Chulada No.1 by anaelizabeth.m

www.chulada.com No.1, mayo, 2018

PANTONE: Color del año

11 tatuadoras mexicanas contemporáneas 5 mejores restaurantes mexicanos en el mundo

Talento mexicano en Loving Vincent

Annie Atkins

La diseñadora de “Gran Hotel Budapest”

#1 recomendada por dermatรณlogos para el cuidado de la piel

editorial

Como toda primera vez ¿Recuerdas cuando anduviste por primera vez en en bici? ¿O cuando diste tu primer beso? Siempre la primera vez causa emociones y sentimientos intensos y encontrados. En ésta, nuestra primera edición, estamos llenos de emoción puesto que Chulada es un proyecto que trata de llevar temas interesantes y de conocimiento a chicos mexicanos. La idea es que también sea de temática mexicana para fortalecier los lazos de identidad nacional, ¿por qué? Porque en México somos chingones y la gente de aquí mismo debe darse cuenta de eso, como ya se estan dando cuenta en el extranjero en el ámbito gastronómico a través de los mejores restaurantes mexicanos al rededor del mundo. También se trata de que dejemos de lado malinchismos y comencemos a ver el trabajo mexicano y nos demos la oportunidad de ver el cine mexicano que no se ve, porque finalmente es ahí, en el trabajo que apenas surge, donde nos damos cuenta de lo que verdaderamente estamos hechos. Queremos que conozcas la función social del tatuaje en México, y también a la única latinoamericana (¡mexicana tenía que ser, chinga!) que participó en la realización de Loving Vincent y todo su proceso para llevar el orgullo a territorios extranjeros. No te pierdas de lo mejor del diseño en el cine a través del trabajo de Annie Atkins: diseñadora de Gran Hotel Budapest. Y conoce por qué ultra-violet es el color del año, está súper interesante. En Tiempo: Moneda de cambio, la editora explica qué ganan las redes sociales con nuestra interacción y cuestiona cuánto valen realmente las cosas que compramos. Esperamos que este recorrido sea un placer visual y de conocimiento, y sobre todo que el contenido propicie el pensamiento crítico y las disidencias juveniles, que es en lo que cree Chulada.

DIRECCIÓN

Elizabeth Martínez elizabethm@chulada.com.mx EDICIÓN

Joanne Arechiga joannea@chulada.com.mx CORRECCIÓN DE ESTILO

Ruth Escalante ruthe@chulada.com.mx EDICIÓN DE IMAGEN

Raquel Rosiles raquelr@chulada.com.mx EDICIÓN GRÁFICA

Humberto Maciel humbertom@chulada.com.mx EDICIÓN DE ILUTRACIÓN

Maëlle Charpentier maellech@chulada.com.mx COORDINACIÓN

Carlos López carlosl@chulada.com.mx CONTACTO

info@chulada.com.mx

Chulada es una publicación mensual. Editora responsable: Ana Elizabeth Martínez Escalante. Este número se terminó de imprimir en abril de 2018. Número de certificado de reserva del Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2018-081614485300-11. Certificado de licitud y contenido: en trámite. Impreso en Copia Group, 5 de febrero no.456 Col. Algarín, Del. Cuautémoc. Para la composición tipográfica de Chulada se utilizan las fuentes Barrio en su versión regular y TheMix con variación en pesos tipográficos. Los artículos firmados son responsabilidad de sus autores y no reflejan necesariamente el punto de vista de Chulada.

¿Cansado de que tu jefa te regañe cada vez que planeas hacerte un tatuaje? Te explicamos su función social

Raviolis transparentes que desaparecen, aperitivo en esferas de hielo. Te decimos qué es y cómo funciona la cocina molecular.

Tatuaje en México

Cocina molecular

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IN 16

Loving Vincent: Annie Atkins: el genio y diseñadora su arte

Si viste Gran Hotel Budapest tienes que conocer a Annie, ella explica sus procesos para hacer diseño gráfico antigüo.

¿Te imaginas una animación cuadro por cuadro hecha totalmente al óleo? Te damos los detalles de la producción y la mexicana que participó en este magnífico proyecto.

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El tatuaje en México símbolo de identidad y factor de cambio social María Nájera

n México el tatuaje tiene una práctica histórica, siempre acompañada de un propósito social que a partir del XIX se estigmatizó negativamente. Hace aproximadamente 25 años aparecieron los primeros estudios de tatuaje en la ciudad quienes poco a poco han ido formalizando esta práctica cambiando la opinión negativa. “El tatuaje es importante en México porque por medio de él reafirmamos creencias, costumbres, ideales estéticos y filosóficos”, explica la tatuadora Lil’ Van-pira al respecto. El tatuaje, al igual que muchas disciplinas creativas, rompe esas barreras culturales y sociales generando tolerancia y libertad de expresión. Los artistas que usan el lienzo vivo se enfrentan al reto de poder traducir las ideas de otras personas a su lenguaje. Entre tatuador y tatuado se genera un diálogo que vuelve ese encuentro en algo íntimo, se rompe una barrera espacial que genera confianza, complicidad para crear algo que durará para siempre. “Creo fervientemente que cuando decides ponerte una marca en el cuerpo es como mostrarle al mundo cuáles son tus creencias. Cuando las personas deciden ponerse imágenes o “lunares personales” –como me gusta llamarlo– hay un parteaguas donde se genera un diálogo y otras personas comienzan a saber quién eres”, explica la ilustradora y artista del tatuaje Xian of the Death. Este tipo de comunicación entre tatuador y cliente ha generado un nuevo término: el tatuaje de autor, que va más allá de sólo tatuar una imagen solicitada, sino ambos proponer, retroalimentar el diseño visualmente, con líneas, formas y texturas coherentes. En la Ciudad de México existe una gran cantidad de estudios y tatuadores independientes que a través de su versatilidad ayudan a sus clientes a plasmar en su piel un mantra personal, un recuerdo constante de algo o alguien importante en nuestra vida. “Como tatuador, siempre está la responsabilidad de saber que lo hacemos es para siempre y que debemos manejar todo con higiene y precaución. Echarle ganas siempre. Hay que ser coherentes y orientar a la gente para dirigirlos hacia lo que quieren hacer”, comenta Pablo Díaz Gordoa, quien al igual que Alan Shepar, de Soy Feliz; Valentin Palmieri, de Marvin Morgan Co, y

las tatuadoras independientes Lil’ Van-pira y Xian of the Death encontró en la ilustración –y después en el tatuaje– la magia de llevar en la piel un momento especial para siempre. “En el tatuaje tiene que haber coherencia para no sólo hacer cosas bonitas, sino que tengan un significado para que haya unión entre el tatuado y el tatuador, ya que es algo que permanece en ti toda tu vida”, puntualiza Valentin Palmieri.

peritivo en esferas de hielo. Caviar de aceite de oliva. Raviolis transparentes que desaparecen. ¿Suena bien? Bueno, estos son todos ejemplos de la gastronomía molecular. La Cocina Molecular combina la física y la química para transformar los sabores y texturas de los alimentos. ¿El resultado? Las nuevas e innovadoras experiencias gastronómicas. El término gastronomía molecular o cocina molecular se utiliza comúnmente para describir un estilo de cocina en el que los cocineros exploran posibilidades culinarias con herramientas del laboratorio de ciencias y los ingredientes de la industria alimentaria. Formalmente, el término gastronomía molecular se refiere a la disciplina científica que estudia los procesos físicos y químicos que ocurren durante la cocción. La gastronomía molecular busca investigar y explicar las razones detrás de la transformación química de los ingredientes, así como los componentes sociales, artísticos y técnicos de los fenómenos culinarios y gastronómicos. Surge como disciplina en 1988, cuando el físico de origen húngaro, fascinado por el mundo de las ollas entre el que se movía su madre durante su infancia, Nicholas Kurti, y el profesor de química del Collège de France y editor de ‘Pour la Science’, Hervé This, la definen como la “exploración científica de las transformaciones y los fenómenos culinarios”. Muchos chefs modernos no aceptan el término cocina molecular para describir su estilo de cocinar y prefieren otros términos como “cocina moderna”, “cocina modernista”, “cocina experimental” o “cocina de vanguardia”. Heston Blumenthal dice que gastronomía molecular hace que la cocina suene elitista e inaccesible, como si usted necesitaría un título en ciencia espacial para disfrutarlo. Al final, la gastronomía molecular o cocina molecular – o lo que quieras llamar a este estilo de cocina – se refiere a la cocina más experimental impulsada por el deseo de los cocineros modernos de explorar la gran variedad en el mundo de ingredientes, técnicas y herramientas. La investigación de la cocina molecular se inicia en la cocina, donde los cocineros estudian el sentido del gusto y el comportamiento bajo diferentes temperaturas, presiones y otras condiciones científicas.

Cocina

molecular Molecular Recipes

LAS POSIBILIDADES DE LA COCINA MOLECULAR SON INFINITAS Experimentos de la cocina molecular han dado lugar a nuevos platos innovadores como las gelatinas calientes, los aires, el caviar de imitación, ravioles esféricos, helado de cangrejo y espiral de aceite de oliva. Ferran Adria del restaurante El Bulli utiliza alginatos para crear su sistema de esferificación para crear esferas que literalmente estallan en la boca. Heston Blumenthal del restaurante The Fat Duck descubrió la capacidad de la grasa para mantener el sabor y creó un plato que tenía tres sabores de albahaca, aceite de oliva y cebolla - cada sabor se percibe en secuencia. El potencial de la gastronomía molecular es enorme. Está revolucionando la cocina tradicional y la transformación de la cena en una experiencia emocional y sensorial sorprendente. ¿ES SEGURA? Cuando la gente oye la palabra gastronomía molecular o la cocina molecular por primera vez, a menudo erróneamente la ven como poco saludable , sintética, química , deshumanizante y poco natural. Esto no es sorprendente teniendo en cuenta que la cocina molecular suele aprovecharse de fumante frascos de nitrógeno líquido, baños de agua con luces LED, las jeringas , las destilerías de mesa, medidores de PH y estantes de productos químicos con nombres como carragenina, maltodextrina y xantana . La primera reacción de mi esposa cuando la sorprendí con un raviolo esférico líquido de guisante me dijo “¿Puedo comer esto? ¿Es esto seguro? ¿Por qué no lo pruebas tu primero?

“. La verdad es que los “productos químicos “ que se utilizan en la cocina molecular son todos de origen biológico. A pesar de que se han purificado y algunos de ellos procesado, el origen de materia prima es generalmente marina, vegetal, animal o microbiano. Estos aditivos han sido aprobados por las normas de la UE y se utilizan en muy, muy pequeñas cantidades. El equipo del laboratorio de ciencia se utiliza en la cocina molecular sólo como ayuda para hacer cosas simples como el mantenimiento constante de la temperatura de agua de cocción (cocina al vacío), la refrigeración rápida de alimentos a muy bajas temperaturas (nitrógeno líquido) o para extraer el sabor de los alimentos (evaporador). Todavía hay cierta discusión sobre la salubridad de la cocina molecular, pero personalmente creo que hay problemas de salud mucho más grandes en los alimentos que consumimos todos los días . Al final, usted no va a estar comiendo las esferas líquidas de guisantes todos los días de todos modos. ¿QUÉ TIPO DE PERSONAS DISFRUTAN LA COCINA MOLECULAR? ¿Eres un apasionado de la cocina ? ¿Usted tiene una mente creativa ? ¿Eres analítico y lógico? Entonces la cocina molecular probablemente podría convertirse en su pasión. La cocina molecular requiere un buen equilibrio de pensamiento del cerebro izquierdo y de-

recho. La mayoría de las recetas de la cocina molecular necesitan un seguimiento con precisión. Los pasos se deben seguir en una secuencia muy específica o el plato puede ser un desastre. Las cantidades se miden en milésimas de gramo o fracciones de un porcentaje . Ligeras variaciones en los niveles de acidez de los alimentos podrían ser desastrosas para algunos platos . Me enteré de esto de la manera más difícil al hacer caviar por primera vez, al sustituir el melón con la granada. Al mismo tiempo, la cocina molecular se trata de experimentar, ser curioso, utilizar la intuición , jugar con las emociones y la creación de una experiencia gastronómica multisensorial con presentaciones artísticas, texturas, aromas, sabores e incluso sonidos. El plato es tu lienzo! Por otra parte, se necesita un plato? ¿Porqué no servir la sopa en una taza de té o una esfera en una cuchara doblada o una ensalada en una cesta de parmesano o una bruschetta en una malla de titanio? Bueno, tal vez la malla de titanio sea demasiado. Lo dejaremos para los caros restaurantes de cocina molecular.

El cine mexicano... que no se ve Vicente Guerrero

De las 85 películas nacionales que se estrenaron el año pasado; 33 pasaron casi inadvertidas.

Se imaginan una película mexicana con apenas 16 espectadores?, pues existe y se llama La Era de la Desconexión, un documental que se estrenó el 2 de noviembre del 2017 con distribución de Videocine y sí, vendió sólo 16 boletos. Según datos del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine): 33 proyectos de los 85 (largometrajes y documentales) que se estrenaron en el 2017 no contaron con apoyo del Estado. En la lista aparece Soy Nero, con apenas 34 boletos vendidos. Le sigue El Cuarto de los Huesos, que consiguió 41 espectadores en su estreno. Casa Roshell narra la historia de un espacio utópico para aquellos hombres que viven reprimidos en sus deseos de feminización y travestismo, con 621 boletos vendidos. La Cineteca Nacional apostó y distribuyó Mis noches harán eco y sí, el resultado fue pobre con apenas 1,587 boletos vendidos. Cometa. Él, su perro y su Mundo que fue distribuida en cines por Neverlanding y alcanzó 78,010 boletos en alrededor de 300 pantallas. Incluso películas apoyadas por estudios como Fox fracasaron: Condorito. La película vendió 564,759 boletos o el documental Molotov. 20 años: días de peda y de cruda distribuida por Cinépolis no emocionó a nadie: vendió 3,125 boletos.

El ocaso del cazador, con Mario Almada y Hugo Stiglitz, era interesante y la apoyó Cinemex pero no tuvo éxito, apenas tuvo 4,802 asistentes.

A pesar de los pobres resultados del cine mexicano que se estrena casi en la clandestinidad; una película que tuvo todo en su contra triunfó: Me gusta, pero me asusta fue todo un éxito: 110.1 millones de pesos y 2.6 millones boletos vendidos. La película, desde la independencia, logró poco más de la mitad de Hazlo como hombre, el éxito del cine mexicano en el 2017 con 200.81 millones de pesos y 4.33 millones de boletos. Incluso, el éxito de Me gusta, pero me asusta superó a muchos estrenos que sí recibieron apoyo del Estado como: Un Cuento de Circo & Love Song, debut como cineasta de Demián Bichir que fue distribuida por LATAM con apenas 50 espectadores en su estreno. Se espera que en el 2018 tenga un lanzamiento importante y con más apoyo. Camino a Marte tampoco cumplió con las expectativas y apenas alcanzó 558,494 boletos vendidos con todo y la presencia de Luis Gerardo Méndez y Camila Sodi. O Las hijas de Abril del director Michel Franco, que vendió 205,162 boletos, pese a que ganó el premio del jurado en la sección “Una cierta mirada” en el Festival Internacional de cine de Cannes.

Según los datos de IMCINE, las 52 películas apoyadas por el Estado mediante algún mecanismo lograron vender 16.3 millones de boletos; mientras que las 33 películas independientes alcanzaron 4.3 millones de entradas que en conjunto suman 20.6 millones de entradas. En el 2017 se produjeron 175 largometrajes; 96 financiados con recursos públicos. Se estrenaron 85 películas (largo y cortometrajes) y las producciones nacionales obtuvieron 93 premios nacionales y 100 más alrededor del mundo. (Hasta el cierre del año, el cine mexicano reportaba que se alcanzarían más de 21.5 millones de entradas).

H OT EL B U D

T S E AP

Eduardo Bravo

Detrás de las grandes producciones hay personas invisibles sin las cuales una película podría venirse abajo. Ese es el caso de Annie Atkins, la experta en diseño gráfico para producciones cinematográficas que está detrás de series como Los Tudor y películas como Titanic, Gran Hotel Budapest de Wes Anderson o Bridge of Spies, la última producción de Steven Spielberg.

El trabajo de Atkins, que acaba de visitar Barcelona para impartir una conferencia en el festival OFFF, consiste en diseñar piezas gráficas como telegramas, mapas para escapar de prisión, pasaportes, periódicos, tarjetas de visita, cartas de restaurantes o el recibo de haber abonado el almuerzo. En definitiva, «todas aquellas cosas en papel que utilizan los actores en el plató», explica ella Para hacer lo que yo misma. hago, es necesaria Aunque se use en plató, el trabajo de Atkins no es el mismo que el de una formación clásiun decorador o un escenógrafo. «El ca de diseño gráfico profesional que hace los escenarios necesita una formación relacionada con la arquitectura. Para hacer lo que yo hago, es necesaria una formación clásica de diseño gráfico», indica. Además de la formación en diseño, para el trabajo de Atkins es necesario conocer otras disciplinas. Por ejemplo, historia, moda, técnicas de impresión, literatura… Pocos trabajos de diseño son tan completos y complicados como el suyo. «Cada vez que comienzo un nuevo proyecto me pongo muy nerviosa. Cada trabajo está relacionado con diferentes países o periodos históricos», especifica. «Para desarrollarlo tengo que aprender todo lo referente al arte de la época y cosas que nunca antes había hecho. Por ejemplo, cuando hice mi primer proyecto, Los Tudor, que se desarrolla en el siglo XV en Inglaterra, no sabía como hacer vidrieras o cómo escribir con una pluma». El truco para que todo salga bien es «aprender muy rápido, ser consciente de que no lo puedes saber todo, pero tener la confianza de que al final va a funcionar».

Aunque pocos trabajos en el campo del diseño son tan apasionantes como el de ella, lo cierto es que en ocasiones el esfuerzo que requiere no se corresponde con la recompensa obtenida. Los meses de documentación histórica y de buscar las herramientas originales para hacer el diseño, darán lugar a piezas gráficas que tan solo se verán un par de segundos. «No me importa que los espectadores lo vean solo unos segundos. Para mí es muy importante buscar máquinas de escribir o papeles antiguos para hacer el trabajo. Si lo haces todo digital, las posibilidades de que te equivoques son mayores. Las tipografías de las máquinas de escribir, por ejemplo. Si las haPara mí es muy ces muy grandes, se nota que no son de verdad. Además, utilizar importante buscar las herramientas originales hace máquinas de escribir que el proceso sea más rápido. Se o papeles antiguos tarda mucho más en intentar que para hacer el trabajo las cosas parezcan de verdad con técnicas digitales, que hacerlas directamente con herramientas de la época». La mayor parte del trabajo de Annie Atkins está relacionado con recrear piezas del pasado. Sin embargo, ¿cómo sería hacer piezas gráficas para una película del futuro? ¿Cómo es el diseño gráfico del siglo XXII? «Hubo una época en que me apetecía mucho trabajar en una película de ciencia ficción. Cuando lo conseguí, no me gustó nada. Cuando diseñas ese

tipo de piezas estás sujeta a esa visión del futuro que han dado otros y no tienes apenas libertad. Aunque resulte curioso, con el diseño del pasado podemos hacer cosas más inesperadas y sorprendentes». Los que, después de asistir a la charla de Annie Atkins en OFFF o de leer esta entrevista, deseen zambullirse en el mundo del diseño gráfico para cine, ahora tienen la oportunidad de aprender directamente de ella. Periódicamente, Atkins organiza talleres de dos días en Dublín en los que comparte su experiencia. «En esos dos días intento que mis alumnos aprendan lo que yo he aprendido en diez años de trabajo. Son talleres intensos en los que cubrimos muchos temas, especialmente dos. El primero, que dejen a un lado sus ordenadores y hagan las cosas con las manos. El segundo, que en las películas está bien copiar. En otros trabajos se parte de una hoja en blanco y de la imaginación. En cine no pasa nada por partir de una pieza gráfica que ya existe para crear una nueva y original que a ti se te ocurra».

El genio y su arte Loving Vincent

Firma

omo una proeza cinematográficamente creativa, Cartas de Van Gogh (Loving Vincent, 2017) muestra aspectos de la personalidad atormentada del genio pintor, padre del arte moderno que murió en la pobreza pese a que, irónicamente, sus obras son ahora de las más cotizadas entre los subastadores. Los realizadores Dorota Kobiela y Hugh Welchman utilizaron una línea narrativa sobre el misterio de la muerte del pintor, para mostrar una deslumbrante propuesta de arte fílmico, que es como un lienzo en movimiento. En esta producción nada importa tanto como la imagen. Ni siquiera la vida de Vincent, quien, por lo demás, ni siquiera es protagonista. La maravilla se encuentra en esta obra maestra de la animación, que pudo ser concebida únicamente por realizadores enamorados del holandés y su fascinante destino trágico, en el que se enlazan amor fraternal y locura. El hechizo por su técnica se encuentra en este insólito film, el primero de su tipo en la historia, que muestra miles de cuadros, cada uno pintado a mano por más de 100 magníficos artistas, que pudieron adentrarse en el prolífico legado pictográfico, y transportarlo a la imagen que adquiere vida. miles de cuadros, Toda la historia transcurre en una sobrecogedora atmósfera que repite los trazos furiosos del artista, cada uno pintado que pintaba, de acuerdo con la leyenda, en un trance a mano por más de insanidad y excesiva sensibilidad motivada por de 100 magníficos un desequilibrio emocional que, según conocedores, artistas se plasma en sus colores sombríos y la crudeza de sus oleos. Vincent Van Gogh (Robert Gulaczyk) creó obras soberbias en el estilo postimpresionista, con una interpretación personalísima del mundo. Es en ese universo de colores palpitantes donde los personajes se sumergen y viven un drama que contiene, en su centro, el misterio sobre la muerte del creador de La noche estrellada. Un año después del deceso, Roulin (Douglas Booth), el hijo del cartero, va a la que fue la última parada del artista, en el sur de Francia. Busca a quién entregar una carta que le había enviado a su hermano Theo, ya para entonces fallecido. En esos días conocer a personas que

lo vieron y que fueron sus modelos. Además se entera de detalles sobre su muerte que, al parecer, no fue producto de un suicidio, como señala la versión oficial, nunca sólidamente confirmada. Los recorridos detectivescos de Roulin son una excelente excusa para que se muestren los cuadros del artista, en su forma original y luego, con movimiento. Los oleos de la naturaleza y los seres humanos vibran, con una mágica sobreposición de imágenes, que expresan una profunda dimensión emocional en esos rostros hechos con pinturas de aceite, con centenares de pequeñas estrías y facciones agresivas, como si los hubiera ensayado el mismo autor desde ultratumba. Pero, aunque la película es un excepcional trabajo de imagen activa, luce accesible únise muestran los camente para los iniciados. Cualquiera puede cuadros del artista, disfrutar del espectáculo del cine mezclado con la pintura, en esta originalísima propuesta, aunen su forma orique el goce se completa con el conocimiento de ginal y luego con la obra total, que muestra los autorretratos, movimiento los paisajes, y las personas que conoció y que fueron inmortalizadas por su pincel milagroso. Quien no sepa qué ocurrió con la oreja de Van Gogh probablemente se extraviará en el relato. De cualquier manera, con conocimiento o no de la herencia creativa del holandés, Cartas de Van Gogh es un deleite para los sentidos.

Mayra Hernández Ríos fue la única latinoamericana entre los 125 artistas de todo el mundo que ganó un lugar para elaborar los más de 65 mil cuadros que requirió la producción de apenas 5.5 millones de dólares. La animadora participó en siete escenas, principalmente en rosNacida en la Ciudad de México, se postuló junto a otros cinco mil artistas aspirantes de todos los continentes, pasó una eliminatoria tros de personajes. Para Hernández, representó un reto adaptar sus de tres días en Polonia y luego de haber sido aceptada, tuvo un creaciones al estilo del artista. entrenamiento de tres semanas y finalmente fue “Mi trabajo se centra en el realismo y es más plano. Con Van Gogh hubo que utilizar mucha pintura porque contratada. Hacíamos una es muy expresivo. Me llamó la atención particularmenPara esta película se mudó a Polonia junto con los pintura cada dos demás artistas que trabajaron con ella. Conoce a la te su forma de ver la vida: tenía un gran amor por los horas, se borraban detalles, era muy cuidadoso y, al final, eso es lo que se perfección el proceso: el equipo filmó a los actores o limpiaban con 12 días, el video después pasó a los artistas que lo refleja en su obra”. El reto para Mayra fue de paciencia. Nosotros hacíatomaron como base para mimetizar a los actores con una espátula y desmos la paleta de colores, pero tenía que coordinarse. los personajes de los cuadros de Van Gogh. pués de volvían a “Hacíamos una pintura cada dos horas, se boComo era un grupo de artistas trabajando en la misma pintar para crear así escena, el color debía ser exacto”, agrega Hernández rraban o limpiaban con una espátula y después de la animación Ríos. Otro de sus retos, concluye, fue trabajar como volvían a pintar para crear así la animación. Hacíamexicana en el extranjero. Además, al ser una producmos uno o dos segundos por semana. Las figuras y el fondo se pintaban juntas. Todo fue al oleo, aunque al final en ción independiente, no había mucho dinero. “Te pagaban cuadro algunos casos se hicieron retoques con Photoshop y otros medios” por cuadro, muchos artistas tuvieron que poner de sus bolsillos para poder estar ahí, pintando, animando, por amor a Van Gogh”. narra la artista.

¿Por qué es ultra-violet color del año? Estel Vilaseca

anessa Friedman, la crítica de moda de The New York Times lanzaba la exclusiva desde su columna On The Runway: Pantone había elegido por fin el color del año y era ni más ni menos que el “Ultra-Violet”. Si bien os adelantamos las candidaturas de la agencia de tendencias Trendstop, este vibrante color no figuraba en ellas, mientras sí que lo hacía en la lista que el propio Pantone elaboró con los 12 colores para la próxima primavera. Como cada año y desde 2012, cuando Pantone empezó a nominar colores por año, la noticia se ha hecho viral. Si en el pasado el color se elegía como reflejo a una realidad, en esta ocasión, tal y como apuntaba Friedman, el equipo de Pantone ha escogido este potente color con el objetivo de inyectar energía en un panorama político social crispado e inestable: “El Color del Año de Pantone se ha convertido en mucho más que “qué está de moda” en el mundo del diseño; es un reflejo auténtico de lo que necesita el mundo hoy”. Si en Estados Unidos el mandato de Trump ha impuesto la política de la ira, aquí el procés ha hecho saltar por los aires la aparente concordia en la que habían convivido desde la transición sensibilidades políticas opuestas. Así este lila poderoso, imaginativo, sanador y brillante se erige como la mejor terapia para esta realidad incómoda.

“Vivimos en una época que pide inventiva e imaginación. Y es desde un color como el PANTONE 18-3838 Ultra Violet de donde surge este tipo de inspiración creativa; un color que parte del azul y que lleva nuestra conciencia y potencial hacia un nuevo nivel. Desde la exploración de nuevas tecnologías y la inmensidad de la galaxia, pasando por la expresión artística y el reflejo espiritual, el intuitivo Ultra Violet ilumina el camino que queda por llegar”, explica Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute. Leyendo entre líneas los motivos que los expertos del instituto Pantone han dado, hacemos un pequeño repaso de por qué el Ultra-Violet ha sido coronado color del 2018.

1.CELEBRA EL PODER DE LA CREATIVIDAD, LA IMAGINACIÓN Y LA INDIVIDUALIDAD Desde el Instituto Pantone mencionan el talento creativo de los iconos musicales Prince, David Bowie y Jimi Hendrix, que usaron este color como expresión de la individualidad. La creatividad y la extravagancia suelen despuntar en tiempos convulsos y este tono intenso y profundo relata el poder transformador de la imaginación. De hecho, Ultra Violet es el nombre artístico de una de las artistas más destacadas de la factoría Warhol. Musa de Salvador Dalí, adoptó este apodo porque solía llevar el pelo de este color.

2. CONFIRMA QUE L A CONCORDIA ENTRE CONTRARIOS PUEDE SER PRODUCTIVA Este color es uno de los más complejos, explican desde el Instituto Pantone, porque necesita dos tonos que son diametralmente opuestos: el azul y el rojo, para crear algo nuevo. En un momento en el que la concordia y el diálogo no son la tónica imperante, resulta interesante la lección que ofrece este color: la unión de los opuestos, de contrarios puede ser productiva y positiva. 3. REIVINDICA LOS ORÍGENES DEL FEMINISMO Si bien el rosa se ha convertido en el nuevo tono de la cuarta ola del feminismo, el lila fue durante años el color que escogieron las primeras feministas para dar color a sus reivindicaciones. Hay quienes apuntan que la elección de este color se remonta al incendio provocado por el dueño de una fábrica textil en Estados Unidos en 1908 después de que sus trabajadoras se declararan en huelga. Murieron 129 mujeres y lo hicieron mientras trabajaban con telas de color violeta. Por otra parte, a nivel simbólico el violeta surge de la unión del azul y el rosa, colores asociados al universo masculino y femenino, y en consecuencia reclama igualdad. 4. UN COLOR SIN GÉNERO Si en 2016 la elección por primera vez de los colores Rosa Quarz y Serenity se hacían eco de la fluidez de géneros, la apuesta por el Ultra Violet, un color ambiguo abanderado por los iconos Prince o Bowie, iría un paso allá imaginando un futuro sin géneros.

5. INVITA A DEJAR DE MIRARNOS EL OMBLIGO Y A ABRAZAR L A INMENSIDAD DEL COSMOS En su breve comunicado Pantone señala la importancia de mirar al cielo y de conectar con el cosmos. Y es que en 2018 se preparan algunas misiones espaciales importantes que volverán a poner encima de la mesa el interés por el mundo exterior, algo que puede ser también importante para recuperar el orden cósmico. Y es que muchos de los problemas se empequeñecen cuando uno sube la cabeza hacia arriba y se pone a contemplar las estrellas. 6. ABRAZA EL MISTICISMO Y L A MÁGICA PARA SOBRELLEVAR TIEMPOS CONVULSOS Color de la amatista, el lila es también un tono habitual relacionado con las prácticas místicas. De hecho, lo llaman el color de la meditación, ejercicio que sin duda necesitaremos este 2018 para sobrellevar la intensidad con la que nos obliga a vivir el frenesí de las redes sociales.

Tiempo

moneda de cambio Ana Elizabeth Martínez

Pensar en un mundo en donde debamos trabajar para ganar tiempo, para luego pagar con él productos y servicios necesarios parecería ciencia ficción, pero es más cercano a la realidad de lo que creemos porque vivimos sumergidos en una cultura de consumo cuya moneda de cambio es el tiempo.

Y no es que al llegar al año 2161, cuando el gen del envejecimiento haya sido desactivado, a partir de los 25 años tengamos que trabajar para obtener tiempo de vida como en El precio del mañana, sin embargo actualmente sí es el tiempo con lo que mantenemos no solamente nuestras vidas, sino un nivel de vida. En palabras del expresidente uruguayo José Mujica «inventamos una montaña de consumo superfluo de manera que hay que tirar y vivir comprando y tirando, y lo que estamos gastando es tiempo de vida porque cuando compras algo, no lo compras con dinero, lo compras con el tiempo de vida que tuviste que gastar para tener ese dinero». Desde ese punto de vista, todos tendríamos el mismo nivel socioeconómico, puesto que todos tenemos en promedio la misma esperanza de vida, y lo más aterrador es que entramos en esta dinámica muy temprano, inclusive antes de tener edad para trabajar. Tristan Harris, antiguo diseñador ético de Google, habla sobre cómo compañías tecnológicas y de redes sociales usan nuestro tiempo y nuestra atención para ganar dinero. Explica que en la medida en la que estas organizaciones retengan nuestra atención, podrán hacernos llegar publicidad cada vez más precisa, debido a que manifestamos nuestras preferencias e intereses en la interacción en estas plataformas. Harris afirma que «cada vez que observas tu teléfono para ver si hay notificaciones [...] esperas una recompensa, como que haya un nuevo comentario, un retuit o una interacción. Ese es el modo en el que nos tienen secuestrados y no es malo ser secuestrado, puede que la estés pasando bien en Facebook recordando momentos o

retomando amistades, pero en esta guerra por nuestra atención tenemos las de perder porque la moneda de cambio es nuestro tiempo». ¿Y qué tiene el tiempo que haga tan importante todo lo antes dicho? El tiempo es un recurso no renovable, es lo único que no puedes comprar en esta vida.«La vida se gasta y es miserable gastar la vida para perder libertad» Invertir en vez de gastar «Si tuviera un poco más de tiempo».t Todos lo hemos pensado alguna vez, pero el tiempo nos hace iguales, los ricos no tienen más que los pobres, y ni unos ni otros lo pueden almacenar. Se va para no volver. ¿En qué estás gastando tu tiempo? Tal vez eres de las personas que comienza dando click en un video de un perrito bailando y 35 minutos después te das cuenta de que estás realizando una encuesta

para saber qué criatura mítica serías. O tal vez te esfuerzas en una jornada de trabajo más larga de lo legalmente establecido para poder comprarte un smartphone último modelo para poder estar en Facebook mientras te trasladas en el trolebús de dos pesitos. En lugar de gastar así, ¿por qué no invertir? ¡Es mejor! 1. Organízate Establece tus prioridades: Anota en una lista las cosas que tienes que hacer y divídelas en las que son importantes, las que son urgentes y las que son tanto importantes como urgentes. Sé previsor: Si afilas tu hacha antes de cortar, el trabajo es más fácil. Si has terminado una tarea antes de lo previsto, adelanta alguna otra de la lista, eso aumentará tu productividad. 2. Evita actividades que te roban tiempo No pospongas ni seas indeciso: Es verdad que para tomar mejores decisiones hay que detenerse a pensar, pero no lo hagas demasiado tiempo ni esperes las condiciones perfectas para hacer tus actividades, no seas perfeccionista. 3. Sé equilibrado y realista Equilibra el trabajo y el descanso, ambos son importantes: El adicto al trabajo se dedica tanto a ello que no le queda tiempo ni energías para disfrutar de sus beneficios, por el contrario, el holgazán difícilmente tendrá sustento para su vida. Duerme bien: Entre 7 y 8 horas continuas de sueño para recuperarte totalmente, mejora la concentración, la memoria, la productividad y te hace ser más feliz. Ponte metas realistas: Todos tenemos muchos deseos, pero si son poco realistas son imposibles de satisfacer, por ello aprende a ser agradecido con lo que tienes y a contentarte con lo que realmente puedes conseguir sin dejar en ello la vida.

4. Guíate por buenos valores Alimenta tu espiritualidad: Los valores nos permiten determinar lo que es importante y vale la pena, nos ayudan a fijar prioridades y metas. Haz del amor el centro de tu vida porque si le das ese lugar al dinero, a una profesión o inclusive a una persona te arriesgas a que todo tu mundo se desmorone en un abrir y cerrar de ojos. Una vez oí en algún lugar que compartir tu tiempo con alguien era la expresión más grande de cariño y afecto, puesto que el tiempo es un recurso no renovable, ¿Cuánto valen realmente las cosas? El psicólogo y escritor Charles Spezzano sugiere que, antes de comprar algo, calculemos cuánto tiempo tendremos que trabajar para ganar el dinero con el que pagaremos, y evaluemos si aún nos parece que vale la pena.

Mejores restaurantes mexicanos alrededor del mundo Katy Castro

a alta gastronomía cada día toma más fuerza en el mundo, hoy el comensal es más exigente a la hora de elegir con qué sorprender a su paladar y es por eso que los chefs han tenido que adaptarse a este nuevo público, ávido de experiencias. Hoy en día México está de moda, pero su cocina es valorada alrededor del mundo en los siguientes restaurantes mexicanos: 1. COSME, NUEVA YORK. DE ENRIQUE OLVERA Enrique Olvera es uno de los chefs que han destacado en el mundo de la gastronomía por su impecable planeación, diseño y presentación de sus creaciones. Su amor por la cocina nace desde que él era pequeño cuando visitaba la pastelería de sus abuelos. Más adelante, tomó la decisión de irse a estudiar al Culinary Institute of America y cuatro años más tarde vuelve a México para abrir su restaurante Pujol. La visión del chef es utilizar y destacar al universo de ingredientes que su país tiene para ofrecer al mundo, combinando las técnicas contemporáneas con las milenarias. En “Cosme”, el maíz, el frijol y el chile conviven a la perfección con los ingredientes locales del valle de Hudson, volviéndolo uno de los favoritos de los restaurantes mexicanos en Estados Unidos y en el mundo. 2. ELLA CANTA, LONDRES. DE MARTHA ORTIZ Lachef Martha Ortiz se caracteriza por ser una defensora de la cultura y la comida de México y en su cocina ensambla las tradiciones culinarias de larga tradición con técnicas contemporáneas, pero sobre todo, con arte. “Ella Canta” será inaugurado el 15 de septiembre de este año en donde destacará la belleza, vitalidad y el espíritu mexicano moderno. Uno de sus restaurantes con más fama en la

CDMX es Dulce Patria, el cual sirvió como inspiración y replicará platillos hechos por ella misma en la nueva propiedad de Londres. Uno de los platillos que provoca más expectativa es el Ceviche Vampiro con el esplendor del mango, así como un tamal de cerdo crujiente con amaranto. En su interior aguarda una arquitectura liderada por David Collins Studio y Simon Rawlings, en donde hacen sutiles referencias de mediados de siglo de grandes modernistas mexicanos, a la par de ilustraciones contemporáneas. Además, el diseñador mexicano Eugenio Escudero pondrá su más fino toque en los muebles que adornan el recinto con una instalación de nogal, tallada a mano de piso a techo. “Ella canta” es uno de los restaurantes mexicanos que más prometen a nivel internacional. 3. MEXIQUE, CHICAGO. DE CARLOS GAYTÁN En Huitzuco, Guerrero nace en el mes de octubre de 1970 un hombre que se fue a seguir el sueño americano. Tocó la ciudad de Chicago y la volvió suya, fue en 1991 cuando tuvo su primer trabajo como indocumentado en un restaurante de la zona como lavaplatos, mientras estudiaba inglés simultáneamente. Fue así como se le abrieron las puertas y comenzó a escalar, ya que fue en el 1996 cuando obtuvo el puesto de Chef Garde Manger en el Union League Club of Chicago, posteriormente en el 2004 fue Chef de Cuisine en elBistrot Margot, hasta que por fin en el año de 2008 lanzó este icónico restaurante que a la fecha ha sido símbolo de la cocina mexicana. Tal fue el éxito del restaurante y del chef, por supuesto, que fue el primer mexicano que ha recibido una estrella Michelin en el 2013, y el Chef del

La gastronomía mexicana es una de las más ricas, tanto en ingredientes como en sabor, y los chefs son los principales embajadores de esta exquisita cocina más allá de las fronteras geográficas. Nueva York, Londres y España son algunos de los lugares que han probado las delicias de los platillos mexicanos en restaurantes locales.

año en 2011 por la American Culinary Federation. El concepto de este restaurante en la avenida Chicago es ofrecer una gran creatividad, amor y dedicación con técnicas de cocina francesas, pero con ingredientes de la cocina tradicional mexicana, haciendo una revolución en la gastronomía contemporánea y elevando a los restaurantes mexicanos. 4. HOJA SANTA, BARCELONA. DE PACO MÉNDEZ Paco Méndez y Albert Adriá realizaron un viaje por Oaxaca, región en donde vive la hoja más utilizada: la “Hoja Santa”. De ahí nace el nombre del restaurante y la inspiración natural de éste, la hoja también es conocida con otros nombres como acuyo, momo y hierba santa. El origen de la cocina mexicana es prehispánica y con técnicas ancestrales, las cuales han servido de inspiración y ejemplo para muchas otras culturas gastronómicas, así es como lo describen los chefs. En Hoja Santa, proponen una versión libre y moderada sobre la cocina mexicana tradicional, en donde hacen un recorrido por las diferentes regiones del país con recetas e ingredientes únicos, los cuales serán los personajes principales del platillo, secundados de salsas típicas mexicanas. Este restaurante cuenta con una estrella Michelin y obtuvo el premio Salsa de Chiles 2015 como mejor restaurante de comida extranjera. 5. ISLA CALACA, MÁLAGA. DE DAVID OVADÍA Chef y propietario del grupo Bull & Tank Restaurant Group, en sociedad con Chava Orozco, David Ovadía aporta a España los exquisitos sabores de la comida callejera de México, como los singulares tacos con tortillas hechas a mano, y, por supuesto,

en su menú no falta el guacamole. Aguachile, tortas o tlacoyos sorprenden al paladar europeo con los ingredientes protagonistas como el maíz y las salsas típicas mexicanas. Dentro de la selección de restaurantes mexicanos no puede faltar algo tan tradicional. EL MEJOR DE MÉXICO QUINTONIL, MÉXICO. DE JORGE VALLEJO Este es el restaurante que ocupa el lugar número 22 de los 50 Mejores Restaurantes del Mundo y se encuentra en la CDMX, en la calle de Newton 55, liderado por el chef Jorge Vallejo. Consiste en una cocina mexicana contemporánea, inmersa en un ambiente minimalista, maridado con criterios de sustentabilidad, que lo posiciona como uno de los mejore restaurantes mexicanos. Manejan ingredientes frescos y de la temporada por lo que los platillos pueden sufrir algunos cambios sin previo aviso, lo que habla de la autenticidad del recinto que, en conjunto con Alejandra Flores, Quintonil ofrece a sus comensales. Además de ser reconocido en una de las listas más importantes del mundo, también lo es en eventos culinarios como el Premio Millesime México al Mejor Restaurante en el 2015.

Joan Costa

Nadie influyó tanto en el progreso de la Humanidad como Johannes Gutenberg con su invento de la imprenta con tipos móviles. Por ello se le considera el “Hombre del pasado Milenio”. Gutenberg falleció el día 3 de febrero del año 1468. Nos proponemos celebrar en el 2018 unas jornadas para conmemorar los 550 años de su muerte.

l sábado 3 de febrero de 2018, Europa conmemoró el legado revolucionario de la imprenta tipográfica y el 550 aniversario de la muerte de Gutenberg, personaje clave en la historia de la cultura y el progreso. Los diseñadores gráficos y todos los que amamos el arte gráfico y las disciplinas que derivan de él, deberíamos sentirnos concernidos, porque allí está el origen de nuestra cultura profesional. Hoy, los editores internacionales y gente del libro en general que acuden a la Feria del Libro de Frankfurt, están al tanto de que hay un tren en la cercana estación central, y tras un trayecto de apenas veinte minutos, pueden ir a parar donde está el origen de su oficio: en Maguncia (Mainz) la localidad natal de Johannes Gutenberg, hijo de una familia

de orfebres y metalúrgicos, cuyo oficio le dio la idea de la invención tipográfica. Tipografía es, literalmente, escritura con tipos. En Maguncia está el Museo Gutenberg. Sabemos mucho de la tipografía, del arte gráfico, del grafismo y de las artes del libro. Existe una cantidad apabullante de artículos, libros, monografías y documentos sobre la tipografía. Pero quizás son pocos los que pueden decir con toda propiedad por qué la tipografía gutenberguiana fue la semilla del diseño gráfico, tal como lo entendemos hoy.

Gutenberg era un humanista y el encargo de que la Biblia pareciese caligrafiada le hizo pensar. Cómo hacer que la fragmentación propia del sistema tipográfico, hecho letra a letra, signo a signo, pudiera parecerse a la letra ligada de la escritura manual. Encontró la idea en las abreviaturas: et, etc. y otras. Esas letras ligadas podían darse en una sola unidad tipográfica, un solo punzón y una misma fundición en plomo. Siguiendo esta lógica, estudió aquellas palabras que repiten unas mismas letras juntas. Pongámoslo en español: la letra q va seguida de una u, y luego vienen generalmente una e o una i (queso, quien), entonces, que y qui podían ser unidas tipográficamente en tipos de tres letras ligadas. Así fueron dibujados estos conjuntos, que además de introducir ligaduras en los textos imitando el manus-

crito, ahorraban tiempo a los tipógrafos y cajistas, que componían los textos signo a signo, buscados en sus cajetines correspondientes, y después de imprimir regresarlos de nuevo allí. Además, Gutenberg hizo dibujar letras para finales de los párrafos con trazos libres, rasgueos y arabescos que recordaban la escritura manual y los adornos y acabados de la caligrafía. Gutenberg quiso darles un nombre a esas letras ligadas. Si cada «tipo» se llama así porque cada signo alfabético tiene una forma (un tipo) diferente; y si cada tipo es un signo del alfabeto; entonces esos tipos ligados en uno no provenían del alfabeto sino que (como hemos visto con las abreviaturas y los fragmentos de palabras) venían de las palabras. Del griego logos, que significa palabra, discurso, Gutenberg tomó el prefijo y

LA MATERIA DEL GRAFISMO La materia del grafismo, aquello que lo hace trazable, manejable y visible, es la Línea. La sequedad mínima de la línea —ella misma abstracción pura que emerge del gesto, ener-

gía biológica—, ella, con sus arabescos, sus garabatos, sus trazos y sus trazados. Negro sobre blanco. En la hoja de papel, el lápiz fija un punto y hace fluir la línea, que se convierte en letra, en pájaro, en laberinto... El filósofo alemán Walter Benjamin habla de línea gráfica, línea de la escritura, línea de la geometría y línea del signo absoluto (el arte). La línea dibuja también la estructura de las cosas invisibles que están en el entorno y en el propio pensamiento: los esquemas. El primer libro impreso por Gutenberg fue la famosa «Biblia de 42 líneas», en referencia a las líneas de texto por página. La Iglesia alemana fue la primera clienta. Le encargó que tendría que parecer escrita a mano, y para realizarla tuvieron que fabricar trescientos caracteres.

le añadió el sufijo tipo: acababa de inventar el logotipo. Aldo Manuzio en Italia creó los caracteres itálicos o cursivos, que seguían también un rasgo de la escritura manual: la «cursividad». Cuanto más rápido escribimos, más las letras se inclinan a la derecha. Y si todos los caracteres eran dibujados bajo el modelo ortogonal (el ángulo recto) y el cuadrado, los caracteres itálicos rompieron con el canon tradicional: la libertad de la mano que escribe. Así, el humanismo, fundador del Renacimiento, permanecía de algún modo en la obra gutenberguiana. EL EFECTO GUTENBERG La invención de la tipografía tuvo un eco cultural en toda Europa. La fiebre impresora se extendió por el mundo, y la enorme produc-

ción de las imprentas se estimaba inaccesible, por lo que, para poder abarcar todo el conocimiento producido por la humanidad, se consideró necesario compilarlo y sintetizarlo en obras enciclopédicas como la de Diderot o D’Alembert. El gran esfuerzo realizado por los hijos de la Ilustración para llevar a cabo esas monumentales empresas editoriales tenía como objetivo «la difusión del saber acumulado que, gracias al uso efectivo del arte tipográfico debía permitir el triunfo final de la razón sobre la revelación y de la ciencia sobre la superstición» (Albert Corbeto). Gutenberg había inventado la comunicación masiva, la difusión del conocimiento. Y había sembrado el grafismo funcional como herramienta creadora de la tipografía que, cuatro siglos después, desembocaría en el diseño gráfico. Hijo del Arte y de la Técnica.

Hubo un momento, por cierto poco conocido, en que la imprenta de Gutenberg, pionera del diseño gráfico, se cruzó con el pionero del diseño industrial, Leonardo da Vinci, el primer artista industrial designer de la historia. Leonardo había imaginado una prensa de impresión en la que aparece por primera vez una noción de automatismo. En este proyecto, en efecto, la acción del tornillo de presión se transmite al mármol donde reposa la forma por medio de un cabestante, de modo que la composición, perfectamente accesible para las correcciones tipográficas, viene a situarse sobre la platina cuando el tornillo desciende y se libera por gravedad el muelle de retroceso cuando éste remonta. El prototipo en madera de esta prensa se encuentra en el Clos-Lucé, junto al castillo d’Amboise, en Francia, que fue morada de Leonardo de Vinci, en la que

murió, y fue convertida en museo donde se conservan los inventos mecánicos del genio. Así se cruzaron los ancestros del diseño gráfico y el diseño industrial en el Renacimiento. Pero el diseño gráfico llegaría más tarde, con la invención del Cartel por los artistas gráficos. Gracias al advenimiento de la litografía en 1796 inventada por Aloys Senefelder en Praga, los artistas plásticos llevaron la verticalidad del cuadro, la tabla o el mural a la vía pública. El mundo de la Línea explota con la Forma y el Color. Después, la escuela de la Bauhaus reúne el arte, el trabajo y la artesanía bajo la idea matriz de proyecto (el proyecto arquitectónico como referencia). Y todo aquello que nace del espíritu proyectual se considera disciplina de diseño. Fue así como el grafismo funcional gutenberguiano devino diseño gráfico.

EXTRA ORDI NARIO PODER DEL ARTE El arte gracias a su capacidad transformadora, juega un papel muy importante a la hora de construir un mundo mejor. Con esta premisa, la organización sin ánimo de lucro RxArt se ha propuesto convertir los fríos y estériles entornos hospitalarios, en lugares más cómodos para los pacientes y sus familias.

El poder terapéutico del arte es bien conocido desde la antigüedad. Artistas de todas las épocas han subrayado su capacidad para ahondar el alma y cambiar nuestro estado de ánimo, como Vasili Kandinski en su célebre ensayo De lo espiritual en el arte (1911). El artista Keith Haring señalo la relación entre arte y curación, y cómo el poder del arte para hacernos sentir más optimistas y aliviar la preocupación, es también una parte importante del proceso de curación. La confianza en el poder transformador del arte es la base de RxArt, pero su nacimiento se debe a una experiencia personal, la de Diana Brown, fundadora y presidenta de la organización. En una prueba médica, utilizó su imaginación como fórmula de escape, y recreó en su mente una obra de arte para sentirse menos intimidada. Tras esta experiencia, decidió ayudar a otras personas, convirtiendo los entornos hospitalarios en lugares más creativos y cómodos.

Diane Brown se sirvió de su experiencia en el mundo del arte, en el que se había mantenido activa como negociante, consultora y galerista para poner en marcha RxArt. Desde entonces, su objetivo ha sido el de convertir los entornos hospitalario en lugares más humanos, optimistas y creativos, aliviando de alguna forma la ansiedad de los pacientes y sus familias, y en especial, ofreciéndoles esperanza. Así, el trabajo de RxArt se ve continuamente recompensado por las muestras de agradecimiento de pacientes y familiares, pero también de v,isitantes y del personal que trabaja en los hospitales. Incluso en estas difíciles circunstancias, el arte cumple exactamente la función que se espera de él: dar al paciente la oportunidad de pensar en algo que no sea la enfermedad o el dolor. Además se ha demostrado que la presencia de obras de arte en los entornos hospitalarios es beneficiosa en todos los sentidos, ya que un ambiente inspirador, lleno de belleza, humor y bienestar, no sólo acorta las estancias hospitalarias; también reduce la necesidad de medicación.

20minutes.fr Traducción: José Angel Fuentes

HORÓSCOPOS

Tauro

(Abril 20 - Mayo 20)

Los cambios que se anunciaron se han vuelto más claros. En el aspecto financiero, será mejor que tengas más cuidado. Los eventos no planeados podrían alterar tus proyectos futuros.

Virgo

(Agosto 23 - Septiembre 22)

Tus amores provocan un poco tu felicidad, la insensibilidad está ganando un poco de terreno. Solteros, un encuentro no es imporible. Tú manejas tus asuntos con enegia.

Capricornio (Diciembre 22 - Enero 19)

Sería bueno ordenar tus sentimientos. Emprendedor, comenzarás nuevos trámites. Algunos conflictos pueden surgir en el ámbito profesional.

Géminis

(Mayo 21 - Junio 20)

No soportas ninguna barrera a tu libertad y tu otra mitad no hace concesiones. No olvides siempre devolver los favores que te hacen.

Libra

(Septiembre 23 - Octubre 22)

Eres celoso, situación que no es del agrado de tu pareja. Especialmente dado que no tienes ninguna razón para serlo. Persevera para cumplir tus itinerarios a tiempo.

Acuario

(Enero 20 - Febrero 18)

Incluso si el universo familiar aún está algo agitado, las cosas tienden a tranquilizarse. Si te movilizas, pondrás la primera piedra de tu objetivo. Haz las cosas con toda tu energía.

Cáncer

(Junio 21 - Julio 22)

Quizás sea el final de una relación. Ten tacto ya que el poder de las palabras a veces es muy violento. En el trabajo se acerca un periodo positivo.

Escorpio

(Octubre 23 - Noviembre 21)

La rutina diaria que pesaba sobre ti en estos días ya no te perjudica. En el trabajo, corres el riesgo de ser desestabilizado por obstáculos inesperados. Mantén la calma.

Piscis

(Febrero 19 - Marzo 20)

Sientes que te crecen alas. Deseas sentirte pleno en todos los aspectos. En el trabajo, cumples tus misiones con éxito.

Leo

(Julio 23 - Agosto 22)

El clima astral te hace pesimista, ves todo en negro. Sabes cómo relajar la atmósfera en tu lugar de trabajo. Tienes la elegancia para hacer sonreír a quienes te rodean.

Sagitario

(Noviembre 22- Diciembre 21)

La confusión reina en tu corazón. Espera para tomar una decisión, no te presiones. No te preocupes demasiado, hay posibilidades nuevas a la vista.

Aries

(Marzo 21 - Abril 19)

Pides demasiado al ser querido. Sé más realista. Alcanzarás un objetivo profesional y algunos colegas pueden ver mal tu entrega. Ignóralos.