Revista Cafe / arte y diseño by Analu G. Vargas

REVISTA CAFÃ&#x2030;

#01

Fernando Aceituno

Ingrid Morales

Herson Carrillo

Joselyn Barrios

Kevin Cordón

DURANTE LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

Ana Luisa González Vargas

Ana Isabel Interiano Pérez

Madelyn Alejandra Cruz

Karla Alejandra Pérez

P.34

Juan José Oxcal

José Sierra

Erick Pereira

Luis Armando Cruz

Diego Monzón

FINALES DEL SIGLO XIX Y XX

LAS CORRIENTES FILOSÓFICAS A

PENSAMIENTO Y CONTEXTO DE

A TRAVÉS DE LOS AÑOS

CONTEXTO, IDEOLOGÍA Y EXPRESIÓN

HASTA EL SIGLO XXI

P.24

María Fernanda Leal Paniagua

Dora Melissa Matzir Perez

María Mercedes Casasola

Alba Luisa Hernández Campos

TRASCENDENCIA.

SU HISTORIA, DESARROLLO Y

NUEVA ÉPOCA EN EL DISEÑO,

ART NOUVEAU, EL INICIO DE UNA

IDENTIDAD DEL DISEÑO GRÁFICO

LA IDEA DEL ARTE DE ACUERDO A SU

P.29

Vernie Quiquivix

Katia Pinto

Lidia Lam

Jázmin Miranda

Sindy Rosales

Claudia García

ACTUALIDAD

DESDE 1,700 HASTA LA

P.16

Carlos Alfredo Rodríguez Rosa

Héctor Adrián Ponce Ayala

Kimi Suzeth Gonzáles Lam

Cindy Avigail García Oliva

CULTURA VISUAL

FILOSÓFICA DEL ARTE POP EN LA

P.11

CONT

APORTE Y TRASCENDENCIA

P.03

EVOLUCIÓN DE LA TIPOGRAFÍA

IDO

Ana Isabel Interiano

APORTE Y TRASCENDENCIA FILOSÓFICA DEL ARTE POP EN LA CULTURA VISUAL

Los movimientos y cor rientes artísticas y de comunicación visual han sido a lo largo de la historia la for ma de expresión sobre lo que acontece en las sociedades, o todo lo contrario, una for ma de dar vuelta a las expresiones antagónicas como la guer ra. El caso del Pop Art describe específicamente un intento de renovación y reivin dicación a favor de las expresiones idóneas para todo público, luego del surgimiento del expresionismo abstracto, que era clasista y estaba compuesto por intelectuales que no estaban cerca del desar rollo post – guer ra. Era una cor riente visual que pretendía ser entendible y extender se hasta la per sona común, se caracterizó por utilizar temas y técnicas basadas en los recortes, superposición y el uso de medios de comunicación masiva. Era de fácil consumo debido a que sus precur sores llevaban buenas relaciones inter per sonales y log raron difundir a lo largo de Estados Unidos y Europa, el

mensaje de reivindicación de los periódicos, comics, televisión y figuras populares de culto.

Es un movimiento que re pre senta las g randes ciudades, sin tocar en ningún momento lo natural por conce pción. Su fin es sin duda estético, pero sobre todo, para criticar las sociedades de consumo. De hecho, el tér mino “Pop” se concibe a partir de lo “popular” y particular objetivo. Lo que se vivía para entonces era una situación inentendible para los intelectuales, por lo que era un deber manifestar los cambios surgidos a raíz de la Segunda Guer ra Mundial y el inicio de la Guer ra Fría. Su re presentación podría parecer fría, sin embargo, conlleva una serie de limitantes que definen a los verdaderos artistas y pensadores del tema, de los aficionados a la aplica ción relativa de infor mación. El pop art es un movimiento del sig lo pasado se caracteriza por utilizar imágenes populares

desde medios de comunicación, sin embargo no es su única característica, existen varios aspectos dentro de este arte que serán analizados. La realidad objetual es evidente, esta cor riente rechaza totalmente el expresionismo abstracto y busca devolver la realidad del mundo y sus objetos en sus artes. A esto se suma el lenguaje realista y figurativo muy característico de esta cor riente, tanto como las ideas de esa misma época, en algunos artes se hace presente incluso el lenguaje onomato péyico que no necesariamente es con temporáneo. Se trataba también de un pensamiento socialista y cultural, que se presentaba en revistas, periódicos, comics etc. básicamente artículos que eran de consumo social; la crítica no se hacía presente, este movimiento filoso faba sobre sus pinturas como sencillos “motivos”, lo que fundamentaba el objetivo de las piezas. La palabra “pop” era frecuente en fotog rafías, folletos, anuncios, carteles y anuncios publici taros en los cuales utilizaban escenas eróticas pero escondidas entre una g ran cantidad de imágenes con objetos o elementos. Entre los objetos de uso cotidiano y domésticos aparecían fotos de per sonas semidesnudas o totalmente desnudas, en algunos se observaban imágenes de Mang as, que son comics japoneses en donde el erotismo y la se xualidad se llevaban a niveles exuberantes. La siguiente característica se puede definir como “Tratamiento pictórico de for ma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y re presenta objetos reales, no se concentra exclu sivamente en sus cualidades for males, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas g racias al empleo de imágenes familiares y fácilmente re conocibles”. (A little of pop art, 2011). Es decir que esta cor riente tenía un sentido significativo en cuanto a la representación de los objetos que pre sentaba, una mezcla de lo real con lo abstracto, lo racional y lo emocional, ambos conce ptos se podían percibir en las artes. Combino g ráficamente en las composiciones de sus obras materiales reales como botellas, integ rándolos a un ambiente radical, de protesta, de

fantasía y que pone a juicio cualquier tipo de expresión tradicional tal como el dadaísmo. El pensamiento de esta cor riente se enfocaba en los status social contem poráneo, como la violencia, la fama, tragedias, sexualidad, erotismo, etc. y como se mencionó anterior mente la sociedad del consumo. También se ca racterizaba por figuras ampliadas y a su escala por naturaleza, utilizaba figuras planas y e iconos estilizados. Los objetos cotidianos eran utilizados en fotog rafía tanto como en esculturas, mostrando la cotidianidad con la que se vivía, en diver sas obras se presen taban productos de limpieza, cig ar rillos, planchas, lámparas, refrigeradores, televisores etc. Otra inspiración del pop art eran las figuras famosas del momento, entre ellos John F Kennedy, Michael Jackson, Mao Tse Tung, etc. se veían combinaciones de los rostros de los famosos aplicados a estatuas y esculturas públicas. En cuanto a las técnicas empleadas, esta cor riente buscó mezclar diferen tes objetos y elementos aplicándoles diferentes texturas y una paleta de colores puros, f luorescentes brillantes y encendidos que contrastaban de g ran manera, que desafiaban lo tradicional, acabados llamativos eran característicos del pop art. Como técnicas de realización era común utilizar desde silkscreen, o serig rafía, que es un método de impresión de patrones por medio de presionar pintura sobre un tipo de maya o película delg ada hacia papel o tela, hasta el empleo del óleo. Sin embargo también se hizo popular la producción masiva, mostrando ironía e ir reverencia ante una nueva sociedad de la industria empleaban fotog rafías y collages. “En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera prog resiva hasta reducir su trabajo a una re petición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.” (Pop art 2010).

el término “Pop” se concibe a partir de lo “popular”

Las técnicas utilizadas son de yuxtaposicion de varios elementos, como la cera, P.04

generales de este arte fueron de alcance a nivel de una “cultura” particular.

Jacob Parr

Andrey Flakonkishochki

“El Pop art, al inspirarse en la publicidad y al ser ovacionado por un público de masas, encantado de reconocer objetos cor rientes en los cuadros y de ahor rarse el esfuerzo que re presentaba la interpretación de las obras del e xpresionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su car ga de ironía y de ambigüedad.” (El Arte de las Vanguardias, 2013). La constante aplicación de imágenes que las per sonas veían en sus alre dedores y en las calles generó una tendencia a acatar más los espacios per sonales y cotidia nos para tener estética. La fascinación que ejerció sobre todo en los estadounidenses fue tal que desbordó los estandartes en cuanto a ejecuciones artísticas en espacios públicos, además de nostalgia por las inf luencias de su juventud, del desasosiego para ejecutar sus tareas y lo que era cong ruente en las vidas de todos.

re produjo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea.” (Pop art 2010). Utiliza un material símil, que es una fina malla que la pintura log ra atravesar para plasmar sobre papel o tela, la pintura se aplicaba en tonalidades contrastantes y llamativas. La malla para la serig rafía y el papel deben ser fijados a un marco para asegurar que no se muevan durante el proceso de impresión. La tinta es colocada en el marco sobre el borde inferior y aplicada a la malla usando una goma para oblig ar a la tinta a pasar a través de cada uno de los orificios abiertos de la malla. Esta for ma de impresión era importante, ya que dotaba de imperfección a lo estético, reafir mando que el arte pop es humano, ir reverente y rebelde.

Las primeras técnicas de seri g rafía para el arte pop utilizaron tinta a base de aceite. En las técnicas moder nas se utilizan más comúnmente tintas a base de agua las cuales son menos tóxicas que sus homólog as que están hechas a base de aceite. La técnica original de serig rafía requiere que la pantalla de la malla sea fabricada partir de la seda, pero las pantallas de serig rafía que se fabrican actualmente están hechas con materia les sintéticos más baratos, como el nailon y poliéster. Los patrones son creados en la serig rafía mediante el uso de medios tonos para simular alteraciones en el color sin tener que usar diferentes tintas o cambiar las pantallas. La técnica de medios tonos varía la distancia entre los puntos de color que son forzados a atravesar la malla con tres propósitos principales para la serig rafía. En primer lug ar, es para crear tonos de un color o de color para teñir los espacios más g randes que quedan entre los puntos de color para suavizar la

p o P t r a

sombra sin tener que cambiar las tintas. El segundo uso de medios tonos es para g raduar a un color desde oscuro a claro mediante el aumento de la distancia entre los puntos de color sobre la pantalla de serig rafía. Por último, mediante la colocación de bloques de color y la super po sición de medios tonos crean la ilusión de que diferentes colores pueden ser creados dentro de un diseño serig rafiado estampado.

El nacimiento de esta tendencia fue a partir de la necesidad de contar historias propias de las sociedades establecidas en la época e inicios de los años 50, cuando al entrar a la Guer ra Fría, muchas de las culturas habían requerido cambios. La desolación vivida a través de la Segunda Guer ra Mundial fue devastadora y dejó un espacio de intercambio que solo se podía ejecutar a través de las artes. La inf luencia de las inteligencias de diver sos países log ró converger en una for ma que no fue idónea: el expresionismo abstracto. Es por eso que los elementos

Su caracteristica principal es utilizar temas y técnicas basadas en los recortes

Como característica del pop art se presentaban los patrones con imágenes o símbolos estilizados o sin expresión, para esto se utilizaba la técnica del sellado acompañado de la serig rafía. Cada vez que una tinta de color es aplicada sobre una pantalla, se debe utilizar una nueva malla. El proceso de sellado manual se P.05

Andrey Flakonkishochki

óleo, pintura plástica, junto con materiales de desecho como fotog rafías, trapos viejos, collages, y assemblages. Esta cor riente se sirve de objetos industria les principalmente como los carteles, embalajes etc. Utiliza también imágenes populares con una diferente per spectiva que log ra una postura estética o una crítica acerca del consumismo, así también se hacen presentes elementos retro como nuevos que son muy característicos de la post-moder nidad. Esta cor riente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa, etc. Se utilizaban materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban carg adas de ironía e ir reverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. El mecanismo que utiliza fundamentalmente este movimiento es la serig rafía, “debido a la e v olución de técnicas, aquellas muestras alcan zaron la máxima despersonalización, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de se rig rafía, con esta tónica de trabajo

realiza mediante la unión de esténciles de papel o de papel de aluminio sobre la pantalla para evitar que la tinta penetre estas áreas.

P.06

El pop art ejerció una inf luen cia de igualdad en materia de memorias objetivas. Era una memoria colectiva y evidenció lo fácil que se concebía con anterioridad lo que se tenía en el entor no; en los espacios de trabajo, en los hog ares y en las escuelas, se frecuentó el análisis sobre las ejecuciones que ayudaran a estereotipar las mentes con ideales de infancia. Se enfatizó el estudio de los materiales y las composiciones que se podían crear al mezclar diferentes aspectos referentes al arte, como el color, el estilo, la composición y el diseño como tal cobró inspiración en la publicidad masiva del entonces. La resultante de apoyar se en la aparición y ejecución a través de elementos y per sonas inf luyentes en la for ma de pensar y actuar, fue elemental para distribuir la inf luencia visual que se veía deteriorada dadas las circunstancias de estos años. “Por otro lado, la elección deliberada de objetos manufacturados para figurar en sus cuadros, y la insistencia realista en el mundo que nos rodea, no significa falta de ima ginación ni de creatividad en los artistas Pop.” (El Arte de las Vanguardias, 2013). Asimismo, vale la pena tomar en cuenta que a pesar de ser una contramanifestación artística contra el expresionismo abstracto, por sus inf luencias específicas sobre las sociedades intelectuales, el pop art generó piezas de arte de g ran escala. “El fenómeno se pareció (también) al primer Dadá, sobre todo por utilizar elementos recuperados que eran triviales y aestéticos.” (Her nández, 2013). Es así como el pop art se convirtió en una manera de recuperar elementos estéticos de los medios de co municación que por entonces distribuían masivamente la infor mación, (televisión, radios, carteles, mupis, etc.).

En consecuencia, podemos afir mar que de hecho, el hilo conductor hacia el conce pto que se manejó con el Pop Art, fue no enfatizar el arte como tal, sino las actitudes que lo conducen. Ver todo lo complejo como un solo ente que obedece a una estructura infor mativa basada en las imágenes que nos rodean constantemente. El pop art obedece a los impactos visuales que ocur ren todos los días, y que en esos días respondían a reivin dicar el papel de los medios y virar la cabeza hacia donde no existía la ira, rencor, ag ravio (por las guer ras desatadas) y falta de trascendencia en la manifestación artística. Inició como un movimiento que surge a raíz del intelectualismo marcado en las per sonas que discuten y exploran el ex presionismo abstracto después de la Segunda Guer ra Mundial y en los albores de la Guer ra Fría. “Es un movimiento que subraya el valor iconog ráfico de la sociedad de consumo”. (Arte Sig lo XX: Arte Pop, 2010.) El movimiento desar rollaba en base a elementos inequívocos de las g randes urbes, como productos y per sonajes emblemáticos que for maban los ideales de belleza y calidad en la época (y algunos lo siguen haciendo). Del mismo modo, el arte popular revistió la utilización de la propag anda para publicitar estos espacios que además de vender productos y per sonajes con un fondo de ideas, vendían arte. El enlace se encontraba en los medios publicitarios masivos, con los que algunos de sus prin cipales precur sores, como Andy Warhol, llevaban una excelente relación. Es pertinente además, recalcar que el papel del pop art se desenvolvió, no a costas del arte en sí, sino de su fondo y lo que llevaba a su realización. P.07

Es un arte completamente citadino; “utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para log rar una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.” (Arte Sig lo XX: Arte Pop, 2010). Por esta razón, utilizar cualquier material y composición era válido, ya que era un tributo a la susce ptibilidad de encontrar belleza en cualquier objeto de consumo: plásticos, papeles, cartones, latas y envases de vidrio y plástico. Gracias a su facilidad de lectura y asociación inmediata con los entor nos de las g randes urbes, la esencia superficial de sus obras respectivas tomó aún más auge cuando fue apreciado por un público por demás vulg ar. Vulg ar en tér minos de popular, como el mismo nombre denomina, y no solo por no ser intelectuales. “Al inspirar se en las imágenes de la publicidad y al ser ovacionado por un público de masas, encantado de reconocer objetos cor rientes en los cuadros y de ahor rar se el esfuerzo que re presentaba la inter pretación de las obras del ex presionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carg a de ironía y de ambigüedad.” (El Arte de las Vanguardias, 2013). Como explica Luis Fer nández, “la filosofía Pop re presenta dos cosas: una filosofía exotérica y una filosofía que piensa a través de objetos de la cultura pop”. (LDFLounge, 2011). Básicamente, se refiere a que es apta

para cualquier per sona, debido a sus inf luencias de elementos vulg ares y clásicos, pero también que no piensa en los elementos como tales, sino a partir de ellos. Para estudiar los componentes del Pop Art, debemos conocer las bases del Pop, que fuera de cualquier estilo y estética, se basan en principios de cultura y desafío al intelectualismo. ¿Qué es real? Inf luenciada por los desafíos de los estudios fre cuentes en lo asociado a las lenguas, ciencias exactas y economía, el arte desafía las tendencias, creando a partir de lo existente, una nueva cor riente que nubla lo poco convencional con nueva manera de vender productos y publicitar casi cualquier cosa de uso cotidiano. Asociada a la condición filosó fica tradicional, podemos hablar de que nos re presenta el mundo, la verdad y la subjetividad. Como cultura de masas, se apropia del “lenguaje ordinario”, además de “ir en contra de todo idealismo o metafísica, a favor de la vida cotidiana... empleando canales masivos de comunica ción.” (LDFLounge, 2011). Como ar ma de marketing, infunde una nueva manera de solventar los problemas esencia les de las marcas y la for ma de ofrecer y vender sus productos a una nueva etapa económica que abolía el trabajo manual y trataba de salir adelante con la innovación a través de la hidráulica y mecánica. La cultura pop es un estandarte para tener ideas y generar her ramientas de P.08

contrabandeo de maneras y artes de vivir a fin de ser realmente plurales y libertarios. “El pop desar rolla sus propuestas a partir de la desacreditación de imágenes tomadas de la cultura de masas. Se fundamenta en la idea de que las pantallas cinematog ráficas, las e xcesivas reproducciones y popularización de las obras maestras han modificado los hábitos visuales contemporáneos.” (Ayala, 2012). Es por eso que se reconcilia el lado vulg ar y ligero con el de los bienes de consumo, brindando estética a cualquiera que sea el producto. Se concentra-

Tratamiento: Ana Isabel Interiano Foto: Luis Pedro Castellanos

ba en verificar todos aquellos elementos que parecían faltos de atención, y hasta cierto punto, que quedaban fuera de los límites del arte. No creaban algo del vacío de sus canvas, más bien tomaban las esencias fundamen tales y tomar esas imágenes para concebir nuevas. La cultura pop no desar rolló una tendencia, escuela o tradición, sino más un enfoque de cómo hacer filosofía. Enfocar todo a lo popular y ver a partir de lo objetivo, lo más singular de lo subjetivo e individualista. El evidente odio al objeto, causó desenfrenadamente que

se pudiera utilizar cualquier elemento que, ya fuera unido a otros mediante collages o utilizado de for ma re petida, causara una revolución visual. Descontextualizar es quizá el mejor tér mino para desambiguar la cultura pop, que desar rolló una nueva for ma de inter pretar lo esencial; lo cotidiano. Podemos hablar, además de su base filosófica como la des articulación de los objetos. Buscar una nueva per spectiva y posición respecto de un elemento específico. “Cuando lo superficial deja de ser una característica trivial para conP.09

el arte pop en las sociedades de consumo, encontramos que finalmente no todos los productos de la industria cultural respondieron plenamen te a la categoría de bienes de consumo, ya que no lleg aron a consumir se. Se idolatró la lata de Warhol, se teorizó acerca de todo lo que hablaban los intelectuales y per sonajes de la época. El arte ter minó considerándose como un medio para los fines materiales de la sociedad moder na, invistiendo a las for mas populares de un significado ideológico, por ayudar a enfatizar todo lo inherente del arte, mas no a la cultura. Son un producto más de mercado.

La superficialidad de los elementos estudiados para poder se colocar en un orden aparente de jerarquía visual en contraste con colores planos, brindaba una estética aparente para toda la sustancia de lo material. La sociedad sabía que vivía manipulada por la opulencia, y que todo producto que se le vendiera como arte igual que publicidad, podía ser una intervención visual.

El respaldo presentado por el arte pop fue la creación de una nueva cultura tendenciosa, con enfoque mercadológico y desar rollo de productos desde lo más elemental, pre parando el camino a una per sonalización del humano como usuario y no solo como consumidor. La intelectualidad se cambió por expresión pero con un fondo estético y manejable a favor de la revolución de las ideas. Este movimiento que surgió en Londres, que celebraba el consumismo a diferencia de la cultura elitista de las bellas artes, fue una de las cor rientes probablemente más rebeldes e incomprendidas en la historia. Se basa en temas sociales, como la sexualidad, el consumo, la industrialización, y la fama, pinturas famosas de Marilyn Monroe, y Elvis marcan esta cor riente. Sin embargo algunas piezas tienen un pensamiento un tanto más banal y aparentemente sin valor, utilizando objetos de uso diario o cotidiano, objetos únicos como una famosa lata de sopa. El uso del collage es característico del pop art, donde combina fotog rafía, pintura, objetos reales etc. aplicándoles colores vivos y llamativos y dife rentes texturas. Esta cor riente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa etc. Utilizando materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban carg adas de ironía e ir reverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. En la actualidad existe una tendencia por usar obras clásicas del pop art en playeras y poster s decorativos, principalmente para ambientar escenas con un denominado “estilo retro”.

“En el ámbito de la cultura popular, en el que se inscriben la mayoría de los productos mediáticos, ha prevalecido una visión técnica de sus objetos desde que teóricos como Ador no y Horkheimer sentaron el juicio dominante sobre la sociedad de masas y la cultura que le es propia mediado el siglo XX. HablaWmos de “técnica” en el sentido que Aris tóteles dio al tér mino téchne. Que los contenidos populares y los medios tecnológicos que los difunden sean medio para unos fines socioeconómicos preesta blecidos, como postularon los teóricos de Frankfurt, significa que, en su calidad de artefactos o cosas fabricadas, hechas, objetos de una acción técnica, deben responder eficazmente al fin para el que fueron confeccionados: ref lejar e incluso simular ideológicamente los intereses, ideas, afectos, creencias o modos de vida de la sociedad capitalista que los consume. (Luengo, 2011, 65). Luego de este re paso en el estudio de la filosofía que aportó

Greg Guillemin

vertir se en un cumplido, habrá que poner en duda los princi pios estéticos que la moder nidad proponía para involucrar se con otros, que tienen que ver con una for ma más inmediata de ver las cosas. La transparencia pura (puritana) ha sido reemplazada ahora por la veladura, el significado por el sentido, la esencia por la presencia y la profundidad por la intensidad superfi cial.” (Ayala, 2012).

La cultura pop no desarrolló una tendencia, escuela o tradición, sino más un enfoque de cómo hacer filosofía. P.10

ART NOUVEAU,

EL INICIO DE UNA

NUEVA ÉPOCA EN EL DISEÑO, SU HISTORIA, DESARROLLO Y TRASCENDENCIA. A través de los años hemos visto como diferentes movimientos han inf luenciado en el desar rollo histórico de la humanidad, las tendencias o cor rientes artísticas no son exce pción a esto. En el presente ensayo se busca abordar el tema del Art Nouveau o Arte Nuevo y mostrar la inf luencia filosófica que ha tenido y la huella que ha dejado en la nueva época del diseño g ráfico, ya que, más que ser un estilo artístico se le puede considerar como una nueva manera de ver las cosas. Pero ¿Cómo podemos demostrar la trascendencia que ha tenido el Art Nouveau en el campo filosófico y profesional del diseño g ráfico? Desde los años 1800 hasta la primer Guer ra mundial, los países europeos y Estados Unidos fueron testigos del naci -

miento de un nuevo movimiento artístico, el Art Nouveau, arte que tomó por inspiración las for mas presentes en el mundo natural. A raíz de esto, y en un periodo de constante moder ni dad, el Art Nouveau según menciona Rosales, M. (2009):

“Quiso conse guir una autenticidad en la estética, buscando la manera de hacer arte con lo cotidiano, respetando lo tradicional para hacerlo moder no. Esto influenció en la arquitectura, en la literatura y también en las artes a plicadas como la ilustración, el diseño, la escultura, el trabajo en metal, etc.” P.11

El tér mino viene desde 1895 cuando Siegfried Bing abrió una g alería llamada “ La Maison de L’Art Nouveau” que era una g alería para el arte contemporáneo, esto generó una popularización tanto del nombre como del arte en sí. Alcanzó una audien cia mundial, debido a que favorece el consumismo, en especial con las vibrantes artes impresas como periódicos, ilustraciones de libros, carteles o poster s (publicitarios e infor mativos), así mismo en las piezas de joyería. Debido a su presencia en todos los países de Europa, el art nouveau tuvo diferente nombre en cada región, esto per mitió que se mantuviera como característica principal la inspiración en for mas naturales y orgánicas del mundo natural, pero cada país utiliza estilos propios de

cada región para poder mezclar estos con el art nouveau y mejorar el arte en sí. Esto generó un movimiento artístico que buscó siempre la au tenticidad, evitando las cor rientes clásicas de la época victoriana; sin embargo, el movimien to es una emulación de ideologías y postulados que se fueron desar ro llando como anteceso res, principalmente el Arts & Crafts, creando así un nuevo estilo que tenía como objetivo la innovación. Aun así, el Art Nouveau no es el resultado úni camente de una histo -

ria exclusiva de Europa sino que también es la mezcla de algunos estilos orientales y clá sicos que pretendían demostrar un quiebre con lo tradicional y lo viejo. Es por esto que el Art Nouveau se transfor ma en una cor riente filosófica importante que inf luye no solo en el arte sino que también en cómo la arquitectura, el mobiliario y el diseño g ráfico y de productos.

Pasando a discutir las características de movimiento podemos recordar lo dicho por Gaudí en 1880, todo sale del g ran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso. El Art Nouveau tuvo como objetivo moder nizar el arte y diseño, tratando de escapar de los estilos históricos estáticos que previamente habían sido popular. Los artistas se inspiraron en ambas for mas orgánicas y geométricas, diseños eleg antes y evolucionados con f luidez, for mas naturales con contornos más angulares. El movimiento se ha com prometido a abolir la jerarquía tradicional de las artes, tales como la pintura y la escultura, para darle importancia

Viéndolo desde un punto de vista filosófico, este arte hace uso de muchas for mas y movi mientos que eran parte P.12

a las artes decorativas a base de artesanía. Existían ideales de una liberación por medio de una creación de un arte nuevo que deje atrás la existencia de una diferenciación de clases, ya que pretendía que todas las artes fueran una sola g ran arte. Las distintas ramas del diseño se encuentran a nuestro alrededor, en todo con lo que nos relacionamos día a día, como menciona Mucha: “Para muchos artistas lo esencial era que el arte afecta y unificar la vida de la gente, no sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos (…), sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado. Incluso puramente objetos funcionales”. A partir de ciertos estudios botánicos y bio lógicos se estableció la naturaleza como fuente primaria de inspiración, pretendían romper las cadenas con los estilos pasados, estas líneas f luidas pretenden tra-

Anastasia Galaktionova

Spaarnestad - Art Nouveau

del sig lo XIX, los artistas de esta época consideraban que todas las artes y trabajos manuales debían ser tomados como iguales, accesibles y todos debían disfrutar del arte como tal: “se creía en hacer arte por el bien del arte”.

Según De La Cuesta, M. (2011) el Art Nouveau es: “Una decoración naturalista de abundantes motivos de f lores y animales que no eran meros ador nos en los objetos, sino el medio para dar la for ma. La función y el uso se convierten así en un placer estético.” Desde ese entonces, podemos encontrar un registro sobre la importancia que se le daba a crear algo que no solo fuera estéticamente ag radable, sino que también cumpliera su función. En la actualidad, rescatar este pensamiento es darle fortaleza a la car rera, que esté codificado de acuerdo con el g rupo objetivo al que va dirigido. En un mundo cambiante es im portante adaptar se a las nuevas tecnologías y estar pendiente de lo que está pasando en el mundo del diseño, el Art Nouveau por su enfoque a la aplicación comercial, le dio su particular atractivo y duradera presencia. A pesar de ser una aplicación del arte, busca también ser comercial y de esa for ma satisfacer y

per manecer. Las piezas impresas que se crearon en esta época son consideradas como los primeros medios de publicidad y propag anda lanzadas, esto dio paso a un medio masivo de comuni cación, al ser un tipo de arte nuevo; los artistas se tomaban su tiempo para experimentar esta nueva for ma. Las tipog rafías que se utilizaban eran basadas también en for mas f lorales y eran hechas a mano alzada así como también las imágenes que se realizaban.

cas que fueron generadas por la base del Art Nouveau. Uno de los pensamientos gene rados por el Art Nouveau es que el arte o diseño no debería ser analizado con parámetros tan rígidos como la ciencia o las matemáticas sino que nace del alma, pasando por la conciencia y transmitiendo su belleza en la vida. En la actualidad podemos afir mar que g racias a este pensamiento se generan los estilos propios que utilizamos los dise ñadores, ya que nos mantenemos en una constante búsqueda de poder generar algo que nos re presente, una característica particular que sea la fir ma de nuestro diseño. Intentamos ser innovadores no solo en nuestro conocimiento sino en lo que producimos como diseño y esta sigue siendo la chispa del Art Nouveau en nuestro g remio de diseño.

Como hemos podido comprobar el Art Nouveau fue una cor riente de liberación para el artista, pero ¿cómo podemos decir que inf luye tan intrínsecamente en el diseñador si es un movimiento artístico y tan natural? El aporte del Art Nouveau en el diseño g ráfico resalta un cambio al mundo, el tér mino Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de refor ma, rebelión y libertad. Nos transfiere esa cor riente de Este movimiento abre las puertas hacia la producpensamiento, no estar confor me ción industrial y con lo establecido a la comunicación EL ART y ser curiosos para masiva. Mostrando NOUVEAU encontrar nuevas desde ese entonces FUE UNA soluciones. Si bien el panorama de lo el diseño involucra que sería el diseño CORRIENTE DE más análisis que el hoy en día, una LIBERACIÓN arte, exige cons rama dirigida a las PARA EL masas. tantemente una capacidad creativa ARTISTA La fir meza en lo de innovar, crear que creían los pio lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo neros del Art Nouveau los hizo es comunicar a través del arte, alcanzar la libertad de pensasaber conseguir y aprovechar la miento, dejando atrás las exinspiración, para luego crear nos pectativas de los demás y de un sello per sonal, característi- ese modo restarle importancia P.13

Monro Photo

bajar como una metáfora para ese rompimiento o liberación de expectativas y críticas. En la contemporaneidad, se observa una tendencia que favorece las líneas rectas y simples. Pero la postura que el diseñador con temporáneo debe ser un criterio responsable en donde no escoja la tendencia orgánica o lineal en base a sus gustos per sonales y se incline por romper los estilos, desar rollando el propio.

Las artes que proliferaron durante esta época abren las puertas hacia la producción industrial y los movimientos de comunicación masiva.

a las críticas. Lleg aron a alcanzar una fir meza en lo que creían, esto es uno de los g randes leg ados que nos dejó el Art Nouveau, ya que, log ra la individualidad y de este modo también se busca evitar el plagio, debido a que al contar con un estilo de pensamiento y generar un estilo propio (que ref leja ese pensamien to), se hace evidente cuando alguien más intenta copiar dicho estilo. La otra encomienda para la contemporaneidad de parte del Art Nouveau es que mostró a la mujer al natural, con sus curvas y su figura lozana. Este aspecto que pide ser aplicado en la actualidad, para mitig ar el exceso de retoque fotog ráfico. Al hojear una revista o catálogo, las modelos presentadas tienen las mismas características físicas, su morfología es similar, pero es una utopía. Las pocas campañas en donde se muestra la belleza de la mujer real, han sido recibidas satis factoriamente. El diseñador g ráfico debe de ser responsable del mensaje que va a transmitir. Se trata siempre de buscar la originalidad, también se debe incluir eso en las fotog rafías, mostrando la diver sidad morfológica que existe en el mundo. La tipog rafía también tenía relación con las curvas de la figura femenina. Predo minaban las líneas orgánicas y ondula das, también motivos y la búsqueda de la asimetría en los caracteres, seguían de esta for ma siendo fieles a su principal inspiración, la naturaleza. Se buscaba la combinación de la imagen y la tipog rafía para que fuera ar mónico visualmente, en la actualidad no solamente se busca que se ar mónico sino que también sea funcional. Como su eje principal es la naturaleza, los colores que se utilizaban eran sutiles y apag ados, predominando los tonos tier ra, pasteles y agua, en contra posición de un café oxidado y un ocre. Lo importante a resaltar es que nunca se desvía su eje, tanto en su manera de ilustrar, la tipog rafía y color utilizado, todo tenía una razón para estar presente en la pieza.

El art nouveau marca el inicio de una época porque dio lug ar a la se paración entre disciplina y profesión, ósea la especialización de una per sona en un área específica del arte. Como por ejemplo; la creación de artículos de decoración se comenzó ya a conocer como diseño industrial. Se hace necesario que un dise ñador sea un “todólogo” ya que para ser parte de un proyecto nuevo es necesario que indague cada uno de los aspectos del tema que se va a manejar, pero aun así el diseñador sigue siendo específicamente un diseñador g ráfico. El Art Nouveau ha tenido un revaloramiento en los últimos veinte años con el nacimiento del diseño postmoder nis ta. Los artistas de todo el mundo están utilizando hoy elementos de este estilo como sus líneas sinuosas, elementos na turales y f lorales, así como sus colores característicos. Uno de los elementos característicos más inspiradores del Art Nouveau son los carteles de ninfas con elementos naturales, f lores y or namen tos, estos son de los elementos del Art Nouveau que más inf luencia ha tenido en los diseñadores g ráficos y sus traba jos. Algunos de los más bellos trabajos impresos re presentan ninfas con elemen tos f lorales, con los colores específicos del Art Nouveau como el verde olivo y el ocre y las sinuosas líneas de la tipog rafía Art Nouveau. Como resultado de la investig ación y análisis presentado, podemos concluir que el Art Nouveau, busca romper las cadenas con los estilos pasados, por lo cual el diseñador contemporáneo debe tener un criterio responsable, en donde no escoja la tendencia en base a sus gustos personales o por moda sino que se incline por romper los estilos, genere un pensa miento fir me y en base a este desar rolle el estilo propio; además cabe recordar, si bien buscamos dejar nuestra marca en nuestros diseños, debemos velar por la funcionalidad de ellos creando así piezas altamente estéticas y funcionales.

Busca la combinación de la imágen y la tipografía

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EVOLUCIÓN DE LA TIPOGRAFÍA DESDE El Bar roco fue un periodo de la historia en la cultura occiden tal, produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente (Sig los XVII y XVIII). Si el Renacimiento se caracterizaba por una vuelta a lo clásico, a la ar monía y al gusto por lo sencillo, en el Bar roco todo esto se llevó al extremo, con composiciones más complicadas, obras pictóricas y esculturas con estructuras colo sales, ostentosas y recarg adas. Era una época de riquezas y opulencia. Clasicismo abarca desde princi pios del sig lo XVIII a comienzos del XIX inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Grecia clásica. Tipog ráficamente, se caracteriza por el

1,700 HASTA LA ACTUALIDAD refinamiento en el desar rollo de los tipos, el contraste entre los trazos g ruesos y finos y for mas más estilizadas. A parecen las Romanas Moder nas Didot y Bodoni. Sus delicados trazos los hacen menos legibles que las “romanas antiguas” pero con una superior eleg ancia.

John Fell (1625-1686) fue el principal precur sor de las nuevas cor rientes tipog ráficas que hubo en Ing later ra. Supervisó el trabajo de la recopilación de fuentes que sirvieron para la fundación de las Prensas de Oxford allá por el sig lo XVII y que reciben su nombre: FellTypes. La preocupación de Fell por la composición y el diseño era tal que decidió encarg ar la tarea a maestros holandeses en vez de dejarlas en manos de los in g leses, que consideraba como padres de todo tipo de equivocaciones tipog ráficas. Tomando P.16

como ejemplo los caracteres de Robert Granjon, las tipog rafías Fell sirvieron para la composi ción de todos los títulos salidos de las prensas de Oxford durante un sig lo.

A parecieron los tipos pesados y rígidos empleados en los títulos para llamar la atención. A parece el tipo sansserif, cuya característica más importante es la ausen cia de serfis (ador nos)

Respecto a las tipog rafías, a este periodo se le suele denominar “de transición”, aunque es cierto, hubo aportaciones que tanto pre pararon el camino al Clasicismo como enriquecieron los ya existentes. Holanda, Ing later ra y Francia jug aron un papel muy importante en el desar rollo de los tipos de transición. La tipog rafía bar roca destaca por un acentuado juego de ejes y contrastes ir regulares que impregnan el texto de g ran viveza.

En 1796, el músico alemán Alois Senefelder inventa en Munich, casi por azar, la litog rafía. Con ella acababa de nacer el tercer procedimiento de impresión que, dicho sea de paso, despertó un interés muy relativo en Ing later ra, cuna de la posterior revolución industrial. Este proceso tecnológico conlleva un cambio conce ptual verdaderamente notable. La sustitución de las arcaicas prensas por los nuevos ingenios mecánicos per mite la ampliación de los for matos de papel a imprimir, con lo cual los carteles y naturalmente las letras superan los estrechos límites en que los pequeños for matos y los caracteres tipog ráficos cor rientes a que estaban sometidos.

La revolución industrial La revolución industrial tuvo un impacto dramático en la ti pog rafía. Los tipos hechos por Bodoni y Didot se adaptaron a la naciente industrialización, las líneas delg adas se convirtieron en g ruesas al disminuir el contraste del trazo para soportar mejor las exigencias de la impresión. No duraría mucho.

Es tal el impacto que el nuevo procedimiento produce que abre nuevas e indiscriminadas expec tativas al tipóg rafo, quien usa y abusa de esta técnica hasta límites insospechados. La canti dad de tipos nuevos a los que se somete a toda posible variación es enor me. Las aplicaciones de la tipog ra fía se multiplican: Carteles, manifiestos, periódicos, publicidad comercial, etc. El uso de caracteres de cuer po enor me — construidos en madera— y de caracteres góticos que aumen tan la superficie de neg ro sobre la página ya no son suficientes. Así, en el intento de cor respon der a las nuevas necesidades, se establecen, de hecho, nuevas di rectrices en el desar rollo de los caracteres.

patrones para comprarla, las crisis comerciales, el fracaso en los negocios, los er rores de los bancos y la pérdida de la fuente de trabajo, ocasionada por el desplazamiento de la mano de obra humana por nuevos adelantos técnicos. Sin embargo, en lo que cabe, el nivel de vida de las per sonas en Europa y América mejoró notablemente durante el sig lo XIX.

La tipog rafía para una época industrial Con el surgimiento de la Revolución Industrial un g ran número de per so nas dejaron de laborar las tier ras y buscaron empleos en las fábricas y g racias a esto las ciudades crecieron rápidamente y hubo una distribu ción más amplia de la riqueza. La inver sión de capital en máquinas para la fabricación masiva, llegó a ser la base del cambio industrial y del desar rollo. Se estableció un ciclo de producción en espiral. La demanda de una población urbana que crecía rápidamente y poseía g ran poder de compra, estimuló las mejoras tecnológicas. Esta circunstancia facilitó la producción en masa, lo que produjo un incremento en la presencia de productos dispo nibles en el mercado, y la reducción de costos. El prog reso vertiginoso de la Revolución Industrial no se realizó sin costo social. Esta enor me fuerza de trabajo de hombres, mujeres y niños, a menudo era fuertemente recortada; algunas de las causas que provocaron esta situación eran la sobre producción anticipada (con el consecuente almacenamiento de mercancía o la saturación del mercado), el incremento desmesurado en los costos de la materia prima y la incapacidad o la avaricia de los

Los críticos de la nueva era industrial pensaban que la civilización estaba cambiando los valores humanos por el interés económico. El g rado más alto de igualdad que se inició a partir de la revolución francesa y americana, trajo consigo un mejoramiento en la educación pública y, por tanto, la posibilidad de leer y escribir, por lo que el público lector, consecuentemente, aumentó. Este periodo inestable con continuos cambios se caracte rizó por una mayor trascendencia y disponibilidad de la comunicación g ráfica. Las artesanías desaparecieron casi por completo. La unidad de diseño y producción que tenía un artesano llegó a su fin. Este sig lo dinámico, exuberante y a menudo caótico, presenció un desfile vertiginoso de nuevas tecnolo gías y de for mas imaginativas y expandió las aplicaciones del diseño g ráfico.

Siglo XIX A lo largo de la historia la tipog rafía ha tenido múltiples usos y connotaciones, pero es en el sig lo XIX donde sufre más cambios, y aunque dichos cambios fueron opacados por los convulsionantes sucesos que el mundo vivió en esa época, la importancia de la tipog rafía como instrumento que comunica y expresa no nos puede dejar indiferentes. A comienzos del sig lo la sociedad aún estaba en proceso de adaptación a las novedades que la Revolución Industrial dejó a su paso. Entre estas la inver sión en maquinaria para la producción de bienes materiales en masa dio paso a un sistema Capitalista. Dentro de este proceso comienza a incrementarse la demanda de materiales impresos, tales como periódicos, carteles y publicidad. Las tipog rafías existentes ya no cumplían su función comunicadora, ya que los materiales impresos lleg aban a un público mucho mayor, sediento de cono cimiento e innovación. Sumado a esto las antiguas tipog rafías eran muy complicadas de re producir en los nuevos métodos de impresión. Los tipos evolu cionaron a unos de palo g rueso y serif recto, mucho más simples e impactantes.

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La comunicación visual, prin cipalmente en países como In g later ra y Rusia, tomaba provecho del espíritu Nacionalista y Romántico de los pueblos para hacer lleg ar mensajes con alta carg a emotiva a favor de los ideales políticos y culturales. La variedad de estilos de tipos que fueron creados en el sig lo XIX tiene que ver con la dualidad de los pensamientos, tendencias e ideales que la sociedad fue adaptando. El Romanticismo fue una cor riente caracterizada en la ruptura de estereotipos y de la liberación del ser, se fundamentaba en los sentimientos y el ca rácter liberal de las revoluciones. En contraposición se encontra ba el Neoclasicismo movimien to severo, poco emotivo, que recuerda a los estilos romano y g riego “g lorifica las g randes virtudes de la antigüedad, ace pta el pag anismo y ag reg a la ciencia a la emoción..” Por su parte se encontraba el Realismo, el tema principal de este movimiento fue la vida cotidiana de la vida de las per sonas de clase media. Cada uno de estos movimien tos dieron paso a una g ran carg a creativa, tanto en diseño, pintura, arquitectura y literatura. Tomando los ideales puros de dicho movimiento o incluso combinando sus características.

1990-1918

Hoy día no lo apreciamos, pero no es más que la evolución de estas vanguardias que en su tiempo rompieron el modelo establecido abriendo la puerta al “todo vale”.

La tipog rafía fue avanzando al igual que cada uno de los movimientos artísticos que se ma nifestaban en la época algunos, como los futuristas, los dadaístas, los constructivistas. Se adoptaron nuevas for mas abstractas en distintas variaciones como tipog rafía en blanco y neg ro que fue una de las primeras abstracciones en el mundo de color. El hombre moder no ha sido absorbido por una masa de material impreso que, lo haya solicitado o no, le es entreg ado en su buzón o al atravesar las puertas de su casa. En un principio, los impresos de hoy se diferencian de los an tiguos menos en la for ma que en la cantidad. Pero a medida que la cantidad se incrementa, la for ma a su vez empieza a cambiar: la velocidad con la que los moder nos consumidores de impresos deben absorber estos hace que la for ma de los impresos deba adaptar se a las condi ciones de la vida moder na. La esencia y desar rollo de la tipog rafía en este período de tiempo, buscaba la claridad y legibilidad en cada letra; cuya claridad no tiene nada que ver con el alto nivel que se requiere hoy en día. Esta extrema claridad es necesaria hoy porque las múlti ples cantidades de impresos que P.19

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Pero la sociedad no se acomodó a esto. El Capitalismo encontró su contraparte en el Socialismo y el Comunismo, de lo cual surge por primera vez en tér mino de derecha e izquierda. Se libraron guer ras civiles, guer ras en pos de la Inde pendencia y se llevaron a cabo Revoluciones que abarcaron el ámbito político, social y cultural. Esto no solo sucedió en el Antiguo Continente, también fue un Sig lo importante para la liberación de los países de His panoamérica.

reclaman nuestra atención, requieren una g ran economía de expresión. Un estilo fue el dadaísmo, que defendían el absurdo, la provocación, la incong ruencia y la contravención como base de la creación artística. Se maneja ba de manera clara, con variaciones de tamaño y posición; el expresionismo buscaba la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la an gustia del mundo y de la vida, la tipog rafía emplea las palabras escritas como un mero añadido y no como el punto central de la re presentación artística. El cubismo jueg a con la descomposición de elementos utilizan do la tipog rafía como un medio

favorable; el futurismo buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencio nales, la tipog rafía sobresalía de manera clara y directa en el mensaje con variaciones abs tractas. Estos movimientos, creados para romper con todo, abren una nueva puerta al diseño g ráfico y en especial, al diseño tipog ráfico y al uso de éste, pues revaloriza el alfabeto clásico usado tradicionalmente como mero trans misor de palabras para transmitir sensaciones o comunicar. Estas vanguardias lleg an hoy a nuestros días y las asimilamos como parte del decorado urbano en el que nos vemos inmer sos, en los carteles publicitarios, en la televisión, inter net, en la calle… etc. P.20

1920 En los años 1920 fue impres cindible la participación de la Bauhaus en el tema de tipog rafía y fue László Moholy-Nag y quien demandaba que en toda obra tipog ráfica se debía tomar en cuenta aspectos como: elasti cidad y variedad, con ello crear una tipog rafía con claridad absoluta. En la actualidad, estos principios deben ser aplicados en el tratamiento de la letra en una composición visual, g racias al aporte de László Moholy-Nag y se toma en cuenta el contraste de componentes visuales con re lación a la disposición del tipo. Herber Bayer también contribuyó al desar rollo de la tipog rafía moder na intentando simplificar el alfabeto, creó un alfabeto minimalista sin remates. Guiado

por estos principios, Jan Tschichold presentó su tesis basada en tipog rafía asimétrica además de los caracteres de palo seco y espacio en blanco que el diseñador actual utiliza con frecuencia para crear un perfecto equilibrio en la composición, estos per sonajes tuvieron una justificación válida para su utilidad que en la actualidad muchos utilizan sin un porque, es importante saber el origen y el uso cor recto de las tipog rafías así como Herber Bayer creó el tipo Bayer teniendo en cuenta las características que deseaba plasmar, un tipo muy conservador.

Con esto nos damos cuenta que a lo largo de los años la tipografía ha tomado mayor importancia como un elemento fundamental en la composición de un diseño y su correcta aplicación da lugar a una pieza visual original, equilibrada y con buen uso de la estética.

De esta manera surgió la revolución o diversas revoluciones digamos, como lo es la Revolución cultural, de los sesenta la cual se inclinaba a la crítica social: Hippies, feministas, movimiento negro, etc. El prestigio de los intelectuales cercanos al marxismo al existencialismo o al estructuralismo era muy alto en las universidades. Existía una gran crítica social.

T heo Balmer en 1930 empezó a utilizar la retícula para apoyar el orden tipog ráfico, elemento que ahora es imprescindible para cualquier diseñador g ráfico en la realización de piezas g ráficas y que desde la antigüedad se le ha dado la debida importancia.

Por otra parte el papel de los medios de comunicación fue muy destacado: por primera vez en la historia existía la posibilidad de llegar a un gran público con imágenes de televisión. Y por lo tanto en diseño fue tomando un rol más importante en la sociedad, no solo como publicidad, sino como comunicación. Las nuevas ideas, y propuestas surgieron con un enfoque más social, y por lo tanto la tipografía tenía que ser más funcional y conceptual.

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A mediados del siglo XX Times New Roman creado por Stanley Morison, fue el tipo más leído, el fin principal del autor era crear un tipo legible y transparente, lo cual logró indiscutiblemente con su popularidad. Las principales características en los tipos de 1940 seguían siendo ausencia de ornamentación. En 1950 con la invención de técnica de fotocomposición, la utilización de caracteres de metal fundido fue menor a la de épocas anteriores, esto tan solo fue el comienzo del final de dicha técnica y con la utilización de la fotocomposición se añadieron nuevas características de innovación que se aplicaron a la tipografía. La creación de la tan popular helvética surgió en ésta época, Max Miedinger fue el autor de la misma basado en el tipo Azkidenz Grotesk. Esto es un ejemplo de cómo se puede encontrar inspiración en piezas creadas, aplicando el correcto conocimiento en nuevas creaciones y dándole la debida importancia a lo que ha sido consultado para su creación.

Siglo XX Durante la segunda mitad del siglo XX se empezó a utilizar el término sociedad de masas, que hacía referencia a cualquier sociedad dominada por la cultura de masas, los medios de comunicación de masas, la sociedad de consumo de masas y las instituciones impersonales de gran escala. Este término surgió a partir de que la revolución industrial, “masificó” las producciones debido a la industria.

En 1960 existe una renovación en la tipografía con la difusión de la televisión y cambios científicos, culturales y sociales que surgieron además comienza un breve acercamiento con la composición en computadora pudiéndose editar y seleccionar información y con la utilización de la litografía offset dando fin a la utilización de tipos de metal fundido.

Con la neo-marxista Escuela de Frankfurt, la sociedad de masas se vinculó a la sociedad de individuos alienados, unidos por la cultura industrial que servía a los intereses del capitalismo. Pero por otro lado, siempre hay excepciones, individuos que quieren salir del corriente donde se ven estancados. Sin embargo, las excepciones también forman parte de un conjunto. Bell dice que, la sociedad de masa se trata de una sin un hilo central y que es la variedad la que la conforman. Por lo que podemos deducir que la sociedad de masas está conformada por la variedad.

En 1961, Josef Müller-Brockmann publicó Gestaltungsprobleme des Grafikers (El artista gráfico y sus problemas de diseño) el cual fue un documento muy importante porque fue el primer documento que se difundió internacionalmente, en donde el autor da su punto de vista sobre temas de relevancia en el ámbito de diseño, la impersonalidad y la objetividad en la tipografía son temas desarrollados en esta publicación basándose en la eliminación de efectos expresivos y decorativos en la misma. Luego de esta publicación en 1963, Gerstner publica “Diseñando programas” en donde el tema principal era una tipografía integral.

Así pues podríamos intuir que, esta sociedad de masas, luego lo que produjo fue una necesidad de “ser único” o diferente, con lo que constantemente surgen cambios, de tendencias y de ideologías. P.21

Por ejemplo, en el caso del art nouveau, influenció la creación de tipografías en los años 1990. “El art nouveau ofrece a la sociedad una imagen de sí misma idealizada y optimista. La naciente civilización de las máquinas no supone un oscuro y pesado mecanismo: al contrario al liberar a la sociedad de la necesidad y del cansancio” (Giuilio Carlo Argán , Anda, 2004). Al igual que el art nouveau, también el futurismo y cubismo influenciaron tipografías con características menos ornamentadas, y algunas más pesadas, etc, pero algunas de las influencias se centraron, sobre todo, en las posibilidades de la composición tipográfica. Que marcó la diferencia de otras épocas donde se veían limitadas las composiciones tipográficas. Además también surgieron necesidades de identidad visual, con lo que una gran cantidad de propuestas tipográficas surgió también debido a que tal como la revolución industrial afecto a la sociedad, “sociedad de masas” , también afecto las necesidades de empresas que necesitaron una identidad y diferenciación , y aquí toma un rol mucho más importante la tipografía ya que con el crecimiento de la sociedad y de empresas

que ofrecían y que ofrecen sus servicios aumentaron, y cada vez es más difícil ser diferente a los otros y prevalecer en el tiempo sobre otros. Y la tipografía como parte de una identidad visual, que hace más fácil identificar, reconocer y diferenciar las características de un lugar u otro, de un servicio u otro y las sensaciones que son capaces de transmitir a través de esta, está definida en gran parte por la tipografía y la interacción de la misma en los proceso de comunicación. Al igual que el art nouveau, también el futurismo y cubismo influenciaron tipografías con características menos ornamentadas, y algunas más pesadas, etc, pero algunas de las influencias se centraron, sobre todo, en las posibilidades de la composición tipográfica. Que marcó la diferencia de otras épocas donde se veían limitadas las composiciones tipográficas.

tenido conceptual, que fuera capaz de expresar y describir a través de su forma y utilización, ideas, emociones, alusiones y un sinfín de cosas más. Asía es como las necesidades de la sociedad, el contexto y las situaciones dieron lugar y forma al diseño gráfico, y con este a las tipografías que fueron cambiando, evolucionando y aferrándose a los cambios sociales, volviéndose parte del sentir de la sociedad, y por tal razón cambiando con ella para ajustarse a los cambios y al as demandas de la misma.

El estilo grunge aparece en la década de los noventa en Estados Unidos conectando con un tipo de música rock y de estética que dan una apariencia de sucio y descuidado. Siempre que se habla de diseño gráfico grunge, se relaciona con la ilegibilidad. El enfrentamiento entre ilegibilidad y legibilidad fue el gran debate tipográfico de la posmodernidad. Los diseñadores tenían unos nuevos valores culturales y sociales y reQue con los cambios sociales y pens- chazaban la racionalidad, lo que abrió amientos, fue tomando el rol que le cor- un camino nuevo a la experimentación. responde como parte esencial y princi- La letra se convierte en imagen, queda pal de la comunicación. relegada de su función principal y se emplea como un elemento más en la La tipografía desde sus inicios, cuando producción gráfica. Brevemente que su función era representar el lenguaje, surgieron dos tipos de escuelas: las que fonemas, etc., y de ser manuscritos a defendían la teoría del diseño y las que ser tipos con el tiempo más industrial- defendían la habilidad tecnológica. izados, hasta llegar a poseer gran con- Algunas escuelas de diseño en Estados unidos retomaron las teorías postestructuralistas. Por ejemplo la Y las características de las tipografías Cranbrook Academy of con el estilo del art nouveau eran: Art, 46 28 bajo la dirección de Michael y Kath- Sinuosidad de la forma en relación con las curvas erine McCoy, impulsó de la figura femenina. Por lo tanto, líneas orgánicas la relectura de los textos y predominantemente onduladas. de Jacques Derrida enfocados a cambiar el - Tipografía dibujada en afinidad con el carácter orden del texto con el ilustrativo del estilo del Art Nouveau. La tipografía fin de tener una nueva tiene una función de anclaje con la forma de las lectura y hacerlo funcioimágenes ya que es tratada como imagen ofreciennar de forma diferente. do así un recorrido visual armónico cuando se la La Cranbrock Academy integra, por ejemplo, en un cartel. impulsó el rechazo a la objetividad del movi- Mayor partición espacial entre caracteres. miento moderno y se apoyó en otra de las - Uso de motivos decorativos propios del estilo ideas propias del posNouveau. modernismo que fue la autoexpresión. Otras es- Búsqueda de asimetría visual. cuelas que aparecieron en torno a las décadas P.22

Ana Luisa Gonzàlez

Siglo XX

Han existido muchos antecedentes históricos que le abrieron el paso a lo que hoy llamamos una carrera de comunicación visual, esto a partir de la Bauhaus, donde se abrieron paso a paso las artes gráficas como profesión, pero no podemos descartar el hecho que existen más antecedentes históricos previos a la Bauhaus. Dentro de esos antecedentes podemos encontrar las artes plásticas que se ven directamente como una de las influencias más fuertes en el diseño gráfico, asimismo podemos ver que existieron otras influencias para que el diseño gráfico

Todos los acontecimientos del siglo XXI, los cambios sociales, políticos, climáticos, etc; también exigen cambios en la comunicación perceptual y visual, influenciando a la tipografía. Se han creado eco-tipografías, las cuales están “perforadas” en las astas para el ahorro de tinta. Hablando de diseño se han creado un sinfín de nuevas familias tipográficas. Ahora el diseño está teniendo más renombre, ya que la información puede llegar a muchos rincones del mundo, y es así como se actualizan y se atreven a intentar producir diseño, estudiar diseño. La tipografía como medio de expresión se puede ver en el vandalismo, en el grafiti y sus letras abstractas para crear mensajes entre ellos, y ahora que está de moda el “lettering” que consiste en la caligrafía con pincel, pluma o algún instrumento similar, eso último se puede ver aplicado para portadas de álbumes de música, campañas deportivas, campañas de comidas, etc.

evolucionara, dentro de estas entran la semiología, la tipografía, la evolución tecnológica entre otras. El conjunto de estas nuevas herramientas vinieron a facilitar y encontrar nuevos campos como lo fue en el posmodernismo en el cual se abrió una nueva iniciativa hacia los estudios audio visuales con los comerciales para tv o la aparición de software y hardware los cuales abrieron campo al diseño de páginas web, en esta época también encontramos la cartelmanía y los diseños de portadas para los discos. Y así es como a través de los años, el diseño gráfico ha ido creando una identidad como profesión que cada vez tiene más campos para trabajar, hoy en día encontramos que el diseño gráfico va más allá del diseño editorial o web,

podemos ver hoy en día campos como la fotografía, ilustración, community manager que son ramas muy recientes pero que son muy cotizadas en el área de la comunicación visual. En el diseño gráfico existen una variedad inmensa de tendencias por medio de las cuales podemos reconocer diferentes épocas que han ido marcando la identidad del diseño gráfico, no necesariamente una mejor que la otra, cada una con sus características específicas que se desarrollaban conforme a su entorno sociocultural y que con el tiempo recorrieron el mundo y tuvieron un impacto diferente en cada continente y que han aportado rasgos que hoy en día aún se utilizan en el diseño gráfico.

Pero la esencia del diseño gráfico como tal no existía, desde un principio se creía

El diseño gráfico a lo largo de la historia se ha ido abriendo paso, a modo que hoy en día lo conocemos como una profesión, pero hay que resaltar que no fue siempre así.

IDENTIDAD DEL DISEÑO GRÁFICO Leonardo Da Vinci - La mona lisa

de los 80 y 90 entendieron el diseño como una simple técnica y habilidad en el manejo de unos programas de ordenador. Estas escuelas estaban a favor del aprendizaje tecnológico frente al intelectual. Influenciado por las nuevas tecnologías, por las ideas que estaban en contra de la racionalidad y de las normas editoriales surgieron los experimentos de David Carson que aparecieron en la revista Ray Gun. Esta estética creada por Carson se consolidó como “el estilo de su tiempo” 29, pero a diferencia del punk, fundado en la lucha de clases y en el uso de herramientas no sofisticadas, el diseño gráfico grunge ponía de manifiesto el uso del ordenador personal. Para muchos teóricos este acceso a la tecnología propició unas tipografías ilegibles y “feas” que se rebelaban contra lo establecido. Después de analizar las tipografías creadas en la era grunge, hemos sacado la conclusión de que las tipografías grunge se caracterizan por unos perfiles irregulares y unas formas defectuosas como vemos en la tipografía de Scott Makela.

En principio se pensaba que el diseño era meramente ornamental que este no debía comunicar sino únicamente adornar los manuscritos, se podía pensar que eran aristas cuyo único objetivo era hacer más bello un elemento.

A TRAVÉS DE LOS AÑOS

el proceso de creación de comunicación gráfica como carteles en una serie de pasos especializados, como también su creación en serie. Después de la revolución industrial la sociedad como tal empieza a tener declives y conflictos entre las áreas más vulnerables todo esto pasa ya que surgen las dos guerras mundiales que hicieron que este mundo temblara y fuera visto de otra forma, y los nuevos pensamientos que iban surgiendo y como también se iba sintiendo más la clara identificación del diseño gráfico, pero aun así la carrera no tenía nombre, si no es por la fundación de la escuela de artes plásticas de Bauhaus creada en 1919, con bases de la arquitectura de

por se empieza a llevar a cabo las primeras identificaciones con el diseño gráfico ya que era una escuela de artes se podía notar la filosofía que ellos tenían, ya que los alumnos de la Bauhaus solían adentrarse más en profundidad y poder ver nuevas formas de composición gráfica, uso correcto de los elementos, nuevos estudios en las tipografías, creación nueva de tipos, formas de experimentar con el color, entre otras habilidades y todo esto se debía al alto y riguroso nivel académico que se le exigía a los estudiantes de la bauhaus y gracias también a catedráticos como Van Doesburg, László Moholy-Nagy, Joost Schmidt entre otros, ellos pudieron profundizar más en el campo del diseño y la comunicación, tenían amplio conocimiento

de los elementos de diseño y sus aplicaciones, y todos estos guiados con una filosofía de comunicar sus mensajes hacia las demás personas, ya que su objetivo fue ayudar a lo sociedad comunicando lo que estaba pasando en esa época de guerra, lo cual hizo que en la fecha de 1933 esta terminara, pero nunca su legado para el diseño gráfico ya que nos dejó las mejores bases para diseñar y experimentar de una forma única la comunicación visual, a pesar de que tenemos herramientas digitales que nos pueden ayudar o distanciar nuestra mente en nuestro trabajo de diseño. Los movimientos modernistas tuvieron una fuerte influencia en el campo de la publicidad y el diseño gráfico aun cuando en principio no fueron bienvenidas las ideas de dicho movimiento, el pionero de la publicidad estadounidense Ernest Caulkins afirmo que el modernismo daba la oportunidad de expresar lo inexpresable. Un área en la que el diseño fue innovador fue en la publicidad ya que introdujo los “equipos creativos” formados por redactores y directores de arte, también surge la técnica de sobre posición de diferentes elementos (oleo, cera, pinturas plásticas, etc.) , surge la idea del trabajo

El surgimiento de los equipos creativos fue por la necesidad de realizar proyectos

en equipo para proyectos y se establece como una metodología de trabajo a partir de ese momento.

amplios con personas

En esta época surge el cartelismo político y la caricatura para que las personas dejaran de pensar en los momentos difíciles que estaba pasando Estados Unidos por la segunda guerra mundial, algunos tomaron la imagen como medio de comunicación directa y figurativa. El cartelismo tuvo un notable avance, influenciado por el surrealismo y simbolismo desarrolló un lenguaje de la imagen poderosa e impactante y es cuando nace lo que en la actualidad conocemos como “Una imagen dice más que mil palabras”, la aplicación de imágenes impactantes con poco texto de apoyo hacen del cartel un éxito en esos momentos.

especializadas en distintas ramas

Durante este lapso de tiempo el diseño editorial fue escaso pero sobresaliente gracias a los nuevos conocimientos sobre tipografía, esto hizo que el diseño tuviera más auge, a partir de entonces el diseño no sería considerado como un aspecto decorativo más ya que llegó a romper con el modelo convencional, creando una apreciación de manera poética hacia el color, la forma y el modelo.

Charles Sheeler - I love Bauhaus

ningún sentido más que estos, luego al entrar a la revolución industrial empezaba a cambiar este punto de vista, ya que los acontecimientos que estaban rigiendo en dicho momento hacían que la percepción de las cosas cambiara, ya que esta época surgieron muchas empresas por la demanda de las personas ya que estas se basaban más en lo material dejando de un lado la artístico y funcional para poder llevar el consumismo a las personas, debido a esto surgieron fábricas, que eran grandes ejes de movimiento de los cuales hacían que las personas se cambiaran de ciudades a trabajar y empieza el aumento de tiendas y negocios, todo el sector económico empieza a crecer, y desde este punto se podría ver que nace la esencia más importante del diseño gráfico, que es la necesidad de comunicar, se podría decir que es uno de los factores que ayuda a que tenga su propia esencia y filosofía una forma de pensamiento más allá de que un cartel se viera bonito, estético, o ilustrado, se miraba la intención de comunicación, de venderle productos a las personas, esto ya era un punto a favor de que el diseño gráfico empezara a crecer y a reconocerse como una carrera. También se puede tomar en cuenta que gracias a la industrialización de la revolución industrial se obtuvo un avance en

Andy Warhol - I love Bauhaus

que el diseño gráfico era una forma de arte simple, bello, atractivo a los demás y sin

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La simplicidad fue una herramienta básica del diseñador y el estilo no sería presentado con un texto extenso e imágenes literales, sino a través de asociación del producto con las formas gráficas apropiadas. Luego de la guerra, el sector empresarial requería un sistema de identidad y comunicación estratégica y esto dio paso al diseño de marca como una nueva rama del diseño gráfico, esto ayudó a que las marcas sobresalieran ante la competencia y dio un nuevo mundo de posibilidades. La misma publicidad fue haciendo una serie de cambios notorios en su estructura debido a que la idealización en los años 50 del diseño mostraba a la mujer como un ama de casa ahora en los 60, esto había cambiado y el objetivo ya no era atacar al consumo hogareño; la mujer seguía siendo punto de enfoque en muchos anuncios pero ahora llevaba un estilo más sofisticado, más elegante por lo mismo el consumismo fue un sube y baja tratando de no verse afectado incluso por la tan revolución femenina que exigía se dejase de usar a la mujer como figurativo de deseo o de motivación al consumo.

A pesar que muchas personas relacionan la llegada de los años 60 y 70 con el movimiento hippie este derivó más estilos no solo en vestuario si no que dentro de la industria publicitaria pues al lado de la revolución femenina la mujer fue mostrando más poder y pesadez no solo en los negocios y la moda, también en el arte y el diseño (gráfico y textil). (Cortés, 2011) El movimiento hippie ya mencionado se hacía notorio especialmente en Estados Unidos por sus protestas contra el gobierno y la guerra de Vietnam; este nuevo estilo de vida trajo consigo idealizaciones de vida diferentes que se

difundieron también en el ámbito del diseño gráfico teniendo como ejemplo las piezas recreadas con colores psicodélicos que era una visualización de las imágenes distorsionadas gracias a la utilización de alucinógenos como la marihuana y el LSD. (Arriaga, 2011) El diseño editorial también se vio seriamente criticado en los años 60 y 70 debido a que la comercialización de historietas o comics y revistas fue incrementando viéndose así en la necesidad de buscar medidas para su expansión tanto nacional como internacional ya que la competencia comenzaba a marcarse; claro ejemplo sería mencionar a

DC comics y a Marvel quienes a finales de los 60 se vieron envueltos en una competencia de mercado después que Marvel comenzase a llamar la atención del público joven, mismo que DC llevaba dominando desde sus inicios en 1938.A partir de los años 70 en Latinoamérica se comienza a reconocer el diseño como carrera profesional y universidades a lo largo de este tiempo comienzan a abrir sus puertas a la posibilidad de lanzarla como carrera y no solo una parte de la visualización de la carrera de arte. A partir de los años 70 en Latinoamérica se comienza a reconocer el diseño como carrera profesional y universidades a lo

largo de este tiempo comienzan a abrir sus puertas a la posibilidad de lanzarla como carrera y no solo una parte de la visualización de la carrera de arte.

necesitan estructuras funcionales y componentes funcionales dentro de la tecnología para vender sus nuevas creaciones.

Al inicio de la década de los años ochenta se tiene establecida la existencia del diseño gráfico, se comprende su funcionamiento, las personas saben que es una herramienta funcional de comunicación; pero aún no han descubierto la totalidad de su poder. A partir de los años 80 se empieza a conocer que la moda necesitaba del diseño gráfico para poder darse a conocer y transmitir sus ideales. La moda se desarrolló porque todas las personas apoyaban los ideales y ofrecimientos de una propuesta. Cada moda tiene ideales distintos; “Do it Yourself ” fue un ideal que estuvo de moda durante los años 80 y fue una tendencia mundial, el diseño gráfico como herramienta de comunicación a través de gráficas, texto y construcción de piezas logró comunicar de manera adecuada este mensaje que los productos deseaban transmitir. Desde entonces el diseño gráfico se encarga de iniciar y marcar tendencias a través de los años.

El diseño a partir del año 2000 se ha enfocado en generar adaptaciones de las piezas gráficas, para que sean funcionales y efectivas, en la primera década de los 2000 se ha tomado mucha conciencia respecto a la situación del medio ambiente y el diseño gráfico ha tomado mucho enfoque social, el diseño gráfico no pierde su base principal de transmitir información pero durante esta década se ha enfocado en transmitir información y hacer conciencia.

MarvinraxAvX - Historielta de los 70-80

Una característica de mucha relevancia con la que cuenta el diseño gráfico es su vanguardismo, en la década de los 90 la tecnología le da vida al internet, una herramienta que empieza siendo de utilidad para transferencia de datos, pero a medida que pasa el tiempo los diseñadores y empresarios le ven utilidades de comunicación, surge la necesidad de establecer sitios web por parte de las empresas grandes con el objetivo de comunicar su existencia de manera global, gracias a la oferta que hace el internet en esa época. De los años 90 en adelante el diseño gráfico añade la característica “adaptativa” a sus cualidades, la tecnología evoluciona frecuentemente y el diseño gráfico se adapta para suplir las necesidades de los empresarios, que necesitan hacer elementos visualmente existentes,

P.28

Han surgido conceptos como “amigable con el medio ambiente” y el diseño gráfico tiene mucha influencia en ello, los diseñadores gráficos nos hemos creado conciencia respecto a la actualidad por la que está pasando el mundo y tenemos el deber de transmitirlo, sin dejar a un lado la funcionalidad, la capacidad de transmitir emociones, sin perder la atención de los consumidores y sobre todo sin dejar de dar experiencias agradables a los usuarios. El diseño es totalmente adaptativo a las necesidades que presenta la sociedad. En la actualidad los seres humanos están conscientes que un mensaje de éxito es un mensaje bien diseñado, el diseño gráfico como profesión fomenta en los profesionales actitudes de servicio y calidad hacia la humanidad si perder el enfoque que le dio vida al diseño gráfico “Comunicar mensajes de manera eficaz”. Sin duda al diseño gráfico le queda mucho por delante ya que la humanidad gracias a la tecnología se encuentra en constante cambio y el diseño gráfico está capacitado para adaptarse a lo que venga con la finalidad de alcanzar siempre sus objetivos.

histórica de lo que lo que vivió, de su época; es por esto que las obras de arte también se han utilizado como instrumento para estudiar la historia de la humanidad, puesto que a través de ellas se puede conocer el modo de vida, la ideología, lo que pasaba en una determinada época, etc.

LA IDEA DEL ARTE DE ACUERDO A SU

Actualmente se define al arte como: “La actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, […] un sentimiento en formas bellas”. (Oxford Dictionaries, s/f, párr. 1.) Pero movimientos como: el surrealismo, el expresionismo abstracto, el dadaísmo y otros han demostrado que no se necesita de una finalidad “bella” para transmitir, subjetivamente, la realidad de una época. Por tanto, puede aclararse que la verdadera definición de arte debe ser una representación de constante persecución por respuestas relacionadas con el contexto del individuo, las ideologías sociales y las problemáticas culturales.

CONTEXTO, IDEOLOGÍA LA REVOLUCIÓN

realidad porque se características y los

acontecimientos que

INDUSTRIAL HASTA EL SIGLO XXI

Por ejemplo, el arte del siglo XVIII es muy diferente al del siglo XX ya que en ese entonces, la realidad era otra. Por tanto, “El arte de esta época, que inicia con el neoclasicismo, fue producto de una nueva manera de pensar, y de un nuevo concepto del hombre moderno basado en la doctrina de la ilustración.” (Arte Medio, s/f, párr.1) Entretanto en el siglo XX, “los artistas de Der Blaue Reiter, grupo expresionista, se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el creador y el espectador, al principio de la cual se encontraba la sensibilización del alma del pintor; emotividad a la cual el artista da forma en su obra.” (Terreni, M., s/f.)

se dan en un tiempo

Leonardo Da Vinci - La mona lisa

determinado. Esto se

Desde la época de la antigüedad o incluso antes, se ha visto como el ser humano ha intentado buscar las respuesta de su existencia, su entorno y su concepción...

representación de la

adapta al entorno, las

Y EXPRESIÓN DURANTE

El arte es una

En el año 2015 se les solicitó a los estudiantes de Octavo Semestre, el desarrollo de un ensayo relacionado con el diseño gráfico o el arte desde una perspectiva filosófica, en este caso el presente ensayo aborda el tema artístico. Esto con el fin de poner en práctica los conocimientos de síntesis y exponer de manera crítica una opinión; como se ha trabajado en el curso de Filosofía del Diseño. A continuación se expone la temática elaborada por cinco estudiantes de la Universidad de San Carlos en relación a la idea del arte de acuerdo a su contexto, ideología y expresión durante la Revolución industrial hasta el siglo XXI. Aunque estos conocimientos nunca han sido revelados con claridad ha habido P.29

varios intentos de resolverlos. Entre ellos se puede mencionar a grandes filósofos, sociólogos y científicos como: Karl Marx, Sócrates, Darwin entre otros. Por ende, parece ser que estos temas de alta preocupación para la persona están destinados a las ciencias. Pero se ha evidenciado que una de las formas más fuertes para comunicarlos es a través del arte. El ser humano ha encontrado en el arte una forma de expresión, ya sea individual o colectiva respecto a una nación, una época, un acontecimiento etc. A través de este ha plasmado su sentir, su entorno y la realidad de su contexto a pesar de su origen ético. Esto quiere decir que, el artista ha utilizado el arte como un instrumento para dejar una referencia

refleja en las corrientes

En ambos movimientos, se expresa el origen de su proceso creativo, sin embargo no parecen tener ninguna similitud. Esto sucede por los acontecimientos en ambos movimientos. Ya que, en el neoclasicismo se decide regresar a los clásicos por el descubrimiento de Herculano y Pompeya entre 1728 y 1738. Ambas ciudades antiguas fueron enterradas bajo la erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79d.C. Y al ser exploradas observaron que toda la comunidad estaba intacta. Haciendo posible la apreciación de costumbres, vestimenta, etc. de aquella época queriendo retomar sus expresiones artísticas en la época de Luis XVI. Mientras que en el siglo XX, el Der Blaue Reiter es inspirado por Kandinski quien es hijo de un comerciante de té con contactos en China lo que provoca su interés en la etnología y por tanto la filosofía de

artísticas que cambian de acuerdo

a las delos impulsos un enciarideologías a la misma sociedad Remplazando

las sociedades primitivas. Plasmando en sus obras animales y utilizando colores representativos, como lo expresa Marc en su carta a Macke (1910) “El azul es el principio masculino, severo y espiritual. El amarillo es el principio femenino, delicado, suave y sensual. El rojo es la materia, la realidad dura y brutal, el color que tiene que entrar en conflicto con los otros dos y sucumbir ante ellos”. Estos movimientos son un claro ejemplo de la diferencia causada por el contexto en el arte. Sin embargo, así como el tiempo afecto a este, también puede influP.30

a realizar un cambio en su realidad a través de la presencia de ideologías. Lo cual resulta ser sumamente influyente ya que se convierte en una objetividad masiva. Provocando dudas en el ser humano respecto a su vida.

Un claro ejemplo es el POP ART, ligado a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, provoca una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero. Toda su ideología influye en las personas de los años 60s.

destructivos del movimiento Dada enfocándose en la divinización de la cultura popular estadounidense.

contexto. Afectando los patrones de vida llevándolos a la experiencia de vivir dentro de esta “cultura” regida por el consumismo y los dueños del POP (Star system). Por tanto puede afirmarse que los artistas POP estaban más interesados en vender que innovar artísticamente reflejando esto en las características de un individuo de la época. Otro ejemplo es el Arte Minimalista o Minimal Art,

Así el arte termina siendo una herramienta para expresar lo que debería ser, reflejando en la obra los sentimientos Freyja & Zamudio

y creencias más firmes como seres humanos.

Unificando la ideología hacía la búsqueda del control sobre el entorno en relación al individuo; de manera que no fuera perjudicial para el ambiente. Por otro lado está el Land Art donde se utiliza la naturaleza como medio para crear la

obra, así que en esta se busca la adaptación al entorno. El land art es una vía de escape de la comercialización por lo cual la creación de obras con esta corriente se da en lugares lejanos a la vista de los espectadores. Como se denota, en el land art se hace uso de la naturaleza por lo cual su influencia es el movimiento ecologista, así como también busca inspiración en lugares y arquitectura importante del pasado. Así, se ejemplifica cómo las ideologías en el arte pueden llegar a cambiar la realidad social de toda una comunidad en base al pensamiento de una sola persona o de un grupo pequeño. Negando la definición de que el arte es una representación “bella” de un sentimiento.

P.31

Finalmente, se puede ver al arte como una representación filosófica de la realidad social en un periodo de tiempo. Esto quiere decir que el arte puede ser utilizado como un reflejo de los problemas dentro de una sociedad. Es en este punto en el que el artista debe dejar de lado lo moralmente correcto para poder expresar la problemática del momento y así aportar con una respuesta. Futurismo - Bernardo Casanova Neves

que propone la simplificación de los elementos a su máxima expresión. La inspiración del arte minimalista se basa en encontrar la belleza en lo simple y la utilización de materiales puros. Así como esta corriente nació de una reacción contra el expresionismo abstracto, da nacimiento al Arte pobre. Que agrega un valor simbólico a los materiales, es decir que se le dota de un valor artístico a materiales groseros en forma de protesta, de la cultura popular.

Aunque la mayoría de los movimientos que se basan en la premisa anterior son caóticos y muchas veces incomprensibles también son los más profundos en relación a la temática tratada. Entre estos podemos mencionar al futurismo y el dadaísmo. El futurismo surge como rechazo a las tradiciones y P.32

Busto de Platón

lo pasado, orientándose al futuro mediante una expresión dinámica representando lo moderno y la masificación de las grandes ciudades. Toma como modelo las máquinas y sus atributos: fuerza, rapidez, energía, movimiento y deshumanización. Por tanto, la manera de expresar la temática del movimiento es una crítica a la velocidad de materialización de las sociedades cambiando el aspecto humano por el tecnológico. Todo el movimiento es una sátira a la realidad que se vive en aquella época, dignificando la guerra como una fórmula para la cura de un mundo decrépito, sin posibilidad de la argumentación sentimental. De igual manera el dadaísmo es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona el por qué y la existencia del arte en todas sus expresiones. Al igual que el futurismo rechaza todos los esquemas presentados anteriormente y promueve la libertad, el cambio, la anulación de lo eterno, lo inmediato y la contradicción.

PENSAMIENTO

Esto sucede ya que la época en la que surge el movimiento es posterior a la primera guerra mundial. Es el acontecimiento en el que la sociedad pierde total fe en la humanidad y los perfiles de la moral son destruidos por completo. Dejando así un artemcarente de valor impulsando el caos mediante la expresión irónica. Todo lo relacionado a este movimiento, desde el nombre es totalmente contradictorio y absurdo, imitando el comportamiento humano durante la primera guerra mundial.

DE LAS

Y CONTEXTO CORRIENTES FILOSÓFICAS

En conclusión, se puede evidenciar que a través de la historia que el arte ha sido mucho más que una representación “bella” de la realidad. Sino que también ha sido una herramienta de divulgación para movimientos, acontecimientos e inconformidades en la realidad social de un individuo. Formando parte de la rebelión ante la imposición de dictámenes y formas de pensar y vivir.

A FINALES DEL SIGLO XIX Y XX

06 Leonardo Da Vinci - La mona lisa

En la reflexión sobre el arte, la expresión tomará un lugar todavía más relevante […] Esto conlleva una concepción nueva de la obra de arte como espejo del espíritu de la época, […] También conlleva la experiencia, por parte del espectador o destinatario de la obra, de encontrar en ella sentimientos respecto a los cuales tiene simpatía o resonancia. (Michaud, I. 2009)

A lo largo de la historia han existido un sinfín de corrientes artísticas, sin embargo en muy pocas ocasiones se analiza el pensamiento que hay tras ellas y del cual surgen, mucho menos sus implicaciones y la forma en que estas afectan a las corrientes que las suceden, pero principalmente la forma en que han afectado al diseño gráfico actual ya que si bien la carrera no lleva mucho tiempo con el nombre de profesión como tal, ha existido desde siempre y desde siempre se ha visto afectada por el entorno que lo rodea incluyendo la forma de hacer arte en cada época de la historia. Después de la Revolución Industrial el arte tuvo un giro en el cual cambió su forma de expresión, creando consigo movimientos artísticos muy variados, a continuación se hará un análisis de algunos de estos. P.34

El romanticismo, que ha sido uno de los más importantes movimientos artísticos de los últimos siglos, no solo por la impactante gráfica y el estilo tan propios que llegó a desarrollar, sino por la fuerte ideología que existía tras de él, la forma de pensamiento romántica fue una de las más drásticas y extravagante de la última época, tanto así que el ideologista romántico comúnmente termina cometiendo suicidio, debido a que no soportaba la idea de vivir en un mundo que no era el ideal para él y debemos hacer énfasis en que su idea de un mundo “ideal” tenía una expectativa bastante alta, es de aquí donde proviene la frase común de decir que una idea es “romántica” cuando es hasta cierto punto irreal, pero ¿Qué tanto ha influenciado el romanticismo al diseño gráfico

Expresionismo - Jean-Michel Basquiat

fue impulsado por la necesidad de ver a un mundo ideal para sus preceptos. Aunque estos conocimientos nunca han sido revelados con claridad ha habido Otro de los principales aportes del romanticismo es que fue la primera cultura que incito a la rebeldía dentro de sus exponentes, esto más tarde influiría fuertemente en algunas de las manifestaciones culturales y gráficas más importantes, como serían la cultura punk, ya que si el ideal romántico de no conformarse ante las ataduras que le imponían la sociedad no hubiera salido a luz una tendencia tan fuerte y marcada como esta, al igual que la cultura hippie, ambos tiene sus orígenes y principios en esta corriente, en el documento de Romeo menciona “La actitud idealista que no se corresponde con la realidad y que lleva al romántico a la rebeldía. La sociedad pone trabas a su libertad, por ello adopta una actitud rebelde contra las normas y lo establecido.” (2015) es así que aunque la profesión de diseño gráfico no se viera instituida como tal hasta muchos años después con la creación de la Bauhaus, el movimiento romancista ha sido base e inspiración para muchos de los movi-

Impresionismo - Bernardo Casanova Neves

actual? Para responder esta pregunta debemos recordar uno de los ideales más característicos del movimiento, según el centro cervantes “Caracterizan la estética romántica una ferviente pasión por la libertad, que llevó a los escritores a rechazar reglas generales y universales” (2012) su gran patriotismo, el afán de exaltar el civismo y amor por una nación combinada con su incesante búsqueda de la libertad, a tal punto que una gran cantidad de obras representativas del género traten sobre guerras en pos de una patria libre tal como “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix en el que encontramos a una mujer llevando la bandera de Francia sobre un ejército enemigo opresor, seguida de un pueblo que se nota no está preparado de manera alguna para partir a la guerra, marcaría las tendencias a seguir para un diseño gráfico posterior en épocas y carteles tales como los vistos durante la segunda guerra civil emitidos por los gobernantes de los países líderes de dicha batalla, incluso atreviéndose a mencionar que el mismo Adolf Hitler dentro de su forma de pensar llegaría a manifestar algunos rasgos de romanticismo ya que

mientos gráficamente más representativos de los últimos tiempos. Otro de los movimientos artísticos que se vieron afectados por el romanticismo fue el impresionismo, una generación de artistas que se oponían fuertemente a los mandatos plásticos impuestos por la academia y las grandes instituciones que representaban el arte en su época y que incluso fueron rechazados durante mucho tiempo por la sociedad en que se encontraban, Fcalzado menciona lo siguiente “Lo que estos artistas tenían en común era su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras.” (2012), es por esto que el impresionismo tiene mucha relación con lo mencionado anteriormente en el romanticismo.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

A pesar de que el romanticismo fue rechazado en sus inicios según la corporación cultural “Las Condes”, se trata de un momento fundacional del arte contemporáneo. Nada de lo que pasó en el siglo XX hubiera sido posible sin este movimiento generado por un grupo de pintores franceses. Como podemos P.36

ver, la mayoría de grandes movimientos artísticos, se da cuando el intérprete se cansa de seguir lo ya estipulado y empieza a buscar una forma de innovar, este mismo pensamiento se busca día a día en el diseño gráfico actual, la necesidad de innovar es algo que puede lograr la generación de momentos que marcan el desarrollo de las artes como tales, en el impresionismo pudimos notar un completo cambio de técnica, un uso de color diferente e incluso el aprovechamiento de la tecnología ya que se sabe que fue un movimiento fuertemente influenciado por la fotografía, misma que aún estaba en desarrollo para ese instante. Los movimientos vanguardistas empezaron a surgir en el primer cuarto del siglo XX, en el cual el arte es influenciado por lo político y lo social de ese tiempo (dos guerras mundiales) en donde la sociedad perdió la razón entrando en crisis creando movimientos artísticos de protesta. En este cuarto de siglo las obras empezaron a ser más innovadoras y experimentales. En estos movimientos los artistas comunican y reflejan la libertad que ellos y la sociedad requieren. En el Romanticismo sus principales conflictos eran sobre la crisis religiosa y sobre todo, el conflicto existencial; esto nutre al Expresionismo, otro movimiento artístico el cual absorbe las semejanzas racionales del Romanticismo. El artista expresionista despertaba en sus obras, sus sentimientos y emociones más no se preocupaba de la realidad objetiva; pues buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones

BAUHAUS - Anónimo

Áron Jancsó

erno. El término “minimalista” a menudo es aplicado para designar a cualquier cosa que de recambio o despojado a sus elementos esenciales. El minimalismo es una manera de entender la estética, un paso más allá de la abstracción que lleva a la forma y al color a la máxima simplicidad. Centrándonos en su definición el minimalismo también tiene su reflejo en una filosofía o forma de vida, que propone dedicarse a lo importante y descartar todo lo innecesario, esto como camino para alcanzar la realización personal, todos diseñamos nuestras vidas al decidir seguir un camino u otro o al tomar decisiones cruciales; pero el diseño de una vida hace referencia a una especial toma de conciencia sobre nuestras decisiones vitales y a la determinación de considerar la propia existencia como objeto de creación. Y por lo tanto es susceptible de ser inventado, diseñado y decidido.

ejemplo: la industrialización, el positivismo filosófico, la politización creciente de la vida, la burguesía, utopías entre otros.

del espectador esto se lee de manera más clara en el artículo de arte españa que dice “Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento” (2010). Algunas de sus características eran el uso arbitrario de los colores, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las figuras dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Con esto el artista da a conocer el lado triste de la vida formado por los acontecimientos históricos del momento. Toda expresión se ve reflejada a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas en donde no importa ni la luz ni la representación que se altera intencionadamente. El modernismo surgió como oposición al realismo, aunque este influyó en

gran parte de Europa y América, tiene mucho más importancia en los países de habla hispana. El modernismo defiende la única finalidad de que el arte es el arte en sí mismo entendiendo este como el amor por la estética y la belleza. Aunque el modernismo tuvo influencia en distintos artes, tuvo mayor influencia dentro del ámbito literario aunque muchas de sus características son comunes a otras artes, dentro de esto destaca principalmente en la poesía. Hay que aclarar que en un comienzo el Modernismo no es necesariamente un movimiento literario, ya que no sólo se vincula a lo artístico, sino a una serie de actividades, expresiones sociales y pensamientos que adquirían mayor proporción sobre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. La evolución del Modernismo se da por influencia de procesos e ideas que van tomando forma y generando conflictos sobre finales del siglo XIX, como por P.37

Este también se caracterizó por ser la expresión americana de la literatura que buscó la ruptura con respecto a una tradición que provenía de la literatura y el arte europeo, el modernismo persiguió el ideal de una búsqueda de la expresión de lo americano, para lograr expresar ese sentimiento de “lo americano”, el modernismo buscó la originalidad en la expresión, rompiendo con las viejas formas de escritura que todavía se utilizaban (y que venían de un movimiento anterior europeo: “El Romanticismo”) percibiendo así que en el modernismo hay una búsqueda de lo exótico. Cabe mencionar al minimalismo, que según el diccionario de la RAE “es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos”. Surgió en la década de 1960 a partir de una economía de medios, el uso de la abstracción, el purismo funcional y estructural y la síntesis, cambiando así los esquemas tanto del arte y el diseño como del pensamiento. La intención del minimalismo es generar sentido a partir de lo mínimo, simplificar los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo, colores puros y líneas simples. Se fundamenta en los aspectos reduccionistas del modernismo, y muchas veces interpretado como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente a las prácticas del arte posmod-

Ya que el minimalismo se basa en la esencia de los elementos, tenemos que elegir nuestra esencia, en un mundo donde nunca ha habido tantos cambios en tan poco tiempo, tanta información, tanto conocimiento, tantas conexiones entre los seres humanos y tanta creatividad, tampoco nunca ha habido tanta complejidad: muchas más conexiones, muchas elecciones, mucha más dificultad para comprender el mundo, es en donde nuestra esencia debe sobresalir y donde nosotros debemos estar conscientes de esto. De igual forma se inició en la década de los 60’s el Hiperrealismo. Donde se representan los elementos con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles. El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. Cuando apreciamos una buena y producción, está ejerció una importante inobra hiperrealista, vemos con exactitud la representación, fluencia, no solo en la arquitectura moderna debido a la máxima eficacia de esta técnica como modo de sino en todo tipo de diseños. producción y método de apropiación de la realidad visible. Contrasta en parte con el minimalismo, ya se producen en una época donde la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Contrasta en otro sentido ya que también es cierto que se produce saturación de la información visual, el apego a la representación exacta normalmente dificulta la apreciación y de un sentido de una imaginación mayor o divertirse cromáticamente, que permita las sugerencias poéticas o dejar a la interpretación las imágenes expuestas. El origen del minimalismo y el hiperrealismo no habría sido posible si no hubieran existido las bases de la Bauhaus, u originalmente conocida como “La Das Staatliches Bauhaus” (el nombre Bauhaus se crea a partir de la unión de las palabras alemanas “Bau”: construcción y “Haus”: casa) esta fue fundada por Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar bajo el lema de “La Escuela debe elevarse con el trabajo” esta fue una de las primeras escuelas de diseño, aunque también fue academia de arquitectura y arte contemporáneo en donde se aplicaba un nuevo modo de enseñanza

Entre su origen y principios se encontraba la integración de las expresiones del hombre en las bellas artes, la decoración y el diseño gráfico, industrial y arquitectónico, desarrollando una estética constructiva y funcional que ésta respondiese a las diferentes necesidades de la industria moderna. Los docentes dentro de la Bauhaus basaban sus enseñanzas en la continua investigación de las formas en todos los campos, está fundamentada en el racionalismo, la armonía y la ausencia de ornamentación. La Bauhaus no surgió de la noche a la mañana, su principal objetivo era como se marcó dentro de su manifiesto de fundación, una utopía de unificar las artes, tanto de forma teórica como social.

P.38

Ana Isabel Interiano

La Bauhaus, ha sido una de las escuelas de diseño, arte y arquitectura que ha tenido más trascendencia y ha dejado un gran aporte en estos campos. La Bauhaus fue la primera escuela oficial de diseño, la cual influyó en que se defendía la idea de dejar diferencias entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. En ella se unieron las diferentes corrientes artísticas vanguardistas a la tecnología moderna, ya que buscaban un mayor impacto y oferta de diseño para todos los niveles socioeconómicos. Para esto se establecieron los diferentes principios: · Predom inio del carácter funcional del diseño sobre la forma. · Ruptura con los estilos tradicionales y creación de nuevas formas de diseño. · Trabajo conjunto de los artistas y los técnicos. En la arquitectura influyó y se caracterizó por construcciones rectangulares, con escasa ornamentación. En el campo del diseño gráfico, la escuela de Bauhaus supone una renovación, esta renovación se produce principalmente en los campos de la tipografía y en el uso de la fotografía con carácter publicitario.

Así como la Bauhaus contribuyó y creó una gran influencia, esto mismo sucede con el expresionismo, ya que este contribuyó en el diseño gráfico a crear composiciones dinámicas con formas naturales, colores puros y delicados creando un ritmo y armonía. Así el diseñador se enfocaría más en la forma y los colores para ser un poco “informal” en sus composiciones pues el expresionismo es como una actitud estética. Otra de las vanguardias es el Cubismo el cual fue un movimiento más racional que por medio de formas geométricas y monocromía creaban sus obras. Ellos trataban de romper la visión clásica del arte y por medio de figuras geométricas crear una nueva figuración de los volúmenes en un plano. En contraparte con el expresionismo, ellos rechazaban las actitudes sentimentales. Ellos plantean la obra de arte, la perspectiva, el volumen, el movimiento, la forma, el espacio, el color, creando una relación nueva entre el receptor y la obra. El receptor ya no puede observar sin más la obra, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla. Se desliga de la interpretación y la naturaleza, la obra de arte se convierte en un medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, P.39

en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Ya no existen las gradaciones de luz y sombra como tampoco los colores de la realidad. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas de la naturaleza se simplifican en cubos, cilindros, esferas, pese a las figuras ellos nunca fueron abstractos porque la forma siempre fue respetada. Con el fin de evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó una paleta de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color en la primera época del cubismo, después fue más amplía la gama de color. Al rechazar la perspectiva le dieron prioridad a la línea y la forma. Las ilusiones espaciales y de la perspectiva varían, observándose a la figura simultáneamente desde diferentes puntos de vista. Una de las principales aportaciones al diseño, fue el collage, con la cual se da libertad de composición, agregándole textura que otorgan significados a los elementos. También al agregarle recortes de letras y palabras, se logra una asociación de formas visuales y significativas. El cubismo aporta al diseño una estructura, la cuadrícula. Sin el cubismo los diseñadores no podrían diseñar paradójicos diseños gráficos con formas abstractas, porque estaríamos encajonados en las leyes de la perspecti-

va y no podríamos apreciar los distintos puntos de vista de un objeto a la vez, por ende solamente se crearían diseños más apegados a la realidad; en sí se configura el espacio. Si no hubiera existido el cubismo no podríamos imaginar las obras surrealistas, el Pop Art y todo el arte abstracto. Sin embargo muchas personas no entendían el cubismo y a raíz de esto surge la corriente artística del Pop Art. Mediante mensajes de denuncia e ironía ante las modas y el consumismo, propone generar mensajes visuales con mayor

impacto y enfocados a un grupo objetivo más amplio. Aunque su conceptualización no es tan congruente, hoy en día nos damos cuenta que su mayor aporte son las actitudes que conducen hacia el cambio u objetivo en relación a la problemática de un proyecto de comunicación podemos encontrar una explicación más detallada de esto en el artículo de Mainguez que dice “Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común. El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas P.40

basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales.”(2013). Gracias a las manifestaciones del Pop Art se facilita la comprensión de los mensajes, porque el grupo objetivo conoce el contenido y se siente identificado con el mismo. Cada vez vemos más imágenes de sátira; ante las exigencias de comunicación de la sociedad y que siguen inspirándose en este tipo de corriente. Este movimiento causó que el arte ya no fuera tan artesanal y se enfocó en comunicar en masa, lo cual es la forma en que

se promociona en muchas empresas de publicidad y forma parte importante en el diseño gráfico, porque genera polémica ante mensajes de denuncia lo cual hace que las personas que estén de acuerdo, como las que estén en desacuerdo, estén informadas de tema que se aborde. Retrata y resalta el valor iconográfico de la sociedad de consumo haciendo ver aspectos de la vida cotidiana pero con un enfoque de cambio cultural. Esto nos lleva a pensar que los mensajes visuales ya no se preocupan tanto de la belleza en sí, sino que va más allá y se preocupa por generar conciencia en la vida.

Es más fácil transmitir un mensaje relacionándolo con la cultura popular de un grupo de personas para que estos se involucren. Lo anterior se da porque muchas personas no entendían el arte abstracto y a lo mejor carecía de significado para muchos. El Pop Art busca que el diseño sea más funcional y más entendible. Sin embargo en la corriente del Nuevo Realismo se aclaran las ideas y se obtiene un enfoque diferente con aportes de retratar los problemas de la sociedad y generar pensamientos ya no solo subjetivos del autor, sino enfocados en el entorno social. Este avance genera que los diseñadores no plasmen en sus artes P.41

sus sentimientos; sino al contrario que tengan un fundamento real de la problemática que se está abordando. Surgen nuevas composiciones y mensajes más atractivos con enfoque de denuncia. Nos muestra que no es necesario crear piezas abstractas para crear impresión en el mensaje ya que mediante imágenes insignificantes, realistas, que representan objetos de desecho de la sociedad, imágenes de los medios de comunicación, la realidad urbana y de tecnología, se pueden crear mensajes más claros. Su mayor aporte es la parte experimental porque en aquella época los artistas se atrevían a pintar sus modelos, utilizar objetos de su entorno; para luego crear

Leonardo Da Vinci - La mona lisa

Mediante las corrientes artísticas y su aporte, hemos podido evolucionar continuamente en un proceso de adición constante ya que cada nuevo estilo, es la base para el que le sigue, ya sea de una forma u otra, ya sea como modelo e inspiración o como conflicto y ente a superar, cualquiera que sea el caso, no cabe duda de que la gráfica no sería lo que hoy es si no se hubiera primero pasado por todo el proceso del cual se acaba de analizar una pequeña fracción, es por lo mismo que es tan importante voltear a dar una pequeña mirada al pasado y tratar de entender qué fue lo que movió, motivó e inspiró a cada uno de los representantes de los géneros y corrientes más importantes.

sus obras de arte y poder resolver de una mejor manera un problema de comunicación. No es necesario recurrir a complicaciones de abstracción que sólo algunas personas podrían interpretar. Hoy en día muchos diseñadores buscan retomar a esas técnicas de experimentación, buscan generar imágenes con mayor impacto sin perder el objetivo de lo que se transmite. Hoy en día los diseñadores tenemos tantas herramientas y estilos que facilitan la creación de mensajes pero no se debe perder el enfoque en el cual fueron creados.

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