intérpretes: Lucía Alonso, Rafael Ayuso, Marta Bassols Año: 2013 Las Nuevas Olas
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CRÍTICA CINE
La Bataille De Solférino Justine Triet
Cómo explotar (bien) un acontecimiento real
ituada en la cercanía del modo de hacer, natural y S sin artificios, que proponía Va-
lérie Donzelli, Justine Triet propone un interesante drama en torno a la custodia sobre los hijos de unos padres separados.
los hechos en una concurrida calle donde los seguidores de Hollande acuden a celebrar la victoria electoral. A partir de estos elementos, consigue extraer elementos cómicos, puesto que durante una
Mucho más que una comedia de enredo y que un drama familiar
Hasta aquí, es una premisa normal e incluso vista antes en otras películas. Sin embargo, la directora optar por grabar la película el día de las elecciones ganadas por Hollande, de hecho, la protagonista es una reportera que tiene que cubrir
gran parte del filme se busca la comedia. Se parte de una aparente sencillez, una escena doméstica convencional, para ir avanzando en cuanto a complicaciones como aprovechar los manifestantes, o incluso disturbios sucedidos ese mismo día,
como parte fundamental de la película. Una apuesta que podría haber tenido resultados negativos, ya que un factor imprevisto podría destrozar todo lo armado. Desde luego, la película convence gracias a la naturalidad de todas sus actuaciones y al desarrollo sin artificios de la cinta, hacen que La Bataille de Solférino sea un drama valiente y una comedia incómoda. La Bataille de Solférino
Director: Justine Triet Intérpretes: Laetitia Dosch, Vincent Macaigne, Arthur Harari Año: 2013 Las Nuevas Olas
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CRÍTICA CINE
La Fille Du 14 Juillet Antonin Peretjatko
Un disparate muy posible omedia excesiva y surrealista, que lo mismo recurre C al humor más básico que a una
rebuscada crítica a la situación actual que se vive en Europa. Eso y más propone la película de Pertjatko, aunque a primera vista parezca un entretenimiento vacío y “poca cosa”. Pero no, el fondo de esta película está muy lejos y cada situa-
historia entre un chico y una chica y las distintas peripecias que tienen que llevar a cabo para poder estar juntos. Es, sin embargo, en el trasfondo de la historia donde se encuentra un cine mucho más afilado y oportuno, por ejemplo, las vacaciones quedan suspendidas como medida para acabar con las malas finanzas del Estado. Lo
Crítica y humor para hablar de la Europa de hoy
ción, forzada o no, es un manantial de risas y desconcierto. Con un espíritu absolutamente francés, ya sea por la autocrítica, tanto a la sociedad como a su propio cine, la película parte de algo tan sencillo la
triste es que no nos parezca un disparate. El color del filme y el aroma de la cinta recuerda a una época pasada, que choca con esa puesta tan actualizada de lo que acontece en el ahora europeo.
La Fille du 14 Juillet
Director: Antonin Peretjatko Intérpretes: Vincent Macaigne, Vimala Pons, Grégoire Tachnakian Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Salvo Fabio Grassadonia / Antonio Piazza
Una mirada oscura
anadora de la Semana de la Crítica, la sección paralela G del festival de Cannes, dedi-
cada a descubrir talentos al margen de las secciones oficiales, Salvo es un complejo thriller que emplea como punto de partida lo fantástico, es decir, el hecho de que la protagonista deje atrás su ceguera, interpretada por Sara Serraiocco, consiguiendo que la película brille y mantenga el interés gracias a una actuación imposible y completamente conseguida. La película de Fabio Grassa-
acabará enamorándose de él, pero su relación es imposible. Un argumento quizás manido, pero lo verdaderamente interesante de la propuesta es el modo en que la cámara filma todo. En primer lugar, la escena inicial, en la casa en la que se cuela Salvo es un impactante plano secuencia que consigue mantener en todo momento unas altas cotas de tensión. Es el fragmento clave de la película y gracias al cual la película merece la pena completamente.
Un thriller sobre la mafia con grandes momentos de tensión y un final flojo
donia y Antonio Piazza trata el tema de la mafia italiana desde una perspectiva diferente. Salvo es una historia de amor entre un sicario y la hermana de una de las víctimas. El personaje que interpreta Saleh Bakri le da la vista a la chica y la secuestra para mantenerla a salvo, esta
Por otra parte, el modo en que graban la recuperación de la visión, mediante planos subjetivos resulta muy acertado e interesante. Quizás el mayor problema de la película su final, que no mantiene el toque oscuro del resto del metraje y que empaña la sensación que deja.
Salvo
Director: Fabio Grassadonia, Antonio Piazza Intérpretes: Saleh Bakri, Sara Serraiocco Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
In Bloom Nana Ekvtimishvili / Simon Groß
La amistad contra la tradición
mbientada en los años noventa en la capital de GeorA gia, la película de Nana
Ekvtimishvili y Simon Groß, supone una completa sorpresa
detalles haciendo que In Bloom sea una película lo suficientemente sólida para destacar más allá de las escenas en las que, directamente, produce fascina-
Una sorpresa que apuesta por su tono exótico
al acercarnos la realidad y las costumbres del país, todo ello mezclado en una historia sobre la amistad entre dos adolescentes que pronto, por la tradición del país, acaban separándose. La trama se desmenuza en multitud de pequeños elementos y
ción. El gran momento es, sin duda, la escena del baile con el pañuelo, en el que la cámara sigue a la protagonista a lo largo de un complejo baile en la boda de su amiga. Algo indescriptible que solo se puede disfrutar en la pantalla.
In Bloom
Director: Nana Ekvtimishvili, Simon Groß Intérpretes: Lika Babluani, Mariam Bokeria Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Stop The Pounding Heart Roberto Minervini
Exhibir lo inusual l igual que otra película presentada en la Sección OfiA cial del festival sevillano, An
Episode in the Life of an Iron Picker, la ficción que narra la obra de Roberto Minervini cuenta con las personas en las que está inspiradas como protagonistas. Si en la película de Tanović, se reconstruye un hecho real, Stop the Pounding Heart no es más que una ficción que juega con elementos de la propia realidad de la familia en la que se adentra el director italiano, pero que, sobre todo, acaban actuando.
por chocar y también producir fascinación. Pero al final, estamos ante una ficción. Este docudrama se centra en la hija de una familia de Texas y muestra los distintos ámbitos de la vida adolescente, mucho más marcada por el contexto religioso de su propia familia que cualquier modo de vida puramente americano que nos llega en el cine de Hollywood. La educación, por ejemplo, es un asunto familiar. El padre da clase sobre la Biblia, y los propios hermanos se enseñan entre
Una aproximación a la vida de una familia ultrareligiosa y rural de Texas
Es importante destacar que no nos encontramos ante la familia Carlson real, puesto que las cámaras impiden que nos acerquemos a conocer su realidad. Por lo tanto, la película de Minervini es una impostura, solo que trata temas y formas de vida tan alejados que acaban
sí. Al final, todo viene de ahí. Los valores que se propagan pueden resultar extremos, tanto por el carácter religioso, casi de una secta, como por la visión que se transmite de la mujer y su labor en la vida, prácticamente, para servir al hombre. Sin embargo, los contados
momentos de adoctrinamiento tosco son algo más reducido de la película, aunque sin duda, son el elemento más controvertido de la cinta. Minervini huye o desaprovecha el elemento religioso para retratar la vida diaria de esta familia, como el modo en que se gana la vida la familia, o el de sus vecinos. Entra así la película en una dinámica más centrada en la niña, que flirtea de forma inocente con el vecino, que se dedica al rodeo. Todo ello se cuenta sin juzgarlo, la cámara no se entromete, sino que simplemente muestra la vida de esta familia, apoyándose en una cinematografía perfecta, que consigue imágenes de gran belleza. Stop the Pounding Heart
Director: Roberto Minervini Intérpretes: Sara Carlson, Colby Trichell, Tim Carlson, LeeAnne Carlson, Katarina Carlson Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Soldate Jeannette Daniel Hoesl
Ese vestido... ndudablemente, hay muchos elementos interesantes I en el debut de Daniel Hoesl,
que ganó en el festival de Rotterdam, y es la primera película producida por el colectivo European Film Conspiracy, un grupo de cuatro personas que produce sus películas sin ningún tipo de presupuesto inicial y sin guión. Soldate Jeannette es un pataleo al sistema capitalista más que una crítica. Jeannette es una mujer rica y una anar-
Continente, así como secuencias realmente conseguidas, como la secuencia inicial en el que la protagonista compra un caro vestido de un diseñador para tirarlo inmediatamente después a la basura. Sin embargo, a pesar de tener un discurso interesante en su primera mitad, a medida que avanza la cinta, Soldate Jeannette parece una simple provocación y el filme carece de una esencia real, un vestido vacío.
Filme de estética potente pero carente de contenido
quista de acción, que tira su dinero y demuestra que se puede viajar sin pagar un solo euro — impagable la escena del concesionario—. Así, Hoesl muestra imágenes de billetes quemándose, como se veía en el Michael Haneke del Séptimo
Soldate Jeannette
Director: Daniel Hoesl Intérpretes: Johanna Orsini-Rosenberg, Christina Reichsthaler Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Costa da Morte Lois Patiño
De nuevo, el paisaje gallego
e la misma productora de Arraianos de Eloy Enciso, D ganadora de la sección Las Nue-
vas Olas la edición anterior, que está atrayendo la atención sobre cierto cine gallego, Costa da Morte es un exhaustivo estudio de la Costa de la Muerte gallega. Lois Patiño se fija en lo local para documentar el modo de vida de sus habitantes, pero tratándolos como un elemento paisajístico más, como los moli-
se sitúa distante. De esta forma, las personas son poco ante la inmensidad de la costa. Esa amenaza de la naturaleza está presente en la mayor parte de los planos, salvo en aquellos en los que Patiño fija su cámara en una las fiestas de un pueblo, rompiendo el ritmo de la película, así como el concepto de la naturaleza mantenido en todo momento. Una decisión sin demasiada lógica.
Costa da Morte tiene como desventaja su precedente, en todos los sentidos, Arraianos
nos de viento o el trabajo portuario. Lo hace siguiendo también los mismos procedimientos de Enciso, centrándose en el duro trabajo de los habitantes y su relación con el entorno. De nuevo, el paisaje es el auténtico protagonista del filme, salvo que la diferencia con Arraianos es que la cámara
Los momentos de mar, por ejemplo, en los que una pareja de pescadores habla del Prestige y cómo la influencia de agentes externos a la zona, como políticos, destrozaron el modo de vida de los habitantes, o algunas costumbres en una hilarante conversación entre dos bañistas son algunos de los
momentos destacados del filme, aunque, sin duda, el momento más tenso e impactante es el de los perceberos que en una roca se encaraman para no ser arrastrados por el mar. El principal problema de Costa da Morte es su antecesor. Resulta demasiado similar, recurre a los mismos referentes y no juega a su favor el hecho de que el paisaje gallego se retrate en muchas ocasiones recordando el modo en que sucedía en Arraianos. Por tanto, la película más que por sí misma, funciona como una continuación, una segunda parte que abandona la ficción existente en la cinta de Enciso, pero que recuerda demasiada a aquella obra. Costa da Morte
Director: Lois Patiño Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Grand central Rebecca Zlotowski
Ni amor, ni radiación
on sus llamativos actores principales, la popular Léa C Seydoux, irreconocible actual-
mente con respecto a aquella chica que aparecía en La belle personne de Christophe Honoré, y el utilizadísimo y plano
de fondo de una central nuclear. La central nuclear nunca llega a emplearse de forma central, sino que se trata de una forma muy débil. Zlotowski muestra las instalaciones, los problemas con la seguridad y
Reparto atractivo para una historia plana con una central nuclear como fondo
Tahar Rahim, que como siempre vuelve a interpretar el papel acorde con la población inmigrante en Francia que siempre retrata. Grand Central opta por contar una historia de amor simple y rutinaria con el telón
las cuotas que unos incrédulos trabajadores, necesitados de dinero, terminan falseando. Zlotowski está más interesada en la relación entre el trabajador y Léa, prometida y embarazada de un compañero de trabajo. Es
ella quien le busca a él y mantienen una relación relativamente secreta. La imagen que da de ella es la de una chica infiel que busca la estabilidad económica más que su estabilidad real. No deja claro si está realmente enamorada del personaje de Rahim o tan solo busca un rato de sexo. Se mantiene un juego contradictorio entre ambos que nunca llega a explicarse. Grand Central
Director: Rebecca Zlotowski Intérpretes: Léa Seydoux, Tahar Rahim Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
The Reunion Anna Odell
Don’t make fun of Anna Odell istintas capas tiene el debut cinematográfico de D la artista sueca Anna Odell,
que también se interpreta a sí misma en un ejercicio de desdoblamiento y puesta en escena del propio acoso que sufrió en el colegio. A partir de una reunión de antiguos alumnos, Odell se atreve a denunciar todo lo que no pudo durante los años del colegio, aguando la fiesta a todos ellos y generando situaciones extremadamente incómodas al mismo tiempo que valientes por su parte. El espectador asiste a momentos de tensión que lo enfrentan de una forma violenta. Pero todo es una ficción, como se conocerá posteriormente, una puesta en escena de lo que habría sido para la artista la reunión de haber sido invitada. Entra aquí otro nivel de la narración que amplia lo que hasta el momento no era más que una película de denuncia del acoso
escolar desde una perspectiva inédita, la de los mismos adultos, ya crecidos y maduros, pero aún así incapaces de enfrentarse al problema y justificándolo como “cosas de niños”. En la segunda parte, Odell muestra ante la cámara que
tista, imponiendo su versión frente a la del resto de sus compañeros, estos se muestran en desacuerdo y ponen en duda todo lo que Odell afirma tajantemente. Sin duda, esas situaciones más amplias ofrecen una perspectiva mucho más pro-
En su primera parte, consigue tratar con éxito el acoso escolar desde una visión inédita
todo se trata de un proyecto artístico, una exageración creada para explorar esa cuestión directamente con sus antiguos compañeros, de manera individual y más razonada. A partir de una serie de reuniones se empieza a cuestionar toda la versión primitiva de Odell. La película se le escapa de las manos a la directora y del acoso escolar se pasa a hablar del protagonismo excesivo de la ar-
funda al valor sociológico que la artista pensaba exponer en un primer momento y todo se vuelve en su contra. The Reunion esconde más de lo que aparenta en un primer vistazo. The Reunion
Director: Anna Odell Intérpretes: Anna Odell Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Shirley: Visions of Reality Gustav Deutsch
¿Y si los cuadros de Hopper hablaran? o sorprendente de Shirley: Visions of Reality, del veteL rano cineasta experimental
Gustav Deutsch es, obviamente, las reconstrucciones precisas y milimétricas de los cuadros de Edward Hopper. Absolutamente idénticos y con
tamente cuidado hasta el extremo. Estéticamente, la película cumple con creces su objetivo, hacer que los cuadros de Hopper cobren vida. Cada nuevo cuadro del pintor —el total son 13 escenas— supone un episodio de la vida, el
Deutsch reconstruye a la perfección obras emblemáticas del pintor estadounidense
una luz en la misma proporción, con la misma incidencia, que las distintas obras de Hopper que se reconstruyen en la película. La apuesta que el director hace es revisar de una forma pensada tanto el color, como la textura de los materiales, algo borrosos, todo absolu-
mismo día a lo largo de trece años diferentes de la protagonista, Shirley. A partir de un monólogo interior va alumbrándonos de lo que pasa por su cabeza. Ella y su marido, y su deseo por estar sola y volver a Europa, como en el cuadro de habitación de hotel.
Hasta ahí bien, el problema de la película es que opta por una historia que no llega a ningún lugar. Hay muchas opciones de narrar y unir todos los cuadros de Hopper y Deutsch opta por hacerlo de manera forzada, sin una auténtica historia que mantenga la atención. La falta de profundidad de la historia empaña la película ya que los cuadros, pese a las reconstrucciones perfectas, no justifican una narración lenta, sin apenas movimiento en los actores. Shirley: Visions of Reality
Director: Gustav Deutsch Intérpretes: Stephanie Cumming, Christoph Bach Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Nordvest Michael Noer
Ya has visto esto antes
a sensación que deja Nordvest es que ya has visto esta L película montones de veces
antes. Una historia de organizaciones ilegales, un chico que se dedica a robar para sacar dinero, hasta que se introduce en una banda enemiga y la lucha entre las distintas organización complica la situación.
ble, sino que es una película de televisión en el sentido que no aporta ningún tipo de logro ni es llamativa por ningún aspecto en especial. Una película insalvable, convencional hasta el extremo y carente de puntos de interés que puedan atraer al espectador.
Previsible y simple, Michael Noer firma un thriller típico e innecesario
Para mayor originalidad, el hermano del chico también acaba introduciéndose en la banda y supera al hermano en todo tipo de sentidos. La historia es previsible y la calidad de la misma tampoco resulta especialmente destaca-
Nordvest
Director: Michael Noer Intérpretes: Gustav Dyekjær, Oscar Dyekjær, Lene Maria Christensen Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Class Enemy Rok Bicek
La educación, otra vez l cine que se cuela en las aulas para hablar del sisE tema educativo no es nuevo y
ha dejado algunas películas enmarcables de todo tipo de tonos y colores. Class Enemy se suma a esta corriente queriendo tratar demasiados asuntos y no llegando a afianzar nada. El director, Rok Bicek, a pesar de los movimientos de cámara, que no se mantiene quieta en ningún instante, opta por una narración demasiado habitual, sin giros en la historia ni buen uso de los recursos que hagan que la película destaque en ningún campo.
tanca rápidamente y no parece llegar a ningún punto, perdida entre los distintos ámbitos que quiere retratar desde los valores como la lealtad de los propios compañeros de clase, el propio sistema educativo y la ultrasensibilidad de algunas personas en la siempre difícil adolescencia. El problema de Class Enemy es que no escoge nada. Pretende ser un amplio espectro del sistema educativo y retratar las conductas y la parte de culpabilidad que todos tienen en la historia que cuenta pero, simplemente, no llega a nada.
Class Enemy se estanca rápidamente y no parece llegar a ningún punto
La historia se basa en el suicidio de una alumna y durante el extenso metraje de la cinta se pone de manifiesto una disputa entre un nuevo profesor y la clase completa, que culpa al estricto docente del suicidio de su compañera. La película se es-
Se pierde mucho antes y no llega a cumplir los objetivos que la propia cinta se marca. El hecho de que tanto actores como elementos técnicos tampoco brillen, no hacen más que reducir el impacto que podría tener una película como esta.
Class Enemy
Director: Rok Bicek Intérpretes: Natasa Barbara Gracner, Masa Derganc, Voranc Boh Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
Los Chicos del Puerto Alberto Morais
Caminar por caminar s increíble como cualquier película hecha en España E puede acabar hablando de la
Guerra Civil, aunque no hable en absoluto de la Guerra Civil y esté ambientada en una ciudad apocalíptica y desconectada de cualquier tiempo presente o futuro. Pues bien, la última película de Alberto Morais, Los chicos del puerto, supuestamente habla de las consecuencias o la herencia de la lejanísima ya Guerra Civil. Y digo supuestamente porque lo que realmente se muestra en la pantalla es, simplemente, una escueta historia, pero alargada hasta la extenuación, sobre tres niños a lo largo de un viaje por una Valencia vacía y ausente. ¿Dónde queda la conexión con el siglo pasado? En una chaqueta militar que el abuelo de uno de los chicos quiere devolver a un amigo fallecido. La chaqueta sirve de excusa para
comenzar un viaje que parece no terminar nunca y que se sumerge en situaciones irreales vividas por los niños que caminan perdidos de punta a punta de la ciudad.
pasado nacional que no se justifica, resulta complicado saber qué quiere contar Morais. Al margen de la historia, el fracaso de la película también radica en que en ningún momento se lle-
La labor de los actores es un punto en contra de una película vacía
En parte, técnicamente la película es correcta, pero pierde la escasa fuerza que podría tener por unos actores sin ningún tipo de actitud interpretativa o muestra de interés hacia ella. Cada frase que completan, saca al espectador de la película. No es un problema únicamente de los niños, sino del resto de personajes que aparecen en la película. El caso es que, al margen de esa supuesta conexión con el
gan a dibujar los personajes, no sabemos nada de ellos y no sabremos nada. El tono que mantiene es el de una película de denuncia, que no denuncia nada. Los chicos del puerto
Director: Alberto Morais Intérpretes: Esteban Crespo, José Luis de Madariaga Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser Alberto Gracia
Experimentalismo para justificar el vacío Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser parte de una preO misa interesante, la leyenda de
Gaspar Hauser, individuo que viviría sin contacto humano encerrado en una cabaña y con la compañía de un caballo de juguete. Alberto Gracia firma una película que apela al surrealismo y a la inconsciencia para intentar justificar lo injustificable, la ausencia de todo tipo de
una sección que abandona el blanco y negro de los 16 milímetros que utiliza por el color. Todo ello, acompañado por un sonido tan deslavazado e insípido como las imágenes que se muestran. Incluso, queriendo jugar con la esencia del lenguaje, al que el director apela, hay un fragmento en el que simplemente vemos figuras que forman la letra A, así de pro-
Una película que pretende ser conceptual sin saber a qué concepto se refiere
orden, sentido y finalidad. Esto no debería ser un problema en un filme experimental, sin embargo, el propio director falla en saber explicar su película o responder a las cuestiones que su fallida película plantea. En la cinta se junta imágenes que van desde la esencia de ese caballo de madera convertido en real, la propia celda en la que Gaspar Hauser está recluido o
fundo resulta este estudio del lenguaje. O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser apunta más de lo que efectivamente consigue. O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser Director: Alberto Gracia Año: 2013 Las Nuevas Olas
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ESPECIAL SEFF’13
O Que Arde Cura João Rui Guerra da Mata
El primer corto en solitario de João Rui Guerra da Mata es una sorprendente y arrebatadora revisión de La Voz Humana de Jean Cocteau que emplea una serie de proyecciones y a un único actor, como no, João Pedro Rodrigues, compañero de aventuras cinematográficas desde que este empezó a hacer cine. Por una parte, es la reconstrucción del incendio de Lisboa a finales de los años ochenta. Imágenes de archivo aparecen para contarlo y dar veracidad.
El incendio sirve de excusa para que su expareja llame al protagonista para preguntar cómo está. Empieza así una larga conversación en la que solo oímos al protagonista e intuimos por sus respuestas y su actuación la conversación completa. La ruptura aun está cercana, o no, pero queda claro que el protagonista aún no lo ha superado. Le suplica y al mismo tiempo le detesta. Guerra da Mata sabe como tratarlo, todo desde unos recursos muy básicos que están perfectamente empleados.
Una obra maestra montada a partir de frases lapidarias y de un profundo desamor. Pues en todo caso, se trata de una adaptación del texto de Cocteau. El genio de la obra de Guerra da Mata no se queda únicamente en las palabras, sino que todo se relativiza de forma sorprendente cuando, al final, la música que suena, en vinilo, es una canción de James Blake, un paso que le da un tono mucho más profundo y abierto a un juego de cuerpo, voz y proyecciones.
Mahjong
Rodrigues & Guerra Da Mata
O Corpo de Afonso João Pedro Rodrigues
En un primer momento, O Corpo de Afonso resulta un filme tan superficial como las apariencias del casting de hombres gallegos hipermusculados. Rodrigues busca el cuerpo del primer rey portugués, que según el dicho era de Vigo, y desnuda a sus modelos, buscando más la formación física que las características posibles del mismo. Empleando el humor, con algunos modelos incapaces de quitarse su propia camiseta, es un elemento muy presente en la película, al igual que el ele-
mento corporal, por ejemplo, se fija mucho en los tatuajes, lo que también está tratado con humor. Pero la película no es solo la exposición de cuerpos y mentalidades dudosas, sino que avanza hacia otro terreno cuando Rodrigues, entrevistador, pregunta por la situación laboral o la opinión de los modelos acerca de la monarquía y otros temas políticos. De esta forma, O Corpo de Afonso se transforma en un estudio sociológico sin ropa encima.
Historia de mínimos que juega con algunos logros estéticos absolutamente impactantes en lo visual, pero incide demasiado en la repetición. Una historia lenta de intrigas en la que se cuela el interés de Rodrigues y Guerra da Mata por lo asiático, que han mostrado ambos cineastas con anterioridad, como en A Última Vez que Vi Macau. Uno de los aciertos del corto es el uso del sonido, creando una atmósfera densa y misteriosa. Pese a todo Mahjong no llega a destacar.
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OTRO CINE
E Agora? Lembra Me Joaquim Pinto
La vida en la pantalla
alardonada en Locarno con G el Gran Premio del Jurado, es difícil describir o atreverse a
hacerlo qué es exactamente E Agora? Lembra Me, un contenedor de muchas imágenes, también sonidos y, sobre todo, pensamientos y momentos íntimos de su director, Joaquim Pinto y su pareja Nuno Leonel. Ambos se exponen en esta especie de ensayo fílmico personal, un cuaderno filmado sobre la propia vida de ambos, pese a que el origen de la cinta sea realizar un diario sobre un tratamiento experimental contra el VIH y la hepatitis C. Pero Pinto no se conforma con hacer un filme clínico, sino que abre su vida y la expone al máximo desde los primeros mo-
mentos, en los que muestra sus viajes a Madrid, donde tiene lugar el tratamiento, o mostrar sus intereses, sus viajes y sus recuerdos cinematográficos. Hay que remarcar que Pinto escapa de hacer una película biográfica aunque exponga su
visto. Por la pantalla pasan numerosas referencias cinematográficas, así como amigos de la pareja, pero en ningún momento la cinta se convierte en un docureality sobre ellos mismos, sino que se trata de algo mucho más sincero y complejo.
Un ensayo fílmico inabarcable que va más allá de ser un simple estudio en torno al sida
vida de una forma tan directa, sino que se trata de una obra personal que se extiende en el tiempo —la película casi alcanza las tres horas— y consigue hacer que el espectador salga de la sala desbordado ante lo que ha
E Agora? Lembra Me
Director: Joaquim Pinto Intérpretes: Joaquim Pinto, Nuno Leonel Año: 2013 Las Nuevas Olas - No Ficción
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ESPECIAL SEFF’13
El turbio regreso de James Gray
ames Gray filma una historia delicada, compleja y sólida. J Una historia en la época de la in-
migración europea hacia Estados Unidos en los primeros años del S. XX. La población europea huía de la primera guerra mundial buscando el paraíso prometido en EEUU, claro que esto no sucede cuando se llega a esa isla cerca de Nueva York en la que se decidía si alguien podía entrar o debía ser deportado. Ese es el contexto en el que comienza la nueva gran obra de Gray que sigue la historia de una inmigrante y sufre de manera directa la inseguridad de quien es de fuera y no pertenece allí. Es esa época cuestionada, de tuberculosis y conductas morales marcadas que sirven para
The Immigrant James Gray
regir el prestigio de una persona, la que sirve de telón de fondo para una historia en la que se habla del poder que tienen algunos por encima de otros y como pueden llegar a controlarlos completamente desde una posición elevada. En
llega a ser en absoluto fiable y deslumbra en la secuencia más conseguida del filme, una confesión final que hace que cambiemos nuestra idea de lo que ha sucedido previamente. Su personaje retiene a Ewa, que se ve sin ningún tipo de salida
Tanto Phoenix como Cotillard ofrecen unas interpretaciones de acuerdo al tono del filme
este sentido, Bruno, interpretado por un Joaquin Phoenix mucho más medido y preciso que en otras ocasiones. Sin duda, hace una interpretación entregada de un personaje que siempre esconde algo, nunca
salvo las que impone Bruno. No se trata de una sumisión completa por parte del personaje interpretado por Marion Cotillard, que ofrece un trabajo correcto a su papel, sino de un flechazo instantáneo por parte de Bruno, que no sabe qué hacer por conseguirla salvo retenerla y exponerla a un maltrato prolongado. Como decíamos, Cotillard convence con un papel en el que se nota el remordimiento y el asco en cada expresión. Hay un gran salto en el rostro de la actriz que divide su llegada a Nueva York del instante en el que llega a la casa de citas en la que va a verse recluida. La historia acude al espectador poco a poco, la fuerza sutil va incrementándose hasta estallar en un poderoso final. Un cierre de la historia en el que llegamos a algo más de lo que aparentaba ser la película. Ya ha pasado el tiempo y esa ilusión que Ewa tenía al llegar a EEUU ya se ha perdido para siempre. La estética de la película, siempre muy cuidada, está además en sintonía con el tono de la época, como una fotografía envejecida por el paso del tiempo. The Immigrant
Director: James Gray Intérpretes: Joaquin Phoenix, Marion Cotillard Año: 2013 Sección Oficial
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ESPECIAL SEFF’13
L’Inconnu du Lac Alain Guiraudie
Original estudio del funcionamiento del amor ay algo que resulta espeH cialmente interesante de la película de Guiraudie, la gana-
dora del festival y también premiada en Cannes, y es la imagen contradictoria que ofrece de estos hombres que acuden a la orilla de un lago para practicar sexo entre ellos. Por un lado, es exactamente el estereotipo promiscuo y superficial de la homosexualidad.
lago, en los cuartos oscuros de discotecas sórdidas o en las saunas “solo para hombres” que algunos frecuentan. Desde luego, no se trata del “mundo gay” institucionalizado o políticamente correcto —y por tanto, seguro socialmente—, sino que es el que se trata de ese despreocupado, o preocupado en exceso por follar con cualquiera o a cualquier precio. Di-
Hombres que no persiguen otra cosa que la estética mediante el culto al cuerpo —tanto el protagonista como su amante—, el sexo rápido y sin compromisos, la despreocupación por la seguridad en el sexo —no utilizan preservativo—, básicamente una representación completa del aspecto siniestro del “mundo gay”. Por otra parte, Guiraudie opta por plasmar una realidad existente, ya sea en la orilla de un
gamos que Guiraudie podría tener intención de exponer esa realidad, darle voz e intentar de romper el silencio que existe en torno a estas prácticas. Normalizarlo mediante cuerpos que distan de los protagonistas, de hecho, el resto de actores se caracterizan por cuerpos completamente antiestéticos. Digamos que L’Inconnu du Lac juega a esas dos bandas, por un lado normalizar lo marginal, pero por otro, ayuda a mantener la
El nudismo y el sexo es solo el escenario de esta historia de terror cómico
idea de promiscuidad. Por otro lado, otra disyuntiva que ofrece el filme es de género hablamos, si de comedia o terror. Las risas no paran de aparecer durante cada momento. El humor incluso aparece en los momentos más críticos. También se trata de una película de terror por algunas secuencias de pura intriga, como el asesinato en el lago o la impactante secuencia final. Pero si por algo destaca L’Inconnu du Lac es por su original y complejo estudio del funcionamiento del amor. El personaje, a pesar de conocer lo que esconde el hombre del que está obsesionado, no puede evitar el acercamiento cada vez más profundo hacia él. El personaje podría eludir un final que sabe acabará mal porque no puede actuar racionalmente. L' Inconnu du Lac
Director: Alain Guiraudie Intérpretes: Pierre de Ladonchamps, Christophe Paou Año: 2013 Sección Oficial
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CRÍTICA CINE
Placeres y farsantes en torno a Roma
orrentino continua haciendo S su cine, ese que se apoya constantemente en grúas que
ofrecen movimientos impensables y ese que también tiende al exceso y a la acumulación de detalles para lograr dar forma a películas que se mueven dentro de su propio sentido. En esta ocasión nos presenta a un personaje interpretado, como es habitual, por Toni Servillo. Un periodista muy experimentado por la propia vida y envuelto en el lujo y la apariencia, llevada al extremo, de la alta sociedad romana. Y es que Roma es otra pieza básica de la nueva obra de Sorrentino. Se cuela en cada imagen, ya sea desde el comienzo en una de las montañas que observan y protegen la ciudad o en escenarios tan turísticos como la Piazza Navona, o el propio Coliseo, que deja entrever con un sutil movimiento de cámara, sorprendiendo al mismo tiempo que maravillando en un momento de presentación de ese escritor retirado desde su primer y único libro. Una pieza más y, al final, la pieza que aporta sentido a la
obra en su conjunto. El problema del periodista es el exceso y el abuso en el que está metido, que rechaza al mismo tiempo que adora y que le impide, definitivamente, poder llegar a apreciar lo que vive. Esa incapacidad de disfru-
en el filme, como una crítica a la sociedad que promueven las televisiones italianas. La Gran Belleza parte de personajes que desde fuera podrían parecer modelos a seguir, pero que se desmontan hasta el ridículo, desde el pedestal desde el que
Crítica constante y humor en una película inmensa y apabullante
tar y de darle importancia a lo que le rodea es el mayor problema de un personaje perdido mucho antes de que ni siquiera se haya dado cuenta. Sorrentino habla finalmente de la decadencia de ese modo de vida que aspira a la apariencia únicamente. Fiestas de personajes variopintos y el arte cuestionado, que pone en ridículo en varias ocasiones, con una niña explotada y una artista que no sabe definir las vibraciones con las que intenta justificarse y envolverse en misterio. La búsqueda de la fama, sea cual sea, también está presente
La Grande Bellezza Paolo Sorrentino
observa el protagonista al resto, siendo él mismo uno de ellos. Cierta melancolía se cuela también en esta extensa obra, como el recuerdo del primer amor y la imposibilidad de volver a él para reconstruir lo que pasó. Una obra enorme, repleta de recovecos y que invita a volver a contemplarse nada más se termina. La Grande Bellezza
Director: Paolo Sorrentino Intérpretes: Toni Servillo Año: 2013 Sección Oficial
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CRÍTICA CINE
Les Salauds Claire Denis
Pulsiones prohibidas emasiado oscura puede reD sultar en un primer momento la nueva e impactante
película de Claire Denis, un thriller estructurado de manera algo obtusa que exige al espectador que vaya uniendo las piezas de una historia en la que se cuela el horror y repleta de conexiones entre los distintos personajes, muchas más de las que puede parecer en un primer momento. De hecho, no es hasta el turbio final, en formato video y con la música de Tindersticks —que entregan una banda sonora densa, en perfecta sintonía con las imágenes—, cumpliendo su función, cuando no se llega a ver por completo el cuadro que esboza Denis a lo largo de la película. Desde el comienzo de Les Salauds, con imágenes de lluvia y oscuridad en la noche, intuimos
que lo que sigue no va a ser una historia en absoluto cómoda. Cada imagen está envuelta en una atmósfera asfixiante. Denis filma el cuerpo y lo muestra vulnerable, no solo por el trasfondo sexual y los límites extremos por los que camina. La cinta apuesta por el extrañamiento que ya existía en L’In-
que atienden a intuiciones del propio espectador y que apuntan hacia lugares dispersos. Es ese juego de apariencias, que el propio espectador decide llevar hasta el extremo o quedarse únicamente con lo que se muestra en la pantalla, lo que hace tan atractiva a la película de Denis.
Claire Denis regresa con un thriller denso y muy oscuro
trus y la violencia de S'en fout la mort. Como en otras películas de la autora, siempre se espera que haya un momento en el que las piezas que componen cada escena por separado, acaben por tener un sentido general. Piezas
Les Salauds
Director: Claire Denis Intérpretes: Vincent Lindon, Chiara Mastroianni, Michel Subor, Lola Créton Año: 2013 Sección Oficial
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ESPECIAL SEFF’13
Jimmy P. Arnaud Desplechin
Más que simple parloteo
rnaud Desplechin reúne a
A Mathieu Amalric y a Benicio del Toro para hablar de un
asunto recurrente en los últimos años, como las consecuencias de la II Guerra Mundial en los soldados americanos, como ya hiciera Paul Thomas Anderson en su fallida The Master, aunque esta vez Desplechin introduce la cuestión india dentro de esta historia de terapia. Jimmy P es una película excelente, en gran parte por las interpretaciones tanto de Amalric como Del Toro, especialmente brillante y convincente en su papel como indio que sufre de una aparente locura que no es otra cosa que melancolía y el simple dolor que produce vivir. Amalric, por el contrario, representa a un excéntrico antropólogo interesado en los indios americanos y las distintas costumbres de sus diferentes facciones. La película no es otra cosa que una de esas historias que se
apoyan en largas conversaciones en las que no solo Amalric comienza a conocer a Jimmy ni, obviamente, el propio espectador, sino que es Jimmy quien se conoce a sí mismo a medida que descubre su propio pasado. Una extensa puesta en escena del psicoanálisis en el que no dejan de crearse tensiones entre
empeñan en señalar un falso estancamiento en las conversaciones que mantienen ambos protagonistas, sin embargo, los recursos que utiliza Desplechin para narrar el pasado de Jimmy y hacer interesante el proceso de terapia resulta claramente aplaudible. Jimmy P es una película que a partir de un tono
Película muy sólida sustentada por un impresionante Benicio Del Toro
ambos personajes, especialmente cuando Jimmy comienza a darse cuenta del poder con le que cuenta el antropólogo, a medida que él se expone más y más y queda en manos de su curioso interlocutor. El filme ha pasado desapercibido desde su estreno en Cannes, sin conseguir hacer demasiado ruido y contando con críticas negativas que se
clásico, llega lejos y sabe conectar con el espectador a partir de esta historia extravagante y poco común. Jimmy P
Director: Arnaud Desplechin Intérpretes: Benicio Del Toro, Mathieu Amalric Año: 2013 Sección Oficial
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ESPECIAL SEFF’13
Confrontación e incógnita
demás de incorporar una película como The ImmiA grant, que pese al capital euro-
peo, no puede ser un filme más americano, la décima edición utilizó la artimaña de la coproduccón para presentar la intensa y potente Stray Dogs de Tsai Ming-liang. El cine asiático presenta unos ritmos clara-
maltrecha formada por un padre y dos hijos. Todo lo relativo a los personajes resulta enigmático, desde el primer plano, en el que una mujer, suponemos que la madre, pse peina frente a sus dos hijos dormidos, hasta la irrupci´n de otro personaje esencial en el último tramo de la película.
mente diferentes a los del cine europeo. Mucho más en el caso de Stray Dogs que, a partir de planos fijos y claramente contemplativos, fomenta una narración original a partir de la mínima irrupción del director. No se explica nada, tan solo vemos las acciones rutinarias de los personajes: Una familia
Pero, sin duda, lo que menos importa es la acción, sino lo que se extrae de esas imágenes. Las sensaciones al exponernos a la larga duración de los planos. Se trata de una película paciente en la que la narración no se construye, sino que se va vislumbrando. Se crean incógnitas, nada se
Tsai Ming-liang va más allá del minimalismo y requiere de la paciencia del espectador
explica del mundo interior de los personajes, tan solo lo que aparece. El pasado, desconocido, resulta tan intrigante como el mural que los personajes observan en el plano final, uno de los más intensos de toda la cinta junto, quizás, con la escena en la que el protagonista, frente a un trabajo completamente estúpido: soportar un anuncio en mitad de una autovía. En un primer plano, asistimos a una secuencia imborrable, en la que el hombre primero recita unas palabras para después gritarlas. No se necesita más. Stray Dogs
Director: Tsai Ming-liang Intérpretes: Lee Kang-sheng, Yang Kuei-mei, Lu Yi-ching Año: 2013 Sección Oficial
Stray Dogs Tsai Ming-liang
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ESPECIAL SEFF’13
We Are The Best! Lukas Moodysson
El punk sí está muerto l director de la notable Fucking Amal, Lukas MoodysE son, presenta una comedia
musical sobre un grupo de niñas que quieren formar un grupo de punk justo cuando este ya estaba completamente asumido. Con un tono amable que hace que inmediatamente el espectador se identifique con esas niñas aparentemente combativas e impregnadas de la misma esencia inconformista y libre que Fucking Amal.
El problema de la cinta es querer ir más allá y envolver de unas pretensiones levemente críticas una simple comedia de niños. Así, introducir la lucha de clases no deja de ser algo chirriante en una película en la que las propias niñas parecen reivindicar únicamente una estética, ya que, al fin y al cabo, llegan a pelearse por conquistar al mismo chico, que está tan interesado en ellas como el resto del colegio.
Comedia musical que naufraga al buscar demasiadas pretensiones
Pero pese a que la película resulte ciertamente simpática, esa aparente crítica a lo establecido socialmente es, en realidad, una simple asunción de roles de aquello que está más cercano, en este caso, uno de los hermanos de las niñas. Uno de los logros de la cinta es contar de una manera divertida el proceso de creación de un grupo, partiendo de los problemas para buscar instrumentos y un local para ensayar, hasta llegar a ese momento crítico en el que hay que hacer una primera canción.
En definitiva, Moodyson se pone a sí mismo la zancadilla en forzar la historia y lo que pretende reivindicar, la lucha por la individualidad en cuanto a modelos sociales, ya lo consiguió, de una forma mucho más certera, en la mencionada Fucking Amal.
We are the Best!
Director: Lukas Moodysson Intérpretes: Mira Barkhammar, Mira Grosin, Liv LeMoyne Año: 2013 Sección Oficial
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ESPECIAL SEFF’13
Etnia y denuncia anis Tanović recurre a los propios protagonistas de D esta historia real para poner el
foco sobre la necesidad de una sanidad pública que evite despropósitos como el que muestra en esta película, galardonada en la pasada edición de la Berlinale. Resulta interesante comprobar como los actores, que en absoluto son profesionales, se interpretan a ellos mismos y reconstruyen los hechos tal y como sucedieron. Incluso, Nazif Mujić, el padre ganó el premio a mejor actor en el festi-
propia actuación de uno mismo. Además, el tono de An Episode in the Life of an Iron Picker, con la cámara siempre al hombro, inquieta, recuerda a los videos caseros, algo que se potencia en los momentos en familia que se reconstruyen en el filme. No es una cinematografía impactante en ningún caso, sino que acaba incidiendo demasiado en la atmósfera tosca, pese a que en determinados momentos, como cuando aparecen los copos de nieve, se alcancen momentos destacados.
val de Berlín, y es que su interpretación es notable, mucho más que el resto de la familia, entre miradas a cámara y falta de naturalidad en el papel de la mujer. Tanović sabe sacar el máximo provecho a la situación y la película puede entenderse como una exploración de la
Lo que hace Tanovic en la película no es más que cine social, si obviamos el contexto interpretativo y contextual de la película. Denuncia la situación de la sanidad pública que, pese a ser una emergencia, se niegan a atender a una mujer que sufre un aborto. La película se centra
Cine social que reconstruye, con la ayuda de sus propios protagonistas, un hecho real
en eso pero también hay cabida para retratar las duras condiciones de vida que sufren los protagonistas, ya sea recogiendo chatarra en una ladera, o recurriendo a destrozar su propio coche para comprar medicinas y pagar la luz. Hasta aquí todo bien, pero el hecho de que se trata de una familia gitana abre las dudas acerca de si ese rechazo a tratar a la mujer proviene del racismo. En cierta forma, la película, al igual que otra película reciente que trata también la persecución de los gitanos, Just The Wind, abre la duda y deja bien claro que el día a día de la etnia en la Europa del este está cargado del odio silencioso y que aparentemente no se ve, pero que influye. An Episode in the Life of an Iron Picker Director: Danis Tanović Intérpretes: Nazif Mujic, Senada Alimanovic Año: 2013 Sección Oficial
An Episode in the Life of an Iron Picker Danis Tanović
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ESPECIAL SEFF’13
Tres Bodas de Más Javier Ruiz Caldera
La gran comedia americana na nueva y salvadora comedia nacional que clauU suró la sección secundaria del
festival de Venecia y que sirvió de arranque del X Festival de Cine Europeo de Sevilla, claro que el carácter europeo de Tres Bodas de Más queda en entredicho puesto que parece estar manufacturada en Hollywood más que en España. No solo por copiar fórmulas, sino por retratar a unos personajes que están vaciados de cualquier atisbo de elemento europeo, no ya solo en cuanto a cine se refiere, sino a forma de vida.
funciona como comedia y cumple su objetivo y hace reír al mismo tiempo que entretiene. Pese a que, eso sí, sea a costa de rebajar al propio espectador que, atónito ante lo que ve, no le queda otra que soltar la carcajada frente al exceso y la estridencia que propone el filme. Toda la cinta se basa en una historia retorcida que huye de cualquier límite de verosimilitud. Es cierto que el tono humorístico, única justificación de la película, se mantiene sobre cualquier otra subtrama que tenga la película. En definitiva,
En efecto, la película de Javier Ruiz Caldera es una comedia exagerada y desmedida, también irresponsable con ciertas bromas de un humor muy básico y superado, que recurre a todo tipo de gags y situaciones límite pero que, efectivamente,
Tres Bodas de Más es uno de esos divertimentos ligeros que pueden recordar a la comedia americana de éxito, pero que carece de profundidad alguna, sino que, simplemente, conforma a esos espectadores que acuden al cine a pasar el rato.
Humor básico, situaciones extremas y risas forzadas
Tres Bodas de Más
Director: Javier Ruiz Caldera Intérpretes: Inma Cuesta, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma Año: 2013 Sección Oficial
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ESPECIAL SEFF’13
Michael Kohlhaas Arnaud Des Pallières
Otro tostón medieval ads Mikkelsen parece haberse instalado para siemM pre en un mismo tipo de
papeles, a excepción de algunos especialmente flojos como el de la reciente Charlie Countryman. En el caso de la cinta de Des Pallières, se traslada a la edad media para interpretar a un ilustrado en contra del poder feudal establecido. La fotografía, muy cuidada, es lo que más destaca de un drama de época que se extiende de manera interminable a través de su excesiva duración.
de interés en lo que acontece en la pantalla. Es uno de los problemas de Michael Kohlhaas, ni siquiera intenta buscar una conexión con el público. Esto no quiere decir que se trate de un filme experimental ni mucho menos, ya que la película no puede ser más academicista, pero esa potenciación del drama radical de cada uno de los personajes solo recuerda a las series televisivas de época tan frecuentes en los últimos años, sin alejarse demasiado en su calidad.
Drama excesivo en una película de época cercana a las ficciones televisivas
La búsqueda por la justicia y la ley produce en la época humor, pese a que la película busque producir lo contrario en el espectador que tiene que combatir y esforzarse constantemente por hallar algún atisbo
Michael Kohlhaas
Director: Arnaud Des Pallières Intérpretes: Mads Mikkelsen, Bruno Ganz, Denis Lavant Año: 2013 Sección Oficial
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ESPECIAL SEFF’13
Miele Valeria Golino
Cómo salir airoso de un tema manido ay algo en Miele, la primera película de Valeria H Golino tras la cámara tras una
larga trayectoria como actriz, que hace que la película deba ser tomada en cuenta, pese a ciertos aspectos que resulten sospechosos. Por ejemplo, el propio tema del que habla la película, la eutanasia, es un tema que puede dar pie al ex-
puntos más rutinarios de la historia, es decir, de donde salen los químicos. Algo que quizás no sería necesario contar, pero que aporta una verosimilitud a la película que hace que el espectador crea realmente lo que se cuenta y, lo que es más importante, sirve para explicarnos al propio personaje y el modo en el que actúa.
Historia sólida y bien ejecutada para un tema controvertido
ceso, como de hecho ha ocurrido en algunas películas, sin ir más lejos, el drama de lágrima fácil que dirigió Amenábar, Mar Adentro. Sin embargo, Golino sale exitosa de este tema y lo hace mediante un guión robusto que acierta al explicar los
Es cierto que el modo en el que Golino acaba confrontando a la protagonista con la labor que realmente realiza puede resultar algo tramposa, pero es un desliz que pasa por alto. Al fin y al cabo, la película cumple su función de documento
acerca de la eutanasia y las contradicciones que esta presenta. Si en un primer momento la película parece justificar la eutanasia, retirando toda dosis sentimental al procedimiento, finalmente todo queda en duda. En cuanto al apartado cinematográfico, la película es notable, así como el uso de la música, bastante importante en la trama. Realmente, supone un filme interesante también por el modo en que trata el tema de la doble vida. Al final, se trata de un tema esquivo que Golino sabe dejar expuesto. Miele
Director: Valeria Golino Intérpretes: Jasmine Trinca, Carlo Cecchi, Vinicio Marchioni Año: 2013 Selección EFA
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las nuevas olas
LISTAS
1 La Jungla Interior - Juan Barrero 2 El Futuro - Luis López Carrasco 3 La Bataille de Solférino - Justine Triet 4 La fille du 14 juillet - Antonin Peretjatko 5 Salvo - Fabio Grassadonia / Antonio Piazza 6 In Bloom - Nana Ekvtimishvili / Simon Groß 7 Stop the Pounding Heart - Roberto Minervini 8 Soldate Jeannette - Daniel Hoesl 9 Costa da morte - Lois Patiño 10 Återträffen - Anna Odell 11 Grand central - Rebecca Zlotowski 12 Shirley: Visions of Reality - Gustav Deutsch 13 Nordvest - Michael Noer 14 Class Enemy - Rok Biček 15 Los Chicos del Puerto - Alberto Morais 16 O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser - Alberto Gracia
9 9 8 8 8 7 7 6 6 6 6 4 3 3 2 1
The Immigrant
top 5
1 The Immigrant - James Gray 2 L’Inconnu du Lac - Alain Guiraudie 3 La Grande Bellezza - Paolo Sorrentino 4 E Agora? Lembra Me - Joaquim Pinto 5 Les Salauds - Claire Denis
10 10 9 9 8
doscerounotres