doscerounotres - marzo by Alberto Del Castillo

doscerounotres marzo

doscerounotres - marzo

sumario Turbio escape de la realidad: “Enter the bitch” 4 Spring Breakers de Harmony Korine Una pollada de película 6 Los Amantes Pasajeros de Pedro Almodóvar Otro cine 8 Películas no distribuidas El nuevo Bowie, nuestro viejo “héroe” 10 The Next Day de David Bowie Trevor Powers envenena su proyecto de dream pop 12 Wondrous Bughouse de Youth Lagoon Otra música 14 Críticas de discos El valor de lo analógico 16 Live: Jelena Glazova, Maulex y Derek Holzer La búsqueda constante 17 Informe sello Tri Angle Listas 19 Top cine y música 2013

doscerounotres - marzo

doscerounotres

marzo

Marzo ha tenido como absoluta protagonista la vuelta de David Bowie. Él es nuestra portada, acompañado de un artículo que analiza su ﬂamante The Next Day, disco que mira directamente a los años setenta y se olvida de la música que hizo en los años posteriores. La jugada le ha salido mejor que bien y el disco producido por Tony Visconti está repleto de canciones magistrales. Continuando en el apartado musical, otro de los artículos más extensos está dedicado al segundo disco de Youth Lagoon. Después de sorprender en 2011 con su maravilloso The Year of Hibernation, había ganas de conocer por donde caminaría su continuación. Aunque se mantiene en su estilo, Wondrous Bughouse huye en cierto sentido de lo que había hecho antes. Es extraño, y hay que escucharlo. Para seguir con la música, la crónica de una velada experimental en un club berlinés. Tres visiones artísticas diferentes sobre un mismo género musical. Mucho que decir sobre el debate digital/analógico. Todo adquiere una dimensión mucho más física en la hora del directo, y ganan pesos los argumentos a favor de lo analógico. Este mes no tenemos retrospectiva ni de un cineasta ni de un artista, sino un informe sobre uno de los sellos más aventurados e importantes del momento. Tri Angle sigue aumentando su plantilla, esta vez con The Haxan Cloak y su Excavation del que hacemos una breve reseña que acompaña el informe. Para cerrar la parte musical, la sección OTRA MÚSICA viene cargada de buenos discos. Destacan los nuevos trabajos de Phoenix, The Flaming Lips y Pony Bravo, el de estos últimos es todo un cambio frente a su pasado reciente. Sin olvidarnos de The Suicide of Western Culture que en su segundo disco explotan aún más sus recursos. Completan estas breves reseñas mucho material interesante en forma de EPs, Shlohmo, Cold Cave y Deadboy. Cambiando al apartado de cine, empiezan a ir llegando películas muy esperadas a las carteleras. Lástima que muchas de ellas no pasen de las grandes capitales. La ceguera de las empresas de exhibición de la periferia hace que no se atrevan a mostrar cosas como Aquí y Allá, ganadora de la última Semana de la Crítica de Cannes que nos queda-

David Bowie en portada

mos con ganas de ver. Tampoco llega Spring Breakers a todos los cines. Es necesario trasladarse a la capital para poder verla en versión original, y merece la pena experimentarla en pantalla grande. Enorme y excesiva, lo nuevo de Harmony Korine no deja indiferente. Otro de los grandes protagonistas es Pedro Almodóvar, ﬁel a su cita cada dos años, estrena Los Amantes Pasajeros una comedia ligera (muy ligera) que no falla en sus pretensiones, y consigue divertir partiendo de una trama absurda. Entre las reseñas de cine no distribuido, destaca por méritos propios la sobrecogedora Después de Lucía, de Michel Franco. Merecida ganadora de la sección Un Certain Regard del festival de Cannes, es un retrato ultrarealista de acoso escolar. Una de sus competidoras era Antiviral de Brandon Cronenberg, hijo de David que demuestra méritos propios en una película un tanto evasiva. Para terminar las películas más destacadas, How to Survive a Plague, documental nominado a los Oscars acerca de la lucha contra el SIDA en sus primeros años. Un documento potente que no se olvida de la emoción entre imágenes de archivo. Se completa la sección con otras películas de festival que no ofrecen mucho. Decepcionantes resulta lo último de Abbas Kiarostami y Michel Gondry. Echamos un primer vistazo al hype de #littlesecretﬁlm, una plataforma para exhibir infracine como el de Pablo Vázquez y su Desmadre en la Noche de la Quietud. Hay que sufrirla para poder comprenderlo.

CRÍTICA CINE

Spring Breakers Harmony Korine

Turbio escape de la realidad: “Enter the bitch” a campaña promocional que ha acompañado al esL treno en España del último ar-

tefacto de Harmony Korine, llevada a cabo por la distribuidora Vértigo, ha espantado al público que merece la cinta, atrayendo a otro más cercano a lo que retrata en un plano superﬁcial. Vallas publicitarias en cada parada de autobús para una taquilla más bien tibia. Si bien Korine se ha dedicado a hacer un cine que se mantiene en los márgenes, Spring Breakers

supone un cambio en la ambición del director, no en su forma de hacer cine, sino por el reclamo que utiliza. Queda claro que busca acercarse al gran público al seleccionar a unas actrices de dudosa calidad interpretativa, pero que no necesitan presentación alguna. Un movimiento inteligente, pero también cuestionable, que crea inevitables preguntas: ¿Hasta dónde habría llegado de haber optado por unas actrices más libres?

Si en sus películas, Korine se dedica a radiografíar lo marginal, en este caso queda más que claro, pues los personajes podrían salir de cualquier capítulo de Jersey Shore. Solo que Spring Breakers muestra lo que no pasa por el filtro de la MTV. Un grupo de chicas universitarias roban un restaurante para poder irse de vacaciones, la fiesta se les va de las manos y las rescata un traficante/cantante encarnado por James Franco. A partir de entonces,

CRÍTICA CINE

película toma un camino más oscuro, que escapa a cualquier idea inicial que podríamos tener. Utilizando numerosas imágenes de gente de ﬁesta en la playa, donde el alcohol es más sustancioso que el agua del mar, Korine no se olvida de introducir imágenes grabadas en otros formatos. Uno de los elementos que caracterizan su cine, y que aquí confunden al hacernos pensar que esas imágenes podrían estar grabadas por alguno de los asistentes a las ﬁestas.

mento en el que hay que entregarse a la propuesta que hace el ﬁlme. Dejarse llevar por un ritmo propio que desborda y sale de la pantalla por unos colores saturados que hacen dudar acerca de lo que vemos. Benoît Debie es quien está detrás de la cinematografía, dejando muy marcada su impronta. Los colores dominan cada plano, no hay ni uno solo que no tenga color, y que sea éste quien lo dirija. Es su trabajo quien conecta Spring Breakers con las películas de Gaspar Noe, especialmente con Enter

Los colores dominan cada plano, no hay ni uno solo que no esté dirigido por el color Visualmente, la película es un constante ir y venir de imágenes. Algunas se repiten, otras pasan tan rápido que no hay tiempo para procesarlas. Un torrente de imágenes incapaz de mantenerlo en la memoria. Se trata de un montaje dirigido por la banda sonora de Skrillex y Cliﬀ Martinez. Llega un mo-

the Void, donde los colores de neón se colaban en cada plano, consiguiendo que más que una película, fuera una experiencia visual única. Con estas mismas palabras podemos describir Spring Breakers, cambiando Tokio por las playas de Florida. Pero que a pesar de ello, es un reverso aún más oscuro y enig-

mático que el de Enter the Void. Un oscuro escape de lo real. Ya hemos dicho que el ritmo del montaje lo dirige la banda sonora, pero el tono ﬁnal del ﬁlme se consigue a través de una estructura que va más allá de una narración lógica. Es en la estructura donde podemos encontrar una crítica, no al modo de entretenimiento social (ya sea machacándose en un Spring Break o viéndolo en la televisión), sino a una forma de hacer cine. El modo de hacer de, por ejemplo, el Terrence Malick del Árbol de la Vida, recurriendo a la voice-over, las imágenes que se repiten, y una estructura que salta en el tiempo. En cierto modo, utilizar la narración de ese gran cine, de enormes pretensiones y galardones, en un contexto mucho más bajo y menor, supone una poderosa burla. Spring Breakers Director: Harmony Korine Intérpretes: James Franco, Selena Gomez, Vanessa Hudgens, Ashley Benson Año: 2012

CRÍTICA CINE

Los Amantes Pasajeros Pedro Almodóvar

Una pollada de película edro Almodóvar ha conseguido crear una imagen de P su cine tan sólida que cualquier

espectador se podía hacer una idea muy clara de cómo serían estos Amantes Pasajeros de los que tanto se ha hablado en la promoción. Las bazas del cine de Almodóvar, sin embargo, también juegan con la sorpresa. Por lo tanto, aunque el espectador sabe muy bien qué va a ver, cada nueva cinta ﬁrmada por el director manchego acabará sorprendiéndolo de alguna forma. Pongamos de ejemplo sus últimas tres películas. En Los Abrazos Rotos, uno se enfrentaba a ella sabiendo exactamente qué vería. No sabía, sin embargo, que sería la peor película estrenada ese año. De igual modo en La Piel Que Habito, sabíamos que en esa ocasión Almodóvar jugaba con el thriller de amplías pretensio-

nes. No sabíamos que, pese a ciertos momentos ﬂojos, sería una gran película, sin duda una de las grandes sorpresas del cine nacional aquel año. Ahora, con Los Amantes Pasajeros, sabíamos que volvía a la comedia y que todo transcurriría en un avión. Es decir que veríamos un Aterriza como puedas

El argumento de Los Amantes Pasajeros es lo de menos. Un avión da vueltas sobre Toledo esperando una pista libre para hacer un aterrizaje de emergencia después de que en el despegue haya habido problemas. La primera escena lo justiﬁca con unos innecesarios Antonio Banderas y Penélope Cruz que

Ligeros brillos de genialidad en una historia difusa que naufraga por momentos a lo Almodóvar. No pintaba demasiado bien, es más, podríamos predecir que sería una película mala. Y aunque todo eso se conﬁrma después de verla, lo que no sabíamos es que sería tan divertida y excesiva. Un triunfo, ya que tampoco pretendía ser mucho más.

hace presagiar que el tono de la cinta mantendrá las coordenadas de humor idiota que prolifera en este prólogo. Afortunadamente, todo cambia cuando la cámara se traslada al avión. El humor que emplea Almodóvar no es inteligente, ni mucho menos sutil.

Recurre al tópico y al lenguaje soez, pero favoreciendo unos gags desternillantes que, por surrealistas y gratuitos llaman a la carcajada. El éxito o fracaso de la cinta depende más del espectador que de la propia película. Se puede conectar con la historia o se puede intentar buscarle una explicación que no tiene. En una estrategia que no le sale nada bien, Almodóvar intenta conectar la cinta con la situación actual, metiendo un banquero que huye del país tras haber robado dinero. Fracasa en una crítica previsible y cínica. Eso sí, los planos grabados en el aeropuerto vacío de La Macha es lo más político que ha grabado el director nunca. El resto de la cinta vive inmersa en su habitual mundo de plástico. No es lo único que rompe la dinámica del ﬁlm. La trama que se baja del avión resulta anodina e innecesaria, buscando alargar la duración de la cinta, que brillaría mucho más si sólo transcurriese en el aire. Las actuaciones de Lola Dueñas, Carlos Areces, Raúl Arévalo y Javier Cámara son lo

CRÍTICA CINE

mejor de la cinta. Es cierto que también los más histriónicos y estirados. Ellos dirigen la película. Por ejemplo, el baile de los azafatos es uno de los grandes momentos destacados de la cinta. Es también una película muy gay, no sólo por sus personajes, sino en un sentido homófobo. Son personajes ceñidos al estereotipo más negativo, que no crean ningún momento de duda. Son personajes seguros en su papel de ligera comedia.

Aunque irregular, Pedro Almodóvar triunfa con su comedia frívola, irreal y vacía. Aunque no toda la cinta consiga hacer gracia, sí ofrece un entretenimiento como los amanes, pasajero. Los Amantes Pasajeros Director: Pedro Almodóvar Intérpretes: Lola Dueñas, Carlos Areces, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Antonio de la Torre Año: 2013

OTRO CINE

Después de Lucía Michel Franco

El plano ﬁjo del interior de un coche siendo abandonado en mitad de una autovía abre Después de Lucía, una película exigente por su decisión de tratar temas incómodos mostrando todo lo que hay que enseñar. La gran ganadora de la sección paralela del festival de Cannes, Un Certain Regard, sigue a un padre y una hija en su readaptación familiar tras la pérdida de la madre en un accidente. Una readaptación no sólo geográﬁca y social, puesto que cambian de ciudad tras el

suceso, sino en la misma relación padre-hija. El padre, sumido en una profunda depresión, necesita que a su hija, que actúa como asumiendo el papel de madre. Michel Franco en su segunda película, consigue hacer un ﬁlm sólido gracias en parte a unas actuaciones naturales, nada forzadas, imprescindibles para una trama de acoso. Un acoso que empieza sutil, para ir yéndose poco a poco de las manos hasta estallar. Es por eso mismo que la cinta resulta

perturbadora, todo ocurre sin saber muy bien cómo. La película mantiene muy bien un crescendo constante hasta el cierre, con un homenaje directo a Michael Haneke, del que Franco toma un modelo a seguir. Al igual que el cine del austríaco, Después de Lucía muestra sin necesidad de sentimentalismo. Situaciones crudas que aparentemente la cámara observa con frialdad, aunque la empatía del espectador queda marcada al instante.

Desmadre en la Noche de la Quietud

Pablo Vázquez

The We and the I Michel Gondry

Eden Megan Griffiths

Dentro del movimiento Little Secret Film, aliado de internet para dar a conocer películas realizadas bajo mínimo. Grabada a lo largo de un día y sin grandes medios, Desmadre en la Noche de la Quietud de Pablo Vázquez juega a epatar. Planos largos, improvisación tras improvisación y una intención por llegar más lejos de lo que se muestra en la pantalla. El problema de la película es que se capta rápido a dónde quiere llegar. Desaparece así cualquier destello que pueda tener.

Michael Gondry sigue naufragando con sus últimos proyectos. The We and the I no es más que un irregular viaje en autobús. La cinta está dividida en tres partes. Cada una buscando ahondar en la dinámica social de un grupo de compañeros de instituto. Comenzando desde la presentación del grupo en su conjunto, para ir llegando a las particularidades de cada uno. Lo cierto es que no llega a ninguna conclusión original, y todo lo que se expone recurre al cliché.

Eden empieza con brackets, algo torpe, para ir sumiéndonos en una trama angustiosa en la que no parece haber salida. Una película de alma mainstream que recuerda a Taken por el tema que trata, aunque con medios ínﬁmos y estética indie. Bajo el letrero de estar basada en hechos reales, Eden traslada a la época preinternet la prostitución de menores, y consigue conectar esos hechos alertando del potencial de internet. A pesar de la alarma algo sensacionalista, entretiene.

OTRO CINE

How to Survive a Plague David France

Antiviral Brandon Cronenberg

Poderoso documental en torno a lo que podemos denominar guerra contra el SIDA. Centrado en el colectivo activista ACT UP, que consiguió con movilizaciones y actos en las calles que el gobierno americano dejara de evadir la enfermedad, e invirtiera en su investigación. A partir de material de archivo que recoge reuniones internas, así como muchas movilizaciones, David France consigue un ritmo emotivo sin olvidar en ningún momento la concienciación.

El hijo de David Cronenberg debuta a lo grande con un ﬁlme que le debe mucho al cine de su padre, pues se sitúa en el territorio del body horror, que tanto ha incubado el canadiense. La pregunta inevitable es si Antiviral sería posible sin la trayectoria de David Cronenberg. Tal vez no. El argumento se mueve por las posibilidades de la biotecnología, llevándolas al límite e imaginando un futuro en el que la gente paga por los virus que han tenido en cama a los famo-

sos. No sólo eso, sino que a partir de células de famosos se cultiva carne que se sirve en restaurantes y en tiendas, y supone el máximo manjar para una sociedad enferma. Con una estética clínica, donde predominan los tonos blancos, quizás porque resaltan mejor la sangre con la que se traﬁca en todo momento, Brandon Cronenberg ﬁrma una película ambiciosa, que a veces se pierde entre sus propias explicaciones, pero que sorprende para bien.

Little Black Spiders Patrice Toye

Like Someone in Love Abbas Kiarostami

Un Giorno Speciale Francesca Comencini

Finales de los años setenta, un grupo de menores espera que termine su embarazo en un lugar apartado. La protagonista quiere quedarse con el niño y volver con su profesor del que está enamorada. Sin embargo, la institución que las acoge es opaca y esconde más de lo que les hace saber. Bajo esta sinopsis se esconde una historia tratada con delicadeza, con altibajos, que escapa como puede (a veces no lo consigue) al sentimentalismo esperable en una trama así.

Abbas Kiarostami de nuevo de país para ﬁlmar esta vez en Tokio. Si su anterior película, Copie Conforme, estaba ambientada en el norte de Italia, pero sin dominar el relato, recurre a la misma estrategia para contar una historia extraordinaria desde el punto de vista de lo cotidiano. La cámara viaja en coche en casi toda la película, y se mete en un taller. Entre medias, se va esbozando la historia de Akiko, una chica de compañía seguida por su novio, con un ﬁnal algo previsible.

Un Giorno Speciale es similar a Like Someone in Love, pero en clave de comedia romántica, también pasamos mucho tiempo dentro de un coche, y ambas protagonistas se dedican a lo mismo. Francesca Comencini hace un retrato de aquello que “sólo pasa en Italia” con unos personajes de lo que, salvando las distancias, podríamos denominar la italian trash. Con ciertos tics de género y un ﬁnal bastante previsible, Un Giorno Speciale no termina de convencer en sus críticas.

CRÍTICA MÚSICA

El nuevo Bowie, nuestro viejo “héroe”

The Next Day David Bowie

an pasado diez años desde que David Bowie entreH gase sus últimas once cancio-

nes. Una década de silencio que hacía presagiar una retirada deﬁnitiva de los escenarios después de que cancelara su gira en 2004 tras un ataque al corazón. Un silencio que se había ido haciendo cada vez más pesimista. Pocos esperaban una vuelta del genio, se daba por sentada una retirada deﬁnitiva. Pero no.

El 8 de enero anunciaba por sorpresa The Next Day, y dejaba escuchar la primera canción: “Where Are We Now?”. Canción enorme que no hace más que crecer según se va escuchando. Un tema que ya daba pistas, con esa letra que dibuja escenarios de Berlín - Potzdamer Platz, KaDeWe - podríamos presagiar un guiño a sus años en la ciudad, grabando su trilogía de Berlín, Low, “Heroes” y Lodger. Más tarde se conocía

cuál sería la portada, un provocativo cuadrado blanco tapando el rostro, pero dejando ver la mítica postura de su disco “Heroes”. Además, el tachón del título planteaba algunas dudas, como por ejemplo si renegaba de su pasado, o quería quitar importancia a uno de sus discos mejor recibidos. Sí dejaba clara una cosa, que el material sonoro estaría cercano a aquel de ﬁnales de los setenta. Se conﬁrma al momento.

CRÍTICA MÚSICA

El cambio entre The Next Day y su inmediato predecesor es muy notable. Reality se movía por un terreno, aunque interesante, algo manido. Sonando maduro, pero al mismo tiempo queriendo frenar el paso del tiempo. Un trabajo de pop que no sobresalía de manera positiva, pero tampoco negativa. Reality se mantenía en la línea de calidad media de sus discos, sin destacar especialmente. La estética de The Next Day, supone una vuelta al sonido de ﬁnales de los setenta. Su material posterior no tiene cabida aquí. Toda la aproximación a un sonido más “bailable”, sin duda menos personal, postLet´s Dance, queda relegado en este nuevo disco. Es una vuelta a esos maravillosos años en cuanto a la esencia musical, sin olvidar un componente de madurez que hace que estemos ante un disco serio, que celebra su propio legado anterior. Casi podríamos considerarlo un autohomenaje, de no ser porque The Next Day va más allá. Grabado en secreto y producido por Tony Visconti, uno de sus principales productores a lo largo de todos estos años. Consigue revitalizar la faceta más puramente rock de Bowie, “Where Are We Now?” es una preciosa rareza dentro del propio disco. Desde la canción que titula el disco, ya se nos muestra a un Bowie animado, de grandes riﬀs y melodías. “Dirty Boys” con su medio tiempo y aura funk, el rock modesto de “The Stars (Are Out Tonight)”, maravilloso segundo single... La lista de canciones se mantiene en un nivel que no decae, a pesar de que se permite variar mucho el estilo de una canción a la siguiente.

han marcado su música todos estos años. Es otra de las grandes canciones a guardar de este nuevo disco. Y en ese mismo saco debemos meter “Dancing Out In Space”, notable canción

Bowie vuelve con ganas de mirar al frente, sin olvidar su pasado Continuando con el repaso, “Love Is Lost” no deja de lado las guitarras, pero está dirigido por los teclados. “Valentine’s Day” nos hace recordar los grandes riﬀs de guitarra que

construida a partir de un riﬀ diferente, casi ambiental. La sensación que deja The Next Day no puede ser más positiva. Bowie vuelve con ganas de mirar al frente, sin olvidar su

pasado. La pregunta que toca hacerse es sí habrá más, y si hará o no conciertos de presentación, ya que la posibilidad de una gira queda casi completamente descartada. Una vuelta al origen, a sus grandes años, no para retroceder o negar cualquier acierto del presente. No debemos confundir este movimiento como una rendición a ese “cualquier tiempo pasado fue mejor”, más bien como la búsqueda una inspiración. Pues The Next Day suena indudablemente al ahora. Uno de los discos más increíbles que hayamos podido escuchar este año.

CRÍTICA MÚSICA

Wondrous Bughouse Youth Lagoon

Trevor Powers envenena su proyecto de dream pop n 2011 Trevor Powers publicaba un debut inespeE rado y sorprendente. The Year of

Hibernation era un disco mantenido a partir de un sonido de baja ﬁdelidad que favorecía gracias a ello el hallazgo de la ensoñación. Youth Lagoon era un proyecto de dormitorio. No sólo reﬁriéndonos a la estética que mostraba Powers en esas 8 canciones, sino por una fórmula pensada para ese lugar de recepción. Más allá de la producción alejada del estudio, The Year oh Hibernation no estaba hecho para grandes masas, sino para un consumo más personal

en el que poder explotar una comunicación de individuo a individuo. En cierto modo, se dudaba de cómo podrían llevarse esas canciones al ámbito del directo, en

aquel álbum. Wondrous Bughouse tiene que luchar por mantener el nivel de un predecesor, un disco-secreto que cada vez se va haciendo más y más conocido.

La mezcla de ingredientes se hace más compleja para hacer más apetecible el segundo plato el que los detalles ocultos por la neblina del sonido del debut se cambiarían por el murmullo del público. Tal vez Powers haya pensado en esto a la hora de pensar en la continuación de

Trevor Powers avanza hacia un sonido de banda, abandonando el intimismo a partir de unas canciones que buscan un público más amplio, manteniendo, eso sí, la ensoñación.

Powers ha declarado que se ha inspirado en su temor a la muerte, al mismo tiempo que acababa por aceptarla. Decía que esta idea tiene más sentido en el disco, algo que no sucede, alimentando así esa idea abstracta. Un concepto que da vueltas ya en el primer tema del disco, “Through Mind and Back”. Sintetizadores que confunden y que exploran un terreno que no tenía cabida en su anterior disco. Wondrous Bughouse se aleja de la inmediatez del anterior. La mezcla de ingredientes se hace más compleja, entre lo puro y lo prestado, para hacer más apetecible este segundo plato. El sonido enmarañado de aquel primer disco es sustituido por una perfección de estudio que sorprende en un primer momento. Esto no quiere decir

CRÍTICA MÚSICA

que se pierda esa esencia, ni que el sonido sea cristalino. El sonido sigue sin ser definido, evoca más que muestra. Muchas de las sensaciones a las que evoca, tienen luz, alegres como “Attic Doctor”. Luminosidad que hace que la voz se muestre más segura, pero igualmente oculta por capas. La calidad del sonido de estudio hace que haya abandonado las bases programadas por un acompañamiento rítmico de batería real. Tres canciones destacan especialmente si hacemos referencia al sonido de banda del que hablábamos antes. Por un lado “Dropla”, la primera canción que nos dejaba escuchar, es un ejemplo de estructura escurridiza y de una cierta épica menor que se mantiene intacta como esencia de Youth Lagoon. En segundo lugar, “Mute”, donde recuerda al proceso de cambio que sufrió Neon Indian de su primer a segundo largo. Por último, “Raspberry Cane”, que podríamos calificar como la gran canción del disco, incendiada que huye de lo fácil. En definitiva, Wondrous Bughouse es un disco más evasivo y menos pop. Se escabulle por pasajes distintos a los del debut, pero es precisamente por esa interés de avanzar en otras direcciones lo que hace a Trevor Powers interesante. No le faltan canciones, tampoco una marcada estética que le haga único. Wondrous Bughouse no es a primera vista una joya instantánea como si era su debut. Pero tiene todos los elementos para que podamos decir que es uno de esos discos que acaban atrapando a pesar de mantener un desarrollo irregular.

Aunque las canciones más destacadas se muestren muy animadas y muy rítmicas, lo que se esperaba de Youth Lagoon eran los ambientes más envolventes. Mucho más calmado, sin necesidad de percusión para hacerse oír, “The Bath” es reconocible al instante por situarse cercana a The Year of Hibernation.

OTRA MÚSICA

Bankrupt! Phoenix

El anterior disco de Phoenix, Wolfgang Amadeus Phoenix, los situó en una liga que tal vez les queda demasiado grande. ¿Es Phoenix un proyecto para encabezar festivales? ¿Son Phoenix los sustitutos a aquellos Strokes que perdimos? Claramente no. Se confunden sus explosivas melodías y un savoir faire que los ha lanzado al foco mediático en el que se encuentran con querer “tiranosaurizar” cualquier grupo que se escapa del gusto minoritario y llega al gran público.

En Bankrupt!, Phoenix repiten la misma fórmula que en su disco anterior: Inicio potente, mitad más experimento y un cierre algo más mediocre salpicado por las mejores canciones. Así, el inicio con “Entertainment”, “SOS in Bel Air” o “Trying to be Cool”, equivale a las canciones ya consolidadas como clásicos tipo “Lisztomania”. A mitad de disco deciden pararse para jugar a intentar otra canción tan sorprendente y misteriosa como “Love Like a

Sunset”. Solo que esta vez no los consiguen y se quedan en la autocopia. Finalmente, la segunda mitad del disco se hunde en lo olvidable a excepción de “Drakkar Noir” y “Bourgeois”, las dos grandes competidoras a mejor canción. Concluyendo, podemos decir que Bankrupt! es el intento de volver a repetir lo que ya les ha salido bien. Es un disco cobarde, estancado. Aún así, ofrecen lo que se espera de ellos, que no es poco.

Oceans With No Name Cold Cave

Oval Calidostópia!

The Suicide of Western Culture

Cold Cave, el proyecto de Wesley Eisold que se ha rodeado de distintas alineaciones para cada disco, regresa tras Cherish the Light Years con un EP incontestable. Dos canciones que nos muestran la mejor versión de Cold Cave. “Oceans With No Name” tiene alma de himno, dirigida por unos sintetizadores desvocados, en la línea de sus grandes canciones. “People Are Poison” sigue un camino más guitarrero, con un tono muy Jesus And Mary Chain. Simplemente genial.

Markus Popp más conocido por su pseudónimo, Oval, ofrece gratuitamente esta colaboración con numerosos cantantes desde Sudamérica. Calidostópia! recoge el material obtenido a partir de diez días en Brasil y no es más que el inicio de un proyecto más ambicioso. Con muchos elementos casuales, los estallidos y crujidos de la música de Oval se mezclan con unas voces cálidas que contrastan con la frialdad habitual de las composiciones fortuitas de Popp.

El primer disco de The Suicide of Western Culture llegó como una completa sorpresa. En sus directos, sin embargo, se dejaba notar una intensidad mayor que la recogida en sus nueve canciones. Hope Only Brings Pain consigue acercarse más a la experiencia del directo y lo hace con enormes canciones, como la titular o muy especialmente con “Love Your Friends, Hate Politicians” para un disco que intenta acercarse a posturas políticas, aunque tan sólo sea con al nombrar las canciones.

Hope Only Brings Pain

OTRA MÚSICA

De Palmas y Cacería Pony Bravo The Terror The Flaming Lips

El tercer disco de Pony Bravo suena con seguridad. De Palmas y Cacería presenta a un grupo consolidado en la escena estatal. Aliados de la ironía para hacer canciones feroces, los de Sevilla entregan lo que podría considerarse como himnos. Además del dedicado a la propia Sevilla, destacan especialmente “El político neoliberal” y muy especialmente “Eurovegas”, sintonía ácida repleta de referencias y humor. Su batidora de estilos nunca antes había sonado tan convincente.

Después de los últimos desvaríos de Flaming Lips, era poco esperable un disco tan redondo y unitario como The Terror. Muestra al grupo alejado de su vertiente más pop, y entregado a un disco conceptual en el que no caben los juegos y trucos de sus conciertos, convertidos en una ﬁesta de confeti y disfraz. Un disco mucho más serio de lo que nos tienen acostumbrados. Estilísticamente, es una gran obra de space rock para el que, eso sí, no pierden ni un ápice de la locura que les caracteriza.

La propuesta que nos hacen está basada en una paleta de sonidos áridos y alienados. Teclados y sintetizadores que caminan entre lo ambiental y lo ruidoso, escondiendo la voz de Wayne Coyne. En esencia, suprimen las canciones para apoyar la idea de disco complejo, atrevido y necesario para dar un giro al devenir que estaba sufriendo su carrera, que parecía haber quedado estancada a principios de los 00’s. The Terror nos trae de vuelta a los mejores Flaming Lips.

Laid Out Shlohmo

Acteurs

Blaquewerk Deadboy

Ampliando conceptos y dejándose llevar por una mayor ambición que la mostrada en su anterior EP, Vacation, Shlohmo se mantiene en su particular estética a la espera de su segundo largo. Colaboración con How To Dress Well incluida, las canciones de este nuevo corto se balancean entre géneros y fórmulas, aunque predomina un tono ambiental mucho más marcado que en el Glitch Hop de Vacation. Eso sí, nos quedamos con ganas de otra joya como “Wen Uuu”.

Por un camino oscuro y tenue se mueve este primer disco de Acteurs. Un proyecto formado por Brian Case de Disappears y su aliado Jeremy Lemos en un disco corto que, sin ofrecer ninguna maravilla, tiñe de asﬁxia al oyente durante su media hora. Temas minimalistas, sin grandes sonidos ni alardes para transmitir sensaciones cercanas a la angustia y a la claustrofobia. Una propuesta ambiental mezclada con experimentación donde no cabe ni un suspiro de aire.

Cambios en lo nuevo de Deadboy que van más allá de que él mismo ponga su voz a los temas. Uno de los productores más interesantes del sello Numbers se pasa del UK Funky a un terreno más peligroso. Mucho más oscuro e intrigante por unas estructuras que varían, así como sonidos que aparecen de manera inesperada. El sintetizador de “On Your Mind”es el ejemplo del cambio que supone estas nuevas canciones. Blaquewerk es toda una sorpresa y una conﬁrmación.

EXTRA MÚSICA

Live: Jelena Glazova, Maulex y Derek Holzer

El valor de lo analógico n el club Madame Claude, situado en el barrio berliE nés, Kreuzberg, cada noche se

celebran conciertos de distintos estilos. Para entrar al local, tu mismo pones el precio de lo que vas a ver, y tras bajar por unas escaleras, entras en lo que parece un pub al revés. Las mesas y las sillas están colgadas en el techo. Si bajas aún más abajo, se llega a la sala donde se celebran los conciertos. Un espacio muy pequeño, que más bien parece un local de ensayo. No hay escenario, y la gente se agolpa en las escaleras esperando a que alguien abandone el concierto para ocupar su lugar. El primer turno es para Jelena Glazova, de Letonia. Acompañada por unas proyecciones insulsas, su actuación está basada en lanzar desde su ordenador un drone atronador tras una actitud fría e inmóvil. La base del sonido es digital y no hay ningún motivo real para prestar atención. Su música se queda

corta y no llega a decir realmente nada. Eso sí, el público está absorto a cada parpadeo que hace Glazova. Mucho más interesante resulta Maulex. Continuando con el género ambiental, su propuesta no se apoya del soporte digital para conseguir los mismos resultados. Acompañado de varios tocadiscos, una serie

Cierra la noche Derek Holzer ahondando aún más en ese valor analógico y fortuito con un sintetizador. Cambiando la distribución de la sala y situándose justo en medio, su sonido ambiental llega mucho más allá que sus predecesores. Aunque también juega con el azar, no supone un corte como sucede con Maulex, sino que lo sabe

La diferencia está en el valor extra que aporta lo irrepetible de micrófonos unidos a alambres y varios vinilos trucados, además de varias cámaras minúsculas que capturan el movimiento de cada reproductor y lo proyectan detrás. Resulta hipnótico y muy curioso. Aunque su propuesta depende del azar, y muchas veces lo más sorprendente llega del error, es una propuesta mucho más aventurada.

explotar. En términos de sonido, su drone aturde de un modo físico. Su hipnosis no entiende de pose. La diferencia está en el valor extra que aporta lo irrepetible. Unido al momento, el concierto de Holzer variará notablemente de la sala, su público (mudo o no) y hasta de el crujido inicial que sirve de base para una experiencia inimitable.

INFORME MÚSICA

La búsqueda constante Informe sello Tri Angle

undado en 2010 por Robin Carolan, un estadouniF dense que por aquel entonces

tenía 25 años, decidido a publicar grupos que descubrió a través de internet, Tri Angle se ha convertido en un sello perteneciente, en todos los sentidos, a la década que acaba de comenzar. Con cada nuevo lanzamiento se ha caracterizado por una búsqueda de nuevos sonidos que miran hacia delante, abandonando el revival y los géneros tradicionales. Tri Angle busca, ante todo, “exponer a la gente a sonidos que quizás nunca antes hayan escuchado”, son palabras de Carolan en una entrevista para la revista Dazed, donde explicaba cómo ve el sello su propio creador: “Pienso cuidadosamente todo lo que edito, como si estuviera intentando crear una narración para el sello con cada lanzamiento”. En su origen, el sello fue injustamente conectado con un efímero género musical, el witch house, que desapareció tan rápido como empezó a hablarse

de él. Aunque es cierto que en las primeras referencias del sello, con el proyecto oOoOO principalmente, había una sintonía con los elementos del witch house, rápidamente quedó demostrado que Tri Angle era mucho más que una plataforma para una moda musical pasajera. Fue con el EP de Balam Acab, el gran descubrimiento del sello, y más tarde de Holy

ambicioso disco conceptual, situándose como uno de los artistas más genuinos de los últimos años. El caso de Holy Other es similar, con una electrónica sentida que conﬁrmaba en su reciente disco, Held. Del mismo modo, Clams Casino, renovador del hip hop, ponía de maniﬁesto que sus producciones se valían totalmente por sí mismas, sin ayuda de ningún cantante.

Cada lanzamiento parece avanzar aún más en un sonido radicalmente nuevo Other y Clams Casino, gracias a los que Tri Angle dio un salto cualitativo imparable. Alec Koone, escondido tras el alias de Balam Acab, se presentó como la gran promesa de un ambient electrónico que parecía llegar de otro planeta. En su debut en largo un año más tarde, explotaba todo lo mostrado en ese primer EP con un

Estos tres ejemplos son una muestra de la amplitud de miras del sello que no se cierra a ninguna propuesta por muy diferente que esta sea. Otro de los rasgos que diferencian a Tri Angle de otros sellos es un sonido reconocible desde el primer momento. Cada nuevo lanzamiento que sacan sienta unas bases, avanza tanto en in-

INFORME MÚSICA

novación como en una imagen oscura y misteriosa que atrapa al oyente. Todos sus artistas son diferentes entre sí, pero todos guardan elementos comunes que hacen que, si bien no podamos decir que hay “un sonido Tri Angle”, sí que al menos hay un ambiente reconocible en todos ellos. Los valores del sello, podríamos decir que son la innovación y el riesgo. El riesgo no siempre acaba dando resultados complacientes. Como todo sello discográfico, es lógico que hayan tenido ciertos fracasos, más aún cuando pretenden mostrar nuevas músicas por muy difíciles o incomprensibles que estas puedan ser. Así, experimentos como los de Ayshay, una artista que juega con las repeticiones vocales sin llegar a dar forma a ninguna canción, o Howse, una propuesta basada en la repetición extenuante, no han alcanzado la calidad media del resto de lanzamientos de Tri Angle. Otros movimientos más acertados han sido la aproximación a la renovación del R&B y no se ha andado con mal ojo, How To Dress Well ha pasado por las manos del sello, pero también AlunaGeorge tuvieron su gran presentación antes de convertirse en una de las grandes promesas para este 2013, al mezclar perfectamente la calidad más underground con una ambición mainstream que puede hacerles brillar en ambos territorios. En su plantilla también figuran Evian Christ, Water Borders y Vessel. Tres propuestas muy diferentes entre sí, que aunque no hayan alcanzado el nivel de exposición que merecen, se trata de figuras con un imaginario electrónico muy marcado. A cada nuevo disco parece no haber un final, cada lanzamiento parece avanzar aún más en un sonido radicalmente nuevo. Esta fórmula parece inagotable, y cada anuncio de nuevos artistas aumenta el interés por lo que Carolan pueda haber encontrado. Imposible predecir por donde continuará el camino de Tri Angle. Es una de las marcas que hacen que el sello se haya hecho un hueco propio que nadie puede arrebatarle.

Excavation The Haxan Cloak

El sonido de la perforación El primer lanzamiento del sello en este 2013 es el segundo disco del británico The Haxan Cloak, nombre tras el que se esconde Bobby Krlic. El material que encontramos en Excavation se al Dark Ambient y Drone que últimamente tanto se escucha gracias a proyectos como Demdike Stare, Raime o Emptyset. Como bien ilustra el nombre del disco, la música que mueve los nueve cortes podría ser la banda sonora de una excavación, imaginaria o no. Música

No es un disco instantáneo. La música de Haxan Cloak se toma su tiempo. Sus elementos esperan paciente su momento, ocultos hasta que aparecen ﬁnalmente. Canciones áridas y espacios abiertos que se retuercen. Es complicado reconocer elementos más allá de las voces fantasmales a las que nos referíamos antes. Sin duda, comparte elementos con otros discos publicados por Tri Angle. Pero como no podía ser de otra manera, hasta el momento, no había pa-

The Haxan Cloak recuerda a un Holy Other sin alma de subsuelo, oscura y tenue en muchas ocasiones. Maquinal y de corte industrial. Es algo muy técnico, pensado, no hay cabida a las emociones. En cierto sentido, The Haxan Cloak recuerda a un Holy Other sin alma. Ambos parten de las repeticiones, de los loops, también de las voces ﬁltradas que aquí se cuelan en ocasiones. Pero si bien es posible hacer un paralelismo entre ambos, llega un punto en que sus direcciones se dividen. La de Holy Other intentando llegar lo más arriba posible, y The Haxan Cloak en un intento de descender abajo, muy abajo.

sado por las manos del sello un disco como este. Con unas fórmulas tan extendidas, y también por ello, menos sorprendente. Esto no quiere decir que no mantenga la indudable calidad que se autoexige el propio sello, sino que no sorprende tanto al recordar discos como Quarter Turns Over a Living Line de Raime. “Miste” o “The Mirror Reﬂecting (Part 2)” son dos de los momentos más tensos y recordables de una excavación que cumple su función, aunque no llegue a brillar con luz propia. Un disco extremadamente oscuro.

LISTAS

música 1 David Bowie - The Next Day 2 Cold Cave - Oceans With No End 3 Pony Bravo - De Palmas y Cacería 4 The Suicide of Western Culture - Hope Only Brings Pain 5 Youth Lagoon - Wondrous Bughouse 6 Phoenix - Bankrupt! 7 Darkstar - News From Nowhere 8 My Bloody Valentine - m b v 9 The Haxan Cloak - Excavation 10 Ducktails - The Flower Lane

8 8 8 8 7 7 7 6 6 5

David Bowie

cine 1 2 3 4 5

Spring Breakers - Harmony Korine Django Unchained - Quentin Tarantino No - Pablo Larraín Los Amantes Pasajeros - Pedro Almodóvar The Master - Paul Thomas Anderson

9 8 8 7 5 Spring Breakers

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