Warp Digital 30 by Edgardo Dominguez

WARP MAGAZINE No.30 $29.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

Años de Vida Portadas de Colección Decenas de bandas que definirán la historia x 10 Sucesos que estamos esperando

INTERPOL KLAXONS ARCADE FIRE Featuring:

•

Minus The Bear • Passion Pit • MGMT • The Temper Trap

WARP MAGAZINE No.30 $29.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

Años de Vida Portadas de Colección Decenas de bandas que definirán la historia x 10 Sucesos que estamos esperando

KLAXONS Featuring:

ARCADE FIRE • INTERPOL

Minus The Bear • Passion Pit • MGMT • The Temper Trap

WARP MAGAZINE No.30 $29.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

Años de Vida Portadas de Colección Decenas de bandas que definirán la historia x 10 Sucesos que estamos esperando Featuring:

FIRE ARCADE INTERPOL KLAXONS •

Minus The Bear • Passion Pit • MGMT • The Temper Trap

AÑO3

No parece tan lejano ese primer número cuando convocamos a varios músicos de la escena nacional para realizar una sesión de fotos. Hoy, a la distancia, hemos llegado a nuestro número 30, además de dos Ediciones Especiales. Esta es nuestra historia en portadas.

Ediciones Especiales 27

WARP MAGAZINE

No.

Editorial

Director General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco Editor en Jefe Milton Barboza Arriaga twitter.com/MiltonBarboza Coordinadora Editorial Sandra Valerio Ruiz twitter.com/Sandravaleriomx Asistente Editorial Diovanny Garfias twitter.com/Androgyn Corrector de estilo Adolfo Vergara Trujillo twitter.com/ToBeFreak Editor de Film Mario Székely twitter.com/Capimalpasz Columnistas Joselo Rangel (Café Tacvba) twitter.com/cafetacvba, Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs) Samantha López (Corresponsal Madrid/Londres). twitter.com/samanthalopezs

Interpol

Destacados

ROCK MEXICANO

Con la llegada del Bicentenario y los 50 años de Rock Mexicano, revisamos

la historia de este movimiento que ha tenido altas y bajas a lo largo del tiem

po. Los protagonistas de diferentes épocas hablan sobre sus experiencias.

ONE PLUS TWO PLUS THREE

Llegamos a los tres años de vida y lo celebramos con un Especial en torno a

las 30 bandas que harán historia, aderezado con entrevistas Exclusivas con

varias de las que se incluyen en esa lista. Felicidades a ustedes por seguir

leyéndo nuestras páginas.

Secciones

GIGS

Editorial

Bajofondo (DJ Set), Va X Chile,

Paul Banks de Interpol

Lollapalooza, Interpol y más.

Editorial

Hot Hot Hit

James Righton de Klaxons

Taylor Momsen

Editorial

(The Pretty Reckless)

Jeremy Gara de Arcade Fire

Good News, Bad News

¡Silencio Por Favor!

Suárez

María Daniela y Su Sonido Lasser

Warped

Set List

TV, Film, Fashion, Sports, Art

Featuring: Astro

110

Vintage

Andrés Nusser

Aerosmith

Mis Videos y Discos

112

Encore

Zack de la Rocha (RATM)

Colaboradores Invitados Paul Banks (Interpol), James Righton (Klaxons), Jeremy Gara (Arcade Fire), Andrés Nusser (Astro). Colaboradores Abraham Huitrón, Adolfo Vergara, Aldo Monterrubio, Anna Stephens, Chëla Olea, Elsa Núñez, Eric Coy, Fito Montes, Francesca Beltrán, Francisco Camino, Gabriel Guajardo, José Villanueva, Karina Luvián, Luisa Reséndiz, Miguel Ángel Guizar, Pada, Samuel Segura, Susana Betancourt.

Mail: magazine@warp.com.mx

*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine

Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Fotografía Julio Muñoz, Sergio Gálvez

Arte y Diseño

Comercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Publicidad y Espacios WARP Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE.

WARP MAGAZINE está fabricada con material ecológico sustentable certificado, el cual ayuda a la conservación del medio ambiente. © WARP Marca Registrada ®. Año III No.30 Fecha de Publicación 1-09-2010. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

EDITORIAL // WARP30

INTERPOL LIGHTS

Paul Banks

Cortesía Arts & Crafts México

on momentos difíciles para todos, el mundo está en crisis y la industria musical no es ajena a este escenario. Sin embargo, si bien los cambios son muchos y cada vez más rápidos, debemos confiar en que todo llegará a buen fin. Cada vez parece más difícil impulsar grupos jóvenes, pero está en ellos buscar los métodos para evolucionar y encontrar los caminos para dar a conocer sus proyectos; la tecnología está allí y, de un modo u otro, seguro evolucionará en bien de todos aquellos que somos parte de la música. Los medios independientes se

han convertido en el motor principal de esta industria, lo que suena reconfortante, pues son ellos quienes necesitan luchar día con día por prevalecer, lo que garantiza continuidad. Aunque parezca que todo está jodido, la necesidad inherente de música permitirá que todo esto siga por mucho tiempo. El futuro no está escrito; escribámoslo cada mañana en forma de partitura, de rima, e impulsemos esta necesidad primordial que tenemos de oír melodías, acordes y ritmos para que nuestra alma musical siga encontrando alimento todos los días de nuestras vidas.

EDITORIAL // WARP30

KLAXONS FUTURE MEMORIES James Righton

Cortesía Universal Music

sta década, definitivamente, es diferente a la anterior en muchas formas, pero sobre todo en materia de música, lo que me parece que está muy claro: tal vez ahora nos quejemos de algunas cosas, en muchos niveles, pero lo cierto es que incluso a nivel mental, la forma de relacionarnos es diferente, y eso afecta a la música. Para nosotros, como banda, esto se traduce en libertad de expresión; algo que quisimos reflejar de forma creativa en nuestro más

reciente álbum, Surfing The Void (2010). No importa que vivamos uno de los momentos más pop en la historia de la música; finalmente eso no significa, necesariamente, que nuestro trabajo vaya en esa dirección, ni siquiera que sea la única alternativa; significa, por el contrario, que podemos seguir el camino que mejor nos parezca… ¡Y allí está! ¡Esa es la libertad que se siente en esta década! Una libertad que crecerá cada vez más y que en los años por venir traerá buenos resultados musicales.

EDITORIAL // WARP30

ARCADE FIRE READY TO START Jeremy Gara

Cortesía Universal Music

on el constante desarrollo tecnológico, es difícil predecir cómo será la industria discográfica en el futuro. Sin embargo, al ser parte de ella, los músicos, inevitablemente, estamos obligados a estar al tanto de lo que sucede en este sector. Es así que hemos observado, en años recientes, cómo la música, tecnológicamente, se ha convertido tan sólo en un archivo de baja calidad, pero que tiene la ventaja de ser de fácil transportación y reproducción: el MP3. En lo personal, me desagrada mucho el formato MP3, pues no significa nada… Es tan sólo un archivo. A pesar de ello, esta aberración de la tecnología ha modificado los hábitos musicales e incluso el gusto de millones de personas alrededor del mundo. Además, la gente ya no está comprando discos. Aunque en Arcade Fire nunca nos hemos preocupado por la cantidad de discos que vendemos, cuando lanzamos nuestra tercera producción, The Suburbs, y a pesar de lo artísticamente satisfechos que nos sentíamos, pensamos que no se iba a vender mucho; esto debido, precisamente, a la manera en que ha cambiado

la industria discográfica y los hábitos de la gente. Así es: creímos que venderíamos la mitad de lo vendido con Neon Bible, lo que no nos importaba mucho en realidad. Después nos enteramos de que The Suburbs, en CD y en vinil, se estaba vendiendo muy bien y que se había colocado en el número uno en Estados Unidos, lo que nos sorprendió muchísimo. Y es que, como banda, hicimos un gran esfuerzo para ofrecer un buen diseño de arte, pues para nosotros es igual de importante que tanto el contenido musical como el producto físico sean de excelente calidad. Y creo que la gente, en general, está comenzando a valorarlo. Esto nos enseñó que, más que la industria, el público es impredecible. Hace unas semanas estábamos en las mismas listas de popularidad que Eminem, quien vende 2 millones de copias. ¡La misma cantidad de discos que se vendían hace 10 años! Los números nos indican, así, que la gente ya no está comprando discos; por otro lado, me da miedo saber que 2 millones de personas que compran discos se identifican con el personaje violento y oscuro que representa Eminem.

SILENCIO POR FAVOR // WARP30

María Daniela Y Su Sonido Lasser Luisa Reséndiz

Cortesía Zepeda Bros.

La dupla mexicana compuesta por María Daniela y Emilio Acevedo está de vuelta en el estudio de grabación, creando Baila Duro, su nuevo material. Grabado en su totalidad en Ciudad de México y producido por el mismo Emilio, este EP de seis canciones y mucho electro kitsch verá la luz el próximo 30 de octubre, manteniendo el feeling fiestero de la agrupación.

SETLIST // WARP30

Set List

1•‘Modern Man’ – Arcade Fire (Canadá) 2•‘Don’t Turn The Lights On’ – Chromeo (Canadá) 3•‘Las Lunas, Las Estrellas…’ – Furland (México) 4•‘I Was A Teenage Anarchist’ – Against Me! (Estados Unidos) 5•‘Memory Serves’ – Interpol (Estados Unidos) 6•‘About My Girls’ – Dominant Legs (Estados Unidos) 7•‘Pack Up’ – Eliza Doolittle (Reino Unido) 8•‘Arena’ – Suuns (Canadá) 9•‘Brakes’ – Mexicolas (Reino Unido) 10•‘Cut’ – Dive Index (Estados Unidos) 11•‘I Can’t Be True’ – The Ettes (Estados Unidos) 12•‘Driftwood’ – Kelli Scarr (Estados Unidos) 13•‘Salt In The Wounds’ – Pendulum (Reino Unido) 14•‘The Spirit Of Jazz’ – The Gaslight Anthem (Estados Unidos) 15•‘Hopscotch’ – Cocorosie (Estados Unidos) 16•‘More Than A Lover’ – The Coral (Reino Unido) 17•‘Jump Up (Thom Yorke Remix)’ – Major Lazer (Estados Unidos) 18•‘Show Me Show Me’ – Pony Pony Run Run (Francia) 19•‘Slow Motion’ – Panda Bear (Estados Unidos) 20•‘Five Little Rooms’ – Menomena (Estados Unidos) 21•‘Calma Pueblo’ – Calle 13 (Puerto Rico) 22•‘Henry Don’t Got Love’ – Le Butcherettes (México) 23•‘Supertoys’ – Autolux (Estados Unidos) 24•‘Eden Prison’ – Swans (Estados Unidos) 25•‘Despierta’ – Vicente Gayo (México)

Escucha y descarga todos los martes Set List conducido por Milton Barboza, Editor en Jefe de WARP MAGAZINE a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>

FEATURING: Astro // WARP30

ASTRO: Ea Dem! Andrés Nusser (vocalista)

Astro está conformado por Octa, Lego, Zeta y yo, Andrés. Somos originarios de Chile; tres de los integrantes somos de la ciudad de Santiago y uno más de Osorno. El grupo comenzó como un dúo, en septiembre de 2008, y para mediados de 2009 era una banda completita. Una de las virtudes dentro de Astro es que todos sabemos tocar varios instrumentos y dos de los chicos son bateristas, por lo que nos pareció lo máximo poner un par de sets de batería, además de teclados para todos y muchos sintetizadores. En 2009 empezamos a grabar nuestras primeras canciones para Le Disc De Astrou. Y la verdad es que no pretendía ser un EP, sino simplemente un montón de rolas que íbamos produciendo, una por una, para subirlas a MySpace en cuando estaban listas. Al final terminaron todas juntas en un

Cortesía Entertainmex

disco que nos ayudó mucho a promocionar Astro por Latinoamérica. Lo grabamos nosotros solitos, en nuestra sala de ensayos, en un mini estudio, en casa de Octavio (uno de los que toca los tambores). Teníamos allí los teclados, unos micrófonos, la batería y la compu. Con eso, y con mucho trabajo divertido, fuimos produciendo y mezclando cada canción. Fue una producción súper independiente; puede ser que no suene de lo más high-fi pero eso, para nosotros, está muy cool. Una de las cosas que más nos gusta son las arrancadas mentales que nos generamos con las letras: sabemos que a veces pueden sonar algo incoherentes (más aún si no se les pone en contexto), pero eso tiene su lado bueno, pues así cada quien, cuando las escuche, podrá darles su propia interpretación. Nos

gusta hablar de animales, de nuestros amigos y de cualquier historia absurda que se nos ocurra. Y tampoco importa que lo que escribamos haga sentido con la música. Por ejemplo, en la canción ‘Raifilter’, suenan melodías playeras al tiempo que contamos una historia de las olas; o en ‘Maestro Distorsión’, unos sintetizadores poderosos definen la personalidad del “mago malévolo” que protagoniza la letra. Lo bonito es que en eso no nos esforzamos mucho, sino que sale de pura buena onda. De Astro les podemos decir que aún queda mucho por escuchar. Vienen muchas cosas buenas por delante, como un primer LP de canciones inéditas, videos y, quieran los dioses, muchos viajes a México, para seguir acercándonos a un público y una escena muy buena onda, que ya conocimos en el Vive Latino 2010.

LA NDO A A T U L DISFR N DE SIGUEANSMISIÓ PORADA RETR TEM

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REVIEWS // Mis videos y discos / WARP30

Surfing The Void Klaxons Universal Music 2010 Calificación: 8.3

8.6 Calificación

Un disco que, por donde se vea, era más que esperado por los seguidores de esta banda inglesa. Creadores de una de las últimas grandes bromas de la música —al decir que su sonido era “new rave”—, con este material podemos escuchar un buen trabajo a nivel de arreglos, lo que sin duda muestra madurez en su sonido: ya no hay tanta velocidad de beats y las guitarras, tan estilizadas, por momentos suenan incluso new wave, aunque conservando en todo momento el electropunk y los tintes ácidos que les conocimos desde su álbum debut, Myths Of The Near Future (2007), como es el caso de ‘Flashover’, quizá la mejor del disco. Grabado en su totalidad en Los Angeles, bajo la producción de Ross Robinson (The Cure, Sepultura, Slipknot, At The Drive In, Korn, etc.), Surfing The Void puede representar el regreso de Klaxons para colocarse entre las bandas de mayor proyección de los últimos años. -Milton Barboza Arriaga

Interpol

Interpol Arts & Crafts México 2010 Calificación: 8.3

9.2

Calificación

No obstante su salida de la banda, Carlos D alcanzó a plasmar su esencia en el cuarto disco de los originarios de Nueva York. El regreso a las bases, al parecer, fue la clave para una de las bandas más aclamadas de la última década. Interpol no jugó con recurso alguno y, por el contrario, prefirió enfocar todas sus fuerzas creativas en la generación de elementos básicos en la guitarra, el bajo y la batería, con algunos destellos sutiles de piano y teclados, tan sólo para otorgar atmósfera a algunos tracks. El disco homónimo se va elevando poco a poco con el paso de las canciones, entre las que — por su fuerza interpretativa— destacan ‘Summer Well’, su segundo sencillo, ‘Barricade’, y ‘Safe Without’, este última que es quizá la más allegada al sonido Interpol de su disco debut, Turn On The Bright Lights. El álbum nuevo, sin duda, marcará a la banda por su retorno a los cimientos que algún día los elevó a dimensiones insospechadas, aun cuando hayan dejado en el camino a uno de sus pilares. -Milton Barboza Arriaga

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP30

8.0

Special Moves

Mogwai Rock Action 2010

Calificación

Los escoceses lanzan un concierto de 19 tracks en dos presentaciones: CD y DVD. Son 120 minutos de rock instrumental que, por un lado, se presenta en su versión audiovisual con Burning, documental co-dirigido por Vicent Moon y Nathanael Le Scouarnac; pero, por otro lado, Special Moves (CD) es un recorrido histórico sobre el escenario a través de 13 años de sesiones de estudio. Mogwai puso su granito de arena en las páginas del rock gracias a tres discos: Team Young (1997), Rock Action (2001) y Happy Songs For Happy People (2003), donde la composición y ejecución de sus piezas son redondas, como debe de ser para una banda que utiliza, de vez en cuando, la voz como un cómplice pasivo. Este concierto es una muestra de su calidad en directo. Tal vez Mogwai ya no sorprenda a la crítica con sus LP’s, tal vez decidió tomar un descanso o simplemente son indiferentes a todo; qué más da; lo que nunca se les podrá reprochar es su calidad y ejecución instrumental sobre el escenario: eso sigue intacto. Este es un disco en vivo que no es exclusivo para fans; es una entrega para gente hambrienta de rock. -Gabriel Guajardo

8.4

8.0

Calificación

Butterfly House

7.8

Calificación

Acoustic EP

Calificación

SONOIO

The Coral Deltasonic 2010

Lights SIre Records 2010

SONOIO Independiente 2010

No hace mucho leí una declaración de Mani, ex integrante de The Stone Roses, en la cual decía que Butterfly House es el mejor disco británico desde el mítico Stone Roses (1989), lo que a todas luces es una exageración; pero es muy cierto que Butterfly House es uno de los mejor instrumentados y más finos discos que se han editado en 2010. Y no es para menos, cuando se cuenta con la producción de John Leckie —Stone Roses (1989), Origin Of Simmetry (2001), de Muse y The Bends (1995), de Radiohead, entre otros—, demostrando que sabe sacar lo mejor de los grupos con los que trabaja. La placa tiene, en general, una atmósfera melancólica y parece un homenaje a la música folclórica británica, aunque tracks como ‘Two Faces’, ‘North Parade’ y ‘1,000 Years’ evidencian la influencia más psicodélica de grupos como The Byrds o The Grateful Dead. Con este álbum queda demostrado el compromiso y calidad de la que hoy es una de las bandas estandartes de Inglaterra. -Fito Montes

El pop está muy satanizado, muchos relacionamos el término con algo prefabricado con base en focus groups y en lo que las disqueras quieren que escuchemos, pero Lights es una banda que nos demuestra que el pop no es sinónimo de “malhecho”; por el contrario, este es un disco cien por ciento acústico, empapado de arreglos respetuosos del sonido y el producto final, con coros pegajosos como toda buena producción pop, demuestra que en efecto hay pop decente. La voz y los arreglos son cuasi perfectos, si bien la mezcla es la “manchita” en este gran trabajo lo que, siendo sinceros, pasará por alto para los oídos no “exquisitos” y, por el contrario, les dará una gran experiencia pop. -Aldo Monterrubio

Alessandri Cortini es un geek de la música; y es un hecho: cuando hablamos de sonido, siempre encuentra la manera más complicada de obtener el resultado más parecido a lo que surge en su mente. Prueba de ello es su trabajo con Modwheelmood (junto a Pelle Hillström) y lo hecho durante su etapa como tecladista de NIN (destacando lo aportado en Ghosts I-IV); lo curioso es que este álbum cuenta con todas esas capas, atmósferas y sonidos escondidos a los que Cortini nos tiene acostumbrados, con la particularidad de que la idea musical es sencilla y muy melódica. Casi todas las canciones cuentan con un gancho que permanece grabado en la memoria en automático y las letras, aunque simples, van directo al punto, logrando transmitir el sentimiento exacto con el que fueron creadas. Habrá que esperar qué continuidad le da el músico italiano al proyecto, aunque parece que esta vez ha encontrado equilibrio en todos los sentidos. -Diovanny Garfias

All Tomorrow’s Parties Dirigido por All Tomorrow’s People y Jonathan Caouette DVD, Warp Films, 2009

“This world is fucked up, but you still have the right to feel joy”, grita Patti Smith desde el escenario, al público presente; está cantando ‘Rock N’ Roll Nigger’ y aparece en los créditos finales de este documental, que durante hora y media no deja de sorprender. El festival indie por excelencia, All Tomorrow’s Parties, no podía sacar un documental común y corriente. La forma de presentarnos lo que han hecho los organizadores de esta “fiesta” es tan convincente, que a uno le gustaría asistir, dejando de lado Coachella, Lollapalooza, o cualquier otra cosa. Primero expliquemos un poco de qué trata este festival: un grupo o artista es el encargado de curar (de curaduría, como si de una exposición de museo se tratara) el elenco; por ejemplo, en 2005, fue Vincent Gallo el encargado de escoger a los grupos que tocarían y, entre otros, eligió a PJ Harvey, John Frusciante, Olivia Tremor Control, Peaches, Sean Lennon y The Zombies. En 2008 fueron los Explosions In The Sky quienes lo curaron, escogiendo a Animal Collective, Beach House, Battles, The National y un montón de grupos más.

Lo interesante es que muchos de los nombres antes mencionados no eran tan famosos en esa época, sino hasta años después. Así que es un festival no tan grande, que permite que el público que asiste pueda convivir con su artista preferido, sin tanta bronca ni rockstarismo. Barry Hogan, el hombre detrás de todo esto, tiene mucho cuidado en que su festival no se le escape de las manos, pues no hay patrocinadores, ni “headliners” que jalen millones de personas. Este DVD es un híbrido entre documental y el típico concierto de rock filmado. Lo interesante es que la edición, a cargo de Nick Fenton, es de una calidad inaudita: además de los cientos de horas de imágenes que tenían —enviadas por los propios fans, en diferentes formatos (Super 8, Digital y hasta de celulares)—, hay un sin fin de películas de stock que juegan con las imágenes del festival mismo. Entre el collage de escenas, entrevistas, declaraciones y fiestas, vemos la actuación de muchísimos artistas: Belle And Sebastian, Grizzly Bear, Sonic Youth, Battles, Portishead, Grinderman, Animal

Collective, Mogwai, Iggy And The Stooges, Yeah Yeah Yeahs, Daniel Johnston, Gossip y varios más. Claro, algunos salen por 60 segundos, pero al menos uno se entera de cómo son físicamente (digo, no sé si les ha pasado, pero hay grupos que son un misterio y nunca vemos fotos de ellos; por ejemplo, hasta que me encontré este documental, no tenía idea de cómo eran los integrantes de Mogwai). En los extras, algunas actuaciones de los arriba mencionados aparecen completas, al menos por una canción. Muchos documentales, aunque sean de música, son aburridos. La necesidad de transmitir información lleva a los directores a estropear el ritmo; pero este documental no; este es una grata experiencia de principio a fin. Tiene razón Patti Smith: aunque este mundo esté de la chingada, tenemos derecho a sentir alegría, a sentir placer, y festivales y DVDs como éste nos acercan más a nuestro derecho.

Joselo Rangel

Guitarrista de Café Tacvba, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP30

The Way Out

The Books Temporary Residence 2010

8.5 Calificación

The Way Out es el primer disco de este dúo neoyorquino, luego del Lost And Safe de 2005, y marca la continuidad de Nick Zammuto y Paul De Jong en su creación de música interesante al integrar, en su cuarto álbum de estudio, ambientes electrónicos que van desde concentraciones de beats y sampleos que podrían hacer bailar a cualquiera, hasta cortes compuestos por grabaciones de autoayuda que invitan a iniciar de nuevo, relajarse y disfrutar lo que la vida nos da. Ejemplo de ello es ‘A Wonderful Phrase By Gandhi’ que, como su nombre lo indica, es una grabación en la que el líder político y espiritual de la India expresa, de viva voz, su percepción de la realidad y la vida. Entre las piezas destacables encontramos ‘A Cold Freezin’Night’, ‘All You Need Is A Wall’ y ‘The Story Of Hip Hop’. -Karina Luvián

Make Room For The Youth (EP) Heavy Young Heathens Independiente 2010

Single

6.0 Calificación

8.0 Calificación

‘Buttercups’

Frank Healy 2010

Para los que gustan de experimentar constantes

Los hermanos Aaron y Robert Mardo son los creadores de esta banda que, si bien no ofrecen nada nuevo en su sonido, tienen el punch suficiente para agradar con este EP producido por JP Bowersock (The Strokes, Julian Casablancas) y mezclado por Ryan Hewitt (Red Hot Chili Peppers, Avett Brothers, Johnny Cash), lo que les ayudó mucho para tener un sonido de nivel aceptable. Algunos han querido compararlos con Primal Scream, pero más bien es una mezcla entre The Black Crowes, algo de MGMT y una pizca innegable de The Beatles, al menos en ‘Daylight Breaks’; vamos, no es que sean una mala copia de los grupos mencionados; simplemente, el hilo negro ya no se puede redescubrir. En fin, se ve que estos hermanos originarios de Los Angeles pueden ofrecer cosas interesantes, aunque este EP no sea el mejor ejemplo. -José Villanueva

regresiones a los momentos más crudos de la adolescencia, les informamos que la voz principal de Travis, Frank Healy, logra el efecto déjà vu con un tema lleno de melancolía. ‘Buttercups’ tiene sabor a Healy, a partir de los acordes de guitarra que inician con el desgarrador relato sobre una chica caprichosa que le partió el

Serotonin

Mystery Jets Rough Trade 2010

7.4

Calificación

corazón; sencillas percusiones son atenuadas por un ligero arreglo de cuerdas y el sonido del piano, que anuncian el reclamo principal del tema, y a cada momento nos demuestra

Tercer disco de estos ingleses que no habían podido encontrar un sonido representativo hasta ahora. Serotonin es un álbum de pop alternativo atinadamente compuesto, escrito y producido con la valiosa ayuda de Chris Thomas (Roxy Music, The Pretenders, Razorlight, U2, The Sex Pistols y un largo etcétera). El sello completo, aun cuando es melancólico en su temática lírica, derrocha poder y energía en la instrumentación e interpretación, además de contar con un sin fin de ganchos compositivos y coros pegajosos que bien podrían llevarlos al éxito comercial que tanto se les ha negado. Quizás lo único realmente reprobable sea el abuso del coro-chiflido en ‘Flash A Hungry Smile’, aunque son muy rescatables temas como ‘Alice Springs’, ‘Serotonin’ y la electro pop ‘Show Me The Light’. Son 44 minutos y medio muy recomendables. -F.M.

quién es el cerebro detrás de la agrupación inglesa. Wreckorder es el nombre del primer álbum solista que Healy lanzará en octubre próximo; confiamos en que no nos decepcione, dados sus antecedentes y las colaboraciones de Neko Case y Sir Paul McCartney.

-Elsa Nuñez

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP30

Video

Zeroes (EP)

Suuns Secretly Canadian 2010

7.6

Calificación

La creación musical en Canadá ha dado grandes frutos desde hace varios años y proyectos como Broken Social Scene o Arcade Fire han servido para que otros músicos busquen su propio camino, generando propuestas interesantes. Entre estas bandas se encuentra Suuns, quienes con poco tiempo en la batalla por sobresalir han firmado con Secretly Canadian, disquera de donde han salido grupos importantes como Yeasayer o Anthony And The Johnsons. Al más puro estilo del rock épico-progresivo comienza este EP, que va ligando tracks de diversas especies sonoras, teniendo en canciones como ‘Arena’ los momentos más redondos del material. Su álbum completo saldrá en breve, pero Zeroes es una buena muestra de lo bien armado que está Suuns. -J.V.

III: Remember Who You Are ‘Power’

Kanye West 2010

8.0 Calificación

Polémico desde su anuncio, el video realizado por Marco Brambilla para el primer sencillo del próximo disco de Kanye West resulta un cúmulo de imágenes que, como fueron descritas antes de darse a conocer, “semejan más una pintura en movimiento que un video común”. Y es que,

Korn Roadrunner Records 2010

7.3

Calificación

La duda por conocer el significado del número tres en el título de la novena placa de Korn, se resuelve (o se intuye) al saber que Ross Robinson produjo este disco; porque él fue el responsable de sus primeros dos trabajos: Korn y Life Is Peachy, de mediados de los noventa. Con ello también se entiende mucho sobre el sonido de este disco: es la inminente vuelta a las raíces, esa tan trillada que regularmente no se logra del todo. Así, permanece ese sonido numetalero, con un bajo que ya es marca personal a cargo de Fieldy. La batería cuenta con un nuevo integrante, Ray Luzier, quien suple definitivamente el hueco que dejó David Silveria, el bataco original. Jonathan Davis muestra su potencia vocal y sus sentimientos en ‘Oildale (Leave Me Alone)’, canción que, junto con ‘Let The Guilt Go’, mejor engloban al LP. La portada, con un hombre mirando a una joven desde su auto, también rememora aquello que era Korn. -Samuel Segura

en el deslizar de la cámara —que nos lleva del infierno al paraíso, pasando por la cotidianidad de la vida—, se desarrollan escenas distintas con gran nitidez, por lo que es necesario ver el video más de una vez para poder apreciarlo

RPA & The United Nations Of Sound RPA & The United Nations Of Sound Parlophone 2010

5.7

Calificación

por completo. Un Hitler muy sensual bailando en la cima de un volcán y la silueta de Jesucristo, así como escenas de películas como El Exorcista (1973), Gattaca (1997) y Sin City (2005), son parte de lo que reúne este trabajo. Lo raro es que ‘Power’ es reemplazada por una pieza instrumental con sonido apocalíptico. ¿Presuntuoso? Sí, quizás.

-K.L.

Richard Ashcroft, el otrora voz de la exitosa banda brit pop de culto, The Verve, regresa en esta ocasión con su proyecto United Nations Of Sound, y lamentablemente para los que hemos admirado su trabajo tanto en la banda como de solista, este nuevo experimento no logra ni remotamente estar al nivel de aquello a lo que nos habituó. La lírica es como siempre inteligente, pero su coqueteo con el soul y el hip hop resulta desafortunado: un intento fallido por actualizarse, que finalmente rompe con la línea musical que ha perdurado en su carrera. El primer sencillo, ‘Are You Ready?’, nos brinda esperanzas de escuchar un disco memorable, debido a su épica composición, coros pegajosos y arreglos con cuerdas; pero canción tras canción la placa se diluye y decae hasta hacerse casi inaudible. A final de cuentas resulta un proyecto que debió quedarse en un sencillo y no más. Es lamentable, pero creo que la pregunta deberíamos hacérsela a Richard… Are You Ready? Creo que no. -F.M.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP30 Young At Love And Life (EP)

Dominant Legs Lefse Records 2010

7.5

Calificación

Dominant Legs es una dupla originaria de San Francisco; la integran Ryan Lynch y Hann Hunt. A Ryan seguro muchos lo ubican por Girls, grupo en el que toca y que lo ha dado a conocer a nivel mundial; pero este nuevo proyecto recapitula todo el trabajo que ha realizado Lynch desde su juventud y que este 2010 estuvo listo para explotar. Young At Love And Life es el primer EP de cuatro canciones que muestra esa influencia de sonidos new wave de los ochenta, que se complementan muy bien con otros de tintes más electrónicos, sin olvidar las guitarras acústicas. Hannah toca los teclados y hace los coros, mientras Ryan se concentra en la guitarra y voz principal, creando buenas atmósferas en canciones como ‘Run Like Hell For Leather’, la cual cierra el disco, provocando tan sólo querer volverlo a escuchar. -Luisa Reséndiz

Transit Transit

Autolux TBD Records 2010

8.5 Calificación

Al fin llegó el nuevo álbum de Autolux y, como con todo disco esperado durante años, las expectativas eran altas; y como casi siempre en estos casos, quedó a deber; bueno, al menos eso pasó con la primera oída. Un par de reproducciones después uno se da cuenta de la forma en la que el material fue encarado: algo más soft y romántico, pero también contundente, con momentos electro depresivos y ciertas reminiscencias al alternativo de los noventa, lo que da como resultado un disco variado y emotivamente poderoso. Autolux se anota la que, hasta ahora, parece ser su placa definitiva (no sólo una de las mejores de este 2010, sino una de las más ambiciosas y creativas). Ojalá no tengamos que esperar otros seis años para escuchar nueva música de la triada angelina. -D.G.

Classic

9.7

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars Calificación David Bowie RCA Records 1972

Crazy For You

Best Coast Mexican Summer 2010

La más grande capacidad de David Bowie radica en poder absorber lo mejor de los mejores y asimilarlo como su esencia, convirtiéndose en un ente único y transgresor. El camaleón ha cambiado de piel en diversas ocasiones, aunque la más significativa sigue siendo recordada varias décadas después: los días en que encarnó a “Ziggy Stardust”, con el lanzamiento del LP The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars: uno de los álbumes conceptuales más influyentes en la historia de la música. El álbum cuenta la crónica del alienígena andrógino que, en camino a convertirse en el mesías de la tierra, se corrompe hasta llegar al final que todos conocemos. Musicalmente estamos frente a una placa llena de rock, en el que se identifica el glam, algo de folk y cierto coqueteo con las estructuras electrónicas, mismas que terminarían siendo determinantes en la carrera de Bowie. Sin duda, un esencial de todos los tiempos, completo en todos los sentidos y más que vigente en nuestros días. -D. G.

8.0 Calificación

No es necesario decir dónde nació Best Coast luego de escuchar los primeros acordes de ‘Boyfriend’: la brisa y los acordes suaves de la guitarra casi nos rocían de algún atardecer californiano. Bobb Bruno y Bethany Cosentino trasladan su obsesión por diversos elementos de la cultura pop a un álbum lleno de relatos de amor que rayan en lo más cursi. La esencia de Crazy For You es el lo-fi, un suspiro punk y la dulce voz de Cosentino, quien derrama miel mientras nos regresa a la época de los voraces amoríos adolescentes en ‘Crazy For You’; irónicamente, en ‘Goodbye’, la batería marca la pauta de una dolorosa despedida. ‘Our Deal’ es una balada que evoca brutalmente la década de 1950, con sus tríos femeninos, mientras que las guitarras sucias en ‘I Want You’ son un destello de actualidad. La melancolía en ‘When The Sun Don’t Shine’ es una postal de verano en las playas sureñas, contrastando con la agilidad en el ritmo de ‘Happy’, el cual aumenta en la pegajosa ‘Each & Everyday’, para cerrar de manera contundente con las vibras surfers de ‘When I’m With You’. -E.N.

PROFILE // WARP30 Integrantes: Ben Shemie | Liam O’Neill | Max Henry | Joseph Yarmush

SUUNS José Villanueva

Cortesía Secretly Canadian

Conscientes de lo que significa hoy día dar a conocer la música antes de querer vender un disco, Suuns ha decidido obsequiar con su entrada a las filas de la importante disquera estadounidense Secretly Canadian, su EP debut llamado Zeroes, el cual contiene seis excepcionales can-

ciones. Sonidos minimalistas, experimentales y llenos de art rock es lo que ofrece esta banda originaria de Montreal, Canadá, que poco a poco se ha colocado en la escena de su país como futura promesa gracias a que le ha cambiado la cara a la música producida en aquella región.

Escúchalos en: www.myspace.com/suuns_ | www.suunsband.tumblr.com

GIGS // Bajofondo Remixed (Dj Live Set) / WARP30 Juan Campodónico

GiG

Martín Ferres

Bajofondo Remixed

(Dj Live Set)

Museo Interactivo de Economía (MIDE), Ciudad de México, 22 de Julio

Gabriel Casacuberta

El abuso de alcohol se refleja en decenas de accidentes y la falta de responsabilidad cobra cientos de vidas cada fin de semana. Por ello, Johnnie Walker nos invita a unirnos a su pacto para tomar conciencia: la firma escocesa llenó de ritmo el patio central del MIDE con uno de los exponentes más importantes del electro-tango: Bajofondo. Para las 11:15 p.m., parte de Bajofondo subió al escenario a seducir los oídos con la dulzura del violín, la cadencia del acordeón y la fuerza de las secuencias y el bajo que hacen de este proyecto algo totalmente diferente. Así, una probadita de ‘Pa’ Bailar’ fue la bienvenida. ‘Monserrat’, ‘Pulso’ y ‘Mi Corazón’ emocionaron a toda la gente, casi tanto como ‘Guarango’, que evoca a alguna de las callejuelas de Buenos Aires en las que el arrabal se mantiene con vida. ‘El Mareo’, ‘Leonel’ y ‘Perfume’ aceleraron el ritmo de la velada, por lo que, para el momento de decir adiós, la gente estaba totalmente entregada a los cuatro personajes que no podían ocultar la felicidad de visitar México, ante un público que definitivamente estuvo allí para disfrutar el talento de estos músicos sobre el escenario.

027

Sergio Gálvez

warp magazine / www.warp.com.mx

Elsa Núñez Cebada

GIGS // Va X Chile / WARP30 Los Bunkers

Los Bunkers Los Ángeles Negros

GiG

Liquits

Va X Chile José Cuervo Salón, Ciudad de México, 29 de julio Abraham Huitrón

Los Concorde

Cortesía OCESA

Con la intención de ayudar a los damnificados por el terremoto que sufrió Chile el 27 de febrero pasado, se llevó a cabo el concierto Va X Chile, organizado por Los Bunkers, originarios del país sudamericano, acompañados de sus connacionales Los Ángeles Negros, además de los Liquits y Los Concorde. El evento comenzó a las 8 p.m., cuando los Liquits subieron al escenario para interpretar las canciones más representativas de su carrera. Después fue el turno de Los Concorde, quienes obtuvieron una buena respuesta del público y los recibieron con gritos y ovaciones; la banda tocó temas de su disco Región 4, como ‘Love Is A Bitch’, ‘Contigo’

y ‘Rompecabezas’, además de un par más que vendrán incluidas en su segundo material discográfico. A pesar de la poca asistencia, Los Ángeles Negros pusieron a cantar al público con temas de su larga trayectoria musical: ‘Debut Y Despedida’, ‘Y Volveré’ y ‘Déjenme Si Estoy Llorando’ fueron algunos de ellos. Los encargados de cerrar el evento fueron Los Bunkers, los más esperados por el público; y con temas como ‘Deudas’ y ‘Ven Aquí’, además de la presencia de Rubén, Joselo y Meme, de Café Tacvba, como músicos invitados, los originarios de Concepción dieron fin al concierto, cuyos fondos permitirán la reconstrucción de la Estación de Bomberos de su ciudad.

GIGS // Lollapalooza / WARP30

Semi Precious Weapon / Lady Gaga

The Black Keys

Lollapalooza 2010 Grant Park, Chicago - 06 a 09 de Agosto

Sandra Valerio (vía: Reporteros de #WARPenLolla)

Semi Precious Waepon / Lady Gaga: Cortesía Bronques Miguel Ángel Guizar Molina

DÍA 1

El viernes 06 de agosto fue el primer día de actividades en Grant Park de Chicago. Las personas pudieron disfrutar de un cartel variado en un clima agradable. Los Amigos Invisibles (Venezuela) fueron de los primeros en levantar los ánimos de la tarde, tomando el PlayStation Stage a la 01:00 p.m. The Big Pink y Devo fueron otros de los actos que tomaron el Adidas Stage y Parkways, respectivamente, para ofrecer grandes presentaciones alrededor de las 04:00 p.m. Ya avanzada la tarde, The New Pornographers hicieron lo propio en el Budweiser Stage, y casi al término de los canadienses, tocó el turno a Fuck Buttons, en el Sony Bloggie, quienes tuvieron una participación desastrosa, lo que ocasionó que la mayoría de los asistentes decidiera buscar otro escenario luego de haber escuchado tan sólo algunas canciones de la dupla inglesa, que se quedó con muy poca audiencia. En el transcurso del día tuvieron lugar varias firmas de autógrafos en la FYE Tent, pero continuando con las

presentaciones, The Black Keys llegaron al Budweiser Stage, y para sorpresa de muchos interpretaron sus impecables temas con una alineación de cuatro músicos; sin embargo, Dan Auerbach y Patrick Carney fueron, como siempre, las estrellas detrás del blues. Ya con el Grant Park iluminado, llegaron las presentaciones de Chromeo (Adidas Stage) y Hot Chip (Parkways); y cada cual ofreció los grandes ritmos electro que forman parte de sus más recientes placas. La primera jornada de Lollapalooza estaba por concluir y los más de 200 mil asistentes se dividían para ver a The Strokes y Lady Gaga, encargados de cerrar actividades en el Budweiser Stage y Parkways: Casablancas y compañía tocaron viejos éxitos y algunos temas de su nuevo álbum, con los que los fans quedaron complacidos, aunque no fueron ni la mitad de los más de 100 mil que cuidaron cada detalle de la actuación de Lady Gaga, quien con su show vanguardista y un stage diving memorable, mostró que es todo un fenómeno para presenciar en vivo.

GiG

03 The Strokes

DÍA 2

Gogol Bordello

Las actividades del 07 de agosto comenzaron con The Soft Pack, una propuesta californiana que, como parte del Festival Corona Capital, visitará México próximamente. A la par, no se hicieron esperar las actuaciones en el Kidzapalooza Stage, el cual está dirigido al público infantil: Perry Farrell (fundador del festival) se encarga de cerrar las bandas para este escenario, que cerca de las 02:30 p.m. contó con The Verve Pipe.

The xx

Simultáneamente, Wild Beasts sonaban en el PlayStation Stage, escenario que ya congregaba a muchos fanáticos de The xx, la nueva gran banda inglesa que los sucedería en el escenario. Y como era de esperarse, The xx presentó un show elegante, con canciones de su álbum debut, demostrando gran firmeza en el escenario con su estilo impecable de temas melódicos que atraparon a todos en Grant Park.

GIGS // Lollapalooza / WARP30

La versatilidad es sin duda algo característico de Lolla y, entrada la tarde, Gogol Bordello deleitó a los presentes en el Parkways con sus ritmos de gipsy folk que incitaban a seguir la fiesta. La gente, sedienta por un clima caluroso, se unió al programa de “refill” de botellas de agua, con lo que evitaron gastar innecesariamente 60 mil botellas de plástico. La diversidad de géneros se hizo evidente una vez más y, mientras unos presenciaban la actuación de Metric en el PlayStation, otros coreaban a AFI en el Adidas Stage. La tarde en Chicago fue memorable: ritmos electrónicos con Cut Copy, la solidez musical de Spoon y la maestría de Phoenix apuntaban al final de la segunda jornada. Aunque muchos acompañaron los ritmos de ‘Lisztomania’ y ‘1901’, en el Budweiser, con Phoenix, el broche de

Wolfmother

DÍA 3

The Cribs

El 08 de agosto, la tercera y última jornada ofreció presentaciones de gran calidad que no quedaron a deber para el gran cierre del evento. Tocó a The Antlers abrir el Budweiser Stage, que contaba ya con gran afluencia, igual que el Parkways, que cerca de las 03:00 p.m. recibió a Johnny Marr con The Cribs, banda que con su característico sonido garage interpretó enérgicamente sencillos de todas sus placas. Yeaseyer y Switchfoot, mientras tanto, hacían lo propio en el Budweiser y Adidas Stage, respectivamente, ante una audiencia que superó en número a la de los dos primeros días del Festival. Otras bandas, que próximamente visitarán Ciudad de México y que formaron parte del tercer día en Lolla, fueron Wolfmother y Minus The Bear. Los primeros ofrecieron una presentación con temas de su nuevo disco, Cosmic Egg, y demostraron que el rock de la vieja escuela aún suena a todo lo que da en Australia, su tierra natal. Por otra parte, Minus The Bear capturó con perfección y presencia escénica.

MGMT

oro del día vino con Green Day, en Parkways: la tercia ofreció lo mejor de su repertorio, que incorporó en mayor cantidad temas de sus dos últimas placas, American Idiot y 21st Century Breakdown; Billie Joe no paró durante las casi dos horas de show, mostrándose como un gran frontman al lograr cánticos de la audiencia: “Olé Olé Olé”, se escuchaba en la voz de 100 mil asistentes. En el frenesí, un fanático subió al escenario y besó a Billie Joe, quien recibió la muestra de afecto sin mayor problema. “Alguien me dijo que teníamos que desconectarnos a las 10 p.m. ¡Que se jodan! Tocaré todo lo que me plazca”, comentó Armstrong, antes del encore, con ‘Wake Me Up When September Ends’ y los fuegos artificiales que dieron por terminada la gran actuación de la tercia.

Soundgarden

Ya casi entrada la noche, tocó el turno a Cypress Hill, en el Adidas Stage, donde promocionaron su más reciente álbum, Rise Up. Mientras esto acontecía, muchos se dirigían hacia el Budweiser Stage y Parkways, donde tendrían lugar los dos actos que cerrarían con broche de oro Lolla 2010: Soundgarden y Arcade Fire. Los creadores de The Suburbs contaron con gran afluencia para su presentación, que sin duda los colocó como la nueva gran banda por excelencia: Arcade Fire es ya uno de los máximos representantes en su género. Simultáneamente, Parkways se llenó con todos los que ansiaban el regreso de Cornell y compañía. Los originarios de Seattle cerraron con dosis de grunge, mostrando que los años separados no han disminuido su maestría musical, en oposición tal vez con la voz de Chris, que no suena como en sus épocas de gloria; sin embargo, la banda hizo un gran trabajo para cerrar otra gran edición de Lollapalooza. Así llegó a su fin Lolla 2010, que como siempre mantuvo el nivel de las presentaciones, dejando satisfechos a todos los que se dieron cita en Grant Park.

031

Phoenix

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Metric

GIGS // Interpol / WARP30

GiG

04 Paul Banks (Interpol)

Twin Tigers

Interpol

The Vic Theatre, Chicago - 15 de agosto Mirna Vázquez Martínez

Miguel Ángel Guizar

Después de casi tres años de ausencia, Interpol se ha embarcado en un nuevo tour, dejando en el camino a Carlos Dengler, quien ha preferido explorar nuevos senderos. Ahora Brandon Curtis, ex vocalista de The Secret Machines, y Dave Pajo, músico que acompañó a los Yeah Yeah Yeahs recientemente, se han unido a la banda neoyorquina. Si bien Interpol estará pronto en México, en el Festival Corona Capital, presenciamos parte de su tour por la zona media de Estados Unidos en cinco de sus shows: Pontiac, Michigan; Milwaukee, Wisconsin, terminando en Chicago los días 15 y 16 de agosto. Dentro del Vic, justo a las 7:30 p.m., hizo su aparición Twin Tigers, quienes calentaron los motores con algunas de las canciones de sus discos Curious Faces Violet Future y Grey Waves; y a pesar de que no los hemos escuchado en México, tienen una propuesta prometedora. Fue entonces que, cerca de las 9:00 p.m., Interpol hizo su entrada en el escenario con la poderosa ‘Success’, de su cuarta producción, que rememora lo sorprendente de la batería de Sam Fogarino y claramente retoma el sonido del aclamado Turn On The Bright Lights. De allí, la banda jugó sus mejores cartas de sencillos y pistas preferidas de sus tres discos anteriores, haciendo rápidos cambios y yendo de ‘Say Hello To The Angels’ a ‘C’mere’; de ‘Rest My Chemistry’ a ‘Evil’. Este vaivén hizo que la gente respondiera a la perfección y se compenetrara con ellos, lo cual fue agradecido más de una

Interpol

vez por Paul Banks, quien ha dejado de lucir sus pulcros trajes negros, y parece fusionarse con Julian Plenti al mostrarse más informal, más cercano a su público, y parece que ha dejado atrás esa actitud fría, tan característica de las giras anteriores. ‘Summer Well’, perteneciente al disco Interpol, promete ser un atrayente sencillo, al combinar letras enigmáticas, coros y estribillos contagiosos. Así, el momento de aliento se logró con la grandiosa ‘Hands Away’, donde el silencio abrazó la sincronía de los miembros y el ambiente de asombro podía ser casi palpado, pues nadie se atrevió a gritar o aplaudir hasta que no terminó la pieza. Sin embargo, el momento de la noche se lo llevó ‘PDA’, donde Daniel Kessler, con su hipnótico y cantinflesco baile, descargó aullidos y energía que contagiaron hasta al más ecuánime de los asistentes. Esto continuó hasta ‘Not Even Jail’, donde Daniel se acercó hasta casi tocar a las personas de la primera fila al desbaratarse en la melodía, e incluso Sam y Paul se asombraron de cómo la gente se entregó a este gesto del innegable líder de la banda. A pesar de que el encore lo integraron ‘The Lighthouse’, ‘NYC’ y ‘Stella’, se notó claramente que la energía del público había llegado al clímax en el set principal, por lo que Chicago estuvo listo para una segunda noche con Interpol antes de su partida a las costas de Florida, una corta visita a Europa y su más que esperada visita a tierras mexicanas el próximo 16 de octubre.

GIGS // Photo File / WARP30

GiG

05 Hercules And Love Affair

Escénica, Monterrey 7 de agosto

GiG

06 GiG

José Cuervo Salón, Ciudad de México 20 de agosto

033

Pasaje América, Ciudad de México 21 de agosto

Los Amigos Invisibles, Nortec, NSM PSM, IMS (DJ Set), Dapuntobeat & SLKTR

Fotografías 05: Ricardo Ramos 06 y 07: Sergio Gálvez

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Juan Maclean

COLUMNA GIGS // Getting Louder! / WARP30

TupperWare

Joy Eslava

Sala Heineken

Let’s Get Out Of Here Samantha López, corresponsal Madrid/Londres

Si preguntamos superficialmente por la escena musical en España, los primeros comentarios que recibiremos serán: Operación Triunfo, pop melódico y David Bisbal. Pero hay que decir que España —sin desacreditar a los citados— es mucho más que eso: no por nada, en las seis principales cuadras del centro de Madrid, existen más de 20 salas de rock que sirven como recintos de conciertos y dan la oportunidad a nuevas bandas de ensayar y proyectarse en una industria que, pese a su alta competencia, se apoya mucho. Las posibilidades para salir en Madrid a cualquier “garito” (como llaman aquí a los antros), al menos de miércoles a domingo, son infinitas. En muchísimas ocasiones es difícil decidir si vas a la Sala La Riviera

a ver a Goldfrapp (como sucederá este 25 de septiembre) o a la Joy Eslava (discoteca gigante, en pleno centro) a ver a The New Pornographers. Estadios de futbol, plazas de toros, palacios deportivos, discotecas, salas y pequeños bares de copas de los barrios de Malasaña y Chueca, ofrecen música de calidad todos los días de la semana, todo el año. El TupperWare, garito situado en Corredora Alta de San Pablo, en el famoso barrio de Malasaña, abre de lunes a domingo y absolutamente todos los días “pincha” rock clásico y alternativo con algún DJ reconocido a nivel nacional o internacional, como Xoel de Deluxe, Mario Vaqueiro y Bjorn Borj, entre otros. Después de la 01:00 a.m. entra el “pincha residente”: Adrian LeFreak, quien ha

tocado en varios de los festivales más importantes de Europa, entre ellos el Festival Internacional de Benicássim; el estilo de este DJ se define por el eclecticismo y la diversión, mezclando elegantemente pop y rock con un poco de electrónico, siempre hit tras hit, pero nunca cayendo en la monotonía o la evidencia: desde Supertramp —quienes vienen al Palacio de los Deportes de Madrid este 15 de septiembre— hasta Crystal Castles —que tocarán en la Sala Heineken el 2 de noviembre— vibran en los amplificadores de este pequeño lugar. La sala Heineken es otro lugar difícil de creer. Ubicada en la calle de la Princesa N° 1, ofrece conciertos de gran nivel a precios ridículos, comparados con muchos otros conciertos de aquí y del resto del mundo; esto

debido a que dicha sala está mucho más interesada en exponer buena música y cultura, que en el dinero que pueda sacar de los oyentes. Este lugar tiene un sistema de invitaciones en el cual, vía email, te inscribes a los eventos que te interesan y, si eres de los primeros, puedes tener hasta cinco entradas gratuitas. Sólo para dar una ligera idea de lo que realmente es la escena musical en la Madre Patria, en lo que resta del año se presentarán The Drums, Crystal Castles, VNV Nation, Monster Magnet, y unos regios muy queridos: Nortec Collective, entre otros. Esto es sólo un poco de lo que pasa por acá; espero que esto sirva de algo la próxima vez que alguien hable del rock en España y no sólo le llegue a la mente Los Hombres G.

(The Pretty Reckless) José Villanueva

Cortesía Universal Music

Inspirada en Jack White, luego de verlo en un concierto de The White Stripes, Taylor Momsen decidió que quería ser parte de la escena con un proyecto propio, donde un rock lleno de guitarras fuera su característica principal. Con el paso del tiempo, Momsen creó The Pretty Reckless, con el que ha logrado colocarse en la mira de la gente que gusta del hardcore y el metal. Actualmente The Pretty Reckless se presenta en varias de las fechas del conocido festival itinerante Vans Warped Tour, en Estados Unidos.

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Taylor Momsen

037

hotHOThit // WARP30

Weezer cambia de disquera: De Geffen a Epitaph

La banda liderada por Rivers Cuomo lanza su octavo disco de estudio este mes, aunque ahora bajo el icónico sello del punk y el hardcore, Epitaph, luego de una larga relación con Geffen. Con toda congruencia, “esta nueva producción resultará más guitarrera y enérgica que sus antecesores” —según afirmó la banda—, cuya venta inicia el 13 de septiembre. Entre las piezas que incluye se cuentan ‘Memories’, ‘Where’s My Sex?’, ‘Brave New World’ y ‘Hang On’, además de una colaboración especial de Ryan Adams. Entre los próximos eventos del cuarteto destacan sus presentaciones en los festivales Bumbershoot, Reading y Leeds. Rivers Cuomo declaró que, ante la dificultad de encontrar alguna frase que resumiera el sentido estético del nuevo disco, “al final simplemente nos decidimos por algo completamente al azar, que no tiene nada que ver con nada”. De este modo eligen desechar títulos como “Heavy Metal, Smaller Than Life” y bautizar este trabajo como Hurley, nombre de uno de los personajes de la famosa serie Lost; en esta línea, la portada de la placa es una foto de Jorge García, el actor. “Me encanta esa foto”, aseguró Cuomo, respecto a tal decisión. Sí, Weezer nos encanta, pero… ¿no es querer extender mucho el rush de Lost?

Van Halen vuelve a grabar con David Lee Roth

Luego de que en 2007 anunciaran una nueva gira por Estados Unidos, México y Canadá, teniendo en sus filas a su cantante original, la banda estadounidense de hard rock grabará nuevo disco, a 26 años del emblemático álbum 1984. Aquel frontman, que diera el sonido poderoso a la agrupación originaria de Pasadena, California, que salía haciendo artes marciales en sus videos, está de vuelta, en un material que por la larga espera del reencuentro pretende ser de gran relevancia tanto en la historia del género como en la de la banda, a nivel personal y musical. No menos relevante resulta la adhesión de Wolfgang Van Halen, hijo de Eddie, en reemplazo de Michael Anthony.

¿Cuánto tiempo durará? El disco se llama Hurley y en la portada tiene una foto de… “Hurley” (el gordito de Lost)

Bad News

Scott Pilgrim… suena muy bien y se ve mejor. Las colaboraciones musicales descritas, el trailer de la cinta y la crítica especializada se han encargado de incrementar las expectativas de todos los que ansiamos ver la adaptación cinematográfica de Edgar Wright al comic creado por Bryan Lee O’Malley. No obstante, cada que algo se valoriza tan alto, corre el riesgo de no cumplir del todo, de quedarse sólo en la idea de algo genial y, al final, ni siquiera acercarse. Esperamos sinceramente que no nos estemos creando grandes ilusiones tan sólo para encontrarnos con el terrible sentimiento de que ese “algo” maravilloso nunca llegó.

¿Muy buena cinta?

Good News

Aunque la lista de artistas que aportarán su música a la cinta Scott Pilgrim Vs. The Wolrd incluye a más músicos, Beck se presenta como el más activo de todos, al realizar piezas especiales para ser ejecutadas por SexBomb-Omb, banda del protagonista de la historia, interpretado por Michael Cera. Ya disponible en tiendas, el soundtrack de la película está constituido por 19 tracks, autoría del mencionado Beck y de artistas como Metric, Broken Social Scene, Frank Black y The Rolling Stones. Cabe resaltar la existencia de un segundo soundtrack, cuyo score fue realizado por Nigel Godrich, productor e ingeniero de sonido, íntimamente relacionado con el trabajo y estilo de Radiohead.

Mucho se había esperado para este reencuentro. Como se sabe, las diferencias artísticas entre Roth y Eddie fueron el motivo por el cual, en 1985, uno de sus miembros más importantes abandonara la agrupación, en medio de una gran gira y el éxito comercial. Ahora, después de tanto, ya se contentaron, ya están tocando y la noticia de un nuevo trabajo que venga a sellar su reunión hace la situación de Van Halen más que excelente... Sólo hay que preocuparse por el tan volátil carácter de Eddie, que de hacer de las suyas podría romper con la reciente reunificación y con un futuro musical, más allá del prometido disco… Y todo para que después “regresen”, cual novios de secundaria.

Good News

Muy buena música…

Bad News

GNBN // THE PLAYLIST OF OUR LIVES / WARP30

THE PLAYLIST OF Our Lives DE ALTO CONTENIDO ERÓTICO-SEXUAL Fito Montes / twitter.com/fitomontes

No hay un aspecto de la condición humana que haya sido más plagado de tabúes, mitos, leyendas y, a la vez, más envestido de culto y admiración que el sexo. Libros como El Kamasutra (anónimo), Don Juan Tenorio (Zorrilla) y Los 120 Días De Sodoma (Sade); películas como Calígula (Brass),

Emmanuelle (Jaeckin) y Eyes Wide Shut (Kubrick); y pinturas como Les Demoiselles d’Avignon (Picasso), Mujer Sentada (Schiele) y Pink Panther (Koons) han sido inspiradas o dedicadas a este rubro de la existencia. Y la música no es la excepción; por ello le dedicamos este espacio al tópico socio-cultural que a muchos gusta, a algunos asusta, pero que a todos apasiona. Este es el Playlist 30 Canciones Con Alto Contenido Erótico-Sexual.

12 A continuación, esta breve lista de…

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Porno For Pyros Depeche Mode Pink Floyd Death In Vegas Madonna Kylie Minogue The Exploited Kings Of Leon The Divinyls Stone Temple Pilots Mötley Crüe Nine Inch Nails The Killers Poison Aerosmith Jay Hawkins Sam And Dave The Rolling Stones Red Hot Chili Peppers Salt ‘N’ Pepa Ida Maria Prince James Brown Blur The Bloodhound Gang She Wants Revenge Does It Offend You, Yeah? Cansei De Ser Sexy Datarock Simian Mobile Disco

21 039

2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21

warp magazine / www.warp.com.mx

‘Orgasm’ ‘Blue Dress’ ‘Young Lust’ ‘Hands Around My Throat’ ‘Like A Virgin’ ‘Red Blooded Woman’ ‘Sex And Violence’ ‘Sex On Fire’ ‘I Touch Myself’ ‘Sex Type Thing’ ‘Tonight (We Need A Lover)’ ‘Closer’ ‘Bones’ ‘Talk Dirty To Me’ ‘Love In An Elevator’ ‘Bite Me – Screamin’ ‘Hold On I’m Comin’ ‘Let’s Spend The Night Together’ ‘Suck My Kiss’ ‘Let’s Talk About Sex’ ‘I Like You So Much Better When You’re Naked’ ‘Cream’ ‘Sex Machine’ ‘Girls And Boys’ ‘The Bad Touch’ ‘Tear You Apart’ ‘Let’s Make Out’ ‘Let’s Make Love And Listen To Death From Above’ ‘Sex Me Up’ ‘Tits And Acid’

GNBN // Insert / WARP30

Suárez Cohetes y Fuego

¿Cómo fue terminar el ciclo de Becker? Ya teníamos un par de meses de estar trabajando con Suárez, y a este proyecto le dedicamos todas las ganas con un enfoque distinto; y afortunadamente lo hemos consolidado.

Con Becker ya no había la misma compatibilidad para hacer canciones, la energía de la banda estaba muy baja y no estaban pasando las cosas como las esperábamos, por lo que decidimos parar la carrera de Becker en ese momento. ¿El sonido de Suárez está influenciado por el de Becker de alguna forma? No, en lo absoluto. Como músicos sabemos que no puedes mezclar tus trabajos, porque finalmente se convertiría en una eterna repetición, lo que sería deshonesto para la gente y para nosotros mismos. Este proyecto tiene identidad propia. ¿Hubo una especie de proceso para encontrar el “sonido” Suárez? Fue algo que se dio; de repente escuchamos mucho folk y rock, y terminó

sonando con muchos sintetizadores y quizá un tanto accesible y hasta synth; pero no fue planeado; sólo compusimos, arreglamos y el producto se consolidó por sí mismo. Ahora estamos trabajando muy duro para que la banda avance en cuestión sonora. ¿De dónde surge la idea del nombre del disco, Tokio Rose? Jorge (ex Becker), desde hace mucho tiempo, ha sacado frases que nos llaman la atención. Y sucedió que estábamos a media grabación en una toma de batería y, al terminar, dijo: “Esta rola está con Tokio Rose”. Nos llamó mucho la atención esa frase e inmediatamente la googleamos; lo que encontramos fue la historia de una chava de Estados Unidos, de ascendencia japonesa (Iva Toguri D’Aquino), que se va a To-

kio a trabajar a una estación de radio que transmitía sus programas en inglés para los soldados estadounidenses; ella empezó a mandar mensajes propagandísticos muy específicos respecto a ciertos asuntos de la guerra. Al final, la chica fue acusada de traición por el gobierno de los Estados Unidos y condenada a 40 años de prisión; la canción platica su historia. ¿Cuál es su siguiente paso como banda? Seguir tocando en vivo. Esperamos que funcione bien el disco y sus respectivos sencillos; que se mantenga la banda por sí sola; y ahora que ya estamos integrados como tal, también esperamos que este trabajo sirva para hacer un segundo disco; no sabemos a qué va a sonar y es muy pronto para hablar de eso, pero es lo lógico.

041

Directo de las cenizas de una de las bandas más emblemáticas de Guadalajara de los últimos años (Becker), aparece Suárez… Pero no se dejen engañar: aunque los asociemos con la finada agrupación, esta cuarteta integrada por Daniel Suárez (voz), Luke Castillo (guitarra), Jorge Aguilar (batería) y Rubén Gómez (teclados), tienen una historia propia qué contar y lo hacen con su álbum debut Tokio Rose (2010). La agrupación platicó con WARP MAGAZINE intentando encontrar los motivos de Suárez.

GuacamoleProject.com

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Diovanny Garfias

GNBN // Everything In Its Right Place / WARP30

The Long and

Winding Road Alejandro Franco

Tony Wilson

historias de éxito, pero que encontraron la redención años después cuando recordaron el propósito básico de estar juntos y de crear música por el mero placer de hacerla. Luego quiero referir el actual caso de LCD Soundystem de Nueva York respecto a su inesperado retiro de los escenarios. Aunque no dan muchas explicaciones, de buena fuente me enteré que lo hacen por estar perdiendo lo esencial; porque el proyecto se les está yendo a otros lados que no querían visitar y ya es demasiado mainstream para poder controlarlo. Por si fuera poco, en una comida casual con mis queridos Paco Ayala y Tito de Molotov, hablamos por un buen rato de la constancia, entrega y resistencia que se necesita para tener una banda y que ésta dure los años que sea necesario (en su caso, ya casi 15). Y luego pienso en WARP MAGAZINE. En nuestros 30 números y 3 años cumplidos, celebrados en esta edición, y no puedo evitar pensar en el compromiso por la música inde-

pendiente que alguna vez firmó con sangre Tony Wilson; en el reencuentro de Graham Coxon y Damon Albarn cuando decidieron salir de gira de nueva cuenta (2009) por todo el Reino Unido; en James Murphy siendo honesto consigo mismo y su proyecto, aunque abriendo una puerta a la posibilidad de regresar algún día a los escenarios (se vale); y en una de mis bandas favoritas de toda la vida, Molotov, que han sabido entender las olas del difícil negocio de la música para surfear en ellas con el solo propósito de la permanencia y seguir haciendo la música que los divierte. Pienso en TODOS esos ejemplos y en lo difícil que es apegarse a un sueño. “Lo difícil no es llegar sino mantenerse”, alguien me dijo alguna vez. Y cuando logras combinar tus ideales con el entendimiento del compromiso de una empresa (ya sea disquera, banda o medio de comunicación) sin dejar de lado lo esencial, lo que te hizo hacer las cosas por vez primera, entonces ya estás del otro lado del camino.

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Recién se cumplieron tres años de la muerte de Tony Wilson (10 de agosto de 2007), un ícono de la música inglesa, un héroe del indie y uno de los responsables directos de la prolífica escena de Manchester. Curiosamente en esos días y sin recordar previamente la fecha de su muerte, decidí revisitar las películas 24 Hour Party People de Michael Winterbottom y Control de Anton Corbijn, ambas piezas esenciales si se quiere conocer de golpe la historia de la Factory Records, del club Haçienda y de bandas como Happy Mondays y Joy Division que luego se convertiría en New Order, tras la muerte de Ian Curtis, su vocalista. Unos días más tarde me topé de frente con el documental de Blur No Distance Left To Run, una pieza realista y sumamente conmovedora acerca de la reunión de la banda creadora del concepto “brit pop” (junto con Oasis) cuando los noventa en América se llenaban de grunge. Una de esas historias de éxito que acabaron yéndose al infierno tan sólo por eso mismo… ser

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LCD Soundsystem

GNBN // Blogageddeon Times / WARP30

La Luz

Del Mundo

Bi-centenarios, bi-sexuales, 12 mil años de desierto no es más que un tango joven escrito por Enrique Santos Discépolo! ¡El desierto de Real de Catorce, de más de 12 mil años, es el fondo de un mar que ya no es! Entonces… ¿Bicentenario? Un tanguito joven: la modernidad reside en los inicios, Discépolo y su obra más punk del tango: ‘Cambalache’. Mirá, te cuento como empieza: “…Que el mundo fue y será una porquería: ya lo sé… En el 510 y en el 2000: también…” Bicentenarios, bisexuales, ahora los gays se casan en la Argentina, mi país: muñequitos de hombre+hombre, mujer+mujer, en los pasteles de bodas. Hola, lectores de WARP MAGAZINE, soy el Señor Flavio y vengo del futuro. Hoy, por ejemplo, me levanté muy temprano, hice gimnasia, surfeé la olita de concreto de la esquina de casa por un rato; más tarde grabé unas canciones en mi estudio, El León Recording; a las rolas les puse por nombre: ‘Endemoniada’, ‘Cosmonauta’ y ‘Dagas’. La última es un homenaje dagger a los skaters pioneros de mi país, de más de 40 pirulos (“años”, en argot marplatense), que siguen andando, montando, patinando y nunca dejaron de hacerlo: bellos personajes que iluminan el mundo de alegría… ¡No recibirse nunca de señores grandes! ¡A seguir andando en skate, rockeando, patinando, surfeando, o lo que quieras, después de los 40 y más! WARP, amigos de la ciudad hermosa de Méxxxico city–loko, el señor

Flavio, desde Buenos Aires, les desea el mejor impulso energético para estos 30 siglos en revista, tres años de vida, que equivalen a bi-centenarios bi-sexuales (me gustan las chicas que se besan con otras chicas, ¡oh, yeah!), a 12 mil años de desierto misterioso y apasionante; 30 fascículos colmados de pop-art, power-elegante-style. ¡Felicidades! ¡Feliz monstruo-paper-killer! La mejor de las ondas para ustedes y para todo lector que se acerca a este alocado torbellino de palabras leoninas argentinas procedentes de mi condición hispano-parlante. WARP, cuidáte mucho, tomáte unos vinitos en mi honor, vieja… (yo no bebo, ya lo hice por todos ustedes 13 mil años antes de Cristo), queréte, dejáte llevar por la energía de la fiesta mexicana de la locura, cantáte un tanguito arrabalero de Discépolo: 13 mil años de actitud; vos fijáte, che, que la locura siempre quedará en la casa. ¡Un golazo, papá! ¡Felicidades Mostros!

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Rock, surf, olas oceánicas, bicentenarios, puntos tripartitos de energía, WARP, y su tri-locura cultural MAGAZINE, ya lleva tres años de emoción: 30 números, el tres, siempre el tres, impar; me gusta: el tri-color, el Tri de México… Aniversario pleno de números tres, con felicidad y ahínco, el poder de Tláloc transmutado en energía digital, poder de los dioses pin-up-pre-amplificadores-pre-hispánicos hot road. La esencia de todo está aquí: podés mirarla. Sacáte el almidón. Lleváme con vos a México, chabón. Cuidáte, ¿dale?, esperá que las olas tsunami-rock vuelvan a rolar, y de paso, vieja, sacáte unas fotos polaroid de lo inevitable. Bicentenarios en curso, de México, de mi ciudad, Baires, de tantas otras megalópolis del nuevo mundo latino —mejor que el viejo: somos modernos, estamos en ventaja—, fruta verde que no madurará aún… Tanto mejor pibe: qué golazo, che. Pero no somos latinos, y menos americanos; tampoco somos “bicentenarios”, sino que venimos de mucho más atrás. Si no, preguntále al chamán rockabillero de Teotihuacán, o a Blue Demon: códices mayas, oráculos de milenos reservados auguran todo lo contrario: milenos… ¡Milenios! ¡Sí! ¡No bicentenarios! Bicentenario es poco en términos históricos, o mejor dicho: ¡Nada! ¡El desierto de Saltillo es testigo fiel de que un bicentenario

Diana Urbano

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Sr.Flavio, Anti-poeta new wave pop

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Strange Emotion éstas; sucedió que, preparándonos para realizar una entrevista telefónica, personal de su disquera habló antes de tiempo y dijo que era necesario hacer la entrevista en ese momento y no a la hora pactada. No vale la pena dar nombres, pero esto me hizo ver que todavía hay gente en el mundo que cree que Latinoamérica no es importante para la música (pues así es como, entre líneas, se leyó esta actitud), y que casi casi nos hacen un favor al concedernos una entrevista. Algo parecido me sucedió en Coachella 2008, cuando entrevistamos al proyecto sueco I’m From Barcelona: la chica que

estaba organizando las pláticas me dijo que, la verdad, no tenían pensado hacer algo con medios latinoamericanos, pero que de cualquier forma Emanuel Lundgren, su líder, nos concedería “nada más cinco minutos”… Y, literal, sólo fueron cinco minutos. Es una pena que en países considerados de “primer mundo”, con “criterio amplio” y “sentido común”, todavía se siga menospreciando a algunos países para este tipo de trabajo, que a final de cuentas les representa proyección en mercados tan importantes como el de México. Creo que por eso hay bandas que aún no han

venido a nuestro país y, si lo hacen, no son tan accesibles; pero repito: no son tanto las bandas, sino la gente que los maneja, pues sienten que nosotros, por ser de este lado, no merecemos tener el mismo nivel de eventos —y de trato— que existe en Europa y Estados Unidos. Triste pero cierto: en épocas de la revolución tecnológica, donde existen iPads, smartphones, MP3, sharing de archivos y demás maravillas que hoy son parte de nuestras vidas, hay algunas personas que siguen pensando como si fueran los tiempos del Hombre de Neanderthal con todo y su vano pensamiento.

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La falta de conocimiento de lo que pasa a nivel mundial en diferentes países fuera del llamado “primer mundo”, hace que muchas personas dentro de la escena cometan errores que no deberían suceder en estos tiempos “modernos”, pero desgraciadamente se siguen presentando actos muy deplorables con esta gente que trabaja alrededor de los grupos. En días pasados, cuando precisamente terminábamos de armar este número de aniversario, me encontré en una situación un tanto molesta con una de las bandas incluidas, o mejor dicho, con la gente que trabaja alrededor de

Diana Urbano

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Milton Barboza Arriaga

GNBN // ROCK FICTION / WARP30

Hurbanistorias impúdico por Ella, de algún modo la conmovió. Y tanto le cantó que, al final, Ella también se enamoró. Se fueron a vivir juntos. Y si bien es cierto que tuvieron temporadas buenas, Ella —de naturaleza punk— era difícil: por la noche, invariablemente, Él recorría su cuerpo, olfateándola con apetito rupestre, buscando su verdad; regularmente Ella le respondía, generosa, aunque había veces que, con sus ataques de pánico, hasta el desayuno le negaba. Pero todo es parte del amor, ¿cierto?, o al menos eso pensaba Él —persona decente—: los caprichos de Ella, aunque dolían, parecían extasiarlo y, lejos de protestar, los agradecía. Y anduvo Él de aquí para allá, siempre con Ella, viviéndola, hasta que llegaron a aquel edificio de la calle de Bruselas. Cuentan que Él, un jueves, de madrugada, de regreso de una tocada, subió los cinco pisos del edificio, llegó a la azotea, abrió su cuarto y, sin prender la luz, la contem-

pló dormida: la luminosidad que Ella irradiaba, desde allí, desde lo alto, se percibía mítica, mitad blanca, mitad amarilla; y en la oscuridad, sin ruido, le susurró cosas bellas, cosas de amor. Ella, con los ojos cerrados, lo escuchó, dejándolo suspirar hasta que, cuando amanecía, se quedó dormido. Así, a la luz del sol, Ella lo contempló y lo supo puro. Fue el 19 de septiembre de 1985 cuando Ella, la Ciudad de México —su amada—, se irguió en sí misma por un momento, lo arropó entre sus brazos y, con todo su amor, se lo llevó para siempre a morar sus entrañas, allá, en el origen de todas las cosas.

Hurbanistorias Rockdrigo González Pentagrama 1984

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Dicen que, cuando se decidió, la anduvo rondando tres días con sus noches, sin comer, sin dormir, nomás pensando en acercarse sin asustarla. Malo como poeta, al final optó por la fórmula de las frases cortas que, sujetas de música, hizo flotar hasta Ella. (Lo que le gustaba de Ella —me lo dijo— era su caos, su imperfección: miraba sus cicatrices, pero deseaba curarle las heridas; la contemplaba echando humo todo el día y Él, por agradarla, encendía un cigarro. Ella le atraía a pesar de su neurosis, de su saña. Mientras todo el mundo la creía fría, indolente, Él la adivinaba viva… Quizá por eso se enamoró.) Así, guitarra en mano, soplando la armónica —con el pretexto de ganarse unas monedas—, le cantó en los autobuses, en el Metro. Al principio Ella no le hizo mucho caso, pero el mensaje de este melenudo ensortijado —siempre de gafas, con gorros extraños—, que le proclamaba al mundo entero su amor

Diana Urbano

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Adolfo Vergara Trujillo

ESPECIAL // WARP30

Rock Mexicano MEDIO SIGLO DE INDEPENDENCIA COMBATIVA

e han cumplido 51 años de que México escuchara rock por primera vez, más de cinco décadas, muy distintas entre sí, al menos durante los primeros 30 años, pues el rock mexicano tuvo que remar contra corrientes de diversos tipos para mantenerse en la batalla de generar nuevos oyentes: la juventud mexicana, en los primeros años de la década de los sesenta, pareció encontrar en el rock, por fin, un estilo musical revolucionario con el cual se identificaba plenamente; la década de los setenta fue una verdadera batalla entre el gobierno mexicano y los que seguían y querían hacer rock; mientras que en los ochenta las cosas —sin dejar de ser difíciles— parecían mejorar. Con la llegada del fenómeno comercial “Rock En Tu Idioma”, sin embargo, los grupos mexicanos fueron relegados nuevamente a un tercer plano, teniendo que replantear la forma de hacer música. Pero ha habido bandas y artistas que, a pesar de todas estas vicisitudes, han logrado plasmar sus grandes trabajos a lo largo del tiempo y, a su vez, le han allanado el camino a las nuevas generaciones para que su desarrollo, en esta carrera tan difícil, sea más accesible.

A continuación presentamos una serie de entrevistas, exclusivas para WARP MAGAZINE, con algunos de los protagonistas de las distintas etapas del rock mexicano a lo largo de más de medio siglo.

Los Locos del Ritmo Los verdaderos pioneros el Rock en México En 1958 llegó a México un ritmo musical que estaba arrasando en Estados Unidos; y una de sus grandes virtudes fue ser música para jóvenes. Se trata del rock n’ roll, que en ese entonces era encabezado, entre otros, por Bill Haley, Fast Domino, Little Richard y Elvis Presley. La juventud mexicana de aquel entonces no quiso, o más bien no pudo resistirse a este revolucionario ritmo. Los Locos Del Ritmo fueron la primera banda mexicana no sólo en tocar rock n’ roll, sino en componer sus propias canciones. Rafael Acosta, miembro fundador —compositor, además, del legendario clásico ‘Tus Ojos’—, a 53 años de distancia continúa trabajando con este grupo pionero del rock mexicano.

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Cortesía Instantia

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Francisco Camino

Los Locos del Ritmo

¿Cómo nacen Los Locos Del Ritmo? Todos éramos adolescentes; estábamos cursando la preparatoria y, entre clase y clase, había quince minutos de descanso. Había un salón que tenía un viejo piano de cola, en el que nos juntábamos a tocar y a cantar lo que escuchábamos en la radio, hasta que un día nos pusimos de acuerdo para ensayar los sábados. Así, poco a poco, fuimos sacando más repertorio. Una mañana, de pronto, apareció el papá de Toño De la Villa, nuestro vocalista, que trabajaba en el periódico El Universal, en la sección de espectáculos, con un contrato listo para firmar con la compañía de discos Orfeón. Sorprendidos por el hecho, nos dimos a la tarea de buscar material para el primer acetato, que al final estuvo formado por seis covers —unas de Elvis, otras de Ricky Nelson— y seis composiciones propias. ¿Qué música se escuchaba en México antes de la era del rock n’ roll? Se escuchaba mambo, cha cha cha, boleros y música ranchera, que también tenían mucho éxito, aunque estaba dirigida al público “adulto”. Pero ya en ese entonces, “los jóvenes” queríamos algo que se identificara con nosotros, y es cuando empieza a llegar el rock n’ roll de Estados Unidos. Si bien al principio existía la barrera del idioma, es hasta que nosotros lo empezamos a cantar en español cuando termina por penetrar totalmente en México. ¿Por qué se fue perdiendo ese sello de originalidad en el rock n’ roll? En el caso de Los Locos Del Ritmo, nunca tuvimos una junta con ningún director artístico que coordinara el trabajo del grupo y, con toda esa libertad, nosotros hicimos todo. Y apenas terminamos de grabar, surgieron Los Rebeldes del Rock y Los Teen Tops, que fueron los primeros en tener

un nombre en inglés. Por la gran influencia de los grupos y artistas de Estados Unidos, muchos grupos —por sentirse más importantes—, se pusieron nombres sajones y le quitaron un poco de identidad al rock mexicano. ¿Fue fácil el proceso para que su música llegara a los medios? Fácil sí, hasta cierto punto. En la radio, por ejemplo, no existía la payola; en ese entonces, el director de la estación era el que escuchaba los discos y, si le gustaba lo que oía, se transmitía. Por otro lado, no hubo empresarios que estuvieran al nivel de esta nueva industria, con un género dirigido a los jóvenes; por eso se tenía que compartir escenario con grupos tropicales, rancheros y tríos; desafortunadamente, algo que no les copiamos a los gringos, fueron los festivales de rock que impulsaron desde un comienzo. Después de este medio siglo, ¿qué ha perdido y qué ha ganado el rock mexicano? No creo que haya perdido mucho; quizá la oportunidad de crecer más; pero la juventud mexicana, afortunadamente, hoy tiene un canal de expresión llamado “rock”, con todas sus ramificaciones, gracias a que se sentaron las bases para eso hace más de 50 años.

Jaime López La sobrevivencia al trauma

De todos es conocido que, en los años setenta, como nunca antes, hubo una persecución y censura del gobierno hacia el rock mexicano. Desde la estricta prohibición para que grupos internacionales se presentaran en nuestro país, cancelación de

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medios impresos y concesiones de radio, el rock en español fue silenciado por miedo a la subversión, pues los gobernantes, lejos de ser representantes democráticos, se veían como pequeños monarcas que todo lo controlaban. Jaime López, uno de los grandes compositores del rock mexicano, quien vivió y luchó con su música contra la represión ideológica, platicó para WARP MAGAZINE su experiencia de esa época. Jaime López / Heriberto Vázquez

El Rock Mexicano en la Radio

A pesar de las nuevas tecnologías digitales, la radio continúa siendo la gran vitrina para dar a conocer música. En el caso de México y el rock nacional, la relación no siempre ha sido la mejor; en todo momento ha habido presión gubernamental, auto censura e intereses creados, los cuales no han permitido del todo difundir el rock de México. En los setenta y ochenta la gente escuchaba más radio que ahora. En México había tres estaciones de rock en AM, las cuales tenían los más altos niveles de audiencia: Radio 590-La Pantera, Radio Éxitos y Radio Capital. Heriberto Vázquez, actual Coordinador de la XEQ y programador de espacios musicales en W Radio, tuvo la oportunidad de trabajar en las tres estaciones, cuando éstas eran el mayor referente de lo que estaba a la vanguardia del rock internacional. En aquel entonces, ¿qué era lo que se programaba de rock en español? No se tocaba nada de rock en español, y menos mexi-

¿Fue en ese entonces que se comenzó a programar rock mexicano en español? Así es, pero donde comenzó a sonar fuerte fue en las estaciones líderes pop, en AM, como Radio Variedades, Radio Mil y Estudiantes AM. Las primeras bandas de rock mexicano en ser programadas fueron Caifanes, Ritmo Peligroso, Kenny y Los Eléctricos, Maldita Vecindad, Bon Y Los Enemigos del Silencio, etc. A finales de los ochenta, estaciones pop de FM, como 97.7 y Stereo 102, empiezan también a tocar rock en español. Sin embargo, la primera estación que tenía rock en español en toda su programación fue Estéreo Joven, a finales de los ochenta; la otra estación histórica, La Pantera, modificó su formato y comenzó a tocar sólo rock en español, cambiando su nombre a Espacio 59. En ese momento, lo que más le hizo daño al rock mexicano en español, fue la auto censura, pues en cabinas de estaciones de rock corría la consigna: “el rock es en inglés y no en español”; esto, aunado a que la Secretaría de Gobernación tenía un departamento dedicado a “evitar la corrupción del idioma” y regularmente mandaba extrañamientos a los locutores, perjudicó mucho.

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En el caso particular de México, ¿qué fue lo que hizo al rock y qué le faltó? Lo que le faltó, definitivamente, fue infraestructura; le faltó desde el más elemental jala cables, hasta una buena oficina que representara al artista ante las grandes empresas de la industria musical; a esto hay que agregarle cierta auto marginalidad: el conformarse con “somos alternativos, somos independientes, somos una subcultura, etc.”; me refiero a ese tipo de mentalidad que ni siquiera ha generado un mercado pobre, sino un ambiente de miseria y hasta de limosna.

cano: se tenía la idea equivocada de que esa música era para nacos. Y es que se venía de una mala experiencia: el 11 y 12 de septiembre de 1971, cuando Radio Juventud transmitió en vivo el Festival de Avándaro, fue todo un escándalo. A los locutores de esa estación les quitaron la licencia y a la frecuencia se le retiró el permiso para transmitir, todo porque se escuchó al aire la palabra “marihuana”. A partir de ahí, por el miedo natural de los concesionarios, se prohibió tocar rock en español. Aunque a finales de los setenta se escuchaba fuertísimo Three Souls In My Mind —hoy El Tri—, las estaciones de rock juvenil de ese entonces, como La Pantera, Radio Éxitos y Radio Capital, no tocaban nada de rock en español. Tiempo después salió un disco, editado por Ariola, titulado Rock En Tu Idioma, que contenía temas de grupos españoles y argentinos. Al ver que este compilado era todo un éxito comercial, decidieron lanzar y promocionar grupos bajo el mismo concepto.

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¿Cómo fue tu experiencia en la década de los setenta con el rock en español? A mí me tocó vivir el Movimiento de 1968, musicalmente hablando, y sobre todo Avándaro, ya en los setenta. El resultado de estas dos cosas provocó la extinción de la vida nocturna y de los lugares de reunión, no sólo en el ambiente del rock.

Los 80 Resurrección y muerte del rock mexicano

Botellita de Jerez

En la década de los ochenta el rock mexicano estaba reinventándose; ese es el momento en que surge el rock urbano y de trova, sin dejar de lado el rock de protesta. Artistas como Banda Bostik, Trolebus, El Tri y Rockdrigo González, eran parte de este replanteamiento del rock en nuestro país, y es cuando surge una de las bandas emblemáticas: Botellita de Jerez, que impuso el estilo llamado “GuacaRock”. Armando Vega-Gil, bajista y cantante de los botellos, platicó con WARP MAGAZINE su experiencia sobre el rock mexicano de aquella época. ¿Qué logró Botellita de Jerez? Uno de los grandes logros de Botellita fue hacer entender a la banda que era importante cantar en español para tener un interlocutor directo, además de una postura frente a la censura dominante. Por otro lado, fue fundar Rockotitlán, donde nos dábamos chamba a nosotros mismos —me refiero a las bandas de rock mexicano en español—, pues no había lugares dónde

hacerlo. También sirvió para plantear al rock mexicano como una manifestación ideológica, pues podías hacer una revisión crítica de tu entorno y burlarte de él. ¿Había un acoso o rechazo moral del gobierno hacia el rock? Más que acoso moral, había una auto censura; en los medios existía desconfianza: veían al rock como algo burdo, y eso nos dio la confianza para hacer de la burla, del sarcasmo y de la defección de lo urbano, la temática de Botellita de Jerez; esa opresión nos dio chance de tener una postura más activa. Nunca pudimos tener temas en la radio, porque no había estaciones para ello; la llegada del famoso “Rock En Tu Idioma”, más que apoyar al rock mexicano, lo asesinó; todas las bandas mexicanas, que ya teníamos tiempo tocando, fuimos sacadas de la jugada. Pocas bandas mexicanas sobrevivieron a esto, como Caifanes y Fobia, pero la gran mayoría sucumbieron.

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Fobia Mundo Feliz

¿Cómo fue la transición de los ochenta a los noventa en el rock mexicano? Hacia finales de los ochenta, el mercado estaba saturado de bandas de España y Argentina, y los medios le apostaban a ello; sin embargo, se dieron cuenta de que también sabíamos hacer buen rock y, poco a poco, las puertas se

abrieron para las bandas mexicanas. Nos tocó ese cambio de estafeta generacional, en el que el camino al principio fue duro, pero llegaban las cosas para los que no aflojábamos el paso; a su vez, también les abrimos las puertas a bandas nuevas. Sin embargo, las cosas no fueron fáciles: fuimos censurados por el contenido de algunas letras. Los noventa resultó ser una década más que interesante para el rock mexicano: toda aquella represión y la poca confianza en la postura de muchas bandas mexicanas, dio paso a la segunda mitad de la década, donde el Internet vino a impulsar más el género: el público tuvo acceso a la información como nunca antes, con base en la tecnología, incluyendo una de las más grandes revoluciones: el MP3.

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Los noventa fue el parte aguas de la era digital. Esto afectó de muchas maneras todo lo que la sociedad hacía y, una vez más, México estuvo ajeno a estos cambios. A Fobia le tocó vivir prácticamente tres etapas en apenas ocho años: La poca exposición para los grupos mexicanos de rock, a finales de los ochenta; la apertura musical de los noventa; y la llegada de Internet. El Cha, bajista de la banda capitalina, platicó con WARP MAGAZINE sobre su experiencia.

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Fobia

Austin TV La nueva estirpe nacional Austin TV

La revolución tecnológica ha sido vertiginosa desde el año 2000. Hoy en día, la velocidad y la cantidad de información es cada vez mayor, y la música no es ajena a este escenario. En el caso de Austin TV, banda mexicana de rock instrumental, su desarrollo ha sido más que interesante, pues está a la vanguardia en esta difícil industria y son referencia inmediata como una de las mejores bandas de rock en México en este Tercer Milenio. Oiram, guitarrista de Austin TV, da a conocer su experiencia y visón del rock mexicano en la era moderna.

a ello hicimos nuestra primera gira en el interior del país, pues contactamos a muchas bandas vía Internet. Otro beneficio es el desarrollo de la accesibilidad y portabilidad de la música, que se hizo más popular, y la gente escucha sólo las canciones que le gustan; hoy ya son muy pocos los que siguen buscando el disco completo; y no me malinterpreten: si bien no se puede mostrar en una sola canción todo lo que un artista puede ofrecer, aferrarse a vender discos físicos sería un error, si consideramos el estado de la economía mundial.

¿Qué tan complicado es hacer rock en estos tiempos? Ahora es mucho más sencillo conocer bandas de todo el mundo y si no puedes pagar por la música, simplemente la descargas. Austin TV ha apoya la descarga gratuita, siempre y cuando no haya un tercer beneficiado. La música está hecha para ser escuchada por todos y, si no se tienen los medios para adquirirla, el compartirla no afecta a nadie. Internet definitivamente ha beneficiado la escena del rock, y no sólo en México. A nosotros nos tocó vivir la era digital y la decadencia de las disqueras desde el inicio de nuestra carrera: nosotros vivimos de tocar en vivo y no de la venta de discos.

¿Cómo funcionan las bandas de hoy? Aunque para muchas bandas de la vieja guardia esto sea un sacrilegio y descalifiquen totalmente lo que voy a decir, las bandas de hoy funcionamos regalando música. Pienso que, de no hacerse así, simplemente la gente no va a conocer tu música. Tenemos que pensar como consumidor, porque las bandas también somos eso: se debe facilitar el acceso a la música.

Entonces, ¿es tangible ese beneficio que Internet le ha dado al rock mexicano en estos últimos años? Claro que sí. Uno de esos beneficios es que podemos contactar bandas de cualquier lugar de México; gracias

¿Qué le falta a la escena mexicana para consolidarse? A la escena mexicana le hace falta solidificar ciertos géneros: comienza a haber muchas bandas de ska, de rockabilly, de surf, de punk, porque el mismo público va a los toquines de todos estos géneros; cuando se consolide cada uno, entonces habrá públicos específicos, lo que hará que las bandas sean más auténticas y no busquen tanto alcanzar el mainstream.

ESPECIAL // WARP30

El difícil camino del

rock mexicano Joselo Rangel

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Pero eso es lo bueno del rock en México: parece que sigue siendo prohibido. Se necesita mucha determinación para mantener un grupo de rock, en contra lo que digan los demás; porque nadie te va a apoyar, a veces ni tu disquera; esto le da al rock un sabor que seguramente no tiene en otros países, donde todo está muy institucionalizado y sólo se busca ganar más dinero. Por eso, en Café Tacvba, homenajeamos a Axis en nuestro disco Avalancha De Éxitos, porque todos los grupos mexicanos, hasta el más grande, somos pequeños: luchamos por expresarnos como queremos y no como dice el otro, el que quiere todo correcto. ¿Que el camino es largo y sinuoso? Sí, pero eso lo hace más sabroso. ¡Qué viva el rock mexicano!

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yer vi un video en YouTube que no sabía que existía; se trata de la presentación del grupo Axis, cantando ‘Metamorfosis’, en un programa de televisión. Con esa canción ganaron el concurso de rock de la disquera Peerles, en 1984. La banda sonaba mal en televisión, pero supongo que eran los nervios de los integrantes de Axis o la mala mezcla de monitores, porque en vivo sonaban fenomenal; o al menos eso es lo que recuerdo: combinaban sus canciones originales con temas de Rush y Led Zeppelin. No sé qué edad tenían; supongo que unos cuantos años más que yo, pero eran los ídolos de Ciudad Satélite en los años ochenta… ¿Y qué pasó con ellos? No sé. Supongo que el grupo era su hobby mientras entraban a la universidad. De haber nacido en otro país —Inglaterra, por ejemplo—, tal vez sus padres, la sociedad, los hubiesen impulsado a seguir haciendo música. Y el panorama no ha cambiado mucho desde los lejanos años ochenta. Tal vez los niños que juegan futbol y las niñas que practican golf encuentran más aliento en la sociedad que un niño cuya pasión es tocar la guitarra; y si resulta que le gusta el rock, pobrecito de él. Aunque hay mayores figuras a las cuales los jóvenes pueden emular, estos no les parecen tan importantes a la sociedad como Rafa Márquez o Lorena Ochoa, porque los padres quieren un hijo o hija así, que gane millones haciendo deporte y se hagan famosos con comerciales de Banamex y Bimbo.

Pendejadas Célebres de la Historia de México Introducción Milton Barboza, Texto Antonio Garci

Cortesía Antonio Garci

iempre hay un roto para un descocido, siempre hay antítesis para una tesis que no a todo mundo le agrada. En el caso de este festejo de Bicentenario, no faltan los detractores y algunas otras personas que, partiendo de ver la vida de manera alegre y sarcástica, vienen a ponerle sabor al caldo con grandes resultados. Es el caso de Antonio Garci, escritor cuya experiencia abarca formar parte del equipo creativo de Andrés Bustamante (El Güiri Güiri) desde hace varios años, teniendo en hacer reír, su profesión. Para este 2010 concibió el llamado “Libro Prohibido” titulado Pendejadas Célebres de la Historia de México, donde da a conocer (con fundamentos) varios de los acontecimientos y casos inverosímiles de lo que ha pasado en nuestro país a lo largo del tiempo, para descubrir que no todo en nuestra historia es bonito como de repente se nos hace creer. Ya deberíamos tener como Epílogo el triunfo de Jimena Navarrete en el concurso Miss Universo, como el regalo obvio del mundo a nuestro pueblo en la celebración de estos 200 años; o el regreso de la fé a nuestra sociedad, como pasó hace 19 años cuando Lupita Jones se coronó en el mismo concurso, justo cuando el Tratado Libre Comercio estaba en sus últimos ajustes para que se llevara a cabo y México saliera ensartado por Estados Unidos y Canadá. Les presentamos pues, extractos de este libro que Garci le da al pueblo de México para que pueda ver el otro lado de la moneda.

Lo Que Se Calla Del Grito ¡Aquél tiempo feliz, en que éramos tan desgraciados! -Alejandro Dumas

Existe una versión que comparten varios historiadores, respecto a que el cura Hidalgo no dio el grito de Independencia a las cinco de la mañana, sino a las dos. La diferencia de tres horas entre ésta y la versión oficial parece, aparentemente, uno de esos debates exquisitos e inútiles entre los estudiosos del tema, pero en realidad es un asunto de gran importancia: de haber dado el grito a las 2 de la mañana este acto puede considerarse como la celebración de la primera Noche Mexicana, y de haberlo hecho a las 5, el movimiento de Independencia podría considerarse como un “madruguete”. En lo que sí coincide todo el mundo es que esto sucedió el 16 de septiembre y no el 15, como lo festejamos actualmente. La razón es porque Porfirio Díaz cumplía años el 15 de septiembre y quería que todos los mexicanos celebráramos su aniversario al mismo tiempo que el de la Independencia del país. Por eso, la fiesta nacional em-

pieza el 15 y sigue con el desfile del 16. De esta manera, los mexicanos conseguimos dos días de festejos, de ahí que en México tengamos las fiestas patrias y no la fiesta patria, como en cualquier otro país. Yo, la verdad, nunca he entendido porqué no empezamos a festejar desde el 13 de septiembre, que se celebra el aniversario luctuoso de los Niños Héroes del Castillo de Chapultepec, y si esta fecha cívica cae en martes podríamos ligar un puente de seis días para no ir a trabajar. La única explicación que encuentro para desperdiciar esta oportunidad es que cayera en martes 13 y ese es un día de mala suerte, según la mitología mexicana. Para los gringos el día de mala suerte es el viernes 13, cosa completamente absurda para los mexicanos, pues como en la práctica ese día es cuando inicia nuestro fin de semana, a fuerzas tiene que ser un día de buena suerte. Otra idea es empezar a celebrar las fiestas patrias desde el primero de septiembre, fecha en que inicia el periodo ordinario de sesiones de la Cámara de Diputados, que si se liga hasta el 16 nos da más de dos semanas de días feriados, y si a esto lo ligamos con la celebración de la consumación de la Independencia, el 21 de septiembre, y la celebración de la llegada de la segunda quincena de septiembre, el día 30, ya podríamos tener un mes de vacaciones completo, como en cualquier país europeo del primer mundo. Esta podría ser nuestra meta para la celebración del tricentenario. Volviendo a lo del grito, no sabemos exactamente qué fue lo que gritó Hidalgo el 16 de septiembre, de 1810, lo que sí sabemos es que pronunció fuertes “vivas” a la Virgen de Guadalupe, a la religión católica y al rey Fernando VII y, eso sí, algunos “mueras” al mal gobierno y el controvertido grito de: “a coger gachupines”. Es curioso que en la ceremonia del grito que se hace en la actualidad, ninguna de las frases que sabemos con seguridad dijo el cura Hidalgo se pronuncien jamás, por ninguna autoridad, aunque sería extraordinario ver al presidente en turno gritar con entusiasmo “¡Muera el mal gobierno!” De lo que se dice en nuestros días durante la fiesta del grito lo único que probablemente sí pronunció el párroco de Dolores fue: “¡Viva Hidalgo!”, aunque lamentablemente no tenemos ninguna evidencia; respecto a todo lo demás: “¡Viva Morelos!”, “¡Viva Aldama!”, “¡Vivan los héroes que nos dieron patria y libertad!”, pues es evidente que nunca lo dijo; sobre todo, es seguro que nunca gritó: “Viva Allende”, ya que los dos se detestaban. Porfirio Díaz fue quien diseñó la ceremonia del grito y el guión que nos dejó permanece intacto hasta la fecha. Desde entonces, todos los 15 de septiembre, a las 11:00 horas, el presidente en turno sale al balcón de Palacio Nacional a tocar la campana y ofrecer una arenga conmemorativa a la efeméride, en la que se recuerda a

siniestro para los mexicanos…, pero eso sí, seguimos festejando su cumpleaños.

El Trébol De La Suerte Del Canal 13 Suerte es que teniendo unos padres tan feos como los míos haya salido yo tan guapo.

A principios de la década de los 80, la televisión estatal mexicana tenía una flamante sede en el Ajusco, muestra de lo que dejaba la bonanza petrolera en esos años en que nuestros problemas eran cómo administrar la abundancia y cuál era el tamaño apropiado que debían tener las patillas para ir a una boda. La señal de la televisora del gobierno era el flamante Canal 13 y la flamante titular de la Dirección de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC) era Margarita López-Portillo, hermana del presidente en turno, quien se propuso de veras elevar la audiencia del canal. La señora trabajó horas extras y contrató a un grupo interdisciplinario de asesores para lograr este objetivo. Un gurú le dijo que si quería que de verdad la gente viera su canal era menester luchar contra el fatal karma del número 13, de consabida mala suerte; así que para equilibrar las “malas vibras” de la señal del gobierno, debía añadirle al emblema del canal un trébol de 4 hojas. Con esa modificación sustancial, la programación del canal 13 sería la preferida del público mexicano, y sus niveles de rating rebasarían varias veces la población del país. Esta gran idea se instrumentó de inmediato y así fue como el escudo del canal 13 tuvo un trebolito verde en la parte inferior derecha durante los dos últimos años de la administración de López-Portillo. Por supuesto, a nadie del canal le pareció una pendejada hacer eso para mejorar la audiencia, ya que este gurú fue también quien le reveló a Margarita López-Portillo que ella era la reencarnación de sor Juana Inés de la Cruz, algo que fue una verdad para todos los mexicanos hasta que terminó el sexenio de José López-Portillo. Un chiste de la época decía que mientras sor Juana era la décima musa, Margarita era la pésima musa.

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-Frankenstein

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los héroes de la Independencia, con una mención de los principales protagonistas (oficiales), una ovación general para todos los demás y luego varios gritos de “¡Viva México!”, que se profieren mientras repica la campana. Claro que, en los 124 años que han pasado desde que se hizo la primera ceremonia del grito, alguno que otro presidente le ha metido reformas que no han prosperado. Por ejemplo, Luis Echeverría le endosó además el: “¡Vivan los pueblos del tercer mundo!”; Vicente Fox, el primer presidente no priísta de la historia reciente de nuestro país le agregó: “¡Viva la democracia!” y dicen que estuvo a punto de añadirle: “¡Viva Martha Sahagún!”, ya para el final de su sexenio. Felipe Calderón, nuestro actual presidente, no ha dicho nada nuevo, aunque es probable que en el siguiente grito diga: “¡Viva, ya sólo me quedan tres años de gobierno!” y entonces sea aclamado por la multitud. Durante el segundo gobierno de Porfirio Díaz, se celebró de manera oficial el aniversario del Grito de Independencia. El regidor de las festividades, Guillermo Valleto, propuso celebrarlo desde el balcón del Palacio Nacional, en 1887; para ello se solicitó al pueblo de Dolores, Hidalgo, prestara la campana, hecho al que se negaron los pobladores. La verdad, yo creo que tenían miedo de que el gobierno terminara empeñándola. Pese a que los habitantes de la “Cuna de la Independencia” se valieron, durante 10 años, de diversos argumentos para que el objeto histórico no fuera llevado a la Ciudad de México, finalmente se la pelaron y hoy podemos ver la famosa campana con la que el cura Hidalgo llamó a la Independencia, en 1810, en el nicho de la puerta principal de Palacio Nacional. Ahora que estamos de bicentenarios hay que señalar que el 15 de septiembre de 1910, la celebración fue boicoteada por los maderistas, que todavía protestaban por la aprehensión de su líder, Francisco I. Madero. Aquella noche, cuando el entonces presidente Porfirio Díaz quiso tocar la campana, ésta no sonó, alguien amarró el badajo y no se emitió ningún sonido. Fue necesario que un ayudante del presidente la desamarrara para continuar con la ceremonia. Después de la Revolución, Porfirio Díaz quedó exhibido como un dictador y un tirano causante de todos los males del país, un personaje aborrecible y

LINE UP DE ARTISTAS EN EL FESTEJO DEL BICENTENARIO (Sujeto a cambios sin previo aviso) Escenario del Caballito -Instituto Mexicano del Sonido -Maldita Vecindad -Zoé -Kinky

Escenario de Cuauhtémoc -Eugenia León (ensamble norteño Bicentenario) -Lila Downs con Mariachi Femenino -Espinosa Paz

Escenario del Ángel -Los Tigres del Norte -Aleks Syntek Invitados: Paulina Rubio, Jaime López, Sandoval, Pambo, Erick Rubín, Jot Dog

-Alondra de la Parra y la Orquesta Filarmónica de las Américas Invitadas: Natalia Lafourcade, Ely Guerra, Lo Blondo

Bicentenario EL FESTEJO NACIONAL ace 200 años se inició la Independencia Nacional, hace 100 años la Revolución Mexicana y hace más de uno comenzaron los preparativos para festejar sus importantes conmemoraciones. Reuniendo un equipo de élite mundial comenzó un proyecto ambicioso, único y sin precedentes en la historia de México. El 15 de septiembre de 2010 será el marco para celebrar a través de nuestra música, danza y teatro, pero sobre todo a través de cada de uno de nosotros —los mexicanos— nuestra diversidad y riqueza cultural. Será con un desfile, espectáculos, pirotecnia y conciertos, donde destacados artistas de talla internacional reinterpretarán los ideales, sueños, tradiciones, sabores y colores de México. El Desfile, que tendrá como escenario El Paseo de la Reforma, lo componen ocho segmentos, y uno más intercalado entre ellos. Cada segmento está diseñado para recordar nuestros orígenes, repasar nuestra historia y analizar nuestro porvenir, pero siempre sorprendiendo nuestros sentidos. Independencia, dirigido por Mauricio García Lozano, es el encargado de abrir el desfile; en él se plantea un mundo habitado por niños a bordo de un gran barco de papel que surca un mar de nopales tricolores y esperanza, lo que llena de luz este segmento. Horacio Lecona nos trae La Gran Nación Mexicana y, consigo, a más de mil personas, provenientes de todos los rincones del país, reunidas por primera vez para compartir la manera de vivir sus tradiciones: chalupas, trajineras, juguetes, alebrijes, entre muchos otros elementos, darán vida a este segmento. Insurgencia y Revolución, de Jorge Vargas, invita a reconstruir la batalla: marionetas gigantes de soldados pintan un fresco artesanal y mecánico de la Revolución Mexicana. El siguiente segmento lleva por nombre Prehispánico, bajo la dirección de Alicia Sánchez y Claudio Valdés Kuri, que de manera entretenida cuenta ‘La Aventura del Tameme’; su misión: llevar huachinango fres-

co desde las costas de Veracruz hasta las manos de Moctezuma, enfrentando peligros y reviviendo nuestras raíces prehispánicas. De esta forma se da paso a Héroes y Mitos, segmento dirigido por Mónica Raya, el cual gira alrededor de la Serpiente Emplumada, aunque rodeado de personajes del imaginario mexicano salidos de la historia, la literatura, el cine y la pintura que, junto con seres plateados y dorados, componen un extraño carnaval futurista. Suave Patria, con la dirección de Juliana Faesler, busca que realicemos un ejercicio de memoria, pero también de conciencia, con la Constitución como base de nuestra sociedad. Alicia Sánchez y Claudio Valdés Kuri repiten como directores y, en este segmento, presentan Colonia y Barroco: el encuentro de dos Mundos como fundamento de la gran riqueza cultural que nace con nuestro mestizaje. La Celebración De Muertos, bajo la dirección de Mario Espinosa Ricalde, no puede faltar: por un lado está la relación con la muerte a través de ritos y expresiones populares, y por el otro el valor simbólico de la muerte, que también es una transformación. Todo en nuestro país es Cultura Popular y Felipe Fernández Del Paso presenta, con notas musicales, bailes y mucho movimiento, algunos géneros musicales representativos de México, intercalados entre cada uno de los anteriores. Y esto no es todo, finalizado El Desfile, El Zócalo será sede de grandes espectáculos como El Árbol De La Vida, El Coloso y Vuela México, pirotecnia que pintará el cielo de múltiples colores, justo antes del tradicional Grito de Independencia. La música, particularmente, es siempre una gran manera de festejar, y con conciertos en el Ángel de la Independencia (sonidos contemporáneos), Monumento a Cuauhtémoc (música Mexicana), Glorieta del Caballito (expresiones más jóvenes y vanguardistas) y en el Zócalo, invitarán a todos los mexicanos a unirse al festejo.

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Cortesía Instantia

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Francisco Sierra

-Milton Barboza Arriaga, Editor en Jefe.

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Una historia de tres años de vida se cierra con este número, que en resumidas cuentas es el 30. Es un tiempo que ha pasado con tal rapidez que, esa primera sesión fotográfica, en nuestras oficinas, donde pudimos reunir a catorce músicos de las bandas más trascendentales de la escena nacional —haciendo posible una WARP MAGAZINE número 1 más que interesante— no parece tan lejano. Hoy, a la distancia, nos damos cuenta que lograr cada contenido especial, cada cierre de edición, es parte primordial de nuestro existir y, sobre todo, de ese sentimiento de crear, mes con mes, una revista de calidad. Siempre hemos pensado que cada quien decidirá si WARP MAGAZINE es o no un producto interesante, pero lo que definitivamente nos llena de orgullo es que somos parte de una escena musical mundial que, con nuevas ideas para promover la música, va en busca de un reforzamiento en su estructura, pues estamos inmersos en un momento histórico que, sin lugar a dudas, está replanteando la forma en la que escuchamos, consumimos y, sobre todo, vivimos la música. Por ello, este número es un pequeño homenaje a todos esos grupos que, según nuestro razonamiento y prospectiva, tomarán el mando del futuro de la música, ése que avanza a pasos agigantados, pero impulsándose desde el legado de bandas del pasado, logrando un nuevo cimiento, quizá distinto, pero siempre poderoso. Como cada número, debemos agradecerles a ustedes, los lectores, por ser y estar, por formar parte de un proyecto que, desde hace tres años, es un regocijo producir.

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ONE PLUS TWO PLUS THREE

Es el segundo número primo y el primer número primo impar.

“El país, en estos momentos, está inmerso en un ambiente de violencia, de narcotráfico y asesinatos, que propicia que no exista interés en la música.” -Teri Gender

Flashback

“La música ha cambiado para bien, hay muchas bandas interesantes allá afuera que están mezclando todo de la mejor manera” -Pat Mahoney (LCD Soundsystem) / WARP Magazine 26

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LE BUTCHERETTES I’M QUEEN En tiempos de fórmulas probadas y sonidos repetitivos, donde la música nos sorprende muy poco y las bandas se reproducen como gremlins, es imposible ignorar la originalidad y el talento cuando nos pasan por enfrente. Es así que, en un país como el nuestro, cuya producción musical deja mucho qué desear, surge una banda tapatía que, lejos de intentar encajar en la escena, busca diferenciarse y dejar en claro tan sólo una cosa: México produce rock y lo hace bien. “En la música o en cualquier tipo de arte, cuando algo es real, se ve, la gente se da cuenta. Por ello, cuando el público tiene enfrente a un personaje como Teri, que vive lo que hace, que lo disfruta y lo sufre, se vuelve cómplice y se interesa en su trabajo”, asegura Normandi Heuxdaflo, baterista que se uniera a la banda luego de que Auryn Joline dejara la agrupación, y que vino a dar ese opuesto al sentido femenino que regía en la banda desde su conformación. Buscar la diferenciación en un todo, obtenerla y mantenerse en ese camino no es fácil; de allí la necesaria evolución de un concepto. Teniendo esto en cuenta, con el fin de no ahogarse en el éxito, Le Butcherettes continuó como agrupación luego de perder parte de su alineación, pero gracias a la calidad de su propuesta, logró colocarse en el ojo de bandas tan importantes como The Dead Weather y Yeah Yeah Yeahs, abriendo las presentaciones que éstas realizaran en México a finales del año pasado. Y es que Teri Gender Bender ha logrado cristalizar una idea, más allá del aspecto musical, al crear un ambiente pocas veces visto en el escenario: “Ahora, con la presencia de un hombre —explica Teri—, hemos

intentado darle un nuevo rostro a la banda, pues viene a representar al hombre de la casa, que debe cumplir con sus deberes, llevar el pan a la mesa y ser un buen esposo. La máscara que usa, entonces, es la representación de los estereotipos sociales, de los cuales se libera mientras le pega a la batería”. Es en esta “segunda etapa” que Omar Rodríguez-López se interesa en la propuesta y contacta a la banda para colaborar en lo que será su primer material de larga duración, el tan esperado Sin, Sin, Sin. “Trabajar con Omar es una de las cosas más importantes que nos han pasado. Verlo allí, tocando el bajo con nosotros, fue impresionante; me desmayé varias veces en el proceso…”, bromea Teri, al tiempo que Normandi detalla: “Empezamos a grabar y nos impresionó mucho que se supiera las canciones mejor que nosotros. Trabajar con él, en su estudio, con dos de sus ingenieros de sonido —uno de los cuales, por cierto, ha colaborado con Interpol—… ¡Wow! Hubo magia”. Con esta referencia, la historia de Le Butcherettes se enmarca en una escena que, si bien ya nació, apenas se desarrolla en cuanto a calidad y originalidad. La fundadora y cerebro de esta banda opina: “Lo que sucede es que no existe el apoyo suficiente para que surjan bandas diferentes, con propuesta. El país, en estos momentos, está inmerso en un ambiente de violencia, de narcotráfico y asesinatos, que propicia que no exista interés en la música; aunque claro: si no tienes tanta calidad, pero vendes, es distinto. Creo que bandas buenas, como Rey Pila, Furland y La Banderville serán las que demuestren que México puede ponerse al nivel de países

europeos en la generación de sonido de calidad”. “Otro factor que interviene en todo esto, es la falta de respeto —considera Normandi—. Muchas bandas, hoy en día, se la pasan viendo qué hace el de enfrente y, de repente, pretenden ser el de enfrente, cuando deberíamos focalizarnos en hacer bien nuestra música y preocuparnos por impulsar nuestra visión del mundo… Creo que así creceríamos mucho. Es lo que me gusta de Le Butcherettes: nosotros podríamos colaborar con Belanova, así como lo hacemos con Omar Rodríguez”, concluye. Con todo esto, sólo quedaba esperar un disco que, si bien presenta innovaciones —como la introducción de un bajo—, conserva esa característica violencia con la que nació el proyecto. “Es un material de once tracks que queremos que la gente conozca antes de poder tenerlo. Hemos viajado a muchos lugares, ejecutando las piezas, y sacaremos este trabajo hasta enero, tanto en vinil como en descarga digital. Así que estamos inventando nuestras propias reglas. A mucha gente le gusta la idea y a otra no, pero está bien; al final veremos cómo funciona. No tenemos prisa”, señala Teri. Girando en varios lugares con nueva alineación, la incursión del bajo en su música y con toda la energía que su corta vida posee, Le Butcherettes se posiciona como una agrupación promesa del rock nacional, demostrando que el talento mexicano existe y puede alternar con gigantes de la música, sin minimizarse siquiera un poco… Quizá por ello, nos adelantaron su presencia en “un gran evento a realizarse en octubre”. Habrá que ver qué sucede con ellos.

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Robin Laananen

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Karina Luvián

dimensiones significa que algo tiene longitud, altura y profundidad.

THE TEMPER TRAP SWEET DISPOSITION Diovanny Garfias

Cortesía The Temper Trap

Flashback

“Todos los músicos canadienses hemos armado un buen equipo y nos apoyamos de una u otra manera” -Brendan Canning (Broken Social Scene) / WARP Magazine 24

WRP30 En definitiva, la escena australiana de rock vive uno de sus mejores momentos, superando esos picos intermitentes de los ochenta y noventa. Hoy, bandas importantes se consolidan en todo el planeta y gozan un prestigio como el de cualquier agrupación de Reino Unido o Estados Unidos. Las líneas se están borrando y las distancias acortando… O es eso, o el rock se hace homogéneo cada vez más… De cualquier modo, algunas de éstas escribirán la historia del rock por venir. Directamente de esa escena nos llega una banda que tiene varios años trabajando, aunque se les abrieron las puertas del mundo sólo después de participar en el soundtrack de (500) Days Of Summer (2009). Nos referimos a The Temper Trap, cuarteta originaria de Melbourne, integrada por Dougy Mandagi, Jonathon Aherne, Lorenzo Sillitto y Toby Dundas… Fue con este último, precisamente, que WARP MAGAZINE pudo platicar, en exclusiva, acerca de su nuevo álbum, Conditions (2010).

¿Cómo funciona The Temper Trap a nivel creativo? ¿Siguen algún proceso? No tenemos una fórmula establecida, pero la mayoría de las veces a alguien se le ocurre alguna idea o empieza a improvisar con su instrumento; por eso pienso que la forma en la que componemos es muy equitativa, pues todos participamos intensamente. Una vez que fijamos cómo va a sonar algo, tratamos de armar la canción completa, darle una estructura, y es entonces que escribimos la melodía vocal y las letras, aunque esto es muy diferente con cada canción. Por ejemplo, ahora estamos trabajando en nuevas canciones y estamos en el estudio, pero esta vez intentamos cambiar instrumentos; de esta forma, cada

Su estilo musical es atmosférico, pero no es algo tan experimental… ¿De dónde proviene su sonido? En un principio tratamos de tocar algo un poco más parecido al rock blues, entonces empezamos a utilizar sintetizadores y samplers, y así fue que nuestro sonido evolucionó; para cuando hicimos nuestro EP homónimo, terminó siendo algo como rock fiestero; esto quiere decir que estábamos en un punto entre el lugar del que partimos y el lugar a dónde queríamos llegar. Creo que en algún momento, mientras escribíamos el álbum, descubrimos qué tipo de canciones queríamos hacer y empezamos a trabajar para lograrlas. ¿Qué tan importante fue para ustedes aparecer en el soundtrack de (500) Days Of Summer y cómo fue que se involucraron en el proyecto? Eso fue, de hecho, muy importante para nosotros: teníamos un fan en Los Angeles, cuyo trabajo estaba relacionado con la música; él tuvo acceso a la producción de la cinta y pudo colocar una de nuestras grabaciones en una pila de música que el director, Marc Webb, revisaría; cuando escuchó ‘Sweet Disposition’ se enamoró de ella y, de inmediato, quiso incluirla en la película y luego en el soundtrack. Para nosotros fue increíble y nos ayudó a que el público norteamericano se fijara en The Temper Trap. ¿Qué hace de The Temper Trap una banda diferente de otras, para llegar al lugar en el que se encuentran? Trabajamos muy duro, más que mu-

chas otras bandas. Volviendo a los días en que empezamos, recuerdo que practicábamos cuatro o cinco veces a la semana; de esta forma conseguimos volvernos buenos tocando en vivo, lo que hoy muchas bandas se olvidan de hacer. A nosotros nos gusta tocar en vivo, porque cada vez que tocas en una ciudad y logras ganarte un nuevo fan, sabes que, cuando regreses, encontrarás a ese fan con otros que trajo. Nos gusta trabajar ese aspecto, porque muchas veces que escuchas un buen álbum, cuando ves a la banda en vivo, te decepcionan; así que tienes que hacer un disco sólido, tan bueno como tus presentaciones en vivo. ¿Qué nos puedes contar de la escena rock en Australia? En Australia hay muy buen rock; además, la música incita a los jóvenes a que armen su banda y comiencen a crear y a tocar, aunque lo realmente popular son los grupos electro rock, como Cut Copy; bandas como estas tocan en los mejores lugares, aunque hay espacio para todos: si quieres hacer música diferente, siempre podrás encontrar algún bar donde haya gente que quiera escuchar tu trabajo.

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¿Quedaron contentos con los resultados obtenidos trabajando de esa manera? ¿En verdad están satisfechos de haber tenido tan poco tiempo para hacer el álbum? Claro. Ahora que lo vemos en retrospectiva, recordamos los momentos divertidos; aunque, en definitiva, tener más tiempo hubiera sido mejor...

quien puede aportar ideas nuevas, desde perspectivas diferentes.

¿Cuál banda creen que va a ser “la próxima gran banda? En mi opinión, hablando de una banda que hace buena música, es comercial y además logra que el público se identifique con lo que escriben, es The Ting Tings; ellos tienen esa dosis saludable de arrogancia que hace que la gente se interese en ellos. Eso los vuelve diferentes, aunque la verdad no sé cómo lo hacen…

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Empecemos hablando del proceso de grabación de Conditions… ¿Cómo y dónde lo grabaron? Lo grabamos en Melbourne, en 2008, con el productor inglés Jim Abbiss, con quien también lo mezclamos; y sólo tuvimos cerca de un mes para completarlo. De repente sentíamos que nos precipitábamos con la música para llegar al resultado que buscábamos, y teníamos ataques de pánico por completarlo en algunas etapas. Pero al final quedamos muy contentos con lo que obtuvimos.

En la cultura medieval cristiana es un número perfecto. Simboliza el movimiento continuo y la perfección de lo acabado, así como símbolo de la Trinidad particularmente cuando uno de los vértices indica hacia arriba como dirección espiritual, por tanto considerado por creyentes como un número celeste.

Flashback

“Para mí el ego es como una persona tratando de discutir por algo que no vale la pena, tratando de demostrar un punto, de convencer a los otros de que tiene la razón… eso no sucede en esta banda” -Jack White (The Dead Weather) / WARP Magazine 22

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MGMT

“Ciertamente, no brillamos por tener un gran mensaje en las letras de las canciones, pero es música honesta con la cual, de alguna forma, la audiencia se conecta” - Ben Goldwasser

IT’S WORKING Sandra Valerio

Cortesía Sony Music

Fue en 2008 cuando Andrew Wells VanWyngarden y Ben Goldwasser hicieron que el radar musical fijara su atención en Connecticut, de donde son originarios. Oracular Spectacular fue su carta de presentación sin pensar que, con temas frenéticos, se convertirían en una de las bandas cuya fórmula mejor funciona. A tan sólo un par de años de su debut, y de haber platicado con WARP MAGAZINE por primera ocasión, MGMT se ha convertido en una banda atemporal que, con sello distintivo, parece escribir su propia historia, tal como nos cuenta Ben en un segundo acercamiento.

MGMT es de las pocas bandas que, a pesar de integrarse con éxito al llamado mainstream, ha conservado su estilo, que incuestionablemente ha mejorado como consecuencia de una actitud sin complicaciones: “Vivimos en nuestro propio mundo; no tratamos de pensar cómo componer para encajar en cierta escena y, a decir verdad, tampoco estamos tan pendientes de lo que surge día con día; sólo tratamos de mantenernos fieles a lo que nos gusta, a partir de ello hacer buena música, y esperar que las personas disfruten nuestros discos. Nos gustaría ser más longevos que una banda de moda”, comenta Ben, antes de darnos una proyección sobre el futuro de la banda…

¿Qué podemos esperar, entonces, de un tercer disco de MGMT? No lo sabemos aún; somos una banda a la que le gusta experimentar y crecer; sería difícil tratar de trazar una línea, pues a veces nos gusta algo que componemos y cinco minutos después lo odiamos; así que, por ahora, sólo podemos disfrutar lo que hacemos. Tal vez en un año sepamos con certeza qué queremos lograr. Hoy se trata de disfrutar lo que hacemos. ¿Se encuentran ya trabajando en nuevas canciones? En realidad no; estamos más concentrados en la gira, escuchando nuevos sonidos y reviviendo algunos otros. Supongo que tal vez nos demos un descanso al término del tour para trabajar en nuevos tracks. ¿Cuáles son, para ustedes, las bandas que estaremos escuchando dentro de 30 ó 40 años? No sabría decirlo; no somos buenos jueces. Sabemos lo que nos gusta, pero lo que escuchamos no necesariamente podría consolidarse en un futuro. Hace 40 años había bandas que no eran apreciadas en su tiempo y, sin embargo, ahora hablamos de ellas; es lo mismo hoy en día, eso es lo que hace grande a una banda: no se trata de ser lo más cool en el momento, sino de tener la consistencia para que, en 20 años, tu música se siga escuchando.

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¿Cómo ha sido la reacción del público ante el sonido de Congratulations? Tal vez muchas personas esperaban algo de la línea popular que tenían las canciones que hicimos para Oracular Spectacular, pero finalmente los shows en vivo nos han ayudado a que todos entiendan mejor los nuevos temas. En un principio no les agradaron, pero después de los shows en vivo se han dado el tiempo de escuchar el disco completo, lo que para nosotros es muy bueno.

¿Qué creen que necesita una banda para dejar su marca en la historia de la música? La mayoría de las bandas se fijan más en la reacción inmediata, pero si haces algo bueno, aunque en el momento las personas no lo entiendan, ante la honestidad y la significancia de tu creación, llegará el tiempo en que lo hagan. Hoy, más que nunca, las personas y las bandas quieren inmediatez; pero sigue siendo más importante crear con perspectiva y decir algo. Nosotros, ciertamente, no brillamos por tener un gran mensaje en las letras de las canciones, pero es música honesta con la cual, de alguna forma, la audiencia se conecta; esto es por demás valioso y jamás debe ponerse de lado.

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¿Cómo encontraron ese nuevo sonido que quedó plasmado en su álbum Congratulations? Digamos que hay cierta diferencia respecto a Oracular Spectacular, en donde las canciones son más psicodélicas, aunque tampoco es un cambio tan drástico. Grabar Congratulations fue más divertido; nos dimos tiempo para componer y grabar, lo que nos tomó cerca de un año, a diferencia de nuestro primer disco, que grabamos muy rápido, en apenas un par de meses. Tal vez a esto obedece que encontráramos nuevos sonidos, pues tuvimos más tiempo de escuchar cosas e incorporar ideas. En nuestro primer álbum retratamos sentimientos algo paranoicos, mientras que con el segundo álbum nos notamos más optimistas: las letras reflejan ese sentimiento de tratar de encontrar siempre un lado bueno, contrario a lo que hicimos en 2008, cuando nuestras canciones resultaron algo apocalípticas.

La característica más conocida de Stonehenge es el Círculo Sarsen que fue construido con 30 piedras en posición vertical y con 30 piedras dintel en la parte superior de éstas. Sólo 16 permanecen en pie hoy en día.

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“A no ser porque nuestra música se ha utilizado en comerciales y series de televisión, pasaríamos casi inadvertidos en nuestro país” -Matthew Followill (Kings Of Leon) / WARP Magazine 11

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PASSION PIT

TO KINGDOM COME Elsa Núñez Cebada

Cortesía Sony Music

Desde 2007, Michael Angelakos y compañía se han dedicado a devanar secuencias, riffs, armonías y acordes, en eso que ahora conocemos como Passion Pit. Caminando por las calles de Manhattan, Ian Hultquist —encargado de la guitarra y los teclados— platicó con WARP MAGAZINE sobre el proceso creativo de Passion Pit y su pieza clave, Angelakos.

Lo que han hecho con Passion Pit podría ser considerado como un concepto y no una simple propuesta. ¿Ha sido difícil mantener la línea de su sonido para lo que será el sucesor de Manners? Creo que tenemos mucho trabajo luego de lo que fue Manners. Hemos estado viajando por diferentes lugares, conociendo sonidos y practicando varios instrumentos. Estar en el escenario me ha dejado

¿A qué creen que se debe el éxito que han logrado hasta ahora? Nos hemos esforzado por trabajar en cosas nuevas, logrando una música que tal vez suena diferente, pero que con el tiempo se acopla al entorno y al momento en el que le corresponde desenvolverse. Nos dedicamos a experimentar y mezclar elementos que pueden sonar extraños, pero a fin de cuentas es música que la gente disfruta.

¿Qué sientes respecto a Chunk Of Change y Manners? ¿Cuál es la diferencia entre ambos? Amo los dos álbumes, con sus semejanzas y diferencias. El primero fue grabado en la recámara de Mike y se siente un poco crudo; creo que eso le da un sabor diferente, más no ajeno respecto a Manners. Cuando trabajamos en Manners tuvimos un estudio y muchos instrumentos a nuestra disposición, lo que nos dio la oportunidad de lograr el sonido que buscábamos, explotando todo nuestro potencial para llegar hasta donde se nos diera la gana.

Platícanos un poco de su proceso creativo y de los elementos que utilizan en él… Mike Angelakos es quien compone las canciones en su mayoría; él es, en gran medida, el cerebro detrás de este proyecto. Desde que se unió a la banda nos hemos complementado muy bien, pues es una persona muy creativa. Por ejemplo, cuando grabábamos Manners, Nate, nuestro baterista, demostró ser un experto en programación y música electrónica, ya que colaboró mucho para que las canciones se integraran muy bien, las guitarras suenan diferente. En el escenario, todos nos conectamos en cuanto empezamos a tocar: las guitarras suenan un poco más sucias y creo que se crea una vibra muy especial entre nosotros. Pareciera que somos dos bandas diferentes: una cuando grabamos y otra cuando estamos en el escenario. ¿Qué piensas de las tendencias musicales que se manejan actualmente? Hay de todo. He escuchado cosas que me parecen fascinantes y otras que no tanto. Cuando nosotros empezábamos estaba muy fuerte el electro-pop, muy a lo MGMT; muchas bandas estaban en la búsqueda de un sonido similar, cosa que no considero tan válida, pues en cierto punto se vuelve poco sincero e injusto. Todos debemos conservar nuestra identidad, a pesar de las tendencias. En tu opinión, ¿qué bandas están marcando tendencia? Me gusta mucho Miniature Tigers; son amigos nuestros desde hace varios años. Creo que ellos, de verdad, tienen cierto aire Beatle…

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mucha experiencia y curiosidad por experimentar con la guitarra; de hecho, estoy trabajando muy a fondo en lo que soy capaz de hacer cuando tengo ese instrumento en mis manos, aunque sigo firme en mi tarea con los teclados. Lo más conveniente es que tomemos un descanso y nos sentemos a ver los elementos con los que contamos y definir qué queremos hacer, qué necesitamos para que nuestra música suene como la imaginamos, además de proyectar lo que deseamos que pase en el escenario.

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Ayad, Jeff, Nate y tú se conocieron porque estudiaban música en el Berklee College of Music, pero Michael Angelakos trabajaba en un proyecto por su cuenta; y parece que él era la pieza que les faltaba. ¿Cómo fue que lo invitaron a formar parte de su proyecto? Todos íbamos a la universidad, en Boston, mientras Mike estudiaba en otra escuela; pero manteníamos cierta relación con él por tener amigos en común. Nosotros ya teníamos la banda antes de conocerlo; trabajábamos en algunas maquetas, cosas sencillas. Vimos a Mike en su primer show, nos gustó mucho lo que hacía y consideramos que se acercaba bastante a lo que teníamos en mente. Así fue como decidimos invitarlo a nuestro pequeño experimento. Y, la verdad, se hizo un poco del rogar [risas]: él tiene una personalidad dominante y le gusta tener el control de sus creaciones; por eso no es tan fácil que ceda cuando está convencido de que algo está bien; y no me refiero a que sea necio; simplemente defiende su postura. Afortunadamente, nos conocemos bien y nos entendemos como músicos y como personas; eso ha hecho que el proyecto siga adelante.

Un buen día nace una banda, crean la música que mejor les parece y con mucho esfuerzo logran que llegue a los oídos de unos cuantos; estos la esparcen a su alrededor y, de repente, la agrupación está en cientos de reproductores; es entonces que su música llega a los oídos indicados y su sonido se convierte en “el sonido a seguir”; poco después su trabajo suena a nivel global y ya no hay marcha atrás: el fenómeno está desatado: son “The Next Big Thing”. Con esta lápida sobre sus espaldas fue que Klaxons comienza la búsqueda del sonido correcto para Surfing The Void (2010), su esperado segundo álbum. Y es que, cuando un disco debut es reconocido como uno de los más influyentes de la década, tienes uno de dos trabajos posibles: creértelo o no, y la banda londinense integrada por Jamie Reynolds, James Righton, Simon Taylor-Davis y Steffan Halperin decidió elegir la segunda opción, agradecer lo logrado con Myths Of The Near Future (2007) y seguir creando música. Con casi dos años de giras a cuestas, en 2008 la cuarteta comenzó a trabajar con el ecléctico y legendario productor Tony Visconti, así como con el especialista en hip hop, Focus... Pero los resultados no fueron lo esperado, al menos por parte de su disquera Polydor, que encontró un sonido tan experimental que no podía ser vendido. La banda regresaría al estudio, ahora con James Ford, parte medular de Simian Mobile Disco, en lo que durante todo el 2009 fue anunciado, por parte de la prensa inglesa especializada, como “la colaboración del año”. Klaxons terminarían mudándose a Los Angeles para trabajar con el padrino del nu metal, Ross Robinson y así, de una vez por todas, finalizar uno de los álbumes más esperados de este inicio de década. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con James Righton, quien nos contó los detalles detrás de la grabación, así como de su perspectiva de Klaxons, una de las bandas que, en definitiva, escribirá las reglas del juego de la música en los próximos años.

KLAXONS EXTRA ASTRONOMICAL Diovanny Garfias

Cortesía Universal Music

Flashback

â&#x20AC;&#x153;Todo mundo piensa que como personaje del hip hop debo usar siempre un jersey y tratar de encajar en el medioâ&#x20AC;? -Kanye West / WARP Magazine 12

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Judas Iscariote traicionó a Jesús por 30 monedas de plata.

Flashback

“Jamás pensamos que nuestro trabajo fuera el tipo de música que puede comercializarse y tener éxito” -Ben Goldwasser (MGMT) / WARP Magazine 7

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¿Buscaban obtener algún sonido en específico para este nuevo álbum o todo fluyó de manera natural? Nunca hablamos de la música que

¿Entonces dirías que fue un disco difícil de grabar? No, fue maravilloso. Lo grabamos en Los Angeles, y todos vivíamos juntos; esto hizo de la experiencia algo más personal. La mayor parte del tiempo hablábamos de nuestras vidas y de la forma que iba tomando el álbum. Estuvimos pendientes en todo momento de lo que pasaba alrededor del disco y nunca fuimos influenciados por factores externos, porque queríamos lograr algo muy honesto. La parte musical fue fácil: lo desarrollamos de un modo muy personal y la pasamos muy bien. Hacerlo todos juntos fue una gran experiencia. ¿Cómo fue trabajar con Ross Robinson, el productor de Surfing The Void? Fue una experiencia maravillosa. Compartir una parte de nuestras vidas con Ross y poner esas vivencias en la música que creamos, fue grandioso; no nos reservamos nada. En la parte técnica te puedo decir que Ross es muy cuidadoso: te permite estar al tanto de lo que pasa y proponer, sin que la música pierda la forma que él imaginó desde un principio. Es muy versátil. ¿Se llegaron a sentir presionados hace unos años, cuando la prensa empezó a referirse a Klaxons como “la siguiente gran banda” o era un halago? Nunca nos sentimos presionados, eso te lo puedo asegurar. De hecho,

nunca nos ha importado demasiado lo que la prensa opine; vivimos en una burbuja y allí es donde trabajamos; tratamos de no fijarnos mucho en lo que pasa alrededor de la banda. Nuestra única expectativa es crear canciones que nos satisfagan, así que lo que pase fuera de eso no nos provoca ninguna presión. Nos concentramos en nuestra música, porque lo que nos ha pasado en los últimos años es un sueño hecho realidad y estamos muy contentos, así que nunca ha sido algo que nos preocupe en lo absoluto. Klaxons es una banda que ha tocado en lugares pequeños, en grandes festivales, para poco y mucho público… ¿Qué han aprendido de tocar en vivo durante tanto tiempo? Aprendimos que nuestro trabajo se trata de ser una buena banda en vivo. Cuando empezamos no lo sabíamos; tocábamos porque teníamos que hacerlo. Pero ahora estamos seguros de nuestra habilidad como banda: sabemos lo que hacemos. Ahora tocamos sobrios en todos nuestros shows y sabemos nuestras partes a la perfección. En verdad podemos meter al público en nuestra música cuando estamos frente a ellos y crear una atmósfera alrededor. También aprendimos a sentirnos más cómodos cuando estamos en un escenario. ¿Hay alguna banda que, para ustedes, sea “la próxima gran banda”, la banda a la que deberíamos seguir? Hay bandas buenas, pero no creo que haya una que pueda ser llamada “la próxima gran banda”; al menos, todavía no la he visto, ni sé de donde podría surgir. Tampoco creo que sea algo que debamos esperar. Las bandas que me gustan son grupos pequeños, que aún no están listos para hacer el crossover del underground al mainstream y llegar a millones de personas en todo el mundo. ¿Los veremos pronto en México como parte de su nueva gira? Desde luego que sí: la pasamos muy bien cuando estuvimos en México y definitivamente es uno de los lugares a los que queremos regresar.

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Myths Of The Near Future (2007), su debut, fue uno de los álbumes más importantes de la década pasada y Surfing The Void (2010) es uno de los más esperados de la actual… ¿Cómo se sienten al respecto? Hemos hablado del tema, de lo que la gente espera de nosotros y pensamos que llegar a lo más alto de las listas de popularidad o ser famosos, no es la razón por la que estamos en esto. Y no nos malinterpreten: queremos que nuestro nuevo álbum sea escuchado por mucha gente y que incluso los haga reflexionar; y creo que eso es lo que pasará. Amo este álbum más que al anterior y sé que no los va a decepcionar.

queríamos obtener o de nuestras influencias, mientras componíamos el disco; lo que tratábamos de hacer era capturar la energía que la banda tiene cuando toca en vivo, llevarla al estudio y crear música desde ese nivel. Queríamos ver qué pasaba si cada uno de nosotros, individualmente, entregaba su percepción de cómo debemos sonar, expresarnos y combinar nuestras personalidades; no se trataba de sonar como cierta banda o de intentar interpretarla. Así que no te puedo decir qué es lo que buscábamos sonoramente, pero el resultado fue emocional y poderoso, aunque fue un proceso muy exigente en todos los aspectos.

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Surfing The Void es uno de los álbumes más esperados de este 2010, incluso de los últimos dos años, ¿por qué les llevó tanto tiempo lanzarlo? Estábamos en cierto estado mental, después Myths Of The Near Future, nuestro primer disco, y sentimos que teníamos que poner nuestras vidas en orden. Estuvimos mucho tiempo de gira para promocionarlo y, hasta 2009, estuvimos tocando alrededor del mundo… ¡Fueron dos años tocando! Así que, hasta que terminamos la gira, empezamos a experimentar con la música de nuevo; lo disfrutamos, nos divertimos y fue una gran experiencia; de hecho, creo que se nota en el disco. Después de eso tienes que asegurarte de tener canciones: no puedes tener solamente un single, un track; debes tener un álbum completo de principio a fin; al menos esa es la forma en la que nos gusta trabajar y en la que debes hacerlo cuando amas lo que haces. Y lograr todo eso toma algo de tiempo; aunque no creo que haya sido tanto; es lo que regularmente se tardan bandas como Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs o Radiohead. Tardar tres años en lanzar un álbum está bien; necesitas ese tiempo para poder entender hacia dónde va tu música.

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En el lenguaje SMS <3 significa ‘Te amo’ y <333, ‘Te amo muchísimo’.

TO THE END THERE’S NO OTHER WAY

Paul Stokes, NME News Editor

Regina Spektor

Su constante evolución la ha convertido en una de las mejores cantautoras del mundo. Actualmente se encuentra escribiendo un musical para Broadway y presiento que en diez años estaremos hablando de ella como hoy hablamos de Leonard Cohen.

Magnetic Man

Un nuevo super grupo inglés. No

se sabe si la música de esta tercia prevalecerá —ya lo veremos—, pero su perfil para saltar del underground al mainstream se vislumbra cercano. Ellos podrían ser la clave de cómo sonará el pop en los siguientes años.

Jay-Z

Él ya es un clásico del hip hop y, aun cuando dijo que Eminem era el Elvis del rap, demostró que en realidad él lo es, convirtiéndose de paso en un icono global del mainstream. Son afortunados de estar viviendo la misma época que él: asegúrense de verlo en vivo al menos una vez.

M.I.A.

Está bien, su más reciente disco no es el mejor, pero la actitud de Maya sin duda ha dejado su sello. Ella ha mostrado cómo ser diferente e independiente en una era de homogenización, y esa influencia no puede terminar. Es la Patti Smith de nuestro tiempo.

Ustedes

Cualquiera que sea la forma que tome la industria musical en los próximos 50 años —y por “industria” me refiero a la forma de pagar por una canción y apoyar a nuestros artistas—, estará determinada por el comportamiento de esta generación. La forma de escuchar música establecerá si habrá más clásicos en un futuro. Ustedes son tan importantes para el futuro, como la música lo es para todos. Y si quieren asegurarse, graben un álbum clásico; háganlo ustedes mismos: hacer música nunca fue tan fácil ni tan barato. De cualquier forma, todo depende de ustedes.

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rock n’ roll e incluso más histórica. He conocido lectores de NME que me dicen: “quisiera haber estado vivo cuando se lanzó el Definitely Maybe” (y tal vez lo estaban, pero tenían cuatro años; yo tenía 16), como si hubiera sido una época dorada. Aún más extraña me resulta la reciente reunión de The Libertines: mientras sus fans más fervientes los han visto por primera vez en vivo apenas hace poco, hace años que entrevisto a Pete y Carl, y voy a conciertos “clásicos” por los que algunos de mis actuales colegas morirían. Todo esto me vino a la mente, pues WARP MAGAZINE me pidió considerar el futuro y, en específico, bandas de hoy que serán los clásicos de la siguiente generación. Me pareció entonces adecuado que, si iba a hacer esto, tenía que recordarles que la música “envejece” de forma inesperada. Si les impactan o les disgustan mis predicciones, sólo quiero recordarles que “nunca se sabe”. Está bien, suficiente antelación: aquí van mis cinco artistas que son tan importantes para el futuro, que creo que tienen una muy buena oportunidad de ser los nuevos clásicos…

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Hace quince años tuvo lugar uno de esos momentos “clásicos” de mi formación musical: Blur emprendió una batalla en los charts contra Oasis, donde sólo uno terminó por alcanzar el primer sitio y el otro fue declarado perdedor, sin importar el número de álbumes vendidos. Esta fue la gran guerra del britpop: ‘Country House’ versus ‘Roll With It’; Noel y Liam versus Damon y Graham. Al mirar hacia atrás, sin contexto, es difícil entender por qué este momento significó tanto para los fanáticos de la música y no fue sólo otra batalla simplona de los charts. Hoy la música es parte de la vida diaria de todos, les importe o no, lo acepten o no, y la mayoría de las personas puede nombrar unas cuantas bandas. En 1995, la música independiente era genuinamente alternativa; era una minoría con unos cuantos freaks al frente, vistiendo la camiseta de alguna banda: personas como yo. Lo que hizo el “Blur versus Oasis” tan memorable, incluso un “momento histórico” en el rock, fue que por primera vez, en casi dos generaciones, la música era otra vez una cultura predominante: se hablaba de ella en las reuniones no indie, las mamás sabían quién era Liam Gallagher y en todo el Reino Unido se hablaba de la batalla, incluso en las noticias nacionales. Y aun cuando vivíamos todo esto, nosotros, los fans, sabíamos que nada de eso era comparable con lo ocurrido en los sesenta, con el “The Beatles versus The Rolling Stones”. Después de quince años, la batalla del britpop se siente atemporal, más

es el mayor número tal que cada primos entre sí más pequeños para que es primo.

MINUS THE BEAR MY TIME Elsa Núñez Cebada

“Lo único que buscamos es seguir haciendo buena música, aunque agregándole un poco de humor y buena vibra.” - Dave Knudson

Cortesía Universal Music

Flashback

“Nuestro objetivo no es convertirnos en una banda que tenga un público masivo o dar conciertos en grandes estadios. No nos sentimos a gusto tocando en diferentes arenas cada noche” -Alex Turner (Arctic Monkeys) / WARP Magazine 2

WRP30 Humor ácido, ironía, sintetizadores discretos y la misma energía de siempre, son los elementos que conforman Omni, el más reciente álbum de Minus The Bear. A tan sólo unas semanas de su visita a México, WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de charlar con su guitarrista, Dave Knudson, quien nos sumerge en los detalles de esta nueva producción discográfica, que sin duda los consolida como una banda que seguiremos escuchando muchos años más.

¿Cómo se dio el acercamiento con Joe Chicarelli? Logramos contactarlo por medio de nuestro manager, quien nos propuso una lista de posibles productores, con quienes conversamos vía telefónica. A final de cuentas, nos encontramos con Joe, en Seattle, platicamos y coincidimos en ideas y puntos de vista; creo

¿Cuándo decidieron que era tiempo de trabajar en un nuevo álbum? Luego de grabar un disco sales de gira por casi 18 meses, así que después de tocar lo mismo durante tanto tiempo, lo único que quieres es empezar a trabajar en algo diferente y escribir cosas nuevas. Es una cara que muchas veces el público desconoce, y es que vivimos en una paradoja: cuando estás de gira, quieres regresar al estudio y viceversa; es algo bastante raro: un día despiertas y simplemente sabes que estás listo para dedicarte a trabajar en algo nuevo. Con un prematuro cambio de alineación y varios LPs en su haber, Minus The Bear se ha ganado el reconocimiento con base en su esfuerzo; esto, aunado a su sonido experimental y letras características, les ha valido un estilo personal. Sin embargo, no es todo lo que esta agrupación de Seattle puede ofrecer: Omni, un álbum que no deja de lado sus raíces ni omite la evolución, es prueba de ello; tanto, que logra sorprender y satisfacer por

¿Prefieren estar de gira o en el estudio? Es difícil elegir entre ambas: por una parte es maravilloso estar en el estudio, siendo creativo, escribiendo e inspirándote con tus compañeros; por la otra, ver la reacción del público cuando tocas, y escucharlos cantar y enloquecer con los temas que más les gustan, es algo incomparable. No podemos elegir o poner una sobre otra; ambas son experiencias enriquecedoras para un artista. ¿Qué sigue para Minus The Bear? Sólo podemos decir que pueden esperar energía en el escenario. Nos gusta jugar un poco, así que no se extrañen si ven marionetas o algo raro relacionado con lentes de sol [risas]. Lo único que buscamos es que la gente se divierta y termine complacida con nuestro trabajo. A pesar de que Omni es su cuarto álbum de estudio, el futuro de Minus The Bear apenas comienza: se vislumbra prometedor y ellos mismos, se nota, están dispuestos a disfrutarlo.

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que fue algo natural y, de cierta manera, estaba predestinado.

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¿Cómo fue el nacimiento de Omni? Estuvimos preparando este álbum desde hace algún tiempo, así que nos dedicamos a escribir por un buen rato, unos seis o siete meses. Contamos con el apoyo de nuestro amigo Matt Bayles, ex tecladista de la banda, así que conocía muy bien nuestro sonido y aquello que buscábamos. Decidimos probar con nuevos elementos y, mientras decidíamos quien produciría Omni, encontramos a Joe Chicarelli, quien ha trabajado con The White Stripes y My Morning Jacket. Entonces entramos al estudio de tiempo completo, por casi dos meses. Así, Omni resultó un disco opuesto y la diferencia entre éste y nuestros discos anteriores, es que tiene ciertos toques de soul y groove, lo que para nosotros es una señal positiva de evolución.

igual. Esto obedece a un crecimiento y nuevas perspectivas, como explica Knudson: “Entre Menos El Oso y Omni empezamos a apreciar ciertas cosas y a percibir otras desde un punto de vista diferente, y siento que este álbum lo tomamos más en serio; por ello, ciertamente, se escucha maduro. Tal vez, simplemente, nos estamos haciendo viejos, por lo que entendemos y expresamos las cosas de una manera distinta; pero en realidad lo único que buscamos es seguir haciendo buena música, aunque agregándole un poco de humor y buena vibra”.

LOS NUEVOS CLÁSICOS

LAS 30 BANDAS QUE CAMBIARÁN EL FUTURO DE LA MÚSICA

jor ha aterrizado la idea es Passion Pit, quienes con Manners (2009), lograron consolidarse como de lo mejor.

Arcade Fire

Su debut hizo que el mundo pusiera atención en Canadá de nuevo y, con The Suburbs (2010), la agrupación se consolida como una de las más importantes.

02 Mew

No More Stories... (2009) los ayudó a dar el salto de su natal Dinamarca al mainstream mundial, colocándolos como uno de los grupos más emblemáticos de la actualidad.

TV On The Radio

Es difícil que una banda tan experimental logre salir de su nicho e impactar; TV On The Radio lo hizo apoyado en tres de los discos más importantes de los pasados 10 años.

Passion Pit

Hemos escuchado numerosas bandas dedicadas a traer el electropop ochentero a nuestros días; una de las que me-

Minus The Bear

Seattle es conocida por ser la cuna de grandes bandas de rock y Minus The Bear sigue con esa tradición. Omni (2010), su más reciente álbum, es prueba de lo que esta agrupación puede ofrecer.

LCD Soundsystem

James Murphy le dio el giro al dance punk como ningún otro acto lo había logrado, consiguiendo, junto a Pat Mahoney y compañía, una fusión que ha influenciado a muchos.

Hot Chip

La música alternativa y la electrónica, tal y como las conocimos en los noventa, dejó de existir; un nuevo ente surgió de esa unión y uno de los mayores exponentes es sin lugar a dudas Hot Chip.

Florence + The Machine

Hace mucho que el pop

abandonó ese espacio en la cumbre del mainstream, para unificarse con otros géneros, y una de las combinaciones más interesantes, es el sonido logrado por Florence Welch y su banda.

pero su sonido melancólico y la peculiar voz de Paul Banks les brindaron, en poco tiempo, un sello inigualable.

Klaxons

Nadie pensó que el dance y el punk se pudieran llevar tan bien, hasta que el primer álbum de esta banda inglesa vio la luz hace apenas unos años.

Justice

Un disco bastó para que estos franceses reinventaran por completo el género electrónico. Ahora sólo queda esperar por un segundo álbum que, como su antecesor, no escatime en genialidad.

Le Butcherettes

MGMT

Con letras apocalípticas y sintetizadores al máximo, esta dupla logró la mezcla perfecta entre psicodelia y rock, otorgándole un aire nuevo a la escena musical actual.

Su EP, Kiss & Kill, fue la mejor carta de presentación para una propuesta de rock feminista —al menos en sus comienzos—. Y a pesar del cambio en la alineación, su sonido ha evolucionado para tomar un curso prometedor.

Kings Of Leon

Phoenix

Interpol

Surgieron como otra propuesta de la gran manzana,

Desde su primer álbum, la banda conformada por los hermanos Followill no escondió sus raíces country, mismas que los han consolidado ya como clásicos indispensables en cualquier repertorio.

A casi una década de que su primer álbum llegara a las tiendas, gracias a un estilo digerible y refinado,

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Vampire Weekend

Ezra Koening y compañía demostraron que no todo estaba dicho en la música. Su sonido va de lo simple a lo extraordinario en una misma canción, logrando que cualquiera disfrute de su genialidad.

Lady Gaga

Un pop evolucionado y un espíritu rockero notable, han convertido a esta cantante en todo un fenómeno mundial e incluso se vislumbra como la próxima Reina del Pop.

Kanye West

lanzaron este proyecto que, como pocos, logró sorprender incluso más que las respectivas agrupaciones de sus integrantes.

que atrapan, son elementos infalibles para consolidarse como banda. Todo esto, y más, posee la tercia neoyorquina.

Crystal Castles

Dos producciones del mismo nombre le han bastado a la dupla canadiense para convertirse en una sensación musical que desborda energía en vivo.

M.I.A.

Sonidos africanos, rap, y otros elementos, son característica personal del estilo M.I.A., que con cada uno de sus discos evoluciona y sorprende.

Dapuntobeat

Logró llevar el rap a otro nivel, deshaciéndose de las letras clichés, los estereotipos y enfocándose en evolucionar el género mismo, justo cuando más se necesitaba.

La escena mexicana tiene un nuevo estandarte del sonido electrónico, son estos originarios de Ciudad de México quienes han logrado amalgamar muy bien su estilo en el disco Off De Record.

The Dead Weather

Yeah Yeah Yeahs

En la era de las superbandas, Jack White y compañía

Letras metafóricas, riffs estruendosos y melodías

The XX

Genialidad y honestidad lírica no están peleadas en esta agrupación inglesa que, con su álbum debut —de ejecución perfecta—, logró lo que a otros les ha tomado toda una vida.

Spoon

Con más de quince años de trayectoria, la banda originaria de Austin ha reinventado su sonido sin dejar de lado sus raíces, creando música sin complicaciones, para disfrutarse plenamente.

Arctic Monkeys

Surgieron como los niños prodigio de Sheffield, Inglaterra; sin embargo, su habilidad musical estaba lejos de consumirse en un primer álbum, ya que producciones sucesivas muestran un talento exhaustivo.

27 Kasabian

No tuvieron un rápido ascenso y, aunque fue hasta su tercer álbum que lograron el reconocimiento merecido, la atención les llegó en su mejor momento.

Descartes A Kant

Cuando parecía que la escena nacional no tenía mucho qué ofrecer, en la nueva oleada de músicos llegó esta propuesta tapatía que ya nos tiene pendientes de una segunda producción.

Biffy Clyro

Varios álbumes le han dado a Simon Neil y compañía la experiencia necesaria para crecer y sorprender a todos con un disco impecable llamado Only Revolutions.

The Temper Trap

Con su inclusión en el soundtrack de una película y la llegada de su primer material, la banda australiana ha cautivado a muchos y seguramente generará buenas expectativas en lo sucesivo.

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estos franceses se han colocado en el gusto de la crítica y la audiencia.

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El dodecaedro y el icosaedros tienen 30 aristas.

“Las disqueras independientes han marcado la pauta de la industria en los últimos años.” - Paul Banks

Flashback

“Reinventaré mi sonido para conservar el lugar que tanto trabajo me ha costado ocupar, siempre consciente de que la fama es una creación genuina, de uno mismo para el mundo” -Lady GaGa / WARP Magazine 13

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INTERPOL PACE IS THE TRICK Fito Montes

Cortesía Arts &Crafts

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El futuro, al igual que el origen y la razón del ser, son algunos de los conceptos sobre los que ha indagado el ser humano, probablemente desde el momento mismo en que cobró conciencia de la existencia. Preguntas como: “¿Hacia dónde vamos?” “¿Qué nos depara el destino?” “¿Qué hubiera sucedido si en vez de X hubiera elegido Y?” y muchas otras, con enfoques y formulaciones individuales, nos invaden día con día.

El polígono de 3 lados recibe el nombre de triángulo.

“Este disco se llama Interpol, porque habla por sí mismo.” - Paul Banks

Flashback

“Hemos sido muy afortunados al tener suficientes ideas propias, por lo que sólo utilizamos a las disqueras como un apoyo que nos da estructura” -James Righton (Klaxons) / WARP Magazine 2

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Next Exit

La humildad y falta de auto percepción como “uno de los grupos más influyentes de la última década”, por parte de la banda, se antoja casi actuada: “No sé mucho de música actual. De las cosas más nuevas sólo escucho Animal Collective y Cool Kids; soy más del rap y el rock de la vieja escuela, como Tom Tom

Club o The Flaming Lips. He oído que hay grupos que se parecen a nosotros, lo cual no considero una ofensa; por el contrario, es un honor: creo que si tu música mueve a los demás a hacer algo parecido, de alguna forma es un síntoma de que haces algo bien. A nosotros nos impulsaron otros grupos a hacer lo que ahora hacemos… Pero no me imagino que seamos tan importantes como para ser imitados, ¿o sí?”. La pregunta lógica, después de escuchar un disco tan logrado y evolutivo es: ¿Qué sigue para Interpol?, a lo que Paul contesta, con total honestidad: “No lo sé, es muy incierto el futuro. Estaremos de gira un buen rato y después hay que replantearse todo de nuevo. Hemos pasado por tantos cambios durante este año, que hace muy poco tiempo no lo hubiéramos imaginado, así que… [risas] ¡No sé! Aun cuando la industria pasa por momentos inestables, Interpol ha logrado durabilidad y presencia constante, encontrando el ritmo adecuado tanto para darle espacio a sus proyectos alternos, como para encontrar descansos como banda, por lo cual resulta casi necesario preguntar: ¿Cuál es su visión sobre la industria? La industria discográfica pasa por un momento de incertidumbre: aunque surgen cada vez más disqueras independientes, la verdad es que no pueden recaudar dinero ni recuperar su inversión, si no venden discos. Grabar un disco decente cuesta alrededor de 30 mil dólares y, si de por sí es difícil lograr que alguien crea en tu proyecto y de paso te preste esa cantidad de dinero, con la piratería y las descargas ilegales, la recuperación de la inversión parece casi imposible. De verdad me preocupan los grupos emergentes; no sé cómo le van a hacer todas esas bandas de chicos de 18 años para dar a conocer su trabajo. Otro reto importante, hoy en día, para cualquier proyecto, es la adaptación a los medios de reproducción, venta, distribución y promoción en línea:

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Pero ahora que lo pienso, es una coincidencia curiosa y afortunada, porque la razón a la que obedeció el cambio de disquera, es tan simple como que la oferta de Matador era más atractiva que la de Capitol”. También es curioso pensar que un grupo, después de tres álbumes de estudio y seis EPs, por fin, se haya decidido a publicar un álbum homónimo: “Este disco se llama Interpol, porque habla por sí mismo. Soy un gran creador de títulos; se me ocurren nombres todo el tiempo, pero creo firmemente que los títulos son apoyos para terminar de decir lo que la música no logró; y me parece que este disco, con su música densa, letras directas y sonido tan claro, no necesita ningún tipo de apoyo”. Si algo es difícil de lograr en el arte en general, es el equilibrio entre el sello personal y la experimentación constante; y gran parte del éxito y permanencia de Interpol radica en una afortunada mezcla de ambas cosas: “Este disco es probablemente el más experimental que hemos hecho. No suena como nada que hayamos producido antes. La búsqueda de nuevas melodías fue constante en el proceso, pero además es un disco que, gracias a la intervención de Alan Moulder en la mezcla —quien debería ser nombrado el “Jugador Más Valioso” del disco— y de Claudius Mittendorfer en la producción, nos fuimos metiendo cada vez más por el lado de las percusiones y, al final, tanto las baterías, como las programaciones y las cajas de ritmo, adquirieron un protagonismo que nunca habían tenido para nosotros”.

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En el caso de Interpol no hubiéramos adivinado (hace casi nueve años) cuando lanzaron su disco debut Turn On The Bright Lights (2002) se unirían a la corriente revival del new wave y post punk de bandas como The Strokes, The Vines, The Hives, The D4, The Datsuns, y muchas otras más, que dentro de toda esta camada hoy, en pleno 2010, el grupo sería uno de los más vigentes, de propuesta más sólida y con un futuro promisorio tan claro. En el marco del lanzamiento de su nueva producción, Interpol, WARP MAGAZINE pudo platicar con Paul Banks, vocalista de Interpol, quien entre otras cosas nos dio sus impresiones sobre el presente y futuro de la banda y de la industria en general. “En poco menos de diez años, el circuito de la banda ha sufrido una evolución casi evidente e Interpol es producto de la misma. Los primeros discos se generaban por medio de un acuerdo general para entrar al estudio, en el que todos llevábamos ideas por separado y luego las juntábamos. Por el contrario, este es el primer disco en que Daniel Kessler y Sam Fogarino trabajaron las canciones por cuenta propia y, posteriormente, se las enseñaron al grupo; es decir: a partir de una idea primaria, trabajamos el resto de la composiciones”. Este es un álbum plagado de paradojas, ya que la evolución musical es evidente tan pronto se activa el disco; pero lo es en un sentido aparentemente contrario, pues marca el regreso de la banda a Matador Records, disquera con la cual iniciaron. “La lectura inmediata sería que Capitol nos hubiera coartado en el sentido creativo, pero no es así; siempre hemos sido directores creativos en nuestros proyectos: en la primera fase, con Matador, y también en Capitol; ahora, nuevamente en Matador, trabajamos el producto de principio a fin y lo dejamos al punto; lo llevamos terminado y Matador sólo se encargó de publicarlo y distribuirlo. Creo que todos los rumores nacieron de una mera coincidencia…

Hay 30 días en abril, junio, septiembre y noviembre.

“Probablemente la distribución por Internet sea el futuro de la industria, pero hay que trabajar en modelos que hagan más eficiente y rentable la venta en línea de tu producto. Creo que quienes resolverán este enigma y descubrirán formas de trabajo más efectivas serán las disqueras independientes: ellas han marcado la pauta de la industria en los últimos años”. La parte incongruente del tema de los medios digitales de reproducción, radica en lo inútil que es seguir invirtiendo tanto tiempo y dinero en masterizar y producir dignamente un disco, si estos medios no están a la altura y no hacen honor al trabajo de estudio. Al respecto, Paul opina: “Es triste que el MP3, la forma más común de acercamiento a la música hoy en día, no tenga la capacidad de reproducir todo el trabajo de estudio que se desarrolla, además de que cada vez es más común que la gente se acerque a tu música por YouTube, el cual no es un medio diseñado para escuchar música; aunque también es casi imposible llamar la atención de los navegadores, y retenerla, a menos que tengas mucho dinero, como Lady Gaga, para poder crear puras superproducciones de videos en la red. Por otro lado, lo bueno es que lo inmediato de estos medios permite que cada vez más gente acceda a tu propuesta y es la manera

Flashback

FACTS

-Paul Banks vivió en Ciudad de México y concedió esta entrevista en fluido y perfecto español. -David Pajo, actual bajista de Interpol, ha tocado con Zwan, Stereolab y Tortoise, entre muchas otras bandas. -Interpol es el primer disco de la banda, producido por ellos mismos en su totalidad. -Alan Moulder, quien estuvo a cargo de la mezcla de Interpol, es un productor e ingeniero de primera línea que ha trabajado con The Jesus And Mary Chain, The Killers y Depeche Mode, entre otros, y es parte fundamental del sonido shoegazer de principios de los noventa.

en que se pueden inspirar las nuevas generaciones. Concluyo que, aunque algunos puedan argumentar que todo está jodido en este momento, habrá más artistas jóvenes que van a surgir, la música va a seguir, la industria va a continuar y la tecnología va a evolucionar. Tarde o temprano vendrán mejores tiempos”.

All Fired Up

Es esperada la visita de Interpol a México, en el marco del Festival Corona Capital, y es más que conocida la profunda admiración de sus seguidores en nuestro país. Y Paul es consciente de todo esto: “México es, sin duda —y no lo digo por estar hablando con un medio mexicano—, el país con el fan base más extenso e intenso de cualquier país, para Interpol. Estamos profundamente emocionados de ir. Yo mismo viví en México algún tiempo y visitarlo para mí siempre es motivante: será una buena oportunidad de visitar viejos conocidos”. Es palpable la incertidumbre y la emoción que existe en Paul, cuando se le pregunta sobre esta nueva gira: “David Pajo, de Slint, se ha unido a nosotros como bajista, y me ilusiona mucho que nos escuchen con él; verán la intensidad, la vibra que tenemos juntos en el escenario. También me emociona que la gente se

pregunte sobre él y se acerquen a su trabajo con Slint, que aunque es un proyecto de los noventa, ya disuelto, que sin duda merecía más atención de la que tuvo, aunque se mantiene vigente en el underground; se los cuento porque crecí escuchando su disco Spiderland, que dejó huella en mí y en bandas como Mogwai; ahora me enorgullece compartir el escenario con él. También agregamos a Brandon Curtis, de The Secret Machines, que es una de las bandas más experimentales del rock clásico americano y que merecen más atención por parte del público y la crítica. Estoy muy emocionado porque es como si fuéramos un grupo nuevo; y sí: el concierto en México lo espero profundamente.” Podemos especular largo sobre lo que le depara el futuro a Interpol, pues son momentos de incertidumbre y obscuridad en casi todos los rubros del acontecer social, político y económico; pero lo que podemos intuir, por medio de la experiencia vivida y el empirismo mismo de haber visto a Interpol prevalecer, es que, aun cuando el panorama parece caótico y poco esperanzador, ellos encontrarán, una vez más, una forma de reinvención que les permita seguir siendo la banda vigente e influyente que son hasta ahora. Interpol, así, es sólo el principio de una nueva era para Interpol.

“Con el tiempo es necesario evolucionar musicalmente, sería vergonzoso si no pudiéramos lograrlo” -Alexis Taylor (Hot Chip) WARP Magazine 4

“Estoy muy emocionado porque es como si fuéramos un grupo nuevo.”

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- Paul Banks

Flashback

â&#x20AC;&#x153;Con el tiempo la gente se da cuenta de lo bueno que puede llegar a ser un artistaâ&#x20AC;? -Christian Mazzalai (Phoenix) / WARP Magazine 19

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ARCADE FIRE THE SUBURBS Anna Stephens

Cortesía Universal Music

En años anteriores, cuando se pensaba en la escena musical canadiense, generalmente venían a la mente artistas pop como Avril Lavigne, Celine Dion, Nelly Furtado o Bryan Adams. En un nivel menos popular, podíamos recordar a grandes músicos como Neil Young o Leonard Cohen. Sin embargo, a finales del siglo pasado, la escena musical canadiense irrumpió con propuestas contundentes que nada tenían que pedirles a sus similares norteamericanos y británicos. Feist, Stars, Broken Social Scene, Metric y Tegan And Sara son tan sólo algunos ejemplos de lo que comenzaba a gestarse y que en la actualidad son artistas reconocidos en todo el orbe. A pesar de que Arcade Fire, muy a su modo, ha procurado mantener un perfil bajo, es innegable que el reconocimiento a su música los está transformando en una banda de estadio. El colectivo se encuentra en el límite de perderse en la masificación de su propuesta —como Kings Of Leon y Coldplay— o continuar trabajando como hasta ahora lo han hecho. El secreto detrás del éxito de los de Montreal, no es nada complicado ni tiene nada misterioso. Como lo reveló su baterista, Jeremy Gara, en entrevista para WARP MAGAZINE, el secreto está en mantener la honestidad y recordar que su trabajo es como cualquier otro.

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Jeremy Gara: “En Arcade Fire tenemos la ventaja de que somos tantos, que tenemos muchas y muy distintas maneras de expresarnos y divertirnos. Somos como pequeños clanes dentro de una gran comunidad. Sin embargo, en ocasiones es inevitable tener esas batallas psicológicas de querer estar solos por un momento, sobre todo cuando estamos tanto tiempo de gira. En realidad nunca hemos tenido problemas con eso, porque somos como una familia y nos llevamos muy bien entre todos. Incluso, cuando no estamos de gira o estamos de vacaciones, pasamos tiempo juntos. Esto es algo natural en Arcade Fire, pero desafortunadamente, muchas bandas que conozco sólo están juntas cuando se presentan en vivo, y después pueden pasar meses, incluso años, sin verse, sin hablarse. Para nosotros es más importante mantenernos unidos, como una familia, porque creo que una banda debe partir de eso, en vez de integrar una banda y luego convertirse en amigos. Para nosotros no es cansado pasar tiempo juntos, porque nos preocupamos de que todos estemos bien.”

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Del sentido de pertenencia y comunidad

La regla de tres es un principio fundamental de la Wicca (religión neopagana).

Flashback

“Como nuestra carrera ha sido gradual, permanecemos centrados y con la emoción de hacer lo que nos gusta” -Jim Eno (Spoon) / WARP Magazine 24

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Jeremy Gara: “Durante la primera gira del Funeral compartíamos las camas. Recuerdo que viajábamos en una camioneta y sólo podíamos pagar dos habitaciones de hotel, así que dormíamos tres de nosotros en una sola cama, para ahorrar dinero y seguir adelante con el tour. El éxito sucedió rápidamente y la verdad es que no estábamos listos. No fue sino hasta Neon Bible que comenzamos a considerar pagar habitaciones individuales. Hoy, afortunadamente, las cosas están saliendo bien, la gira está siendo todo un éxito y tenemos un día libre para hacer lo que queramos; y cada uno tiene su propia habitación.” Historias del sorpresivo y veloz éxito al que se refiere Jeremy, han terminado con otros grandes proyectos musicales, ya sea por temor o por exceso de confianza. Pero, en Arcade Fire, el éxito se enfrenta de manera diferente.

El éxito y la fama

Jeremy Gara: “En Arcade Fire no somos estrellas de rock: no nos gusta salir de fiesta, nadie en el grupo está soltero o soltera, y preferimos tener actividades diferentes a las del típico rockstar. ¡Creo que somos más como un grupo de iglesia! Para mí, el concepto “rockstar”, en sí, todavía

La música como detonador del cambio social

Jeremy Gara: “A mí me parece que la música puede detonar cambios importantes, porque el ser humano, por instinto, está programado para disfrutar de la música: somos seres musicales. En el caso de las bandas de rock y de la gente famosa en general, al estar en una posición privilegiada, creo que debemos adoptar una postura o tener una opinión respecto a algunos temas importantes, así como involucrarnos en ciertos asuntos. En nuestro caso,

trabajamos con la organización Partners In Health, a la que donamos un dólar por cada entrada que vendemos en nuestros conciertos. Esto es muy fácil de hacer para nosotros y no veo por qué no debamos hacerlo, si estamos en una posición privilegiada. Devolverle a la gente, a la sociedad, algo de lo que nos han otorgado, es una responsabilidad justa para las personas famosas, millonarias. La vida no se trata sólo del ‘nosotros’, sino de lo que puedes hacer por lo demás.” En ese ciclo de dar y recibir, Arcade FIre ha logrado colocar tres joyas musicales que se han caracterizado por ser demasiado personales e introspectivas en lo lírico, por una parte, y por no coincidir musicalmente con géneros en boga.

La inspiración de los tres discos

Jeremy Gara: “Cuando estábamos de gira con Funeral, artísticamente fue una época de catarsis para sanar el dolor de los familiares fallecidos, pues esa fue la inspiración para escribir ese disco. Regresamos de la gira para pasar Navidad con nuestras familias y, al término de esas vacaciones, reiniciamos el tour. No paramos sino hasta la grabación del Neon Bible, que es un álbum oscuro porque los tiempos que vivíamos eran de mucha incertidumbre y escándalos políticos, como las elecciones presidenciales en Estados Unidos. Afortunadamente, después de la gira del segundo disco, nos tomamos un respiro que sirvió de inspiración para The Suburbs, porque disfrutamos de nuestras familias, de Montreal; así, cuando entramos al estudio de grabación, todos estábamos frescos y descansados. Este último disco refleja ese periodo de confusión y cambio, de sentimientos no necesariamente buenos o malos… Más bien, sin dirección alguna. En lo personal, siento que este álbum es menos melancólico que los anteriores.”

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El camino del funeral a los suburbios

existe; y es un tanto importante que exista, que se dé ese misticismo alrededor de los artistas; es positivo permitir que las personas se imaginen cómo son los artistas y dejar en el aire la duda de si son así o no en su vida diaria. En nuestro caso, nuestra vida no es tan complicada ni tan interesante como lo puede ser la vida de una estrella de rock. Me parece que existen bandas que exageran, que están más preocupados en ser estrellas de rock que en su música, como Kings Of Leon. Por otro lado, tienes a rockstars como Bono, y me parece genial las formas en que maneja su personaje arriba y abajo del escenario, pues entiende que no puede comportarse igual en situaciones distintas.” La conducta a la cual se refiere el baterista, ha detonado cambios sociales importantes a lo largo de la historia de la música. Por mencionar sólo uno, podemos recordar que, en la década de los setenta, el punk en Reino Unido desencadenó una serie de protestas contra el modus vivendi de la realeza, en comparación con las condiciones de supervivencia de la clase obrera. En nuestros tiempos, son pocos los que creen que estos cambios sociales ocurran de nuevo a partir de la letra de una canción o la opinión de figuras públicas del entretenimiento.

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Jeremy conocía a los integrantes de Arcade Fire años antes de que se uniera a ellos y, de hecho, ya lo habían invitado a ser parte de la banda, pero no podía porque estaba trabajando en otros proyectos. Cuando decidió ser parte del grupo, Jeremy estaba terminando una gira por Europa, con una banda de Wisconsin. Poco después de integrarse, salió de gira promocional del Funeral y, desde entonces, se ha mantenido como un miembro fijo. Las condiciones de trabajo desde aquel tour, al más reciente, han cambiado considerablemente.

La breve discografía de los de Montreal ha sido conceptual en sus primeras dos entregas, a diferencia de The Suburbs, que es una producción un poco más abierta, sin hilo conductor evidente, como es el caso de Funeral y Neon Bible.

Diferencias de las tres producciones

Jeremy Gara: “Todas son diferentes porque no tenemos reglas acerca de las canciones que vamos a escribir o el tipo de música que vamos a componer, lo que es otra de las cosas que hacen de Arcade Fire una banda afortunada. Creo que los tres discos son totalmente diferentes entre sí. Musicalmente, puedes escuchar una gama muy amplia

Flashback

de géneros en cada producción, pero siempre sabrás que se trata de Arcade Fire. Cuando estamos en el proceso de crear algo nuevo, no acostumbramos escuchar lo que grabamos anteriormente. Creo que The Suburbs sigue sonando a Arcade Fire, pero en un momento en específico: ese cuando nos reunimos y nos encerramos en un cuarto para dejar que las canciones nacieran. The Suburbs se convirtió en una gran colección de canciones salvajes, aunque no es tan oscuro y pesado como Neon Bible, y tampoco tiene grandes arreglos orquestales, sino que se concentra en sintetizadores y guitarras. Es bueno no preocuparse de la manera en que, al final, se escuchará el disco,

o predisponerse a un sonido que tal vez no sea natural para el momento del grupo.” Como todos sabemos, el momento de conocer si una banda es realmente buena o no, es durante una de sus presentaciones en vivo. A diferencia de muchas agrupaciones que suelen reproducir a la perfección lo hecho en el estudio, Arcade Fire se caracteriza por tocar siempre como si fuese su último concierto. Musicalmente, dan a cada uno de los instrumentos su lugar y procuran que todos se escuchen igual de bien. Todo esto se convierte en una ola de energía contagiosa, entrega y constante comunicación con la audiencia.

“Hasta cuando tomas un taxi puedes tener una influencia de otras culturas” -Rostam Batmanglij (Vampire Weekend) / WARP Magazine 17

Jeremy Gara: “La energía tiene mucho que ver con el público que está presenciando el concierto. Ver a una banda que está disfrutando de lo que hace en vivo, es algo muy especial e inevitablemente se refleja en el ánimo de las personas. Hay bandas que salen de gira y tocan exactamente lo mismo, de la misma forma, noche tras noche. Si las personas perciben que tu presentación es emocionalmente honesta, reaccionarán de igual manera. Y creo que cualquier banda puede lograr esa conexión con las personas: he estado en conciertos en lugares pequeños, a los que han asistido diez personas, y también en conciertos de estadio, y al final toda la responsabilidad del artista se reduce a su manera de canalizar la energía; aunque actualmente también existen bandas que sólo se preocupan por verse bien arriba del escenario.” Más allá del desgaste físico de un músico que se encuentra de gira por más de un año, el desgaste emocional va mermando el nivel artístico. Los cambios de alineación han sido parte de la historia de Arcade Fire y, en siete años, se cuentan seis ex integrantes, por lo que debemos entender que el éxito comercial no asegura un largo futuro a la agrupación canadiense. ¿Te imaginas a Arcade Fire ofreciendo conciertos en 30 años? ¡Esa es una pregunta difícil! Hemos bromeado sobre eso y hemos visto en vivo a esas bandas “viejas”, como los Rolling Stones, y Bruce Springsteen, y algunos de ellos siguen siendo muy buenos en vivo; pero también hay bandas, como Eagles, que son tan aburridas, que percibes que lo hacen sólo por el dinero. En nuestro caso es diferente. Cuando lleguemos al punto en que ya no disfrutemos tocar en vivo, creo que será el final para Arcade Fire. La banda está creciendo mucho, porque estamos llenos de energía creativa, y mientras concibamos eso seguiremos adelante. Finalmente, el 10 de octubre próximo, Arcade Fire tocará en suelo mexicano. Los rumores del por qué no vinieron con Funeral han estado a la orden del día. Uno de los más sonados es aquel que afirma que el grupo se caracteriza por ser racista.

Rumor de su tardía visita a México

Jeremy Gara: “¿En México creían que no íbamos porque somos racistas? ¡Desde luego que no es verdad! ¿Quién pudo haber inventado eso? Nosotros nos tomamos las giras con mucha calma y paciencia. Existen muchos lugares en los que nos gustaría presentarnos en vivo, pero que desafortunadamente nos ha sido imposible visitar. Por ello, para esta gira tuvimos como prioridad ir a México y nos aseguramos de que así fuera: nos presentaremos en Monterrey y Ciudad de México, y estamos tratando de abrir dos fechas más. La gente puede decir lo que quiera —aunque me gustaría que no creyeran todo lo que se dice por allí—, pero les aseguro una cosa: la espera valdrá la pena…

30 SUCESOS QUE ESTAMOS ESPERANDO 1.- Gira mundial de Led Zeppelin 2.- La inducción de Nirvana al Salón de la Fama del Rock 3.- El disco de Smashing Pumpkins con alineación original completa 4.- La desaparición del Reggaeton 5.- La reunión de Caifanes 6.- El nuevo álbum de The xx 7.- El regreso de Garbage 8.- Un Vive Latino decente 9.- Un largo descanso de Jack White 10.- La reunión de Guns N’ Roses con alineación original 11.- La recuperación de Gustavo Cerati 12.- Qué U2 se retire 13.- Nuevo disco de Justice que logre superar el primero 14.- Que Noel Gallagher regrese a Oasis (seguramente) 15.- Nuevo disco de Blur 16.- Nuevo disco de RATM 17.- Unión de las transnacionales en un gran sello 18.- Spotify sin restricciones a nivel mundial 19.- Una red o herramienta social que supere a Twitter 20.- Una nueva plataforma para las bandas que sustituya a MySpace 21.- Conciliación para que iPhone & iPad lean Flash 22.- Que Alejandra Guzmán acepte que es popera y no rockera 23.- Que pare el surgimiento de las superbandas intrascendentes 24.- Que Madonna haga un dueto con Lady GaGa y le ceda el nombre de Reina del Pop 25.- Que en México se ataque de raíz el problema de la verdadera piratería (Tianguis, etc.) y no el sharing 26.- La rehabilitación y un nuevo disco de Amy Winehouse 27.- La jubilación de Pete Doherty de la música 28.- Que The Sound Strike y demás presiones políticas logren que se revoque la Ley SB1070 29.- Que se quite la tenencia y se congele el precio de la gasolina en México 30.- Que se acabe el mundo en el 2012

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La energía en las presentaciones de Arcade Fire

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Es el número para la pornografía, debido a su representación como XXX en números romanos.

WARPED

UNA TELEVISIÓN + ONCE Sub-Culture

Pada

Seguramente habrá varios lectores de WARP MAGAZINE a los que las caricaturas polacas de Bolek y Lolek les traigan buenos recuerdos, pues esa era, quizá, la única escala que hacíamos en el Canal 11, buscando los programas del 5. Y es que el Once siempre lo vimos como un canal para nuestros papás, aunque ni siquiera ellos lo veían. El vestido del canal

Cortesía Once TV

era sobrio, igual que los programas. Vaya, no sé ustedes, pero hasta se me hace que hablaban lento a propósito. Y si, voy a decirlo: el canal Once era aburrido, cuando no tenía por qué serlo, y para muestra existen cientos de ejemplos, como la mítica BBC o los canales especializados de National Geographic, Animal Planet y algunos otros. Así entonces, el canal fue

creciendo y fueron varios los programas y conceptos que lograron llamar la atención, hacer ruido no sólo con el público, sino con los demás canales, esto debido tanto producciones propias como compradas, siendo quizás el bloque infantil el de más consistencia en las últimas décadas, con programas que pertenecen al primer grupo, como el legendario

Bizbirije, en sus mejores épocas, o los del segundo, como el Mundo de Beakman y 31 Minutos, puppets chilenos, éstos últimos, que salieron de la televisión para convertirse en personajes de cine, de discos y hasta tributables por parte del rock en español. Pero no es sino hasta hace poco que vimos un Once con más actitud, con ganas de levantar la mano y advertirnos que siguen vivos y mejor que nunca, que lo cultural no está peleado con lo ameno, que no necesariamente tienes que ser comercial para captar a la audiencia, sino que hay maneras inteligentes de hacerlo.

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP30 Siempre nos hemos quejado de que los medios no nos dan opciones, pero opciones había. ¿Atractivas? Quizá no tanto. Es de la mano del actual director, el cineasta Fernando Sariñana —quien ocupa el cargo desde enero de 2008—, que Once TV estrenó nueva imagen, con una campaña publicitaria que no habíamos visto antes por parte de este canal. Así, el 30 de marzo del 2009, respetando legendarios programas como Aquí Nos Tocó Vivir, de la periodista Cristina Pacheco, y reestructurando la programación, se enfocó a diferentes sectores, de acuerdo con hábitos de consumo mediático: por la mañana hay una barra dedicada a la mujer y amas de casa, demostrando que no necesitamos ver a un maestro de yoga semidesnudo o pararnos a bailar como osos amaestrados cada que van a corte; también se estrenó la barra Central Once, enfocada al público adolescente y joven, sin necesidad de tratarlos de manera naive, conscientes de que la mentalidad y absorción de la información de esta población no es la misma de hace diez años. Fue el pasado 12 de julio, con la asistencia del presidente de México, Felipe Calderón, que se dio otra buena noticia para Once TV: la señal ahora cubriría el 42 por ciento del territorio nacional, para llegar a ciudades como Guadalajara, Torreón, Morelia y Veracruz, y se espera que en el mediano plazo la expansión continúe

Lo cultural no está peleado con lo ameno, iamente no necesairenes que ser t ptar comercial para ca y ha a la audiencia, es maneras inteligent de hacerlo. y su señal llegue a Monterrey, Mérida y Oaxaca, entre otras capitales. Al momento de realizar dicho anuncio, y de revelar la colaboración que se tuvo con el gobierno federal y los gobiernos estatales, el hecho se malinterpretó y hubo quienes pensaron que habría “otros” que meterían mano. Nada más falso: Once TV seguirá siendo un canal de servicio público, de función social y del Instituto Politécnico Nacional. Bajo el slogan “Una tele + ____” se estrenaron programas de producción nacional e interna, como Sexo ÷ Cuatro y Noche En La

Ciudad, este último un talk show nocturno transmitido los viernes a las 09:00 p.m., con interesantes invitados que pueden ir desde Blue Demon Jr., hasta Sasha, pasando por el director del Circo Atayde; este programa significa, además, el regreso del comediante y conductor Ausencio Cruz a la televisión mexicana, de la mano del actor Daniel Martínez como anfitrión. Comenzaron a transmitirse, de igual forma, series que han sido mencionadas anteriormente en este espacio, como XY, Soy Tu Fan y Bienes Raíces, de las cuales, al menos de las dos primeras, ya se prepara la segunda temporada. Además se compraron programas realmente deliciosos, como Sin Guión (Unscripted), producida por George Clooney, que cuenta la historia de actores novatos y goza de una serie de cameos de famosos de Hollywood que otras series ya quisieran tener. Se han adquirido series que otros canales dejaron pasar y que nos moríamos por ver, como Little Britain y, actualmente, The It Crowd, ganadora del Emmy y el Bafta, que no le pide nada a The Big Bang Theory. Once TV es una “nueva” opción y promete que lo mejor apenas comienza. Nada mal para un canal con 51 años de existencia. Nada mal para un canal de uno de los pilares de la educación en México. Nada mal para hablar, este septiembre tan nacional, de un canal que da de qué hablar.

WARPED COMICS

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La fuerte especulación en el mercado del comic ocurrida en la década de los noventa no se ha disipado del todo: a pesar de que la industria aprendió que, a final del día, lo que la gente busca en un comic es contenido y no portadas fosforescentes o con hologramas que en un par de meses tripliquen su valor, las principales editoriales, al menos de un tiempo para acá, continúan con la edición de portadas con variantes; es decir: tienen un arte diferente al de la edición regular y, como no se imprime la misma cantidad, el precio de estos números aumenta considerablemente, o bien, se le regala uno a las tiendas que compran 30 ó 50 de los regulares, y las tiendas le ponen el infladísimo precio que se les antoje. Debería ser parejo, y que aquellos que prefirieran el dibujo con la variante, lo pudieran conseguir por el mismo precio.

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Cara es la variedad

REVOLUCIONARIOS

CON LENTE The Effects Of 333 Mario P. Székely

No se apellidan igual, pero bien podrían ser los personajes de Los Tres García (1947) que interpretaron Infante, Mendoza y Salazar, por su sentido del humor, desfachatez por

las reglas y enamorados de lo que saben hacer; sólo que, en vez de traer la guitarra al hombro, cuelgan con la cámara. Y su amor no es por Lupita (Marga López), sino por

hacer buen cine. Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro adoran sus raíces mexicanas, folclore y música, nombrando su productora Cha Cha Cha y

colocando elementos de la cultura tricolor en sus filmes cada vez que pueden (¿Qué tal las calaveritas del Día de Muertos en Harry Potter y el Prisionero de Azkaban, de 2004?).

Finalmente, el mexicano de 44 años avanza con cada uno de los jefes de su departamento, esconde su preocupación y les habla casi al oído para cerciorarse de que cada uno hará su trabajo en el momento preciso. “Action!”, se escucha en el inglés de Alfonso… El mundo de Children Of Men se acciona frente a la cámara del Chivo, cada quien llega a su marca, Owen y su compañera libran los obstáculos que

ALFONSO CUARÓN Difícil saber si detrás del cielo gris éste iba o venía. En Londres todas las tardes son iguales y Alfonso Cuarón no dejaba de prestarle atención. La lluvia podría romper la continuidad de la secuencia y sería un impedimento más para terminar de rodar a su manera. Durante horas, los productores le pedían a Cuarón que reconsiderara su estilo de filmar. Una cámara en su steadycam (dispositivo que permite al camarógrafo

avanzar a pie, sin que brinque la lente) y Emmanuel Lubezki atado a ella con una sonrisa, no parecían ser suficiente motivación para que decenas de extras, iluminadores, stunts de acción y hasta un tanque se pusieran en movimiento, sin contar que los actores Clive Owen y Clare-Hope Ashitey tenían que avanzar entre explosiones para las que sólo había un par de oportunidades de activar. “Action!” grita un Cuarón,

Escena de Children Of Men

enfundado en su chamarra verde y su gorro bien ceñido sostenido de sus orejas. Todo se pone en movimiento. Algo no cae en sincronía y… “Cut!”. Una sola oportunidad resta para sacar la toma. “Muchos de aquí no desean que tengamos éxito, pero sé que esta es la mejor forma de contar la historia”, dice Cuarón, en español, a Lubezki, su compadre de cine desde los tiempos de la escuela en la UNAM.

involucran a un batallón, un autobús en llamas y un edificio desmoronándose… Se queda. “¡No que no, cabrones!”, grita un Cuarón emocionado. Ante el slang mexicano, pasan algunos segundos para que el resto de los británicos entiendan que su director los está felicitando. Alfonso se ha salido con la suya… Tres nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Fotografía, le aguardan a esta cinta futurista.

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP30 Escena de Amores Perros

ALEJANDRO “EL NEGRO” GONZÁLEZ IÑÁRRITU Fue en marzo de 2001. La alfombra roja que llegaba a la entrada del Shrine Auditorium, para la ceremonia de

entrega de los Oscar, comenzaba a ser enrollada. La fiesta había terminado. Amores Perros, de Iñárritu, perdió el oro contra Crouching Tiger, Hidden Dragon del taiwanés Ang Lee. “Cuando vi la película de Alejandro no pude dormir. Fue una experiencia que me hizo ver al cine de distinta manera. Terminé profundamente conmovido”, nos dijo Lee a tres periodistas que cazábamos la última reacción.

Luego, un momento para el abrazo entre los directores: Lee recorre cinco metros de alfombra —lo que parece el reconocimiento del “ganador” al “vencido”— y saluda al mexicano, que cambia su faz de tristeza a admiración: “¡Es un honor que se lo haya llevado (el Oscar) usted, maestro!”. Cuando se ha elegido vivir del cine, el reconocimiento de un colega de la importancia de Lee, significa saberse en la trinchera correcta.

Escena de Hellboy

El sonido de las bocinas de la sala de edición del Skywalker Ranch combina el ronroneo de gatos con la voz demandante de Hellboy por un chocolate. Desde su amplio sillón, “El Gordo” —como le dicen sus amigos en México— da indicaciones al equipo de tres sonidistas que realizan la última mezcla de la cinta del personaje

de cómic de Mike Mignola. Del Toro pide que el sonido sea más orgánico: que los gatos entren y salgan, creando el ambiente, para que después nos demos cuenta del deseo de su protagonista diabólico por ese dulce. Luego viene la secuencia en los tejados, donde Hellboy espía a la bella Selma Blair —quien ha salido con un

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GUILLERMO DEL TORO

chico que le coquetea—; los celos llenan la pantalla, pero también el deseo de comer una galleta con leche fría. Diez, 20, 30 minutos. Guillermo sonríe, la música no opaca los sonidos de la noche. Hellboy parece real en ese ambiente. Los monstruos existen y este mexicano es un artista de la fantasía en el mismo estudio que construyó George Lucas. Uno de los hombres que esperaba la aprobación de Del Toro, para el fin de semana, ganará el Oscar a Mejor Sonido por The Lord Of The Rings: The Return Of The King.

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Ron Perlman y Guillermo del Toro

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FESTIVAL INTERNACIONAL EXPRESIÓN EN CORTO On The Movie

Diovanny Garfias

Karina Luvián

El Festival Internacional de Cine Expresión En Corto, desarrollado en el emblemático estado de Guanajuato, abrió una vez más sus puertas a todo apasionado del séptimo arte, con el fin de impulsar una cultura cinematográfica sólida y carente de exclusividad. Como complemento y cierre a los eventos desarrollados en San Miguel de Allende, desde el 28 de julio y hasta el 01 de agosto, la capital del estado fue la sede de conferencias, proyecciones y concursos, con la participación de Argentina como invitado especial.

Día 1

En las inmediaciones del Auditorio del Estado se realizaron algunas conferencias de prensa sobre cintas nacionales que, se espera, llegarán a la pantalla antes de que concluya el año. Por la noche atestiguamos la proyección de Metropolis, una de las cintas icónicas del expresionismo alemán, y de primera mano vimos la cinta restaurada, con casi media hora de escenas recuperadas, además de disfrutar de la musicalización en vivo por parte de Alex Otaola y su banda. Para concluir el día, se le rindió un pequeño homenaje, en el Centro de la ciudad, al director argentino Eliseo Subiela.

Día 2

Este fue el día que logró convocar al mayor número de prensa en torno a algún evento: a media tarde, con casi una hora de retraso, comenzó la tan esperada conferencia de Alejandro González Iñárritu, en la cual, por casi dos horas, el director mexicano dio un repaso a través de su filmografía, recordando anécdotas específicas de las filmaciones y respondiendo preguntas de los asistentes. Después, Iñárritu pasó a un auditorio contiguo a recibir la cruz de plata, el máximo galardón entregado por los organizadores del Festival.

Día 3

Dos eventos destacaron sobre los demás en esta jornada: la conferencia del director Eliseo Subiela y la clausura/homenaje al actor mexicano Manuel Ojeda. La conferencia de Subiela logró convocar a un gran número de asistentes, quienes durante más de dos horas cuestionaron y reconocieron el trabajo del argentino; el director, por su parte, aprovechó para presentar un adelanto de su próximo largometraje, Rehén De Ilusiones, que llegará a las salas de cine el próximo año. Ya por la noche, el Auditorio del Estado fue la sede de la clausura del Festival, donde se llevó a cabo el homenaje a Manuel Ojeda por su larga trayectoria en teatro, cine y televisión; además se entregaron reconocimientos a los participantes nacionales e internacionales del evento, concluyendo así la edición número trece del ya tradicional Festival Internacional de Cine Expresión En Corto, que durante nueve días inundó la ciudad de Guanajuato de cine en todas sus formas.

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Black Wave/ Bad Vibrations Coordinación de Moda: Francesca Beltrán Fotógrafías: Julio Muñoz Styling: Chëla Olea Modelos: Emily Wollman y Santiago Saracho para Paragon Locación: Common People

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Blusa Estampada Pepe Jeans - $1199.00

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The Mexican

Anillo Paola Hernández - $500.00

Texto: Andrea Paz

Power

Quien diga que la moda en México no es prolífica, se equivoca: cada vez es más evidente la influencia de innovaciones nacionales a cargo de emprendedoras creaciones como las de Paola Hernández. Tener un estilo va más allá de cubrir el cuerpo con prendas; hace falta personalidad y determinación, lo que hace que Ely Guerra sea toda una fashionista en la escena musical nacional. Si bien es cierto que las mejores y más originales tendencias llegan del vecino del norte y de Europa, como es el caso del look de Victoria Legrand, del dúo Beach House, el talento y las muestras mexicanas como el de Lo Blondo —voz detrás de Hello Seahorse!—, está perfilado como uno de los más originales. Despliegues de talento a lo largo del mundo, como lo hacen Rodrigo y Gabriela y Teri Gender, con el proyecto Le Bucherettes, dejan en claro que imponentes stilettos, jeans altos y blusones, esta vez son los accesorios de un estilo hecho en México.

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Jeans Negros

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Agradecimiento especial a

Common People por las facilidades otorgadas para la realizaciรณn de este shooting.

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old fashioned

Don’t is Texto: Andrea Paz

Ha quedado atrás el folclor mexicano, aquel distinguido por su fuerte colorido y grandes estampados, para ser reemplazado por la sobriedad del negro, gris y café. Sin perder calidad, bandas como Dirty Karma han adoptado estilos extranjeros, aunque siempre poniendo el sello nacional que los hace únicos y diferentes. Expertos en moda opinan que no existe la elegancia, sino la inteligencia; de ser cierto, el ingenio mexicano está ganando terreno. La estrategia de botas, sweater y chaleco, en conjunto, nunca han estado tan en boga hasta que hombres como Paul Banks, liderando a Interpol, han hecho que dejemos de pensar en estas prendas como algo old fashioned, trayéndolas de regreso de la mano de su propuesta musical. Quizá el que bandas como Arcade Fire se reinventen en cada material, sea cuestión de una influencia latente para la evolución del estilo.

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Ocho - $1149.00

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Pantalon Negro

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP30 36 fue el auto ás de los que m posiciones avanzó en competencia

@ Guadalajara Staff WARP RACING TEAM Sergio Gálvez y Wendy Cid

Se realizó la segunda carrera del equipo TempoToyota-Goodyear-Bruck Euroespaña, Refaccionarias Mendoza, apoyado por WARP, con el piloto Pepe Montaño en el auto # 36, en una de las fechas más accidentadas que ha habido en esta temporada de la serie NASCAR México: Guadalajara.

Y, en vista de los resultados obtenidos, regresamos con muy buen sabor de boca. En principio, parte de la labor de responsabilidad social que Pepe está realizando en universidades, es hablar sobre Conducción Segura Y Concientización En El Consumo De Alcohol, que ahora fue llevada a distribuidores de Toyota. Allí,

Pepe tuvo la oportunidad de convivir con los empleados de la marca y transmitir sus reflexiones para que, a su vez, ellos la extiendan a sus clientes. Otro de los temas interesantes en esta fecha, fue acompañar a Pepe a la Asociación Nacional de Tequileros, donde se organizó una plática al respecto con más de 200 personas reunidas. Para el sábado, muy temprano, llegamos al autódromo y vimos a Pepe en las primeras prácticas libres, antes de la calificación, lo que nos convenció de que el equipo cada vez está mejor organizado: el crew realiza sus actividades sin perder un solo segundo, pues en NASCAR México los segundos son oro. En las primeras prácticas se ajustó la suspensión

trasera pues, en tanto que el circuito de Guadalajara es un óvalo muy rápido, no permite errores; así, el Ingeniero de Auto se concentró en corregir una pérdida de adherencia en el eje trasero, lo que generaba que fuera más lento; además, ajustó el perfecto balance de los frenos, que en esta carrera sería muy demandados. En la calificación, desgraciadamente, un error de seis décimas nos ubicó en la posición 23, lugar de donde partiríamos el domingo para iniciar una remontada muy grande.

Después de participar en las ceremonias protocolarias, Pepe subió al auto, se hicieron los últimos ajustes de presión de aire y entonces vino la bandera verde. Sin duda, el auto # 36 fue de los que más posiciones avanzó en competencia; el trabajo del equipo fue importante y logramos terminar en la octava posición, muy cerca del grupo puntero, lo que nos da una gran esperanza para seguir escalando posiciones en el campeonato. Sin duda una gran carrera. La siguiente fecha será en San Luis Potosí, donde se trasladará todo el contingente de NASCAR México para continuar con un espectáculo que ha demostrado ser totalmente familiar. ¡Nos vemos en la pista!

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Pepe Montaño

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PILOTO OFICIAL DE...

PRESENTE en LA Nascar Corona Series 2010

PRÓXIMAS FECHAS Septiembre 19 / Ciudad de México Octubre 3 / Querétaro Octubre 17 / Puebla Octubre 31 / Tuxtla Gutiérrez Noviembre 21 / Aguascalientes

LIMÓN Couleurs

Chëla Olea

Cortesía Mauricio Limón

No hay manera estricta de describir su trabajo, pues parece que el sello distintivo de Mauricio Limón radica en la sutileza de sus trazos, que proyectan un honesto y directo significado. El objeto “pícaro” en su trabajo es un componente orgánico de las texturas que habitamos en nuestra vida diaria, lo que él simplemente embellece y monta ante nuestros ojos. En muchos de sus dibujos vemos cómo aborda, con tallos y flores, las revoluciones del cuerpo humano, presentando un paroxismo sexual en la exploración de la belleza: es simplemente un viaje a la vida orgánica y salvaje de los sentidos.

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP30

¿qué podrías decir que te inspira? Te diré que, para mí, hay dos partes: las que eliges y las que te tocan, y estas últimas generalmente determinan a las primeras. Platícanos de tus proyectos en puerta, ¿en qué andas ahora? Estoy haciendo un castillo mágico con piezas de madera y muchos colores.

Mauricio es reconocido como un artista orgullosamente mexicano que está en constante movimiento y evolución. Egresado de la Licenciatura en Artes Visuales, actualmente forma parte de la Galería Hilario Galguera. El talento de este joven artista se ve reflejado en técnicas tan diversas como el dibujo, la instalación y el video. Siempre se preocupa por mezclar los planos extrasensoriales, emocionales, donde el foco principal de su obra son las experiencias psicosomáticas resultantes de la experimentación con diferentes sustancias psicotrópi-

cas, por lo que la transición del color y las texturas son lo que nos hace quedar inmersos en su obra. Así, este mes nos complace compartir la breve charla que Mauricio Limón tuvo con WARP MAGAZINE. ¿Cómo te convertiste en artista? Eso es algo que sigo preguntándome todavía; tal vez fue cuando decidí que solamente iba a pintar naturalezas muertas, pero podría decir que llevo pintando la mitad de mi vida; así que si algo sé hacer, es pintar. El dibujo y otros medios, como el video y la

Su obra ha sido expuesta en el Museo Carrillo Gil (México), en el Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en el Musée d’art Contemporain du Val de Marne (París) y en Casa Luis Barragán (México), sólo por mencionar algunos. Siempre ha tenido interés en las afecciones emocionales, representando las cosas con lucidez, sin olvidar la expresión artística que a veces incluye un análisis científico; por ello ha sido reconocido, este 2010, por la Fundación Pollock-Krasner. Dentro de todas las cosas que has experimentado en este viaje como artista,

¿Cuál sería tu consejo para los nuevos talentos que quieren destacarse en la escena artística mexicana? ¡Que no vayan a la escuela! Aprendan a respirar fuera del arte. El origen de su expresión es rotundamente colorido y destaca una sobredosis de verdad siempre enriquecida con un poco de inocencia. Habla de amaneceres, sentimientos y, en mayor medida, como todo buen artista, de sensaciones, pues juega con un presente colectivo de la realidad misma, convirtiéndose en el cómplice de la fragilidad humana. Para conocer más del trabajo de Mauricio Limón y de sus próximos proyectos y exposiciones, pueden visitar: www.mauriciolimon.com

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instalación, son cosas que necesito abordar para no quedarme impregnado en una sola superficie.

¿Cuál es tu proceso creativo? ¿Eres de los que hace bocetos o sólo comienzas a trabajar a la deriva? Me encantaría dejarme llevar por la marea y revolcarme. La verdad no lo sé; tengo varios procesos, pero me gusta que las ideas se fermenten primero.

warp magazine / www.warp.com.mx

es Mauricio reconocido como un artista orgullosamente mexicano que está en constante nto y movimie ción. evolu

AEROSMITH Walk This Way

Francisco Camino

Fundada en Boston, en 1971, esta banda es un ejemplo claro de lo que es seguir los ideales y estilo musical, pues en un principio incluso fueron condicionados por varias disqueras, si querían ser firmados, para alienar su imagen y adoptar el estilo de bandas como The Who y Led Zeppelin. Afortunadamente eso nunca pasó y ahora Aerosmith es una de las bandas más representativas del hard rock, su calidad musical ha conquistado distintos públicos y han logrado hacer el crossover entre el rock, el pop, el metal y el alternativo, entre otros. Desde sus inicios, Aerosmith estuvo integrado por el legendario guitarrista Joe Perry y el bajista Tom Hamilton; posteriormente se integraron Steven Tyler en las vocales, Joey Kramer en la batería, y Ray Tabano en la segunda guitarra, este último reemplazado por Brad Whitford, logrando un éxito considerable con esta alineación.

Universal Music y Sony Music

Una vez firmados con una disquera importante, en 1973 publicaron su primer álbum, homónimo, en el cual encontramos verdaderos clásicos del rock, como ‘Mama Kin’, ‘Somebody’, ‘Walking The Dog’ y ‘Dream On’, esta última considerada como la primera “Power Ballad” en la historia del rock, lo que marcó toda una tendencia en los grupos del estilo, al incluir casi

Hoy en día Aerosmith sigue haciendo música por el simple placer de hacerlo; no son una banda activista y no tienen la pretensión de salvar al mundo para vender más.

siempre una balada en sus producciones. Para entender esto, grupos como Scorpions, Metallica, Guns N’ Roses, Poison y U2, entre muchos más, han tenido sus mayores éxitos radiofónicos precisamente con la ayuda de las baladas de este tipo. En 1974 se publica un álbum titulado Get Your Wings, que se convertiría en la parte iconográfica del rock, ya que en la portada se podían ver las alas enmarcando las letras del nombre de la banda y, a la fecha, es unos de los diez logos de la música más reconocidos en todo el mundo. Un año después, los temas ‘Sweet Emotion’, ‘Walk This Way’ —que tiempo después fuera covereada de gran manera por la propia banda, al lado del rapero Run DMC— y ‘You See My Crying’, se convirtieron en clásicos dentro del gran álbum Toys In The Attic, producción que tan sólo en los Estados Unidos vendió más de 8 millones de copias.

VINTAGE // WARP30 DISCOGRAFÍA • Aerosmith (1973) • Get Your Wings (1974)

• Toys In The Attic (1975) • Rocks (1976) • Draw The Line (1977) • Night In The Ruts (1979) • Rock In A Hard Place (1982) • Done With

Vacation (1987)

• Pump (1989)

• Get A Grip (1993) • Nine Lives (1997) • Just Push Play (2001) • Honkin’ On Bobo (2004) • Devil’s Got A New Disguise (2006)

En los setenta había una férrea competencia de producciones, sencillos y giras entre las bandas de rock de la época lo que, aunado a la proliferación de las drogas, hizo que los integrantes de Aerosmith sucumbieran, pues no obstante que la calidad de sus discos era indiscutible, la intensidad —dado su estatus de rockstars— les hizo cometer excesos que repercutieron en la vida interna de la banda y, obviamente, en su salud: en 1979, Tyler sufrió un colapso en pleno concierto, mientras que Perry, debido al abuso del alcohol, se mostraba torpe en las presentaciones. Las consecuencias: la separación de Joe Perry y del bajista Brad Whitford. Esta primera crisis, en el pináculo de su carrera, tuvo consecuencias de inmediato, pues sin dos de los músicos quienes desempeñaban un papel preponderante en la calidad y creatividad de la banda, cayeron en picada. Los músicos que los sustituyeron simplemente no lograron adaptarse a las exigencias de su

público y la gira promocional del álbum Rock In A Hard Place —su única producción entre 1980 y 1984— fue la más floja en asistencia. La crisis de popularidad se agudizó con un nuevo colapso de Steven Tyler, provocando la suspensión de la gira. En 1984, sin embargo, hubo una reconciliación: Perry y Whitford visitaron a sus ex compañeros, logrando volver a trabajar juntos. Y siete años tuvieron que pasar para que el binomio TylerPerry regresara a Aerosmith al primer plano, al lanzar su novena producción, Permanet Vacation, aunque su gran empuje, para terminar de consolidar su éxito, fue en 1989, con el álbum Pump, en el cual se hizo un remake del tema ‘What It Takes’, con la participación del rapero Desmond Child; dicho tema superó, y por mucho, la versión original de 1975, siendo considerada por la crítica especializada como unos de los cien mejores temas del rock de todos los tiempos. El álbum Get A Grip marcó toda una novedad en cuanto a

los videos musicales, pues los temas ‘Amazing’, ‘Crying’ y ‘Crazy’, fueron una historia en tres partes que lanzó a la fama a Liv Tyler, hija del vocalista de la banda. La década de los noventa fue de constante trabajo para Aerosmith, pues el citado Get A Grip y el Nine Lives, fueron los más vendidos de esa década. En el nuevo milenio apenas han publicado un par de álbumes, pero siempre debutando en los primeros lugares, y no ha habido grupo de rock estadounidense más exitoso que Aerosmith: hasta la fecha, están cerca de las 200 millones de copias vendidas, son la banda con más reconocimientos en oro y platino por sus discos, han conseguido diez primeros lugares en las listas, han ganado Grammys, y en giras mundiales sólo son superados por los Stones. Hoy en día Aerosmith sigue haciendo música por el simple placer de hacerlo; no son una banda activista y no tienen la pretensión de salvar al mundo para vender más.

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• Permanent

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Mirrors (1985)

ENCORE // WARP30

ZACK DE LA ROCHA (Rage Against The Machine) José Villanueva

Samantha López

Luego de algunos años de separación y de múltiples proyectos, Rage Against The Machine, desde su reunión de 2007, parece más unido que nunca, y han realizado diversas giras desde entonces. Zack De La Rocha, su vocalista, además encabeza el proyecto The Sound Strike, que intenta boicotear la infame Ley SB1070 que criminaliza a las personas latinas en el estado norteamericano de Arizona. Cada concierto de Rage es un apoyo constante a este tipo de acciones a nivel mundial, aquí en una de las últimas presentaciones de la banda en Rock In Río, Madrid.

Warp Magazine 30: Especial A単o 3