Rene Magritté

R RE E N NÉ É

M MA A G GR RII T TT TÉ É

R RE E N NÉ É

M MA A G GR RII T TT TÉ É

A los amantes de la historia y el arte, espero lo disfruten.

René Magritté Esta publicación fue realizadapor Estefanía Arcila Rincón estefaniarcila08hotmail.com Verificado y corregido por Alejandro Quintero Copyright 2018 Todos los derechos reservados

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Primera edición estefaniarcila08hotmail.com ISBN:918348494 Impresiones Keyprint Abril 2018 Medellín -Colombia

Gracias a todos los que hicieron esta publicación posible , al profesor Alejandro Quintero con el que hemos aprendido las técnicas necesarias para nuestra profesión.

PRÓLOGO Tengo el enorme agrado de presentar en este trabajo, cuyo autora no solo es un cólega si no una amiga de toda una vida. Si, bien aprecio todo el trabajo realizado por esta diseñadora, considero importante confesar mi preferencia por esta última creación. A continuación explicaré por qué. Si bien sus trabajos anteriores se caracterizan por su realismo y particular diseño, a esta edición se le suma un exquisito trabajo periodístico, donde queda expuesto la dedicación en la exhaustiva investigación que se ha realizado.

Es notable la sencillez con la que se explican acontecimientos muy complejos que nos permiten a los lectores sin conocimientos específicos del tema, comprender sin mayores dificultades el tópico elegido.

Esta es una obra que pueden disfrutar grande y chicos, incluso una buena excusa para crear un vínculo. Esto se debe a la riqueza tanto en información que se nos brinda, como en el plano artístico que nos ofrece este artista.

Agradezco el espacio para compartir con los lectores los sentimientos que me generó este libro sobre René Magritté y felicitar a la escritora por su buen trabajo.”

Con el objetivo de mostrar mi capacidad de diagramación e investigación he desarrollado este libro basado en la obra y vida de René Magritté, hombre impredescible en la historia del arte contemporáneo, con su surrealismo marcó una pauta importante y se convirtió en un referente inmediato .

TA BLA DE

CONTE NIDO Capítulo I Biografía

Capítulo II

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Obras principales

Capítulo III Temas

relacionados

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Capítulo IV Bruselas Actual

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IN TRO DUCCIÓN La presenta investigación sobre la agricultura en nuestro país forma parte de los estudios de la asignatura de Geografía Económica, cuyo enfoque se interesa por la distribución de los recursos económicos, políticos y naturales en el territorio nacional. La agricultura, una de las artes más antiguas y necesarias de la civilización, tiene una presencia importante en el quehacer de nuestro país, repartida a lo largo y ancho de las distintas provincias del mismo, a pesar de las notorias diferencias y accidentes geográficos y de relieve que lo caracterizan.

CAPÍ TULO

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“La realidad nunca es como se ve, la verdad está por encima de la imaginación”

Autoretrato, René Magritté

20 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

B I O GRAFÍA René Magritte nació en Bélgica en la localidad de Lessines en el año 1898. La familia se trasladaría durante su infancia a la localidad de Châtelet, donde René Magritte comenzaría a acercarse al mundo de la pintura. Su infancia no fue fácil, y la familia frecuentemente tendría dificultades económicas, que les forzarían a trasladarse con bastante frecuencia. Sin duda alguna, la infancia de René Magritte fue dura y se vería marcada por el suicidio de su madre en el año 1912. Este hecho dramático le marcaría y según algunos críticos de arte quedaría frecuentemente reflejado en su obra, aunque el artista siempre negó que existiera algún tipo de relación entre su obra y este hecho traumático.

“En mi infancia, me gustaba jugar con una niña en el viejo cementerio abandonado […]. Visitábamos las criptas subterráneas de las que podíamos levantar las pesadas puertas de hierro y salíamos a la luz, donde un artista pintor, llegado de la capital, pintaba en un ala del cementerio, muy pintoresca, con sus columnas de piedras rotas cubiertas de hojas muertas. El arte de pintar me parecía entonces vagamente mágico, y el pintor, dotado de poderes superiores.

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OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Hacia el 1915 René Magritte comenzó a pintar sus primeras obras que se encuadrarían dentro del estilo impresionista.

Durante este periodo, el artista recibiría formación artística en la Academia Royal de Bellas Artes de Bruselas y comenzaría a conocer algunos de los movimientos artísticos que se están desarrollando en Europa, como fueron el cubismo o el futurismo. Personalmente, René Magritte se sentiría atraído por el movimiento Dadá y por la pintura de Giorgio de Chírico que marcaría su obra y le introduciría en el movimiento surrealista. En realidad René Magritte se sentiría profundamente atraído por la obra Canción de Amor, que le marcaría y le decidiría a utilizar la pintura para mostrar ideas y modos diferentes de entender lo que nos rodea.

Sería en este periodo que René conocería a Georgette, que se convertiría en su mujer y modelo a lo largo de toda su vida.

Textura modular, René Magritté

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22 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Fotografía, René Magritté

En un primer momento René Magritte se ganaría la vida como artista gráfico, diseñando carteles de publicidad, tapices o portadas de discos entre otros La primera exposición de René Magritte fue en 1920, aunque a partir de 1924 su obra daría un giro hacia el movimiento surrealista y se asociaría con otros artistas belgas como Nougé, Lecomte o André Sourisque que se encuadraron dentro de ese movimiento. De este periodo, sería “El jinete perdido” pintada en 1926 y que fue su primera obra surrealista.

René Magritte se trasladaría a Francia, tras realizar en 1926 su primera exposición surrealista que no tendría el apoyo dela crítica de arte. Probablemente este hecho, le animó a dejar temporalmente Bélgica en busca de otros círculos surrealistas. Tras un periodo en Francia, René Magritte retorna a Bélgica y al cerrarse la Galeria Catataure se ve forzado a regresar al mundo del diseño artístico..

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Noire, René Magritté

Noire, René Magritté

Poco antes de su matrimonio en 1922, Magritte aceptó un trabajo como diseñador en una fábrica de papel pintado, como él mismo dijo en una carta, “para hacer a Georgette lo más feliz posible en la calma de una constante buena vida burguesa”. Esto sólo duró un año más o menos, ya que en 1924, comenzó a trabajar como diseñador gráfico independiente. 

Durante los siguientes cinco años, produjo carteles, anuncios para revistas y folletos. Sobre todo para la casa de alta costura belga Norine, que era reconocida no sólo como una de las primeras firmas de alta costura en Bélgica, sino como una firma vanguardista y moderna por sus diseños.

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24 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Magritte, Norine.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Magritte, Norine.

Magritte, Norine.

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ESTUDIO Después de un periodo en París, en el verano de 1930, Magritte estaba de vuelta en Bruselas. Preocupado por el dinero, creó la agencia de publicidad “Estudio Dongo” con su hermano Paul, colonizando el caótico cobertizo en el fondo de su jardín. A pesar de ganar el reconocimiento internacional durante unos treinta años, Magritte no llegó a ser rico hasta bastante avanzada su carrera. Como resultado, se vio obligado a buscar trabajo como artista comercial para que él y su esposa Georgette pudieran vivir cómodamente en su piso en las afueras de Bruselas En los siguientes años produjo numerosos carteles y portadas de música. Incluso en los años cincuenta, todavía estaba aceptando trabajo comercial, como la producción de murales para un pequeño teatro de Bruselas, un casino y en otros lugares.

“No me gusta la publicidad ni las artes decorativas” dijo Magritte en 1946. Sin embargo,

su trabajo como diseñador alimentó su arte.

Es de destacar también la frecuencia con la que Magritte encuadra en sus lienzos, dividiéndolos en secciones, como las historietas. Estaba fascinado por la cultura popular, y se apropió regularmente imágenes de material efímero como revistas, diccionarios ilustrados y enciclopedias, escaparates y tarjetas postales.

Diseño del cartel publicitario para la marca de cigarrillos Belga, hacia 1935.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

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PINTURA

Diseño Comercial

‘Marche des snobs,’ cubierta de la partitura (1924)

‘Mes Rêves,’ cubierta de la partitura, 1926.

Cuando creó pastiches de estilos impresionistas y fauvistas, Magritte suprimió deliberadamente aspectos pictóricos y en su lugar, la pintura es aplicada de manera plana, opaca, creando un fuerte efecto gráfico que parece producido en masa. Esto se debió a que quería mantener la mano del artista invisible, y el uso de una lengua demótica, universal, que podría ser entendido por todos, no sólo para los iniciados que sabía sobre el arte “fino”. Muy apropiadamente, su primera contribución a una exposición, en 1918, era un cartel. 

Nuits D’Adie / Fox – Trot. cubierta de la partitura (1925)

A diferencia de los anuncios, que quieren transmitir un mensaje directo, sus pinturas contienen un mensaje enigmático y ambiguo. Los cuadros de Magritte, que tan a menudo cuentan con el dorso de las cabezas o figuras envueltas en tela, son acerca del ocultamiento. Magritte escribió una vez de su “determinación de hacer que los objetos más familiares griten”. Si los anuncios son una serenata o canturreo, los cuadros son más como un grito silencioso.

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Fotografía, René Magritté

“Detesto mi pasado y el de otros. Detesto la resignación, la paciencia el heroísmo profesional y los sentimientos obligatoriamente bonitos, También detesto las artes decorativas, el foclore, los anuncios, las voces comunicando anuncios, el aerodinamismo, los boy scouts, el olor a naftalina, los acontecimientos del momento y la gente borracha”

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

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La recopilación aleatoria de odios, sin relación ni otro fin que el de manifestarlos, también es una pista sobre la continua confusión que siempre cultivó con sus obras. Cuando se veía arrinconado y forzado a hablar de su arte mostraba disgusto, aburrimiento y cansancio, actitudes fingidas que escondían sus deseos de trastornar con cada lienzo la normalidad, desordenar los escenarios comunes, las convenciones, la lógica más básica que controla el modo que tenemos de ver las cosas, entregarse al absurdo.

Evitaba que lo llamaran artista y se describía como un hombre que piensa y que comunica sus pensamientos ilustrándolos. No había cosa que más le irritara que el intento de los críticos por analizar su obra en búsqueda de símbolos y significados ocultos. Su idea del éxito era que los cuadros carecieran de cualquier explicación que valiera para satisfacer la curiosidad del espectador.

No le interesaba dibujar jeroglíficos.

Cuando alguien intentaba teorizar sobre sus pinturas, él sólo tenía una contestación posible para dar a entender que no había pretendido nada: “Eres más afortunado que yo”.

Fotografía, René Magritté

CAPÍ TULO

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“El arte de la pintura es un arte del pensamiento, cuya existencia pone de manifiesto la importancia que tienen en la vida los ojos del cuerpo humano”.

El hijo del hombre (1964)

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OBRAS P R I N C I PA L E S Magritte siempre fue muy independiente, manteniendo sus ideas y principios artísticos por encima de modas o intereses grupales.

En sus cuadros es muy habitual ver juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones; además, Magritte manipulaba imágenes cotidianas como un juego con el que explorar los límites de la percepción. Más que las disquisiciones teóricas y el automatismo de los surrealistas del grupo de París, a Magritte le interesan la ironía, la subversión de los valores ópticos de la pintura tradicional y los juegos de palabras. Sus cuadros, por lo general, carecen de la complejidad, el dramatismo o la apariencia convulsa de otras obras surrealistas, y presentan a menudo guiños o referencias a la pintura tradicional. Le son comunes a los otros surrealistas, sin embargo, la apariencia onírica de sus cuadros, el gusto por la “imagen doble” o la imagen fragmentada, y la ironía iconoclasta.

Una de las obsesiones o motivo recurrente en su pintura es el encuentro de contrarios, de realidades contrastantes que se unen, resultando paradójicas y extrañas. Así, paisajes nocturnos iluminados por cielos claros con nubes (serie El imperio de las luces), botas que tienen la apariencia de pies descalzos, pesadas rocas o bolas de metal flotando ingrávidas en el aire...

Fotografía, René Magritté

Fotografía, René Magritté

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Esto no es una pipa, René Magritté

1. La traición de las imágenes (1929). “La inteligencia de la exactitud no impide el placer de la inexactitud”, decía el artista a finales de los años veinte. En su misión de despojar al pensamiento del disfraz del lenguaje, pintó en 1929 La Trahison des images. Bajo el dibujo nítido y realista de una pipa de fumar escribió con letra de caligrafía escolar Esto no es una pipa: con un método infantil Magritte despojó de convenciones semánticas a una representación que no es el objeto, pero que de manera trivial todo el mundo acaba aceptando que lo es.

“La famosa pipa. ¡Cómo me la reprocharon! Y sin embargo, ¿podrías rellenarla? No, es sólo una representación. ¿No es así? Si hubiera escrito en mi cuadro ‘Esto es una pipa’, ¡hubiera estado mintiendo!”, dijo a su amigo y asesor jurídico, el abogado y coleccionista de arte Harry Torczyner. Los límites del lenguaje obsesionaron al pintor, que en los años siguientes repitió el experimento con obras como La clef des songes (La llave de los sueños) que mostraban galerías de objetos nombrados con palabras erróneas

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34 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE El hijo del hombre es quizá la obras más iconica de Magritte, pintada en 1964 como una suerte de autoretrato.

Este cuadro surrealista muestra a un hombre usando un sobretodo negro y sombrero de bombín, parado delante de un pequeño muro blanco, con el mar y el cielo nublado de fondo.

La cara del personaje no se ve porque está tapada con una manzana verde flotante.

Sin embargo, se puede apreciar los ojos del hombre al borde de la fruta, y el brazo izquierdo, que parece doblarse hacia atrás.

Magritte dijo que la pintura simplemente nos mostraba acerca de la humanidad, y que todo lo que vemos esconde otra cosa que queremos ver, pero que está oculta por lo que vemos.

Para él siempre hay cierto interés en lo que está escondido y lo que no nos muestra lo que está visible. Por lo que, se entra en una suerte de conflicto interno entre lo visible que está presente y lo visible que está oculto.

En este sentido, la cara del hombre se esconde parcialmente con la manzana. Entonces, se tiene la cara aparente, el objeto que oculta lo visible, y la cara de la persona. Es decir, dos realidades de una misma cosa.

La pieza mide 116 cm por 89 cm, es de óleo sobre lienzo y no puede verse en ninguna exposición porque es de propiedad privada. De igual manera, se han hecho miles de reproducciones en distintos formatos que pueden ser fácilmente adquiridas.

Se dice que en octubre de 2011 la pintura original fue vista colgada en un salón de LHotel, localizado en la vieja parte histórica de Montreal, Canadá.

El hijo del hombre (1964)

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Los amantes, René Magritté, 1928.

Dos personas protagonizan este bello lienzo. Sus identidades están ocultas tras dos velos húmedos que les tapan la cara. Sabemos que son un hombre y una mujer por sus vestimentas y suponemos que son pareja porque se están besando. Poco nos ayuda el fondo a concretar la escena. Están bajo techo, se ve parte del mismo y de la escayola que lo adorna, pero el hecho que una pared sea granate y el fondo azul cielo, hace plantearse si es otra pared pintada de diferente color o si simplemente están bajo techumbre pero abiertos al exterior.El pintor belga René Magritte, padre de Los Amantes, logra llamar la

atención del público por las telas húmedas cubriendo los rostros de los protagonistas y por los colores duros del lienzo. Hay un predominio del granate, azul y negro, destacando el blanco por encima de todos para subrayar el efecto mojado de las telas que los cubren.

Magritte tituló Los Amantes a dos obras diferentes, en las que aparecen los mismos protagonistas y con las mismas ropas. Pero, siempre hay un pero, los dos trabajos difieren por dos razones: el fondo, paredes y techo.

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Los amantes, René Magritté, 1928.

René Magritte pintó Los Amantes en 1928, dieciséis años después de que su madre se suicidase tirándose al río Sambre. Parece que no, pero esta información es muy importante para entender el significado del cuadro.

Magritte tituló a su obra Los Amantes y los retrató besándose sí, de esto no hay ninguna duda, pero como no es oro todo lo que reluce, no todos los amantes se aman ni todos los besos simbolizan amor.

Muchas teorías han rondado esta obra a lo largo de los años: amor secreto, dos desconocidos que se gustan sin verse ni olerse, enamorados que tienen que esconderse de la sociedad..y otras tropecientas historias más. Pero ninguna se acerca ni lo más mínimo

a las intenciones que tenía el pintor belga al retratar a dos personas con una tela húmeda besándose.

René Magritte siempre tuvo grabado en sus retinas el momento en el que sacaron el cadáver de su madre del río, con la camisa húmeda cubriéndole el rostro.

De ahí los trapos húmedos entre los rostros de los amantes de su obra. Simplemente es el recuerdo que tiene un adolescente Magritte de cómo terminó el suicidio de su madre en el Samble.

Un beso de amor es el sabor de la persona besada, el olor y, como no, el contacto de las lenguas o simplemente de los labios. El trapo húmedo de Magritte destruye cualquier idea de beso al prohibir a los protagonistas de sensaciones.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Golconda, René Magritté, 1953.

Golconda (1953) es una lluvia —o una elevación, según se mire— de hombres con abrigo negro y bombín, similares a Magritte, en un entorno urbano también parecido al del pintor en Bruselas.

A partir de los años cincuenta, el pintor se sumergió en la poesía de las escenas, alejándose de teorías sobre las palabras y los objetos. Al contrario que otros autores surrealistas, no buscaba escándalos, no le gustaba dejarse ver y se ocultaba en la normalidad de la rutina diaria, sin estridencias ni sobresaltos, volviéndose invisible para el mundo real, cuyas normas básicas de coherencia él no compartía.

Seguiría esa senda hasta su muerte, a causa de

un cáncer de páncreas, a los 68 años.Golconda se refiere a una ciudad de la India, ahora abandonada, que en el siglo XIII fue conocida por sus minas de diamantes. El extraño título del cuadro no fue idea de su autor, sino del poeta surrealista Louis Scutenaire, que lo visitaba todos los domingos y bautizaba las obras animado por el artista. Curiosamente, Scutenaire murió tras ver un especial en televisión dedicado a su amigo, el 15 de agosto de 1987, el día que se cumplían 20 años de la muerte de Magritte.

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The red model René Magritté, 1934.

El modelo rojo (1935). El pinto siempre usó su arte para poner a prueba la realidad: en los años treinta fue abandonando su fijación por la relación entre el lenguaje y la imagen y comenzó a estudiar la transformación de los objetos, creando situaciones en las cuales el significado entraba en crisis. Se valía del aislamiento para librarlos de la función original, de la modificación para otorgarles propiedades que no tienen, cambiaba su escala habitual.

Le Modele Rouge es un ejemplo de hibridación, una de las técnicas con las que jugaba el artista. En la obra, unos pies humanos se convierten en zapatos. “El problema de los zapatos demuestra cómo lo más primitivo pasa a aceptarse a base del hábito”, dijo el artista durante una charla en 1938.

La unión del pie con la bota de cuero se presenta en la realidad como una monstruosa combinación y sin embargo en ambos casos se trata de piel.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

La evidencia eterna (1930). Magritte realizó este juego visual tras volver de París a Bruselas.

En la capital francesa se relacionó con André Breton y las primeras figuras del surrealismo parisino, pero las tensiones personales con aquel y el coste de la vida lo devolvieron a Bélgica.

Con L’Evidence éternelle, el pintor demandaba la atención del espectador para completar el motivo del cuadro, pero con un método muy diferente al empleado en la pintura abstracta. La modelo es su mujer Georgette, fragmentada en cinco óleos.

El precedente de esta pintura, que bien podría verse como una escultura en dos dimensiones, se encuentra tal vez en el cuadro Tentative de l‘ impossible (Intentando lo imposible), dos años anterior, en el que Magritte se retrata creando a Georgette en carne y hueso, dando pinceladas a un brazo inacabado.

La evidencia eterna, René Magritté, 1930.

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40 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

El espejo falso, René Magritté, 1928.

Estamos ante un lienzo (54 x 81 cm) pintado al óleo en el año 1929 por el artista belga René Magritte, uno de los artistas más reconocibles dentro de movimiento surrealista que se dio en la primera mitad del pasado siglo XX y generó obras tan valoradas como Esto no es un pipa, o tan emblemáticas como todos sus lienzos protagonizados por siluetas y bombines.

Y dentro de toda la producción pictórica de Magritte, posiblemente otra de sus obras más famosas, sea esta que mostramos aquí de El falso espejo. No solo por el valor artístico del lienzo sino que además hay que sumar que en la actualidad es una de las joyas del arte contemporáneo que se exponen el Museum of Modern Art, el MoMA de Nueva York. Y lo cierto es que la fama y el valor de las obras de arte puede

incrementarse enormemente dependiendo del museo que es propietario de ellas.Bien, volviendo al cuadro. Vemos un enorme ojo. Un ojo que contempla al espectador.En la zona izquierda de la tela, vemos la parte interior del ojo con unas cualidades muy físicas y anatómicas, fijaros en la acuosidad del lagrimal. Y sin embargo, esa parte del lienzo contrasta de manera brutal con el otro extremo, totalmente perfilado, sin detalle alguno. Y entre ambos laterales, tan distintos entre sí aparece como colgando una pupila mate y negra, que como si se tratara de un sueño está flotando sobre un cielo con nubes. Todo el iris es ese cielo, pero al mismo tiempo nos recuerda la forma tridimensional y convexa, mientras que la imagen del cielo es totalmente plana.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

La magia negra, René Magritté, 1945.

La magia negra (1945) - Magritte tenía 15 años cuando conoció a Georgette Berge, entonces de 13, en el tiovivo de Charleroi, su ciudad natal, en Bélgica, y ya nunca la olvidó. Cuando siete años después, se encontraron casualmente en Bruselas, se enamoraron en seguida y al poco tiempo se casaron. Desde entonces Magritte la pintó una y otra vez durante 50 años. Este cuadro revela la admiración que Magritte sentía por su mujer, a la que representa como estatua griega. Apartado el rostro con los ojos cerrados, ella se funde suavemente con el mar y con el cielo, como si fuera el universo entero del pintor.

La condición humana, René Magritté, 1935.

La condición humana (1935) - El pintor describió esta obra en una conferencia dada en 1938: “Delante de una ventana vista desde el interior de una habitación, coloqué un cuadro que representa exactamente la parte de paisaje tapada por el mismo cuadro [...] Para el espectador, la imagen se encuentra en el interior de la habitación, sobre el cuadro, y al mismo tiempo, conceptualmente, en el exterior, en el paisaje real”. Magritte empleó un artificio parecido en muchas de sus pinturas, para convencernos de que vemos el mundo por ventanas que están ante nuestros ojos, y de que cada vez lo percibimos de manera distinta.

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La página en blanco, René Magritté, 1967.

La página en blanco (1967) - Magritte plasmó esta imagen de belleza y serenidad cuando enfermó de cáncer, mal del que habría de morir en pocos meses. Unas casas se extienden bajo un firmamento estival en las afueras de la ciudad, la luna llena enmarcada por una guirnalda de laurel. Pero el disco lunar colocado delante de las hojas, y no detrás, nos desconcierta y nos recuerda que nunca hay que dar nada por sentado. Apropiada declaración final para el pintor de lo inesperado

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

El amigo del orden, René Magritté, 1964.

El amigo del orden (1964) - En 1926, Magritte pintó por primera vez un hombre con un bombín, símbolo de la respetabilidad burguesa, y a éste siguieron otros, generalmente con aire taciturno y solitario. En los años 50’s, la figura se fue volviendo cada vez más misteriosa, y a menudo quedaba reducida a silueta, como en este caso. En el último decenio de su vida, el tema, hasta entonces solo uno entre muchos, se convirtió en obsesión. ¿Acaso el hombre del bombín era Magritte? El pintor usó durante años el mismo traje y el mismo sombrero, y exceptuando su amor por Georgette, cada día se volvía más solitario. Sin embargo, así como a través de la silueta vemos un paisaje bañado por la luz de la luna, en la obra de Magritte descubrimos el imaginativo mundo interior que lo liberaba.

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CAPÍ TULO

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« El surrealismo es revolucionario ya que es enemigo irreductible de todos los valores ideológicos burgueses que retienen al mundo en las horribles condiciones actuales. ».

Fotografía René Magritté

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TEMAS RELACIONADOS DOCUMENTAL El documental de René Magritte que te hará contemplar la belleza e intriga del surrealismo En 1978 el director de cine Adrian Maben llevó su interés por la vida y obra del gran surrealista René Magritte a las pantallas, en el documental “Monsieur René Magritte”, una producción de 50 minutos en la que narra de voz propia los resultados de la exhaustiva investigación que se realizó sobre el pintor.

René Magritte es uno de los máximos expositores del surrealismo. Logró encontrar y demostrar que existe un mundo mágico y onírico más allá de los objetos cotidianos que se convierten en fantasmas de nuestros días. Este gran pintor mostró desde temprana edad que poseía el talento para ver más allá de lo común: “En mi infancia, me gustaba jugar con una niña en el viejo cementerio abandonado […]. Visitábamos las criptas subterráneas de las que podíamos levantar las pesadas puertas de hierro y salíamos a la luz, donde un artista, llegado de la capital, pintaba en un ala del cementerio, muy pintoresca, con sus columnas de piedras rotas cubiertas de hojas muertas. El arte de pintar me parecía entonces vagamente mágico, y el pintor, dotado de poderes superiores”.

Fotografía René Magritté

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Lo que distingue a Magritte es que generalmente utiliza objetos conocidos por todos, dándoles un trato y enfoque distinto, en situaciones poco usuales o fuera de su contexto regular. El artista nombró a esta descontextualización como: ‘desubicación a su máxima eficacia’, por el desconcierto que provoca en el espectador y que hace de su obra tan única.

Con respecto a esto, él comentaba que consistía en: “El extrañamiento de los objetos: una mesa sobre el banco de hielo, la bandera en el estiércol.

Convienen que la elección de los objetos que desubicamos afecte objetos familiares con el fin de dar a la desubicación su máxima eficacia” Todo aquello que rodeaba los procesos creativos y las obras de este artista fue lo que inspiró a Adrian Maben para llevar a cabo esta grandiosa investigación y obra fílmica sobre el célebre pintor.

Algo que convierte al documental en una verdadera obra maestra, es la banda sonora, ya que estuvo a cargo de Roger Waters (bajista y vocalista de la banda británica Pink Floyd) y de Béla Bartók (célebre compositor y pianista húngaro).

Fotografía René Magritté

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PUBLICACIONES

René Magritte, filosofía en forma de pipa Una exquisita puesta en escena de un centenar de obras de René Magritte acerca el imaginario del espectador a la íntima relación que el artista belga mantuvo con la filosofía a lo largo de su vida. El surrealismo invade el Centro Pompidou de París desde el 21 de septiembre con la exposición Magritte: la traición de las imágenes, un privilegiado paseo por los interrogantes que marcaron el rumbo de su pincel a lo largo de los años.

Las sombras de Magritte, así como sus palabras, sus llamas, sus cortinas y sus cuerpos fragmentados, responden en realidad a diferentes contextos que el museo ha presentado en cinco salas en forma de genealogías. La exposición despliega ante el espectador un eco continuado entre los supuestos filosóficos a los que el artista se enfrentó a lo largo de su vida y la interpretación que él realizó de éstos a través de la pintura. A pesar de las enemistades que su insistencia crearía a su alrededor, Magritte estaba convencido de que su pincel sería capaz de filosofar como lo hacían sus contemporáneos poetas a través de las palabras. Y no se equivocaba.

‘¿Quién puede fumarse la pipa de mi cuadro?’

La misión de Magritte no era otra que despojar a sus pensamientos del corsé del lenguaje, una atmósfera recreada a la perfección en la segunda sala que el Centro Pompidou ha reservado al artista, llamada Las palabras y las imágenes. En ella hallamos La traición de las imágenes (1929), obra con la que deshumanizó el objeto dibujado de su representación semántica. En realidad, este cuadro es la prueba irrefutable de la batalla que Magritte libró para que se reconociese la dignidad intelectual de su arte. “¿Quién podría fumar la pipa de mi cuadro ? Nadie. Entonces, no es una pipa”. Se trata también de la respuesta pictórica que el artista belga da a una frase pronunciada unos meses antes por André Breton y Paul Eluard: “La poesía es una pipa”.

Es el fruto de la frustración que Magritte había experimentado frecuentando en París, en 1927 al círculo de poetas surrealistas franceses. Durante dos años, vivió en primera persona el desprecio de su obra en las reuniones de la corriente artística de la que él sentía formar parte, a pesar de la condescendencia de sus contemporáneos.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE En escasos minutos, esta exposición se convierte en una inusual búsqueda de la reivindicación que Magritte convirtió en la obra de toda una vida. El espectador se descubre a sí mismo en busca de esos motivos que el artista belga repitió sin descanso a lo largo de los años: sus sombras, sus cortinas, sus llamas, son en realidad el equivalente a las frases que los poetas surrealistas repetían sin cesar para expresar sus ideas.

Magritte tiene su propio diccionario. Un vocabulario plástico que el visitante de esta exposición encuentra sin cesar, como un hilo conductor de su insistencia por elevar la pintura a la altura de la poesía surrealista La tercera sala, La invención de la pintura, sitúa a la obra de Magritte como un eco a la lectura del capítulo que Pline L’Ancien dedicó al arte en su enciclopedia Historia Natural.

De este texto, el surrealista belga retuvo tres elementos que se multiplican sin descanso a lo largo de la exposición: la silueta, la sombra y la vela. La huella del deseo amoroso que Pline L’Ancien asignó al nacimiento de la pintura fue para Magritte una fuente de inspiración a la hora de interrogarse sobre la capacidad de este arte a restituir lo real.

Dando rienda suelta a la luz y las ilusiones ópticas, el pintor belga nos lleva hasta su Principio de Incertidumbre, en el que la sombra de una mujer se convierte en un pájaro. “No podemos decir con certeza, tomando la sombra de un objeto, lo que el objeto es en realidad”.

Es un grito más en su lucha por mostrar el gran abismo que existe entre una imagen y lo que se supone que ésta debe representar.

Otro de los cuadros presentes en esta sala

de la exposición, ‘Intento de lo imposible’, insiste en esta idea con la representación de un pintor terminando de dibujar el cuerpo de una mujer, a la que todavía le falta un brazo..

En este periplo filosófico no podía faltar una alusión a Platón y su Alegoría de la caverna, que Magritte tomó prestado en numerosas ocasiones para representar la locura de todo lo que creemos real. En esta cuarta sala y por separado, el artista somete su pincel al fuego, la cueva y las luces, como se aprecia en La bella cautiva (1950) o El descubrimiento del fuego (1934). La quinta y última parada de este viaje al imaginario de Magritte está exclusivamente dedicada a las cortinas como motivo por excelencia a la hora de crear un ilusionismo pictórico. El trampantojo de Magritte es, en realidad, su interpretación de una frase de Cicerón a propósito de la belleza: “No creyó ser capaz de descubrir en un modelo único todo su ideal de belleza perfecta, porque la naturaleza no ha realizado la perfección absoluta en ningún individuo”.

Parafraseando pictóricamente a Cicerón, el surrealista representa la belleza fragmentada puesta en escena a través de la armonía, como apreciamos en obras tan célebres como La Decalcomanía (1966).

Esta exposición, abierta al público hasta el 23 de enero de 2017, permite, además, acercarse a los pensamientos de René Magritte gracias al préstamo de algunas de las cartas que intercambió con los filósofos Michael Foucault y Alphonse de Waelhens durante la década que precedió a la muerte del surrealista belga.

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50 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

La infancia y la adolescencia de Magritte estuvieron marcadas por la inestabilidad de constantes mudanzas, un opresivo ambiente familiar y el trágico suicidio de su madre, cuando él tenía 14 años. Fue su padre quien lo motivó a cultivar la pasión por el dibujo y la pintura que ya mostraba desde temprana edad. Siendo alumno en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, surge en él una inquietud innovadora que caracterizó su producción en el futuro.

René Magritte empezó a ganarse la vida dibujando carteles y anuncios publicitarios, así como ilustraciones para portadas de partituras. A lo largo de su vida, cuando las pinturas no se vendían bien, retomaba esta actividad. Durante la década de 1920 inició la definición de un estilo propio. Por un lado, el futurismo le produjo un gran impacto y, por otro, el músico Édouard Léopold Mesens le contagió su interés por el Dadá, especialmente por Eric Satie y Tristan Tzara, cuyos métodos anárquicos consistían en ridiculizar lo absurdo del mundo moderno. En 1922, junto con Victor Sevranckx, primer pintor abstracto belga, Magritte escribió un manifiesto sobre arquitectura y escultura: “Arte puro: en defensa de la estética”, el que nunca fue publicado, pero que lo perfilaba como artista de vanguardia.

Es determinante, también, la revelación que le provocó la obra de Giorgio de Chirico, Canción de amor (1914), ya que lo condujo al abandono del entusiasmo inicial por el futurismo, el cubismo, el purismo y la

abstracción, para volcarse definitivamente hacia el surrealismo. Se convenció de que el papel del pintor es revelar lo que el mundo es, o en su defecto, el misterio de aquello que contiene. Esta nueva postura encontró eco en la obra de Max Ernst y André Derain, así como en los experimentos de Pablo Picasso y la actividad “anti-arte” de Marcel Duchamp.

Aunque a René Magritte se le considera parte del grupo surrealista francés encabezado por André Breton en París, el verdadero círculo intelectual que frecuentó fue el conformado hacia 1926 por Mesens, el crítico y marchante Camille Goemans y los escritores Marcel Lecomte, Paul Nougé, Louis Scutenaire y su esposa Irène Hamoir.

Las ideologías afines entre los llamados surrealistas belgas, fueron expresadas en numerosas publicaciones producidas a lo largo de su activismoWW El ideario pictórico de Magritte, sintetizado en Les mots et les images (Las palabras y las imágenes, publicado en 1929 en París), lo diferencia del resto de los surrealistas, al acusar su interés por pintar motivos en directa relación con el mundo visible y no con el imaginario de los sueños y el automatismo. La célebre pintura La traición de las imágenes (Esto no es una pipa), creada ese mismo año, es la culminación plástica de las teorías allí expuestas..

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

MISTERIOS

POÉTICOS

DE

LA

FOTOGRAFÍA

Los surrealistas encontraron en la fotografía un valioso medio de experimentación y expresión plástica. Artistas como Man Ray, desarrollaron innovadores procedimientos técnicos que alteraban y descontextualizaban lo fotografiado, creando representaciones enigmáticas que cuestionaban el carácter literal de la imagen fotográfica.

Si bien Magritte pensaba que la fotografía no era capaz de producir misterio, no resistió la tentación de experimentar con ella, produciendo una serie de imágenes en las que involucró a sus amigos. Personajes de espalda, retratos grupales, disfraces, sombras y fotografías dentro de las fotografías configuran escenas poéticas y complejas a cuyo sentido no podemos acceder por completo. Éstas ponen en evidencia una reflexión sobre los límites del significado y el potencial simbólico del medio.

Este conjunto documental se puede dividir en tres grupos. Parte fundamental de su acervo está configurado como un álbum familiar en el que el artista aparece inmerso en actividades cotidianas o recreativas, acompañado de su esposa y otros seres cercanos. Además de permitirnos deducir su estilo de vida, éstas nos muestran su particular costumbre de vestir con elegancia, incluso mientras pintaba, a diferencia del estilo bohemio de sus colegas. Por otro lado, en la serie en la que se retrata posando frente a sus obras, Magritte busca evidenciar su oficio a partir de composiciones cuidadosamente planeadas.

La presencia de ciertos elementos teatrales y simbólicos refieren, directamente, al contenido intelectual y filosófico de su pintura.

En otro grupo, Magritte aparece en los distintos escenarios frecuentados por su círculo intelectual más inmediato: Paul Nougé, Paul Colinet, Marcel Lecomte, Louis Scutenaire e Iréne Hamoir, escritores que conformaban el grupo surrealista belga, el que se constituyó con una fuerte conciencia e identidad locales, desarrollando diversas publicaciones y promoviéndose unos a otros.

Las indagaciones de Magritte se extendieron también al cine. A partir de 1932, comenzó a experimentar con la técnica cinematográfica junto a Nougé. Asimismo, su figura fue motivo de inspiración para varios cineastas.

En 1942, Robert Concriamont realizó la filmación Rencontre de René Magritte; y en 1959, el Ministro de Educación belga encargó al etnólogo Luc de Heusch el filme La leçon de choses, en el que el artista, rodeado una vez más por sus colegas, habla de manera relajada sobre su obra y su teoría de la representación y la pintura. En esta sala se incluyen fotografías fijas de la cinta.

https://culturacolectiva.com/arte/ rene-magritte-el-rebelde-burgues/

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52 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

René Magritte, “La condición humana”. Óleo sobre tela, 1935 En un recinto luminoso, se abre una puerta con un arco de medio punto viendo al océano desde una playa. En este recinto hay un caballete con un cuadro en el que se puede ver pintada la continuación del paisaje, como una prolongación del mismo. Una enigmática esfera de tono oscuro está posada sobre el piso de color azafrán y muy cerca del umbral de la puerta. Hay en esta pintura un silencio casi absoluto, dentro del cual ni siquiera las olas del océano emiten un lejano sonido.

Sin embargo, a pesar del silencio, la imagen despierta una profunda turbación y extrañeza.

El título es enigmático: La condición humana y cuando lo interpretamos nos surge una pregunta: ¿a qué condición se refiere esta imagen? o bien, ya presos de cierta angustia: ¿qué quiere decir esto? Si nos atenemos a que Magritte por la época en que pintó este cuadro había estado asociado cercanamente al grupo de los surrealistas podríamos contestar: “no quiere decir nada, absolutamente nada”. Pero este artista era quizás el más surrealista de todos, o tal vez el menos dogmático del grupo. Su preocupación giraba en torno a la comunicación que establecían las imágenes y en este sentido resultan siempre ambiguas, pero nunca carentes de sentido. Un sentido que es demasiado sutil para interpretarlo de un solo vistazo. https://educacion.ufm.edu/rene-magritte-la-condicion-humana-oleosobre-tela-1935/

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

¿Es posible proyectar nuestras propias angustias y miedos en este cuadro? depende de nosotros y de nuestras carencias o excesos. Por supuesto, no pueden faltar sensibilidades poco desarrolladas a las que les parezca todo esto ridículo y carente de sentido, dan media vuelta y se olvidan de la imagen; a ellos no está dirigido este texto.

Para interpretar a un artista como Magritte se necesita poseer la cualidad de cuestionar todo, incluso lo que estamos interpretando como evidente. Magritte nos engaña con su técnica hiperrealista, la cual permite que creamos estar viendo algo conocido y común, pero si somos cuidadosos no deja de desconcertarnos ese lienzo que aparece en el caballete. Parece una ventana que amplía más el horizonte, el cual aparece constreñido entre los límites de la puerta. No es una ventana, es una pintura en la cual se representa el paisaje como una prolongación del mismo, es decir, es una mímesis de lo que está afuera del recinto. El mar está vacío, también el cielo y en la playa no hay nada, por consiguiente no es una pintura representativa de ninguna anécdota o en todo caso una historia. Aquí aparecen solo cuatro protagonistas: el paisaje, el recinto, la pintura y la bola oscura.

Pero si nos limitamos a esta cuantificación dejamos de lado un quinto elemento: nosotros, que somos los que estamos viendo la pintura. ¿Quiénes somos nosotros? ¿Quién soy yo? Y con estas preguntas empieza el cuestionamiento que nos llevará, si somos lo suficientemente perspicaces, a la respuesta que plantea este desconcertante cuadro..

Una clave está en el título: La condición humana. ¿Es que acaso somos lo suficientemente humanos para cuestionar nuestra propia interpretación del mundo? La respuesta es que eso depende de nuestra propia condición: ¿Somos una ventana o solo somos una imagen que creemos que es una ventana? Por otra parte, siguiendo el mismo patrón podríamos preguntar: ¿somos el mundo o creemos que somos solo una representación de él? Y finalmente: ¿qué demonios significa esa bola?

Todas las preguntas que pueden surgir plantean la misma problemática acerca de lo que es nuestra propia identidad y el sentido que le damos a lo que creemos ver. Pero no nos confundamos, en este cuadro no hay ningún discurso moralista, ni tampoco ningún señalamiento acerca del destino o el pasado, no hay planteamientos metafísicos.

Es desconcertantemente ambiguo y está plagado de ironía.

René Magritte nació en Lessines, Bélgica, en el año de 1898. Era hijo de un sastre y comerciante de telas y su madre padecía de serios problemas psicológicos que al final la llevaron a suicidarse en 1912, cuando René tenía trece años. Su primer aprendizaje en arte lo realizó en la Escuela de Châtelet para después, en 1916, inscribirse en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde permaneció hasta 1918. Sus primeros cuadros muestran la influencia de las distintas vanguardias que por ese entonces estaban en boga, sobre todo el cubismo y el orfismo. que fue un precedente del surrealismo.

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54 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

La obra La Belle Société del artista belga René Magritte, se exhibirá en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) compartiendo espacio con las composiciones de Joan Miró o Juan Gris. Se trata de un cuadro que Fundación Telefónica presta al museo, y que se enmarca dentro del proyecto ‘La pieza invitada’, un programa que busca acercar al público obras temporalmente prestadas por otras instituciones.

La Belle Société fue pintada por Magritte poco antes de morir, y se trata de una superposición de dos siluetas de un mismo personaje, en la que se sustituye la imagen de un hombre por contornos que contienen motivos naturales y paisajísticos.

Esta obra original y vanguardista acompaña a las obras de la Colección de Arte del Siglo XX; y se exhibe junto a las piezas más relevantes del MACA, como Kiki de Montparnasse de Pablo Gargallo, lienzos y esculturas de Julio González o compartiendo el espacio vanguardista entre los Miró, Juan Gris, Calder o Angel Ferrant.

La libertad y la expresividad de René Magritte: Nacido en 1898, Magritte estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Allí experimentó con el constructivismo y realizó sus primeras obras de juventud, relacionadas con el mundo de la incipiente publicidad. En los años veinte se interesó por el fotomontaje y el collage, técnicas al servicio del juego y lo irracional.

En 1927 se instaló en París y allí se relacionó con André Breton, Paul Éluard y el grupo de los surrealistas franceses. Sin embargo, fue

h t t p s : / / w w w. f u n d a c i o n t e l e f o n i c a . c o m / e x p o s i c i o

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

el pintor italiano Giorgio de Chirico quien más influencia ejerció sobre su manera de entender el cuadro, ese espacio irreal donde los objetos tienen la presencia misteriosa de lo metafísico, corriente tan próxima a lo surreal.En La Belle Société, pintada por el artista poco antes de morir, se recoge uno de sus motivos más célebres: el hombre tocado con un bombín y sin rostro, que a menudo ha sido interpretado como alter ego del propio Magritte. La siluetas actúan como si fuesen dos ventanas hacia la realidad exterior; quizás se observen entre ellos, quizás haya una perpetua conversación entre dos tipos de naturaleza diferentes que no llegan a entrelazarse.

Su interés por el lenguaje le llevó a explorar la relación entre el contenido de las palabras y sus significantes y referentes visuales: Magritte cuestiona las asociaciones convencionales y provoca extrañeza donde normalmente no la había. Pone en entredicho el sentido común de la lógica e infunde un nuevo contenido a las formas, ya que los objetos no se representan a sí mismos.

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El gusto de Magritte por psicoanalítico le llevó a dibujar con líneas seguras, limpias y simples, y con formas sencillas en aras de la libertad y la expresividad de su pensamiento. Así explicaba Magritte su concepción de la pintura: “La imagen pintada es, de una parte, la descripción del mundo visible modificado por una manera de pensar, o bien por otra parte, la imagen pintada es la descripción del mundo visible comprendido de una manera espontánea”.

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56 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

La obra La Belle Société del artista belga René Magritte, en cuyos cuadros las cosas pasan al revés y llueven señores con bombín, generó un millar de lienzos con trampantojos líricos que, además de consagrarle como un maestro de la pintura surrealista, funcionan razonablemente bien como remedio contra la mundanal rutina.

Pero su muerte, de la que en 2017 se cumplen cincuenta años, dejó sin resolver el misterio de una doble vida que cultivó con esmero: la de artista nostálgico que pinta manzanas o huevos para burlarse del orden establecido y la de hombre anodino de clase media que viste de traje y corbata, sale poco y dedica su tiempo a trabajar. Paradógico y anarquista “Magritte era paradójico.

Un joven anarquista e inconformista que en su madurez sigue siendo rebelde en sus ideas, pero no en su vida” y “se fabrica un personaje”, explica a Efe Vincent Zabus.

Habla el guionista de un cómic que acaba de publicar en Bélgica la editorial Le Lombard, con una tirada de 15.000 ejemplares y un título que invita a dejarse atrapar por las contradicciones: Magritte. Esto no es una biografía.

Hace referencia a uno de sus lienzos más conocidos, en el que plasmó una fidedigna reproducción de una pipa de tabaco junto a la leyenda “Esto no es una pipa” (Ceci nest pas une pipe).

Cómic, René Magritté,1920.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Fotografía, René Magritté

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CAPÍ TULO

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« Existe un sentimiento familiar de la poesía. Por ejemplo, los turistas recorren enormes distancias. Esas experiencias poéticas que buscan, las traen con ellos, han estado siempre en sus mentes.

Las cosas corrientes y cotidianas nos permiten descubrir un tipo de poesía desconocida por completo. »

Georgette, René Magritté,1934.

60 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

M U S EO RENÉ MAGRITTÉ El Museo Magritte alberga la colección más grande de uno de los mejores artistas belgas del siglo XX. En el museo se exponen 250 de sus obras extendidas a lo largo de más de 2.500 metros cuadrados repartidos en varias plantas.

La fachada señorial de este palacio neoclásico del siglo XVIII es un gran contrapunto con las obras surrealistas que se exponen en su interior. En el museo se exponen 250 obras de las más de 2.000 que pintó el artista.

El Museo Magritte está dividido en tres plantas, cada una de ellas dedicada a un periodo diferente.

El recorrido comienza por la tercera planta, mostrando los comienzos del artista. Se trata de una época de aprendizaje en la que prueba diferentes estilos: expresionismo, pop-art o arte conceptual.

En la segunda planta, se exponen las obras del periodo menos conocido del artista. Se trata de las obras que creó en Bruselas durante la guerra. Por último, en el primer piso, se exponen sus obras más conocidas, como la “Sherazade” o el “Imperio de la Luz”.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

3º PISO / 1898 · 1929 : Periodo constructivista del artista y sus contactos con el grupo de los 7 arts, descubrimiento de la obra de Chirico y las primeras obras surrealistas.

2º PISO / 1930 · 1950 : Su labor en el campo de la publicidad, marcado por su acercamiento al partido Comunista belga. marginado por los zanis, Magritte trató de pasar desapercibido y se adentró en el denominado “surrealismo a pleno sol” 1º PISO / 1951 ·1967: Dedicada a las investigaciones de Magritte sobre al repetición y a las grandes imágenes magrittianas.

La visita finaliza con una sala de cine donde podrás ver algunas películas sobre el artista y otras que solía ver y le sirvieron de inspiración.

El Museo Magritte, a pesar de su corta vida, ya se ha convertido en uno de los principales reclamos turísticos de la capital europea. A pesar de ello y de su privilegiada ubicación en la Plaza Real, no nos parece una visita demasiado cautivadora para los que no estén interesados en un arte tan especial como es el arte surrealista.

Museo René Magritté, Bruselas.

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MUSEO MAGRITTÉ

El Museo René Magritte es un museo en Rue Esseghem en Jette, un municipio en Bruselas, Bélgica, dedicado al pintor surrealista belga René Magritte. El museo está ubicado en la casa donde Magritte vivió y trabajó durante 24 años, entre 1930 y 1954.

En la planta baja de la casa hay un departamento donde vivieron Magritte y su esposa Georgette, mientras que el primero y el segundo piso muestran la exposición biográfica.

Magritte y su esposa se mudaron en 1954 a un apartamento más grande en Schaerbeek, que, como ellos pensaban, estaba en mejor acuerdo con su estatus social. El testamento de la esposa de Magritte, sin embargo, indicó que la casa en Jette es la más importante para la biografía de Magritte.

En 1993, André Garitte, coleccionista de arte y fanático del surrealismo belga, compró la casa, la restauró, y en 1998, celebrando los 100 años de Magritte, el museo estuvo abierto al público. En 2009, el museo volvió a abrir después de una restauración extensa.

La primera parte abarca el período 1898-1929, en el tercer piso, con la etapa constructivista de Magritte y su contacto con el grupo de los “7 artes” (un conjunto de artistas canadienses

que pintaban paisajes). En esta zona se hace un recorrido de los primeros años de vida de Magritte y su formación como pintor. Luego sigue con el descubrimiento de uno de los artistas más influyentes en su carrera: Giorgio de Chirico, un pintor italiano que fundó la scuola metafisica, considerada como antecesora del movimiento surrealista.

En esta parte támbién se exhiben cartas del artista, artículos de revistas de la época y documentos relacionados a otros de sus colegas surrealistas, como André Breton, Paul Éluard y Louis Aragon. Entre 1927 y 1930, Magritte se involucró fuertemente en el movimiento. La segunda etapa que cubre los años 1930-1950, que se halla en el segundo piso, está marcada por la vuelta de Magritte a Bruselas. A causa de la crisis económica de los 30’s, el artista deja París y vuelve a la capital belga para crear sus “obras idiotas”, como él las llamaba; es decir, su trabajo en publicidad, que fue muy importante en relación al concepto de repetición que desarrolló durante su carrera.

Asimismo, en esta etapa Magritte entra en contacto con el Partido Comunista de Bruselas, aunque debe mantener un perfil bajo cuando irrumpe la Segunda Guerra

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Mundial y los alemanes ocupan Bélgica, ya que los nazis lo tenían “entre ceja y ceja”.

Así, rompe lazos con André Breton y sus otros compañeros de movimiento, y da comienzo a una etapa donde reversiona el surrealismo con toques de impresionismo (que podría llamarse denominarse su “Período Renoir”). Este cambio en su estilo tenía que ver con su sentimiento de abandono y su necesidad de mantenerse económicamente en un país ocupado y en el que era peligroso expresarse con ideas revolucionarias.es sobre el museo en Jette. Para el museo constituyente de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, vea el Museo Magritte.

Por último, la tercera etapa del Museo Magritte va desde 1951 hasta la muerte del artista en 1967. La misma es llamada “El Dominio Encantado” y está dedicada a su investigación acerca de la repetición de las imágenes. El recorrido termina en un minicine donde se pueden ver películas dedicadas a este genio surrealista y también algunas filmaciones hechas por el mismo Magritte.

Museo (Casa donde vivió) Magritté

A lo largo de toda la exhibición se muestran frases, a menudo citas textuales, que pertenecieron a Magritte. Muchas son geniales.

Acá podés ver todas y su ubicación en el mapa del museo (están también en español).

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64 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

MAGRITTÉ Y EL SURREALISMO BELGA. Magritte, Delvaux o Ensor son sólo algunos de los artistas bruselenses que abrazaron los principios del surrealismo, movimiento artístico que surge a finales de la Primera Guerra Mundial.

Aunque oficialmente nació en Francia en los años 20 del siglo XX como heredero del dadaísmo, el surrealismo adoptó su propio lenguaje en Bélgica de la mano de las mencionadas grandes figuras del movimiento.

El fracaso de dos grandes ideales justificaron su aparición: la internacionalización y el positivismo. Muchos de los artistas belgas estaban ligados a tendencias políticas consideradas subversivas –comunismo, trotskismo, maoísmo–, pero la Guerra Mundial acabó con el sueño de la revolución y de la construcción de un mundo más justo, cuyas clases trabajadores pudieran hacer frente al capitalismo. Ante tal desencanto, los surrealistas belgas buscaron la unión de lo real con de lo imaginario y lo expresaron a través de disciplinas artísticas como la escritura, la pintura, la escultura o el cine.

La primera gran figura del surrealismo belga fue René Magritte (1898-1967), pintor, escultor, diseñador, fotógrafo y cineasta. En la actualidad, es tal la importancia de Magritte en

Bélgica que tiene un museo propio y además existen rutas turísticas ligadas a su figura y a su obra. En establecimientos como el café La Fleur en Papier Doré o Le Greenwich aún es posible recrear la atmósfera inquietante que rodeaba sus encuentros con otros artistas mientras conversaban o jugaban al ajedrez.

En cuanto a su obra pictórica, podemos decir que sus primeros trabajos reflejan un Magritte influido por las obras impresionistas, aunque también se nota el conocimiento del cubismo, el orfismo, el futurismo y el purismo. El giro radical de su pintura se produce al descubrir ‘La canción de amor’, del italiano Giorgio de Chirico. Desde ese momento, Magritte se despoja de sus referencias anteriores y construye un estilo propio, muy descriptivo.

Se centra en expresar una realidad insólita y poética, en la que el título de la obra se convierte en una pista para resolver el enigma que plantea el lienzo. Creador del denominado “realismo mágico” en pintura, las obras de Magritte analizan las relaciones entre las palabras, las imágenes y los objetos que representan. Entre sus trabajos más representativos están las pinturas con motivos de manzanas, pipas de fumar, sombreros o siluetas dispuestas en un universo onírico.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Museo (Casa donde vivió) Magritté

Museo (Casa donde vivió) Magritté

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ARTISTAS INSPIRADOS EN RENÉ MAGRITTÉ.

Paul Delvaux: Un mito incierto La historiografía en muchas ocasiones actúa de forma dictatorial y clasifica a los artistas en lugares que no tiene todo el acierto que se presupone. A veces esta labor no es tarea fácil, puesto que hay muchos artistas que no responden a un solo lenguaje, o utilizan recursos de ese lenguaje para crear otro totalmente distinto. Esto da lugar a que éstos se encuentren bastante alejados de los manifiestos que rigen muchos de los movimientos artísticos, sobre todo los de las vanguardias históricas.

En este sentido, la consideración del artista Paul Delvaux (1897- 1994, Bélgica) como pintor surrealista, se encuentra sustentada por la historiografía oficial, pero si analizamos su obra sin el peso de ésta, su condición de surrealista se desvanece, poniendo en relieve lo incierto de este mito.

Para comenzar, decir que es innegable su vinculación con el ambiente del surrealismo belga, pero de la misma manera, habría que señalar que su conocimiento de este movimiento solo le sirvió para reafirmarse a sí mismo. El propio pintor nos habla su descubrimiento respecto a las propuestas formales del surrealismo, que le inspiraron un personalísimo y transgresor lenguaje que perdurará con él hasta su último lienzo:

“El surrealismo represento para mí la liberación y me fue por ello de una importancia extrema. Un día se me concedió la libertad de transgredir la lógica racionalista que, entonces y en cierto modo al menos, había presidido en mi acto de pintar, así como las relaciones entre lo que yo llamo los elementos, tanto en la naturaleza como en le cuadro. Una vez quebrantada esta lógica, las relaciones se muestran bajo una nueva luz tanto al nivel del espíritu como de la visión, surgiendo de repente la conciencia de otras relaciones mentales entre objetos y personajes.

Cuando me atreví a pintar un arco de triunfo romano con unas lámparas encendidas en el suelo, el paso decisivo estaba dado.

Fue para mí una revelación absolutamente extraordinaria, una revelación capital, el comprender que así desaparecería cualquier limitación a la inventiva…”

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

Es decir, el surrealismo solo le sirvió para quitarse los prejuicios y sus dudas a la hora de acometer el ejercicio de la pintura traspasando el pensamiento lógico. De esta manera, se dio cuenta que el espacio del lienzo era un lugar infinito para desarrollar su poética pictórica. Sin embargo, no se puede negar las influencias, por un lado, del espacio de la pintura metafísica de Giorgio de Chirico y por otro, del surrealismo conceptual de René Magritte en la pintura de Dalvaux, además de participar en la Exposition Internationale du Surréalisme organizada por André Breton. Pero pese a todo esto, no se le puede considerar un pintor surrealista, ya que su pintura no surge de un automatismo de la psiquis al margen de la razón, ni de los sueños, como se proclamaba en los postulados del particularísimo círculo de Breton. Al contrario, sus cuadros son fruto de su bagaje personal, de las imágenes de su infancia, de experiencias de vida, es decir, de una realidad vivida pero que transforma y desarticula en sus representaciones; dotándolas de un nuevo orden. No es una pintura de lo irracional, sino que parte de elementos reales pero para ir en búsqueda de la belleza y de lo emocional -que son los dos conceptos que rigen su pintura-, pero siempre con un resultado desconcertante y atemporal.

Delvaux tuvo desde pequeño una gran pasión por la arquitectura clásica y viajó a Roma para conocerla, algo que se convierte en una constante en su pinturaSus cuadros con trenes y estaciones surgen de sus viajes,

cuando de pequeño iba de vacaciones a casa de sus tías, así como la incesante aparición de lámparas que iluminan sus obras; también recuerdos de las lámparas de aceite que conoció en su infancia. La utilización de la arquitectura del hierro, los postes de la luz o las referencias a instalaciones industriales, así como el interés por lugares de la periferia, son elementos recurrentes en su obra.

Además, su interés por la biología le llevó a adquirir un esqueleto que tenía siempre en su estudio y que utilizaba como modelo para sus representaciones de esqueletos en movimiento siempre desprovistos de significado fúnebre, dándoles el sentido de objetos animados y cuya intención es traspasar lo lógico con el fin de trasmitir desconcierto.

En su iconografía es muy frecuente lo que él denomina la Venus dormida, una imagen que descubre en su visita a una barraca de curiosidades científicas denominado Museo Zpitzner, que se encontraba junto a otras atracciones en la Feria del Mediodía de la ciudad de Bruselas. Se trataba de una figura de cera de tamaño natural, acostada dentro de una urna de cristal, y que simulaba respirar mediante un sistema mecánico. Esta imagen le provocó en efecto dramático que trasladó a su pintura y que utilizó con mucha frecuencia.

Esta Venus tiene relación a la vez con la tradición iconográfica de la Venus recostada: como La Venus dormida de Giorgone, La Venus de Urbino de Tiziano, o las majas de Velázquez y las de otros tantos pintores.

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68 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

En su iconografía es muy frecuente lo que él denomina la Venus dormida, una imagen que descubre en su visita a una barraca de curiosidades científicas denominado Museo Zpitzner, que se encontraba junto a otras atracciones en la Feria del Mediodía de la ciudad de Bruselas. Se trataba de una figura de cera de tamaño natural, acostada dentro de una urna de cristal, y que simulaba respirar mediante un sistema mecánico. Esta imagen le provocó en efecto dramático que trasladó a su pintura y que utilizó con mucha frecuencia.

Esta Venus tiene relación a la vez con la tradición iconográfica de la Venus recostada: como La Venus dormida de Giorgone, La Venus de Urbino de Tiziano, o las majas de Velázquez y las de otros tantos pintores. En este sentido, Delvaux es un gran conocedor de la historia del arte y recoge otras iconografías para sus pinturas, en este caso cristianas, como la tradicional Anunciación (Fra Angélico), o Llanto sobre el Cristo muerto, utilizada por muchos pintores para escenas religiosas y también paganas (David, Muerte de Marat).

Lo anteriormente dicho viene justificado en su obra Desnudo y maniquí, señalar que la postura de la mujer es el resultado de la conjunción de las iconografías que se acaban de citar. Por un lado es una Venus

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

recostada, pero a la vez, su posición con la pierna recogida y el brazo estirado que cae por fuera del canapé, es fruto de la tradicional escena de Llanto sobre el Cristo muerto. (véase también la obra Entierro) Todos estos elementos iconográficos mencionados están recogidos desde la realidad más absoluta, en tanto en cuanto estos elementos se representan como tales y no desvirtuados, hecho que nos induce a pensar que la pintura de Delvaux no encaja en una poética del automatismo o de los sueños. Un caso similar es la de pintora Frida Kahlo que negó siempre su consideración como pintora surrealista- y con toda la razón-, ya que su pintura es su propia autobiografía pintada de modo genuino y descarnado, factores que le han hecho poder ostentar un puesto en la historia de la pintura. ¿Pero si la pintura de Delvaux no es surrealista?, ¿Cómo podríamos definirla?, ¿Por qué nos atrae y desconcierta cuando la observamos?

En un siguiente capítulo dedicado al pintor resolveremos estas cuestiones y analizaremos su obra desde otras perspectivas, defendiendo cómo su pintura se sustenta en los conceptos de lo bello y lo emocional, entre otros aspectos..

Paul Delvaux, La edad del hierro, 1951.

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70 OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENÉ MAGRITTE

JAMES ENSOR (Ostende, 1860 - 1949) Pintor belga. Miembro fundador del Grupo de los XX (1884), fue uno de los primeros representantes de la pintura expresionista. Si bien sus primeras obras se caracterizan por los paisajes brumosos de inspiración flamenca, a partir de 1880 Ensor alternó los bodegones -La col (1880, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas)con los interiores, en los que predominaban los colores pardos, rojizos y azules de tono melancólico, como en La mujer de azul (1881, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas).

Sin embargo, pronto abandonó este primer estilo “oscuro” y se interesó por las escenas de carácter fantástico y grotesco, donde impera una cierta expresión burlesca y esperpéntica en todos sus personajes. Ensor alcanza su máxima expresión pictórica en obras como El asombro de la máscara (1889, Museo de Amberes), en las que máscaras, esqueletos y demonios son el fiel reflejo de la tragicomedia humana. En 1888 realizó su obra más célebre, La entrada de Cristo en Bruselas (Colección Louis Franck, Londres), en la que representa, en una escena carnavalesca, a una muchedumbre alienada entre la que sobresale la figura de Jesucristo montado en un pollino. La individualidad creativa de Ensor frente a los movimientos artísticos del momento se tradujo en sus obras, convertidas en parodias irónicas y hasta agresivas de

Retrato James Ensor, 1958..

su época, como en Máscaras disputándose a un ahorcado (1891, Museo de Amberes).

En 1900, Ensor padeció una depresión nerviosa, por lo que su pintura decayó notablemente. En su último período activo realizó grabados y dibujos de paisajes o escenas de la vida cotidiana en los que la fusión del sueño y la realidad anuncian, de algún modo, el surrealismo. De hecho, los propios surrealistas lo reconocieron como un importante precedente de su incursión en el tenebroso mundo de lo fantástico y lo irracional.

OBRAS Y PENSAMIENTOS: RENร MAGRITTE

Tras la mรกscara James Ensor, 1964..

El hombre y la mรกscara, James Ensor, 1964..

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