Photographic biography

BILL BRANDT ROBERT DOISNEAU ELLIOT ERWITT SAUL LEITER MARY ELLEN MARK STEVE MCCURRY SARA MOON JAN SAUDEK JOEL-PETER WITKIN FRANCESCA WOODMAN

FOTOGRAFIA I Pere Grimau Ana Maria Jimenez 1r Disseny Nocturn

// esdi //

BILL BRANDT ROBERT DOISNEAU ELLIOT ERWITT SAUL LEITER MARY ELLEN MARK STEVE MCCURRY SARA MOON JAN SAUDEK JOEL-PETER WITKIN FRANCESCA WOODMAN

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Fotoperiodística - Artística

006 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // BILL BRANDT

Bill Brant se sitúa entre la práctica editorial y la expresión artística pura, considerado como un maestro de la fotografía del siglo xx.

En Inglaterra, es considerado unos de los fotógrafos de mayor preponderancia por la intensidad y poder de sus imágenes. Sus obra es muy variada y abarca todos los aspectos de la construcción de la imagen; sin embargo todas ellas expresan una fuerte individualidad, tanto en la técnica como en la composición. Sus primeros trabajos fueron de fotoperiodismo, pasando por paisajes, desnudos y retratos. La gran empatía de Brandt, con sus entornos y sujetos, ha sido el factor fundamental de su éxito.

Bill Brandt nació en Hamburgo, Alemania. Des de pequeño era molestado por sus compañeros alemanos, que lo trataban como “el niño inglés”, por ser hijo de adinerados padres ingleses. Su padre lo mantuvo durante su juventud y madurez; y no importó cuanta relación tuviese con el ambiente artístico de la época, él no pudo sino hasta alcanzar una avanzada edad, ser lo que se llama un fotógrafo profesional, en el sentido de ganarse la vida.

La época en que Bill Brandt se desenvuelve, es de importantísimos conflictos en toda Europa. La primera Guerra Mundial (1914-1918), marca su primer desarrollo desde los 10 años, considerando además que a los 16 fue hospitalizado hasta los 22. Estas divisiones de ideologías según nacionalidades, marcaron a Brandt infinitamente. Casi se puede decir que no tuvo juventud, y marcado por su niñez, siempre quiso negar su nacionalidad alemana. Su historia y sus obsesiones son intrínsecas para conocer sus imágenes. Desde el principio, sus fotografías presentaron una doble naturaleza, parecen captar sólo lo que está ahí, sin embargo son meticulosamente planeadas. Toda su preparación estaba al servicio de un sistema de fantasía, creciendo con libros de niños, cine alemán expresionista, psicoanálisis y un pro-

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fundo conocimiento de la historia del arte. Lo que el público tomó como documentación realista, era para los iniciados un vislumbre de su mundo inventado y esotérico.

En 1929 se traslada a París para trabajar como ayudante de Man Ray, quien lo instruye en el arte de la fotografía por el corto período de tres meses. Mantienen contacto regularmente por más de dos años. Brandt aprende el valor de la experimentación fotográfica, que continuó trabajando por su propia cuenta.

Al estar expuesto tempranamente al trabajo de Man Ray y otros maestros del surrealismo, le dió a Brandt una nueva forma de ver la fotografía y el mundo. Quedó profundamente influenciado por Man Ray y su círculo como corriente de invención fotográfica. El entorno también ayudó a su desenvolvimiento, las pinturas de Salvador Dalí, las películas de Luís Buñuel, y las fotografías de Eugene Atget y Andre Kertesz. También admiró a Brassai, y posteriormente a CartierBresson y Edward Weston.

En 1930, primeros años de Brandt en París, comienza el fotoperiodismo a través de la Ermanox y la Leica y trabaja como freelance para varias revistas internacionales. Dándose una libertad en ideas e imágenes con la concepción superviviente idealista y humanista. Sus fotografías se caracterizan por traducir con la imagen los acontecimientos políticos franceses y extranjeros, hay reportajes, descubrimientos; es “la verdad con la fotografía”. En esta época también se dan los primeros avisos contra el nazismo.

Surgieron dos corrientes, la poética, con Man Ray y Edward Weston como líderes; y la documentalista, la del momento de “verdad”.

Brandt se declara atraído por las dos escuelas, y por más de diez años se concentra enteramente en el trabajo documental.

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En 1931 se traslada a Inglaterra, donde comienza una exploración fotográfica de Londres, que se transforma en una crónica de los diversos estratos sociales que constituían el sistema inglés. Editó el libro con el nombre de “The English at home”, en él se muestra una existencia destruida por la depresión de la clase trabajadora en el East End londinense, con una integridad con el sujeto que va más allá del simple reportaje. Se presenta un contenido dramático, aparecen negros intensos; dados por copias en papeles de alto contraste. Fotografió desde las comunidades mineras desempleadas y sus famílias, en el norte del país, hasta los derroches de la aristocracia,... , un resultado de la búsqueda de la época del periodismo fotográfico.

En Inglaterra, el Departamento de registros del Ministerio de Interior le encargó a Brandt que retratara la apariencia fantasmagorica de las calles durante los bombardeos aéreos, a la luz de la luna muestra el perfil de la ciudad con las siluetas oscuras de los edificios, delineados con precisión; mediante exposiciones de 20 o 30 minutos. La manera en que transcurre el tiempo en los refugios antiaéreos del metro y los sótanos, los grandes edificios escalonados, la gente.

Finalizada la guerra, el estilo de Brandt cambió dramáticamente, perdiendo su entusiasmo por el reportaje, volvió al orígen de Man Ray, y se dedicó a los desnudos, retratos y paisajes. Empezó su Serie de Desnudos, acercándose al surrealismo con interpretaciones personales del cuerpo humano, desde el close-up en estudio; al aire libre, en las playas de Normandy y Sussex; coloca a las modelos en espacios muy grandes y retrata una parte de ellas, en primer plano.

En éstas, la fantasía y la realidad se mezclan, la atmósfera se muestra misteriosa.

La manera retratar consistía en dejar a los modelos por sí solos, raramente les hablaba y apenas los miraba. Opinaba que un buen

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retrato debe decir algo del pasado del sujeto, así como sugerir algo de su futuro. En sus paisajes del 40 y del 50 se reflejan la influencia del romanticismo y el expresionismo.

Su serie de desnudos fue publicada en el libro “Perspective of nudes”, y se caracteriza por la experimentación, estudiando las enormes profundidades de campo y las perspectivas deformadas, típicas del uso de un objetivo de distancia focal corta. Los cuerpos se convertían en un paisaje imaginario. La técnica utilizada para la iluminación se llama claro-oscuro, que utiliza el fast fall-off, y un fuerte contraste entre luces y sombras. El uso del claro-oscuro define los tres aspectos dimensionales de la fotografía, le da profundidad y claridad a ambos, el primer plano y el fondo. El fast fall-off es el uso directo de la luz para acrecentar las sombras de un objeto, y darles textura; funciona como una orientación táctil de la iluminación. Juntos el claro-oscuro y el fast fall-off se potencian. Brandt utiliza los low key para dar la sensación de oscuridad o noche, no hay luz día visible y la iluminación provista es muy selectiva. Mediante el claro-oscuro, quiso evocar la respuesta emocional má fuerte posible del espectador, añadiendo drama al “objeto” que trabajaba.

Respecto a sus tomas de paisajes, para hacer una toma, debía sentirse obsesionado con una escena particular, cuando encontraba el panorama a fotografiar, esperaba por la estación indicada, el sima indicado, la hora indicada, de día o de noche; para obtener la foto que él sabía que estaría ahí.

Bill Brandt, muere en Diciembre de 1983, por una diabetes sufrida por más de 40 años. Dejó viuda a Noya, su tercera esposa sin hijos.

Sus cenizas están dispersas en el Holland Park de Londres, el cual solía visitar casi todos los días.

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ArtĂ­stica

012 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // ROBERT DOISNEAU

La fotografía de Robert Doisneau le vino determinada por su condición de autodidacta, era la forma de fijar su mirada deambulante sobre el entorno de sus largos paseos por París.

Robert Doisneau nació en 1912, en Gentilly, un suburbio al sur de París que a comienzos del siglo xx era particularmente feo. Pero este mismo ambiente inspiraron y enriquecieron sus primeras fotografías, su acumulación casi obsesiva son el mejor documento histórico más feaciente del lugar.

A los 14 años estudia el oficio de grabador litográfico, su pasión por el grafismo y el diseño de letras lo acompañó toda su vida, hasta el punto que, según él mismo confesó, concebía la composición de sus fotografías procurando dar la forma de una letra del alfabeto a cada conjunto de imágenes.

En 1931, comienza a trabajar como ayudante de André Vigneau, fotográfo, pintor, escultor y cineasta francés, quién lo introdujo en el mundo de la fotografía como arte y entra en contacto con las vanguardias artísticas y un año más tarde compra su primera cámara fotográfica, una Rolliflex 6x6 y conociendo un poco de iluminación, empieza su recorrido por las calles de París destinando a demostrar como la fotografía no solo describe sino que puede descubrir en un segundo facetas de la realidad.

Atraído por los surrealistas, descubre a Man Ray, quien se convierte en una persona clave y muy influyente en la fotografía de Doisneau.

Trabajó junto con Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, también coincidió con Brassai y Willy Ronis.

Man Ray; artista vinculado al surrealismo y al dadaísmo parisino y ne-

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yorquino; es uno de los máximos referentes de Robert Doisneau, se caracteriza por sus obras experimentales de Rayographs (rayogramas), imágenes fotográficas sacadas sin cámara, es decir, imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel fotosensible a la luz y luego revelado. También realiza retratos y se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura. En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista. Ray, como pionero de Dadá y Surrealismo se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. La búsqueda de la libertad y el placer, era sólo lo que ocupaba su arte.

Robert Doisneau, tras pasar el servicio militar, se incorpora como fotógrafo industrial en la fábrica de Renault de Billancourt, donde fue despedido y al poco tiempo estalló la guerra. Doisneau sobrevive como puede y la liberación de París le devuelve las fuerzas y su fotos optimistas y populares le valen para entrar a trabajar para la agencia ADEP. Durante los años cuarenta, cincuenta y sesenta colaboró con varias revistas, entre las que destaca la revista Le Point y la revista Vogue.

Siempre estuvo atraído por el cine, y trabajó en la fotografía de varias películas para cineastas como Truffaut,Tavernier o René Clair.

Dichos cineastas influyeron en la estética de las fotos de Doisneau.

Truffaut revolucionó el cine francés, creando un movimiento artístico que se denominó Nouvelle Vague. Éste era un cine austero, cercano a la realidad, en el que se pueden identificar perfectamente a su director, realizado con bajos presupuestos y con fotografía natural en contraposición con la artificialidad ue se buscaba en el cine de las décadas anteriores. Su cine es muy variado pero tiene puntos en común. Se puede decir que es un cine realista y naturalista, con fotografía cuidada y sin artificios.

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Robert Doisneau muere en París el 1 de Abril de 1994 y tras de sí deja premios y galardones, tales como el Premio Kodak (1947) y el premio Niepce (1956), libros, cortometrajes e instántaneas.

Documental - Publicitaria

016 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // ELLIOT ERWITT

Elliot Erwitt es conocido por sus divertidas fotografías, su sentido del humor esta presente en buena parte de su obra pero su maestría como observador y maestro de la fotografía, ha dado como resultado un dominio extraordinario de su técnica y de las sensaciones humanas.

Erwitt ha estado capaz de producir fotografías comprometidas socialmente, de denuncia, de gran sensibilidad con las cosas que le rodean, con una variedad de registros tan espectacular que hacen de Erwitt uno de los fotográfos más completos de toda la historia.

Un extraordinario fotográfo de perros, con una visión inédita como divertida, de grandes celebridades, de fotografías espontáneas, captando los hábitos ordinarios de la vida simplemente con su cámara, dando la oportunidad de ver la vida de una manera diferente.

Elliot Erwitt nació en París en 1928 en el seno de una familia de emigrantes rusos. A principios de los años 50, Erwitt se muda a vivir a Nueva York. Mientras estudia en la Hollywood High School, trabaja en un laboratorio revelando copias firmadas de estrellas de cine para sus fans.

Con el estallido de la guerra de Corea, Erwitt es asignado como fotográfo a una unidad del ejército americano situado en Francia. En este período Erwitt aprovecha para hacer fotografías de la vida de los barracones. Sus fotografías mostraban una visión diferente del ejército, mostraba la vida de los soldados. Esta visión le hizo ganar el segundo premio de la revista Life.

Dos años más tarde, en 1953, conoce a Edward Steichen, Robert Capa y Roy Stryker, quienes acaban convierténdose en sus mentores. Después de salir del ejército, entra a formar parte de Magnum Photo, colectivo creado por Robert Capa.

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Algunos trabajos de la época son las fotografías de las celebridades y como a miembro de Magnum consigue ser el fotográfo de un buen número de películas donde se producen magníficas fotografías de Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Grace Kelly, Marlene Dietrich o Vera Miles.

Elliot Erwitt es uno de los más grandes fotográfos de publicidad y fotografía documental y es conocido por sus fotografías en blanco y negro con situaciones irónicas y absurdas. Es definido, en referencia a Cartier Bresson, como el maestro del momento indecisivo, también conocido por el fotográfo de perros, Representante de la antifotografía, Erwitt combina la fotografía poco formal con la fotografía llena de ingenio, una combinación un poco desconcertante.

Su técnica es apreciable, su instinto le ha permitido crear extraordinarias fotografías. Su reputación va en aumento basicamente por sus trabajos que realiza en los 50 y los 60, muchos de ellos hechos en Rusia. Remarcables son también sus series hechas en Cuba en 1964, incluyendo fotografías de Che Guevara y la serie de Jacqueline Kennedy al funeral de JFK. Actualmente, ha publicado más de 20 libros de fotografía e innumerables exposiciones. Erwitt continua trabajando, continua haciendo fotografías para Magnum y aún acepta encargos publicitários de moda y fotografía industrial.

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Pictorialista

022 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // SAUL LEITER

Saul Leiter, innovador y pionero, uno de los fotográfos más relevantes en la fotografía de calle. Deja un llegado de poesias visuales.

Saul Leiter nace en Diciembre de 1923 en Pittsburgh, Pennsylvania.

Des de pequeño le encantaba el arte, des del arte peruano y la caligrafía japonesa, pasando por obras de Kandinsky y el trabajo de Picasso, Matisse y Bonnard.

A los 23 años se traslada a Nueva York con la intención de convertirse en un artista. Había desarrollado un cierto interés por la pintura después de conocer el pintor expresionista Richard Pousette-Dart.

Cuando Leiter llegó a Nueva York Pousette y Eugene Smith lo animaron para que probara también con la fotografía y no tardó a experimentar con su primera cámara Leica de 35 mm. Conoció otros fotográfos contemporáneos como Robert Frank y Diane Arbus y ayudó a formar el que se ha denominado la Escuela de Nueva York de fotografía durante las décadas de los 40 y los 50.

Sus instintos de pintor le sirvieron en su énfasis en la superficie, la ambiguedad espacial y una gamma de colores exuberantes, acuradamente calibrados. El atractivo de su trabajo no se basa en un enfocamiento suave o el aislamiento de los detalles, sino en la captura de sensaciones, sentimientos y emociones de la vida cuotidiana con una precisión casi científica, si no fuera por que transmite poesía y fuerza visual.

La visión de Leiter se basa en un ojo rápido que absorbe hechos espontáneos. Usa un abanico de estratégias, encuadres oblicuos, complejos planos que se cruzan y reflejan ambiguos, para destilar una poesía visual urbana, profundamente afectuosa y conmovedora. Desobedece las convenciones de la técnica de la fotografía y

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aparentandon ignorar los límites de la captación de la luz de las emulsiones.

Sus primeras imágenes en blanco y negro muestran una compleja interacción con la gente y la arquitectura, con una constante fragmentación de las escenas. Las personas se ven a través de superficies cubiertas de condensación, o en los espejos que cortan el espacio.

Los cuerpos puedan estar truncados por las sombras o estableciendo relaciones con los objetos que los rodean.

Leiter ha hecho una contribución enorme y única en la fotografía.

Su abstracción de formas y composiciones radicalmente innovadoras tienen una calidad pictórica que destaca entre sus contemporáneos.

Sus primeros trabajos con la fotografía en color lo llebaron a la fotografía de moda, durante más de dos décadas trabajó como freelance para una gran variedad de revistas de moda y estilo, como Elle, Vogue, Esquire, Nova,...

En la década de los 40 Nueva York se estaba convirtiendo en el centro de un nuevo movimiento fotográfico; la fotografía de calle.

Lo que hizo que Leiter fuera diferente a sus compañeros fue la agresividad del texto visual, la confrontación y la actitud documental en captar sus imágenes. Su fotografía es abstracta, llena de texturas y elementos que interpone entre su cámara y la escena. Consigue de esta manera, que haya elementos que inesperadamente entren en la imágen, sin saturar la escena, obteniendo imágenes de aparente lectura fácil. Abundan las imágenes verticales con colores saturados y siluetas incompletas o difusas.

024 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // SAUL LEITER

Sus fotografías suelen ser en capas, abstractas composiciones de reflejos y sombras, que recuerdan a los cuadros de expresionistas abstractos como Mark Rothko. Rothko ha sido uno de los referentes de Leiter, fue considerado como uno de los artistas fundamentales del siglo xx por su sugerente combinación de colores. El objetivo artístico de este pintor era ofrecer una experiencia casi mística a través de la estudiada combinación de colores. Su trayectoria deambuló por el expresionismo figurativo o el surrealismo hasta abordar en los años posteriores a la II Guerra Mundial. La técnica y

el estilo por el que pasaría a ocupar un lugar de honor en la historia del arte del siglo xx. Rothko consagró su obra a la investigación de las posibilidades estéticas, expresivas y emocionales del color. Su ambición era lograr en el espectador una experiencia cercana a lo sublime a través de la combinación de colores puros generalmente dispuestos de manera horizontal.

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Documentalista

028 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // MARY ELLEN MARK

Mary Ellen Mark es una fotográfa que explica su visión de la vida mediante sus fotografías. Es considerada como una de las mejores fotográfas de nuestros días.

Nacida en Marzo de 1940 en los suburbios de Philadelphia, Pennsylvania, es conocida internacionalmente por su fotografía de fotoperiodismo, por sus retratos y su fotografía comercial.

Mary Ellen Mark lleba tres décadas viajando por todo el mundo para hacer fotografías que reflejen su carácter humanitario. Sus fotografías son verdaderos documentos del comportamiento humano, de situaciones personales, de actitudes, que acaban convierténdose en iconos de la fotografía documental. Sus trabajos han aparecido en prestigiosas publicaciones como Life, The New York Times Magazine, Rolling Stone, Vanity Fair o The New Yorker.

Ellen Mark utiliza la cámara fotográfica como un instrumento de indagación, captando las realidades más duras. Su trabajo, emmarcado dentro de lo que se llama fotografía documental, tiene mucha fuerza, sin manipulaciones de estudio o iluminaciones artificiales.

A los 26 años se fue a vivir a Nueva York donde los años siguientes documentó muchas manifestaciones que se hacían en contra de la guerra de Vietnam, así como los movimientos de aliberación de la mujer o demostraciones de la cultura transvestida. Todo esto le aportó sensibilidad y actitud para enfrentarse a la vida, hecho que está presente a lo largo de toda su obra.

De su primer viaje a Turquia le surgió la necesidad de expresar su obra para proyectos fotográficos, de temáticas concretas que en sus largas estancias le permitieron desarrollar. Así, es como se embarca

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en una de sus obras más impactantes, Sala 81, un proyecto fotográfico en las salas de máxima seguridad para mujeres del Hospital Mental del estado de Oregón. En este caso convivió con las mujeres en la institución mental más de dos meses. El resultado es realmente impactante.

Seguidamente estuvo fotografiando los barrios de Nueva York y Nueva Jersey y más tarde descubrió la India donde elabora su segundo mayor proyecto fotográfico. Por encargo de la revista Life, se embarcó en un proyecto a les Missiones de Caridad en Calcuta.

También fotografió a las prostitutas de Bombay.

Uno de los aspectos particulares de su técnica es que trabaja en todos los formatos (35 mm, formato medio y placas). Sobre la manera de realizar las fotografías, Ellen Mark, prefiere no planificar y dejarse llevar, por lo que los personajes aporten y por lo espontáneo del momento. Lo que le gusta es poder retratar dentro del ambiente y el entorno familiar de la persona que retrata, de esta manera se muestran tal y como son, sin tapujos y con más libertad y menos tímidez, surgiendo en esos momentos las mejores fotos. Dentro de sus fotos, procura encuadrar lo justo y necesario, pensando que es lo que debe o por el contrario lo que no debe aparecer, para que la foto sea lo más atractiva posible. De esta manera no recorta nunca sus fotos, procurando que el encuadre sea el definitivo desde el principio.

Las fotografías de las celebridades de la Mark son diferentes al resto.

Ellen Mark no le interesa la exuberancia, el glamour de las estrellas de cine, sino lo contrario, parece tener empatía con sus fotografiados, representando su cara más humana.

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Fotoperiodismo

032 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // STEVE MCCURRY

Steve McCurry es un fotógrafo documentalista y de reportaje. Ha estado uno de los primeros fotográfos donde ha usado el color como recurso para fotografiar la realidad. De impresionantes obras, su fotografia no pasa desaparcebida y la variedad de lugares, caras, culturas y situaciones diferentes ahace de este uno de los más prolificos fotógrafos de hoy en día. De estilo documentalista, McCurry es uno de los más importantes fotográfos contemporáneos.

Captura la esencia del ser humano en la supervivencia y el trabajo como los grandes maestros del blanco y negro.

Nacido en Febrero de 1950 en Philadelphia es conocido universalmente por su fotografía “La niña afgana” que originalmente apareció en la revista de National Geographic. Se gradua en el College of Arts and Architecture en la Universidad del estado de Pennsylvania.

Después de trabajar para un periódico durante dos años, lo deja todo para viajar hasta la India como freelance, donde aprende a observar y a esperar.

Su carrera tuvo el impulso definitivo cuando en el Afganistán post soviético controlado por los rebeldes, captó las imágenes más impactantes que se conocen del conflicto en aquel país. Sus fotografías dieron la vuelta al mundo y fue merecedor de la Medalla de Oro de Robert Capa al mejor reportaje.

Esteve McCurry es miembro de la Agencia Magnum desde 1986, este fotógrafo busca y encuentra lo inolvidable, y algunas de sus imágenes son ya iconos de los tiempos modernos. Ha cubierto como reportero numerosos conflictos civiles e internacionales, y entre otros la guerra Iran-Irak, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo, la desintegración de la antigua Yugoslavia y el conflicto de Afganistán. Su cámara ha estado en los principales conflictos bélicos

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de los últimos tiempos reflejando sus consecuencias en la población. Los trabajos de McCurry han aparecido en las más reconocidas revistas de todo el mundo, pero especialmente en el National Geographic y recientemente ha publicado articulos de nuevo acerca del Afganistán, el Budismo, Tibet, Iraq, Iemen. Él mismo se describe como un fotógrafo de guerra sino de la realidad humana, captando lo que más le impresiona de un paisaje o de un rostro.

Uno de sus más intensos trabajos fue el realizado en los escombros de las torres gemelas tras el 11S.

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Publicitaria - ArtĂ­stica

038 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // SARAH MOON

Las fotografías de Sarah Moon retratan a menudo animales o hombres disfrazados de animales, niños (aunque hay más niñas que niños), en entornos industriales, carnavales o la división de camino un paisaje.

Sarah Moon nació en 1941 en Francia, sus padres eran judíos y tuvieron que emigrar hacia Inglaterra por la influencia nazi. En Inglaterra estudió dibujo. Ejerció como modelo entre 1960 y 1966, y se volvió fotógrafa en 1970.

En cuanto a sus fotografías, la ciudad nunca fue realmente el centro de su objetivo, sino mas bien un entorno irreconocible. Su técnica se basa en la Polaroid en blanco y negro negativo como medio de expresión. Entre los temas de su obra incluye la memoria, la muerte, la infancia, la femenidad y la soledad. Uno de sus máximos referentes es Guy Bourdin, como la exelencia que ha dado mayor deseo de avanzar hacia la moda. En sus obras es fácil reconocer su amor por el cine de los años treinta, incluyendo el cine expresionista alemán.

En su fotografía prefiere el blanco y el negro porque evoca a la soledad, lo irreal, un momento sin tiempo, pero luego se vuelve de vez en cuando a color. Su enfoque es muy diferente de la fotografía en color. Los colores borrosos de sus fotografías evocan a la pintura.

Este enfoque del color hace que su interés por las flores y los pájaros hayan creado una serie de fotografías.

Sarah Moon utiliza película Polaroid y la cámara fotográfica. Luego la imágen es mejorada a partir del rascado, el deterioro, la contaminación, por lo que el objeto parece pertenecer más a la memoria.

Las constantes en sus fotografías son la naturaleza que se combina con el pasado, hay pirámides, rinocerontes, los mitos, al menos a

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veces nostalgia y tristeza. No se encuentra blanco verdadero en sus cuadros, no se ve luz en el cielo. Las fotografías son borrosas, mueve o elimina parte del primer plano. Hace alusión a la pesadilla del niño. Crea personajes sin cabeza, brazos sin manos o con los brazos de madera o emputados. El espacio donde se reflejan sus retratos siempre acostumbran a estar cerrados y crea un ambiente silencioso, la sugerencia de la imagen se ve reforzada en el proceso por la interpretación de materiales, gestos, marcos, rasguños entre el sujeto y el espectador.

Estos elementos parecen conducir directamente a una interpretación entorno a la memoria de la infancia en Gran Bretaña en guerra, un país obligado a pedir ayuda a las fuerzas de sus colonias. Donde una atmósfera llena de ansiedad, violencia y mutilación combinado con el pasado.

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Surrealista - ArtĂ­stica

044 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // JAN SAUDEK

Jan Saudek es un fotógrafo que por muchos es un genio indiscutible y por otros es totalmente repulsivo, indigno de formar parte de la selecta clase fotográfica. Su característica principal es la negación de la realidad, hecha por las escenas tan delimitadas espacialmente, reduciendo sus personajes a un escenario que parece oprimirles, sin libertad de movimiento.

Su obra es mucho más intimista, no intenta fotografiar la realidad sino su propia realidad, com si se tratara de visiones, de cosas que tiene en la cabeza y las debe de expresar.

La visión que tiene de la mujer, de su femenidad, no tiene nada de real y está cargada de un simbolismo tan extremo que expresa visiones, deseos, mensajes que intentan expresar alrededor del cuadro mediante una atmósfera íntima que pertenece a otro mundo. Un mundo que se rige por sus propias leyes.

Sarah Moon nació en 1941 en Francia, sus padres eran judíos y tuvieron que emigrar hacia Inglaterra por la influencia nazi. En Inglaterra estudió dibujo. Ejerció como modelo entre 1960 y 1966, y se volvió fotógrafa en 1970.

Jan Saudek nace en Praga en 1935, hijo de una família judía, sufrió la persecución del régimen nazi y fueron muchos los familiares de Saudek que acabaron muriendo en el campo de concentración de Theresienstadt. Tanto él como su hermano fueron internados en un campo de concentración para niños, separados de sus padres, cerca de la frontera polonesa.

En 1950, cuando tenía 15 años, empezó a trabajar en una imprenta después de ser expulsado de la escuela por su bajo rendimiento. Fue allí cuando aprendió todas las técnicas de impresión y tratamientode las tintas de colores, que posteriormente complementan sus foto-

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grafías. Jan Saudek es uno de los más relevantes fotográfos checos, del que muchas veces sólo se le conoce por sus trabajos grotescos envueltos de atmósferas oscuras y con escenas perturbadoras, casi siempre retocadas a mano con técnicas de coloreo que aún las hacen más irreales.

Sus primeras fotografías fueron muy criticadas por los ambientes artísticos checos. Estas fotografías fueron toda una revolución en la estética y movimiento checo comunista de la postguerra y son documentos que muestran los anhelos de la libertad y de la crítica en el estado opresor y totalitario que en aquellos días estaba instaurado en el país.

Las fotografías de esta época son todas en blanco y negro y representan la obsesión de Saudek por representar el hombre y sus estados emocionales. Saudek empieza a forjar un estilo que utiliza los tableaux vivants, escenas con personajes que hacen de actores de escenas previsualizadas o cuadros existentes, aconsiguiendo una especie de cuadros vivientes.

En 1951 empieza a hacer experimentos coloreando las fotografías y lo catalogan de “Kitsch” y de mal gusto y eso desanimó a Saudek dejando de fotografiar durante una temporada. En uno de sus viajes a EEUU conoció a Hugh Edwards. Edwards fue uno de los grandes influenciadores de la fotografía american y su nombre figura al lado de las más importantes figuras de la fotografía americana.

A principios de los 70, en Praga, Saudek continuó desarrollando su extraordinario estilo, con temáticas que hacen referencia a temas de libertad, erotismo o de simbología política, haciendo referencia siempre a la opresión y corrupción del régimen preosoviético.

046 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // JAN SAUDEK

Durante las décadas de los 70 y los 80 sus escenas fueron más oscuras y perturbadoras con una composición constante: la presencia de una pared o un muro al fondo. Una estética difícil de encajar para la época y con una expresividad brutal y escenarios cerrados, quizás influenciados por el ambiente opresivo que se vivía aún en su país.

Estos temas ya son una constante en las décadas siguientes, fotografías sobre la sexualidad, de desnudos femeninos y de relaciones hombre-mujer. Mujeres gordas y delgadas con estrías y celulitis, con una técnica de coloreado muy depurada que crea unos ambientes irreales, cargados de simbolismo y que suponen una costante provocación hacia el observador que se ve transgredido por el simbolismo y el mensaje de las composiciones de Saudek.

La técnica de Saudek para colorear sus obras consite en óleos, que los impregnaba tanto en negativos como en fotografías ya reveladas, siempre en blanco y negro. La complejidad está en la transparencia de los óleos ya que de hecho no se pinta totalmente de forma opaca sino que hay una especie de mezcla, con la capa original en blanco y negre.

La obra de Saudek está profundamente marcada por dos elementos, por una parte su niñez y por otra que le hizo ver la profunda necesidad de poder expresar con la fotografía. El mundo que ha creado Saudek consigue llevar hasta el extremo la provocación.

Es un fotógrafo herido que aún tiene el horror en su cuerpo y que no puede evitar que se escape por la lente de su cámara. Hoy Saudek es reconocido como uno de los mejores fotográfos vivos, aunque la crítica a veces lo acusa de kischt y de tener un pésimo mal gusto.

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ArtĂ­stica

050 //BIOGRAFIA FOTOGRÀFICA // JOEL-PETER WITKIN

Joel-Peter Witkin ha sido considerado como una mezcla entre El Bosco y Masacre en Texas. Sus cuadros fotográficos, cuidadosamente compuestos e impresos con esmero, ofrecen la oportunidad de acceder a lo que Witkin denomina un mundo de “amor y redención”.

Joel-Peter Witkin nació en Septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967decidió trabajar como fotográfo freelances y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Witkin ha creado un espacio que no ocupa ningún otro fotógrafo vivo. Lo que lo distingue de sus contemporáneos es una inquietud y un deseo que lo llevan a lugares temidos por otros, el lado oscuro donde cada resplandor es auténtico. Su ámbito no es nada menos que el más grande misterio que ha ocupado a la humanidad desde sus comienzos, la eterna pregunta acercade la vida y la muerte. Pregunta que por su propia naturaleza es en última instancia irresoluble, excepto en los momentos personales, breves, experienciales, en que el arte salva la brecha entre los sentidos y el entendimiento.

Witkin usa cadáveres, hermafroditas, jorobados, y otros a los que la sociedad en general denomina freaks, crea paradojas visuales que desafían a la percepción. Frecuentemente, acusado de sensacionalismo y de la explotación de sus sujetos, en realidad los realza y redime. Una imagen de Witkin obliga a cuestionar y puede ser leída una y otra vez.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las

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dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y de gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como la muerte, sexo, cadáveres (o parte de ellos) y personas marginales. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía en altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos.

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ArtĂ­stica

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El relámpago de originalidad que hay en las fotografías de Francesca Woodman hizo a lo largo de unos pocos años, entre su adolescencia y su primera juventud. Un cuerpo que ofrece y se escapa, unas veces velado por la penumbra, otras impúdico y frontal, en una cara tan joven que no ha perdido todavía las redondeces de la barbilla y de los pómulos.

Es preciso dejar a un lado en lo posible la leyenda póstuma de Woodman para mirar esas fotografías sin ver en ellas un anticipo de la muerte tan próxima.

Francesca Woodman nació en Abril de 1958 en Denver, Colorado, y que en enero de 1981 decidió poner fin a su vida lanzándose desde una ventana en el Lower East Side de Manhattan.

La sitúan ya entre los mitos de la fotografía del siglo xx y al mismo tiempo dan fe de su sensibilidad particular. Su visión no tiene nada que ver con la fotografía de guerra de Robert Capa, el espíritu documental de Cartier-Bresson o las inquietudes de Diane Arbus.

Lo suyo es un deseo revolucionario de romper los códigos de las apariencias y mirarlas a través de un espejo.

Francesca Woodman empezó con un autorretrato en 1972, a los 13 años. Francesca decidió inmortalizarse con una cámara Rolleiflex de medio formato. Después vinieron los primeros desnudos, mujeres perdidas en los bosques de Massachusetts o en una habitación anodina, una especie de ninfa contemporánea en la orilla de un río, personajes misteriosos tapados tan sólo con una máscara de conejo, instantáneas realizadas con exposiciones largas y ejercicios de estilo.

Experimentación. Porque la trayectoria de esta joven fotógrafa resultó muy marcada por los estudios y la influencia de sus padres.

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Su infancia transcurrió entre el Colorado y Florencia. Mas tarde, sus padres la inscribieron en un instituto privado de Massachusetts, donde empezó a desarrollar su particular visión de la fotografía, y después en la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde aprovechó la oportunidad de un intercambio de un año con la Academia de Bellas Artes de Roma. La joven Woodman nunca llegó a ganarse la vida como fotógrafa. Su universo estaba hecho de estudios y crecimiento, artístico o personal, y en muchos casos, dudas y tribulaciones.

El instinto y las interacciones de Woodman yacen en el arte surrealista y la ficción gótica. La ficción gótica se caracteriza por los elementos de miedo, horror, los personajes sobrenaturales y la oscuridad, así como vampiros, demonios, héroes, heroínas y villanos.

Otros aspectos que caracterizan este tipo de ficción son el misterio, el romance, la lujuría y el temor. Este estilo hace hincapié en la atmósfera, con ajuste y dicción para crear suspenso y una sensación de malestar al observador.

La mayoría de las imágenes de Francesca Woodman se muestran femeninas, sensuales, intensas, dramáticas, pero nunca desesperadas.

Parecen tejer un mundo deliberadamente enigmático que le ha valido con una fama de fotógrafa con aura maldita.

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