Memorias FITCali 2017 by Alcaldía de Cali

MEMORIAS FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI

ISSN: 2539-2794

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FITCali 2017 (8)

Cali, una esquina para el teatro. (9) John Jairo Perdomo.

Un festival de ciudad. (11) Óscar M. Cuevas.

Encuentro de saberes (14)

Por la ruta de Donde se descomponen las colas de los burros. (15)

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índice El festival a color (56)

Registro fotográfico del festival. (57)

Programación (82)

Obras FITCali 2017. (83) Artistas FITCali 2017. (100)

Carolina Vivas.

El problema del mal. Un teatro de ideas. (19) Adela Donadio.

Proceso de Historias comunes de anónimos viajantes. (22) Antonio Zúñiga.

El percusionista. (26) Gorsy Edú.

Horizontes en el teatro colombiano. (29) Fernando Vidal.

Siloé, ¿a quién engañas abuelo? y Lucy. (31) Rodrigo Vélez.

Brújula. (33)

Jorge Zabaraín.

Dirección General John Jairo Perdomo Dirección Editorial Secretaría de Cultura de Cali Diseño, diagramación y edición Óscar M. Cuevas Diseño de imagen de portada Ternario Estudio Creativo a partir de una fotografía de Iván Montoya Coordinación de fotografía Leonardo Linares Impresión Impresos Pacheco

La escuela teatral como invención de ejercicios. (35) Douglas Salomón.

Una Buenaventura. (36)

Juan Carlos Osorio.

Homenajes (38)

IVÁN MONTOYA (39) ¡Qué pesar vos tan joven, no has vivido nada! (40) Julián Correa.

HILDA RUIZ (42) Acerca de Hilda Ruiz. (43) Lisímico Núñez.

PHÁNOR TERÁN (44) Toda una vida. (45) FITCali 2017.

JUAN CARLOS AGUDELO (46) La gaviota solitaria. (47) Olivia Agudelo.

ESQUINA LATINA (48) Esquina independiente. (49)

Entrevista de Óscar M. Cuevas.

“¡HA’TA L’ETINA!” (52) Alberto Ayala M.

ISSN 2539-2794 Derechos reservados. Esta publicación no puede reproducirse parcial o totalmente, archivada en un sistema de recuperación o transmitida por medios electrónicos, mecánicos, de grabación u otros, sin el permiso previo del propietario de los derechos de autor. Esta publicación no se hace responsable de la opinión vertida por los distintos autores.

F: Leonardo Linares

Discurso de Secretaria de Cultura durante lanzamiento de FITCali 2017 Teatro La Mรกscara.

ALCADร A MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Sra. Luz Adriana Betancourt Lorza

l Festival Internacional de Teatro Cali 2017 por segunda vez ratificó la voluntad de la Alcaldía de Cali a través de la Secretaría de Cultura para fortalecer el sector teatral y acercar a diversos públicos la posibilidad de ver teatro internacional, nacional y local.

El año pasado nos propusimos trazar una estrategia para garantizar el óptimo disfrute de los espectáculos, por lo cual este año definimos un valor simbólico para ingresar a las salas garantizando la reserva de las localidades. Quiero expresar infinitas gracias por su respuesta al llenar cada función programada para el disfrute de la ciudad, demostrando que Cali progresa con cultura. Del 20 al 27 de octubre la ciudad se vistió de fantasía, brillaron los teatros, las salas, el bulevar, los colegios y los espacios no convencionales; el público se dejó sorprender con obras de todos los géneros provenientes de Argentina, Cuba, México, China, Guinea Ecuatorial, Israel y, por supuesto, Colombia. Por ello, la organización del festival, respaldada por la Mesa Conceptual, con la dirección del licenciado en Arte Dramático, John Jairo Perdomo, logró identificar esa necesidad que el público contenía, esa necesidad de entretenerse, de reír, de volver al teatro, generando espacios de encuentro entre profesionales y público, convirtiendo este momento del año en un espacio para reconocer una muestra del teatro del mundo congregado en nuestra ciudad. Este encuentro, no solo del público con el arte, sino también del sector, fue la oportunidad de hacer sinergia entre actores, directores, nuevas generaciones del teatro, dramaturgos, escenógrafos, vestuaristas, técnicos, productores y programadores, dando como

resultado 8 días de un festival maduro que se proyecta como unos de los eventos más importantes en el ámbito teatral a nivel nacional. Destaco la oportunidad de homenajear la memoria, la vida, el legado, la trayectoria y exaltar personajes significativos a nivel nacional; de los cuales, sin duda, el homenaje más sentido en esta edición del festival fue para el maestro Iván Barlaham Montoya, quien interpretara a nuestra Jovita Feijoó durante casi 17 años en el carnaval de Cali Viejo. Las actividades artísticas y académicas estuvieron a la altura de un gran festival y de un gran público. Fuimos modernos, visualizamos cada momento incentivando a la gente a participar; el esfuerzo del equipo humano hizo posible que todo se conjugara para ser un éxito. Por eso agradezco a cada una de las personas que portó la camiseta verde del festival, que se levantó cada mañana a sentir cómo Cali respiraba teatro, cómo el público gozaba con algo que nunca antes había visto; gracias a ese equipo humano que sintió orgullo al ver las obras de los colegas del teatro, que resolvieron cada detalle para que todos viviéramos la fiesta. Agradezco también a los equipos administrativos y financieros, y especialmente a nuestro Alcalde Maurice Armitage pues, de la mano de la Secretaría de Cultura, hizo posible vivir este tipo de programación, promoviendo que el próximo año el teatro llegue a más espectadores con obras insuperables y que Cali se proyecte a nivel nacional con ese gran potencial artístico que tiene el gremio teatral que permanentemente crea y produce su oferta en la ciudad.

SECRETARIA DE CULTURA DE SANTIAGO DE CALI

CALI PROGRESA CONTIGO

F: Leonardo Linares

Equipo de FITCali 2017 Centro Cultural de Cali, Secretaría de Cultura de Santiago de Cali.

SECRETARÍA DE CULTURA DE SANTIAGO DE CALI

Secretaria de Cultura Luz Adriana Betancourt Lorza Directora de Festivales Yamileth Cortés Coordinadora de Artes María Victoria Sierra Hurtado

FONDO MIXTO PARA LA PROMOCIÓN DE LAS ARTES Y LA CULTURA DEL VALLE DEL CAUCA / OPERADOR Gerente María Clemencia Ramírez de Fernández

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

MESA CONCEPTUAL

Jorge Zabaraín Susana Uribe Bolaños Edgar Barrera Montenegro Gerson Andrade Ochoa Diego Martínez Oswaldo Alfonso Hernández Wilmark Arango Toledo Jackeline Gómez Romero José Reinel Osorio Torres Julián Correa

ORGANIGRAMA FITCALI 2017

APOYO TÉCNICO

DIRECCIÓN

Director General John Jairo Perdomo Directora Ejecutiva Beatriz Monsalve Trujillo Asistente de Dirección Stephania Múnera Daza

PRODUCCIÓN GENERAL

Productora General Adriana Bermúdez Fdez. Asistencia General Gabriela Restrepo G.

PRODUCCIÓN LOGÍSTICA

Productora Logística Margarita Casas Aragón Coordinadora de Transporte Patricia Gómez Coordinadora de Alimentación Tonia Zapata Mondragón Logística de Grupos Focales Ángela María Ojeda Flechas Asistente de Transportes Lizeth Camacho Delgado

PRODUCCIÓN TÉCNICA

Productor Técnico Jorge Quiñones Encargado de Salas y Espacios cerrados Gerson Andrade Ochoa Encargada de Calle y Espacios abiertos Brenda Collazos Lorduy

PROGRAMACIÓN ACADÉMICA

Coordinador Diego Fernando Burgos Gómez Asistente Yaury Viera

COMUNICACIÓN Y PUBLICIDAD

Comunicaciones Alcaldía de Santiago de Cali Comunicaciones Secretaría de Cultura de Santiago de Cali Coordinadora de Medios FITCali 2017 Ana Prado Apoyo de Comunicaciones Claudia Ríos Rengifo y Jorge I. Rengifo Diseño Gráfico Ternario Estudio Creativo Publicaciones Óscar M. Cuevas Coordinador de Fotografía Leonardo Linares Registro fotográfico Leonardo Linares, Jaime Manrique, David Chávez, Sebastián Cabuayles, Sebastián Bolaños, Carlos Arce, Pablo Chacón, Mayerly Quintero, Gisell Sánchez, Derly Cabrera y Camilo Melo Registro y Edición audiovisual La Comba al Palo: Álex Camacho, Octavio Cruz, John Jairo Salazar, Mario Baos y Francisco Parra. Gestión de Redes sociales Alcaldía de Santiago de Cali Coordinación de Impresiones Fabián Barreiro Macuacé Impresiones Impresos Pacheco, La Publicité y Fernando Rivera Impresos

COMERCIAL

Productora Comercial Nathaly Vargas Aguado

Colaboradores Sthefania Lombana López, Constanza Gómez Vélez, Cristian Camilo Caicedo Herrera, Ricardo Bolívar Rojas Pacichana, Giancarlo Montoya López, Joseph Alessandro Jiménez Montoya, José Miguel Medina Vélez, Johan Esteban Mejía Ospina, Steven Lasprilla Hernández, Alexander Piamonte Barrios, Azrael Capote Zamorano, Fabian Navia Álvarez, Oscar Eduardo Canizales Garzón, Juan Camilo Medina Escarpetta, Luigi Jair Ordóñez Girón, David Jefferson Hidrobo, Diana Urueña Taborda y Daniel Augusto Osorio Castillo

COORDINACIÓN DE SALAS

Coordinadora Ángela Pacheco Coordinadores de salas Giuseppe De Gasperis Muñoz, Alejandro Ovalle, Mayerly Andrea Soto Torres, Angélica Duque Lozano, Sara Lucia Vargas, Román Escobar, Juan Carlos Osorio, Karen Grisales Rivera, Daniela Aguilar Rivas y Eliana Patricia Cruz Blandón

GUÍAS DE GRUPOS E INVITADOS ESPECIALES

Coordinadora Isabel Heraso Agredo Guías Mateo Ayala, Natalia Zapata Arias, Alejandra Trujillo, Catalina Tafur Valencia, Maria del Mar Carmona, Laura Sánchez, Skai Velásquez, Alejandro Arias Muñoz, Marisol Angulo Sánchez y Magally Albán Reyes Encargado de delegación china Nicolás Reyes-Rinckoar

ALIADOS

Biblioteca Centenario, Casa Abierta, Centro Cultural Comfandi, Cine Colombia / Primera Fila, Clásica 88.5 fm, Departamento de Artes Escénicas de la Universidad del Valle, Escuela Militar de Aviación Marco Fidel Suárez, Escuela de Teatro del Instituto Popular de Cultura, Facultad de Artes Escénicas del Instituto Departamental de Bellas Artes, Javeriana Estéreo Cali, Laboractores, La 4ta Pared Café-Teatro, MetroCali/Cultura MIO, Periódico El País, Pontificia Universidad Javeriana Cali, Teatro Jorge Isaacs, Teatro La Máscara, Teatro Municipal Enrique Buenaventura, Teatro Salamandra, Univalle Estéreo, Universidad del Valle y Universidad ICESI

AGRADECIMIENTOS

Ministerio de Cultura, Cali Teatro, Casa Naranja, Colectivo Teatral Infinto, Domus Teatro, Espacio T, Fundación Aescena, Fundación de Teatro y Artes Yolanda García Reina, Instituto Departamental de Bellas Artes, Instituto Popular de Cultura, Institución Educativa Juana de Caicedo y Cuero, Institución Educativa Llano Verde, Institución Educativa Nuevo Latir, Teatro al Aire Libre Los Cristales, TEATRO del PRESAGIO, Teatro de la Unión. Comuna 16, Teatro de Títeres Castillo Sol y Luna, Teatro Esquina Latina, Teatro Experimental de Cali TEC, Teatro La Concha, Revista EscenoGráfica, Jorge Blandón, Jaime Manrique, Oswaldo Alfonso Hernández, Alberto Bolaños, Rodrigo Vélez, Diana Trujillo, Susana Uribe, Lucy Bolaños, Jorge Zabaraín, Ruth Rivas Franco, Wilmark Arango, Douglas Salomón, Melissa Osorio, Yacqueline Salazar, Antonio Zúñiga, Roberto Mendiola, Enrique Espitia, Fernando Vidal, Alejandra Cruz Ospina, Carolina Vivas, Adela Donadio, Antonio Zúñiga, Gorsy Edú, Juan Carlos Osorio, Julián Correa, Lisímaco Núñez, Alberto Ayala M, Linna María Duque, Sandro Romero Rey, Liliana Alzate, Consejo Nacional de Artes de Cuba, Embajada de Israel y Embajada de China.

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1 FITCali 2017

CALI, UNA ESQUINA PARA EL TEATRO: JOHN JAIRO PERDOMO

Cali, una esquina para el teatro JOHN JAIRO PERDOMO

“...no soy, no hay yo, siempre somos nosotros... Muestra tu rostro al fin para que vea mi cara verdadera La del otro Mi cara de nosotros...” Octavio Paz.

aravilla ver una ciudad que vibra en tono de teatro, donde espectáculos de gran calidad, de varios continentes y diferentes ciudades fortalecen el diálogo con el país teatral y abre oportunidades hacia otros posibles espacios de proyección.

Del 20 al 27 de octubre de 2017 pudimos ver en una heterogénea programación de espectáculos de la ciudad que dejan un dulce sabor en el ambiente teatral y permite soñar con qué más puede ser posible, devuelve la esperanza del hacer y vislumbra un camino futuro de nuevas y valiosas creaciones que nutrirán los escenarios del mundo desde esta esquina para el teatro, esta esquina del suroccidente colombiano, donde se crea con pasión, donde se defienden los pensamientos con vehemencia y se gestan nuevas formas de contar sobre el escenario. Ver llegar al público en una sinfonía que llenaba las salas de manera fluida y cumplía con la máxima de que hay teatro cuando hay público que lo aprecie en los espacios destinados al ritual; mirar la sonrisa y expresión de los niños al ver un muñeco tomar vida y contar historias; y observar la alegría de los padres al saber que cumplían la

misión del día, te devuelve la fantasía. Es así que el Festival Internacional de Teatro Cali 2017 cumplió con altura los retos de esta edición: realizar el evento teatral más grande en tamaño del suroccidente colombiano, aportando al rescate del liderazgo regional y contribuyendo a la transformación de la percepción ciudadana sobre las diferentes manifestaciones del arte teatral y dinamizando la formación y fidelización de los públicos hacia estas expresiones del arte y la cultura: un arte que mueve el alma de los creadores e impulsa nuevos retos para la escena. Realizar este festival es un enorme desafío para mantener la vigencia del teatro caleño en la escena artística. Para tal fin, se contó con un equipo de trabajo que debe ser destacado. Un equipo con un compromiso máximo para sacar adelante un evento tan grande como este, un equipo que vive el teatro durante el año como su profesión, personas con una experiencia nacida de enfrentarse a retos permanentes en el ámbito artístico, comunicativo y de producción y que, en unión a la Alcaldía Municipal, a través de la Secretaria de Cultura de Santiago de Cali, cumplieron un rol fundamental para la realización de este evento que es ya un asunto de interés de la ciudad de Cali. El Festival Internacional de Teatro Cali es ahora un evento de interés tanto en el ámbito de la cultura como de las prácticas sociales en general, y hace parte de una política estratégica de articulación que fortalece las dinámicas teatrales locales, aportando a su visibilidad ante la ciudadanía, la circulación de espectáculos teatrales y el reconocimiento social entre los diversos públicos, mostrando las expresiones y manifestaciones teatrales que abarcan todo el espectro de miradas estéticas, de representación escénica, de modalidades y de géneros, con el denodado intento de reposicionar el liderazgo regional del teatro caleño y vigorizar el diálogo con el país cultural. Agradecer sin duda a la Mesa Conceptual, órgano asesor permanente del Festival Internacional de Teatro Cali, que refleja la realidad teatral local en sus identidades y en sus diferencias, constituyendo un espacio idóneo para el diálogo y la búsqueda de consenso. Además de hacer análisis crítico de las obras, busca acercar las creaciones escénicas a los más variados públicos, a extenderse por el territorio municipal e interactuar con espectadores de las más diversas condi-

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FITCALI 2017

ciones y creencias, con el fin de aportar a la construcción de sentidos de identidad y señas de pertenencia ciudadana, y sumando a la consolidación y posicionamiento del arte teatral en la ciudad.

Dentro de los logros principales del Festival se destacan el fomento a la creación de espectáculos nuevos que nutran la escena local, además del intercambio de saberes entre los portadores de sabiduría en las practicas teatrales, actores, actrices, dramaturgos, directores, técnicos, escenógrafos, coreógrafos y artistas plásticos. A su vez, el Festival dio un valioso reconocimiento en forma de homenaje a figuras fundamentales en el desarrollo del sector, como lo son Teatro Esquina Latina y sus hombres y mujeres, quienes recibieron el homenaje a Obra y legado por una trayectoria durante la cual han formado generaciones de artistas por 45 años y nutrido la escena con sus reconocidas obras. También se dio sentido homenaje al recientemente fallecido actor Iván Barlaham Montoya, quien dejó un gran legado y ejemplo de trabajo y dedicación para las siguientes generaciones de actores y actrices. En consecuencia con este homenaje, Iván fue la imagen de las piezas promocionales del Festival, mirando desde la esquina del papel cómo, durante esta semana de Festival, el teatro es el referente al que asistir. Se brindó también el reconocimiento a Toda una vida a la actriz Hilda Ruiz y al maestro Phánor Terán, en sentidos homenajes públicos donde según sus palabras sintieron el abrazo de una ciudad. Por su parte, uno de los caleños más reconocidos en el teatro nacional, el maestro Juan Carlos Agudelo, fue reconocido con el homenaje a Personaje destacado, por su aporte fundamental al teatro físico colombiano. Solo queda invitar a seguir construyendo puentes y caminos que unan esfuerzos en pro del desarrollo del arte teatral. Esta tarea de todos: los programadores, los grupos, los dramaturgos, los actores, las actrices. Todos formamos parte de la misma empresa y tenemos la responsabilidad de mantener vivo este arte. Un arte que sin el público, y sin los hombres y mujeres que a diario sueñan y concretan nuevas formas para contar sabedores que el teatro es ahora más necesario que nunca en este caótico mundo para rescatar la dimensión humana, no existiría. Gracias a los grupos teatrales participantes de China, Guinea Ecuatorial, Israel, México, Argentina y Cuba; a las 11 obras

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de Bogotá, Medellín, Cartagena y Cerrito; y a los 24 grupos orgullosamente caleños que conformaron una variada programación, la comunidad pudo descubrir el trabajo de grandes maestros, divertirse con bellos espectáculos y, sobre todo, ser protagonistas de esta fiesta teatral, ya indispensable en la agenda cultural de la ciudad, que desde ahora invita para que en la próxima edición recordemos que TODOS SOMOS TEATRO.

“

la programación de espectáculos de la ciudad dejan un dulce sabor en el ambiente teatral y permite soñar con qué más puede ser posible.”

DIRECTOR DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI 2017

UN FESTIVAL DE CIUDAD: ÓSCAR M. CUEVAS

Un festival de ciudad ÓSCAR M. CUEVAS

l Festival Internacional de Teatro Cali 2017 cerró con más de 20.000 espectadores una programación de ocho días que reunió más de 90 espectáculos de las artes escénicas y a más de 30 eventos académicos, provenientes de siete países distintos. Pero, ¿qué significa esto? ¿Qué repercusión tienen estos números?

FITCali, en el actual formato organizado por la Secretaría de Cultura de Santiago de Cali, tiene en este año su segunda edición. En 2016, el Festival contó con un impacto que sobrepasó cualquier estimación, incluso la más optimista, tanto en términos de visibilidad como de público asistente. 2016 fue el año de la novedad, el año de las expectativas a cumplir. El festival de teatro debía demostrar estar en capacidad de codearse con el resto de grandes festivales de la ciudad: el teatro debía ser capaz de mirar de tú a tú a la salsa, la música, el cine, la danza o la literatura. Y lo hizo. Pero no podemos omitir una realidad que relevantemente ha influido desde su origen en la construcción del Festival: este es un festival organizado y financiado por la Secretaría de Cultura de Santiago de Cali, esto es, un festival Público y, como tal, debe enmarcarse en una lógica de desarrollo de ciudad, tanto en un sentido amplio (Cali), como en un sentido específico (Sector teatral de Cali). Entonces, el Festival se encuentra en la obligación de dar respuesta a las necesidades de los actores del sector, del público y de la institucionalidad. Concretamente de los de Cali. Así que este es un festival diseñado por y para Cali: un festival de ciudad. Cabía preguntarse entonces si el Festival sería capaz, en esta segunda edición, de dar respuesta a las necesidades de la ciudad: su población y su sector teatral. Cabe entonces preguntarse si el Festival Internacional de Teatro Cali 2017 ha dado respuesta a unas

realidades concretas y específicas de la ciudad o, si por el contrario, se ha dejado llevar por la inercia de la construcción de un macro evento cultural. Consideremos el caso del público como primer punto de análisis. Consideremos si el Festival ha permitido el acceso del espectador a nuevos universos artísticos, si su interés hacia lo escénico ha crecido y si su valoración del evento ha sido perceptiblemente alto. FITCali 2017 ha impactado a 20.825 espectadores desde su programación artística. De estos, 3.291 provienen del acercamiento a Territorios TIOS, Cali Acoge, Subsecretaría de Paz y Cultura Ciudadana, Colectivo Laderas Cali de la Comuna 18 y Casa Matria. Así mismo, se recibió a 6.732 niños de distintas instituciones educativas de la ciudad. Por otro lado, el Festival ha seguido trabajando en la distribución de espacios a través de 31 lugares de presentación entre espacios convencionales y no convencionales, alcanzando los cuatro puntos cardinales de la ciudad y el centro, y permitiendo el acceso a poblaciones alejadas de los barrios de San Antonio, San Fernando, Granada y Centro, donde se concentran la mayor parte de salas y teatros con programación teatral continua. La inclusión de poblaciones en situación de vulnerabilidad y de poblaciones infantiles acerca las artes escénicas a adultos y niños que, de otra forma, difícilmente podrían acceder a ellas, respondiendo a una lógica de integración y de derecho al acceso a las artes en equidad con el resto de poblaciones. Asimismo, el impacto en poblaciones jóvenes es, además, el impacto en las futuras generaciones y, por tanto, en los potenciales espectadores de los próximos años. El público ha tenido acceso a una oferta artística múltiple y heterogénea, como múltiples y heterogéneos son los gustos y preferencias de la población de una ciudad de las dimensiones de Cali. Desde la tradición a la vanguardia, el Festival ha programado obras de teatro que responden a un amplio abanico de tendencias, propuestas estéticas y temáticas, y formas de relación con el espectador. Desde la tradición africana de la oralidad del griot en El percusionista, la contraposición de elementos propios del teatro victoriano y la ópera china en La metamorfosis de Julieta en China, el teatro contemporáneo de Teatro Libre, el Nuevo Teatro Colombiano del Teatro Experimental de Cali - TEC, la performancia inmersiva de La

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FITCALI 2017

Vitrina Club, las Artes Vivas de Vértigo: El deseo de arrojarse, el clown de Enrique Parra, el circo de Dalicioso: Pintando un sueño, el títere pedagógico de Pablo Ariel, el teatro ritual a través de la animación de muñecos de Jabrú Teatro de Títeres, el teatro de máscaras en Buenas noches miedo, la cervantina Coloquio de los perros, la multidisciplinalidad en Donde se descomponen las colas de los burros de Umbral Teatro, el teatro físico del homenajeado Juan Carlos Agudelo o el teatro de calle de la Corporación Cultural DC ARTE, entre muchos más, se ha dotado a la ciudad de una oferta sensible a públicos de distintas generaciones, experiencias estéticas, criterios artísticos y formación.

La creación de alianzas estratégicas como las establecidas con El País, Cine Colombia y Semana, además de otros medios como Javeriana Estéreo Cali 107.5 FM, Univalle Estéreo y Clásica 88.5 fm; y la inversión en publicidad en el ámbito físico y digital, junto a la difusión en medios de comunicación tradicionales como Tele Pacífico y ADN, y otros de orden digital, permiten al teatro irrumpir en canales de difusión masivos que, en condiciones normales, son de difícil acceso para el sector teatral caleño. FITCali 2017 ha conseguido un elevadísimo impacto mediático y social, aportando relevantemente en el posicionando del teatro como una alternativa cultural y de ocio real. Por su parte, el público ha reaccionado muy positivamente a este impulso. Esta reacción no solamente se hace visible en la multitudinaria asistencia a las salas, sino que es corroborable al observar que en apenas dos años, FITCali ya es el tercer festival de teatro en Colombia en número de seguidores en redes sociales y el cuarto de los grandes festivales de la ciudad, por encima de otros multieventos culturales de mayor tradición, trayectoria y presupuesto. Esto debería servir como una importante semilla desde la que enfrentar uno de los principales puntos débiles a los que enfrenta las artes escénicas caleñas: una demanda de público por debajo de la oferta anual de las salas y teatros de la ciudad. Este punto nos lleva al siguiente objeto de análisis: el impacto en el sector teatral. Desde su inicio, se consideró unánimemente la necesidad de que FITCali fuera un festival que sirviese para potenciar al sector de la ciudad. El impacto en el sector se puede afrontar desde distintas ópticas: la

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capacidad del Festival para visibilizar la creación caleña y estimular sus procesos creativos; la participación activa de este en los espacios de debates y su acceso a talleres formativos; el acceso a redes sectoriales y potenciación de las creaciones escénicas caleñas; y la retroalimentación de ópticas estéticas, temáticas y creativas, así como de conocimiento adquirido entre los creadores de la ciudad y los invitados nacionales e internacionales. En este orden de ideas, podemos considerar varios aspectos en los que FITCali 2017 pretendió responder ante esta responsabilidad. Al impacto en el público ya mencionado, se le puede sumar la capacidad del Festival como uno de los principales estimuladores de la producción de nuevos montajes qua hay actualmente en la ciudad. En apenas dos ediciones, FITCali ha programado a 42 grupos de teatro caleño distintos, de las 50 plazas disponibles para grupos de la ciudad entre 2016 y 2017. Es decir, más del 80% de los grupos de Cali programados han sido diferentes. Solo Teatro Experimental de Cali - TEC y Teatro Esquina Latina (homenajeados en 2016 y 2017, respectivamente), y Teatro La Máscara, TEATRO del PRESAGIO, Titirindeba, Laboratorio Escénico Univalle y Teatro La Concha, han repetido participación. Esto habla, por un lado, de la buena salud por la que pasa la creación caleña. Por otro lado, la posibilidad de acceder a un festival de estas características, así como el amplio monto presupuestal destinado a estas agrupaciones y la necesidad de que cada obra no cuente con más de cinco años de vida, dota de recursos al sector para la producción y fomenta la creación de nuevas obras de teatro. A la visibilidad interna, cabría sumar la visibilidad externa. El Festival, a través de la invitación de curadores de festivales nacionales e internacionales consiguió la circulación de cuatro obras presentadas en FITCali 2016: El silencio de TEATRO del PRESAGIO, Jovita frente al espejo roto de Teatro La Concha, ICEBERG de La Compañía de El Tercer Personaje y Fritzl Agonista de Proyecto Fritzl Agonista. Además, la creación de espacios de encuentro entre artistas internacionales, nacionales y de la ciudad, permite el fomento de relaciones estratégicas, la retroalimentación de conocimientos y la integración de los grupos caleños en redes nacionales e internacionales. Desde esta lógica, FITCali 2017 ha actuado decididamente en la configuración de

UN FESTIVAL DE CIUDAD: ÓSCAR M. CUEVAS

una programación académica con más de 30 eventos que se suman a la ya nutrida programación artística compuesta por 47 obras de grupos de siete países distintos. La programación académica ha contado con hasta 9 talleres destinados al sector escénico en los que se ha podido ampliar el conocimiento en el trabajo de interpretación y trabajo físico del actor, la dramaturgia, la dirección y la animación de títeres, con maestros como Xu Jiali y Yu Xiang, Carolina Vivas, Adela Donadio, Gorsy Edú, Ernesto Parra y Aixa Prowl, Julia Sigliano y Manu Mansilla, Jorge Andrés Libreros y Natalia Eugenia Duque, Mérida Urquía y Alejandro Ladino. Las cuatro mesas temáticas (Retos y oportunidades en la financiación de las artes escénicas; Proyectos: formación de público, emprendimiento y formación en artes; El público para el teatro: desafío y formación; y Horizontes en el teatro colombiano) compuestas por personalidades de la escena internacional, nacional y local, sumadas a las tertulias nocturnas, han sido el espacio de encuentro que diariamente permitieron al sector encontrar un lugar de debate y encuentro. La programación se completó con dos exposiciones fotográficas, tres presentaciones de libros y una lectura dramática. En total, 310 personas del sector participaron directamente de estos eventos, que contaron con 1.547 asistentes. La programación paralela del Festival hoy puede considerarse uno de sus principales atractivos. Por último, la estructura constitutiva del Festival, liderada por una Mesa Conceptual elegida democráticamente por el sector y con representación de los distintos subsectores del teatro, ha permitido al Festival establecer un diálogo necesario desde el que seguir dando respuesta a los retos a los que se enfrentan las artes escénicas caleñas. De esta forma, el Festival ha podido responder rápidamente a los requerimientos de los profesionales, como evitar la gratuidad de los espectáculos como principio de formación de un público que debe aprender a pagar por el acceso al teatro (la boletería aplicada a la mitad de las funciones, y financiada en un 70% por la Secretaría de Cultura de Cali, ha tenido valor monetario por primera vez: $3.000); la curaduría externa a la propia organización de las obras de teatro caleñas seleccionadas para el Festival (en 2016, esta se realizó por la Mesa Conceptual, mientras que en 2017 se contó con el

análisis de los bogotanos Adela Donadio y Misael Torres, y la caleña Genny Cuervo); o la mejora organizativa en lo referido al acceso a las obras (gracias al sistema de preventa y a la descentralización de los espacios de adquisición de boletería, se han evitado las colas observadas en 2016 que llegaban a superar las dos horas de espera en muchos de los espectáculos). El Festival ha podido demostrarse capaz de superar la novedad del primer año, para comenzar un largo camino hacia su consolidación y posicionamiento. Por delante queda un extenuante trabajo de análisis y observación de lo acontecido, un trabajo que deberá resolverse solidariamente entre los distintos agentes responsables del Festival

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El público ha tenido acceso a una oferta artística múltiple y heterogénea, como múltiples y heterogéneos son los gustos y preferencias de la población.”

y el propio sector. Quizá aún sea pronto para determinar el impacto real de este festival de ciudad en sus ciudadanos y su sector teatral, pero también en su escena artística y cultural. El trabajo no está hecho, al contrario, recién se ha comenzado. Pero estos resultados nos permiten soñar con lo que puede estar por llegar.

EDITOR DE MEMORIAS FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI

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2 Encuentro de saberes

POR LA RUTA DE DONDE SE DESCOMPONEN LAS COLAS DE LOS BURROS: CAROLINA VIVAS

Por la ruta de Donde se descomponen las colas de los burros CAROLINA VIVAS

l trabajo de Umbral Teatro en zonas de conflicto con nuestro proyecto Cuerpo, fiesta, memoria y ¿sanación? nos permitió conocer no uno, sino muchos casos de madres a las que la guerra había arrancado a sus hijos. En particular, puedo señalar, como germen de esta obra, el testimonio de la madre de un joven asesinado por el ejército.

“Bueno, la historia más triste de mi vida fue perder el hijo mío, porque perdí algo de mis brazos, nunca he podido llenar más ese espacio de mi corazón; se me fue una parte de mi corazón, de mi vida que nunca ha podido llenarse. Cuando a mi hijo me lo entregaron muerto, como cualquiera cosa, los tenientes se lo llevaron, me lo entregaron muerto y me dijeron ahí está su hijo y más na. Y ya. Se puede ir. La gente me rechazaba por donde quiera que entraba, la gente, hasta mi familia me rechazaba, no me quería nadies porque tenían miedo, porque… porque los iban a matar a ellos, me iban a matar a mí, los iban a matar a ellos porque cuando eso era la violencia”. Fue a partir de ese testimonio que inicié el viaje que me condujo a Donde se descomponen las colas de los burros. Visualicé el entorno de la señora que me había dado el testimonio y, por respeto a ella y a lo vivido, busqué distancia y nombré al personaje de la madre con un nombre distinto al de la testimoniante. Se llamaría Dolores, una madre sufriente como la real, católica como la real, guerrera como la real. Retomé su voz: “La gente me rechazaba por donde quiera que entraba, la gente, hasta mi familia me rechazaba, no me quería nadies porque tenían miedo”, y traté de concretar

cómo y dónde se habría dado lo que ella contaba. Empecé a oír voces sueltas, todavía sin destino. DOLORES: Hoy me crucé con Celina, la de la parroquia, y no me saludó. Deberíamos irnos de aquí. Sí, pero igual me ven y siguen derecho. Me siento como apestada, algunos se cruzan de acera al verme venir. ¿Con quién hablaba? Con su marido. Empezaba a tomar distancia, la testimoniante era una mujer sola. Sí, Dolores tendría un marido. Los puse en diversas situaciones, posibles desde luego, en el marco de referencia del personaje real. Retomé las primeras voces de Dolores, la creyente, y busqué diversas circunstancias de enunciación, considerando que ahora ya tendrían un destinatario: su marido. Puestos en diálogo, oí la voz de Pedro. ¡Aleluya! Quizás por la fe de su mujer, el personaje merecía llamarse Pedro. Se ampliaba un universo en expansión, que se me presentaba incierto. Volví sobre la materia de lo real y busqué en las personas que había conocido en zonas de conflicto, aquellas que por A o B me hubieran marcado; llegaron sin esfuerzo: un alcalde pusilánime, un ganadero ambiguo y misógino. ¿Dónde podrían encontrarse? En la alcaldía. Los escucharía allí. Y aparecieron. Trataban asuntos turbios, negocios bajo la mesa, toques de queda que facilitaran su accionar corrupto. El alcalde, al servicio del señor, accedía a sus pretensiones. En la obra Donde se descomponen las colas de los burros, el destino de los personajes transcurre en una tierra sembrada de fosas comunes, tumbas clandestinas y cementerios sagrados. Un territorio regido por un gobierno delincuente y policivo, que incita a hacer “justicia por propia mano”, declarando objetivo a aquel que lo descubre en su accionar corrupto. Era necesario ubicar el punto de encuentro entre la pareja que había perdido a su hijo y la institucionalidad, encarnada en Casto y Poncidoro, como a esa altura se llamaban el ganadero y el alcalde, conservando el elemento del universo católico instalado por la madre. Casto por oposición a su conducta y Poncidoro aludiendo la traición y al lavarse las manos como autoridad frente a la

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F: Leonardo Linares

Donde se descomponen las colas de los burros Umbral Teatro Teatro La Mรกscara.

arbitrariedad de los poderosos. Y como si la realidad insistiera en su ironía, estalló en los medios el escándalo de los mal llamados falsos positivos. Corría el año 2009, cuando se supo que, de manera regular, soldados rasos bajo la tutela de sus superiores ajusticiaban hombres inocentes, para engrosar las estadísticas que indicaran a la presidencia que las fuerzas armadas le estaban ganando la guerra a la guerrilla. Ese sería el caso de Salvador, la razón de su muerte. Salvador era el nombre que había encontrado para el hijo muerto. Fue necesario proponer un punto de vista particular al lector-espectador, frente a hechos tan crudos como los crímenes de Estado, que era en el fondo el asunto que tocaba esta obra. Para ello, introduje en el texto alteraciones espacio-temporales que reforzaran su carácter no realista. Los personajes se hallan determinados por coordenadas como: dentro – fuera, atrás – adelante, encima (intemperie) – debajo (tierra). Siempre están en el umbral, en el límite, como en el caso del desaparecido: el hijo de la pareja, asesinado por el ejército; él rompería las fronteras de la muerte y, atravesando la cuarta pared, interpelaría al público y al autor. Al primero por conmoverse con su drama, hecho de letras y no con la realidad, y a la autora por escribir para él un destino injusto y una muerte indigna. ¿Pero quién lo había matado? Una patrulla combinada de ejército e ilegales. Apareció la necesidad de construir los autores materiales, enfrentados por la culpa. El verdugo susceptible de arrepentirse, el humano, también víctima. Entre tanto ¿qué había pasado con los padres? Buscaban desesperadamente una respuesta sobre el paradero de su hijo, a sabiendas que no volvería. “Una madre siempre sabe esas cosas”. En el caso de la madre real, el ejército le devuelve a su hijo, sin pudor: “Cuando a mi hijo me lo entregaron muerto, como cualquiera cosa, los tenientes se lo llevaron, me lo entregaron muerto y me dijeron ahí está su hijo y más na”. En la obra resultaba más potente, dramáticamente, que el cuerpo no apareciera y que no fuera claro para los padres quién y por qué había desaparecido a su hijo. En esa incertidumbre los padres se enfrentarían, visualizarían soluciones distintas.

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Llegó a mí, en ese momento del proceso, un artículo de prensa que contaba cómo en un recodo del río Magdalena los cadáveres quedaban trancados, y cómo había mujeres que los rescataban para darles una sepultura digna. Pensé entonces que esa mujer podría ser una madre que, como Dolores, había perdido a su hijo y esperaba cada día que el cadáver pasara por allí para rescatarlo. Una vez más, a partir de un hecho real, empezaba a fantasear. Un personaje que desempeñaba una tarea tan extraña merecía un nombre muy particular; la bauticé Concepción; ella concebiría, con su caña, hijos para las madres que requerían de un cuerpo para hacer el duelo. A ese recodo del río llegaría Pedro, a buscar un cadáver para llorarlo y consolar a su mujer. Pero luego de sepultarlo, Salvador aparece muerto y acusado de criminal. “¿Se puede morir dos veces?” Se pregunta Dolores. “Sí, al parecer sí. En esta tierra todo es posible”, contesta su marido.

El río cerró el circulo de los personajes: apareció como signo de tiempo, el devenir, el testigo, el camino hacia el futuro y el pasado, en tanto daba la posibilidad de irse por él y en cuanto traía consigo los indicios de lo irremediable, de lo ya ocurrido. El río como metáfora de la vida y como receptáculo de muerte. La mujer echa a rodar el cajón por la pendiente polvorienta, al fondo el río furioso ruge arrastrando troncos, piedras, fardos. PEDRO: ¿Qué hace? DOLORES: Renuncio. Se lo entrego al río. Desde hoy mi hijo se llamará Moisés, será rescatado de las aguas por otra madre huérfana que quiera llorar al despojo de sus entrañas. Ella le dará sepultura, como hice yo con el joven desconocido que usted me regaló. Ojalá su madre supiera que lo enterré como es debido, que le puse flores y lloré en su tumba, hasta que apareció de nuevo mi hijo, mi Salvador. ¡Maldito sea este tiempo donde “no hay lugar para los muertos”! El montaje de Umbral Teatro, dirigido por Ignacio Rodríguez, fue estrenado en el marco del Encuentro Iberoamericano de Dramaturgia, en agosto de 2014. Al terminar una de las funciones, una señora abrazó muy conmovida a José

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Luis Díaz, actor que interpreta a Salvador, el joven desaparecido que nos interpela desde la muerte. Fue un abrazo largo y sincero. Gracias, dijo bajito la señora, gracias porque por una hora, usted me devolvió a mi Chivito. Le decía Chivito a su hijo muerto. Se identificó, era una de las madres de Soacha, ese día sentí que nuestro trabajo valía la pena.

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Fue necesario proponer un punto de vista particular al lector-espectador, frente a hechos tan crudos como los crímenes de Estado.”

DRAMATURGA. UMBRAL TEATRO

EL PROBLEMA DEL MAL. UN TEATRO DE IDEAS: ADELA DONADIO

El problema del mal. Un teatro de ideas

Sobre la adaptación escénica de la lección Seis de la novela Elizabeth Costello de J. M. Coetzee

ADELA DONADIO

uando comencé la lectura de la novela Elizabeth Costello no esperaba encontrar allí el material de lo que sería el nuevo montaje del grupo ABRA. La leí por un interés en el primer capítulo que trata sobre el realismo en la literatura. Pero al llegar a la lección Seis, encontré toda una reflexión sobre cómo narrar o recrear artísticamente episodios de horror histórico y consideré el tema muy pertinente para nuestra reflexión y para el contexto de nuestro país en el que aparece como esencial la relación arte y conflicto. Después de varias lecturas, las motivaciones para pensar en una adaptación escénica del capítulo cobraron fuerza. Todos nos interesamos por los temas y por la situación narrativa: una escritora australiana, ya mayor, que va por el mundo dando conferencias en las que hace planteamientos arriesgados y que busca generar controversias y polémicas. Hace afirmaciones radicales pero a la par cuestiona el alcance de sus propias ideas y las problematiza. Ella como escritora ha sido invitada a Amsterdam a dar una conferencia sobre el problema del mal y escribe un texto que es una crítica a la novela de Paul West. Al llegar se da cuenta que el autor inglés es uno de los colegas invitados y esta circunstancia la lleva justamente a hacerse todo tipo de cuestionamientos. Entra en un conflicto ético porque sus tesis son contundentes y el autor al que critica estará de cuerpo presente compartiendo el mismo espacio académico. Este conflicto dinamiza el texto y es dinamizador de la adaptación escénica. El personaje comienza una especie de recorrido en el que se intercalan ideas, tesis, impresiones, experiencias, imágenes,

inquietudes que se relacionan con muchas temáticas derivadas de lo que ella critica en ese autor, a través de una pregunta clave: ¿Se puede hacer ficción histórica cuando no hay testigos de los hechos? Y comienzan sus elucubraciones sobre el mal, sus críticas al holocausto como el suceso histórico que ocupa el primer lugar en la escala de los horrores históricos impidiendo ver la magnitud de otros; sus conclusiones sobre la lectura y la escritura como experiencias que reproducen y comunican el mal; sus referencias a la banalidad del mal en el mundo contemporáneo; las imágenes literarias del mal, las encarnaciones del mal, y sus críticas al mundo académico en el que ella misma ha estado y está. Y me refiero de manera tan amplia a los temas contenidos en este capítulo porque justamente llevar a escena una obra implica un compromiso con las ideas y con todo aquello que podemos llamar el mundo de un texto, con lo esencial, profundo y complejo que éste pone en marcha. En la selección de una obra o de un material para la escena, el punto de partida es una especie de convicción, de necesidad; es importante, válido, imperativo para el grupo hablar de esas temáticas y con el tratamiento que un autor les da desde su narrativa, dramaturgia, estilo y, sobretodo, visión del mundo. No entiendo la dirección escénica, ni la actuación, ni el proceso de montaje sin ese convencimiento y esa valoración de los materiales. Valorar es ponderar, es darle realce a lo que uno descubre como único en ese texto y las ideas que potencialmente va a movilizar. El grupo ABRA hasta ahora ha hecho montajes muy diversos de autores colombianos, argentinos, alemanes y británicos, y ha tenido muy claras las razones éticas, políticas y estéticas de sus escogencias. Hasta ahora ha asumido montajes con retos grandes en todos los aspectos y puedo decir que el público aprecia esos retos, esas dificultades, bien sea porque se trata de un teatro poético o de tesis o contemporáneo y ve en la escena la respuesta a esos desafíos. En el Taller de Dirección que tuve la oportunidad de dar en el marco del Festival Internacional de Teatro Cali 2017 hablé de esto. La dirección está asociada al qué, qué obras, qué materiales, y lo que fundamenta esa selección en términos ideológicos y de intereses que tienen que ver con los retos que un grupo asume para entrar en diálogo con las obras y sus posibilidades escénicas. En este caso Rosario Jaramillo, Brunilda Zapata, Carlos Mariño, Juan Carlos Aldana - los tres intérpretes y el

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director de artes - y yo como directora entramos en un territorio muy inexplorado para encontrar cómo hacer teatro con un material no teatral y cómo hacer un “teatro de tesis”, que es un término muy apropiado para referirse a nuestra creación. Ana María Vallejo, integrante del grupo radicada en Medellín, nos acompañó desde la elección del texto y con sus críticas siempre oportunas durante el montaje.

Con El problema del mal el grupo encontró el material apropiado y podemos decir que en el momento justo, pues estábamos reflexionando de manera crítica acerca de diversas propuestas teatrales que recrean el conflicto colombiano sobre el escenario. Y este capítulo de la novela nos llegó como una respuesta para hacer aún más compleja la reflexión y enriquecerla con nuevas preguntas. Y aparecieron de manera simultánea los retos formales que exige todo acercamiento a un nuevo material y partimos de ciertas renuncias: no hacer una adaptación de tipo teatral convencional, por ende no centrarnos en la construcción del personaje principal de la escritora y en una posible caracterización de ella y de otros personajes que aparecen, no ilustrar situaciones, no escribir diálogos. A cambio se plantearon otros retos y se encontraron los puntos de anclaje de la puesta en escena. En vez de construir personajes se pensó en cómo trabajar con tres voces y combinar el narrador en tercera persona y en primera persona, como una forma de implicarse desde la presencia de las dos actrices y el actor con el debate propuesto en el texto por la escritora, un debate público y hacia el público y a la vez el debate como conflicto interno de Elizabeth Costello. En el proceso de montaje surgió como elemento importante el entrar y salir de una teatralidad muy sutil y elaborar acciones relacionadas con el elemento central de la escena: la mesa del debate académico. Los ejecutantes toman café, abren el libreto y buscan las escenas siguientes, leen fragmentos del texto, pegan carteles y mueven los elementos para recrear con recursos mínimos algunas situaciones y espacios. La novela se mueve entre el ensayo y la ficción y la adaptación escénica entre el debate y la teatralidad construida con economía de elementos y en torno a una mesa de conferencias. Para Elizabeth Costello la lectura es una experiencia que puede dejar huellas e impresiones muy profundas; como lo que le sucede a ella con la lectura del capítulo de la novela del autor inglés, “dejó una marca en mí como si fuera hierro de marcar ganado”. Ella considera que el autor fue muy lejos en el ejercicio de la ficción cuando, al

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narrar el asesinato de los conspiradores de 1944 contra Hitler, puso burlas en bocas de los verdugos, y en esa descripción ella descubre una “energía gratuita y obscena” que es el objeto de su malestar vivencial y de su crítica ética y política. No hubo testigos en ese sótano, entonces el escritor tiene el derecho de recrear la historia? Y cómo? Todo este conflicto tiene un desarrollo y para nosotros también la puesta en escena tenía que ir dejando huellas de las ideas del personaje y de todas las referencias usadas por ella en su aventura intelectual y ética. Por eso el montaje mismo crea una escritura directa en la escena que se hace sobre un panel blanco y limpio, en el cual los tres intérpretes escriben o pegan carteles ya escritos, resaltan y subrayan palabras y frases que van quedando como un mapa de la experiencia que ella tiene a todo

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llevar a escena una obra implica un compromiso con las ideas y con todo aquello que podemos llamar el mundo de un texto.”

nivel, como académica, como mujer mayor, como escritora que critica a un escritor y como intelectual que somete sus propias ideas a una revisión radical. Un teatro de ideas, que incluye al público como oyente y partícipe, en una escena en la que los espectadores no están a oscuras sino en pocos momentos, para resaltar su presencia en el debate y pedirles toda su atención para seguir un montaje que implica escuchar y seguir el hilo de un discurso llevado a la escena.

DIRECTORA DE TEATRO. ABRA TEATRO

F: Pablo Chacรณn

EL PROBLEMA DEL MAL. UN TEATRO DE IDEAS: ADELA DONADIO

El problema del mal ABRA TEATRO Sala de Teatro Univalle, Universidad del Valle.

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Proceso de Historias comunes de anónimos viajantes ANTONIO ZÚÑIGA

H 22

ace algunos años escribí la obra Historias comunes de anónimos viajantes. Venía de escribir una secuencia de obras que intentaban darle vuelta al anterior procedimiento de escritura que tenía y que me confinaba a escribir pegado en un escritorio. Escribí entonces la obra con los actores partiendo de su vida. Partimos de una pregunta básica: ¿qué experiencia puedes manifestar como habitante de la ciudad de México? De ahí se desprendió una base narrativa. Una que vino del mismo entorno del grupo de actores, y a la cual yo le di una forma poética. De esos actores que participaron en la primera versión solo queda Christian Cortés en esta segunda versión.

Luego pasaron los años. Fundamos Carretera 45, en un barrio de la colonia obrera de la Ciudad de México. A unas cuadras de la Ciudad de México. El grupo se decantó. Se fueron unos, llegaron otros. Ya en el barrio, las cosas cambiaron. Como la vida, con el tiempo. El barrio fue dictando a esta compañía las opciones estéticas, las intenciones creativas. Llegamos a un barrio y teníamos que convivir con él. Optamos por acercarnos al mismo barrio. A los imaginarios de la gente. No a tratar de cambiar el barrio con nuestro teatro sino a dejarnos conmover por él para transformar nuestro quehacer. Así, los procesos se han ido decantando en una poética, donde el barrio es primero. Donde la gente dicta y nosotros escribimos con nuestro cuerpo y con nuestra creatividad. Hemos recorrido varias etapas en esta idea. Hasta crear lo que nosotros sentimos nuestro lenguaje grupal. Uno

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que ha ido línea a línea, transformándose. Hemos caminado lento pero seguro en esa intención. Cada proyecto ha sido un escalón del proceso de transformación. No solo conceptual, sino ideológicamente, y también metodológicamente, hemos ido transformando nuestras posturas sobre el escenario. Caminando de la mano, de los significados que nos refiere el barrio y sus mundos. Los imaginarios de la calle. De la gente que habita como vecinos, este mundo. Hacia el interior del grupo, también se han modificado los procedimientos de abordaje, de lectura y de montaje. Resaltando sobre todo los modos de producción para cada obra, que aunque han sido distintos en cada caso, han tenido un progreso que se nota en la sustancia de cada obra. Casi en todos los casos, la idea consiste en fracturar. En cuartear la escena. En cortar la zona de la ficción por partes, para sacarlas del espacio protegido que da la caja negra del teatro y acercarlas al espectador del barrio. Es una paradoja muy elocuente, pues llegamos a construir esa pequeña sala en el corazón de la colonia obrera de la Ciudad de México, con la intención de meter a los vecinos como espectadores y hemos tenido que salir de esa cajita negra, para poder acercarnos a ellos (aunque no renunciamos a la escena dentro del foro). Primero salimos a la calle, y nos metimos a las vecindades montando Los pasos de Lope de Rueda. Algo que fue, en cierta medida, elemental. La única intención de esa pieza fue contactar con el entorno. Un proceso que siendo atropellado por la inexperiencia frente al espectador de calle, nos obligó a abrirnos en todos los sentidos. Abrirnos como agrupación. Abrirnos en la narrativa escrita para el montaje y abrirnos como actores, con nuestro cuerpo, con nuestra voz, expuesta a la calle. No hemos renunciado, sin embargo, a contar historias. Creemos que dentro de la ficción hay todavía una fuerte raigambre social. Una identidad. La de encontrar en estos mundos imaginarios, narrativos, capacidad para identificarnos como comunidad. Y por ahí hemos caminado. Si pudiera identificar qué procesos hemos realizado, con estas ideas concretas y que marcan una evolución metodológica, tendría que medirlo en proyectos

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de obras montadas. Cada una un trabajo, un escalón a lo que ahora hacemos. Les hablo de unos cuatro años, a la fecha. Obras como Érase una vez, de Jaime Chabaud, dirigida por Marco Vieyra, movilizó al grupo corporalmente. A caminar en espacios de equilibrio precario. A navegar como grupo en un territorio ficcional ya escrito, resuelto con eficacia y con solidez grupal, con la energía viva de un grupo con gran deseo de ser oído. La historia de un soldado mexicano caído en la guerra de Irak, nos sirvió como pretexto para encontrar y expresar los temores de nuestra propia guerra, la mexicana, y la personal. Una experiencia de producción que movilizó al grupo a resolver con eficacia le escena, partiendo de un solo elemento concreto: la solidez de una tabla que sirvió de tabula rasa de la producción total. Luego, un año después, trabajamos con José Alberto Gallardo, la obra: Lo que soñé ese día que me quedé dormido bajo el puente. Y ahí pudimos, como agrupación, constatar que las fronteras de una ficción están en cada cuerpo y que, para fracturarlas como frontera que limita, para convertirlas en frontera que alimenta, había que romper prejuicios de todo tipo. Desde los sociales que nos imponen una manera de ser en sociedad, hasta los personales que limitan nuestra expresión libertaria frente al otro. Ser dueños de nuestro propio cuerpo, para hacer con el mismo lo que cada uno quiera, en completa libertad de acción, resulta a estas alturas, un riesgo. El mundo está sometido absurdamente. Para abrirlo desde la escena, el actor tiene que ser capaz de destazarse, de abrirse cual res que se abre al matadero, para exponerse internamente. Desnudo no solo del cuerpo sino del corazón. Ustedes se preguntarán que tiene que ver eso con el barrio, y rápidamente les contesto, que la sensación más concreta que siento cuando camino por el barrio es aquella que me hace sentir desnudo en la mirada de los otros. Por eso, la propuesta de José Alberto Gallardo para trabajar haciendo grietas a la escena desde el cuerpo agrietado y zaherido de los actores, fue elocuentemente un salir de una zona de confort grupal para entrar a otra, de intranquila pertenencia grupal. De ese montaje, nos embarcamos en la preciosa experiencia grupal de La gente,

escrita y dirigida por el grupo español Pérez y Disla. La gente es un experimento de sumo valor metodológico y formativo para este grupo. Con ellos, aprendimos y redefinimos nuestro quehacer actoral. Las preguntas más concretas tuvieron respuesta: ¿Qué somos como actores, como grupo? ¿Cómo abordamos nuestro trabajo como actores en el grupo? ¿Somos repetidores de texto o somos capaces de crear mundos particulares? ¿Qué tipo de teatro hacemos? ¿Cómo sostenemos la ficción? ¿Qué es actuar, cómo actuar un dispositivo posdramático? ¿Hacemos drama o posdrama? De golpe, este proceso nos dio forma y luz y nos dejó de un solo golpe, una idea concreta de abordaje de los personajes y de las ficciones. La idea: invitar a los vecinos a una reunión, no a una obra de teatro, y encontrarnos en esa reunión para plantear la pregunta básica del quehacer para cambiar las cosas. Para cambiar la situación de emergencia que vivimos y el quehacer como comunidad. El dispositivo exige para su viabilidad poética, una entrega total del actor. Un milímetro de duda, y el mecanismo naufraga. Una exigencia grupal y personal que nos acercó de una manera total a conceptos y prácticas escénicas antes solo visitadas tangencialmente. La gente, y la experiencia procesal con Jaume Pérez y Juli Disla de Valencia, España, es sin duda, una de las bases formativas y metodológicas más sólidas que hemos vivido. De aquí, todo ha sido caminar hacia afuera. Romper las paredes de la caja negra del foro, del cuerpo, de la lengua. Caminar para ir al encuentro del espectador y junto con él, hacer teatro. Darle poder al espectador para modificar la escena, para escribirla juntos. Algo de mí, algo de ti fue el otro montaje decisivo en este entramado. La obra se realiza con la gente. El dispositivo es de sabotaje, intromisión vecinal. Tomamos una casa edificio y hacemos que la casa hable, cuente una historia. Los elementos son básicos del teatro de calle. Papeles que vuelan en lluvia intermitente, sonidos que hacen que la casa se escuche desde dentro, colectivos que emergen de las ventanas y puertas. Música y teatro que sale de su interior para contar la historia de dos jóvenes que se aman y que tienen que luchar contra el mundo para hacer valer su amor. La importancia

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F: Leonardo Linares

Historias comunes de anรณnimos viajantes Carretera 45 Bus.

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PROCESO DE HISTORIAS COMUNES DE ANÓNIMOS VIAJANTES: ANTONIO ZÚÑIGA

de este proceso radica sobre todo en la experiencia de comunidad que el grupo vive. La obra no se puede hacer sin vecinos. Y a ellos hay que convocarlos, convencerlos, enamorarlos si es posible, del proyecto conjunto. Por eso, el proceso de Historias comunes de anónimos viajantes es consecuente con nuestras anteriores experiencias. A contracorriente de La gente, en este dispositivo no traemos a los vecinos al teatro, sino vamos con ellos a la vecindad. Es decir, los subimos al transporte colectivo, donde la realidad y la ficción pueden viajar juntas sin menoscabo una de la otra. Alimentándose mutuamente. En este dispositivo, la tabla de salvación del actor, frente al embate de lo real, es su propia potencia para representar. Para hacer poética la expresión para con su cuerpo y su voz, su texto, y su disposición a hacerse presente y a hacerse poeta. No se trata de engañar a nadie. Ni de aparecer clandestinamente. No, al contrario. Se trata de hacerse presente desde la teatralidad. Dejar que la vida, transcurra paralela a un sueño. Al sueño de la vida que todos soñamos. _ Historias comunes de anónimos viajantes es escrita y dirigida por Antonio Zúñiga con la participación de Abraham Jurado, Margarita Lozano, Christian Cortés, Antonio Becerril, David Bravo, Enrique Flores y Humberto Yañez.

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Optamos por acercarnos al mismo barrio. A los imaginarios de la gente. No a tratar de cambiar el barrio con nuestro teatro sino a dejarnos conmover por él.”

DRAMATURGO Y DIRECTOR. CARRETERA 45 (MÉXICO)

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El percusionista GORSY EDÚ

l percusionista es una obra de teatro unipersonal interactiva donde el público desempeña un papel importante. El espectador viaja con los personajes compartiendo sus historias, su música y su visión de la vida; la historia del espectáculo está resumida en la siguiente sinopsis:

Un anciano músico instruye a su nieto. A través de la música le trasmite sabidurías y filosofías ancestrales, el tiempo trascurre en la aldea con el muchacho inmerso en sus tradiciones. Cumpliendo con el dicho africano, ¨los días que hacen crecer a los niños son los mismos que envejecen a los ancianos¨, el abuelo cae enfermo, como consecuencia de su vejez comienza a perder la visión. El afán por curar a su abuelo hace que el muchacho tome la decisión de dejar la aldea y emigrar a las grandes ciudades en busca del remedio. El muchacho parte hacia Europa –Sí beyeng-, un mundo para él desconocido, llevando consigo únicamente el saber de su pueblo encerrado en las melodías y ritmos ancestrales. PROCESO DE CREACIÓN Y MONTAJE La obra El percusionista nace desde la ilusión de dar a conocer Guinea Ecuatorial, el único país hispanohablante de África. Quería compartir las filosofías ancestrales de mi tierra y reflejar una realidad evidente en todo el mundo, el fenómeno de la emigración: emigración en el sentido más amplio de la palabra. En el proceso de creación me inspiré en los grandes artistas de nuestra tradición oral donde el eje central de la dramaturgia eran las técnicas esenciales de los Bebum Nvet (tocadores del arpa fang): grandes trovadores que narran epopeyas ancestrales. El montaje del espectáculo se fue

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construyendo utilizando los recursos artísticos esenciales de nuestra tradición africana: música, danza y la palabra rítmica. La utilización de los instrumentos tradicionales en escena adquiere mayor relevancia ya que pasan a formar parte de los personajes de la obra teatral; cada instrumento adquiere una personalidad dentro del juego artístico. Durante la creación de la obra hubo un periodo de investigación en el que hice un trabajo de recopilación de datos concernientes a nuestras filosofías ancestrales: proverbios, juegos infantiles, acertijos, letanías, dogmas, etcétera, que constituyen la esencia de nuestra cosmovisión. La puesta en escena está concebida desde el anhelo de viajar con el espectador a través de los sentidos. EXPERIENCIA De los nueve años de vida del espectáculo, presentado en 3 continentes: África, Europa y América, lo que más me ha sorprendido y me ha hecho bien al alma es que la reacción del público es igual en todos los lugares. Las reacciones de los espectadores reflejan la universalidad de los mensajes de la obra teniendo como motor esencial la música que, como dicen nuestros ancestros, es el lenguaje de los dioses. El público se identifica con los personajes y siente mucha empatía con las situaciones que transcurren en la obra. Las relaciones humanas son iguales en todas partes, por lo tanto la relación entrañable de los personajes: abuelo y nieto, como la propia realidad del fenómeno de la emigración, el público en algún momento de su vida se ha visto o ha experimentado una situación parecida, despertando en ocasiones un cúmulo de sentimientos y emociones. OBRA INTERACTIVA La interacción con el público es el motor esencial del espectáculo. Desde el primer momento, el protagonista invita al público al Abáa (la casa de la palabra), un lugar donde no existen espectadores pasivos; un espacio donde, como dice el protagonista, el tiempo no se gana ni se pierde sino que se comparte. El público viaja con los protagonistas compartiendo sus canciones, su música

F: Maryery Quintero

El percusionista Gorsy EdĂş Centro Cultural Comfandi

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y su filosofía de vida a través de un excelente juego artístico que involucra al espectador en un universo lleno de ensoñación y magia. LA OBRA HA SERVIDO PARA SENSIBILIZAR

El percusionista refleja una realidad, un fenómeno tan viejo como universal: la inmigración. Aunque la sinopsis y la historia de los personajes hablen de la partida hacia Europa, el mensaje de la obra es mucho más universal porque el fenómeno de la inmigración se realiza en cualquier rincón del mundo y en cualquier situación de la vida. Podemos hablar de una inmigración demográfica o de una inmigración personal. La obra está construida desde una pregunta sencilla: ¿qué le pasa al ser humano cuando se siente desubicado, desplazado, desintegrado, marginado, incomprendido, etcétera? Hay tantas respuestas como seres humanos. La obra genera una gran sensibilización porque se pone de manifiesto, sin hacer ningún juicio de valor, una realidad que nos afecta a todos los seres que habitamos en este planeta. Una llamada a la solidaridad entre nuestra especie humana. CARÁCTER MULTIDISCIPLINAR DE LA OBRA La propuesta parte de una esencia ancestral que dice: no se concibe el canto sin el llanto, ni el llanto sin la danza, ni la danza sin la música, ni la música sin la poesía. La filosofía ancestral africana concibe al actor como un canal de transmisión de sabidurías, emociones y sentimientos, por esa razón la formación artística se presenta de manera multidisciplinaria para ser fiel transmisor del legado.

ACTOR, DIRECTOR Y DRAMATURGO

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La obra sensibiliza porque se pone de manifiesto, sin hacer juicio de valor, una realidad que nos afecta a todos los seres que habitamos en este planeta.”

HORIZONTES EN EL TEATRO COLOMBIANO: FERNANDO VIDAL

Horizontes en el teatro colombiano FERNANDO VIDAL

a Mesa Temática Horizontes en el teatro colombiano convocada por el Festival se convirtió en un interesante conversatorio, que puso en evidencia diferentes miradas en torno al hacer teatral en el país, y por lo tanto, el futuro que se vislumbra, a partir de esta experiencia de crear obras teatrales en la actualidad, en las circunstancias particulares de Colombia, y establecer contacto con un público, que ya no es homogéneo, sino tan diverso en gustos, miradas, búsquedas, que estamos hablando de públicos, en plural, públicos que requieren canales particulares de convocatoria, no solamente los canónicos como la prensa, la radio y la televisión comercial. El planteamiento de entrada estuvo circunscrito a la validación del grupo, como el espacio óptimo de experimentación y de creación. Desde este planteamiento, se evidencia una tensión que se está presentando entre los grupos estables/establecidos, y la cantidad de proyectos e iniciativas temporales, que están marcadas por el rebusque, que determinan tiempos y espacios de producción breves y superficiales. Sin embargo, se describe esta característica de creación como una actitud que enfatiza la destreza expresiva y el dominio técnico de los lenguajes, para desempeñarse en varios montajes de diferentes proyectos. Se mencionó el caso del actor de este festival que estaba en cuatro espectáculos, lo que supuso dificultades en la programación, así como la circunstancia de actuar en tres obras de variado formato y visión estética, en un mismo día. Alguien de los participantes llamó a esta actitud generalizada: el actor carrefour, que trabaja en cada oferta que se le presenta sin considerar el enfoque esté-

tico y temático, solamente movido por el factor económico o la oportunidad de participar en un proyecto. Este fue un punto interesante de discusión, pues salieron a relucir posiciones matizadas, que describen la tensión de otras maneras, aludiendo a la dificultad de sostener un grupo, con las características tradicionales de los años sesenta y setenta del siglo pasado, agrupaciones que estaban ligadas por una visión ideológica y sus correspondientes planteamientos estéticos y políticos entorno al papel revulsivo y subversivo del teatro, su búsqueda de un mundo transformado por los sueños revolucionarios y la posibilidad de convertir el escenario en plataforma de agitación y propaganda. Se dijo que lo ideológico como representación imaginaria de la realidad, tal como lo proponía Althusser, era un lazo de cohesión que movilizaba a la acción artística pero, a su vez, un gran generador de fracturas, tantas como diferencias ideológicas e intereses políticos se presentaban. Sin embargo, se hace énfasis que esta experiencia de grupo, que ya no se puede vivir de la misma forma, aportó los conocimientos y condiciones para la experimentación y la producción de hitos de nuestra teatralidad, puesto que auspiciaba una creatividad vigorosa y el contacto con un público comprometido y solidario, generalmente unidos por la militancia. De otro lado, los mismos grupos en la actualidad, se configuran de otras maneras, puesto que deben dejar a sus integrantes en la capacidad de sustentarse económicamente en otras actividades, como la docencia formal e informal o comunitaria, el free lance en dramatizados de la televisión, en el cine y la radio, en actividades conexas, como maquillaje, confección de vestuario, etc. Ahora, difícilmente, las agrupaciones estables pueden garantizar una dedicación exclusiva de sus integrantes, a no ser las iniciativas familiares, que están constituidas por los miembros de una misma familia, logrando una estabilidad afectiva y económica, y un lazo perdurable de cohesión. Se hace énfasis en la necesidad de generar puentes de comunicación entre los hacedores del teatro y las escuelas de formación superior o técnicas en teatro, puesto que es en ellas que se les está dando la preparación para desenvolverse en el campo profesional. Se recalca que en muchos de

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estos programas universitarios, el tiempo que se le dedica a estudiar el teatro colombiano y latinoamericano es mínima, dándole más importancia a las corrientes teóricas y metodológicas europeas, por lo que los egresados salen con un conflicto entre su visión del teatro y las posibilidades reales de ejercerlo en el país. Muchos salen del país, tras sus sueños, y se integran a otras realidades sociales e históricas, y muchos otros se han dedicado a la subsistencia como plataforma de trabajo, dándole mucha más importancia a los ingresos que a su búsqueda estética y ética en torno al oficio.

Esta afirmación fue matizada por algunos de los asistentes, que valoran la capacidad de emprendimiento e iniciativa de los egresados de las escuelas, que se unen y alían para emprender proyectos, regularmente anclados en las convocatorias de Estímulos del Ministerio de Cultura y las secretarías de cultura departamental y municipal. Se nombraron varias obras seleccionadas para este Festival, que tienen un alto nivel en sus lenguajes de expresión y en sus estrategias de comunicación con los espectadores, y van consolidando equipos de creación y alianzas para la labor creativa. Quizás podríamos describir este fenómeno organizativo como el germen de una nueva agrupación, un poco más volátil pero sustentada en las necesidades de consumo cultural y en las temáticas que están vigentes en los imaginarios colectivos. Se nombran experiencias como el TEATRO del PRESAGIO, que ha conseguido permanecer en el tiempo, y reunir actores de varias generaciones, como en el montaje de El silencio, que convoca a tres generaciones, retroalimentándose de las experiencias y conocimientos de tres épocas, como una manera de propiciar el diálogo entre las diferentes modalidades de creación escénica y los matices de lectura de realidad propios de cada generación, con sus gustos y visiones del mundo y la vida. Todo lo anterior, llevó a la conclusión que hay oportunidades, aunque restringidas, con las convocatorias de estímulos, pero hay ausencia de políticas culturales públicas por parte del Estado que propicien la consolidación del sector, aunque los más jóvenes insistieron en que ellos no van a esperar que el Estado se concientice, sino que continuarán asumiendo su papel de colonizadores de los espacios que aparezcan o creadores de otras posibilidades de existir en el ámbito de

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la actividad. Criticaron el lamento como estilo de análisis y postura política, y enfatizaron en los lazos del amor y la amistad como generadores de impulsos de creación. En lo que todos estuvimos de acuerdo es que, aunque se adolece de políticas públicas fuertes y consolidadas para favorecer el desarrollo de las artes en el país, hay una política pública por omisión que podría bautizarse como latente en las desiciones estatales, y es la política del olvido, de no propiciar un relato artístico y cultural de país, en su diversidad, su multiculturalidad y su plurietnia.

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se evidencia una tensión entre los grupos estables/ establecidos, y la cantidad de proyectos e iniciativas temporales, que están marcadas por el rebusque”

DIRECTOR DE VIENTO RASPAO PROYECTO ESCÉNICO Y DOCENTE EN INSTITUTO DEPARTAMENTAL DE BELLAS ARTES DE CALI

SILOÉ, ¿A QUIÉN ENGAÑAS ABUELO? Y LUCY: RODRIGO VÉLEZ

Siloé, ¿a quién engañas abuelo? y Lucy RODRIGO VÉLEZ

onará a mera impresión pero es más: una vitalidad inquieta brota joven en el escenario teatral de esta ciudad.

Los últimos meses de este año, se han puesto en escena obras de una originalidad que saludamos bien por su aire decidido. Los clásicos, el canon occidental y los rumores de teatro recalentado en fogones europeos nos han servido para lanzarles un solemne escupitajo. El canon en nuestra ciudad no es ahora lo más interesante de la ciudad. Despreciándolos hemos empezado por hacerles justicia. El canon no se ha resentido porque a su modo sigue siendo; Shakespeare no se ha quejado y Chejov no nos necesita. En cambio el teatro y la teatralidad nacional, con esta desidia casual, ha ganado.

Los escenarios de Cali se han visto dominados no solo por autores y autoras caleñas, las direcciones y puestas en escena de nuestros temas locales han ganado en universalidad cuando se ha empezado por la apuesta a riesgo: teatralizar este color local. Eso no ha venido solo: los clásicos han pasado por aquí. Pero ahora no. Lo clásico viene construyéndose desde aquí, no desde la mirada trasatlántica. Y dejarlos a un costado ha sido empezar a preguntarse cuál es nuestro teatro. Hace poco vimos Esquizoide, de la autora Eddy Janeth M. H., quien con ICEBERG y Por mi puta madre ya había medido su pulso dramático; el estreno de Todos nosotros, de Genny Cuervo, ya emparentado con ENTRE TIERRAS, localizó a la autora y su teatro en los márgenes de lo tanático; Hocico inerte, de Yaury Viera que, junto a María 19: Memoria de una historia olvidada de Lina Ramírez, otra

jovencita, ambientaron su mundo con material que había sido ignorado: el barrio Siloé; Noche límite que, una vez Lucía Amaya le ha metido mano, se ha puesto como autora escénica por encima del material original del que ella parte; hemos visto la dirección de Ana Carolina Arcila en Historia de caballos y hombres y de la bailarina Angélica Nieto en Moebius (ambas obras premio de dramaturgia local); la obra Souvenir asiático, de Martha Márquez y Manteca de muerto, de Genny Cuervo recibieron, respectivamente, la Beca de Dramaturgia de Mincultura en el momento que se ha vuelto tan difícil ganarlas; Pilar Restrepo, persistente investigadora y dramaturga, junto a Susana Uribe creó una obra rica en gestus como Orizonta: Poema dramático sobre la migración y preparan para diciembre del presente Karmen, del dramaturgo Johan Manuel Milán, con el Teatro La Máscara que mi querida Lucy Bolaños ha sostenido a brazo partido; Ruth Rivas, autora de La mala muerte, fue una de las codirectoras del Encuentro Internacional de Dramaturgia, Kaly Drama que, agudamente, echó semillas en los jóvenes dramaturgos y reservó a las dramaturgas caleñas un espacio de discusión que prospera; y faltan todavía las escenificaciones de jóvenes dramaturgas como Paola A. Charria y su obra El apartamento o La soledad de las chicas lindas, Mayo Soto y su Resurrección; y creadoras como Lina Riascos y su Fragmental, y Juliana Carabalí con la encantadora Vuélame los sesos; Adriana Bermúdez Fdez., desde El Tercer Personaje, se ha puesto a la cabeza de la Escuela de Espectadores con el generoso apoyo de Jorge Dubatti; y Diana Trujillo, desde Dulce Compañía, lidera la plataforma editorial Territorio y Dramaturgia. Cuando miro este panorama esbozado en un párrafo barroco, basta para decir que el momento actual es saludable. La teatralidad en potencia que tienen estos textos para la escena y las creaciones escénicas recientes son una originalidad clave en lo sucesivo. ¿Para dónde irá esta generación inconforme que se empeña en despreciar palabras mesiánicas y la idea de movimiento? Si algo tiene Cali que nos mantiene alterados es que como ciudad se sostiene de símbolos culturales ultraconservados en que las generaciones de hoy no quieren reconocerse (y hacen bien).

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No me identifico con épocas clasificadas, sí con mis contemporáneos. Unos han estado multipremiados, otros solo los hemos leído los amigos más próximos; los que se han ido han querido regresar a Cali haciéndose cargo de la ciudad teatral con creaciones y colaboraciones donde se conversa lo que les ha movido a producir materiales para la escena. Otros, los más chicos, se traen una fuerza que con un ambiente apropiado producirán un tumulto. Podrá ser esta una ciudad de cine, literatura y teatro, pero hoy vibra algo más: la música de los cueros, el arte conceptual, el cine casero, un teatro decididamente desenmarcado, irradiado de selvatiquez. En todo caso, no hacen teatro por encargo. Creo que parte de la autenticidad de este teatro hoy se la deben sus autores a su búsqueda de signos y voces teatrales que resuenen con ellos mismos y, en esa medida, su teatro empieza a conversar con sus contemporáneos.

El teatro, así lo creo, es un modelador de realidad. Y lo es en diferentes aspectos: modela por lo menos la percepción cultural de una región, de un pueblo, de una casa. Si el teatro hoy, como me aseguran, no es capaz de modelar la realidad política, no tengo ningún interés en seguirme masturbando. ¿Por qué funcionó hace 5000 años? ¿Por qué no habría de funcionar hoy? En ese sentido, el Festival Brújula al Sur dejó por lo menos dos lecciones: que es posible un festival que modele la realidad y rete al teatro mismo, y que está muy por encima de los egos de monjes del teatro. Y el Festival Internacional de Teatro Cali, capitalizando su juventud, deberá fundamentarse en la aserción de que, hecho el gasto y la fuerza de trabajo, las obras que se inviten de afuera motiven al rejuvenecido teatral de nuestra región. La época de caernos mal ya ha pasado. Así, pues, comenzamos.

DRAMATURGO, DIRECTOR Y ACTOR. DULCE COMPAÑÍA FUNDACIÓN ESCÉNICA

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los clásicos han pasado por aquí. Pero ahora no. Lo clásico viene construyéndose desde aquí, no desde la mirada trasatlántica”

BRÚJULA: JORGE ZABARAÍN

Brújula JORGE ZABARAÍN

ay una relación entre los procesos de formación académica y la formación de públicos para espectáculos. En esta relación se dinamiza el ejercicio de las artes escénicas desde la clásica concepción del arte como un ‘saber-hacer’. Los procesos de formación no se desvinculan entonces de los de creación ni de la vida profesional. Así hemos querido pensarlo en Brújula al Sur e, incluso, hemos comenzado a hacerlo sabiendo que no es una novedad modélica pero si una necesidad de nuestro entorno. Esta observación se puede ratificar después de que un taller de formación lanza su objeto hacia la creación, de manera determinada, continua, y aparece entonces un proceso; un conjunto de fenómenos organizados que necesariamente inciden en la experiencia vocacional de los artistas y que es trasmitida al público que asiste a la Obra.

Invitados los maestros de la ciudad, del país y del mundo, se establecen unos vínculos de 3 años entre ellos, los actores y el Festival. Las expectativas son el primer milagro, pues es necesario que haya interés en lo que está pasando con estos invitados en la escena teatral. Culminado el taller, en el año dedicado a la formación, habrá que vivir un tiempo con el que los dictó. Se inicia la etapa de creación de la que resulta un estreno por cada proceso y que a la vez viabiliza al Festival en su segundo año. Es un trabajo arduo y costoso pero nos abre con mayor seguridad la caja de la circulación o tercera etapa: el momento en el que la obra estrenada comienza a presentarse con temporadas programadas en los escenarios de la ciudad. Es también el momento en el que el ‘saber-hacer’ se desplaza coherentemente hacia un verbo contemporáneo: sustentar. La

sustentabilidad es la responsabilidad que tienen las empresas culturales de prolongarse en el tiempo generando recursos que se desarrollen con las nuevas generaciones. Es en este sentido que algunas organizaciones llaman visión al futuro geográfico de su empresa porque se abre un horizonte de posibilidades que permiten su proyección. En nuestro caso de presentar las obras en Colombia y en otros países del mundo. De esta manera es posible que las obras comiencen a girar por otros festivales aliados al nuestro pero sin perder de vista que la posibilidad debe materializarse asistiendo a las ruedas de negocios de las artes escénicas que se organizan en el mundo y propiciándolas también en nuestro entorno. Es ahí también donde se estrechan lazos de alteridad y profesionales que dinamizan a las artes escénicas particularmente entre países latinoamericanos Este plan, al que podríamos llamar un instrumento de orientación que busca determinar algunos rumbos del teatro de la ciudad, no pasaría de ser un artilugio medieval sin la presencia del público. El Festival, que se ha ido percatando de la importancia del asunto en sus primeras experiencias, facilitó la instauración de la Escuela de Espectadores del Pacifico en la ciudad. Un espacio de goce, convivencia y disfrute, como también de estudio, análisis y discusión de los espectáculos teatrales que ocurren en Cali. Los integrantes de la Escuela tendrán las herramientas necesarias para multiplicar el disfrute y la comprensión de los espectáculos con profundidad y comunicabilidad. El objetivo es ampliar y enriquecer su horizonte cultural, emocional e intelectual como espectadores y producir pensamiento crítico. No se trata de ‘perder’ una relación directa, empática o intuitiva con el teatro, sino de enriquecerla con saberes específicos y con otras actividades complementarias del conocimiento teatral. Se trata también de adquirir los elementos necesarios para argumentar y discutir las poéticas y las circunstancias de la vida que las rodean. Este experimento, al que llamamos Brújula al Sur y que parece consistir en hacer girar una rueda que ya existe, ha sido bien acogido por la comunidad teatral que generosamente asiste como público primigenio a los talleres, o

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como aliados estratégicos para desarrollar las actividades académicas certificadas por las facultades de Arte Dramático de la ciudad, o como colegas que facilitan sus salas para las funciones en el mes de septiembre, confiando en que recibirán espectáculos dignos de una ciudad teatral como esta. Creemos y queremos que esta empresa tenga como fin último (también antiguo como la rueda) procurar la felicidad del público, valga decir, de todos los que asistimos a la experiencia del arte.

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Los procesos de formación no se desvinculan de los de creación ni de la vida profesional. Así hemos querido pensarlo en Brújula al Sur.”

DIRECTOR DEL FESTIVAL BRÚJULA AL SUR Y TEATRO LA CONCHA

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LA ESCUELA TEATRAL COMO INVENCIÓN DE EJERCICIOS: DOUGLAS SALOMÓN

La escuela teatral como invención de ejercicios DOUGLAS SALOMÓN

El teatro es el vehículo ideal para la magia y la alquimia porque puede pedir al público que haga un esfuerzo de imaginación. Anne Bogart

ensar desde la Academia el direccionamiento y los retos de la formación artística en el campo del teatro, pasa primeramente por los asuntos de la normativa, pues como programa de licenciatura nos confrontamos frente a las recientes pautas curriculares que demanda el Ministerio de Educación Nacional, el cual enmarca un modelo en la perspectiva del pensamiento curriculista destinando para las licenciaturas en general, sin distinciones reflexivas sobre la presencia de Programas Artísticos.

Tengo para mí, que hay una pedagogía artística que se engendra en la teoría y práctica misma del ejercicio formativo, en el cual, el componente pedagógico atraviesa la existencia del hacer desde el primer momento que un estudiante ingresa a cursar estudios de arte dramático en nuestro programa. La normativa sitúa cuatro componentes curriculares y en el marco de cada uno de ellos se disponen las asignaturas correspondientes. Así las cosas, nos corresponde direccionar estas lógicas educativas, esto es lo que nos ocupa en el momento, y paralelo a esto, adelantar los procesos de renovación de acreditación de alta calidad.

Ahora bien, nos pensamos como un programa artístico en el plano formativo, es decir, no en el plano de una estética, una escuela no es un movimiento, en ella se problematizan las experiencias, los géneros, las historias del teatro, y por más que me interesen las reflexiones de Hans-Thies Lehmann, el plan no es implementar una escuela posdramática, lo posdramático es una experiencia de conocimiento desde lo teórico, como también desde la creación de un espectáculo, en la noción de estudios. El otro espacio de formación potente que abre rumbos y experiencias está en los grupos de laboratorios, como espacios de proyección, en estos laboratorios se producen espectáculos con estéticas definidas, este es el lugar propio de los directores con sus problemas frente al teatro, es un lugar de producción que pasa por la experimentación, que crea sus propias manifestaciones y deseos, que se inscribe en la propia pregunta a investigar por parte del director y al cual se van vinculando los estudiantes activos y también egresados. Una escuela es siempre un entrenamiento, se entrena el cuerpo y la voz, se entrena la interpretación, se entrena la teoría y se entrena la escritura, y todo esto es un ejercicio. Una escuela es entonces el lugar donde se crean nuevos rumbos del training, nuevas experiencias propias del teatro, es el redescubrimiento de ejercicios, una escuela es la formación de actores desde el desarrollo del juego, y el juego se renueva porque se renuevan las personas que ingresan. Una escuela es pues el ejercicio de temas que se problematizan en el laboratorio, en el ensayo y error se exploran asuntos en la formación del actor y se exponen ante la dinámica de muestras de trabajo para la reflexión y movilidad del pensamiento creativo. Los rumbos están en esta dinámica, igualmente cada uno de los maestros aporta sus particulares alquimias, es un retorno importante, es el análisis de lo que realizamos, es la escucha como ejercicio artístico.

DIRECTOR DEL DEPARTAMENTO DE ARTE ESCÉNICAS. UNIVERSIDAD DEL VALLE

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Una Buenaventura JUAN CARLOS OSORIO

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l Ministerio de Cultura, en convenio con la Universidad del Valle Sede Pacifico y el Departamento de Artes Escénicas de la Universidad del Valle, llevó a cabo en el año 2004 el Taller de Formación de Jóvenes Creadores, un curso de educación artística en teatro dirigido a jóvenes entre los 17 y 22 años, este taller buscaba convertir la educación artística no formal en una experiencia creativa permanente vinculada de una manera orgánica a la propia comunidad; buscaba promover iniciativas artísticas en el área teatral en la región del Litoral Pacífico fortaleciendo sus procesos de identidad. En agosto del 2008, la Universidad del Valle Sede Pacífico crea el primer Festival Intercolegiado de Teatro de Buenaventura. Bajo la dirección de Manuel Francisco Viveros y la coordinación general de Diego Fernando Burgos; la idea de organizar este evento surge como respuesta a las necesidades de la población del puerto, para encontrar diferentes formas de expresión artística que ayuden al reconocimiento e identificación dentro de la diversidad cultural del Estado colombiano. De esta manera, en febrero de 2010, la Universidad del Valle da apertura a su extensión del programa de Licenciatura en Arte Dramático en su sede Pacífico con 12 estudiantes. Este inicio se realiza gracias a las gestiones de los profesores Jesús Glay Mejía, Alejandro González Puche y Gabriel Uribe. Con 7 años de trabajo, este programa se ha enfocado en la adaptación de las principales corrientes teatrales al contexto de Buenaventura y su zona de influencia, aprovechando además los estudios para hacer un trabajo

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investigativo sobre la identificación de características que nos permita elaborar una dramaturgia afrocolombiana del Pacífico. En esta perspectiva es importante anotar que el programa de Licenciatura en Arte Dramático de la sede Pacífico es, a largo plazo, un potencial de desarrollo artístico y creativo; que aprovecha las capacidades y características del entorno potencializando el talento de los habitantes de la costa pacífica colombiana, convirtiéndose en un elemento relevante en la construcción de paz que actualmente necesita Buenaventura. La labor de formación artística en Buenaventura es titánica. Recibimos a jóvenes sin referentes culturales que les permitan tener competencias artísticas de calidad académica, pues hasta la fecha, el puerto no cuenta con museos, salas de exposiciones, la ciudad carece de una cinemateca, esto sumado a que según datos registrados por la ex ministra de Educación, María Fernanda Campo (2010-2014), en Buenaventura se da uno de los peores panoramas en materia de calidad educativa en la educación básica y media, así que estos procesos de formación en pregrado en la sede Pacífico, inician como un proceso de nivelación de competencias socioculturales. Pero el mayor reto que supone la formación de artistas del arte escénico en la región, es justamente la carencia de edificios teatrales, espacios para la representación y una cultura teatral constante; resulta paradójico formar actores en una ciudad que no tiene teatro y que, además, los pocos eventos teatrales que nos visitan son subsidiados por la empresas públicas y privadas. Entonces nos preguntamos ¿En qué campo de acción se desenvolverán nuestros egresados? ¿Cuál será su futuro profesional?. Un reto más que asume la academia. Pensando en todos estos enigmas, se están generando capacitaciones para el desarrollo de proyectos culturales subsidiados, e impulsando a los estudiantes a ser gestores culturales de sus propios proyectos. Implementaremos herramientas de diagnóstico que permitan hacer un estudio que logre visibilizar las necesidades culturales que tiene el puerto, para generar estrategias desde el

UNA BUENAVENTURA: JUAN CARLOS OSORIO

arte, y así impactar estas necesidades. Finalmente se espera dinamizar la cultura teatral en la región y convertir a Buenaventura en una plataforma teatral del Pacífico colombiano y, de paso, mitigar las ansias de migración de muchos jóvenes bonaverenses que no ven un futuro prometedor en la ciudad. Y es que, justo en este 2017, tuvo lugar la primera graduación de egresados, de los cuales uno se encuentra trabajando en el campo de la educación básica media, otro a la espera de un proceso de formación en postgrado, y un tercero a la espera de que ocurra “algo”, un algo esperanzador que le dé la certeza de no haberse equivocado en su elección de formación superior. En la actualidad, el programa de Licenciatura en Arte Dramático desarrolla una labor de extensión social, llevando sus procesos artísticos a zonas rurales de la región, visitando instituciones educativas donde en muchos casos es la primera experiencia teatral que se les presenta. Este año logramos retomar un convenio institucional con una caja de compensación de la ciudad, que nos facilita un auditorio para realizar una temporada de teatro durante todo el mes de septiembre, y que tuvo una recepción masiva de espectadores en cada función. Esta temporada permite visibilizar el trabajo de nuestros estudiantes y generar un intercambio artístico con los ciudadanos. Buenaventura es el ave fénix del Pacífico, un pueblo resiliente en busca de una voz que retumbe en los oídos de todos, y es el arte una de sus armas más letales contra el olvido y la indolencia. Los jóvenes de Buenaventura están emprendiendo una lucha para reivindicar una identidad individual y colectiva como mujeres y hombres del Pacífico colombiano. ¡Escuchemos su llamado!

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Buenaventura es un pueblo resiliente en busca de una voz que retumbe en los oídos de todos, y es el arte una de sus armas contra el olvido y la indolencia.”

COORDINADOR DE LICENCIATURA DE ARTE DRAMÁTICO, UNIVERSIDAD DEL VALLE, SEDE PACÍFICO

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3 Homenajes

Ivรกn Montoya

F: Leonardo Linares

Ivรกn Montoya en Excepto las nubes Barco Ebrio.

HOMENAJES: IVÁN MONTOYA

¡Qué pesar vos tan joven, no has vivido nada! JULIÁN CORREA

D 40

ichosos aquellos que vieron en escena a Iván Montoya, bienaventurados los que pudimos hacer teatro a su lado.

Iván fue el tiempo, lo conocí en los pliegues de su piel y en las numerosas anécdotas y vivencias que enumeraba y a veces repetía insistentemente. Me abismaba su prodigiosa memoria, ¿cómo podía caber tanta información en esa pequeña cabeza? Podía describir un acontecimiento cualquiera, mencionando los nombres y apellidos de los protagonistas, junto a su consabida parentela, recordando el año y lugar exacto donde se desarrollaron los hechos, enriqueciéndolo con detalles tan minuciosos que parecía sacarlos de su inexistente libreta de apuntes. Iván era un niño escondido en un cuerpo viejo, su creciente curiosidad, su inquebrantable capacidad de asombro ante la vileza de la humanidad, la misma cuya transformación describía con tal conmoción, que terminaba uno por creer que “todo tiempo pasado fue mejor”. Una vez me preguntó si conocía a Mareen O´Sullivan, una prestigiosa actriz de los años 30. Al ver mi rostro de ignorancia solo atinó a decir: “qué pesar vos tan joven, no has vivido nada”. Me pareció gracioso, algo irónico y bastante ivanesco, pero sin duda es la frase que más recuerdo ahora que no habita este plano. Pienso continuamente en la forma como amaba la edad y detestaba terriblemente la vejez, esa misma que aja la piel y ralentiza el andar, aquella vejez que hace al dios creador tan detestable y canalla por permitir que la belleza se descomponga. Desde hace varios años, Iván no se miraba al espejo ni

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veía sus fotografías, no quería encontrar un rostro que no se compadecía de su alma de niño, que parecía más el rostro de Virgilio que al de ese bello Principito que anidaba en su interior. Daba igual caminar con él por los Campos Elíseos que por la Plaza de la Concordia en su Sevilla amada, Iván era un ser auténtico, aquel que eligió una vida en soledad, con tal de no tener una autoridad por encima de él, como solía decirlo. Un hombre que hizo de su vida una obra de teatro y que da la sensación de ser él, el personaje más creíble de la trama. Un día descubrió la palabra bullying y sintió que la vida se apiadaba de su dolor, llegó con sus ojos muy abiertos y con un nudo en la garganta que paulatinamente se convirtió en una cascada de palabras que le permitieron crear una obra de teatro donde el antagonista hace lo imposible por acabar con la posible felicidad del protagonista. Con Iván no sé dónde acaba el teatro y comienza la vida, y viceversa. ¿Dónde andará Iván? No creo que habite el cielo de un dios al que nunca comprendió y con el que sostuvo las más acaloradas discusiones. ¿Será que existe un paraíso para aquellos que purgaron sus culpas en el teatro mismo? El día que me enteré de su partida, sentí infinita compasión por Dios, ahora tenía que encontrarse frente a frente con él y su diatriba, sería para mí, un enfrentamiento para alquilar balcón, o tal vez no, con Iván nunca se sabe, quizá se abrazaron en silencio y se dieron el perdón esperado por tanto tiempo. Recuerdo a Iván una noche convaleciente en la clínica, ahí me habló con el peso de sus días, tan distinto al taliván de la calle y la escena, él, tan minúsculo y dolido con su caminar cansino, él y una noche para encontrarnos con nuestras miserias, sentí nuestra despedida. Pero como con Iván nunca se sabe, salió y anduvo cual Lázaro, volvió a ser el tal-iván y siguió dando la lucha en el escenario, con sonda o sin ella, con dolor o ahogo, ahí estaba cumpliendo la cita, y al final sin saber si era sarcasmo o indicios de su inquebrantable fe, se despedía con un “Dios te bendiga muchacho”.

Es extraño este tiempo sin él, creo que aún está hirviendo las cáscaras de mandarina para su baño diario en el apartamento del tercer piso frente al parque Alameda, allí donde aún se escuchan sus pasos y el incesante movimiento de sus ideas. Aquel lugar donde pernoctaba con el espíritu de Jovita y jugaba a ser ella, se hacían confidencias y se prestaban los vestidos. Ay, Iván, qué pesar ser tan joven y que me falte aún tanto por aprender. Aprender que caminar un tiempo a tu lado fue suficiente para conocer los tesoros guardados de Notre Dame, tu huida de los vendedores en Marruecos, tu fugaz encuentro con Soledad Bravo, o la vez que de pequeño le diste la mano a Jorge Eliécer Gaitán

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Iván no se miraba al espejo ni veía sus fotografías, no quería encontrar un rostro que no se compadecía de su alma de niño.”

antes de leer el discurso de bienvenida. Aprender de la historia y de la disciplina teatral, de la estética y la ética del actor, aprender que el mundo puede conocerse desde el teatro. Aprender que la vida es un instante, un día u ochenta y ocho años.

ACTOR, DIRECTOR Y DRAMATURGO. BARCO EBRIO

F: David Chávez

*arriba Lectura dramática de Jaque a la reina Barco Ebrio *abajo Exposición de vestuario y fotografías de Iván Montoya Teatro Salamandra.

F. cedida por Centro de Investigaciรณn Teatral Enrique Buenaventura - CITEB

Hilda Ruiz en La isla de todos los santos Teatro Experimental de Cali - TEC.

Hilda Ruiz

ACERCA DE HILDA RUIZ: LISÍMACO NÚÑEZ

Acerca de Hilda Ruiz LISÍMACO NÚÑEZ

uando me pidieron escribir sobre la actriz Hilda Ruiz, compañera en muchas obras de teatro, en cortometrajes y en los andares de la vida, me sentí un poco asustado de hacerlo no desde el afecto que es muchísimo sino desde lo que significa dedicarse a esta profesión de actor. A menudo, muchos de los profesionales que están saliendo de las escuelas de teatro no tienen conocimiento de la historia del mismo en la ciudad. La señora Hilda Ruiz es un ejemplo de lo que significa entregarse de por vida a este menester. El trabajo constante y de tiempo completo hizo que agrupaciones como el Teatro Experimental de Cali - TEC, tenga todo el reconocimiento en el mundo por sus aportes a esta actividad artística.

Su figura pequeñita contrasta con el profesionalismo que la acompaña en las labores que ha desempeñado en el TEC, no solo como actriz sino con todas las actividades que llevan a que el espectáculo teatral llegue al público con toda su grandiosa magnitud. Ella, con esa responsabilidad que siempre la compaña, fue la que encontró la casa donde funciona hoy el Teatro Experimental de Cali. Su vida siempre ha estado ligada al cine. Fue preferida en muchas producciones locales por su profesionalismo como actriz hasta que le llegó el día con la película La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo, donde brilló por su excelente interpretación.

Fue otra maravillosa actriz de esta comarca la señora Yolanda García Reina, quien la descubrió siendo directora de un grupo de teatro obrero y la llevó a la Escuela Departamental de Teatro de Cali. Como decía el maestro Enrique Buenaventura, este arte es para tercos. Y es cierto. Solo la terquedad es la que hace que a pesar de todos los impedimentos que nos plantea la vida estemos allí, listos, para que cuando se enciendan las luces el espectáculo comience. Me emociona mucho que el Festival Internacional de Teatro Cali le haya rendido un homenaje a esta linda mujer venida de Nariño, porque su vida ha sido y será el teatro.

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Su tenacidad le ha llevado a ser parte de la historia del grupo más emblemático de Colombia, el TEC, donde aún permanece fiel.”

Ha estado ligada también por muchos años a la actividad artística del Instituto Popular de Cultura como modelo muy estimada en la Escuela de Artes Plásticas. Su tenacidad le ha llevado a ser parte de la historia del grupo más emblemático de Colombia, el TEC, donde aún permanece fiel al compromiso que adquirió desde que era una estudiante de la escuela de teatro.

ACTOR Y COFUNDADOR DE TEATRO LA CONCHA

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F. cedida por Rafael Franco Echeverri Phรกnor Terรกn.

Phรกnor Terรกn

TODA UNA VIDA

Toda una vida

hánor Terán es palmirano de nacimiento. Pero su impronta se deja ver en Cali, Popayán y Tunía. Y en República Dominicana, Panamá, Venezuela, Uruguay, Argentina, Brasil, Ecuador, España y Austria. Terán, desde la dirección teatral, la dramaturgia, la actuación, el periodismo y la docencia, trascendió las fronteras de su Palmira natal para convertirse en un referente de la cultura colombiana.

Con más de medio siglo dedicado a las artes escénicas, este Licenciado en Literatura e Idiomas, con estudios en Derecho y Filosofía, destina su vida a la creación teatral, pero también a su difusión, divulgación, fortalecimiento y al conocimiento del teatro. No hay ciudad en la que haya vivido donde no deje una huella imborrable, donde el teatro no se haya hecho más fuerte con su presencia. Su trayectoria le llevó a impartir clases en la Universidad de Santiago de Cali, en la Universidad del Valle y en la Universidad Antonio Nariño; a ser conferencista y tallerista en una decena de países; a ser editor, impresor, organizador de festivales y talleres internacionales y nacionales; a escribir alrededor de 40 obras de teatro y a dirigir más de 60 en las ciudades de Pasto, Palmira, Cali y Tunía. Atrás deja proyectos culturales de gran relevancia, como la Cooperativa de las Artes Escénicas (1991); la investigación sobre los espacios escénicos y la historia del teatro (1994); la investigación histórico-cultural-arqueológica de Tunía (2005-2006); el Centro de Documentación Teatral de Cali (2006); el Encuentro de Autores Teatrales del Valle del Cauca (2007); la Histografía del teatro en el Cauca, siglos xvi-xix (2011); el Inventario Cultural y Turístico de Piedamo, Cauca (2008); y, como no, uno de sus proyectos más recordados y reconocidos en nuestra ciudad: la primera biblioteca especializada en teatro, la cual sostuvo hasta 1994.

En el Festival Internacional de Teatro Cali 2017 no somos pioneros en reconocerle su incansable labor y fortaleza intelectual y creativa. Antes ya lo hicieron la Alcaldía de Santiago de Cali, los Gobiernos del Valle del Cauca y del Cauca, el Liceo Real Holandés, Palmira, Buenaventura y San Francisco de Macoris, en República Dominicana. En FITCali, por tanto, no somos los primeros, como estamos seguros que no seremos los últimos en rendirle merecido homenaje. Sin embargo, desde la Secretaría de Cultura de Santiago de Cali, la Mesa Conceptual del Festival y la misma dirección del Festival Internacional de Teatro Cali 2017, no podemos sino rendirnos a la evidencia de toda una vida de mérito. Un honor, Henry Phánor Terán Cabrera.

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Con más de medio siglo dedicado a las artes escénicas (...), no hay ciudad en la que haya vivido donde no deje una huella imborrable.”

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI 2017

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F: Leonardo Linares

MANร o la ilusiรณn del tiempo Casa del Silencio Teatro La Mรกscara.

Juan Carlos Agudelo

LA GAVIOTA SOLITARIA: OLIVIA AGUDELO

La gaviota solitaria OLIVIA AGUDELO

mprendió el vuelo, en la escuela del teatro del IPC, a los 6 años: toda una vida dedicada a lo que siempre amó. Incluso antes de tener plena conciencia, la motivación familiar influye en los seres humanos. Juan es el mejor ejemplo de ello: las veladas teatrales y musicales que fueron juegos de niños, apadrinadas por el viejo Antonio Agudelo, amoroso papá de su último retoño; las cartas con letra garrapateada de su madre, la Poetiza del Ocaso, Ana Belén; la suerte de contar con otro Padre en el teatro, Jorge Vanegas y Teatro El Globo, escuela irremplazable; trazaron su vida como creador.

Su marcado interés por el teatro gestual fue manifiesto en la clase de Fernando, con la idea fija de ejemplos como Charles Chaplin y Marcel Marceau. Siempre manifestó, desde pequeño, el sueño definido de ir a la escuela de Marceau. Para nosotros, sus hermanos mayores, parecía que divagaba sobre algo inalcanzable para un pequeño actor de un barrio popular de Cali. Terminado todo lo posible en el IPC: teatro Infantil, Pre Juvenil y Juvenil, ya graduado, debía buscar nuevos horizontes. La historia de su encuentro con Marceau en el Teatro Municipal, su llegada a París (bastante divulgada por cierto y convertida en leyenda), el periodo de la academia y las odiseas para sobrevivir en Paris, una de las ciudades más costosas del mundo, son tema para un libro sobre superhéroes. Se graduó con honores en la Escuela Internacional de Mimodrame de París e hizo parte de la nueva compañía creada por el maestro Marceau, con la cual recorrió el mundo en teatros desde Broadway hasta el palacio de Versalles. Solo Juan puede contar tal experiencia. Aquí debemos agradecer a la Universidad del Valle la deferencia y reconocimiento a Juan Carlos otorgándole el Título Profesional de Licenciado en

Arte Dramático, por toda una vida de entrega a su formación como creador gestual. Después de tantos años de entrenamiento; disciplina férrea; talento que desborda en sus obras, ganadoras de concursos; merecidos homenajes; críticas descarnadas; y obras vistas y aplaudidas por gente en diferentes partes del mundo, llenando su espíritu de arte en cada función, tocando corazones; sabemos como familia que cumple a cabalidad la tarea del artista: llenar el alma con arte puro, pues representa como ninguno la misión del artista en las tablas: la de servir a la humanidad con poesía. El legado ya se ve reflejado en la pasión de la generación siguiente, con su sobrino Felipe Pérez Agudelo, con sus hijitos,

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sabemos como familia que cumple a cabalidad la tarea del artista: llenar el alma con arte puro, sirviendo a la humanidad con poesía.”

mejores críticos y conocedores del trabajo y sacrificio que implica ser un actor y maestro de teatro corporal en Colombia. Agradecemos que su ciudad le rinda un muy merecido homenaje por su larga trayectoria en el teatro. Muy seguramente, su producción cada vez más depurada alegrará los corazones de quienes amamos el buen teatro. Eres ejemplo para toda la familia por tu perseverancia y pasión por lo que siempre has amado!!!! ¡Que viva el teatro!

HERMANA DE JUAN CARLOS AGUDELO

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F: Leonardo Linares

Teatro Esquina Latina

Retratos de aldea Teatro Esquina Latina Teatro Jorge Isaacs.

ESQUINA INDEPENDIENTE: ÓSCAR M. CUEVAS

Esquina independiente ENTREVISTA A ORLANDO CAJAMARCA Y LUZ NOHEMI OCAMPO POR ÓSCAR M. CUEVAS

ingunas de las cosas que le sucedieron a Teatro Esquina Latina fueron un acto premeditado. Nosotros no teníamos un plan, queríamos ser consecuentes con la pulsión del día a día: una Universidad del Valle abierta, con una efervescencia propia de la época, convulsionada por los efectos políticos internacionales: la Revolución Cubana, la Guerra Fría, la guerra sucia en América Latina, el ascenso de Pinochet… Y Colombia jugando un papel un poco hipócrita, de una pseudodemocracia abierta, pero al mismo tiempo con unas posibilidades de expresión importante. Cali, en particular, fue un foco y cruce de caminos importante en la época: las hordas de personas que venían del sur, huyendo de las dictaduras, trajeron su música y su poesía. La Universidad del Valle era un catalizador de esa efervescencia y allí estábamos nosotros: un grupo de teatro, un grupo de tiempo libre como eran otros grupos en las universidades”.

Ese fue el contexto, en palabras de Orlando Cajamarca, en el que se produce la primera semilla del que más tarde se daría a llamar Teatro Esquina Latina. En ese collage, en esa Cali de los años ‘70, van encontrando en la actividad teatral una actividad importante, junto a otros movimientos de la época, como el cine y los cineclubs y Caliwood, movimientos psicoanalíticos como el de Estanislao Zuleta y centros literarios de estudio como el de Fernando Cruz Kronfly. Cajamarca, hoy director de Teatro Esquina Latina, es oriundo de Ibagué. Bachiller, y con su familia en Bogotá,

intenta entrar a estudiar Ingeniería Electrónica en la Universidad Nacional. El rechazo de la Facultad le lleva a considerar la Medicina como una alternativa, lo que le terminaría llevando a Cali, a la Universidad del Valle. Este giro en su vida sería, a la postre, fundamental para lo que más tarde llegaría: uno de los grupos más importantes de la historia del teatro colombiano. Este “hombre de provincia de las montañas del Tolima” llega a la gran ciudad sin mayor interés en las artes, pero pronto la apertura de la ciudad le entusiasma y el movimiento cultural de la Universidad le hace terminar formando parte del grupo tradicional de teatro de la Universidad del Valle. “Aunque al principio era para el tiempo libre, algunos fuimos encontrando en el teatro algo más importante”, explica. “Es entonces cuando el grupo empieza a relacionarse con el grupo caleño Grutela de Danilo Tenorio, con el que se produjo una simbiosis importante donde actores del grupo universitario pasaron a formar parte de Grutela y otros actores de Grutela pasaron a formar parte del grupo universitario”. El grupo había logrado cierto reconocimiento, tanto por el trabajo realizado como por algunos resultados artísticos, y la Universidad les concede, en su sede de San Fernando, un espacio físico: una esquina desde la que continuar su labor, con una oficina y una pequeña sala de teatro. Este edificio, sumado al impulso de algunos miembros del grupo y el propio Tenorio, más interesados en la idea de constituirse como grupo de teatro “independiente” aunque vinculado a la Universidad, terminan forjando a Teatro Esquina Latina, que nace oficialmente en 1973. En paralelo, en Bellas Artes, se creaba el Teatro Escuela de Cali de Enrique Buenaventura. “Nosotros nacimos antes que la escuela de teatro, nosotros fuimos convocados a la formación de la escuela de teatro, pero desde el principio dijimos: queremos mantener este modelo de grupo. No nos interesaba el proceso académico. Nos interesaba más un modelo de comuna de creatividad, de comunidad artística”. Pese a la paradoja de rechazar el modelo académico siendo un grupo universitario, Cajamarca cuenta que tuvieron la gran suerte de contar con rectores como Álvaro Escobar Navia, Carlos Augusto Trujillo Padilla o Rodrigo Guerrero Velasco, que entendieron que allí había algo importante. “Les sonaba muy

CALI PROGRESA CONTIGO

HOMENAJES: TEATRO ESQUINA LATINA

bien porque nosotros le planteábamos a la Universidad una cosa muy interesante: nosotros somos de la Universidad, trabajamos para la Universidad, pero no queremos que la Universidad se eche encima toda la responsabilidad. Hagamos co-gestión. Así les ayudamos a construir el espacio y conseguíamos recursos nuestros para la sala de teatro, dentro de la Universidad, para la Universidad. Había una sincronía entre una iniciativa privada y una pública que en su momento era muy bien vista”. Sin embargo, ese modelo, según el dramaturgo y director, no siempre fue bien visto. Con el tiempo, el modelo “produjo urticaria. Una urticaria que se convirtió en un eccema” entre algunos miembros de la comunidad universitaria que terminaría desembocando en el divorcio definitivo entre el grupo y la Universidad Pública.

Pero eso llegaría más tarde. Aún en la década de los setenta y principios de los ochenta, varios acontecimientos terminarían por dar forma al modelo actual del grupo. Como grupo universitario estaban “al vaivén del momento, dentro de un movimiento estudiantil efervescente, con unas influencias teatrales del teatro político que en el momento se está fortaleciendo, del Nuevo Teatro Colombiano, la influencia de la postguerra, la Revolución Cubana, los Beatles, el Ché Guevara y los Rolling Stones. Ahí nos empieza a interesar el teatro político, entendido lo político como un teatro que hablaba del contexto social y político que ponía su punto de vista e indagaba las formas, frente a otras formas más radicales de la época que les interesaba el teatro como herramienta de propaganda”. Pese a la revisión de los textos de Brecht y otros autores, la influencia dramatúrgica de Danilo Tenorio, y el movimiento de la Creación Colectiva, pronto dejó una huella muy importante en el grupo y configuró uno de sus principales puntos rectores: la creación del texto propio. De la dramaturgia propia. Atrás quedarían los montajes de Dario Fo, Enrique Buenaventura o Sławomir Mrożek, este último, generando una tensión con la “corriente oficial, en la que se incluía paradójicamente el TEC”. En este contexto, Orlando Cajamarca escribiría El enmaletado, su primera obra como dramaturgo de creación colectiva. “Crea un eco muy grande. Fue una obra con música en vivo, con una estructura de contar muy particular, casi como estructura cinematográfica, que nos lleva a Bogotá donde es

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

muy bien recibida. Sabíamos que sería un proceso muy duro, porque al presentar textos nuestros, la gente iba a considerar que no tiene cartel. No es Shakespeare. A la gente le iba a parecer poca cosa”. El reconocimiento a ese trabajo le lleva a considerar la dramaturgia como un campo de estudio que, con el tiempo, terminaría por definir su trabajo. Posteriormente llegarían Los pecados del Capital y Encarnación (esta fue la primera obra ganadora del Premio Jorge Isaacs). En aquel tiempo surge también el interés por el teatro infantil. “Me interesa mucho, como dice Zuleta, ese tratamiento del niño como idiota fantástico”, lo que les lleva también a explorar a estos públicos y que, a largo plazo, constituiría uno de los principales pilares sobre los que se construye su teatro. Su relación con otros autores como los brasileños Antunes Filho y Nelson Rodrigues, su relación con Enrique Buenaventura y el TEC (en forma de “hijo rebelde”) y su interés por autores como Brecht, Shakespeare, Meyerhold, Chejov, Koltés, Barba o la Bauhaus, terminarían por dar forma a un teatro político; experimental; épico; interesado en los aspectos plásticos, visuales, sonoros y literarios; propuesto sobre una lógica de creación colectiva, desde la improvisación limitada. Cajamarca explica elocuentemente que sus procesos creativos han ido evolucionando con el hacer y su propio bagaje: “No nos hemos inventado nada, tenemos unos caminos, unas rutas, pero siempre siendo explorativos. Cada obra, cada temática, piden su propia forma de operar”. Durante la década de los años 80, el grupo terminará por explorar dos aspectos más que serán fundamentales y que han terminado siendo unos de los principales definidores del grupo. Por un lado, Cajamarca y otros miembros del grupo, ya dedicados completamente al teatro, se replantean la posición del artista. Su dignificación y la dedicación a tiempo completa al teatro son dos ideas que surgen con peso. Teatro Esquina Latina comenzaría a hablar de sueldos. No sería fácil, “para muchos era pensar como empresario o como comerciante, porque para la época el teatro era una especie de servicio social, de apostolado para irse para el cielo. Había toda una idea romántica al respecto. Nosotros sabíamos al principio que sería una cuestión de autoexplotación”, pero el objetivo debía ser poder vivir de su trabajo. Y ese no era otro que el teatro.

ESQUINA INDEPENDIENTE: ÓSCAR M. CUEVAS

Por otro lado, en 1983, inician un proceso de trabajo continuo de animación teatral con poblaciones vulnerables. “Respondía a una necesidad de ser consecuentes con una lógica de pensamiento filosófico-político que habíamos heredado de nuestra militancia en los años setenta: entender que era importante ir a estos sectores que son los que sostienen la pirámide social, los que van a ser público, los que son llamados a ser los que consolidan la historia”. Hoy, Teatro Esquina Latina cuenta con doce grupos de base distribuidos entre distintas comunas de la ciudad y poblaciones del Valle del Cauca y norte del Cauca. El Programa de Jóvenes, Teatro y Comunidad determinará por completo la composición del grupo: “ahora, el 90% del equipo de trabajo de Teatro Esquina Latina proviene de los grupos de base. De los actores, podría decir que todos”, cuenta Luz Nohemi Ocampo. Ocampo marca una nueva etapa en la historia de Teatro Esquina Latina. Ella llega en la última década del siglo, uniéndose definitivamente en 1995. La historia de Luz Nohemi Ocampo es la historia de “una ciudadana más en Cali, que nunca tuvo pulsión por ser artista, pero siempre fue espectadora de conciertos, obras de teatro y todas las manifestaciones culturales que la ciudad ofrecía”. Estudió Ingeniería Industrial y su formación la convirtió en consultora de Entidades sin Ánimo de Lucro. Así llegó a Teatro Esquina Latina, como consultora. Y allí conoció a Orlando Cajamarca, con el que inició una relación sentimental que terminaría por cambiar su vida y llevarla a trabajar para el grupo. “Por entonces ya habían coronado, ya habían contratado con el Estado y habían logrado cooperación internacional, lo que no era fácil”. Pero su papel fue fundamental en la estructuración organizativa del grupo. Aunque existía un incipiente modelo de organización, su formación técnica le permitió hacerse cargo pronto de la gestión, liberando a Cajamarca de responsabilidades administrativas y fortaleciendo una estructura de trabajo que permitía a los artistas destinar más tiempo a los procesos creativos. La hoy Directora Ejecutiva de Teatro Esquina Latina llegó a un grupo recién salido de la Universidad. En 1993, la Universidad determina que el grupo no puede mantener la sede de San Fernando. Un acuerdo entre la Universidad y el grupo, con la intervención de otros actores como la Alcaldía de la ciudad, entonces dirigida por el alcalde Rodrigo Guerrrero (quien fuera

rector de la Universidad y conocedor del proceso del grupo), termina con la cesión del edificio que hoy es la sede oficial del grupo, también en el mismo barrio, por veinte años, hasta 2013, momento a partir del cual el grupo consigue comprar la casa. Además, Ocampo encuentra un grupo “en un momento de asuntos muy especiales: unos veinte años de logros y ganas de dar un salto a la formalidad como grupo y comunidad artística, y de dignificación del trabajo que hacían”. Con ella como gestora, el grupo profesionaliza la división del trabajo y la especialización “del Grupo de Apoyo a la Planta Artística”. Apuestan por desarrollar destrezas entre los propios integrantes del grupo. Ellos “desarrollan destrezas según su interés”. Algunos se interesan por la comunicación, otros por

“

No nos hemos inventado nada, tenemos unas rutas, pero siempre siendo explorativos. Cada obra, cada temática pide su propia forma de operar”

la producción, otros por aspectos técnicos. Pasaron los años y comenzaron a acumular reconocimientos. El trabajo de creación artística y de formación de grupos de base continuó de forma permanente y estable (aunque a riesgo: “la estabilidad en el teatro es muy difícil de construir, pero muy fácil de acabar. Como tener agua en las manos”, bromea Cajamarca). Y, sobre todo, hoy 100% dueños de su independencia. Una de sus viejas aspiraciones. De su pasado como grupo universitario queda el logotipo de Univalle en la portada: vestigio de otros tiempos. EDITOR DE MEMORIAS FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI

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HOMENAJES: TEATRO ESQUINA LATINA

¿Y quién, así sea en sueños, no la ha mordido?

“¡HA’TA L’ETINA!!”

¡Pero no era un sueño! Una realidad, plantada con bizarría -cual bandera que se hinca en nueva tierra-, en la que contra viento y marea luchaban personajes de fábula y verdad, se erguía con fuerza en aquella esquina con sus máscaras y dramas, con sus voces y palabras como un canto cargado de pasado con memoria de futuro.

ALBERTO AYALA M.

Tenemos que obligar a la realidad a que responda a nuestros sueños, hay que seguir soñando hasta abolir la falsa frontera entre lo ilusorio y lo tangible, hasta realizarnos y descubrirnos que el paraíso estaba ahí, a la vuelta de todas las esquinas.

Así se pensara extramuros que por allí anduvieran Extraviados en el mar, el sueño terco de unos empecinados estudiantes empezaba su Encarnación, y traspasaba el velo para alentar en la memoria, en la mente o el alma de las tantas gentes que por fortuna ha alcanzado.

J. Cortázar.

Porque es el teatro fruta exótica que crece con el ser humano, y de él y de sus cosas se alimenta y se forja para alimentarle el alma con su inteligencia, su sátira, su dolor, su juicio y su risa siempre transgresora.

ay palabras que pasan, otras que traspasan.

Por esto, la convicción de esos actores y actrices estaba lejos de ser una Aventura sin fortuna; más bien, era el resultado de un actuar atizado por una pregunta constante: ¿De dónde venimos? Es decir: sus fuerzas para lidiar en tal contienda provenían de saber que, como sostuvo el gran actor y dramaturgo Karl Kraus, “el origen es la meta”.

Y se quedan ahí, como esculpidas o ‘grafitadas’ no sabemos dónde: en la mente o en el corazón, en la memoria, nos atrevemos a decir: como testigos del tiempo, de un suceso, de una alegría… Las del título eran un balbuceo de libertad. Y conservan en mi memoria su hermosa impronta de arrojo. Pulsaban, a mi muy corta edad, la posibilidad de volcarme a la calle y alcanzar el confín de la manzana, el corazón corriendo sobre los tres ciclos de un vehículo quimérico, en el que lograba realizar el sueño de volar solo “¡hasta la esquina!!”. Quizás como premonición del día en que llegué solo hasta la animada esquina de una manzana de la Universidad del Valle -en el frondoso barrio San Fernando-, donde se vivían con arrojo otras quimeras. Una manzana que, como la del Paraíso, estaba ahí, ‘a la vuelta’, invitando a pecar con solo morderla: la manzana del teatro.

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Que no es otra que nuestra vida ‘latina’, esa que con una lengua común corre con sus afugias y esperanzas del río Bravo al Cabo de Hornos; y que desde aquella esquina se vivía y se expresaba -ya desde temprano, cuarenta años atrás-, así en la Universidad como en tantas otras esquinas de manzanas y barrios de la ciudad. En la que se metían hasta El solar de los mangos, podríamos decir, para descubrir anhelos y, a sabiendas de que Toda desnudez será castigada, desnudar verdades con las que mantener viva esa alquimia poderosa de la escena, ya sobre las tablas iluminadas para ver cómo Joselito Buscalavida o sobre la calle incendiada de asombro por La historia de un desdén… Inspirador laboratorio de continua pesquisa en el que, a la par que se ‘montaban’ obras de autor, como El Escorial, se trabajaba en la autoría propia, por voluntad de

“¡HA’TA L’ETINA!!”: ALBERTO AYALA M.

tributar a la ‘Dramaturgia Nacional’ y por mantener vivo un legado: la Creación Colectiva; un par de columnas sobre las que el teatro de aquella esquina latina apuntala hoy con mayor fuerza un oficio madurado con el tiempo.

Algo así como tener en libertad el corazón para salir corriendo ¡hasta la esquina!!… viajando sobre los tres, cinco, mil ciclos de ese vehículo quimérico con el que, ¡¿quién no sueña?!

Más de cuatro décadas en las que también ha ido tomando forma un modo especial de acercar jóvenes, teatro y comunidad, para tratar con sus conflictos y recrearlos en los cuerpos y las voces de las gentes que hasta la esquina de su manzana vuelan. Jóvenes, niños y niñas de los confines de la ciudad, alientan hoy un teatro popular, ‘latino’ en su alegría y calor, su risa, sus gestos y sobre todo en sus gestas, anudadas por el deseo de actuar. Pero también por el saber recogido en años y años de aprendizaje, de crear, de cantar, de escribir y de poner en escena lo vivido hecho experiencia dramática, animados por actores y actrices mayores, igualmente formados en la esquina: ensayando, discutiendo, resolviendo y gestionando las fábulas salidas de sus sueños, de su fantasía y de la ilusión, otra exótica especie que, como diría García Márquez, “no se come, ¡pero cómo alimenta!”. Hace unas noches fui de nuevo hasta Esquina Latina, ahora en otra manzana, unas cuadras más arriba de San Fernando; la sede estaba de fiesta, estrenaba en su sala la más reciente obra: Retratos de aldea. Luego de dar la bienvenida a un público que abarrotaba el recinto, el director se refirió al trabajo del teatro. Palabras más, palabras menos, decía: “La que van a ver es una obra iniciada hace más de dos años, en los que hemos luchado en creación colectiva por darle forma a una apuesta de mucho tiempo atrás; un trabajo de dramaturgia en el que nos atrevemos a hacer con nuestra realidad una metáfora, aún inacabada por la complejidad que ese acercamiento supone para el teatro; resultado con el que todavía no estamos satisfechos, por lo que tendremos que seguir pesquisando…” Estaba de pie, sobre el tablado del teatro, frente al público que lo observaba y las actrices y actores, noveles y veteranos, que atentos escuchaban desde la trasescena. Había llegado hasta allí a decir unas palabras que traspasan el territorio de la certidumbre para instalarse en el de las artes, donde justamente la insatisfacción es el acicate para la creación.

“

la convicción de ellos estaba lejos de ser una Aventura sin fortuna; era el resultado de un actuar por una pregunta constante: ¿De dónde venimos?”

ACTOR, COREÓGRAFO, ESCENÓGRAFO Y ASESOR ARTÍSTICO

CALI PROGRESA CONTIGO

F: Pablo Chacรณn

HOMENAJES: TEATRO ESQUINA LATINA

Cuentos erรณticos africanos Teatro Esquina Latina Teatro Esquina Latina.

ALCADร A MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

F: Leonardo Linares

FOTOGRAFĂ?AS

La fiesta de las aves Teatro Esquina Latina Teatro Esquina Latina.

CALI PROGRESA CONTIGO

4 El festival a color

F: Leonardo Linares

La metamorfosis de Julieta en China Shanghai Theater Academy Teatro Jorge Isaacs.

F: Sebastián Bolaños Pérez

Orizonta. Poema dramático sobre la migración Teatro La Máscara Teatro Jorge Isaacs.

F: Pablo Chacรณn

Guli Teatro Multicultural La Galilea-Zikit Centro Cultural Comfandi.

F: Leonardo Linares

En este pueblo no hay ladrones Teatro Libre Teatro Municipal Enrique Buenaventura.

F: Gisell Sánchez

La extranjera Mi Compañía Teatro TEC.

F: Sebastián Bolaños Pérez F: Carlos Arce

Vértigo: El deseo de arrojarse Laboratorio de Creación en Artes Espacio T. La muñeca negra Baobab Teatro Teatro Salamandra.

F: Carlos Arce

La razón blindada Canoa de Papel CTI.

F: Sebastián Bolaños Pérez

TriptiClown 5D Nierika PRODUCCIONES Casa AESCENA.

F: Carlos Arce

*izquierda EQUUS Cali Teatro Cali Teatro.

F: Leonardo Linares

*centro La estaciรณn Teatro Tuyo Teatro La Mรกscara.

F: Leonardo Linares

*derecha Cien Pies Teatro La Concha Teatro La Concha.

F: Leonardo Linares

F: Sebastián Bolaños Pérez

*abajo/izquierda Bandoleros Corporación Escénica DC ARTE Bulevar del río.

* arriba/derecha Canovaccio Teatro Experimental Fontibón - TEF Bulevar del río.

F: Sebastián Bolaños Pérez

* arriba/izquierda Gangarilla Corporación Escénica DC ARTE Bulevar del río.

*abajo/derecha ENTRE-CAOS Pichirilo Colectivo Teatral Bulevar del río.

F: Sebastián Bolaños Pérez

Acto sin palabras I Sensibús. Teatro de los Sentidos TEATRO del PRESAGIO.

F: Sebastián Bolaños Pérez

Oficio de difuntos Jabrú Teatro de Títeres Domus Teatro.

F: Leonardo Linares

Historias de caballos y hombres Proyecto Caballos y Hombres Laboractores.

F: Sebastián Cabuyales

En la diestra de Dios Padre Compañía Municipal de Teatro Instituto Popular de Cultura.

F: Jessica Serna

Cómo se salvó Wang-Fô? Voces del Cuerpo Imagen cedida por el grupo.

El siguiente Corporación Cultural Nuestra Gente Teatro Salamandra.

F: Carlos Arce

Un extraño cadáver color malva Compañía de Teatro Reculá del Ovejo Pontificia Universidad Javeriana Cali.

F: Pablo Chacón

Héroes de la calle Sin Límites Teatro de la Unión. Comuna 16.

F: Sebastián Cabuyales

F: Leonardo Linares

*arriba/izquierda Los dientes de la guerra (2ª versión) Teatro Experimental de Cali - TEC TEC

F: Angélica Gardeazabal

*arriba/derecha CALICALABOZO PROYECTO CALICALABOZO Sala Julio Valencia, I. D. Bellas Artes.

F: Pablo Chacón

*abajo/izquierda PostGuerriando AESCENA Sala Julia Valencia. I. D. Bellas Artes.

F: Leonardo Linares

*abajo/derecha María 19: Memoria de una historia olvidada L’oiseau et la plume Teatro Salamandra.

F: Leonardo Linares

Dalicioso: Pintando un sueĂąo Circo Herencias Teatro al Aire Libre Los Cristales.

F: Leonardo Linares

La Vitrina Club Teatro NEPHILA Laboractores.

F: Carlos Arce

F: Sebastián Bolaños Pérez

El mundo de Dondo Compañía Julia Sigliano Centro Cultural Comfandi.

Viaje a la raiz Teatro Cazamáscaras Castillo Sol y Luna.

F: Julia Sigliano

F: Carlos Arce

Buenas noches miedo TITIRINDEBA Castillo Sol y Luna.

TĂteres a cielo abierto Manu y su Teatro de TĂteres I. E. Llano Verde.

F: Sebastián Cabuyales

F: Sebastián Bolaños Pérez

*arriba La abuela Matrioska y el libro mágico Mi Compañía Teatro Teatro Salamandra.

*abajo Mi dia de suerte En Obra Negra Auditorio de la Escuela Militar de Aviación Marco Fidel Suárez.

F: Jaime Manrique

F: Sebastián Bolaños Pérez

*arriba La noche de los monstruos TEATRO del PRESAGIO TEATRO del PRESAGIO.

*abajo La gata y el ratón Corporación Cultural Nuestra Gente Centro Cultural Comfandi.

FITCali 2017 comenzó a andar públicamente el martes 10 de octubre, con el lanzamiento oficial en Teatro La Máscara

(pág. 80, arriba/izquierda: Lanzamiento. F: Leonardo Linares) de una programación que incluyó 94 funciones de 47 obras distintas

provenientes de siete países y alrededor de 30 eventos paralelos, al que se invitaron a los principales medios de comunicación de la ciudad y a una muestra representativa del sector teatral caleño. 10 días después, en el Teatro al Aire Libre Los Cristales, el Festival se pondría de largo con la gran inauguración a cargo del grupo de música Afrocali (pág. 80, arriba/derecha: Concierto Afrocali. F: Leonardo Linares) primero, y de la obra Dalicioso: Pintando un sueño, después. Con la inauguración del festival, se dio comienzo no solo a una extensa programación artística ya mostrada en las páginas de esta publicación, sino también a una amplia oferta académica que incluyó nueve talleres dictados por artistas invitados nacionales e internacionales (pág. 80, abajo/izquierda: Taller de introducción a la dramaturgia: El universo en expansión, de Carolina Vivas. F: David Chávez), dos conversatorios

(pág. 81, abajo/izquierda: Clase magistral de Ernersto Parra y Aixa Prowl. F: David Chávez), la presentación de tres libros, la exposición fotográfica de Shanghai Theater Academy (pág. 81, arriba/izquierda: Exposición fotográfica. F: David Chávez), cuatro mesas temáticas (pág. 81, abajo/derecha: El público para el teatro: Desafío y formación. F: David Chávez) y las tertulias nocturnas de todas las noches

del festival donde artistas e invitados especiales podían reunirse al terminar la jornada, en Laboractores. A esto sumamos la programación especial con motivo del homenaje Memoria y obra a Iván Montoya, que incluyó una exposición de fotografía y vestuario del actor (pág. 80, abajo/derecha: Homenaje e inauguración de Exposición Inmortal Iván. F: David Chávez) y la lectura dramática de su obra Jaque a la reina, por Barco Ebrio. Hilda Ruíz y Phánor Terán recibieron sus respectivos homenajes en el Teatro Municipal Enrique Buenaventura (pág. 81, arriba/derecha: Homenaje a Phánor Terán. F: Leonardo Linares), Teatro Esquina Latina lo haría en el Teatro Jorge Isaacs y Juan Carlos Agudelo en Teatro La Máscara.

5 Programaciรณn

F: Pablo Chacón

F: Leonardo Linares

Coloquio de los perros Laboratorio Escénico Univalle Teatro Jorge Isaacs.

*izquierda El problema del mal ABRA TEATRO Sala de Teatro Univalle, Universidad del Valle.

PROGRAMACIÓN

La abuela Matrioska y el libro mágico La abuela Matrioska cuenta a los más jóvenes las increíbles historias que vivió cuando era niña, allá por la lejana Rusia, en la época en la que los libros eran mágicos y apenas se abría una página, la casa y los patios de la casa se inundaban de todos los animales que vivían en el libro. Desde su mecedora, la abuela narra historias como las de tres gatitos que cambian de color; un pollito que quiere hacer todo lo que hace un patito; un perro que quiere saber quién ha dicho miau; una rana, un pollo, un ratón y una mariquita que construyen un barquito; una hormiga que salva una liebre; entre otras muchas historias.

Basada en el antiguo libro de literatura infantil rusa de Vasilis Suteiev, Cuentos y estampas, la directora y actriz Mérida Urquía presenta una obra de narración oral acompañada de una proyección audiovisual que da vida a los personajes de los cuentos, como cuando la abuela Matrioska era niña y de sus mágicos libros saltaban los animalitos trayendo asombrosos acontecimientos.

Mi Compañía Teatro (Bogotá)

Acto sin palabras I

Bandoleros

“PERSONAJE: Un hombre. Ademán familiar: dobla y desdobla su pañuelo.

A mediados del siglo xx, la tensión entre liberales y conservadores está en su momento más álgido. La violencia, la corrupción y la lucha por el poder político tienen sumido al país en un contexto de odio y división entre los seguidores de uno y otro partido. El terror se vive en las calles de las principales ciudades, pero también se traslada al campo, donde la figura del bandolero hace estragos entre los campesinos colombianos. Son las vidas de estos personajes, como Efraín González, Chipas, Zarpazo, El Mosco y La Aguililla, los que sirven al grupo para perfilar un contexto de la cotidianidad beligerante de una Colombia que sangra.

ESCENARIO: Desierto. Iluminación deslumbrante. ACCIÓN: Por el lateral derecho, empujado desde bastidores, el hombre retrocede a trompicones, cae, se levanta enseguida, se sacude, reflexiona. Silbato por lateral derecho. (...)” Así inicia esta pantomima del célebre dramaturgo y poeta irlandés, Samuel Beckett. A continuación, una detallada descripción de acciones que conforman este breve acto. Este acto sin palabras. El hombre, sujeto del texto de Beckett, es aquí interpretado por Isabel Dávila, Giovanna Valderrama y Juan Krlos Granada González, dotando de corporalidad múltiple a un ser cuya libertad es vetada por su propia conducta. Este ser es arrojado a un espacio vacío. En repetidas ocasiones intenta salir, pero es arrojado de nuevo. Decide entonces permanecer en ese espacio del cual no conoce nada. En medio de su estadía empiezan a aparecer objetos que se convertirán en anhelos, caminos e, incluso, obstáculos de su propósito más grande.

Grupo de teatro de Bogotá creado en 2012 y dirigido por la dramaturga, directora y actriz Mérida Urquía. Desde su creación desarrolla actividades de creación, investigación, circulación y formación a través de presentaciones de espectáculos en temporadas, festivales y encuentros locales, nacionales e internacionales. La entidad cuenta con una destacada presencia pedagógica en Bogotá a través del proyecto Los rechazados, taller gratuito de formación de actores destinado a jóvenes de escasos recursos.

Sensibús. Teatro de los Sentidos

Autor: Vasilis Suteiev Adaptación, directora e intérprete: Mérida Urquía

Autor: Samuel Beckett Directora: Susana Uribe Elenco: Isabel Dávila, Giovanna Valderrama y Juan Krlos Granada González

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

(Cali)

Colectivo de teatro y danza caleño. Está conformado por dos actrices licenciadas en Arte Teatral del Instituto Departamental de Bellas Artes, de Cali. El colectivo surgió de un grupo de investigación de Teatro La Máscara, el cual dirigía Susana Uribe. Ahora, ya independientes de aquel proceso de investigación, mantienen una estrecha relación de creación y apoyo con la actriz y directora caleña.

En Bandoleros, Enrique Espitia León, autor y director de la obra, opta por la construcción de la violencia colombiana centrando su interés en el victimario y no en la víctima. Aquí, los bandoleros son personajes hambrientos que viven bajo una justificación ideológica de la muerte. Es la paradoja del victimario-víctima la que determina un trabajo centrado no en la dimensión histórica de este momento del país, sino en momentos significativos de la vida de sus personajes. Espitia construye a través de la cotidianidad una reflexión sobre el origen de la violencia en el país.

Corporación Escénica DC ARTE (Bogotá)

Grupo de teatro de Bogotá creado en 2004 por Enrique Espitia León. A lo largo de esta década de trabajo, la agrupación ha trabajado en la consolidación de un nombre y una identidad artística a través de montajes, sus comparsas, actos festivos o flashmob, así como en distintos espacios de organización del teatro comunitario, el teatro de calle y la Cultura Viva Comunitaria. Autor y director: Enrique Espitia León Elenco: Diego Alonso Rivera, María del Rosario Vergara, Diego Cañón, Daniel Humberto Viatela e Iván Rodrigo Cabrera

OBRAS FITCALI 2017

Buenas noches miedo Es de noche, pero un niño no quiere dormir, juega y juega con su muñeco hasta que llega su madre. Ya es tarde. Ella le reprende, pero él sigue sin sueño. La madre encuentra la solución, le cuenta uno de sus cuentos preferidos. Con cada parte del cuento, la imaginación se le despierta y viaja más y más. Finalmente, el niño queda dormido y enseguida empieza a tener dulces sueños. De repente, tiene una pesadilla que le hace caer de la cama y despertar. La mamá decide dormir con él, pero también ella cae presa de sus propios miedos. Niño y mamá deben combatir juntos sus temores si quieren lograr dormir tranquilos. Hablar del miedo es hablar de la noche, de la oscuridad, de los rincones donde simbólicamente el miedo habita, de los momentos donde los sueños transitan y donde todos los niños y niñas construyen sus mitos y leyendas. Titirindeba convierte el miedo en momentos dispuestos para soñar, jugar e imaginar mundos diferentes. Buenas noches miedo es una obra montada a partir de distintas técnicas de animación de objetos y actuación con máscaras y música.

Titirindeba (Cali) Grupo de teatro de títeres caleño creado en 1973 como grupo representativo del Instituto Departamental de Bellas Artes, de Cali. En 1987 pasarían a conformarse como grupo profesional con el nombre de Titirindeba. Estas cuatro décadas de trayectoria les ha permitido presentarse en teatros y festivales de países como Francia, Pakistán, España, Cuba, Argentina, Israel, Egipto, Perú, Estados Unidos, Brasil y Venezuela. Autoría: Titirindeba Director: Ricardo Vivas Duarte Elenco: Vanessa Bernal Ríos, Juan Krlos Granada y Beatriz Elena Piñeiro

CALICALABOZO

Basada en los relatos de Andrés Caicedo Cali y sus jóvenes. El autor caleño Andrés Caicedo construye a través de varios relatos vertiginosos, intensos y vibrantes, la fuerza motivadora de sus textos: el horror de lo cotidiano, una eterna melancolía que se apodera del pensamiento, los adolescentes que buscan amor en medio de su propia perdición y la presencia constante de la muerte. En esta recopilación creativa y transgresora de la realidad, Calicalabozo escruta a su ciudad y sus jóvenes a partir de sus formas de vivirla, habitarla y sentirla. Ahora, el montaje de Camilo Villamarín Orrego adapta los lenguajes, las relaciones y las motivaciones a los de los jóvenes y a la Cali de hoy. En esta adaptación de PROYECTO CALICALABOZO, el grupo se enfoca en la observación del mundo de los jóvenes, atendiendo a temas centrales como su despertar sexual, el consumo de sustancias psicoactivas y la definición de sus proyectos de vida. Una perspectiva vitalista que se contradice desde el plano en el que se perciben asimismo, desde el de la muerte.

PROYECTO CALICALABOZO (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 2011. Esta unión de artistas se produce alrededor de la obra de Andrés Caicedo, con el objetivo de explorar, producir y presentar desde diferentes disciplinas artísticas las temáticas contenidas en los relatos de Calicalabozo. Autor: Camilo Villamarín Orrego, basado en textos de Andrés Caicedo y Cristóbal Peláez Director: Camilo Villamarín Orrego Elenco: Gonzalo Andrés Basto, Alejandro Monsalve, Francisco Sierra, Diana Marcela Artunduaga y Jorge Felipe Aparicio Restrepo

Canovaccio Partiendo de la tradición europea de la comedia del arte, Canovaccio recoge los principios básicos de esta corriente componiendo una obra de tres cuadros escénicos y dos entremeses, donde se encuentran los personajes arquetípicos de esta forma teatral, como Arlequino, Pantaleone o el Capitán. La máscara, como elemento recurrente en este formato, define nítidamente el carácter de cada personaje que, junto con el vestuario, determinan aún más su propia identidad. Los ‘canovacci’, que en su traducción literal del italiano podría definirse como trapo o limpión, tienen además el uso que durante el Renacimiento se daba al guión o esquema básico, una suerte de argumento pequeño, que los actores utilizaban para su improvisación, direccionados hacia una naturalidad extrema.

Teatro Experimental Fontibón - TEF (Bogotá)

Grupo de teatro de Bogotá creado en 1979. Es una organización dedicada a la promoción, difusión, desarrollo y fortalecimiento del teatro popular. Han centrado su trabajo en comunidades populares, contribuyendo a la formación en aspectos éticos y estéticos para la apreciación y disfrute del arte teatral. Sus trabajos se han presentado en Colombia, Cuba, Venezuela, Perú, Ecuador, Brasil, Chile, Argentina, España, Italia y Alemania. Autoría: Teatro Experimental Fontibón - TEF Director: Alex Ticona Elenco: Ernesto Ramírez Arias, Emilio Samuel Ramírez Arias, Gloria Esperanza Gil Romero, Johan López Salamanca, Ange Paola Días Pineda, Ivonne Andrea Carrillo Cerón, Edwin Bermúdez y Fabián Castellanos

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PROGRAMACIÓN

Cien pies

Coloquio de los perros

Cómo se salvó Wang-Fô?

David Balfour recién ha quedado huérfano. En Edimburgo, su anciano tío le espera con parte de su herencia. Agradecido, el sobrino se ofrece a ayudarle en las tareas de la casa. La primera tarea será la de traerle un baúl que guarda en lo alto de una torre a la que solo puede acceder a través de una escalera que se eleva cien pies por encima de suelo. Lo que Balfour no sabe es que su tío esconde la intención de deshacerse de él y así mantener toda la herencia. Así inicia Secuestrado, la novela de uno de los autores más importantes de la literatura romántica del siglo xix: Robert Louis Stevenson. Pero esta obra no es Secuestrado, de Stevenson, sino Cien pies, de Rod Wooden.

A través de un enfermo recluido en el hospital, nos llega el testimonio de un inusual diálogo, el que mantienen dos perros: Cipión y Berganza. Los canes son los protagonistas de este coloquio que sirve de descarnado y valioso retrato ético, religioso, social y artístico del Barroco español. La vida de Berganza, sirve al autor para dibujar un retrato de la España del siglo xvii.

Wang Fô era un extraordinario pintor. Tanto que se decía que era capaz de dar alma a sus pinturas gracias a un último toque de color que añadía en los ojos de los personajes de sus creaciones. El talento de Wang Fô había llegado a la Corte imperial. El joven Emperador, que había crecido recluido en palacio, había construido su propio imaginario del mundo a través de las pinturas del artista. Cuando, a sus dieciséis años descubrió que la realidad no era tan hermosa como las pinturas de Wang Fô le habían hecho creer. Al sentirse engañado, mandó a capturar al pintor y a su discípulo. La pena por tal agravio sería la muerte para el discípulo, y la amputación de los ojos y las manos para Wang Fô; un castigo aún mayor que la propia muerte para el pintor.

“Gracias al destello del rayo, la novela puede continuar 26 capítulos más. Lo que yo siempre me he preguntado es ¿qué habría ocurrido a lo que el destello del rayo no hubiera caído?.” En Cien pies, Balfour tiene conciencia de sí mismo y de su condición de personaje. Como él, el tío, Alan Breck e incluso el propio Stevenson. Tanto los personajes, como los autores y actores, desarrollan un continuo diálogo desde el cual Wooden reflexiona sobre los límites del teatro.

Teatro La Concha (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 1999. Desde su primer montaje: Posiciones, el grupo estuvo conformado por el artista plástico recientemente fallecido Carlos Alberto Zuluaga y el actor Lisímaco Núñez. A partir de entonces, un gran número de artistas han participado de forma más o menos permanente con la agrupación. El grupo forma parte de la Fundación de Teatro y Artes Yolanda García Reina, y cuenta con su propia sede en el barrio San Antonio. Autor: Rod Wooden Director: Jorge Zabaraín Elenco: Victoria González, Marco Ocampo, Juan Krlos Granada González, John Edward Correa y Lisímaco Núñez

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Este montaje de Alejandro González Puche y Ma Zhenghong es una adaptación de Coloquio de los perros, de Miguel de Cervantes, en la que se incluye además un fragmento de El casamiento engañoso. La obra se centra en la interpretación freudiana de la relación terapeuta y paciente que existe, según el célebre psicoanalista, entre Cipión y Berganza, a través del cual el primer perro conduce el relato del segundo evitando disgregaciones, distracciones y blasfemias. Cipión maneja el tiempo, mantiene el sosiego de su interlocutor, dota de un contexto literario e histórico a las confesiones e, incluso, expía las culpas de su amigo.

Laboratorio Escénico Univalle (Cali) Grupo de creación e investigación perteneciente al Departamento de Artes Escénicas de la Universidad del Valle, de Cali. Liderado por Alejandro González Puche y Ma Zhenghong, y compuesto por docentes y estudiantes de la Licenciatura, este grupo cuenta con actividad internacional, nacional y departamental permanente, habiéndose presentado en Colombia, Chile, México, Estados Unidos, España y China. Autor: Miguel de Cervantes Saavedra Adaptación: Alejandro González Puche Directores: Alejandro González Puche y Ma Zhenghong Elenco: Felipe Andrés Pérez Agudelo, Julián Mauricio Gómez, Pedro Jacobo Usher, Johanna Robledo, Tatiana Toro y Angélica María Castro Quintero

La obra es una adaptación de Cómo se salvó Wang-Fô, una de las historias breves que componen la colección Cuentos orientales de la escritora francesa Marguerite Yourcenar. A través de la técnica de teatro corporal, Voces del Cuerpo se apoya en otras disciplinas como la danza, las artes marciales y la acrobacia.

Voces del Cuerpo (Cali) Colectivo de teatro caleño dirigido por el profesor de la Licenciatura de Artes Escénicas de la Universidad del Valle, Armando Collazos. El grupo, que está conformado por docentes, estudiantes y egresados de la Licenciatura, convoca a un grupo de investigadores de las artes escénicas en torno al teatro físico, en constante búsqueda de pesquisas para la creación corporal escénica. Autora: Marguerite Yourcenar Director: Armando Collazos Elenco: Rosse Marie Wallis, Victoria González, Nataly Montes, Eder Aleyxo y Juan Camilo Mutis

OBRAS FITCALI 2017

Cuentos eróticos africanos

Dalicioso:

Los dientes de la guerra

Seis siglos después de que Giovanni Bocaccio escribiera en Florencia su clásico Decamerón, el antropólogo alemán Leo Frobenius da a conocer El Decamerón Negro; vasta recopilación de los relatos que había reunido durante sus frecuentes viajes por el continente africano. La sabiduría, el humor y el erotismo entran en estos relatos de una manera integral. Cuentos eróticos africanos es una selección de estos cuentos, concretamente de tres de ellos: Leyenda de las Amazonas II, en el que el hombre y la mujer descubren su sexo, primero siendo ellas quienes poseen a los hombres y, luego, siendo dominadas por ellos; Un hombre cuyo oficio es el amor o el Nsani, en el que el conocimiento de los asuntos del amor demuestra ser más útil e importante que los oficios artesanales; y Las hijas del Aguelida, en el que el amor y el erotismo se mezclan con una dosis de humor, juego, sensualidad y lucha por el poder.

A través de la imaginación, un niño y sus padres se embarcan en un viaje fantástico hacia un mundo desconocido. Recorriendo esta travesía, la familia se encontrará con personajes mágicos como un pez saltamontes, elefantes en zancos, intrépidos acróbatas saltarines, seres langostas, hadas voladoras y hasta un hombre cajones lleno de recuerdos.

A un páramo solitario llegan hombres y mujeres, víctimas y verdugos de una vida saturada de violencia pública y privada. Los fantasmas del pasado asedian sus sueños llenándolos de rencor y remordimientos. Atrapados en la telaraña del tiempo sacudido por las interminables guerras civiles, cada movimiento, cada pensamiento los enreda más, hundiéndolos en la tristeza y el pavor. Las pocas voces de aliento, buscando una forma colectiva de asumir la condición humana, desterrando civilmente a la guerra civil, son sofocadas por los discursos de los generales y los lamentos de los moribundos.

Teatro Esquina Latina (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 1973 en la Universidad del Valle. Teatro Esquina Latina es una agrupación de teatro experimental e independiente, dedicado a la investigación, creación y difusión teatral. Además, sus acciones y procesos sistemáticos desde la animación teatral como estrategia de intervención sociocultural con jóvenes de los sectores más vulnerables le ha otorgado un gran reconocimiento en el medio. Entre su extensa producción, destacan trabajos dramatúrgicos propios como El enmaletado, Encarnación, Elegí a Lorca, El solar de los Mangos y Caína. Autor: Leo Frobenius Adaptación y directores: Orlando Cajamarca y Alfredo Valderrama Elenco: Lucineth Castillo, Adriana Gonzalías, Yuri Andrea Marín y Victoria Eugenia Silva

Pintando un sueño

Dalicioso: Pintando un sueño es un espectáculo de circo contemporáneo que aúna las técnicas circenses clásicas de acróbatas, zanqueros y malabaristas, con los elementos audiovisuales y cinematográficos, la música en vivo y los juegos de luces de los shows de gran formato. Bajo la dirección de Fabián Hoyos, el que fuera director de la Escuela Nacional de Circo para Todos y actual director de circo de Delirio, este montaje invita a dejarse llevar por el deseo de soñar. En Dalicioso, los sueños se harán realidad a través de la solidaridad, el trabajo en equipo y la unión familiar.

Circo Herencias (Cali)

(2ª versión)

En esta segunda versión de Los dientes de la guerra, de Enrique Buenaventura, el colectivo artístico Teatro Experimental de Cali - TEC asocia directamente su propia percepción conceptual con las relaciones entabladas entre el grupo guerrillero FARC y el Gobierno colombiano..

Teatro Experimental de Cali - TEC (Cali)

Colectivo de circo creado en 2010. El grupo está compuesto por artistas formados y especializados en distintas disciplinas circenses con amplia trayectoria internacional. Su fundador, el reconocido Fabián Hoyos, se mantiene en la búsqueda de procesos de fortalecimiento de la cultura circense en Cali, construyendo diferentes propuestas en las que el circo, la música, el teatro y la danza se encuentran en shows contemporáneos.

Grupo caleño de teatro creado en 1955, en la Escuela Departamental de Teatro de Cali. Indisolublemente ligado a la personalidad y a la obra de Enrique Buenaventura, autor de piezas teatrales aún vigentes en el repertorio del grupo. La dinámica creativa desarrollada y aplicada desde los orígenes teatrales del TEC, aunada a la constancia y la disciplina artística, permite situar al grupo como uno de los más importantes del país.

Autor y director: Fabián Hoyos Elenco: Fabián Hoyos, Mónica García, María del Pilar Valencia, Yuleima Leonett Sandoval, Julio César Marín Clevel, José Israel Córdoba García, José Olave Caicedo Viafara, Yusbrinel Carvajal, Gustavo Adolfo Quiñones, Albert Aguirre Reina y Jeison David Martínez

Autoría: Enrique Buenaventura / Creación colectiva Directora: Jacqueline Vidal Elenco: Jacqueline Vidal, Daniel F. Gómez, Maira García, Esteban Orozco, Fernando Reinosa, Daniela Rodríguez, Hilda Ruiz y Maycol Fierro

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PROGRAMACIÓN

Donde se descomponen las colas de los burros

En este pueblo no hay ladrones

En la diestra de Dios Padre

El alcalde ha decretado toque de queda en la ciudad, y Salvador, hijo de Pedro y Dolores, aún no ha vuelto a casa. Ante la preocupación de la madre, Pedro se arma con un machete y una linterna y sale en su búsqueda. Pero Salvador no es el único joven extraviado en esos días por motivos que aún se les escapa. Muchos de estos jóvenes, enredados en la maraña de los intereses de adultos sin rostros, no volverán a sus casas. Son personas del común a merced de un Estado, a su vez, ausente y autoritario. Es un mundo peligroso de delaciones y recompensas, acusaciones ambiguas de delitos que tampoco resultan claros.

En la trasescena se escuchan los sonidos de una noche caliente del Caribe colombiano. Ana, que está embarazada de seis meses, espera impaciente en el cuarto de una pensión. Tras las paredes de madera irregularmente apiladas, queda un pueblo pequeño y tropical, gobernado por las tradiciones, la corrupción, el yugo de la religión y el tedio. Esta adaptación del cuento de Gabriel García Márquez es puesta en escena con una escenografía meticulosamente diseñada por Germán Moure y Wilson Peláez. Aún con la adrenalina del robo, Dámaso Montero llega a la pensión. Un joven de 20 años, marido de Ana, que empujado por la necesidad, ha llevado a cabo el peor hurto posible en este entristecido pueblo: ha robado las bolas del billar que sirven de único entretenimiento para sus habitantes.

El humilde y pobre Peralta es conocido en todo el pueblo por su caridad: asiste al enfermo, limpia al mugriento y da de comer al hambriento. Su hermana, cumple obedientemente, pero a regañadientes, los mandados de éste. Un día cualquiera, dos peregrinos llegan a su choza. El ambiente se torna lleno de amabilidad y de olor a rosas. Estos peregrinos, que in situ comprueban las buenas intenciones de Peralta, descubren su verdadera identidad: son San Pedro y Jesús Cristo. El cielo quiere premiar la honradez de Peralta, otorgándole cinco deseos. Peralta, hará uso de estos deseos de forma aparentemente arbitraria y sin razón.

La reconocida dramaturga colombiana, Carolina Vivas, terminaría esta obra en 2008, poco antes de que los casos de falsos positivos se hicieran conocidos entre la opinión pública colombiana. La propia autora ha explicado que a través de su trabajo en zonas de conflicto, tuvo “la oportunidad de conocer de primera mano cualquier cantidad de historias de esta naturaleza”.

Umbral Teatro (Bogotá) Grupo de Bogotá creado en 1991, como espacio de investigación y creación. Está conformado por actores y músicos profesionales, que trabajan por el desarrollo de un teatro y una dramaturgia nacional que formulen preguntas al oficio y al país. Sus obras han sido múltiples veces invitadas a los principales festivales de teatro colombiano y a un buen número de festivales internacionales. Autora: Carolina Vivas Director: Ignacio Rodríguez Bejarano Elenco: Andrea Sánchez, Daniel Maldonado, Martha Leopoldina Carolina Beltrán, Miguel Rodríguez, Fabián Mejía, Alfredo Aguilar y Brian Miguel Peña

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

La inclusión de elementos audiovisuales y de juegos de iluminación, así como la transformación de la historia original, basada en hechos reales, se producirán paralelamente al transcurso de una trama que sucede íntegramente en la pensión, con un pueblo de fondo desesperado por ver caer al ladrón de las bolas de billar.

Teatro Libre (Bogotá) Grupo de teatro de Bogotá creado en 1973. Su origen se enmarca en la Universidad de los Andes, de Bogotá. Este colectivo cuenta con dos sedes en la capital de Colombia: una en el barrio de La Candelaria, y otra en el barrio de Chapinero. A lo largo de estos más de 40 años, el grupo ha puesto en escena cerca de 100 obras y espectáculos. Autor: Gabriel García Márquez Adaptación: Adriana Marín y Juan Diego Arias Directores: Ricardo Camacho y Miguel Diago Elenco: Jeyner Gómez y Luisa Fernanda García

Asentada en la tradición popular y escrita por el antioqueño Tomás Carrasquilla, En la diestra de Dios Padre es una de las historias populares más conocidas en el imaginario colombiano. El maestro Enrique Buenaventura recuperó este texto para el teatro, reinterpretándolo en multitud de ocasiones.

Compañía Municipal de Teatro (Cali) Grupo de teatro caleño creado en el 2000. El origen del grupo se sitúa a partir de un taller de entrenamiento de actores que Alejandro Buenaventura impartió en la Biblioteca Departamental Jorge Garcés Borrero. Enmarcado en la lógica de la tradición del teatro colombiano, la Compañía Municipal de Teatro ha atendido a los grandes temas del país, de su historia y su sociedad, valiéndose de la autoría propia en el caso de El secuestro, de Alejandro Buenaventura, o de autores externos. Autor: Enrique Buenaventura Director: Alejandro Buenaventura Elenco: Alejandro Buenaventura, Jhon García, Karol Trujillo, Manuel Murillo, Paola Otero, Andrés Falla, Marco Ocampo y Lizeth Flores

OBRAS FITCALI 2017

ENTRE-CAOS

EQUUS

La estación

El agua, el fuego, la tierra y el aire son los cuatro elementos fundamentales a partir de los cuales el conocimiento antiguo explica la construcción de nuestro mundo. También son los cuatro puntos referenciales de esta obra que parte desde el mito universal de la creación como fundamento de orden en La Tierra y sus grandes deidades. Del origen surge también el hombre, en constante búsqueda de su propia verdad, desde la que se relaciona con los elementos y el planeta. El hombre es, entonces, el encargado, el administrador de todo lo hecho. Todo cuanto acontece pasa por sus manos.

“¿Será posible que un caballo sea capaz de transmitir su diario sufrimiento?”, se pregunta un confundido y simple psicólogo de barrio a partir de la extrema gravedad y enorme extrañeza de un caso que debe tratar. Su paciente, Alan, era un joven empleado de una cuadra que siente una gran fascinación por los caballos. Su relación con los equinos era tal que le llevó a realizar una desconcertante acción contra ellos: dejó ciego a seis de estos animales con un punzón de metal.

Papote quiere llegar a su destino. Con su boleto en mano está en la estación para abordar el tren. La angustia de la espera, la impaciencia y el tren que al pasar nunca se detiene, hacen que cada vez su propósito esté más lejos. La impertinente lluvia, un pequeño gato hambriento, entre otros personajes y situaciones, acompañan a este clown en una larga espera mientras llega su tren. Con el público como aliado, Papote trata de mitigar la espera con baile, música y comedia. A partir de una sucesión de ternura, humor, tristeza e infinita alegría, La estación reflexiona sobre algo tan profundo y valioso como el tiempo y la solución de los problemas de cada uno, sin desechar lo que se tiene a mano.

ENTRE-CAOS parte de esta construcción ancestral de la creación del universo para iniciar reflexiones contemporáneas como son el egoísmo, la relación del ser humano con su medio ambiente y la respuesta que podemos esperar de este ante el maltrato al que es sometido por el hombre. Fuego, malabares, percusión y teatralidad componen el desarrollo de esta obra mística en la que el caos es representado como fenómeno del daño que producen las acciones de nuestras sociedades industriales y la tensión que genera la resistencia de la naturaleza.

Pichirilo Colectivo Teatral (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 2011 por estudiantes de la Licenciatura de Arte Teatral del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali. El objetivo desde su fundación es la creación artística para la sociedad como medio educativo y de diversión. Autoría: Pichirilo Colectivo Teatral Director: Bryan Steven Rocha Motato Elenco: Daniela Castaño Vélez, Diego Fernando Castellar, Luisa Fernanda Otero, Michelle Navarro Murillo, Santiago Betancourt y Cristian Camilo Astorquiza

El autor británico Peter Shaffer, a partir de conocer la noticia de este crimen real, sin más conocimiento que el del brutal ataque, pondrá al protagonista del hecho en manos de un psicólogo que descubre en él una rara enfermedad mental. Shaffer, hace uso de varios principios del psicoanálisis y la psicopatología para construir una obra de corte detectivesco, en el que la relación del joven con la religión y su madre se vinculan a la devoción patológica del muchacho por los equinos.

Cali Teatro (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 1989. Con más de veinte montajes, el grupo ha explorado distintas expresiones del teatro clásico, contemporáneo y moderno. Sus trabajos han sido presentados en festivales de Dublín, México, Ecuador, Teherán, Uruguay y Chile. En Colombia se ha participado en festivales de Bogotá, Cali, Medellín, Manizales, Pasto, Río Sucio, Pensilvania, Oriente Antioqueño y La Guajira, entre los que destaca su participación en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá en el 2004. Actualmente cuenta con una sede en el barrio de San Antonio. Autor: Peter Shaffer Director: Indalecio Corugedo Elenco: Lorena Segura, Gladys Viviana García, Sergio Monares, Eder Aleyxo Montaño, Jhonny Calderón y Álvaro Arcos

Ernesto Parra presenta con La estación un espectáculo clown unipersonal, entre el lenguaje extraverbal y la precisión del gesto. Según el propio Parra, independientemente de la fábula de la obra, es una analogía con el momento en el que se encuentra el grupo, es el simbolismo del liderazgo y la responsabilidad de trazar un camino y un destino. La estación es quizá uno de sus trabajos más rigurosos desde una perspectiva técnica y teórica.

Teatro Tuyo (Cuba) Grupo de teatro creado en 1999, en Las Tunas, Cuba. Aunque originalmente contó con algunos montajes de espectáculos titiriteros, desde 2006 centra su producción en la defensa del arte clown como estética fundamental del grupo, concentrando su trabajo en la investigación y un exigente entrenamiento, lo que le ha permitido convertirse en un referente y ser invitados a impartir conferencias, clases y talleres dentro y fuera de Cuba. Entre su repertorio destacan Dos payasos en peligro, Parque de sueños, La estación, Narices, Gris y Superbandaclown. Autor, director e intérprete: Ernesto Parra

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PROGRAMACIÓN

La extranjera

En un escenario de altas cortinas que caen como velos de novia, los objetos atraen recuerdos y se convierten en añoranzas de una anciana actriz que le entrega sus maletas a la joven Emilia, quien 20 años después se las entrega también a su nieta. Las maletas, símbolo del teatro que se hereda, también evocan el viaje, la condición de extranjeras que ha marcado a varias generaciones de emigrantes cubanas. Historias inconclusas de amigos perdidos, personajes y fragmentos de vida se proyectan como memorias que van desde los sueños infantiles vinculados al imaginario de la Cuba campesina y pro soviética, hasta sórdidas remembranzas de la noche bogotana. El viaje, la migración y la condición de extranjero son los referentes de esta obra que es, también, un homenaje a los actores y actrices que han hecho del teatro su oficio. Su país. Su patria. Su casa. En La extranjera, la actriz Mérida Urquía da vida a múltiples personajes a través de los cuales revela, con humor, cómo se convirtió en la habitante de muchos lugares. Acompañada de la música de su vida marcada por Cuba y Colombia, el bolero, el son, el guaguancó, la cumbia y el vallenato, Urquía escribe, dirige y actúa este drama poético lleno de nostalgia.

Mi Compañía Teatro (Bogotá) Grupo de teatro de Bogotá creado en 2012 y dirigido por la dramaturga, directora y actriz Mérida Urquía. Desde su creación desarrolla actividades de creación, investigación, circulación y formación a través de presentaciones de espectáculos en temporadas, festivales y encuentros locales, nacionales e internacionales. La entidad cuenta con una destacada presencia pedagógica en Bogotá a través del proyecto Los rechazados, taller gratuito de formación de actores destinado a jóvenes de escasos recursos. Autora, directora e intérprete: Mérida Urquía

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Un extraño cadáver color malva Varias personas llegan de diferentes lugares para reconocer un cadáver. Todos ellos distintos. Todos con diferentes búsquedas. Un cadáver es el mapa de la desolación que ha dejado décadas de violencia. La muerte, siempre presente, como antagonista de la vida, deja de ser algo natural y se convierte en un mecanismo de terror. Una herramienta común de quienes pugnan por empoderarse sobre los otros. Una metáfora de un país que nunca ha dejado de buscar y reconocer a sus muertos. Escrita por el dramaturgo cartagenero Alberto Miguel Llerena, autor representativo de las artes escénicas del Caribe colombiano, la obra es el epicentro en el que confluyen los otros personajes y su búsqueda infructuosa: el forense que cuida la esperanza, una vieja y una mujer que no encuentran, un testigo que no habla, un joven que no para de huir y, finalmente, una funcionaria que todo lo soluciona.

Compañía de Teatro Reculá del Ovejo (Cartagena)

Grupo de teatro de Cartagena creado en el año 2004. Está compuesto por actores provenientes de distintos grupos de la ciudad, y surge como una de las líneas de trabajo de la Asociación de Teatristas de Cartagena, ante la necesidad de desarrollar montajes teatrales a partir de obras dramáticas nacionales e internacionales pero, sobre todo, cartageneros. Entre su repertorio se encuentran Por los caminos de la independencia, Tierra de Kalamaries o Pedrito el camorrero y Un extraño cadáver color malva. Autor: Alberto Miguel Llerena Director: Jorge Luis Naizir Elenco: Eliris Sierra, Grace Bernier, William Hurtado, Julio César Romero, Ángel Rafael Velásquez, Einer José Gutiérrez y Juan Rogelio Franco

La fiesta de las aves Animales que son blancos e irán tomando color a partir de sus aventuras (Los colores); un Dios que al sentirse solo y aburrido crea la humanidad a partir de tres mujeres (Las tres madres); unas aves que hacían fiestas en las nubes hasta que dos animales sin alas, el sapo y la tortuga, se les unen para disfrutar de la fiesta (La fiesta de las aves); un bebé que llora desconsolado y solo es calmado con el canto de un pajarito (El origen de los cantos); y dos jóvenes que se aman, una princesa y un artista, que no cuentan con el beneplácito del rey (La flor y el colibrí), son las historias que Teatro Esquina Latina, grupo homenajeado por el Festival Internacional de Teatro Cali 2017, ponen en escena en La fiesta de las aves. Este espectáculo de cuentería teatral compuesto por cinco relatos, conjuga música y canto en vivo, danza y teatro, bajo la inspiración de relatos de carácter mítico, entresacados de antologías indígenas y populares de América, de tradición indígena, española y africana.

Teatro Esquina Latina (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 1973 en la Universidad del Valle. Teatro Esquina Latina es una agrupación de teatro experimental e independiente, dedicado a la investigación, creación y difusión teatral. Además, sus acciones y procesos sistemáticos desde la animación teatral como estrategia de intervención sociocultural con jóvenes de los sectores más vulnerables le ha otorgado un gran reconocimiento en el medio. Entre su extensa producción, destacan trabajos dramatúrgicos propios como El enmaletado, Encarnación, Elegí a Lorca, El solar de los Mangos y Caína. Autor y director: Alfredo Valderrama Elenco: Darling Silva, Sol Angie Arenas, Alejandra Vélez, Susan Viveros, Fernando Villegas, Jhorlin Silva y Luis Fernando Giraldo

OBRAS FITCALI 2017

Gangarilla

La gata y el ratón

Guli

Una compañía teatral ha recorrido el mundo recopilando historias de la naturaleza humana y su comportamiento. La compañía está compuesta por jocosos personajes que harán reír al público al tiempo que plantean importantes reflexiones. Este grupo de cómicos conforman lo que en el barroco español era conocido como gangarillas. Estas gangarillas eran compañías ambulantes que viajaban de pueblo en pueblo, con tres o cuatro cómicos de los cuales el más joven solía actuar los personajes femeninos, y divertían a los espectadores con sus montajes en la calle o los cortijos.

Una gata mimada desentendida por aprender y conocer todo lo que hay que saber, sufre una sucesión de acontecimientos fruto de los engaños de un ratón “malón”. El astuto roedor se aprovecha de la ignorancia de esta gata que ha dedicado su vida a acicalarse, comer y dormir. A través de argucias, el ratón logra sacarla de la casa y quedarse él con sus dominios para vivir a sus anchas.

La madre de Guli tiene que salir de viaje. El niño no se quedará solo. Su abuelo cuidará de él mientras la mamá se ausenta, pero esto no evita que Guli se sienta triste al tener que alejarse de su madre. El abuelo no oye bien y casi no habla, pero le trae un regalo muy especial a su nieto. Durante la noche, el regalo abre a Guli una puerta a la imaginación y al juego. Los rincones de la casa se convierten en lugares sorprendentes e inesperados. Guli y su abuelo se irán descubriendo mutuamente a través de aventuras y juegos.

A través de los viajes de Garganilla, la compañía presenta un reflejo de la condición del hombre trascendiendo los meses, los años y los siglos. La obra está compuesta por tres historias. La primera se centra en los motivos del hombre para tener y acumular pertenencias, aunque sea a costa de los demás. La segunda considera los valores privados que son trastocados por la voluntad de engañar y aparentar lo que no se es. La tercera y última se plantea las dudas fundamentales del ser humano, entre ser o no ser.

Corporación Escénica DC ARTE (Bogotá)

Grupo de teatro de Bogotá creado en 2004 por Enrique Espitia León. A lo largo de esta década de trabajo, la agrupación ha trabajado en la consolidación de un nombre y una identidad artística a través de montajes, sus comparsas, actos festivos o flashmob, así como en distintos espacios de organización del teatro comunitario, el teatro de calle y la Cultura Viva Comunitaria. Autoría: Roberto Espina / Historias de gangarillas españolas Adaptación y director: Enrique Espitia León Elenco: Diego Alonso Rivera, María del Rosario Vergara, Diego Cañón y Daniel Humberto Viatela

El texto de Fidel Galván propone una conversación sobre un tema sencillo e inmensamente profundo: la importancia de aprender, tema que explora utilizando un lenguaje lúdico y amable, de más fácil acceso para los niños. La gata y el ratón parte de la necesidad de la sociedad de acceder a la educación y la cultura, para que la fábula de la realidad siempre tenga un final feliz. La puesta en escena es resultado de improvisaciones basadas en el texto del dramaturgo cubano El gato simple.

Corporación Cultural Nuestra Gente (Medellín)

Grupo de teatro comunitario de Medellín con más de 30 años de trayectoria. La corporación, dirigida por Jorge Blandón, ha desarrollado a lo largo de estas tres décadas procesos creativos y formativos como medio para construir tejido social. Entre sus objetivos se encuentran el fomento de valores como el trabajo en equipo, la solidaridad y la convivencia; y la creación de una imagen positiva y real de los barrios populares. Sus trabajos se han presentado en teatros y festivales de Colombia, Argentina, Perú y Chile. Autoría: Fidel Galván / Creación colectiva Director: Jorge Blandón Elenco: Fredy Bedoya, Gleydy Holguín, Andrés Felipe Tobón y Mariana Vásquez Cadavid

Pablo Ariel y Efrat Hadany desarrollan un espectáculo donde actor y títere participan a la vez de la escena. Mientras Ariel interpreta al abuelo y Hadany hará lo propio con la mamá, Guli es un guiñol manejado la más de las veces por la actriz. El juego llega al punto en que vemos a Guli, un muñeco, jugar con otros muñecos. La Galilea-Zikit explora así distintas formas de animación de títeres en un espectáculo familiar.

Teatro Multicultural La Galilea-Zikit (Israel)

Grupo de teatro visual de Israel dirigido por el argentino radicado en Israel Pablo Ariel. La compañía produce espectáculos para niños y adultos presentados en teatros y festivales de todo el mundo, como Inglaterra, Holanda, Austria, España, Serbia, Kosovo, Bulgaria, Bielorrusia, Estados Unidos, Australia, Singapur, México, Chile, Puerto Rico, Japón y China. También han producido dos series de películas educativas sobre derechos humanos e infancia, que son utilizadas por instituciones como Amnistía Internacional y por el sistema educativo israelí como parte de su programa educativo. Autores: Pablo Ariel y Efrat Hadany Director: Pablo Ariel Elenco: Pablo Ariel y Efrat Hadany

CALI PROGRESA CONTIGO

PROGRAMACIÓN

Héroes de la calle “La calle está caliente”. Así dice la canción que se escucha en mitad de una calle de Cali, donde las mafias, las prostitutas y los vendedores ambulantes forman parte de su paisaje diario. Ahí aparece José, quien ha contraído una deuda con unos peligrosos extorsionistas y cuyo dinero gasta en juego y alcohol. Heroes de la calle es una reflexión creada colectivamente por Sin Límites, un grupo compuesto por personas en situación de discapacidad visual, auditiva, física y cognitiva, que ponen sobre la escena la realidad de los barrios de la ciudad. La ausencia de trabajo, el rebusque y la violencia son las constantes no deseadas de la pobreza.

Enfrente encontramos a Rosa, la esposa de José, una mujer trabajadora que corrige las malas prácticas de este. La historia de vida de Rosa y José presentan una reflexión sobre los problemas de nuestra sociedad, pero también regala luz sobre la importancia de los valores, los sueño, el valor de la vida y la necesidad del perdón. Las acciones de cada uno serán los que forjen sus destinos.

Sin Límites (Cali)

Historia de caballos y hombres

Historias comunes de anónimos viajantes

Hartos de la servidumbre a la que históricamente han sido sometidos, caballos célebres por haber participado en campañas libertadoras, misiones santas y luchas ficcionales, le declaran la guerra a sus amos, en el contexto de un hospital psiquiátrico. Esta institución es el escenario de locura que representan todas las posibles guerras que se pueden librar en nombre de la libertad y donde conviven pacíficamente El General, Bayo, Hidalgo, Rocín, Bolívar y Palomo, quienes conforman equipos vencedores. Por su parte Fadda, la yegua blanca de Mahoma, será la chispa de la rebelión al conspirar con Bayo una nueva república de caballos libres.

Multitud de personas se mueven a diario en los sistemas de transporte masivo de todo el mundo. Multitudes de personas ajenas entre si, personas desconocidas e insignificantes. En cada asiento, sin embargo, cada persona es una vida, y esa vida tiene una historia que, aunque se antoje lejana, es una historia más que alimenta el contexto de un barrio, una ciudad. Cada una es una historia real, aunque Carretera 45 nos las presenta aquí como historias de ficción. Precisamente, son estas historias reales exploradas por los miembros del grupo en sus propios barrios, las que componen los distintos fragmentos de la obra.

Historia de caballos y hombres es una puesta en escena performática que nace a partir del texto homónimo de Víctor Hugo Enríquez Lenis, ganador en el concurso de dramaturgia Teatro por un rato, de Laboractores y LEEE: Laboratorio Escuela de Escritura Escénica. Inspirada en Los caballos de Abdera de Leopoldo Lugones, la obra plantea una reflexión sobre la espectacularidad mediática de los conflictos bélicos y sus devastadoras consecuencias.

Antonio Zúñiga, parte de la idea de viaje como sueño. En estos sueños siempre se reconfiguran las fronteras, son viajes sueño traslado, donde lo real y el sueño se vuelven uno para quebrantar la línea entre la ficción y la realidad. En Historias comunes de anónimos viajantes, la butaca del teatro se transforma en asiento de autobús y el espectador se convierte en pasajero.

Carretera 45 (México)

Grupo de teatro caleño creado en 2010 en el seno de la Asociación Confluencia Departamental de Discapacidad del Valle del Cauca, institución que vela por los derechos de la comunidad en situación de discapacidad. Carlos Uribe y Mario Ortega crean este grupo como una opción de emprendimiento de las personas en situación de discapacidad por medio del arte y la cultura.

Proyecto Caballos y Hombres (Cali) Proyecto caleño creado en 2017, alrededor de la obra ganadora en Teatro por un Rato, Historia de caballos y hombres, escrita por Víctor Hugo Enríquez Lenis. Está conformado por actores, bailarines, gestores, artistas de maquillaje, diseñadores y docentes de teatro, que han transitado la danza y la performance como parte de su formación y ejercicio profesional.

Grupo de Ciudad de México, México, con más de 15 años de trayectoria. En estos años han presentado su trabajo en México, Estados Unidos, Brasil, Cuba y España. El grupo cuenta con multitud de reconocimientos por su lenguaje dramatúrgico y escénico. Dentro de su repertorio destacan obras como Lo que soñé ese día que me quedé dormido bajo el puente, Mi papá no es santo ni enmascarado de plata y Algo de ti.

Autoría: Sin Límites Director: Wilkin Rojas Peña Elenco: Yaira Ríos, Carlos Hernán Uribe Franco, James Agredo, Olmes Sandoval, Alberto Ospina, Lina Gómez, Edwin Paz, Edilma Vargas, Yaritza Rivera, Edinson Solarte, Juan Carlos Paniagua y Andrés Lozano

Autor: Víctor Hugo Enríquez Lenis Directora: Ana Carolina Arcila Elenco: Alexander Jiménez, Bayron Quintero, Camilo López, Fabián Luna y Gerson Andrade Ochoa

Autor y director: Antonio Zúñiga Elenco: Diana Margarita Lozano, Christian Eduardo Gutiérrez, Humberto Yañez, Abraham Jurado, David Gerardo Bravo y José Antonio Becerril

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

OBRAS FITCALI 2017

MANÚ o la ilusión del tiempo

María 19: Memoria de una historia olvidada

La metamorfosis de Julieta en China

Manú, un soldado gastado por años de batallas concluye hoy la guerra. Un hombre como él, demasiado sensible para soportar los desastres del combate en el que jamás debió participar. Por el camino, deja caídas y ascensos, bizarros recuerdos, aprendizajes y entrenamientos. Pero ahora solo alberga un gran deseo: regresar a casa y encontrar a Magnolia, la mujer que le espera. Concluido el camino de la guerra, inicia uno nuevo, el del retorno. Pero este nuevo camino no será más sencillo. La distancia se antoja infranqueable y, lo que es peor, su memoria no le da el privilegio de recordar el sendero del regreso. Ya nada es certeza, sus deseos se confunden con sus recuerdos. Los recuerdos se pierden en los sueños. Ahora su vida queda suspendida entre la realidad y la fantasía. El tiempo pasa, pasó o, al final, fue solo una ilusión.

El periódico El Caleño tituló “Siloé, un barrio de Beirut en Cali”. Mientras uno de los periodistas relataba “el ulular de una sirena despertó nuestra atención. El reportero gráfico corrió, y arrancamos en el carro. Una ambulancia bajó velozmente por la loma y en su interior traía a una mujer de aproximadamente 25 años. Presentaba una herida, al parecer de fusil. Se veía mal. (Nos enteramos después que falleció en el hospital Departamental)”. Corría el año 1985. El ejército había entrado en Siloé como consecuencia de la operación “Cali, Navidad limpia”, cuyo objetivo era desalojar el grupo insurgente M19. Y la joven no murió. Ella era María, la madre de Lina, quien tendría que escuchar esta misma historia centenares de veces de boca de su propia madre y su familia. Lina es Lina Ramírez, autora y actriz de María 19. Y María es María Inmaculada, madre de Lina en la vida real y sobre la escena. Esta obra de la joven creadora caleña funde la ficción dramática y la realidad tanto en el texto como en el mismo montaje.

El final de Romeo y Julieta es por todos bien conocido. Dos jóvenes enamorados, impulsados por el extremo dolor de ver yacer al amante sin vida, toman un veneno que les arrebata la tristeza insoportable de vivir sin el otro, y la existencia. Hasta ahora, así terminaba. Así lo quiso William Shakespeare. Pero ahora, el dramaturgo Wang Bonan partirá de aquí para fabular qué pasa después con estos dos personajes emblemáticos en La metamorfosis de Julieta en China. La obra de Wang toma las almas ya incorpóreas de Romeo y Julieta y las dirige al inframundo, pero un infortunio hará que estas terminen en China. El Juez del inframundo, profundamente conmovido por el amor que estos se profesan, tiene la posibilidad de devolver a la vida a Julieta, pero esta tendría que tomar el cuerpo de la joven Du Liniang, hija de una familia adinerada que vive una vida feliz, enamorada de Liu Mengmei. Romeo no tendrá la misma suerte por lo que decide sacrificarse y acompañarla como un espíritu en el mundo mortal.

L’oiseau et la plume (Cali)

Shanghai Theatre Academy (China)

Juan Carlos Agudelo, uno de los artistas homenajeados del Festival Internacional de Teatro Cali 2017.

Teatro del Silencio (Bogotá) Laboratorio de investigación, creación y formación de Bogotá, dirigido por Juan Carlos Agudelo. Su propósito fundamental es la difusión de la técnica del mimo corporal dramático creada por el maestro Etienne Decroux y algunos elementos de estilización desarrollados por el maestro Marcel Marceau, orientados a la construcción del teatro físico como base formativa para el actor. Como complemento, se desarrollan en paralelo la escuela LE GESTE y los laboratorios itinerantes de formación en teatro físico. Autoría: Ángela Valderrama / Casa del Silencio Director: Juan Carlos Agudelo Elenco: Juan Carlos Agudelo, Cristian Eduardo Solorzano y Johanna Torres Robledo

Grupo de teatro caleño creado en 2016 por Lina Ramírez. Los intereses artísticos del grupo se orientan hacia la creación de obras de teatro con temáticas sociales del país, a través de un lenguaje cotidiano, buscando que el público se identifique con los personajes y la historia que viven. A partir de la dramaturgia propia, L’oiseau et la plume enfoca sus proyectos a partir de la relación entre Francia y Colombia que vincula a su creadora, promoviendo el intercambio cultural entre ambos países. Autoras: Lina Ramírez y María Inmaculada Directores: Julián Mauricio Gómez y Lina Ramírez Elenco: Lina Ramírez y María Inmaculada

Es una Universidad de artes escénicas centrada en la formación y el estudio en el teatro, con una historia de casi 70 años. Se trata de uno de los centros de estudio de artes de educación superior más importantes del país. La Shanghai Theater Academy tiene su origen en la Escuela Municipal de Teatro Experimental de Shanghái, fundada en 1945 por el educador Gu Yuxiu y los reconocidos dramaturgos Li Jianwu, Gu Zhongyi, Huang Zuolin y Wu Renzhi. Autor: Wang Bonan Director: Li Jianping Elenco: Wan Liming, Xu Jiali, Zhao Jing, Bao Lei, Yu Xiang, Peng Zhiying, Li Zhengkuan y Chen Xing

CALI PROGRESA CONTIGO

PROGRAMACIÓN

Mi día de suerte

El mundo de Dondo

La muñeca negra

El señor Zorro inicia la mañana con su rutina diaria: algo de ejercicio matutino, saluda a las flores de su pequeño jardín, toma un poco de café, lee las noticias del Notiboscoso y organiza una manifestación contra Blancanieves y la Cenicienta. Este saltarín y divertido animalito es, además, el zorro más voraz y temido del bosque. El día se pone aún mejor para él cuando llaman a la puerta. Un cerdito despistado está buscando a un conejo pero, en su lugar, es el feroz señor Zorro quien le recibe. Hambriento, el zorro se dispone a comerse al pobre cerdito, sin embargo, una idea se le pasa por la cabeza al ingenioso puerco.

Desde el momento en que un bebé es gestado, comienza un gran viaje, la vida. La curiosidad de imaginar de los bebés dentro de la panza de mamá fue el comienzo para montar El mundo de Dondo: un mundo redondo y acogedor dentro, un mundo giratorio y más desafiante afuera. La obra es un recorrido profundo por las preguntas que los chicos se hacen sobre lo que significa nacer y crecer. Dondo es el protagonista, al que se da a conocer desde la gestación y el nacimiento hasta los primeros años de su vida.

Un enigmático y misterioso aroma a palo santo y caracoles místicos se entremezclan. Fuerzas ancestrales se envuelven en fetiches tribales y dioses al ritmo del palpitar del djembé. La reina Malika, líder de la tribu Yoruba, decide despertar y abrirse a su pueblo después de un largo trance y encuentro ancestral, trayendo con ella un mensaje de fertilidad, perduración y diáspora a su raza, como un pueblo fuerte y arraigado a su raíz al igual que un gran árbol Baobab de fuerte tronco. En su revelación, algo romperá toda su cotidianidad y les llevará a viajar a tierras extrañas pero muy similares. Llegarán a un paraíso de selva y manglar ubicado en la costa pacífica colombiana al ritmo del palpitar de cununos y bongós. Por el camino, dejará atrás su identidad. En esta nueva tierra una pequeña niña llamada Aisha, fruto de la fertilidad de Malika, desea una muñeca que comparta su belleza, que como ella tenga los ojos color chocolate y la piel como el carbón.

En Obra Negra presenta un montaje con un cuidado especial de la estética de sus elementos técnicos como la escenografía, el vestuario y el maquillaje.

El retablo gira como un cubo mágico, que se va transformando en diferentes espacios, como la panza de la mamá, el cuarto del bebé, los sueños y el tapial de la vecina. Como los ciclos de la vida, todo comienza y termina para dar paso a nuevas etapas. Dondo crecerá rápidamente en el transcurso del espectáculo. El tiempo irá marcando algunos momentos importantes de su infancia, para los que su creadora, Julia Sigliano, hará uso de varias técnicas y recursos artísticos que van desde los títeres de mesa, los títeres de boca con varilla, el teatro, la máscara y el dibujo en vivo.

En Obra Negra (Cali)

Compañía Julia Sigliano (Argentina)

Esta obra, adaptada del cuento infantil Mi día de suerte de Keiko Kasza, propone un relato breve en el que el más fuerte no tiene por qué salirse con la suya. Kasza enseña a los más pequeños que la suerte no siempre es cuestión de azar. Al contrario, si se aplica la astucia al día a día, la suerte estará más cerca.

Grupo de teatro caleño creado en 2011. Constituido como fundación sin ánimo de lucro, se dedica a la gestión, promoción, desarrollo y ejecución de procesos investigativos y de desarrollo cultural, social y económico. El colectivo está conformado por egresados de Arte Dramático de la Universidad del Valle que trabajan por la consolidación de su propio sello en la escena teatral. Sus montajes se caracterizan por la observación e interpretación de la vida y la condición humana desde una mirada inquieta, mordaz y crítica. Autoría: Keiko Kasza / Creación colectiva Directores y elenco: Johann Philipp y Camilo López

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Compañía de Argentina con más de 10 espectáculos montados. A partir de sus propias historias e investigaciones de formas, estéticas y técnicas, y con espectáculos de gran adaptabilidad a todos los espacios, la compañía ha montado obras para niños y adultos como Vox Alicia, Curiosidades fantásticas, Asfixia: breve cuestionario de un amor virulento y El mundo de Dondo. Estos montajes han llevado a la Compañía a presentarse en Argentina, México, Guatemala, Belice, República Dominicana, Colombia y España. Autora: Julia Sigliano Directores: Julia Sigliano y Manu Mansilla Elenco: Julia Sigliano

La muñeca negra explora desde la contraposición de mundos la identidad y los orígenes de la cultura afrocolombiana. La puesta escénica teatral es completada con la adaptación del canto y las danzas ancestrales afro.

Baobab Teatro (Cali) Grupo de teatro creado a partir del trabajo de grado de la actriz Ingrid Cosme para la Licenciatura de Arte Teatral de Bellas Artes, bajo la dirección de Ruth Rivas. Finalizado y aprobado, el trabajo se mantiene ya como repertorio profesional con temporadas en distintos escenarios de la ciudad. Autora: Ruth Rivas Franco, basada en un texto de Mary Grueso Directora: Ruth Rivas Franco Elenco: Liana Lucumí González, Héctor Rodríguez Correa e Ingrid Cosme

OBRAS FITCALI 2017

La noche de los monstruos El Conde Drácula y Morticia tienen un club nocturno donde presentan sus shows todas las noches hasta que se quedan sin público. Sin dinero para pagarles a los músicos, estos abandonan y Drácula y Morticia tienen que hacer un casting para crear una nueva banda. Unos seres horribles y muy feos son los únicos que llegan al casting. El Hombre Lobo, el Ogro Genial, la Momia, Frankenstein y Katrino, aunque no cuentan con suficiente look de artistas, tendrán que recurrir a sus talentos, a sus poderes de monstruos y a la complicidad de los niños para poder formar parte de la banda La Noche de los Monstruos. Con un nuevo repertorio, la banda comienza a tocar en el club, pero el incesante ruido molesta a los vecinos del lugar, quienes amenazan con avisar a las autoridades. Al borde del desalojo, este peculiar grupo de divertidos monstruos tendrán que ganarse el cariño de sus vecinos y de su público: los más pequeños.

TEATRO del PRESAGIO (Cali)

Oficio de difuntos Bajo la atmósfera del teatro ritual, la oscuridad, los espantos y la muerte confluyen en una obra de cuidada poesía y duelo. La cena: soledad y sus fantasmas, El vagabundo: delirios y miedos, Romeo y Julieta: años de eterno desencuentro, El pulidor de ataúdes: el destino y Madre ceniza: símbolo de vida y muerte son las cinco piezas que componen esta cuidada puesta en escena de títeres para adolescentes y adultos. Jabrú Teatro de Títeres expresa un lenguaje propio. Donde lo verbal es sustituido por el buen manejo de la sonoridad y la música, en la generación de tenues atmósferas dominadas por los claroscuros y la cercanía de la muerte. Una muerte presentada desde una mirada romántica y explorada desde varios puntos de vista: porque morir no es solo un acto, morir también es desaparecer, ser abandonado, ser rechazado o ser olvidado. En Oficio de difuntos, la ritualidad del titiritero deambula entre la oración del silencio y la irrealidad, entre el duelo y el dolor, entre la poesía y un sentido del humor fino y elegante.

Grupo de teatro caleño creado en 2005. Fundado por Diego Fernando Montoya y un grupo de actores graduados en arte dramático. En poco más de una década, la agrupación ha conseguido posicionarse como uno de los grupos más reconocidos de la ciudad. Con su atención puesta en la creación de un lenguaje teatral, TEATRO del PRESAGIO viene desarrollando procesos de investigación propios a partir del actor y la dramaturgia, con una marcada influencia de la Creación Colectiva. Hoy, es uno de los principales exponentes del teatro caleño.

Jabrú Teatro de Títeres (Medellín)

Autoría: TEATRO del PRESAGIO Director: Diego Fernando Montoya Elenco: Edwin Taborda Piedrahita, Ingrid Osorio, Gonzalo Andrés Basto, Santiago Castro Rojas, Camilo Villamarín Orrego, Bryan Steven Rocha Motato y Alejandro Monsalve

Autores: Jorge Andrés Libreros y Natalia Duque Director: Jorge Andrés Libreros Elenco: Jorge Andrés Libreros y Natalia Duque

Grupo de teatro de títeres de Medellín creado en 2003. Compuesto por la artista plástica y diseñadora gráfica Natalia Duque, y por el teatrista e investigador del arte del títere Jorge Andrés Libreros, sus montajes han sido invitados a más de una veintena de ediciones de festivales de Colombia, Chile, Argentina, Brasil, República Dominicana y Bolivia, entre ellos, algunos de los festivales de títeres más importantes de Latinoamérica y otros de carácter generalista como el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.

Orizonta: Poema dramático sobre la migración Orizonta, en griego, es horizonte y significa limitar. Es la línea que separa el cielo de la tierra. Vista desde cualquier ángulo, esta línea siempre aparece a la altura de los ojos de quien mira más allá de sí. Orizonta. Poema dramático sobre la migración alude a la migración contemporánea, a los desplazamientos individuales y masivos de una población, sean voluntarios, espontáneos o forzados. No se limita a ofrecer una explicación. No se agota en un sentido único, sino que construye pensamientos diversos sobre el tema. Es una reflexión poética donde se descubren umbrales inquietantes, extraños e inhóspitos, como zonas de dificultad, de dolor, horror, intimidad, obscenidad y, sobre todo, de deshumanización. La obra, escrita por María del Pilar Restrepo y dirigida por Susana Uribe, se crea a partir de una investigación realizada sobre la complejidad del tema y de testimonios de personas que afrontan esta situación.

Teatro La Máscara (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 1972. 45 años de trayectoria artística y cultural dedicada a la investigación, creación y montaje de espectáculos teatrales, desarrollándose como grupo pionero de la dramaturgia de género en Colombia. El grupo cuenta con una sala concertada en el barrio de San Antonio y ha sido organizador de múltiples festivales, encuentros y eventos artísticos. Autora: María del Pilar Restrepo Directora: Susana Uribe Elenco: María del Pilar Restrepo, Nasly Sánchez, María Elvira Solís, Susana Uribe, Isabel Dávila, Juan Guillermo Quintero, Iván Ríos Díaz, Nasly Patricia Mosquera y Orlando Cortés Isao

CALI PROGRESA CONTIGO

PROGRAMACIÓN

El percusionista

PostGuerriando

El problema del mal

Gorsy Edú Abaga invita al espectador a incursionar en el corazón de África. Con un estilo narrativo inspirado en la tradición de los griots, y al ritmo de los instrumentos percutivos y de las danzas del folclore guineanoecuatorial. El artista lleva al teatro el conocimiento, la sabiduría y la filosofía ancestral de su aldea, transmitida por tradición oral durante siglos y que a él legó su abuelo; una figura que el autor irá desgranando con cariño y profundo respeto, inmortalizándolo en cada una de las funciones que ha presentado en diversos países por todo el mundo.

Paracaidistas que saltan sin paracaídas por falta de presupuesto. Tontorrones que se meten justo donde van a caer las bombas. Una guerra es un juego muy divertido, pero hay personas tan despistadas que se le atraviesan a las balas. En este catálogo de sinsentidos bélicos, y a través del humor como arma para invocar a la tolerancia y a la solución pacífica de los conflictos, PostGuerriando explora lo absurdo de la guerra.

Elizabeth Costello es una controvertida, madura y experimentada escritora. Si bien sus dotes literarias parecieran haberse congelado desde su gran éxito, aún sigue siendo invitada por todo el mundo para dictar conferencias. La próxima ciudad es Ámsterdam, donde tratará “el eterno problema del mal”. La escritora australiana se especializa en temas como la postura ética del artista ante la narración del horror de hechos históricos y los límites de lo moral en el mundo contemporáneo. Para sus ponencias toma como material de crítica una novela de un autor inglés. La situación se complica cuando ella se entera de que él también está invitado al evento, lo cual desata en ella una crisis en la que se hace una serie de cuestionamientos sobre sí misma y sobre sus posturas que ponen en juego su mundo y el mundo académico de las conferencias.

El percusionista utiliza la propia vida del autor como historia central de la obra: Gorsy, el nieto preferido de su abuelo, es pronto instruido por este en la cultura ancestral de su pueblo. Cuando el anciano enferma, el joven decide abandonar la aldea y emigrar a Europa, afanado por conseguir curarle. Sin embargo, más allá de esta historia personal, es una obra repleta de leyendas, fábulas y aprendizajes construidos con el pasar de las generaciones. Cuentos y canciones se suceden, generando una atmósfera de misticismo y tradición, con lecciones arraigadas en la etnia Fang.

Gorsy Edú (Guinea Ecuatorial) Actor, coreógrafo y músico de Guinea Ecuatorial, Gorsy Edú Abaga ha trabajado en teatro con directores como Juan Carlos Pérez de La Fuente, Alfonso Zurro, Antonio Mercero, Román Calleja y Santiago Sánchez. También ha sido protagonista de las películas Querida Bamako y Causa de kripán, de Omer Oke. En 2008 monta El percusionista. Su espectáculo ha sido presentado en diez países de África, Europa y América, siendo declarado en 2011 de interés cultural por numerosos organismos e instituciones internacionales. Autor, director e intérprete: Gorsy Edú Abaga

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Este montaje es una adaptación de la obra original Pim, Pam, Clown (La guerra de los payasos), del autor español Tomás Afán Muñoz. A través de algunas de las principales características del clown, como ingenuidad, fanfarronería, curiosidad y asombro, entre otros, trenza un argumento en torno a la guerra que, aderezado con humor y cierto surrealismo, hace hincapié en las tremendas dosis de absurdo que siempre están detrás de cualquier enfrentamiento armado.

AESCENA (Cali) Grupo de teatro caleño. Arte Escénico Nacional AESCENA es una fundación artística profesional comprometida con la creación, investigación, producción, gestión y proyección de obras artísticas y espectáculos escénicos en general. En este sentido, además de en la creación, el grupo, dirigido por Camilo Capote, ha puesto su atención en procesos de entrenamiento actoral, como base necesaria para el acto creativo, a través de talleres permanentes y de la formación continúa. En la actualidad cuenta con una sala en la ciudad de Cali: Casa AESCENA. Autor: Tomás Afán Muñoz Director: Camilo Capote Elenco: Zirech Colorado, Sarith Silva, Isabela Enríquez y Sebastián Mostacilla

Basada en el capítulo seis de la novela Elizabeth Costello, del Nobel sudafricano J. M. Coetzee, esta adaptación escénica dirigida por Adela Donadio introduce al espectador en medio de un debate tanto íntimo como público.

ABRA TEATRO (Bogotá) Grupo de Bogotá integrado por Adela Donadio, Brunilda Zapata, Rosario Jaramillo y Ana María Vallejo, con más de 30 años de proyectos conjuntos. En estas tres décadas, han montado obras de dramaturgia colombiana y de otros países en los roles de directoras, dramaturgas y actrices, además de proyectos de formación como La Escuela de La Casa del Teatro Nacional. Entre su repertorio, destacan los montajes de Las burguesas de la calle menor de José Manuel Freidel; El ángel de la gasolinera, de Ed Thomas; o El pánico, de Rafael Spregelburd. Autor: J. M. Coetzee Adaptación y directora: Adela Donadio Elenco: Brunilda Zapata, Rosario Jaramillo y Carlos Mariño

OBRAS FITCALI 2017

La razón blindada

Retratos de aldea

El siguiente

La imaginación como túnel intangible, como vía hacia la liberación frente al encarcelamiento y la represión. En La razón blindada, la ficción es el elemento de escape rutinario de Panza y de La Mancha. Estos, presos en el haz de sombras de un lugar que es ninguno, son obligados a permanecer allí bajo la mirada apabullante que los vigila y controla. En medio de la inmensidad de cada día, la pena gira y ellos giran con ella, los días son incontables y las noches no se detienen, pero cada domingo renace en ellos la esperanza de la existencia. Una isla, Dulcinea, los asuntos de un perro, las conversaciones con Rocinante, el coloquio con los peces y pirañas, una virgen, las aspas de un molino, los brazos de gigantes, la fiebre, un pato, la locura y el metal que se fatiga, una armadura de la que se sale solo para desnudarse completamente.

Don Pablo Castaño tiene una única hija, Carla. Sin embargo, su obsesión es la de tener un hijo varón. La madre de Carla, conocedora de esta obsesión, hace pasar a su hija por Carlo, buscando dar satisfacción a don Pablo. Sin embargo, el engaño solo durará hasta los trece años de la niña, cuando Germán, el hijo del mayordomo, descubre la auténtica identidad de Carla y se enamora de ella. En una aventura de cacería, Carla seduce a Germán, pero estos son sorprendidos por don Pablo, quien tortura a Germán y lo da por muerto. Carla logra huir y Germán sobrevive, confiando en la promesa de que regresará. Ya en el pueblo, Germán se convierte en secretario de Juana, una vieja agiotista de la central de abastos y enemiga de don Pablo desde que este le abandonase cuando estaban prometidos. Germán y Juana, unidos por el deseo de venganza, planifican la ruina de don Pablo, pero la ambición de Germán lo lleva a deshacerse de ambos.

En un consultorio militar dan la orden de que pase el siguiente: Marion Cheever, un hombre al que ahora quieren obligar a alistarse en el ejército. Cheever es la sociedad encarnada y los quebrantos socioeconómicos, la desigualdad y la imposición de valores mercantiles sobre los valores humanos. La obra visibiliza dolencias de las comunidades humanas modernas como las patologías mentales generadas por el desempleo o la inseguridad en el trabajo.

Arístides Vargas compuso esta oda a la capacidad sanadora de la fantasía a partir del clásico de Cervantes, El ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha; de La verdadera historia de Sancho Panza, de Kafka; y de las narraciones de varios presos políticos de la dictadura argentina de los años setenta. Uno de estos presos fue Chico Vargas, su propio hermano.

Canoa de Papel (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 2013. Compuesto por el profesor de la Licenciatura de Arte Teatral de Bellas Artes Alberto Ocampo, y los graduados de la misma institución Gerson Andrade Ochoa, Helber Sepúlveda y Jason Ramírez. Surge a partir del montaje La razón blindada en el marco de una investigación académica de uno de los actores de la obra. Autor: Arístides Vargas Director: Alberto Ocampo Elenco: Gerson Andrade Ochoa y Helber Sepúlveda

Teatro Esquina Latina (Cali) Grupo de teatro caleño creado en 1973 en la Universidad del Valle. Teatro Esquina Latina es una agrupación de teatro experimental e independiente, dedicado a la investigación, creación y difusión teatral. Además, sus acciones y procesos sistemáticos desde la animación teatral como estrategia de intervención sociocultural con jóvenes de los sectores más vulnerables le ha otorgado un gran reconocimiento en el medio. Entre su extensa producción, destacan trabajos dramatúrgicos propios como El enmaletado, Encarnación, Elegí a Lorca, El solar de los Mangos y Caína. Autor y director: Orlando Cajamarca Elenco: Sol Angie Arenas, Victoria Giraldo, Adriana Gonzalías, Yuri Andrea Marín, Darling Silva, Alejandra Vélez, Susan Viveros, Luis Fernando Giraldo, Harold Rendón, Gustavo Silva, Jhorlin Silva, Alfredo Valderrama y Fernando Villegas

Fredy Bedoya reflexiona en este trabajo sobre el crecimiento de los índices de depresión crónica, rupturas familiares, suicidio, violencia doméstica, malos tratos infantiles y comportamientos antisociales, en un contexto de modernización de la sociedad occidental. El aislamiento y la incapacidad para exteriorizar la hostilidad y rabia mediante acciones colectivas, son aquí la base requerida sobre la que construir un status quo sostenido sobre la lógica de desigualdades socioeconómicas y de acceso a las élites de poder.

Corporación Cultural Nuestra Gente (Medellín)

Grupo de teatro comunitario de Medellín con más de 30 años de trayectoria. La corporación, dirigida por Jorge Blandón, ha desarrollado a lo largo de estas tres décadas procesos creativos y formativos como medio para construir tejido social. Entre sus objetivos se encuentran el fomento de valores como el trabajo en equipo, la solidaridad y la convivencia; y la creación de una imagen positiva y real de los barrios populares. Sus trabajos se han presentado en teatros y festivales de Colombia, Argentina, Perú y Chile. Autor: Terrence McNally Director: Fredy Bedoya Elenco: Fredy Bedoya, Gleydy Holguín, Andrés Felipe Tobón y Mariana Vásquez Cadavid

CALI PROGRESA CONTIGO

PROGRAMACIÓN

Títeres a cielo abierto

TriptiClown 5D

Benigno Escalante es un monstruo que llega desde el centro de La Tierra. Lo presentan como un terrorífico ser, pero en realidad es un monstruo encantador. Peligro es un pandillero que busca a sus secuaces entre el público con la intención de conquistar el mundo. Luis y Manu, el titiritero, discuten para aclarar quién de los dos es el que manda. “Hay títeres que nacen siendo y hay títeres que van descubriéndolo con el paso del tiempo”. Manu, enfurecido, le plantea una verdad: “¡Vos sos un títere!”. Títeres a cielo abierto es una varieté de títeres en la que los más pequeños descubrirán que el titiritero no lleva la razón. La verdad, la tienen los títeres.

Dos actores entran en un espacio vacío en el que, al relacionarse, descubren progresivamente la sonoridad y musicalidad de sus cuerpos. Taka Taka Tu Tum es el primero de los tres sketch que componen TriptiClown 5D, un fragmento cargado de histrionismo que se mueve entre el juego y la percusión corporal. Continúa La Ofi Sí Fa, la corporalidad y el gesto se potencian ahora como herramienta para narrar la historia de un reprimido subalterno al que su insoportable jefe burócrata le exige a gritos una tarea. En su afán por cumplirla, encuentra un objeto que le permite entrar a un universo onírico en el que finalmente desarrolla no solo la tarea, sino también toda su imaginación. Nierika PRODUCCIONES cierra este espectáculo de clowns con Já Taka Tá, el tercero y último de los sketch, y en el que la melancolía por los amores de sus vidas tornan el registro hacia una pieza donde habitan el desespero y la esperanza.

Compuesto por tres historias, Títeres a cielo abierto es un espectáculo de muñecos en el que todo está a la vista. A lo largo de la obra, Mansilla trabajará a partir de dos técnicas distintas, como son títeres de mesa (en la historia de Benigno Escalante) y bocón con varilla (en las otras dos historias).

Manu Mansilla y su Teatro de Títeres (Argentina)

Grupo de teatro de Argentina creado en 2008. Especializado en el trabajo callejero y de varieté, el grupo ha ido perfeccionando su capacidad de improvisación y distintas técnicas de títeres. Sus obras se han presentado en espacios tan dispares como salas, auditorios, anfiteatros, escuelas, universidades, cuarteles de bomberos, hospitales, cárceles, veredas, plazas y calles, garajes, y canchas de fútbol, de Chile, Perú, México, Venezuela, Belice, Guatemala, Ecuador, Colombia, República Dominicana, Brasil, Cuba, El Salvador, España y, por supuesto, Argentina. Autor, director y titiritero: Manu Mansilla

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Nierika PRODUCCIONES (Cali) Grupo caleño de creación artística y multidisciplinar, especializado en artes plásticas, teatro, fotografía y producción audiovisual. Sus trabajos comprenden desde la fotografía de De ambulantes, o la ilustración de Universos, hasta los montajes escénicos de TriptiClown 5D o El coraje de Yo. Pese a su corta trayectoria, Nierika PRODUCCIONES ha sido invitado a participar en eventos y festivales como el Festival Internacional de Teatro Independiente Otra Latitud de Chiapas, México; y el Festival Internacional de Santa Teresa, Brasil; además de otros eventos nacionales. Autor y director: Juan Krlos Granada González Elenco: Diego Fernando Castellar, Bryan Steven Rocha Motato y Juan Krlos Granada González

Vértigo:

El deseo de arrojarse En un contexto social de comunicación masiva y de acceso inmediato a la información, el deseo emerge como elemento reclutador de los medios, convirtiéndolo en reclamo de atracción comercial, cultural y artístico. La obsesión compulsiva por la búsqueda y la necesidad de satisfacción de esta apetencia llega a desembocar en una perniciosa sensación de vértigo, especialmente en aquellas personas que se acercan acríticamente a la publicidad, la televisión, el cine y otras formas de expresión comunicativas de nuestro tiempo. A partir de esta reflexión, Andrés Montes Zuluaga desarrolla un proceso de investigación corporal y multidisciplinar que terminará resultando en Vértigo: el deseo de arrojarse. La introducción de la noción de miedo frente al deseo, le lleva a cuestionarse la posibilidad de que las artes y los medios de comunicación lleguen a dejar de enseñar a desear. En esta lógica de cambio, y coherente a ella, la obra renuncia a la amplia herencia del teatro europeo, de sus personajes, sus conflictos, sus dramas y sus escenas.

Laboratorio de Creación en Artes (Cali)

LACRA, o Laboratorio de Creación en Artes, no es un grupo de teatro ni un colectivo de artistas. No cuenta con un equipo de trabajo de artistas estable y no busca su consolidación ni radicación en ciudad alguna. LACRA se define como una metodología de creación/pensamiento que nace de la investigación de Andrés Montes Zuluaga. Autor y director: Andrés Montes Zuluaga Elenco: Jovany Cely Ospina, Ana Carolina Arcila, Andrés Montes Zuluaga, Cindy Muñoz, Valentina Portilla Satizabal, Marisol Sánchez Angulo, Rosa Ximena Romero y Juan David Viveros

OBRAS FITCALI 2017

Viaje a la raíz

La Vitrina Club

Calambuco es un niño del Pacífico colombiano que desprecia su lugar de origen y todo lo que este representa, incluido su nombre proveniente de un árbol muy común en la zona donde vive. Un día la abuela, una viejita que había estado siempre con él y que le había educado con besos de “chontaduro y borojó”, le llama para que se le acerque en su lecho de muerte, donde le habla de un tesoro que cuidadosamente le ha guardado como herencia. La abuela le entrega un mapa con las pistas que le permitirán llegar hasta tres ancianos que le guiarán el camino para hallar el tesoro.

Pluma es llevada a un burdel donde es violentada e instruida en la prostitución por el proxeneta del lugar, Chucho, y Mery, profesional del oficio. El aprendizaje se completa con Don Pepito, un político que será su primer cliente. Rodeada de prostitutas y clientes, Pluma pronto conocerá el mundo de la prostitución desde distintas miradas, incluyendo el desarrollo de su propia perspectiva. La obra huye de una mirada moralizante para con la prostitución, afrontando sus problemáticas, pero también su condición de profesión que no debe ser denigrante para quien haya decidido ejercerla bajo su plena libertad de decisión. Teatro NEPHILA apuesta por una orientación hacia la diversidad, el respeto y la inclusión, construyendo nuevos imaginarios a partir de las experiencias vivas.

Calambuco, igual que los jóvenes espectadores, podrán viajar por la tradición, el ritmo y el folclore colombiano. Una inmersión a través de cuentos y aires musicales de las diversas zonas del país, como el bunde, el currulao, el joropo, el bambuco, la cumbia y la salsa.

Teatro Cazamáscaras (Cerrito)

Grupo de teatro de Cerrito, Valle, creado en 1996. Conformado como grupo teatral de base en el marco del programa de Animación Teatral Jóvenes, Teatro y Comunidad, que desarrolla Teatro Esquina Latina en comunas de Cali, municipios del Valle del Cauca y norte del Cauca. Entre su repertorio, destacan obras como Viaje a la raíz, ganadora de una Beca de Circulación Nacional, Itinerancias Artísticas por Colombia del Programa de Estímulos del Ministerio de Cultura 2015; y Rayuela, ganadora de una Beca de Creación, perteneciente al mismo programa de Estímulos del año 2016. Autoría: Andrés Holguín / Creación colectiva Directores: Karol Tatiana Cardona y Andrés Holguín Elenco: Mauricio Machado, Karol Tatiana Cardona y Andrés Holguín

Teatro NEPHILA (Cali)

Colectivo de teatro caleño creado en 2013. El grupo está compuesto por artistas profesionales del Instituto Departamental de Bellas Artes, la Universidad del Valle, el Instituto Popular de Cultura y el Teatro Experimental de Cali - TEC. Desde su creación viene trabajando en propuestas escénicas que parten de la investigación del arte contemporáneo como elemento activo y propositivo para la creación de piezas artísticas. Autores: Teatro NEPHILA, Arístides Vargas, Clementine Cannibal y Lucía Amaya Directores: Jonathan Gutiérrez y Francisco Sierra Elenco creador: Diana Álvarez, Lucía Amaya, Lisímaco Núñez, Santiago Castro Rojas, Francisco Sierra y Jonathan Gutiérrez Elenco invitado: Jason Ramírez, Constanza Gómez, Diana Paola Millán, Johnatan Trejos, Luisa Otero, Luz Elena Cuellar, Diego Castellar, Camilo López y Santiago Patiño

CALI PROGRESA CONTIGO

PROGRAMACIÓN

Autores/Autoras Adela Donadio Adriana Marín Alberto Miguel Llerena Alejandro González Puche Alfredo Valderrama Andrés Caicedo Andrés Holguín Andrés Montes Zuluaga Ángela Valderrama Antonio Zúñiga Arístides Vargas Camilo Villamarín Orrego Carolina Vivas Clementine Cannibal Cristóbal Peláez Efrat Hadany Enrique Buenaventura Enrique Espitia León

Ernesto Parra Fabián Hoyos Fidel Galván Gabriel García Márquez Gorsy Edú Abaga J. M. Coetzee Jorge Andrés Libreros Juan Diego Arias Juan Krlos Granada González Julia Sigliano Keiko Kasza Leo Frobenius Lina Ramírez Lucía Amaya Manu Mansilla Marguerite Yourcenar María del Pilar Restrepo María Inmaculada

Mary Grueso Mérida Urquía Miguel de Cervantes Saavedra Natalia Duque Orlando Cajamarca Pablo Ariel Peter Shaffer Roberto Espina Rod Wooden Ruth Rivas Franco Samuel Beckett Terrence McNally Tomás Afán Muñoz Vasilis Suteiev Víctor Hugo Enríquez Lenis Wang Bonan

Directores/Directoras Adela Donadio Alberto Ocampo Alejandro Buenaventura Alejandro González Puche Alex Ticona Alfredo Valderrama Ana Carolina Arcila Andrés Holguín Andrés Montes Zuluaga Antonio Zúñiga Armando Collazos Bryan Steven Rocha Motato Camilo Capote Camilo López Camilo Villamarín Orrego Diego Fernando Montoya Enrique Espitia León

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Ernesto Parra Fabián Hoyos Francisco Sierra Fredy Bedoya Gorsy Edú Abaga Ignacio Rodríguez Bejarano Indalecio Corugedo Jacqueline Vidal Johann Philipp Jonathan Gutiérrez Jorge Andrés Libreros Jorge Blandón Jorge Luis Naizir Jorge Zabaraín Juan Carlos Agudelo Juan Krlos Granada González Julia Sigliano

Julián Mauricio Gómez Karol Tatiana Cardona Li Jianping Lina Ramírez Ma Zhenghong Manu Mansilla Mérida Urquía Miguel Diago Orlando Cajamarca Pablo Ariel Ricardo Camacho Ricardo Vivas Duarte Ruth Rivas Franco Susana Uribe Wilkin Rojas Peña

ARTISTAS FITCALI 2017

Actores/Actrices Abraham Jurado Adriana Gonzalías Albert Aguirre Reina Alberto Ospina Alejandra Vélez Alejandro Buenaventura Alejandro Monsalve Alexander Jiménez Alfredo Aguilar Alfredo Valderrama Álvaro Arcos Ana Carolina Arcila Andrea Sánchez Andrés Falla Andrés Felipe Tobón Andrés Holguín Andrés Lozano Andrés Montes Zuluaga Ange Paola Días Pineda Ángel Rafael Velásquez Angélica María Castro Quintero Bao Lei Bayron Quintero Beatriz Elena Piñeiro Brian Miguel Peña Brunilda Zapata Bryan Steven Rocha Motato Camilo López Camilo Villamarín Orrego Carlos Hernán Uribe Franco Carlos Mariño Chen Xing Christian Eduardo Gutiérrez Cindy Muñoz Constanza Gómez Cristian Camilo Astorquiza Cristian Eduardo Solorzano Daniel F. Gómez Daniel Humberto Viatela

Daniel Maldonado Daniela Castaño Pérez Daniela Rodríguez Darling Silva David Gerardo Bravo Diana Álvarez Diana Marcela Artunduaga Diana Margarita Lozano Diana Paola Millán Diego Alonso Rivera Diego Cañón Diego Fernando Castellar Eder Aleyxo Montaño Edilma Vargas Edinson Solarte Edwin Bermúdez Edwin Paz Edwin Taborda Piedrahita Efrat Hadany Einer José Gutiérrez Eliris Sierra Emilio Samuel Ramírez Arias Ernesto Parra Ernesto Ramírez Arias Esteban Orozco Fabián Castellanos Fabián Hoyos Fabián Luna Fabián Mejía Felipe Andrés Pérez Agudelo Fernando Reinosa Fernando Villegas Francisco Sierra Fredy Bedoya Gerson Andrade Ochoa Giovanna Valderrama Gladys Viviana García Gleydy Holguín Gloria Esperanza Gil Romero

Gonzalo Andrés Basto Gorsy Edú Abaga Grace Bernier Gustavo Adolfo Quiñones Gustavo Silva Harold Rendón Héctor Rodríguez Correa Helber Sepúlveda Hilda Ruiz Humberto Yañez Ingrid Cosme Ingrid Osorio Isabel Dávila Isabela Enríquez Iván Ríos Díaz Iván Rodrigo Cabrera Ivonne Andrea Carrillo Cerón Jacqueline Vidal James Agredo Jason Ramírez Jeison David Martínez Jeyner Gómez Jhon García Jhonny Calderón Jhorlin Silva Johan López Salamanca Johann Philipp Johanna Robledo Johanna Torres Robledo John Edward Correa Johnatan Trejos Jonathan Gutiérrez Jorge Andrés Libreros Jorge Felipe Aparicio Restrepo José Antonio Becerril José Israel Córdoba García José Olave Caicedo Viafara Jovany Cely Ospina Juan Camilo Mutis

CALI PROGRESA CONTIGO

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PROGRAMACIÓN

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Juan Carlos Agudelo Juan Carlos Paniagua Juan David Viveros Juan Guillermo Quintero Juan Krlos Granada González Juan Rogelio Franco Julia Sigliano Julián Mauricio Gómez Julio César Marín Clevel Julio César Romero Karol Tatiana Cardona Karol Trujillo Li Zhengkuan Liana Lucumí González Lina Gómez Lina Ramírez Lisímaco Núñez Lizeth Flores Lorena Segura Lucía Amaya Lucineth Castillo Luis Fernando Giraldo Luisa Fernanda García Luisa Otero Luz Elena Cuéllar Maira García Manu Mansilla Manuel Murillo

ALCADÍA MUNICIPAL DE SANTIAGO CALI

Marco Ocampo María del Pilar Restrepo María del Pilar Valencia María del Rosario Vergara María Elvira Solís María Inmaculada Mariana Vásquez Cadavid Marisol Sánchez Angulo Martha Leopoldina Carolina Beltrán Mauricio Machado Maycol Fierro Mérida Urquía Michelle Navarro Murillo Miguel Rodríguez Mónica García Nasly Patricia Mosquera Nasly Sánchez Natalia Duque Nataly Montes Olmes Sandoval Orlando Cortés Isao Pablo Ariel Paola Otero Pedro Jacobo Usher Peng Zhiying Rosa Ximena Romero Rosario Jaramillo Rosse Marie Wallis

Santiago Betancourt Santiago Castro Rojas Santiago Patiño Sarith Silva Sebastián Mostacilla Sergio Monares Sol Angie Arenas Susan Viveros Susana Uribe Tatiana Toro Valentina Portilla Satizábal Vanessa Bernal Ríos Victoria Eugenia Silva Victoria Giraldo Victoria González Wan Liming William Hurtado Xu Jiali Yaira Ríos Yaritza Rivera Yu Xiang Yuleima Leonett Sandoval Yuri Andrea Marín Yusbrinel Carvajal Zhao Jing Zirech Colorado

Organiza