Andy Warhol by alejokynter

Historia

ANDY

WARHOL

ANDY

WARHOL

Dedicatoria Dedico este a todos aquellos que han descubierto que tenemos un lado bello pero no todos lo ven y sin miedo a nada se muestran tal y como son. Y en especial a mi familia, que amo y siempre me ha apoyado en todos los momentos.

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prรณlogo Como muchos personajes publicitarios de este siglo, Warhol era famoso sobre todo por el hecho de ser famoso. Revista Semana

prefacio Cuando conocí la historia de Andy Warhol me llamó mucho la atención, siendo un persona normal llegase a sobrepasar los límites, haciendo de lo cotidiano una total obra de arte invaluable, sin importar lo que pensaran de él , se mostraba tal y como él quería, sin límites, sin miedo a ser quien fue y de esta manera marcar el mundo del cine y el arte dejando un gran legado.

Tabla de contenido

legados

capítulo capítulo

pop-art

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capítulo

obras

Introducción A lo largo de la vida, si te gusta la lectura, eres capaz de leer libros y libros, de diferentes temáticas, de diferentes autores, y de diferentes épocas, pero al igual que pasa con el cine, hay historias que quedan grabadas en tu mente, e incluso en el corazón, y hay historias que pasan desapercibidas. A continuación encontrarás diversos tipos de información que te será de gran ayuda sobre este bello artista el cual de una manera diferente hizo especial lo cotidiano e indiscutiblemente vale la pena saber sobre él.

“Lo que cuenta no es quién creas ser, sino quién creen que eres” Andy Warhol

capítulo

HISTORIA

Historia

warhol

ndrew Warhola, Jr. ( Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

Historia

biografía

más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960. Habitual del mundo dislocado del Nueva York de los 70, de los happenings, las fiestas privadas, la psicodelia, el alcohol y las drogas. Maestro del mass-media, pirata del arte, andrógino provocador, homosexual y tímido, paranoide con delirios de grandeza. Admirado, envidiado, odiado hasta el punto de haber sobrevivido en 1968 a un episodio ocurrido en la propia Factory, oscuro en lo personal y en lo artístico, cuando Valerie Solanis le disparó tres veces sobrevive de milagro.

(Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos

Andy Warhol

fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, varias celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte dedicado a un solo artista.

23 Fotografía: Gene Korman

Historia

El cambio de apellido (de Warhola a Warhol) se debió a un error; la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero por una equivocación su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces decidió utilizar el nuevo apellido. En los años sesenta atrajo la atención con exposiciones de imágenes unicas nuncas, sorprendentemente banales, tales como Lata de sopa Campbell (1965, Leo Castelli Gallery, Nueva York) y Botellas de Coca-Cola verdes, o de estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962, colección de Mr. y Mrs Burton Tremaine). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos cotidianos y que, al ser impresos o plasmados, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito. Siguió el mismo camino en su trabajo cinematográfico experimental, como The Chelsea Girls (1966), semidocumental de siete horas. En 1963 rodó su primer largometraje con un plano secuencia de un hombre durmiendo: "Sleep", de 8 horas de duración, en la línea vanguardista del Fotografía: Gene Korman

músico Erik Satie y, "Empire", plano secuencia de ocho horas del edificio Empire State Building. Su cine, lo componen títulos como "Blow Job", "Couch", "Mario Banana", "Harlot", "My Husler" y la famosísima "The Chelsea Girl" rodada y proyectada mediante dos pantallas, simultáneamente. Desde planteamientos hiperrealistas, realizó todo su cine, de 1963 a 1973, de forma independiente, creando una serie de "superestrellas" del "Underground" como Viva, Joe Dallesandro, Nico, Ingrid Superstar, Edie Sedgwick, Mario Montez y Paul América, que interpretarán delante del "ojo salvaje" de la cámara de Warhol sus vidas modernas. Warhol nunca pintó directamente, ni dirigió, ni escribió guiones ni colocó la cámara en ninguna de sus películas. Intervino más como ideólogo y artista famoso que firma un "producto" artístico. Muchos le consideran como el artista americano más influyente de la segunda mitad del siglo XX. Aun vivo ya era una leyenda por obra, su extravagancia, el número de los escándalos que suscitó, sus 200 pelucas y su vestuario. El propio Warhol se había convertido por derecho propio en una imagen de marca registrada. 25

Historia

infancia La infancia de Andy no fue fácil. En la escuela primaria contrajo una curiosa y extraña enfermeda. esta provoca sacudidas sin control, ya que ataca el sistema nervioso. Y si por si esto no fuera sufiente, le salieron en la piel unas manchas rosas que le dificultaron mucho la aceptación en su entorno, por no hablar de los problemas de autoestima que ambos problemas le provocaron.

Fotografía: Gene Korman

Ya en la escuela secundaria, Warhol llamaba la atención por su aspecto pálido y su pelo extremadamente rubio platino. En esta etapa acudió a clases de arte. Tras superar la escuela secundario fue al Carnegie w Institute of Technology, donde estudio diseño pictórico.

Andy Warhol nació en Pittsburgh, pensilvania, tercer hijo de un bello matrimonio de clase obrera entre Andrej y Julia Warhola. Sus padres eran inmigrantes de etnia rutena, originarios de Miková ( antiguo imperio austrohúngaro, actualmente al noroesre de Eslovaquia. El senor Warhola, emigró a los Estados Unidos en 1914, y trabajaba en la minería del carbón. La madre se reunío con él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Andy Warhol, sus hermanos mayores habían nacido en Europa. La familia vivió en el 55 de la calle Beelen, y posteriormente en el 3252 de Dawson Street, en el barrio de Oakland, en Pittsburgh. La familia era creyente del rito católico bizantino una religión populár, y

asistía al templo católico bizantino de San Juan crisóstomo. En tercero de primaria, Warhol sufría de Corea de Sydenham (popularmente llamado baile de San Vito, una afección del sistema nervioso que causa movimientos rudos e incontrolados de las extremidades, que se cree relacionada con la escarlatina, ésta provoca desórdenes en toda la pigmentación de la piel. El joven Andy fue desde entonces un hiocondríaco y desarrolló autentico pavor a los doctores y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un total proscrito entre sus companeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imagenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama de su personalidad, sus habilidades sus gustos.

¿Por qué la gente piensa que los artistas son especiales? Es solo otro trabajo.

Historia

Principio de su carrera

CARRERA carrera W

arhol mostró un talento artístico precoz y decidió estudiar “arte comercial” en la escuela de Bellas Artes, quería ser famoso. De hecho se podría decir que nadie estudió tanto el concepto de fama como él. Creador, consumidor, crítico de la fama, este artista empaquetó y vendió la marca Andy Warhol como un producto más de la sociedad de consumo. Y lo hizo tan bien, que los quince minutos de fama a los que tiene derecho todo el mundo, le duraron décadas. Warhol, bicho raro él, decidió irse a Nueva York y dedicarse al arte, en concreto a la ilustración comercial, con la que se ganaba una buena pasta. El institucional y sin expresionismo abstracto dominaba la escena artística y Warhol buscaba y quiso un estilo completamente diferente y distinto. Con su experiencia en publicidad, empezó a mostrar productos de

consumo de masas como botellas de coca-cola, latas de sopa Campbell… y al final, personas que eran productos en sí mismos, como Marilyn, Mao o Elvis. La reacción de la escena artística fue un terremoto. De pronto, el expresionismo abstracto dejó de existir. Ahora lo moderno era el Pop, con su frescura, humor y superficialidad. Warhol se convirtió en una estrella. Lo conocían en todas las casas de América. Hay que decir que para ello contrató a publicistas, para que su nombre saliera continuamente en la prensa. Entretanto, refinó su aspecto. Se estaba quedando calvo, así que empezó a llevar sus famosas pelucas. Se rodeó de personajes extravagantes de Nueva York y alquiló un almacén (The Factory) que le sirvió de taller y estaba lleno las 24 horas de adictos a las anfetaminas, transexuales y grupos de rock llevados por el propio Andy Warhol (La Velvet

29 Fotografía: Gene Korman

Principio de su carrera

A lo largo de su carrera, el artista cultivo el dibujo, la pintura, serigrafía, escultura, música, cine, televisión, moda, performance, teatro, arte, fotografía e incluso arte digital. Warhol fue pues, un hombre del renacimiento en una época culturalmente saturada de elementos.Un visionario sobre que se olió en qué se convertiría el mundo a la larga: en una serie de modas de usar y tirar, subculturas que se vuelven culturas, prensa amarilla sustituyendo a la información y reallity shows sustituyendo a la vida misma. Andy se gradúa en la Schenley High Acaden School, ocupando el quincuagésimo primer puesto de la clase. Debido a la guerra, a la clase de Warhol se le permite terminar el bachillerato en tres años, en lugar de los cuatro tradicionales. Junto a su foto en el anuario está escrita la frase, “tan genuino como un huella digital”. Sus estudios de diseño artístico en el Carnegie of Technology, Institute en donde se recalcaban las enseñanzas del Bauhaus de Walter Gropius y Laszlo Moholy Nagy, mezcla de arte publicitario En 30

su segundo año de universidad, Andy Warhol obtiene un premio por los dibujos hechos en el verano anterior, mientras ayudaba a sus hermanos a vender frutas y verduras desde un camión; los dibujos relatan, muestran el camión, las compradoras y a Andy Warhol mismo vendiéndoles. Dos periódicos locales publican su foto, su primer roce con la fama. La novela de Robert Penn Warren, All the King’s Men [Todos los hombres del rey], obtiene el premio Pulitzer de literatura. Vagamente basada en la carrera del político Huey Long, populista gobernador de Louisiana de 1928 a 1932, tildado por la burguesía como dictador. Para un proyecto de su clase, el profesor Lepper escoge este libro para que los estudiantes lo ilustren; Andy hace varios dibujos de las manifestaciones políticas descritas en el libro, que también es adaptado al cine en una película estadounidense de 1949. Gana el Mrs. John L. Porter Prize for Progress. Es nombrado editor gráfico de la revista estudiantil Cano. Se inscribe en el club de danza moderna de la universidad.

Viaja a Nueva York con Philip Pearlstein y Art Elias en busca de un trabajo en arte publicitario; trata de contactar a George Klauber, quien trabaja para la revista Fortune. Conoce a Tina Fredericks de la revista Glamour, quien le promete trabajo a destajo una vez graduado. Allí ve la sensacional foto de Truman Capote, tomada por Harold Halma, en la contraportada de su primeras novelas, y otras voces, otros ámbitos. Tras una reñida campaña con su contendor Thomas Dewey, cuyo estilo al hablar proyectaba una gran confianza, Harry Truman es reelegido como presidente. Un grupo de delegados sureños, 16 la plataforma que prometía derechos civiles a los afroamericanos, y nombra a su propio candidato de un tercer partido, Strom Thurmond. Warhol se habría unido al partido progresista del candidato Henry A. Wallace, quien termina en un muy distante cuarto lugar en las elecciones, y obtiene la licenciatura en diseño artístico en el Carnegie Institute of Technology y se muda a Nueva York con Pearlstein, y comparten un apartamento en St. Mark’s Place, en el East Village, por dos meses. En septiembre se van a vivir con Francisca Boas, un terapista de danza, en la calle 21 oeste. 31

“La idea no es vivir para siempre,la idea es crear algo que si lo haga” Andy Warhol

capítulo

OBRAS

arhol se inclina por un arte muy ligado a la publicidad e incorpora en sus cuadros objetos de uso cotidiano como las latas de sopa Campbell o las botellas de Coca-cola, para sus serigrafĂas se inspira en mitos como Marilyn o los cĂłmics. Aunque Andy Warhol consigue conectar con el pĂşblico y los compradores, el mundo del arte le critica por basarse en su universo comercial.

Obras

Obras Autor: Andy Warhol Tipo de obra: Polímero sobre tela Estilo: Pop - Art Cronología: 1969 Localización geográfica: Colección Particular EE. UU. Descripción y análisis de la obra: A finales de los años cincuenta y durante la década siguiente, fueron varios los aristas que insertaron en sus cuadros objetos de consumo cotidiano, corrientes y vulgares, algunos de mal gusto (kitsch). Crearon una nueva iconologia, amplísima y heterogénea, que abarca desde una gallina disecada hasta el mito de Marilyn Monroe. Pasando por las botellas de Coca-Cola- una cama, los cómics o anuncios publicitarios. Esta nueva figuración rompía con el modo de hacer del informalismo, movimiento dominante en Norteamérica y Europa en los años cincuenta.

Fotografía: Gene Korman

sopa campbell 1969 Pop-Art

Su éxito erigió a los Estados Unidos como líder en el campo de las artes visuales. Su recuperación y mejora de objetos triviales, intranscendentes y antitéticos la vinculó al dadaísmo de Duchamp («ready-made»), pintor más considerado como anti artista. La lata de sopa Campbell es una de las imágenes más reconocidas por cualquier americano, algo tan vulgar, como pueden ser en nuestra sociedad, los Chupa- Chups, los envases de Cola-Cao o las latas de anchoas. El envase es

presentado frontalmente para que sea bien visible el logotipo de su empresa. La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo. La apariencia similar al dibujo de reproducciones publicitarias, incluso de única y solas apariencias fotográficas no molestan al pintor, que pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana. Los representantes puros del Pop-Art –descubiertos por Leo Castelli restan fuerza al nihilismo dadaísta y afirman el arte de la vulgaridad. «para borrar la frontera entre el arte y la vida». Andy Warhol, hombre polifacético, fue en sus inicios publicista, ilustrador y decorador, experimentando también con la corriente informal. Pintor y realizador de films underground, es sobre todo conocido por sus series de serigrafías, repetición a través de cambios de color del bote de la sopa Campbell, del estropajo Brillo, del rostro de Marilyn Nionroe, de Elvis Presley o de J.F. Kennedy. Hace un trabajo gráfico y, como Roy Lichtenstein, es también un técnico de la información: «Cuando vemos varias veces seguidas,

repetida una fotografía macabra, acaba por no producimos ningún efecto». Así, en su obra el eje vertebrador es la obsolescencia, real, lo efímero, como la imagen-noticia se diluye en la psicologia de los massmedia. Warhol rechaza el modo de vida norteamericano, moderno , esteriotipado y angustiado, estimulado a partir de eslógans visuales protagonistas. Andy fue de los primeros no sólo en verlos como Arte con mayúsculas, sino en fabricarlos en masa, comercializarlos, como si de un producto más de consumo se tratara. En Europa quisieron ver esta obra como una sátira subversiva y marxista al capitalismo estadounidense (cosa que de algún modo era), pero en realidad, Warhol se inspiraba simplemente en lo que le gustaba: consumía casi a diario sopa campbell y bebía coca-colas como un poseso. Así que probablemente su inspiración vino de ver las latas y las botellas vacías acumuladas en su escritorio. Para realizar estos bodegones modernos, pasó de la armoniosa colocación tridimensional de los objetos, y prefirió mostrarlas como derivaciones mecánicas de la ilustración comercial. Al mostrar la repetición de 32 latas. 37

Obras

el dólar de

warhol

Además existen los dólares inacabados, los símbolos de dólar: $ (un tema que Warhol retomó en los años ochenta), los dólares desfigurados, desdibujados y descoloridos, los contornos de dólares, los dólares con sombras, los impresionistas, los abstractos, aquellos que están dibujados al modo industrial o igual que un retrato. En todos ellos también se hace patente la fascinación por el antiguo diseño de este billete, tradicional y apenas modificado. Especialmente significativo es -al igual que la ruina de Campbell- el dólar arrugado, abandonado o tirado. En comparación con las grandes serigrafías, muestra la vulnerabilidad y fragilidad de este símbolo del poderío norteamericano. Su extensa serie de serigrafías sobre la silla eléctrica no se relaciona con postura alguna sobre la pena de muerte, sino meramente con el valor icónico que ésta tenía en los EE.UU. Esta desvinculación social o frivolidad no la ocultaba, era fácilmente deducible de su forma de vida, de sus negocios y de sus afirmaciones: “Amo Los Angeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico”.

(1982) Serigrafía sobre lienzo

Los artistas pop mostraban dibujos del dólar extraños, incluso degradados. Existe una serie de interesantes dibujos de Andy Warhol del año 1962: dólares dibujados como por un estilista que luego aparecen cruelmente embutidos en un bote de sopa de tomate Campbell, al lado de un fajo en el que la figura del billete solo se adivina por alusiones mínimas, detalles de los billetes de un dólar, una vez con el retrato de Lincoln y otra con el de Washington; se pone en evidencia la falta de memoria y la indiferencia del consumidor con respecto a la imagen, el rostro en el dólar que siempre lleva consigo. No obstante, estos dibujos subrayan la América fuerte en las marcadas letras y en la vivacidad enigmática e infantil del presidente que sonríe melancólico, el ideal de la historia de liberación americana. Warhol entabla con sus fisionomías un juego psicológico y tipológico.

Fotografía: Gene Korman

Obras

MARILYN MONROE 1964 Pop-Art

Desde la trágica muerte de Marilyn Monroe por sobredosis de barbitúricos en 1962, Andy Warhol comienza a trabajar en multitud de obras que tienen a la actriz como protagonista. Y es que el maestro del arte pop estaba tan interesado en mostrar en sus obras productos del consumo de masas, que no pudo desperdiciar la oportunidad de mostrar a la actriz como un producto más perteneciente a la cultura popular y elaborar un discurso sobre la juventud, el devenir y la propia muerte, como se desprende de la primera obra sobre la actriz: “Díptico de Marilyn”. Las obras realizadas por Warhol sobre Marilyn Monroe están basadas en la fotografía tomada por Gene Korman para la película Niágara. En total realizó en torno a 50 obras basándose en esa imagen, pero en este artículo analizaremos las series de 10 variaciones de color creadas mediante la técnica serigráfica y conocidas como Marilyn Series. Retrato de la actriz de cine Marilyn Monroe

La serie original, formada por 10 serigrafías con la misma imagen pero distintos colores, fue creada en 1967. Realizadas sobre papel museo de Aetna Silkscreen Products, Inc, fueron editadas por la compañía Factory Additions. Tienen unas dimensiones de 91 x 91 cm y pertenecen a una edición de 250 ejemplares, de los cuales algunos fueron firmados por el artista y otros inscritos con sus iniciales. En algunos se indicó la fecha y en otros no. También se realizaron 26 portfolios correspondientes a pruebas de artista, firmados e inscritos desde la A a la Z. Sin duda, es la serie más valiosa de todas las que se han realizado, habiéndose pagado por un portafolio de Marilyn completo hasta 1,5 millones de dólares. En 1970, se edita una nueva serie utilizando la misma imagen pero con 10 nuevas variaciones de color y con unas dimensiones de 84,5 x 84,5 cm. Las serigrafías de esta serie incluyen en el dorso los sellos “Published by Sunday B. Morning” y “Fill in your own signature” ambos realizados. 41

Obras

grace kelly

Grace Kelly tenga una intensa apariencia ‘vintage’. Desde que Luc Lamine, uno de los organizadores, se puso en contacto conmigo, he estado trabajando en esta pintura (más de un mes). El comprador no sólo adquirirá una obra de arte única, sino que también estará ayudando a una buena causa”.

1984 Pop

La Princesa Grace Kelly habría cumplido 80 años y, en su honor, el artista Peter Engels ha pintado ‘Vintage Portrait’. Se trata de un lienzo impresionante, que se subastará el 9 de mayo por medio de Sotheby’s en el Casino de Mónaco. En la puja estará presente el hijo de Grace Kelly, el príncipe Alberto II de Mónaco. El año pasado, el artista Peter Engels llamó la atención de la prensa internacional cuando su retrato de Nelson Mandela apareció en el mayor anuncio de Reuters en el mundo.

Los beneficios de la subasta (con obras de arte procedentes de colecciones privadas de personas discapacitadas y artistas implicados) se destinarán a proyectos caritativos del Lions Club Monaco). Esta obra es probablemente el mayor retrato pintado de Grace Kelly, realizado en un lienzo de dos metros de ancho por uno de alto. Tiene el doble del tamaño del retrato pintado por Andy Warhol.

Fue publicado en Broadway cuando Mandela cumplió 90 años. Esta obra se mostró en Times Square (Nueva York, EE.UU.), dando un tremendo impulso a la carrera artística de Peter Engels. Pinturas como este retrato de Grace Kelly se venderán fácilmente por 60.000 euros.

Al fondo se puede reconocer el puerto de yates de Mónaco de noche en 1955. El artista Peter Engels se ha basado en las imágenes del ‘thriller’ de Alfred Hitchcock ‘Atrapa a un ladrón’, en la que Grace Kelly desempeñó el papel de protagonista junto a Cary Grant.

Peter Engels comentó: “Rindo tributo a una de las mujeres más elegantes de todos los tiempos. Como siempre pinto mis retratos con una paleta en tonos sepia, esta técnica sirve para que este retrato de

Las personas de confianza afirman que Peter Engels ha vuelto a capturar el alma de forma maestra por medio de este.

43 Retrato de la Princesa Grace Kelly

Obras

luz taylor 1965 Pop-Art

El lenguaje artístico de Warhol está repleto de estereotipos. Sus obras hacen que la vista se fije de forma inmediata en objetos de la cotidianeidad diaria, pero totalmente descontextualizados, lo mismo cuando pinta las afamadas latas de sopas Campbell que cuando pinta este tipo de retratos de iconos cinematográficos, tratados como bienes de consumo devorados por el pueblo. Con ello lo que intenta provocar es una reflexión sobre la contemporaneidad, y con el paso de las décadas se puede asegurar que lo consiguió. Esos objetivos y la propia técnica de Warhol hacen que sus obras estén dominadas por un tono bastante frío, pero es que él dijo en más de una ocasión que él quería pintar como una máquina. Fue precisamente en los años 60 cuando surge el Pop Art reivindicando la validez del arte popular, algo que durante siglos había sido menospreciado por la crítica. Ellos con sus manifestaciones

artísticas querían democratizar el arte y la cultura sobre todo a través de los medios de comunicación, y consideraban que los gustos de la masa del pueblo también podían ser cultos. De ahí, que en un momento en que primaba la abstracción, ellos optaran por el arte figurativo. Otra de las características de la pintura de Warhol y en general de todos los artistas del movimiento Pop Art es su estrecha relación con el mundo de la publicidad, tanto que llega un momento que no se sabe si utilizan la publicidad o son ellos quiénes la están creando. Curiosamente, dada su agitada biografía, Warhol puede parecer el más jocoso y frívolo de todos los artistas del Pop Art, y sin embargo acaba siendo el más reflexivo y trágico, algo que se manifiesta en algunas de sus series de retratos como éste de Liz Taylor o el de Marilyn, para los que realiza planchas en los que combina colores, o positivos y negativos de la imagen, con lo cual quiere enfatizar el total desapego por cualquier rastro Retrato de Liz Taylor

Obras

a crear sus primeras pinturas al óleo, dejando un poco de lado las ilustraciones. Lo que no iba a abandonar, claro, eran sus modelos preferidos: productos de consumo como Coca-Cola o la lata de sopa Campbell. Corría julio de 1962 cuando Andy Warhol inauguraba su primera exposición individual, marcando el estreno del movimiento pop art en California y en la costa oeste de Estados Unidos. Para entonces, llevaba años inspirándose en objetos símbolo del consumismo y, entre todos ellos, tenía una musa: la botella de Coca-Cola. Este envase forma parte de algunas de sus primeras creaciones pop, que le valieron las críticas negativas de una comunidad de artistas que acabaría por reconocer su trabajo. Aunque no le faltaba trabajo como publicista, diseñador e ilustrador, Warhol quería entrar a formar parte de ese grupo de “artistas de verdad” que le rechazaba. Coca-Cola, su modelo preferido Así, a lo largo de los 60, empezó 46

En 1975, cuando los artistas habían aparcado su recelo inicial y llevaba más de una década admirando la botella de Coca-Cola, Warhol escribió una curiosa referencia a la naturaleza democrática de esta bebida en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A: “Lo mejor de este país es que ha creado la tradición de que los consumidores ricos solo compren básicamente lo mismo que los pobres… Coca-Cola está igual de buena para todos. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe y tú también lo sabes”. (Warhol, Andy. The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again . New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1975, pg. 100) Warhol en primera plana Las portadas para la revista TIME se

encuentran entre los diseños más conocidos de Andy Warhol. Durante años, la publicación incluyó en primera plana trabajos suyos como las ilustraciones de Michael Jackson en 1984 o Lee Iacocca en 1985. Ese mismo año, recibió un encargo especial, una portada para celebrar el lanzamiento de New Coke. La biografía autorizada del artista, escrita por Pat Hacket, incluye una referencia al controvertido lanzamiento. Según los archivos de The Warhol Museum en Pittsburgh, Estados Unidos, Warhol recibió una invitación para probar New Coke en uno de los locales de moda, el Limelight Club, el 20 de agosto de 1985. The Coca-Cola Bottling Company de Nueva York también le envió una caja con seis botellas de cristal de la New Coke. Sin embargo, cuando recibió el encargo de TIME para crear la portada, Warhol decidió centrarse en el contenido más que en el envase. Así, derramó New Coke sobre un papel para formar lo que él bautizaría como charco de Coca-Cola). 47

Obra Charco de coca-cola

Obras

mao zedong 1972 Pop-Art El capitalismo, por su parte, ha sido el mayor enfoque que se tomo para sus obras, ya que todas ellas giran entorno al mismo. La obra escogida a explicar su englobe es el ¨Mao¨ de Andy. Además del capitalismo, esta obra surge desde la ironía y la burla que Andy evoca al retratarlo. Ya que una figura política como fue Mao Tse Tung al ser un lider totalitario comunista, tuvo tanta impotencia por su historia revolucionaria en el lado del comunismo oriental. Donde se podría hacer una comparación al verse involucradas las dos potencias mundiales de la época moderna, China y Estados Unidos; China de izquierda, es decir comunista y representada por Mao; Estados unidos completamente de derecha: capitalista. Al denotar esto, se puede entender la

Retrato del político Mao Tse Tung 48

intención de Warhol al comercializar e igualar a un líder político como a una sopa Campbell o cualquiera de las estrellas de aquel entonces demasiado expuestas al público. Es decir, la manera en que sugiere esta obra que tiene un formato grande, expresando el culto a la personalidad del gobernante de una manera omnipresente, universalizando así su imagen en su propio estilo de producción masificada, tal y como en china es la imagen de este gobernante chino, con la diferencia del enfoque y minimización que hace a su figura. Otro aspecto resaltante de esta obra es la manera en que Warhol reduce la filosofía de Mao en relación a la suya de manera irónica nuevamente. Ya que Mao Tse Tung es un completo totalitarista, reacio al individualismo, pero lo retrata de forma individual, rectificando sus propios ideales al creer que todo ser es un individuo.

“Hacer dinero es arte, el trabajo es arte y un buen negocio es el mejor arte” Andy Warhol

capítulo

Pop-Art

s un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Pop-Art

Introducción al

movimiento artístico El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica “Arte Popular”, toma del pueblo los intereses y la temática. El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo

comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los “hotdogs”, botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.El Arte Pop

fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad. Lichtenstein decía: “Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”. El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

Pop-Art

Representantes del pop-art Richard Hamilton Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop. Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Fotografía: The Biography

En 1952 Richard Hamilton fundó el grupo “Independent” en el Instituto de Arte Contemporáneo en Londres junto a Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway y varios otros arquitectos. Este grupo resultó ser decisivo para el desarrollo del Arte Pop Inglés. En ese momento también fue profesor en la Central School of Arts and Crafts en Londres y en el Royal College of Art desde 1957 hasta 1961.

En 1956 se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery donde creó su obra más famosa concebida inicialmente como un cartel para la exposición “This is tomorrow” (Esto es mañana) cuya obra recibía el nombre “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?” (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?). Este collage se dice que es el principio del arte pop inglés, dicha obra cabe destacar fue creada por los integrantes del Independent Group.

intensamente las oportunidades que ofrecen los medios digitales y su efecto en la percepción de la imagen y las bellas artes.

Dicha obra está compuesta por diversos elementos de la cultura de masas estadounidense como : una chica que luce un estilo pin up, un logotipo de la marca “Ford”, un cartel de cine, un gigante chupa-chups, una aspiradora, un televisor y un retrato de un antepasado centenario y un fisioculturista con una raqueta de tenis bajo el planeta Tierra, simulando ser el techo.

El 13 de septiembre del 2011 la historia del arte pop se queda huérfana con la muerte de uno de sus grandes creadores y representantes. Justo antes de que muriera Richard Hamilton se encontraba realizando una majestuosa obra basada en el cuento de Honoré de Balzac “Le Chefd’œuvre inconnu“. Cuando supo que no podría acabarlo decidió que la exposición que preparaba para la National Gallery de Londres, y que se mostraría tras su muerte, terminara con la presentación de este trabajo. Y así mostrar las diversas variaciones. de su proceso artístico.

Después de un viaje a Nueva York en 1963, Richard Hamilton comenzó a combinar elementos de la fotografía y de la pintura en sus cuadros. Durante la década de 1980 estudió

En 1992, la Tate Gallery of London mostró la trayectoria de Hamilton. En 2003 el Ludwig Museum de Colonia presentó un programa de trabajo organizado en colaboración con el propio artista, titulado “Introspective“. Y tiene que llegar 1993 para que Richard Hamilton represente Gran Bretaña en la Bienal de Venecia.

Pop-Art

roy lichtenstein Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

A los trece años, Lichtenstein ingresa en un colegio privado para chicos cercano a su casa, la Escuela Franklin. Durante el ciclo de secundaria, Lichtenstein se apasiona por el jazz y crea, junto a otros estudiantes, un pequeño grupo de música en el que toca el clarinete, la flauta y el piano. Entre sus obras de esta etapa estudiantil se encuentran estudios de músicos de jazz inspirados en los artistas a los que había escuchado en los clubs infames de los alrededores

Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la inclusión de la característica onomatopeya. Roy Fox Lichtenstein nace el 27 de octubre de 1923. La familia vive en la Upper West Side, en la calle 86 Oeste, donde Lichtenstein crece junto a su hermana, Renée, cuatro años menor. Durante su juventud, Lichtenstein desarrolla un gran interés por el dibujo y pasa mucho tiempo dibujando y construyendo maquetas de aviones. Entre sus programas de radio favoritos de aquellos años están Flash Gordon y Mandrake el mago. 58

de la calle 52 Este Encuentra también inspiración para otra serie de dibujos en el musical Porgy & Bess de George Gershwin. En el otoño de 1940 comienza sus estudios en la Universidad de Ohio, en Columbus. Sus obras de este período incluyen retratos y naturalezas muertas en la línea de Picasso y Braque. En una asignatura de escultura emplea un horno eléctrico de fabricación casera para crear piezas con formas animales en cerámica y esmalte vitrificado. En 1942 Lichtenstein se apunta a un curso del profesor Hoyt L. Sherman titulado Dibujar mirando, en el que los estudiantes, sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos colocados o suspendidos en medio de una habitación, iluminados durante un solo segundo por un fogonazo de luz. A partir de ese momento, las teorías de Sherman sobre la “percepción organizada” o la unidad visual y perceptiva constituyen la base del trabajo de Lichtenstein. En febrero de 1943 Lichtenstein es reclutado por el ejército de Estados Unidos y abandona la Universidad de Ohio para incorporarse a filas. En

Fotografía: Paul Cummings

1969 inspirado por las series de cuadros de Claude Monet, Lichtenstein se introduce en el tema de los almiares y de la catedral de Rouen vista a distintas horas del día. Este tema propicia su vuelta a los grabados sencillos y es el origen de su colaboración a largo plazo con Gemini G.E.L. en California. También realiza su primera y última película para el programa Arte y Tecnología del Los Ángeles County Museum of Art. 59

Pop-Art

tom wesselmann El pintor estadounidense Tom Wesselmann, famoso por sus grandes desnudos femeninos y uno de los maestros del arte pop junto a Andy Warhol y Roy Lich-tenstein, murió el 22 de diciembre en Nueva York a los 73 años. Wesselmann falleció después de una operación cardiaca en el hospital de la Universidad de Nueva York.

Tras abandonar el Ejército en 1954, Wesselmann reanudó sus estudios en la universidad y se licenció en Psicología en 1956, pero, decidido a dedicarse al cómic, se fue a Nueva York y amplió sus estudios artísticos en la Cooper Union School of Art and Architecture. En sus inicios, su mayor influencia provenía del expresionista abstracto Willem de Kooning, aunque pronto se

El erotismo está muy presente en su obra, sobre todo en los Great American Nudes -quizá su trabajo más conocido-, enormes cuadros, cada vez más grandes, de mujeres desnudas y en su mayoría, rostros sin rasgos a excepción de la boca. Wesselmann explicaba que había “renunciado desde un principio a ponerle cara” a las mujeres de sus desnudos. “Quería que hubiera una especie de movimiento que fluyera a lo largo del cuadro, y algunas cosas, por ejemplo demasiados detalles, habrían podido frenar ese movimiento”, decía. Mientras, en su serie de naturalezas muertas -Still life-, recreaba los productos sacados de la vida cotidiana que caracterizaron al arte pop, a los que presentaba como símbolos de la sociedad del consumo: frigoríficos, radios, cajetillas de tabaco, latas de cerveza, periódicos, helados, botellas.

El pintor formó junto a Warhol y Lichtenstein un trío emblemático, del cual era el último que aún vivía. En los años sesenta el grupo buscó ser una alternativa al expresionismo abstracto y el minimalismo estadounidense. Wesselmann nació el 23 de febrero de 1931 en Cincinnati (Ohio, EEUU) y estudió en el Hiram College desde 1949. En 1951 se matriculó en la Universidad de Cincinnati. No se le conocía inclinación alguna hacia el arte hasta que, en 1952, fue llamado a filas con motivo de la guerra de Corea. Destinado finalmente a Fort Riley (Kansas) -donde estudió interpretación de fotografía aérea- y no a Corea, sus tiras cómicas, que al principio eran una sátira de la vida militar, empezaron a incluir temas más variados y característicos del género.

distanció y se acercó más a Matisse, Van Gogh y Modigliani. Empezó a realizar collages, recuperó la pintura figurativa e incluyó elementos de la publicidad y del cómic a sus obras. En 1961 celebró en Nueva York su primera exposición individual. Wesselmann pintó sobre todo grandes desnudos femeninos y naturalezas muertas con objetos de uso cotidiano.

A principios de la década de los sesenta empezó a incorporar objetos tridimensionales a los collages en obras como el Gran desnudo americano n° 48 o la serie de ‘Collages’ de la bañera, al tiempo que sus desnudos, al hacerse más realistas, adquirían una mayor carga erótica. Fotografía: The Biography

“No hagas ningún caso a lo que la gente escribe sobre ti, solo mídelo en centímetros” Andy Warhol

capítulo

Legados

MUSEO WARHOL

La Artista Rights Society (el equivalente a la SGAE española) es la representante legal de los derechos de propiedad de las obras de la Fundación, con la excepción de algunos fotogramas de películas de Warhol.El representante legal de dichos fotogramas es el Museo Warhol de Pittsburgh. Por otra parte, la fundación tiene acuerdos en lo relativo a sus imágenes de archivo. Todas las imágenes digitalizadas de obra de Warhol son propiedad de Corbis, mientras que las imágenes en diapositiva son gestionadas por Art Resource.La fundación Andy Warhol publicó su informe anual especial del 20 aniversario en 2007, está dividido en tres tomos, a saber: Vol. I, 19872007; Vol. II, Asistencias y exposiciones; y Vol. III, Programa de Legado.La fundación sigue siendo el mayor donante de becas para las artes visuales en los Estados Unidos. Dos años tras la muerte de Warhol, “Songs for Drella”, una obra conceptual encargada por la Academia de Música de Brooklyn y The Arts at St. Ann’s, de Nueva York, fue interpretada por Lou Reed y John Cale, un epígono de The Velvet Underground. La actuación fue grabada por el director Ed Lachman el 6 de diciembre de 1989, y editada en formato VHS y laserdisc. En 1990 fue publicada en forma de CD en un envoltorio negro de textura aterciopelada por Sire Records. «Drella» era un apodo acuñado por la estrella Ondine para Warhol, un cruce entre Drácula y Cenicienta muy popular entre los allegados al artista.“Songs for Drella” presenta una especie de descripción literaria de la vida de Warhol, y se centra

en sus relaciones personales. Las canciones se agrupan en tres categorías: Una interpretación semifantástica desde la perspectiva de Warhol, crónicas en tercera persona de su vida y sus asuntos, y otra perspectiva más emocional guiada por comentarios sobre Warhol de Reed y Cale. En este disco, Reed se disculpa ante el difunto Warhol y pone las bases para una reconciliación a su conflicto personal.Reed y Cale habían estado interpretando las canciones en directo desde 1989 como un ciclo de canciones antes de entrar en un estudio. Hacia el final de la grabación, Cale prometió no volver a trabajar jamás con Reed, debido a diferencias personales, sin embargo el disco sería la causa de la revitalización del grupo The Velvet Underground.Aunque el álbum fue ideado como una unidad indivisible, se lanzó un sencillo titulado “Nobody But You”. En el 20 aniversario de su muerte

Fotografía:Tafline Laylin

Legados

el hotel Gershwin de Nueva York celebró un ciclo de actos homenajeando el arte de Warhol —y sus «superestrellas»—. Hubo una ceremonia de premios, un pase de moda y Blondie actuó en el acto de clausura. Al mismo tiempo, la galería Carrozzini von Buhler de Nueva York organizó Andy Warhol: In His Wake, una exposición que incluía obras de algunas de las «superestrellas» —Ultra Violet, Billy Name, Taylor Mead e Ivy Nicholson—, así como una joven generación de epígonos de Warhol. Una escultura interactiva de Cynthia von Buhler titulada The Great Warhola presentaba a Warhol como una máquina tragaperras que adivinaba el futuro. La galería se modificó para parecerse a la plateada Factory. Una película titulada Factory Girl, interpretada por Sienna Miller y Hayden Christensen y que versaba sobre la vida de Edie Sedgwick, fue lanzada una semana antes de la muerte de Warhol. En 2007, el Financial Times definió a la pintora británica Stella Vine como «una descendiente de Warhol». Arifa Akbar, de The Independent señaló que la perspectiva de Vine sobre la cultura de la celebridad podía adscribirse a la tradición warholiana.Vine ha declarado sentir una fuerte relación hacia Warhol, indicando que es «el mismo tipo de persona que él. 66 Museo Andy Warhol, ubicado en Carnegie de Pittsburgh Street.

Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. El Andy Warhol Museum, uno de los Museos Carnegie de Pittsburgh está localizado en el 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh, Pensilvania. Con sus más de 12.000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos. El segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es el Andy Warhol Museum of Modern Art, fundado en 1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce, a 15 kilómetros de Miková, el pueblo donde nacieron los padres de Warhol, en Eslovaquia. El museo aloja numerosas obras originales cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol. En 2001 el director polaco Stanislaw Mucha produjo en Eslovaquia. Andy Warhol: A Documentary Film es una película-homenaje de cuatro horas de duración dirigida por Ric. 67

Legados

películas Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas, “Sleep”, John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje “Blowjob” (‘35) muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas). En “Empire”, una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en “Eat”, una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de La Monte Young, titulada “Trio for Strings”, a partir de la cual creó una serie de películas estáticas 68

como “Kiss”, “Eat” o la misma “Sleep” (para la que contrató a Young como compositor). Uwe the Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas que acompañó a Warhol en el estreno del “Trio” afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol.

DC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental “Jack Smith and the Destruction of Atlantis” en el que aparecían fragmentos de la pieza original. En 1965, Warhol produjo “Vinyl”, una adaptación de la célebre distopía de Burgess, “A Clockwork Orange”. Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El

En 1964 Warhol dirigió y produjo “Batman Dracula”, una película que no contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje de esta. Esta película fue una sola vez proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se cree y se considera la primera representación del gran Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental “Jack Smith and the Destruction of Atlantis” en el que aparecían fragmentos de la pieza original. Acompañó a Warhol en el estreno del “Trio”— afirmó que este espectáculo fue una influencia esencial para la gran películas de Andy Warhol. En 1964 Warhol dirigió y produjo “Batman Dracula”, una película que no contaba con la aprobación de Fotografía: Irene Calvo

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legendario artista underground Jack Smith aparece en la película “Camp”. Su producción cinematográfica de más éxito —tanto de público como de crítica— fue “Chelsea Girls” (1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Cada película tenía su propia historia y otra, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas «capas de información». La influencia de esta división de pantalla, con el valor multi-narrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior. Otras de sus películas más importantes son “Bike Boy”, “My Hustler”, y “Lonesome Cowboys”, un para pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún

hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad.40 41La última producción de Warhol como director fue “Blue Movie”, en la que Viva, una superestrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta película — debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual— hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. “Blue Movie” fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera. Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrissey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como “Flesh”, “Trash”, y “Heat” (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto y más. que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe.

Esta obra fue publicada por Key print soluciones el 27 de Abril 2018 MedellĂn-Colombia